Tirages pigmentaires d'art

Cartes du métro de New York IV Édition limitée Peinture en aérosol Embellie à la main Impressions pigmentaires HPM d'archives sur papier Moab Fine Art par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2019. Tirage d'art en édition limitée à 15 exemplaires, signé et numéroté. Format : 43,2 cm x 61 cm (17 x 24 pouces). « Plans du métro de New York IV », 2019. Tirage pigmentaire d'archive en couleurs avec embellissements à la main sur papier Moab Fine Art. Édition limitée à 15 exemplaires. Signée et numérotée au crayon en bas à gauche. Une déchirure de 1,25 cm (0,5 pouce) est visible sur la bordure inférieure gauche. L'intégration des récits urbains : les cartes du métro de New York de Cope2 IV « New York City Subway Maps IV » de Cope2 est une fusion dynamique entre l'énergie brute du graffiti et l'esthétique raffinée du Pop Art moderne, incarnant le pouls de la vie urbaine sur un objet tangible témoignant du quotidien new-yorkais. Cette série limitée de 2019, composée de seulement 15 exemplaires signés et numérotés, représente une contribution majeure au mouvement du Street Pop Art et du graffiti. Chaque pièce, de format 43 x 61 cm, est une impression pigmentaire d'archive rehaussée à la main sur papier Moab Fine Art, offrant un mélange unique de culture urbaine et d'art contemporain. La signature de Cope2 authentifie l'œuvre, et son numéro d'édition est inscrit au crayon en bas à gauche. L'un des exemplaires présente une petite déchirure de 1,3 cm, ajoutant à son authenticité. L'œuvre constitue une archive visuelle de l'histoire du graffiti new-yorkais, immortalisant cet art spontané, souvent éphémère, qui orne les plans du métro de la ville. Originaire du Bronx, Cope2 apporte à son travail authenticité et crédibilité, fort d'une réputation de plus de trente ans sur la scène graffiti. Son œuvre « New York City Subway Maps IV » reflète la nature complexe et stratifiée de l'art urbain, où tags et symboles s'entremêlent pour raconter l'histoire des divers habitants de la ville. À la croisée du street art et des beaux-arts chez Cope2 L'œuvre de Cope2 se situe à la croisée du street art et des beaux-arts, capturant l'essence de l'un dans la forme de l'autre. Ses pièces dépassent la simple représentation du graffiti ; elles sont le fruit de l'expérience vécue de l'artiste et de son interaction avec l'environnement urbain. Les couleurs vives et saturées, ainsi que les coups de pinceau énergiques, évoquent l'âge d'or du graffiti des années 1980 et 1990, lorsque des artistes comme Cope2 ne se contentaient pas d'embellir la ville, mais marquaient des territoires et exprimaient des identités. Le format limité de « New York City Subway Maps IV » et les embellissements réalisés à la main par Cope2 lui-même garantissent que chaque estampe est une œuvre unique, incarnant à la fois l'esprit du street art originel et la touche personnelle de l'artiste. La série encapsule la brutalité de la culture graffiti tout en la sublimant par la technique de l'estampe d'art, remettant en question les notions traditionnelles de ce qui constitue l'art et de qui est considéré comme un artiste. L'œuvre de Cope2 célèbre le langage visuel de la rue, présenté dans le contexte des beaux-arts. Elle offre un récit profondément ancré dans le tissu culturel new-yorkais, offrant un aperçu d'un mouvement qui a évolué de la marge vers le courant dominant. La série « New York City Subway Maps IV » rend non seulement hommage à l'histoire du street art, mais affirme également sa place dans la continuité de l'art contemporain. À travers son travail, Cope2 continue d'influencer et de façonner le dialogue autour du street art et du graffiti, garantissant ainsi que le dynamisme de la culture urbaine demeure un élément essentiel du discours du monde de l'art.

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C'est toi dont je rêve. Estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archivage AP sur papier pressé à chaud par l'artiste Chris Austin. Épreuve d'artiste (AP) 2021, signée, format 16x16, édition limitée à 10 exemplaires. Imprimée sur papier d'archivage pressé à chaud, signée et numérotée.

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Senorita Lockheart, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts par Pooch Graffiti Street Artist Modern Pop Art.

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Achetez On the Shoulders of Tiny Giants I Édition limitée Archival Pigment Fine Art Prints on Canvas par l'artiste Graffiti Street Art et Pop Culture Dave Pollot. Impression sur toile 40" : -Édition de 25, signée et numérotée -40" sur le côté long -Imprimée sur une toile pH neutre 17 mil. 2" de marge blanche entourant l'image

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Covid No 19 - Juane, tirage pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires. Gel hydroalcoolique Chanel inspiré du virus Covid-19. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Tirages pigmentaires HPM d'archives, édition limitée, rehaussés à la main, par Denial Graffiti Street Artist, sur papier d'art fin, avec collages, aérosols, crayons et vernis. Tirage d'art pigmentaire d'archives, édition limitée numérotée et signée, encadrée sur mesure, agrémenté de collages, d'aérosols, de crayons et de vernis. Dimensions : 45,2 x 60,3 cm (17,8125 x 23,75 pouces). Sortie : 9 décembre 2021. Tirage : 15 exemplaires. Le Versace recyclé du déni : la médecine du branding dans le pop art urbain contemporain L'œuvre « Decycled Versace » de Denial, publiée en 2021 sous forme d'estampe pigmentaire d'archive rehaussée à la main, poursuit l'exploration incisive par l'artiste du culte des marques, de la construction identitaire et de l'esthétique séduisante du consumérisme. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 15 tirages mesure 45,2 x 60,3 cm et est unique, modifié par des collages, des aérosols, des crayons et des couches de vernis. Encadrée d'un cadre baroque doré, l'œuvre présente une grande capsule stylisée – ornée de la tête de Méduse iconique de Versace – sur un fond de motifs dentelés et de champs de couleurs fragmentés. La capsule porte la mention « 100MG », renforçant ainsi son identité à la fois d'objet visuel et de drogue conceptuelle. Denial, également connu sous le nom de Daniel Bombardier, utilise la pilule comme forme centrale dans sa série « Decycled » pour commenter la nature addictive du statut social et le rôle des logos de luxe dans la construction de l'identité moderne. En intégrant le logo Versace à l'intérieur de la capsule, l'œuvre assimile la consommation de marques à l'automédication. Ce geste n'est ni une glorification ni une condamnation ; c'est une mise à nu. Le logo devient un ingrédient, dosé avec précision pour susciter une forte émotion ou un impact social. Ainsi, Decycled Versace critique non seulement la marque, mais aussi les systèmes culturels qui érigent de tels symboles en quasi-mythologie. Bruit visuel et perturbation symbolique Le fond de « Decycled Versace » est composé de profondes diagonales, de textures éclaboussées, de trames et de traits de peinture expressifs. Ces éléments font référence à la fois aux techniques traditionnelles du graffiti et à l'esthétique du design numérique. La superposition crée une tension visuelle qui refuse toute immobilité ou résolution facile. Sur ce fond chaotique, la forme lisse et lumineuse de la pilule apparaît presque stérile par contraste. L'effet est désorientant mais intentionnel : le luxe, semble suggérer l'œuvre, s'épanouit lorsqu'il est placé au-dessus du désordre qu'il prétend effacer. La tête de Méduse, emblème historique de Versace lié à la mythologie grecque et aux thèmes du désir et du danger, est ici réinterprétée comme une icône de l'hypnose consumériste. Intégrée à la pilule, elle devient un objet d'intériorisation. L'utilisation de trames et de techniques de pochoir brutes par « Denial » déstabilise davantage l'aura lisse de la marque, rappelant aux spectateurs que derrière chaque logo impeccable se cache une illusion construite. Dans le contexte du Street Pop Art et du Graffiti, l'œuvre récupère l'espace visuel des systèmes marketing et le redistribue sous forme de critique artistique. L'illusion encadrée du pouvoir et de la permanence Le cadre doré orné qui entoure « Decycled Versace » joue un rôle crucial dans le message de l'œuvre. Traditionnellement associé au portrait classique et à la sacralité des galeries, ce cadre confère à l'œuvre une autorité artificielle. Mais cette vénération est contredite par son contenu : désordonné, chaotique, brisé. La forme de pilule, conçue pour paraître élégante et scientifique, flotte dans ce champ comme une relique sacrée. C'est dans la dissonance entre le raffinement matériel et la rébellion conceptuelle que l'œuvre tire toute sa force. La manipulation de l'objet d'art par Denial reflète la double vie des marques de luxe, souvent à la frontière entre exclusivité et visibilité de masse. « Decycled Versace » existe à la fois comme critique et comme artefact du système même qu'elle expose. En transformant les logos de marques en métaphores médicinales, Denial nous oblige à réévaluer la façon dont l'identité est consommée et dont le branding fonctionne à la fois comme symptôme et remède dans la culture moderne. Dans le langage du Street Pop Art et du Graffiti, cette œuvre fonctionne non seulement comme un commentaire, mais aussi comme une dose de clarté visuelle dans une culture accro à l'image.

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Kupuna Maka, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts blanc brillant 310 g/m² par Carl FK Pao, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette estampe est une reproduction d'une peinture originale de ma plus récente exposition solo qui s'est tenue en novembre à la galerie Mahoa d'Honolulu. Maka est un mot hawaïen aux nombreuses significations, mais il est plus connu pour désigner les yeux d'un visage. »

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Impression 3D sur bois découpée au laser, résistante aux UV, prête à être accrochée, par Buff Monster Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2020 signée et numérotée à 205 exemplaires. Œuvre d'art 3D à coloris UV « Happy ». Dimensions : 37 x 34 cm (14,5 x 13,5 pouces). « J'avais réalisé une toile similaire (et plus petite) sur bois pour mon exposition de l'an dernier, et elle a été vendue immédiatement. J'ai donc redessiné le motif pour cette nouvelle estampe, qui mesure environ 37 x 34 cm. L'œuvre est imprimée aux UV sur bois, les bords sont peints à la main et le verso est signé et numéroté. » – Buff Monster. Happy 3D par Buff Monster : Psychotropia ludique en format découpé au laser Happy 3D est une œuvre d'art exceptionnelle, une impression sur bois découpée à l'emporte-pièce et imprimée aux UV, créée par l'artiste new-yorkais Buff Monster en 2020. Cette édition limitée à 205 exemplaires, finie à la main, mesure environ 37 x 34 cm et arbore son esthétique signature : des monstres borgnes débordant de joie, d'excentricité et d'une explosion visuelle de couleurs. Découpée au laser selon une silhouette personnalisée et imprimée aux UV sur bois, l'œuvre fusionne la brillance d'une production haut de gamme avec la texture brute du matériau. Les surfaces sont encrées avec une palette de couleurs anaglyphes 3D aux nuances de rouge et de bleu, créant une illusion saisissante de mouvement et de dimension. Chaque exemplaire est signé et numéroté au dos, et ses bords peints à la main ajoutent une touche personnelle et tactile à sa fabrication. Prête à être accrochée, cette pièce unique allie l'esprit des objets de collection à la présentation d'une œuvre d'art urbain pop et graffiti digne d'une galerie. Buff Monster et le langage visuel de la joie Buff Monster, né Herschel Baltrotsky aux États-Unis, est célèbre pour son univers coloré et coloré, peuplé d'yeux fondants, de monstres glacés et d'abstractions cosmiques ludiques. Issu de la scène street art de Los Angeles, puis installé à New York, il est devenu une figure incontournable du Street Pop Art et du graffiti. Son œuvre mêle régulièrement culture pop japonaise, influences graffiti, musique punk et esthétique des années 80, créant des pièces qui célèbrent la couleur, la texture et l'exagération des émotions. Happy 3D s'inscrit dans cette thématique avec sa palette hallucinogène et sa finition brillante, poursuivant ainsi l'exploration des formes tactiles et de la narration tridimensionnelle propre à Buff Monster. Après une carrière marquée par les fresques, les stickers et les figurines en vinyle de collection, son passage aux panneaux de bois et à la technologie UV témoigne de son ouverture aux nouveaux formats, tout en conservant l'ADN visuel irrévérencieux de la culture urbaine. Matérialité, technique et identité pop urbaine Happy 3D n'est pas une simple impression à plat : c'est une expression sculpturale du savoir-faire numérique et manuel. Le procédé d'archivage UV permet une impression en couleur d'une précision éclatante directement sur bois, conférant à l'illustration une texture permanente. La découpe laser dessine une silhouette dynamique, accentuant la forme bulbeuse et la présence ludique du monstre. Le choix de Buff Monster de peindre les bords à la main témoigne de son attachement au fait main, même au sein d'un processus assisté par la technologie. Ces choix de matériaux reflètent l'esprit du Street Pop Art et du graffiti, où les méthodes de production sont aussi importantes que l'image elle-même. Ici, la joyeuse étrangeté du sujet – une créature à un œil faite d'une substance visqueuse et vaporeuse – dépasse la simple conception d'un personnage. Elle devient un objet tactile, un emblème de fantaisie visuelle ancrée dans les traditions punk DIY. Un objet de collection de chaos contrôlé Limitée à 205 exemplaires, Happy 3D est à la fois sculpture, estampe et œuvre murale. Elle mêle humour et horreur dans une esthétique pop contemporaine. Son sujet évoque les thèmes récurrents de Buff Monster : le plaisir éphémère et l’émotion surréaliste. Son regard fixe et captive l’attention, tandis que son corps en fusion suggère une instabilité sous une apparente élégance. Cette pièce se situe à mi-chemin entre une relique du street art et un objet design de collection. Elle capture l’optimisme audacieux et la profusion visuelle qui caractérisent la démarche de Buff Monster, prouvant que le street art et le graffiti continuent d’évoluer grâce à de nouveaux outils et formats, sans rien perdre de leur essence exubérante, singulière et joyeuse.

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Achetez 30 tirages pigmentaires d'archives HPM embellis à la main en édition limitée sur du papier Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² par Keo X-Men graffiti street artiste pop art moderne. 30 Grand (MF DOOM Tribute) 14 x 24 pouces Orné à la main, signé et numéroté par KEO dans une édition limitée embellie de 25 Une partie des bénéfices a été reversée à la succession de MF DOOM.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée de Steve et Dave sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par Tyree Guyton, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette image fait partie de ma série « Visages de Dieu ». Je travaille sur cette série depuis 25 ans. On m'a dit qu'il faut parfois une dizaine d'années pour peaufiner une série. J'ai dépassé cette simple recherche de la perfection pour développer mon propre style, prendre du plaisir à créer et donner vie à des personnages intéressants. C'est ma façon d'appréhender la vie humaine et de créer une forme de magie. Je suis impatient que ces images soient partagées avec le monde. Elles m'amènent à me demander : qui est Dieu ? Pourquoi sommes-nous créés à son image ? Avec cette série, j'essaie de comprendre cette entité que nous appelons Dieu et, en même temps, de comprendre la vie. » – Tyree Guyton

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Tirages d'art en édition limitée « Only Wild Around People » sur papier beaux-arts, réalisés par Ben Kehoe, artiste de rue graffiti et pop art moderne.

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Castle- PP Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée, œuvre d'art Mario sur papier beaux-arts par l'artiste de culture pop moderne Scott Listfield . Épreuve d'imprimerie PP 2014 signée , tirage pigmentaire d'archive 11x14 représentant un astronaute contemplant un château européen, debout sur un tuyau de Mario (jeu vidéo). Dans l'univers dynamique du pop art moderne, on observe une intersection fascinante entre les éléments de la culture populaire et les techniques artistiques contemporaines. L'estampe « Castle - PP Archival Pigment Print », créée par le célèbre artiste de la pop culture Scott Listfield, illustre parfaitement cette fusion. Réalisée en 2014, cette œuvre en édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, témoigne de la vision et de la créativité uniques de Listfield. Puisant dans le vocabulaire visuel des jeux vidéo et de l'architecture historique, l'estampe met en scène un astronaute, symbole de la soif d'exploration de l'humanité, contemplant un château européen. Mais ce qui rend l'image encore plus captivante, c'est la position de l'astronaute : perché sur un tuyau de Mario, clin d'œil à l'un des jeux vidéo les plus emblématiques de tous les temps. Le choix du pigment d'archivage comme médium est particulièrement remarquable. Il garantit la longévité de l'œuvre et restitue les nuances des détails minutieux de Listfield. Ces estampes sont bien plus que de simples œuvres d'art ; Ce sont des témoignages historiques qui perpétuent l'esprit de la culture populaire de leur époque. La signature de l'artiste et la mention « PP Printers Proof » authentifient l'estampe et lui confèrent une valeur inestimable parmi les objets de collection. En juxtaposant la grandeur ancestrale d'un château européen à la figure d'un astronaute contemporain et à un élément de jeu vidéo, Listfield établit un pont entre les époques, remettant en question nos perceptions et suscitant une réflexion profonde sur le temps, la culture et la continuité de l'histoire humaine, au sein du vaste champ de l'art pop, du street art et du graffiti.

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Action en toutes saisons - Tirages d'art en édition limitée, rehaussés à la main, sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ces One-Rob Provenzano. Action en toutes saisons • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Embellissements uniques supplémentaires à l'aérosol et à l'encre sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) Embelli à la main, signé et numéroté par l'artiste CES dans une édition limitée embellie de 10 exemplaires

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Deux Muses Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Brandon Boyd œuvre d'art LSD de la culture pop. Le travail de Brandon Boyd en tant que chanteur et compositeur, aussi bien en solo qu'avec son groupe de rock aux multiples disques de platine, est bien connu et unanimement salué. Mais aujourd'hui, son autre passion, la peinture, attire de plus en plus l'attention et se constitue un public fidèle.

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67 Mustang, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Planche de skateboard Paul's Boutique Deck Limited Edition Archival Pigment Print, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Ricky Powell. 2019 Signé et numéroté au verso Transfert d'impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid Taille : 8 x 31,875 pouces Sortie : 19 novembre 2019 Ricky Powell (1961-2021) Paul's Boutique, 2019 Impression pigmentaire d'archives en couleurs sur planche de skate 32 x 8 pouces (81,3 x 20,3 cm) Éd. 37/75 Numéroté à l'encre au verso. La fusion de la culture skate et du pop art urbain dans la planche Paul's Boutique de Ricky Powell La convergence de la culture skate et du street art pop incarne une forme d'expression urbaine singulière, qui a acquis une grande notoriété et le respect du milieu artistique. Ce mélange unique est magnifiquement illustré dans la planche de skateboard Paul's Boutique Deck, une édition limitée ornée d'une impression pigmentaire d'archives réalisée par le célèbre artiste de street art pop Ricky Powell. Sortie le 19 novembre 2019, cette pièce célèbre l'esthétique urbaine et les sensibilités de la culture pop, incarnant l'esprit de la rue grâce à son design saisissant et ses références culturelles. L'héritage artistique et l'influence urbaine de Ricky Powell Ricky Powell, né en 1961 et disparu en 2021, était une figure emblématique du street art. Reconnu pour ses photographies brutes et spontanées qui capturaient l'essence même de la vie urbaine new-yorkaise et de l'âge d'or du hip-hop, l'œuvre de Powell transcende le simple attrait visuel. Son incursion dans l'univers du skateboard avec la planche Paul's Boutique a consolidé sa réputation d'artiste capable de naviguer avec aisance entre les médiums tout en restant profondément ancré dans la culture urbaine. La planche elle-même, mesurant 81 x 20 cm, témoigne du sens du détail de Powell et de son talent pour raconter une histoire par l'image. L'impression pigmentaire d'archives présente des couleurs à la fois vibrantes et caractéristiques de l'époque où Powell s'épanouissait. Numérotée 37 sur 75, chaque pièce de cette série limitée porte l'empreinte de la vision de Powell, sa signature et sa numérotation au verso soulignant l'exclusivité et le caractère collector de l'œuvre. Les planches de skateboard comme supports d'expression pour le street art Les planches de skateboard sont depuis longtemps reconnues comme des supports d'expression artistique, souvent ornées de motifs reflétant le style ou la philosophie du skateur. Cependant, lorsque des artistes comme Ricky Powell s'emparent de ce médium, les planches transcendent leur fonction première et deviennent de véritables œuvres d'art urbain. La planche Paul's Boutique, avec son impression pigmentaire d'archives sur une planche naturelle pressée à froid et à profil incliné, se transforme en une fresque mobile, une œuvre de graffiti portable qui porte l'esprit indomptable du street art partout où elle va. Le choix de la planche de skateboard comme support est délibéré et témoigne de l'importance subculturelle du skateboard dans le paysage urbain. C'est un clin d'œil à l'esprit DIY des skateurs et des artistes de rue, une célébration des mouvements contre-culturels qui ont façonné l'esthétique et les philosophies de générations entières. Le travail de Ricky Powell sur cette planche brouille les frontières entre art et utilité, entre galeries et rues, créant une œuvre qui trouve aussi bien sa place dans une collection privée que sur les rampes et les trottoirs de la ville. La planche Paul's Boutique Deck est un vibrant hommage au pop art et au graffiti, figures emblématiques de la culture urbaine. Fruit du travail de Ricky Powell, cette planche de skateboard en édition limitée symbolise la synergie entre l'art et les sous-cultures qui l'inspirent. Témoin d'histoire, elle capture l'âme de la ville sur le bois et témoigne du pouvoir de l'art à sublimer les récits de la rue.

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Skate or Diet - Tirage d'art en édition limitée, grand format, à base de pigments d'archives, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de street graffiti pop moderne Denial. Tirage d'art pigmentaire signé et numéroté 2021 sur papier Moab Entrada Fine Art 290 g/m². Format : 61 x 91 cm. Sortie : 4 novembre 2021. Tirage limité à 25 exemplaires. Légères marques de manipulation Les supports et les techniques utilisés par l'artiste varient, allant de la peinture aérosol à la gravure, en passant par la sculpture et les créations en bois. La thématique de ses œuvres est tout aussi diverse et s'étend de la critique du capitalisme et des grandes marques à la satire des théories du complot.

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JP the Money Bear Wave Deck - Orange Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist King Saladeen. Édition limitée 2019 à 250 exemplaires, signée, avec certificat d'authenticité, neuve sous emballage.

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Super Sporm, tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Keo X-Men. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 17 x 13 pouces. Super Sporm imprimé sur papier d'archivage Moab Entrada Rag Bright 290 g/m², 43 x 33 cm. Signé et numéroté à la main par KEO, édition limitée à 20 exemplaires.

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Supreme Exit - Black Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Supreme. Sortie en mars 2021 pour la collection printemps-été 2021 de Supreme, la planche de skateboard Supreme Exit a rencontré un vif succès auprès des skateurs et des collectionneurs. Elle arbore le logo Supreme classique ainsi qu'une image de personne en train de courir, motif généralement associé à un panneau de sortie de secours.

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Dead On Blotter Paper, impression d'art en édition limitée avec pigments d'archivage sur papier buvard perforé, par Herbie Greene, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Dead On par Herbie Greene : Grateful Dead, Haight-Ashbury et le cœur psychédélique du street art et du graffiti « Dead On » est une estampe pigmentaire d'archives de 19 x 19 cm sur papier buvard perforé, signée et numérotée, réalisée par Herbie Greene et publiée le 19 avril 2021. Chaque exemplaire est accompagné d'un certificat d'authenticité et a été perforé à la main par Zane Kesey, renforçant ainsi le lien historique avec l'art du buvard de LSD. Cette composition saisissante, à la fois nostalgique et provocatrice, présente une image en noir et blanc du Grateful Dead à l'angle mythique des rues Haight et Ashbury à San Francisco. Greene utilise la couleur avec parcimonie mais de manière stratégique : des flammes jaillissent d'une voiture ancienne, le logo rouge, blanc et bleu de « Steal Your Face » s'affiche sur le trottoir, et le texte « DEAD FIFTY YEARS » brille en rouge et or dans le coin supérieur droit. Il en résulte une collision d'époques, d'attitudes et d'iconographies qui incarne l'esprit rebelle du Street Pop Art et du graffiti. Né aux États-Unis, Herbie Greene s'est fait connaître en documentant l'explosion psychédélique des années 1960, notamment comme photographe officieux du Grateful Dead. Dans « Dead On », il transforme un moment historique en un monument symbolique de l'énergie de la contre-culture. L'attitude désinvolte du groupe, au cœur de la révolution hippie de San Francisco, semble intemporelle et vivante, une force décuplée par le format buvard. Le LSD et le Grateful Dead partagent depuis longtemps un héritage intimement lié, et l'impression de cette image sur papier perforé fait de ce tirage un témoignage de transformation à la fois visuelle et chimique. L'utilisation sélective de la couleur sur fond de gris confère à l'œuvre une immédiateté brute qui fait écho à la force émotionnelle des collages, des tags au pochoir et des affiches de concerts artisanales. Documenter la contre-culture à travers les médias psychédéliques Le carrefour de Haight et Ashbury n'est pas qu'un simple lieu dans cette estampe : c'est le symbole d'un soulèvement social et artistique qui a marqué une époque. En immortalisant les Grateful Dead à cet endroit, Herbie Greene documente bien plus qu'un groupe de musique. Il préserve une période où l'art, la musique et la conscience se redéfinissaient par l'expérimentation et la résistance collectives. Les voitures anciennes, les immeubles résidentiels et les devantures de magasins, laissés intacts en niveaux de gris, renforcent la réalité photographique de l'instant, tandis que les touches de couleur, évoquant des graffitis, font ressortir l'esprit de contestation, le psychédélisme et l'ardeur spirituelle. L'utilisation de buvard ajoute une dimension symbolique plus profonde. Ce choix de matériau n'est pas dû à un hasard. Il s'agit d'un clin d'œil délibéré au rôle joué par l'art visuel dans l'amplification ou la réflexion des expériences sous LSD durant les années 1960 et au-delà. La perforation de l'estampe par Zane Kesey inscrit cette histoire dans la continuité. Son lien avec les Merry Pranksters originaux et sa préservation des traditions de l'impression psychédélique garantissent que chaque feuille contient plus que de l'encre : elle porte l'énergie d'une lignée culturelle qui n'a jamais cessé de remettre en question le statu quo. Résistance visuelle et esthétique du pop art urbain Dead On brouille la frontière entre documentation et confrontation. L'ajout de feu – jaillissant littéralement de l'arrière-plan – transforme un paisible portrait de rue en un spectacle surréaliste. Le message visuel s'inscrit pleinement dans les principes du Street Pop Art et du graffiti, où les espaces publics sont métamorphosés par la couleur, le message et la distorsion. Les visages stoïques des Dead contrastent avec l'intensité du feu et la typographie pop audacieuse, créant une tension entre une défiance calme et une révolution ardente. Cette technique, qui mêle réalisme photographique et ajouts stylisés, rappelle la manière dont les artistes de rue utilisent des collages ou des superpositions peintes sur des photographies ou des estampes dans l'espace urbain. Elle évoque un monde où la mémoire est constamment façonnée par l'expérience, où les moments sacrés peuvent être revisités et recontextualisés par l'art. En ajoutant une fresque psychédélique au sol et des flammes menaçantes, Greene ne se contente pas de célébrer le passé ; il le réinvente pour le présent. Le message devient un message de persévérance, de renouveau culturel et de vérité brute. Herbie Greene et la mémoire imprimée du son et de la vision La contribution d'Herbie Greene à la culture visuelle américaine embrasse la musique, la photographie et l'art psychédélique. Avec Dead On, il présente bien plus qu'un simple groupe ou un lieu : un monument vivant à un mouvement dont l'écho résonne encore aujourd'hui. Le lien entre les Grateful Dead et l'art visuel a toujours été au cœur de leur légende – des pochettes d'albums aux affiches – et l'œuvre de Greene amplifie cette histoire par une surface tactile qui évoque une époque où l'expérience visuelle était indissociable de l'expérience sensorielle. Dead On est plus qu'une photographie. C'est une mémoire construite, matérialisée sur un matériau qui, jadis, a bouleversé les consciences et inspiré des révolutions. Elle puise ses racines dans le Street Pop Art et le graffiti, où le langage visuel est brut, urgent, conçu pour la pérennité comme pour l'éphémère. Avec cette œuvre, Herbie Greene crée un espace où la nostalgie est active et où l'histoire reste imprégnée de la flamme de la rébellion psychédélique.

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Tirages d'art en édition limitée, imprimés sur papier beaux-arts, avec des pigments d'archivage, par Ben Frost, artiste de graffiti, de street art et de culture pop, dans le cadre de l'événement « Employé du mois ». Ben Frost (né en 1975) Employé du mois, 2014 Tirage pigmentaire d'archives sur papier Fine Art 17 x 17 pouces (43,2 x 43,2 cm) (feuille) Éd. 28/65 Signé et numéroté au crayon le long du bord inférieur et publié par 1xRUN, Detroit. Analyse visuelle de la culture pop « Employee of the Month » de Ben Frost est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée qui dissèque et réassemble la trame de la culture pop dans le contexte du street art et du graffiti. Créée en 2014 et éditée par 1xRUN à Detroit, cette œuvre est une tapisserie visuellement riche, imprégnant des images iconiques de sous-entendus subversifs caractéristiques du travail de Frost. L'estampe, mesurant 43 x 43 cm, illustre avec force comment le street art et le graffiti peuvent infiltrer le monde des beaux-arts grâce à leur énergie et leurs couleurs vibrantes. Né en 1975, Frost est reconnu pour ses visuels éclatants qui intègrent souvent des éléments de dessins animés, de publicité et d'images de marques emblématiques. « Employee of the Month » ne fait pas exception, présentant un amalgame de figures issues de différents univers médiatiques populaires. Ces images ne sont pas simplement juxtaposées, mais entrelacées pour créer un récit qui fait écho aux expériences culturelles partagées par l'artiste et le spectateur. Subversion et satire dans l'art de Ben Frost L'œuvre de Frost est une satire du système de reconnaissance et de récompenses en vigueur dans le monde de l'entreprise, illustrée par le badge « Employé du mois » qui se détache sur un fond chaotique d'icônes consuméristes. L'œuvre explore les thèmes de l'identité et de la reconnaissance dans un monde saturé de marques et de messages marketing. Chaque personnage et symbole est choisi avec soin pour refléter l'absurdité, voire le vide, qui peut accompagner la quête de reconnaissance dans une société capitaliste. Signée et numérotée par Frost, chacune des 65 éditions est une pièce de collection. Sa signature authentifie l'œuvre et l'inscrit pleinement dans son récit artistique, qui invite souvent le spectateur à repenser son rapport à l'imagerie omniprésente de la société de consommation. Interaction entre l'art urbain et la qualité d'archives L'utilisation de pigments d'archivage sur papier beaux-arts affirme la permanence que Frost souhaite conférer à son sujet, par ailleurs éphémère. Si le street art est souvent transitoire, la qualité d'archivage de ces tirages garantit la pérennité de la vitalité et du message de l'œuvre. Cette dualité reflète la nature brève mais percutante du street art et du graffiti : éphémères dans leur forme, mais indélébiles dans leur impact culturel. En résumé, « Employee of the Month » de Ben Frost allie l'esthétique du street art aux pratiques artistiques conventionnelles, célébrant la culture pop à travers un regard critique et souvent irrévérencieux. Ce tirage témoigne de la capacité de Frost à créer une œuvre à la fois accessible et complexe, offrant une critique nuancée du monde qui nous entoure. Par son travail, Frost continue de repousser les limites du street art et du graffiti, assurant ainsi à ces genres une place essentielle dans le discours artistique contemporain.

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Supreme Gucci Smashup Pill - Transfert d'impression pigmentaire d'archives en édition limitée Inverse Fine Art sur planche de skateboard naturelle pressée à froid par l'artiste de graffiti de rue Denial - Daniel Bombardier. Édition limitée numérotée de 50 exemplaires (2022) - Illustration de skateboard - Format 8,25 x 32 pouces Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8,25 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022. Du logo Gucci à ceux de Louis Vuitton et Supreme, en passant par les parfums Chanel et les cartes de crédit, il utilise ces produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. Il les recontextualise ainsi et les transforme de simples objets commerciaux en éléments de son héritage culturel.

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Papier buvard Know Your Product, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Tirage sur papier buvard 7,5 x 7,5 pouces. L'artiste contemporain australien Ben Frost est surtout connu pour son Pop Art audacieux et irrévérencieux. Son approche immédiatement reconnaissable de la culture populaire détourne l'iconographie quotidienne des plus grandes marques mondiales. Subvertissant le sens et les messages des médias traditionnels, le commentaire incisif de Frost sur la publicité, le divertissement et la politique est à la fois provocateur et controversé. L'essence même de son propos repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias dominants. Autrement dit, et comme il l'a déclaré par le passé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision médiocres, plus vous avez d'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire moderne est tout aussi fascinant. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il utilise et mélange dans une formation provocatrice. Le terme « controversé » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, en l'appropriation et la transformation de l'imagerie en arme contre le système même qui l'a engendrée.

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Credit Limit - Chasing The Blues, tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. 2020 Credit Limit - Chasing The Blues : une œuvre d'art sur le thème des cartes de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition limitée à 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Chasser le blues par le refus « Credit Limit : Chasing The Blues » est une estampe d'art pigmentaire d'archives provocatrice de Daniel Bombardier, alias Denial. Créée en 2020, cette œuvre fait partie de sa série emblématique « Credit Limit », qui critique la société de consommation et l'impact psychologique des systèmes financiers. L'estampe mesure 61 x 46 cm et est imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², reconnu pour sa qualité et sa durabilité exceptionnelles. Tirée à seulement 25 exemplaires, chaque estampe est signée, numérotée et estampillée au verso, garantissant son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. Le langage visuel de Chasing The Blues « Chasing The Blues » s'approprie le design familier d'une carte de crédit et le transforme en une métaphore visuelle saisissante des fardeaux émotionnels et financiers liés à la société de consommation moderne. La figure centrale – une femme en détresse, représentée dans des tons de bleu vibrants – souligne le poids émotionnel de la quête de stabilité financière dans un monde de plus en plus marqué par l'endettement. Son expression d'anxiété et de désespoir contraste fortement avec le design épuré et impersonnel de la carte de crédit en arrière-plan. Par cette juxtaposition, « Denial » critique l'illusion de luxe et de liberté souvent associée au crédit et met en lumière les difficultés cachées qu'il engendre. Le souci du détail et le style graphique audacieux rendent cette œuvre à la fois visuellement captivante et thématiquement profonde. La vision artistique du déni Daniel Bombardier est un artiste canadien dont l'œuvre explore souvent les thèmes du consumérisme, du capitalisme et des constructions sociales. « Chasing The Blues » illustre sa capacité à utiliser l'humour, l'ironie et l'imagerie de la culture populaire pour formuler des critiques percutantes. L'utilisation d'une carte de crédit comme motif central témoigne de son talent pour transformer des objets du quotidien en œuvres d'art qui invitent à la réflexion. La fusion du street art et de l'esthétique du graffiti opérée dans « Denial » donne naissance à des œuvres à la fois accessibles et profondément marquantes. L'impression pigmentaire d'archives sur papier MOAB de haute qualité garantit la vivacité et la longévité de son œuvre, en faisant une pièce maîtresse de toute collection. La pertinence culturelle de la limite de crédit : à la poursuite du blues « Chasing The Blues » trouve un écho particulier dans une société où angoisse financière et aspirations matérielles sont souvent intimement liées. En mêlant symbolisme d'entreprise et émotion humaine brute, Denial invite le spectateur à s'interroger sur le coût du consumérisme et les pressions des systèmes économiques modernes. Cette œuvre d'art constitue à la fois une critique et une réflexion sur l'influence omniprésente du crédit et de la dette dans la vie contemporaine. Tirée d'une édition limitée, elle revêt une valeur considérable, non seulement en tant qu'objet de collection, mais aussi en tant que témoignage culturel des luttes de son époque. Le travail de Denial continue de bousculer les conventions et de susciter le dialogue, confortant ainsi sa place de figure majeure du street art et du graffiti.

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Papier buvard « Head In The Clouds », édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre de Maria Smith inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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« Ce n'est pas facile d'être vert » - Tirage d'art en édition limitée, édition surdimensionnée, pigmentaire d'archives, sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) représentant Kermit la Grenouille (Muppets) et Jim Henson. Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m². Signée et numérotée. « It's Not Easy Being Green - Oversized Edition » est une œuvre d'art engagée, profondément ancrée dans l'esprit du pop art moderne. Elle mêle des éléments de la culture populaire à une réflexion sociétale sous-jacente. Réalisée par Ben Frost, artiste de street art pop moderne et talentueux, cette œuvre fusionne le personnage emblématique de Kermit la Grenouille, tiré des Muppets de Jim Henson, avec l'image contrastée de tests de dépistage de marijuana. Cette juxtaposition invite le spectateur à s'interroger sur les enjeux de l'acceptation sociale, l'influence des médias et l'évolution culturelle. Grâce à l'utilisation de pigments d'archivage, Ben Frost garantit la pérennité et la netteté de l'œuvre. La texture et la richesse du papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² subliment l'expérience visuelle, offrant un support idéal pour mettre en valeur la finesse de l'œuvre. Le choix d'un papier aussi haut de gamme témoigne de la volonté de créer une œuvre aussi agréable au toucher qu'à la vue. Sortie en 2021, cette œuvre en édition limitée est tirée à seulement 25 exemplaires, chacun signé par l'artiste, gage d'authenticité. Avec « It's Not Easy Being Green - Oversized Edition », Ben Frost continue de bousculer les conventions, repoussant les limites du street art et du commentaire sur la culture populaire. Cette œuvre témoigne de la dynamique en constante évolution du street art et du graffiti, illustrant comment les artistes contemporains s'approprient les icônes de la culture populaire pour exprimer des problématiques sociétales plus profondes.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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In Heaven Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Richey Beckett, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. L'estampe sur papier buvard « In Heaven » de Richey Beckett et l'évolution du pop art et du graffiti. « In Heaven », parue le 19 avril 2021, est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, créée par l'artiste gallois Richey Beckett. L'œuvre est imprimée sur du papier buvard perforé, un matériau historiquement associé à la distribution du LSD et à l'iconographie contre-culturelle. Mesurant 19 x 19 cm, cette édition a été signée, numérotée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Zane Kesey, fils de l'auteur et militant du LSD Ken Kesey, a perforé le papier à la main, ancrant ainsi davantage cette œuvre dans l'héritage de l'art psychédélique et ses liens avec les récits contestataires. En produisant une œuvre d'art sur papier buvard, Beckett s'engage directement avec le vocabulaire visuel de la conscience altérée et de la rébellion underground, thèmes centraux du Street Pop Art et du graffiti. Cette édition illustre la fusion entre l'illustration traditionnelle et les objets éphémères de la culture populaire. L'œuvre de Beckett n'est pas qu'une simple image statique ; Son support évoque une sous-culture spécifique, invitant à des associations avec l'expérimentation, le tabou et la libération. À l'instar des graffeurs qui investissent l'espace public pour provoquer des réactions, l'art du buvard insère des images radicales dans des contextes intimes, souvent transmis de main en main. Le choix de Beckett d'imprimer sur ce support réhabilite cette immédiateté tactile, transformant un objet potentiellement jetable en une forme de résistance et de réflexion à collectionner. Imagerie symbolique et technique dans In Heaven L'œuvre « In Heaven » révèle la complexité caractéristique de Beckett à travers une image qui semble mêler extase divine et transcendance personnelle. La composition est dominée par des formes fluides, la géométrie sacrée et des détails naturalistes. Plumes stylisées, bijoux ornementaux et motifs célestes imprègnent l'image d'un sentiment de rituel et de mythe. La figure, à la fois majestueuse et vulnérable, repose dans une position suggérant transformation ou abandon. Le contraste saisissant entre les riches couleurs des pierres précieuses et les lignes sombres témoigne de la maîtrise de Beckett dans l'utilisation de la couleur pour évoquer émotion et mystère. Ces qualités inscrivent l'œuvre dans la définition évolutive du Street Pop Art et du graffiti. Alors que l'esthétique urbaine privilégie souvent l'immédiateté et l'échelle, l'œuvre de Beckett se distingue par son intensité et son intimité. Elle partage néanmoins le même fondement culturel : une œuvre d'art conçue pour toucher viscéralement, abordant les thèmes de l'identité, de la mortalité, de la liberté et de la beauté d'une manière qui s'affranchit des contraintes traditionnelles des galeries. Son utilisation de techniques traditionnelles à l'encre, mêlées à des palettes de couleurs psychédéliques, répond directement à l'appétit contemporain pour des expériences visuelles riches en détails et imprégnées de spiritualité. L'héritage psychédélique et la nouvelle toile du pop art urbain L'impression sur papier buvard perforé est un choix artistique délibéré, porteur de plusieurs décennies d'histoire contre-culturelle. Dans les années 1960 et 1970, les buvards de LSD étaient souvent imprimés d'images pop emblématiques ou de symboles abstraits, leur conférant à la fois fonctionnalité et expressivité. La décision de Beckett de réaliser « In Heaven » sur ce même support transforme l'œuvre en un artefact qui brouille les frontières entre rituel, mémoire et protestation visuelle. Ceci fait écho à l'évolution du graffiti, du tag au muralisme, et à la transition du pop art de la satire à la critique sociale. La contribution de Beckett réside dans sa fusion de la technique classique et d'un format subversif. De même que le graffiti a transformé des murs délaissés en espaces sacrés d'expression de la vérité, cette œuvre métamorphose le papier buvard psychédélique en une plateforme d'élévation artistique. Le caractère limité de cette édition – entièrement réalisée à la main et imprégnée de références culturelles – invite les spectateurs à repenser les limites de ce qui constitue un art à part entière. Le rôle de Richey Beckett dans la réinvention des formes d'art psychédéliques Richey Beckett continue d'innover dans le domaine du street art et du graffiti en repoussant les limites des matériaux et des formats conventionnels. Avec « In Heaven », il revisite un format historiquement lié aux notions d'éveil, de danger et de liberté, et le réinterprète à travers un langage visuel précis et sacré. Ce mélange d'illustration mythique et de culture tactile rend son œuvre accessible tout en lui conférant une profonde dimension spirituelle. Alors que le buvardage suscite un regain d'intérêt chez les collectionneurs, la contribution de Beckett se distingue non seulement par sa profondeur esthétique, mais aussi par le dialogue culturel qu'elle relance. En collaborant avec des artistes comme Zane Kesey et en utilisant des formats qui défient les normes conventionnelles, Beckett défend les principes fondamentaux de l'art urbain moderne : la provocation, la réinvention et un engagement indéfectible envers une vérité personnelle incarnée. « In Heaven » est plus qu'une image : c'est une expérience physique, émotionnelle et symbolique, inscrite dans l'un des médiums d'impression les plus subversifs jamais utilisés dans l'art.

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Papier buvard Love Soup, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Slegh, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Papier buvard « I Can See the Music », édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Skel, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Recharge Fashion Addict - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée Supreme sur papier Canon Fine Art 330 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Épreuve d'artiste AP 2019, signée, édition limitée à 100 exemplaires, format 18 x 24 pouces Pilule de mode Supreme Designer. Épreuve d'artiste numérotée, signée, tamponnée au verso, édition normale de 100 exemplaires, 18 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier Canon Fine Art 330 g/m². En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Cacophonie, une impression pigmentaire d'archives multiple peinte à la main sur 3 niveaux de panneau acrylique découpé au laser, prête à être accrochée, par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre d'art en acrylique découpée au laser, format 18 x 18 pouces. « La Fille aux Poissons Rouges a été créée il y a près de dix ans. J'y reviens souvent, et c'est le personnage que j'ai créé depuis le plus longtemps. J'écris souvent des histoires pour ces personnages afin de m'aider dans la création de mes œuvres, mais elles ne sont généralement jamais partagées avec le public. La Fille aux Poissons Rouges est née en Chine continentale et a été élevée principalement par son père. Sa mère est décédée d'un cancer lorsqu'elle avait 18 mois. Enfant, elle était souvent très malade et on lui a finalement diagnostiqué une déficience du système immunitaire, bien qu'aucun diagnostic précis n'ait jamais été établi. C'est pourquoi elle porte toujours un masque et des gants. Son père élevait des poissons rouges pour gagner sa vie et lui a appris le métier dès son plus jeune âge. Ils travaillaient côte à côte et recevaient rarement des visites en raison de sa maladie. Être souvent très malade et avoir perdu sa mère ont rendu son enfance difficile. Comme la plupart des enfants, elle a cherché une explication à son malheur, une raison pour laquelle tout cela lui était arrivé, à elle et à son père. Finalement, elle a cru que sa maladie et le cancer de sa mère étaient une punition de la nature. Une malédiction pour avoir joué avec la nature en élevant des poissons rouges. » Finalement, son père décéda lui aussi. Contrainte de gagner sa vie et, par défi au destin, elle immigra clandestinement à Hong Kong. Il existe un célèbre marché aux poissons rouges à Mong Kok, rue Tung Choi, plus communément appelée « rue aux poissons rouges ». Son système immunitaire étant affaibli, le plus grand danger pour elle était les autres. En guise de défi au destin, elle s'installa dans l'une des villes les plus densément peuplées du monde. Elle obtint un étal rue Tung Choi. C'est là son défi : défier le destin et triompher, devenir maîtresse de son propre destin. Ces images sont des vignettes de sa vie à Hong Kong. Je n'ai jamais donné de nom à ce personnage. On la voit parfois avec un ghetto-blaster, car la musique devient une compagne essentielle de sa vie principalement solitaire. Dans l'œuvre « Cacophonie », je voulais qu'elle soit littéralement entourée par la ville. D'une certaine manière, je pense avoir essayé de créer un personnage qui incarne nombre de qualités auxquelles j'aspire. Pour me les rappeler. – Eddie Colla

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Credit Limit - Less is More, tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. 2020 Credit Limit - Moins, c'est mieux. Œuvre d'art sur le thème de la carte de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition limitée à 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Moins, c’est mieux (refus) « Credit Limit : Less is More » est une estampe d'art captivante, réalisée sur papier pigmentaire d'archives, par l'artiste canadien de street art et de graffiti Daniel Bombardier, alias Denial. Cette œuvre, qui fait partie de sa série « Credit Limit », est une critique audacieuse de la société de consommation, de la dépendance financière et de l'influence omniprésente des marques dans la société moderne. Créée en 2020, cette pièce de 61 x 46 cm est imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², garantissant une précision et une vivacité des couleurs exceptionnelles. Chaque exemplaire, tiré à 25 exemplaires seulement, est signé, numéroté et estampillé au verso, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art. Le commentaire visuel de Moins c'est plus « Less is More » transforme le design familier d'une carte de crédit en une œuvre d'art provocatrice qui remet en question les normes et les valeurs sociétales. La figure centrale, une femme à la peau verte et à l'expression mélancolique, est une réinterprétation saisissante du pop art. Son apparence stylisée, avec ses motifs en demi-teintes et ses couleurs vives, évoque l'esthétique graphique des bandes dessinées du milieu du XXe siècle. Le design de la carte de crédit présente des éléments et des logos habilement détournés pour refléter la critique du consumérisme formulée par Denial et les contradictions inhérentes à l'expression « moins, c'est plus ». La carte du monde en arrière-plan suggère la portée mondiale des systèmes financiers et leur influence sur les vies individuelles. Par la combinaison de ces éléments, l'œuvre propose une exploration nuancée de l'impact émotionnel et culturel du matérialisme. L'approche artistique unique du déni L'œuvre de Daniel Bombardier est reconnue pour sa capacité à mêler humour, satire et références à la culture populaire en des créations qui invitent à la réflexion. « Less is More » illustre son talent pour transformer des objets du quotidien en vecteurs de critique sociale. L'utilisation d'une carte de crédit comme élément central de l'œuvre témoigne de l'omniprésence du consumérisme et de son impact sur l'identité et les valeurs. Le souci du détail dans « Denial », de la netteté de l'impression pigmentaire d'archives au jeu dynamique des couleurs, confère à l'œuvre une force visuelle saisissante et une grande richesse thématique. Sa fusion du street art et du graffiti continue d'inciter le public à repenser son rapport à la société de consommation. La signification culturelle de la limite de crédit : moins, c'est mieux « Less is More » explore le paradoxe entre aspirations matérielles et conséquences psychologiques de la société de consommation. L'œuvre critique l'idée d'assimiler réussite financière et épanouissement personnel, soulignant la dissonance émotionnelle souvent associée à la quête de la richesse. Intégrée à la série « Credit Limit », cette œuvre renforce le propos de Denial sur les systèmes et idéologies qui façonnent la vie moderne. Son édition limitée souligne son exclusivité et sa valeur artistique, suscitant non seulement une forte résonance esthétique, mais aussi des débats essentiels. La capacité de Denial à conjuguer visuels audacieux et messages profonds fait de « Less is More » une œuvre phare du street art et du graffiti contemporains.

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Papier buvard Buttercup, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Mark Bode, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Kunta Kinte sur papier beaux-arts 310 g/m² par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Après le succès de sa première édition l'an dernier, POW! WOW! Taiwan, le plus grand festival de fresques murales au monde, revient en Asie et s'étend désormais au Japon avec de nouvelles fresques sur l'île de Tennoz à Tokyo, suivies de 3 semaines d'événements distincts à travers Taïwan !

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Dissection du lapin blanc, tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art naturel de qualité musée 300 g/m² par Nychos, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP 2013 Signée et marquée AP Format 16x16 « J'ai peint cette œuvre en janvier dernier, juste avant de partir pour Hawaï pour le Pow Wow. Elle figurait également dans ma récente exposition solo en Italie, où j'ai présenté certaines de mes dissections récentes. Le concept s'inspire des graffitis graphiques que je pratique depuis environ 2005, mais je tenais à disséquer celui-ci ! L'image est désormais le logo principal du Rabbit Eye Movement (REM). REM a débuté comme un concept de street art viennois, mais j'ai toujours perçu le Rabbit Eye Movement comme un hommage à tous les « lapins » actifs dans le mouvement de l'art urbain, quelle que soit leur mission. Le mouvement a grandi et REM s'est développé pour créer le REM ARTSPACE. Cet espace accueille des artistes nationaux et internationaux issus de genres tels que le graffiti, l'illustration urbaine, le street art, le lowbrow et l'imagerie de la culture pop. Il permet à la créativité individuelle et collective d'ouvrir les esprits et de cultiver une inspiration passionnée. » – Nychos. « La dissection du lapin blanc » de Nychos : un phénomène pop art moderne Dans le paysage urbain contemporain, rares sont les œuvres d'art qui ont autant marqué les esprits que « Dissection du Lapin Blanc » de Nychos, l'illustre graffeur de rue. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art naturel de qualité musée (300 g/m²), est une œuvre emblématique du pop art moderne et une pièce maîtresse du genre street art et graffiti. Créée en 2013 comme épreuve d'artiste (EA), cette œuvre de 40 x 40 cm tisse des récits complexes mêlant biologie, mythologie et culture urbaine sur une toile unique, saisissante et stimulante. Nychos : Explorations anatomiques et récits urbains Nychos, reconnu pour son approche unique du street art, utilise une technique singulière de dissection anatomique dans son travail. « Dissection du Lapin Blanc » en est un parfait exemple : un lapin est fendu en deux, révélant le fonctionnement complexe de ses organes internes. Cette œuvre a été conçue en janvier de cette année-là, alors que Nychos s'apprêtait à participer au Pow Wow à Hawaï, et est ensuite devenue une pièce maîtresse de son exposition personnelle en Italie. Le travail de Nychos explore les différentes strates qui composent les êtres vivants, reflétant une profonde fascination pour ce qui se cache sous la surface. En mariant l'énergie graphique des graffitis à la précision des dissections, Nychos a ouvert une nouvelle voie dans le street pop art. L'œuvre sert également d'emblème au Rabbit Eye Movement (REM), un concept né dans les rues de Vienne. Nychos conçoit le REM comme un hommage aux « lapins » du mouvement d'art urbain, symbolisant les acteurs de cette scène culturelle en plein essor, quelle que soit leur mission. Depuis, REM a évolué pour devenir REM ARTSPACE. Ce pôle créatif célèbre une grande variété de genres, du graffiti et de l'illustration urbaine au street art, en passant par le lowbrow et l'imagerie de la culture pop. Cet espace est dédié à l'épanouissement de la créativité individuelle et collective et constitue un lieu privilégié pour le libre échange d'idées, garantissant ainsi la progression et l'inspiration des artistes du monde entier. L'impact et l'héritage de l'œuvre de Nychos L'influence de « Dissection du Lapin Blanc » dépasse largement son impact visuel. Elle incarne l'impact profond de Nychos sur la scène du street art, illustrant le pouvoir transformateur des arts visuels dans l'espace urbain. L'œuvre témoigne de la maîtrise technique de l'artiste et symbolise son engagement à repousser les frontières traditionnelles du street art et du graffiti. Logo principal du Rabbit Eye Movement, elle est devenue synonyme d'un réseau mondial d'artistes œuvrant pour la promotion du street art. Par son travail et la création de REM ARTSPACE, Nychos a joué un rôle déterminant dans le débat autour du street art et de sa place au sein de l'art contemporain. En somme, « Dissection du Lapin Blanc » est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; elle est une pierre angulaire de la contribution artistique et culturelle de Nychos. Cette pièce incarne le dynamisme et la versatilité du street art et du graffiti, démontrant comment ces œuvres peuvent simultanément éduquer, inspirer et susciter la réflexion. Alors que la renommée de Nychos ne cesse de croître et que ses œuvres continuent de captiver le public du monde entier, l'héritage de son lapin blanc, disséqué et exposé, demeure un symbole durable du pouvoir et du potentiel du street art.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée LivEvil sur papier beaux-arts 310 g/m² par Van Saro & John Park, artistes de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre était notre quatrième ou cinquième collaboration. Les thèmes variaient, mais la composition restait assez constante : les magnifiques figures peintes par Van servaient de point d’ancrage à mes couleurs de fond et à mes personnages secondaires. La citation de Van est tirée du Bouddha. Nous avions conservé une certaine constance dans la composition de nos collaborations : généralement, une des figures à l’huile de Van, légèrement décentrée, servait de point d’ancrage, tandis que je m’occupais de la composition des couleurs de fond et ajoutais les personnages secondaires. Je ne crois pas que nous ayons discuté de quoi que ce soit avant de commencer. » – John Park

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Blotter Paper Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé par Modern Pop Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Impression par transfert de pigments d'archives en édition limitée Instagram Pill sur planche de skate naturelle pressée à froid, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Denial. Édition limitée 2019 à 50 exemplaires En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent de voir. Depuis, il mène une campagne de rue mondiale permanente, composée de plus de 500 000 autocollants, pancartes et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Paige sur papier buvard bleu, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Brandon Boyd, œuvre d'art pop culture LSD. Le travail de Brandon Boyd en tant que chanteur et compositeur, aussi bien en solo qu'avec son groupe de rock aux multiples disques de platine, est bien connu et unanimement salué. Mais aujourd'hui, son autre passion, la peinture, attire de plus en plus l'attention et se constitue un public fidèle.

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Estampe d'art en édition limitée, pigment d'archivage, sur papier beaux-arts, par l'artiste Jolene Lai. Édition limitée à 40 exemplaires (2018) - Tirage d'art 14x18 pouces sur papier 290 g/m² - Signé et numéroté à la main

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Alien Bride Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Glenn Barr. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (2020). Dimensions de l'œuvre : 8 x 31,875 pouces. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 22 juillet 2020

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Achetez Smokey Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par Urban Pop Artist Scott Listfield Modern Artwork. 2020 Signé & Numéroté Edition Limitée de 50 Oeuvre Taille 16x23

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