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Épreuve sérigraphique d'imprimante Mobius White PP par Lauren YS, impression sérigraphique 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m², édition limitée, œuvre d'art pop street et graffiti. Épreuve d'imprimeur PP 2019, signée et marquée PP, édition limitée, format 18x14 Lauren YS et l'impression sérigraphique « Mobius White PP » « Mobius White PP » est une sérigraphie saisissante de l’artiste Lauren YS, faisant partie d’une série en édition limitée qui mêle la vitalité du pop art aux courants alternatifs du street art et du graffiti. Tirée à la main en quatre couleurs sur papier d’art Coventry Rag 290 g/m², cette sérigraphie, initialement publiée en 2019 en tant qu’épreuve d’artiste (PP), illustre avec éclat le style unique de l’artiste. Signée et marquée PP, l’œuvre mesure 45,7 x 35,6 cm et présente une représentation complexe de pieuvres entrelacées, un motif récurrent dans l’œuvre de Lauren YS. Complexité visuelle et symbolisme Lauren YS, alias Squid.licker, est reconnue pour ses créations audacieuses et complexes, ainsi que pour son goût pour les sujets surréalistes et oniriques qui défient la narration traditionnelle. L'œuvre « Mobius White PP » ne fait pas exception, offrant au spectateur un tableau fascinant de céphalopodes enchevêtrés dans une boucle infinie. L'utilisation du ruban de Möbius, une surface unidirectionnelle non orientable, ajoute une dimension supplémentaire, suggérant l'infini, la continuité et la nature cyclique de l'existence. Le choix des pieuvres comme point focal est riche de symbolisme. Ces créatures sont souvent associées au mystère et à la flexibilité, des caractéristiques qui font écho à la nature fluide et dynamique du street art. L'intégration de teintes roses et bleues vibrantes sur le papier blanc immaculé crée un effet visuel saisissant, soulignant la fluidité et le mouvement au sein de l'image statique. Processus et technique artistiques L'approche de Lauren YS pour cette estampe, utilisant la technique de la sérigraphie, témoigne d'un processus manuel à la fois artisanal et précis. La sérigraphie, technique particulièrement prisée dans le street art et le pop art pour sa capacité à produire des couches de couleurs vives et texturées, confère à cette œuvre une qualité tactile qui contraste avec son support bidimensionnel. Chaque couleur du papier « Mobius White PP » est appliquée une à une, exigeant un alignement précis pour obtenir le niveau de détail et la profondeur de l'image finale. Le choix du papier Coventry Rag souligne l'engagement de l'artiste envers la qualité et la pérennité. Ce type de papier est particulièrement apprécié des artistes plasticiens pour sa durabilité et sa capacité à conserver les couleurs sans altération, ce qui en fait un choix idéal pour une estampe destinée à traverser les âges. La place de Lauren YS dans l'art contemporain Sur la scène artistique contemporaine, Lauren YS s'est forgé un espace qui transcende toute catégorisation facile, mêlant les influences de la bande dessinée, du muralisme et des esthétiques traditionnelles japonaises et chinoises. « Mobius White PP » illustre sa capacité à naviguer et à fusionner ces divers langages visuels en un tout cohérent qui parle à un public international. En tant qu'épreuve d'imprimerie en édition limitée, « Mobius White PP » occupe une place particulière dans la collection d'œuvres de Lauren YS. Les imprimeurs conservent généralement les épreuves d'imprimerie comme référence ; elles sont souvent considérées comme une version plus intime d'une édition imprimée, portant les marques du processus d'impression lui-même. La mention « PP » sur cette estampe signifie qu'elle fait partie d'un tirage limité, mais aussi qu'elle porte la marque directe de l'artiste. Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, « Mobius White PP » témoigne de l'évolution constante du genre. L'œuvre de Lauren YS continue de repousser les limites de la perception et de l'expérience du street art dans l'espace public et sur le marché des collectionneurs. Cette estampe, par son jeu entre sensibilité artistique urbaine et exécution digne des beaux-arts, capture l'essence de cette dynamique et continue d'inspirer le dialogue au sein de la communauté artistique.

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L'œuvre « Hot Race », une reproduction d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Achetez Emotions - Green Stencil 2-Color Silkscreen Limited Edition Art sur papier Fine Art par l'artiste Aiko Contemporary Pop Artwork. 2020 Signé et numéroté à la main au pochoir édition limitée de 5 œuvres d'art taille 20 x 24 "Entre hommes et femmes, nous nous disputons depuis longtemps sur l'égalité et les choses sont peut-être beaucoup plus confortables maintenant, et les nouvelles générations semblent avoir de meilleures idées. Le sujet a beaucoup changé depuis l'époque de nos grands-parents ou même avant. Pourtant, les femmes et les minorités sont toujours confrontées à des obstacles que nous devons aider à résoudre : l'éducation, les opportunités d'emploi et la santé. J'espère que la chance de vivre équitablement est donnée à tout le monde et que tout le monde peut saisir le jour." -AIKO

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Forsake PP, épreuve d'imprimerie, tirage d'archives par Eddie Colla, édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 16x20,5 cm Pigments d'archivage Analyse de « Forsake » d'Eddie Colla « Forsake » est une épreuve d'artiste (PP) saisissante, signée Eddie Colla, figure emblématique du pop art, du street art et du graffiti. Créée en 2020, cette œuvre fait partie d'une édition limitée, chaque exemplaire étant signé et marqué par Colla, gage d'authenticité et d'exclusivité. Imprimée sur papier d'art 290 g/m², elle offre une longévité et une qualité d'impression exceptionnelles, un critère essentiel pour les collectionneurs et les amateurs de street art. Ses dimensions généreuses (40,6 x 52 cm) permettent d'apprécier pleinement la finesse des détails et la profondeur du message. La convergence de l'art urbain et des beaux-arts selon Eddie Colla Eddie Colla est reconnu pour sa capacité à fusionner l'énergie brute et expressive du street art avec les techniques raffinées des beaux-arts. « Forsake » témoigne de son talent pour naviguer entre ces deux univers, créant des œuvres à la fois accessibles et profondément stimulantes. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation des riches textures et des nuances subtiles, capturant ainsi la nature éphémère du street art dans une forme qui se savoure au fil du temps. L'image d'une figure masquée dans « Forsake » fait écho à l'expérience mondiale contemporaine et aborde les thèmes de l'identité, de la résistance et de la condition humaine. Symbolisme et récit dans l'œuvre de Colla Dans cette œuvre, le regard du sujet est direct et inflexible, un point focal puissant au milieu d'encre estompée et de formes abstraites. Le masque, symbole désormais indissociable de l'ère de la pandémie de COVID-19, évoque le silence, l'anonymat et la difficulté de communiquer dans un monde où une grande partie de notre expression est occultée. Le texte choisi par Colla – « Après t'avoir oublié, ils t'appelleront maintenant avec leurs ruses » – introduit un récit de redécouverte et la nature cyclique de la mémoire et de l'attention collectives. L'approche mixte employée par Colla, mêlant photographie et éléments graphiques, est une marque de fabrique de son style. Cette méthode permet une superposition de significations, à l'image des affiches et des graffitis qui s'accumulent sur les murs des villes, chacun racontant une histoire différente. « Forsake » invite le spectateur à lever le voile sur ces strates et à explorer la profondeur du récit de Colla. Cette profondeur distingue l'œuvre d'Eddie Colla, lui conférant un sentiment d'urgence et de pertinence, qui est la force du street art. Le message et le support de l'œuvre reflètent l'engagement de Colla envers le street art comme commentaire social. En transposant les formes artistiques éphémères de la rue dans la pérennité des estampes d'art, Colla abolit la frontière entre art savant et art public. Son œuvre nous rappelle que les messages véhiculés par le street art ont toute leur place dans le débat culturel actuel et méritent d'être préservés et analysés. « Forsake » est une pièce marquante du travail d'Eddie Colla, incarnant sa vision du street art et du graffiti comme forme d'impact visuel et moyen de communication et de connexion. C'est un exemple éloquent de la façon dont le street art peut accéder à une dimension qui transcende les frontières des formes artistiques traditionnelles. À travers des œuvres comme « Forsake », Eddie Colla continue de questionner les perceptions, de susciter le dialogue et de favoriser une compréhension plus profonde de nos expériences collectives.

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Mini Blob Drip 108 Sculpture by Dan Lam Limited Edition Pop Artwork Street Artist Fine Art. 2025 Original Mixed Media Drip Blob Mini Sculpture Original Statue Artwork Size 7x2.5x6.75 in Cave Like Green & Blue. Dan Lam Mini Blob Drip 108 Sculpture 2025 Mini Blob Drip 108 is a 2025 original mixed media sculpture by Dan Lam that translates her instantly recognizable drip-and-ooze language into a compact, display-friendly form. The artwork is described as a cave-like blob with a green and blue colorway and measures 7 x 2.5 x 6.75 inches, giving it a low, grounded profile that reads like a small landscape feature rather than a traditional upright figure. Even in this mini scale, the piece emphasizes physical presence through pooled contours and rounded edges that feel as if they have slowly spread outward and settled, creating a sculptural silhouette that is easy to read from a distance and rewarding up close. Within Street Pop Art & Graffiti Artwork collecting culture, works like this resonate because they carry strong icon-like clarity while still feeling tactile and handmade, presenting an object that photographs cleanly yet holds its impact as a real, dimensional form. Surface, Color, and the Cave Like Form The defining visual hook of this sculpture is its ooze structure, where the glossy mound appears to drip toward the perimeter, framing a darker hollow that suggests an opening or shelter. That cave-like negative space changes how the piece behaves in a room, because it creates a natural focal point and a sense of depth that shifts with viewing angle and lighting. The green-to-blue palette reinforces the impression of something biological or aquatic, like a growth, tide pool, or mineral deposit, while still staying firmly in the pop-forward world of bright, saturated color design. The surface reads as wet and reflective, with rounded drip shapes that look suspended mid-flow, an effect that turns stillness into implied motion. This is part of what makes the work feel contemporary without leaning on tech references, because the object communicates through finish, color intensity, and silhouette in a way that aligns with how people visually navigate images today, while still being rooted in material and craft. Why Mini Blob Drip 108 Works in Street Pop Art & Graffiti Artwork Collections Mini Blob Drip 108 fits naturally into Street Pop Art & Graffiti Artwork spaces because it operates like a character without needing a face, using posture, color, and texture to project mood. The hollow opening can read as protective, secretive, or slightly ominous, while the candy-bright gradient keeps the emotional register from becoming purely dark, producing the push-pull that collectors often look for in pop-forward sculpture. As an original mixed media piece described as a limited edition, it also speaks to the desire for scarcity paired with strong visual identity, where the work feels distinctive enough to anchor a shelf, desk, or small wall vignette without competing with larger framed prints. The mini format encourages close interaction, and the glossy, pooled drips reward that intimacy by catching light along the edges and emphasizing the boundary between the elevated mound and the spread of ooze. The result is a sculpture that stays readable, playful, and slightly unsettling all at once, a balance that keeps it aligned with the energy and attitude that define Street Pop Art & Graffiti Artwork in a collecting context.

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Holiday Thailand Brown Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection d'un artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2025, format 7x11, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, représentant Kaws Companion, la mère/le père/l'ami et l'enfant tenant une lune fluorescente phosphorescente GID assis sur une Terre lumineuse, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Holiday Thailand Brown Art Toy par KAWS – Brian Donnelly L'œuvre « Holiday Thailand Brown Art Toy » est une sculpture en vinyle en édition limitée, une pièce remarquable de Brian Donnelly, artiste américain mondialement connu sous le nom de KAWS. Sortie en 2025 et désormais épuisée, cette pièce de collection représente un moment clé dans l'évolution du street art et du graffiti. Mesurant environ 18 x 28 cm, l'œuvre met en scène les personnages emblématiques de l'artiste, les Companions, reconnaissables à leurs gants stylisés, leurs formes douces et leurs yeux barrés. Dans cette édition, une grande figurine Companion est assise sur un globe aux couleurs vives, tenant une plus petite figurine enfantine, tandis que toutes deux bercent une lune texturée et phosphorescente. La Terre, représentée en bleu et vert éclatants, ancre l'œuvre dans un message environnemental et humaniste fort. Un symbole de soin, de lien et de responsabilité Cette œuvre se distingue des précédentes créations de KAWS par son insistance sur l'intimité et la contemplation, plutôt que sur la parodie commerciale. La grande figure du Compagnon, incarnant tour à tour une mère, un père ou un protecteur, soutient délicatement l'enfant sur ses genoux. La lune qu'ils tiennent ensemble brille dans l'obscurité, symbolisant la lumière, la guidance et l'imagination partagées. L'imagerie planétaire renforce le sentiment d'interconnexion mondiale et de responsabilité individuelle, un thème de plus en plus pertinent dans le Street Pop Art et le graffiti. Plus qu'une critique, cette édition se présente comme une offrande de réconfort et d'unité, un sentiment qui a trouvé un écho considérable auprès des collectionneurs et des admirateurs de l'œuvre de Donnelly. KAWS et l'expansion du pop art urbain Brian Donnelly a débuté sa carrière en taguant les murs et en détournant les publicités à New York, avant de devenir l'une des figures les plus reconnues et appréciées du street art et du graffiti contemporains. Son personnage, Companion, apparaît sous forme de sculptures, de peintures, d'installations monumentales et de jouets de collection. Chaque version de Companion exprime une émotion différente, et l'édition spéciale Fêtes de Thaïlande est l'une des plus sincères. Le choix de Donnelly de représenter le personnage assis sur Terre, tenant un astre, s'inscrit dans la continuité de sa narration visuelle, souvent axée sur les thèmes de l'isolement, de la bienveillance et de la vulnérabilité partagée. Les yeux barrés d'une croix, autrefois associés à l'ironie ou au détachement, deviennent ici le symbole d'un monde intérieur paisible. Importance pour les collectionneurs et détails artistiques Cette édition faisait partie de la série Holiday, qui mettait en scène les figurines Companion dans des lieux symboliques du monde entier. Pour la Thaïlande, la posture douce et les thèmes universels de la sculpture reflètent une dimension spirituelle. La lune phosphorescente est réalisée avec des textures de surface détaillées imitant la surface lunaire, ce qui renforce son réalisme et son attrait tactile. Le pied de la figurine est estampillé et imprimé, certifiant son authenticité et la rattachant aux éditions limitées précédentes. Comme beaucoup d'œuvres KAWS, cette édition a été rapidement épuisée et est aujourd'hui très recherchée. Sa rareté, sa qualité de fabrication et sa résonance émotionnelle en ont fait une pièce de collection emblématique dans le domaine du street art et du graffiti. Collectionneurs et institutions culturelles apprécient de plus en plus ce type d'œuvres pour leur capacité à exprimer des sentiments complexes à travers des formes simples. La figurine Holiday Thailand Brown Art Toy est un puissant récit visuel sur la bienveillance, la fragilité et la conscience globale, rendu dans le langage familier et toujours évolutif de KAWS. Cette sculpture n'est pas qu'un simple jouet, mais une méditation en vinyle, qui continue d'influencer la trajectoire du Street Pop Art et du graffiti dans le monde entier.

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L'œuvre « Les Cerfs-volants de Kaboul », une reproduction d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 50 exemplaires. Signés et numérotés. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Transfert d'œuvre d'art Giclée en édition limitée, impression d'art sur papier Hahnemühle Museum Etching 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 50 exemplaires. Signés et numérotés. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie Cream & Blue Sedation in Bloom de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2021 Signé par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée de 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24. Série d'estampes sérigraphiques « Sedation in Bloom ». « J'ai initialement créé ce motif de coquelicot dans le cadre d'une collaboration avec l'artiste Gordon Cheung. Dans notre œuvre, nous abordions le meurtre tragique de Vincent Chin et l'utilisation historique d'images et de symboles anti-asiatiques dans la culture occidentale. Le coquelicot est une fleur magnifique aux multiples interprétations symboliques, telles que la paix, la mort, le sommeil et la sédation. J'intègre souvent des motifs floraux et décoratifs à mon art pour captiver le regard et rendre les concepts complexes plus accessibles. Cependant, l'attrait décoratif peut endormir les consciences et les détourner de problèmes sociaux plus importants. Qu'il s'agisse de divertissement, d'alcool, de drogues ou de consommation ostentatoire, je pense que la sédation est une cause majeure de complaisance et d'ignorance sur les plans social et politique. Ces estampes « Sedation In Bloom » ont une double fonction : offrir une échappatoire décorative et nous rappeler de rester vigilants ! » – Shepard Fairey – OBEY. Cream & Blue Sedation en fleurs : Réflexions sur la société à travers le pop art urbain La sérigraphie « Cream & Blue Sedation in Bloom » de Shepard Fairey, figure emblématique du pop art urbain et du graffiti, est une œuvre qui invite à la réflexion et transcende le simple plaisir esthétique. Fairey, né Frank Shepard Fairey le 15 février 1970 à Charleston, en Caroline du Sud, aux États-Unis, s'est forgé une place à part grâce à des œuvres qui mêlent souvent activisme politique et art. Cette œuvre, appartenant à la série « Sedation in Bloom », ne fait pas exception. Tirée à la main sur un papier d'art crème moucheté, « Cream & Blue Sedation in Bloom » est une édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par Fairey lui-même. Son format de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) offre un support idéal pour l'expression d'une imagerie complexe et symbolique. Limitée à 150 exemplaires, cette sérigraphie témoigne du caractère exclusif du travail de Fairey. Le symbolisme des coquelicots dans le langage visuel de Fairey Le motif du coquelicot dans cette série recèle de riches interprétations symboliques, évoquant la paix, la mort, le sommeil et la sédation. Le choix du coquelicot par Fairey est délibéré et multiforme ; il ne s’agit pas seulement de créer un effet visuel agréable, mais aussi de transmettre un message sous-jacent. Le jeu du bleu serein sur le crème reflète une esthétique paisible, tandis que l’association du coquelicot avec la sédation invite le spectateur à une réflexion plus profonde sur les implications sociétales de l’œuvre. Le travail de Fairey est un commentaire sur la complaisance et l’ignorance qu’il perçoit comme omniprésentes dans la société. Le pouvoir de séduction des divertissements, de l’alcool, des drogues et des excès matériels sert à engourdir les masses, les détournant de l’engagement social et politique. À travers l’estampe « Cream & Blue Sedation in Bloom », Fairey juxtapose l’attrait du coquelicot à un appel à la conscience, exhortant le spectateur à rester vigilant et attentif face aux distractions de la société. Collaboration artistique et commentaire social L'inspiration de cette œuvre à motifs de coquelicots est née de la collaboration de Fairey avec Gordon Cheung, où le duo a abordé le meurtre atroce de Vincent Chin et l'utilisation de motifs anti-asiatiques dans la culture occidentale. En intégrant ces thèmes à son art urbain pop, Fairey élève le débat, le faisant passer du discours de rue à un dialogue socio-politique plus large. Les estampes offrent une échappatoire décorative, tout en rappelant avec force l'importance de rester vigilant face aux inégalités et aux injustices du monde. « Cream & Blue Sedation in Bloom » de Shepard Fairey est un exemple frappant de la manière dont l'art urbain pop peut être un puissant vecteur de critique sociale. Au contact de l'harmonie des couleurs et de la délicatesse des motifs floraux, le spectateur est également confronté à l'impératif sociétal de rester vigilant. À travers cette série, Fairey réaffirme sa conviction que l'art a le pouvoir d'impulser le changement, de bousculer les habitudes et de provoquer un réveil de la conscience sociale. L'œuvre symbolise le double rôle de l'art dans la culture moderne : objet de beauté et catalyseur de prise de conscience et d'action.

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The New Standard Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art sur Papier de Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti Pop Culture Victo Ngai. Édition limitée à 20 exemplaires. Signés et numérotés. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Apex - Turquoise Édition Limitée Rare Bombe de Peinture en Aérosol Œuvre d'Art Croisement entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN et Apexer . Tout droit venu de la région de la baie de San Francisco, APEX présente sa création inspirée de la série Super Burners, une saga d'œuvres d'art puissantes où les couleurs et les formes sont poussées à l'extrême pour donner naissance à un style inimitable.

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Reproduction d'art en édition limitée, giclée, sur papier Hahnemühle Museum Etching 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Douceur n° 2 Édition limitée, rehaussée à la main, tirages pigmentaires HPM d'archives sur papier beaux-arts par Helice Wen, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format de l'œuvre : 14 x 14 pouces. « Douceur n° 2 » d'Helice Wen, embellie à la main par l'artiste, édition signée et numérotée de 40 exemplaires, 35,5 x 35,5 cm

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« Salvage Can 11 » , peinture originale sur bombe de peinture, sculpture technique mixte, œuvre d'art du légendaire artiste de rue et graffeur Eddie Colla. Œuvre originale signée de 2018, réalisée à la peinture acrylique en aérosol (technique mixte), format 3 x 8 pouces. « J’ai réalisé cette série de bombes aérosol en Chine en 2018. J’attendais de recevoir du matériel pour commencer à travailler sur des pièces plus grandes. La résidence où j’étais conservait toutes ses bombes aérosol vides. J’ai donc commencé à créer ces petites pièces à partir de ces bombes usagées. Ce n’était pas prémédité ; j’avais simplement beaucoup de temps libre en attendant l’arrivée de mon matériel, alors j’ai travaillé avec ce que j’avais sous la main. Chaque bombe est signée et datée au fond. » – Eddie Colla L'innovation d'Eddie Colla dans l'art urbain « Salvage Can 11 » d'Eddie Colla s'impose comme une œuvre puissante dans le domaine du street art et du graffiti. Peinture originale réalisée sur une bombe de peinture, elle mêle techniques mixtes et énergie subversive propre à l'art urbain. Cette œuvre fait partie d'une série créée en 2018 lors d'une résidence en Chine, une période que Colla décrit comme marquée par une interruption inattendue de son processus créatif, due à l'attente de matériel artistique. Cette situation l'a conduit à utiliser de manière novatrice des matériaux de récupération pour créer une œuvre aussi insoupçonnée que profonde. « Salvage Can 11 » témoigne de l'esprit spontané et adaptable qui anime souvent le street art. Confronté à un retard dans son processus créatif habituel, Colla s'est tourné vers les bombes de peinture vides disponibles lors de sa résidence, les transformant d'outils en supports. Cet acte de réappropriation a donné une nouvelle vie aux bombes usagées et a remis en question la perception de la valeur et de l'utilité des matériaux artistiques. L'œuvre qui en résulte – une pièce originale signée – est une sculpture en techniques mixtes qui capture l'essence même du graffiti : brute, immédiate et profondément personnelle. Dynamique visuelle de « Salvage Can 11 » L'impact visuel de « Salvage Can 11 » est immédiat et viscéral. L'image sur la canette est obsédante : les traits du personnage suggèrent un mélange d'humanité et d'anonymat figé, un thème récurrent dans l'œuvre de Colla, qui interroge souvent l'identité et la place de l'individu au sein de la société. L'utilisation de peinture acrylique et de peinture en aérosol ajoute texture et profondeur, tandis que les teintes noires et violettes saisissantes captent le regard et invitent le spectateur à une contemplation profonde de l'œuvre. Importance culturelle de l'œuvre d'Eddie Colla La contribution d'Eddie Colla au street art dépasse largement ses fresques et installations publiques. Il crée un pont entre la rue et l'espace du collectionneur en donnant vie à son art sur un support tangible, comme une bombe de peinture. « Salvage Can 11 » incarne la nature éphémère du street art, tandis que son existence en tant qu'objet préservé remet en question l'éphémère qui lui est traditionnellement associé. L'œuvre de Colla nous rappelle que le street art ne se limite pas aux espaces publics, mais constitue une forme d'art dynamique capable d'investir et de s'adapter à tout contexte. La résonance de la série « Salvage Can » dans le monde de la collection d'art La série « Salvage Can » occupe une place particulière dans la collection. Chaque canette, signée et datée par Colla, est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est une pièce historique qui raconte l'histoire de sa création. Les collectionneurs de street art et de graffiti sont souvent attirés par les œuvres narratives, et « Salvage Can 11 » offre précisément cela : le récit d'une innovation, d'une adaptation et du processus créatif qui s'est déployé lors d'une résidence d'artiste à travers le monde. « Salvage Can 11 » est une sculpture en techniques mixtes qui incarne l'esprit novateur d'Eddie Colla et son statut de légende du graffiti. L'œuvre symbolise la créativité qui s'épanouit malgré les contraintes du street art, soulignant la capacité de Colla à créer des récits captivants à partir de circonstances inattendues. Elle illustre parfaitement comment le street art peut transcender les frontières traditionnelles et redéfinir la notion même de support, invitant un public plus large à s'engager dans le mouvement du street art de manière inédite et profonde.

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« After Dark Artwork Giclée en édition limitée, impression d'art sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton » par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Inspirée du roman « After Dark » de Haruki Murakami. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Emerge Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art sur Papier de Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti de la culture pop Victo Ngai. Édition limitée à 50 exemplaires. Signée et numérotée. Médaille d'argent GCIA 2012. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Graff Head Slick 6 HPM Unique Spray Paint Silkscreen Print by OG Slick Embleshed 1 of 1 Hand-Pulled 11-Color on Untrimmed 250gsm Stonehenge Fine Art Paper Artwork. Œuvre d'art unique signée 2022 (1/1) HPM, sérigraphie 40x26 représentant Mickey Mouse et Guan Yin faisant des signes de la main, le haut du corps et le visage recouverts de graffitis et de mots à la peinture en aérosol. Le graffiti, le street art et le pop art ont toujours été de puissants moyens d'expression sociale, politique et culturelle. Dans ce domaine, les artistes fusionnent souvent des symboles iconiques issus de divers horizons pour créer des récits visuels saisissants. L'œuvre sérigraphiée « Graff Head Slick 6 HPM Unique », réalisée à la bombe de peinture par le célèbre graffeur OG Slick, témoigne de cette fusion. Ce chef-d'œuvre en 11 couleurs, tiré à la main, se distingue non seulement par la finesse de ses détails, mais aussi par son commentaire et le jeu subtil entre iconographie traditionnelle et moderne. Cette œuvre est méticuleusement réalisée sur un papier d'art Stonehenge de 250 g/m², préservant ainsi l'éclat de ses couleurs et la précision de ses lignes. L'œuvre de 40 x 26 pouces met en scène Mickey Mouse, personnage emblématique de la culture pop américaine, représenté sous les traits de Guan Yin, la déesse chinoise de la compassion. Cette représentation de Mickey Mouse, incarnant Guan Yin et effectuant des signes de la main expressifs, entrelace deux cultures tout en soulignant l'universalité de certains messages. Le buste et le visage de Mickey, dissimulés sous une couche de graffitis abstraits à la bombe de peinture, fusionnent les formes d'art traditionnelles et les styles de graffiti modernes. L'inspiration d'OG Slick pour cette série remonte à sa jeunesse, lors de ses visites à Chinatown. Il se souvient des petites figurines placées près des caisses des magasins, censées porter chance aux commerçants et bénir ceux qui leur offraient de l'argent. Établissant un parallèle, l'œuvre représente la même figurine de Guan Yin, transposée à l'ère numérique et recouverte de cryptomonnaie, symbolisant la nature changeante des bénédictions et de la prospérité à notre époque. À travers cette œuvre fascinante, OG Slick explore l'interaction complexe entre tradition et modernité, rappelant aux spectateurs la nature éphémère des valeurs culturelles et l'essence intemporelle de l'art.

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Œuvre d'art respirienne, impression d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. L'illustration de la nouvelle « Breatharian » de Callan Wink a été publiée dans le magazine New Yorker. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Sérigraphie Ink Head Slick Yellow par OG Slick, imprimée à la main en 14 couleurs sur papier d'art Stonehenge 298 g/m², édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 55 exemplaires (2022). Œuvre d'art de taille 24x24, sérigraphie représentant Mickey Mouse et Guan Yin faisant des signes de la main, le haut du corps et le visage noircis en noir. « Ink Head Slick Yellow » est une sérigraphie envoûtante réalisée par le célèbre graffeur OG Slick. Fusion harmonieuse de pop art, de street art et de graffiti, cette sérigraphie artisanale en 14 couleurs est imprimée avec une précision méticuleuse sur un papier Stonehenge Fine Art de 298 g/m², témoignant du souci du détail qui caractérise l'artiste. Tirée à seulement 55 exemplaires, chaque pièce est authentifiée par la signature d'OG Slick et porte un numéro d'édition unique, renforçant ainsi son exclusivité. Au cœur de l'œuvre se trouve une représentation provocatrice du célèbre personnage de Mickey Mouse, réinventé en Guan Yin, la déesse de la compassion. Cette représentation met en scène Guan Yin, symbole traditionnel de miséricorde et de compassion, effectuant des signes de la main, un geste fréquemment utilisé dans le street art. Le buste et le visage de Mickey Mouse, drapés de noir, contrastent fortement avec le fond vibrant et créent une atmosphère mystérieuse. Cette représentation singulière puise son inspiration dans les souvenirs d'enfance d'OG Slick à Chinatown. Là-bas, on croyait que les petites figurines placées aux caisses des magasins portaient chance au commerçant et à ceux qui offraient de l'argent. Cette tradition est habilement juxtaposée à une touche de modernité dans l'œuvre : Guan Yin y est représentée sous une pluie de cryptomonnaie, suggérant l'évolution des notions de valeur, de foi et d'ère numérique. Avec « Ink Head Slick Yellow », OG Slick démontre une fois de plus son talent unique pour fusionner symboles culturels, souvenirs d'enfance et influences urbaines, créant une œuvre qui résonne profondément avec les sensibilités traditionnelles et contemporaines.

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Estampe d'archive Hush-Hush de Giorgiko, édition limitée sur papier d'art en coton, art pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à déterminer (2023). Format : 30 x 36 pouces. Tirage d’art pigmentaire d’archives représentant un garçon ou une fille tenant un biscuit. Dimensions de l’image : 27 x 33 pouces (68,5 x 84 cm) avec des marges blanches de 1,5 pouce (3,8 cm). Impression par Static Medium. Hush-Hush par Giorgiko – Tirage d'archive en édition limitée, style street art pop et graffiti « Hush-Hush » est une estampe pigmentaire d'archive de 2023, réalisée par le duo d'artistes Giorgiko et imprimée par Static Medium sur papier d'art en coton. Mesurant 76 x 91 cm (30 x 36 pouces), avec une image de 69 x 84 cm (27 x 33 pouces) entourée de bordures blanches de 3,8 cm (1,5 pouce), cette œuvre incarne le mélange caractéristique de Giorgiko, alliant innocence, introspection et contradiction symbolique. Dans cette édition limitée, un personnage asexué – reconnaissable à ses yeux ovales et vides et à ses traits doux et arrondis, figures récurrentes chez Giorgiko – tient un biscuit, coiffé d'un col Renaissance à volants et d'une casquette sombre, sur fond de ciel onirique et nuageux. La douce lumière, associée à des textures d'une grande fidélité, confère au personnage une présence presque mythique, tandis que l'absurdité humoristique du biscuit ancre l'image dans une fantaisie moderne. Juxtaposition visuelle et immobilité émotionnelle Hush-Hush fusionne contradiction visuelle et subtilité narrative. Le col Renaissance et la doudoune évoquent la formalité historique et la grandeur cérémonielle, tandis que la casquette et le cookie aux pépites de chocolat tempèrent cette formalité par une absurdité discrète. Ce contraste crée une tension entre tradition et fantaisie, entre art savant et culture jeune. L'expression du personnage, malgré l'absence de traits définis, suggère hésitation ou contemplation. L'approche de Giorgiko en matière de narration émotionnelle repose non pas sur des gestes ostentatoires, mais sur la posture, la silhouette et le contexte. La figure semble figée, en pleine réflexion, suspendue entre excès et retenue. Cette ambiguïté crée un espace émotionnel où le spectateur peut projeter sa propre réflexion, faisant de l'œuvre une œuvre autant narrative qu'esthétique. Technique et symbolisme dans le pop art urbain contemporain L'œuvre « Hush-Hush » de Giorgiko est imprimée avec des pigments d'archivage sur un papier coton de haute qualité, offrant des transitions tonales saisissantes et des textures picturales qui mettent en valeur la technique hybride de l'atelier. Si Giorgiko puise souvent son inspiration dans la peinture à l'huile classique, ses compositions sont imprégnées d'esthétiques urbaines et inspirées du graffiti, utilisant le minimalisme et une stylisation proche du dessin animé pour générer une résonance émotionnelle universelle. Le col surdimensionné fait un clin d'œil aux traditions du portrait dans l'histoire de l'art occidental, tandis que la casquette et les textures streetwear modernes ancrent la figure dans l'identité culturelle contemporaine. Le biscuit, humoristique et inoffensif, devient un symbole de simplicité et d'apaisement, une rébellion silencieuse contre le poids du monde. À travers cette intersection entre la vénération classique et l'absurdité du quotidien, « Hush-Hush » élargit le langage du Street Pop Art et du Graffiti pour embrasser l'immobilité, la contradiction et la retenue narrative. La voix unique de Giorgiko dans l'œuvre figurative moderne Fruit d'une collaboration entre Darren et Trisha Inouye, Giorgiko continue de créer un univers narratif singulier où se croisent archétypes, silence émotionnel et poésie visuelle. Hush-Hush illustre leur capacité à sublimer un instant fugace en un archétype de l'expérience émotionnelle moderne. Plutôt que de recourir à la protestation ostentatoire ou au chaos visuel, le duo explore avec douceur, ambiguïté et une sérénité surréaliste les thèmes de l'identité, du détachement et de l'humour discret inhérent aux contradictions de la vie. Dans le champ plus vaste du street art et du graffiti, l'œuvre de Giorgiko se distingue par la subtilité et l'immersion de son univers, invitant le spectateur à la pause, à la réflexion et à trouver un écho dans la quiétude d'un biscuit, comme suspendu au-dessus d'une tempête de couleurs pastel.

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Œuvre d'art « Garçon sur ours », impression d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 50 exemplaires. Signés et numérotés. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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