Impression d'art en édition limitée Yoshinoya Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par l'artiste pop Scott Listfield. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Format : 14 x 18 pouces. Sortie : 9 novembre. La vision créative derrière « Yoshinoya » par Scott Listfield « Yoshinoya » de Scott Listfield illustre avec force l'évolution du pop art à l'ère numérique, mêlant l'esthétique du street art à la précision de la gravure d'art. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, réalisé sur papier d'art Moab 290 g/m², capture le motif emblématique de l'artiste : un astronaute se détachant sur un paysage parsemé de références à la culture pop et d'iconographie commerciale. Créée en 2018, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par Listfield, soulignant ainsi la valeur de l'exclusivité dans le monde de l'art. Analyse des influences du pop art et du street art L'astronaute de « Yoshinoya » est une figure emblématique de l'exploration, non pas spatiale, mais du monde contemporain, reflétant l'exploration thématique, propre au genre, de l'aliénation et de la quête de sens au sein d'un paysage saturé de messages publicitaires. La juxtaposition de cette figure venue d'un autre monde sur fond de bâtiment moderniste et de dirigeable publicitaire critique subtilement l'influence omniprésente du consumérisme. Cette imagerie fait écho à l'essence même du pop art urbain et du graffiti, où le public est confronté à des messages percutants, intégrés au tissu même de l'environnement quotidien. Technique et médium : valoriser l'art urbain Le choix du support par Listfield, l'impression pigmentaire d'archives, établit un lien entre la nature éphémère du street art et la permanence recherchée par les collectionneurs d'art. Le papier beaux-arts Moab, réputé pour sa durabilité et sa fidélité des couleurs, garantit la préservation des teintes vives et des détails complexes de « Yoshinoya », capturant la beauté fugace du street art dans une forme qui résiste à l'épreuve du temps. Le format 35,5 x 45,7 cm de l'œuvre en fait une pièce à la fois intime et percutante, adaptée à divers espaces, des collections privées aux expositions publiques. En résumé, « Yoshinoya » de Scott Listfield est une œuvre qui invite à la réflexion et reflète le regard critique de l'artiste sur les paysages culturels de la société, mêlant l'immédiateté du pop art urbain à l'impact durable des pratiques artistiques conventionnelles. Cette édition limitée témoigne de l'évolution du pop art, qui embrasse de nouvelles techniques et de nouveaux supports pour perpétuer la tradition consistant à interpeller le spectateur et à susciter le dialogue par l'art visuel.

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Bibi Fine Art, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste de rue et de graffiti Mimi Yoon. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 22 juin 2020

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Yeux de méduse Noir 2 Lithographie de Takashi Murakami TM/KK Tirage à la main sur papier d'art vergé Édition limitée Œuvre d'art graffiti street pop. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2004. Dimensions de l'œuvre : 50 x 50 cm. Deux styles d'encadrement sont proposés : cadre noir moderne (56 x 56 cm) et cadre beige mat (73 x 73 cm). Jellyfish Eyes Black 2 de Takashi Murakami – Optique flottante dans l'art urbain pop et graffiti La lithographie Jellyfish Eyes Black 2 (2004) de Takashi Murakami s'inscrit dans la continuité de son exploration des motifs récurrents de la vision, de la surveillance et de l'abstraction ludique. Mesurant 50 x 50 cm, cette estampe fait partie d'une édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, éditée sous le label TM/KK. Réalisée sur un papier d'art vergé de qualité supérieure, la composition présente une constellation d'yeux stylisés aux couleurs saturées qui flottent et se fondent sur un fond noir velouté. L'œuvre est proposée avec deux options de présentation : un cadre noir moderne de 56 x 56 cm et un cadre beige mat élégant de 73 x 73 cm, chacun soulignant la fluidité spatiale des formes flottantes de Murakami. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre se révèle à la fois une étude de l'esthétique des surfaces et une méditation philosophique sur la perception et la présence. Le langage animé de la forme chez Murakami La structure visuelle de Jellyfish Eyes Black 2 s'appuie sur l'iconographie de son prédécesseur, déployant une série d'entités flottantes évoquant des globes oculaires, fusionnant animation pop et mouvement organique. Sur un fond noir profond, les formes circulaires semblent pulser et briller, leurs tons et leurs superpositions évoluant subtilement. Chaque figure est construite à partir d'anneaux concentriques de couleurs vives – vert citron, rose poudré, écarlate, turquoise, ocre – ponctués de cils, de gouttelettes et de légères distorsions. Le tissu conjonctif qui relie les yeux rappelle à la fois le mycélium et les voies neuronales, suggérant une intelligence symbiotique ou collective. Dans le lexique du Street Pop Art et du graffiti, cette cartographie d'optiques interconnectées se traduit par une métaphore des réseaux sociaux, de la vision médiatique et de la conscience collective. L'abstraction de Murakami n'est pas aléatoire ; c'est un chaos rigoureusement ordonné, faisant écho au folklore japonais et au futurisme cybernétique. Jeu optique et esthétique superplate Fidèle au manifeste Superflat de Murakami, Jellyfish Eyes Black 2 rejette l'illusion de profondeur spatiale tout en créant tension et superposition. Les yeux sont rendus dans un style graphique, évoquant l'affiche, et faisant référence au design publicitaire ainsi qu'aux techniques de l'anime et du manga japonais. Le support lithographique permet une reproduction des couleurs d'une pureté exceptionnelle, préservant la netteté numérique et la planéité uniforme propres à Murakami. Il en résulte une expérience visuelle où chaque élément rivalise d'égale importance pour capter l'attention, à l'instar des enseignes dans l'espace urbain ou des personnages des fresques de graffiti. Les options d'encadrement influencent également la perception du spectateur : l'une suggère une modernité épurée, l'autre une présentation nostalgique digne d'un musée. Toutes deux soulignent le contraste entre la vocation de collection haut de gamme et la brutalité subculturelle. Les yeux comme agents d'identité et de contrôle Dans Jellyfish Eyes Black 2, les yeux flottants sont à la fois fantaisistes et menaçants. Ils évoquent non seulement l'innocence des personnages animés, mais aussi l'omniprésence de la surveillance et de l'observation numérique. Murakami utilise le symbole de l'œil pour refléter la nature observatrice, documentant et consciente de soi de l'identité moderne. La multiplicité des yeux dans un même espace évoque la fragmentation, la surcharge et l'impossibilité d'échapper au regard – qu'il vienne d'autrui, des institutions ou de nous-mêmes. Dans le domaine du street art et du graffiti, les yeux apparaissent souvent comme des marqueurs de territoire, de vision et d'affirmation spirituelle. Ici, ils deviennent les avatars d'une atmosphère psychologique. L'influence durable de Takashi Murakami sur la culture visuelle pop mondiale Takashi Murakami demeure l'un des artistes les plus influents à la croisée du design commercial, de la peinture conceptuelle et de la culture urbaine. Sa démarche unit les traditions japonaises de l'époque d'Edo à l'immédiateté de la narration visuelle contemporaine. Jellyfish Eyes Black 2 est emblématique de cette approche : d'une simplicité trompeuse, d'une grande richesse et d'une joie envoûtante, elle se situe à la confluence du savoir-faire traditionnel et de l'esthétique hypermoderne, où les mythologies personnelles se mêlent à la culture de consommation numérique. Bien plus qu'un simple objet de collection, cette œuvre est une porte d'entrée vers un cosmos stylisé empreint de symbolisme, d'humour et d'introspection, rendu avec une précision d'impression irréprochable, aussi bien dans la rue que dans les galeries.

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Estampe d'archive Naga Biru Purple par Mateo, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 50 exemplaires (2025), format 17 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archives. Impression d'archives violette Naga Biru par Mateo Mateo, artiste français également connu sous le nom de Mathieu Bories, crée des œuvres de street art et de graffiti saisissantes qui explorent l'identité culturelle, le symbolisme et les motifs textiles historiques à travers des portraits contemporains captivants. L'estampe de 2025 intitulée Naga Biru Purple illustre la technique reconnue de Mateo, qui consiste à fusionner des visages hyperréalistes avec des motifs ornementaux de tapis persans pour produire des visuels riches et complexes, chargés de sens. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², est signée et numérotée par l'artiste. Elle mesure 43 x 61 cm (17 x 24 pouces) et fait partie d'une édition rare de seulement 50 exemplaires. Entre tapisserie culturelle et portraitisme Naga Biru Purple met en scène une figure féminine digne, dont la peau, d'un pourpre profond, évoque mystère, force et élégance. Mateo recouvre son visage et l'ensemble de la composition de motifs en filigrane doré, inspirés des textiles indo-persans et de la géométrie sacrée. La symétrie de ces motifs agit non seulement comme un ornement, mais aussi comme une armure symbolique – une protection puisée dans l'héritage, la beauté et la foi. Le regard intense et immobile du sujet contraste avec le mouvement complexe des motifs qui ondulent sur son visage et son corps, la fondant finalement dans le décor textile élaboré. Les portraits de Mateo ne se contentent pas de placer le sujet sur un fond orné ; ils l'absorbent et le subliment. Technique et symbolisme dans le pop art urbain La démarche de Mateo puise à la fois dans les traditions du graffiti urbain et dans les beaux-arts. Son œuvre se situe au croisement du muralisme, de l'intervention urbaine et de la gravure d'art. Avec Naga Biru Purple, il fait preuve de la même maîtrise et de la même précision graphique que l'on retrouve souvent dans ses fresques murales à travers l'Europe, l'Afrique du Nord et l'Asie. En utilisant des pigments d'archivage sur Moab Entrada, Mateo élève l'estampe au rang d'œuvre d'art digne d'un musée, tout en préservant l'esprit rebelle de la rue. Les riches nuances de violet et d'or de l'œuvre évoquent la royauté et la spiritualité dans diverses traditions, invitant à un dialogue sur l'héritage, la diaspora et la représentation. Une icône moderne à travers des motifs mondiaux Naga Biru Purple est bien plus qu'un portrait : c'est une synthèse visuelle de puissance, d'héritage et de motifs. Mateo transforme ses sujets en icônes qui transcendent l'individu, en faisant des symboles d'identité et de résilience collectives. Son œuvre, à la fois profondément contemporaine et intemporelle, fusionne l'esprit urbain et le respect de l'ornement. Il en résulte une œuvre de street art et de graffiti à la résonance universelle, abordant les thèmes de la féminité, de la visibilité culturelle et de la richesse du langage ornemental comme forme de narration. Tirée à seulement 50 exemplaires, Naga Biru Purple est une pièce de collection incontournable pour les amateurs d'art urbain narratif contemporain.

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Achetez SKATEBOARD Fine Art Édition Limitée Archival Pigment Print Transfer sur Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck par Street Artwork Graffiti Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Skateboard Artwork Taille XXXX INFO

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Anneaux de Saturne en bleu, œuvre d'art, impression giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton gravure 315 g/m² par l'artiste de la culture pop Handiedan. Tirage d'art giclée en édition limitée à 55 exemplaires, signé et numéroté, 2022. Format : 42 x 56 cm (image et papier). Impression giclée avec réalité augmentée. Papier coton 315 g/m². Signé et numéroté. Logo en relief. Édition limitée à 55 exemplaires. Année : 2022. Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/729238143 Utilise l’ application Artivive Le point de rencontre entre l'élégance classique et la modernité urbaine dans « Les anneaux de Saturne en bleu » de Handiedan « Anneaux de Saturne en bleu » de Handiedan incarne la fusion de l'art classique et de la vitalité brute du street art et du graffiti. Cette estampe giclée en édition limitée est une symphonie visuelle composée sur un papier chiffon de coton de 315 g/m², symbolisant l'union des formes d'art traditionnelles et contemporaines. L'artiste Handiedan possède un parcours riche et diversifié, qui transparaît dans son œuvre. Ses créations sont reconnues pour leur profondeur et leur complexité, mêlant dessin, peinture et éléments numériques. « Anneaux de Saturne en bleu » témoigne de son style unique, qui intègre souvent des images de pin-up vintage, des billets de banque, des timbres et des détails architecturaux complexes. Ces éléments ne sont pas simplement juxtaposés ; ils sont tissés en un tout cohérent, en résonance avec l'harmonie de la composition classique et la spontanéité du street art. Chaque exemplaire de cette édition de 55 porte la marque du savoir-faire méticuleux de Handiedan. L'utilisation de la réalité augmentée dans cette œuvre est particulièrement remarquable. En intégrant la réalité augmentée, Handiedan confère une dimension dynamique à son œuvre, lui permettant d'évoluer au-delà de sa forme statique. Cette interactivité fait écho à la tendance croissante du Street Pop Art, où le public devient acteur de l'expérience artistique. Le procédé d'impression giclée garantit une reproduction fidèle de chaque détail imaginé par Handiedan. Il en résulte une œuvre à la croisée de l'art numérique et de la dextérité manuelle, caractéristique du Street Pop Art et du graffiti contemporains. L'impression offre une expérience tactile unique, grâce à un papier chiffon de coton de haute qualité qui apporte texture et profondeur à l'œuvre. Le choix du bleu dans le titre et comme couleur dominante de l'œuvre pourrait être interprété comme un clin d'œil au thème céleste suggéré par le nom « Anneaux de Saturne ». Le bleu, souvent associé à la profondeur et à la stabilité, véhicule également la signification et la sérénité, contrastant avec les tons traditionnellement vibrants et rebelles du graffiti. Cette dualité est au cœur même du Street Pop Art et du graffiti : le contraste et la contradiction. Avec « Anneaux de Saturne en bleu », Handiedan ne se contente pas de créer une image ; elle propose une expérience. La finesse des motifs, le soin apporté aux embellissements réalisés à la main et le logo à la cire chaude apposé sur chaque estampe attestent de l'authenticité et du caractère unique de l'œuvre. Les collectionneurs d'œuvres de Handiedan n'acquièrent pas seulement une pièce visuelle, mais deviennent les gardiens d'un fragment d'histoire de l'art contemporain. Cette œuvre illustre avec force comment le Street Pop Art et le graffiti modernes transcendent les frontières entre différents univers. Elle ne se cantonne pas à un seul style ou une seule époque, mais instaure un dialogue entre eux. L'œuvre de Handiedan invite les spectateurs à repenser leur perception de l'art, les incitant à regarder au-delà de la toile et à explorer les espaces où passé et présent, classique et moderne, numérique et tangible convergent. Dans le domaine du street art et du graffiti, « Rings of Saturn in Blue » est un phare d'innovation et de tradition. Elle illustre la capacité du genre à s'adapter et à évoluer, intégrant de nouvelles technologies et méthodes tout en rendant hommage aux pratiques artistiques du passé. L'œuvre de Handiedan relie la profondeur historique de l'art à la surface en perpétuelle mutation de la culture pop contemporaine, faisant de « Rings of Saturn in Blue » une pièce majeure dans l'évolution du street art et du graffiti.

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« After Dark Artwork Giclée en édition limitée, impression d'art sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton » par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Inspirée du roman « After Dark » de Haruki Murakami. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Goonie 030 Peinture originale à l'aquarelle sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale unique signée de 2013. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 3. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. L'essence singulière de Goonie 030 de Naoto Hattori Dans le vaste paysage de l'art contemporain, il existe un créneau particulier où le surréalisme et le concret convergent. C'est là que les créations de Naoto Hattori vibrent d'une énergie singulière, une sorte de pop art urbain qui brouille les frontières entre le mouvement du graffiti et les royaumes oniriques de l'imagination. L'aquarelle originale « Goonie 030 » incarne à merveille cette confluence. Créée en 2013, cette œuvre originale signée par Hattori est reconnue pour son caractère unique dans le monde de l'art. « Goonie 030 » explore l'interaction intime entre la technique de l'aquarelle et les élans artistiques surréalistes qui caractérisent l'œuvre de Hattori. Encadrée, cette œuvre de 7,6 x 7,6 cm (3 x 3 pouces) est une fenêtre ouverte sur un monde qui défie l'ordinaire, capturant un moment de génie créatif dans un espace restreint. Le cadre de 21,6 x 21,6 cm (8,5 x 8,5 pouces) encadre l'œuvre de manière à attirer le regard vers l'intérieur, concentrant l'attention du spectateur sur les détails complexes de la peinture. Encadrée et sous passe-partout sur mesure par l'artiste lui-même, « Goonie 030 » est présentée de façon à renforcer son impact visuel. Le choix de réaliser l'encadrement personnellement témoigne de l'intimité et du soin que Hattori apporte à ses œuvres. Cet encadrement n'est pas qu'une simple mesure pratique, mais un prolongement du processus créatif, garantissant que la présentation complète le contenu thématique et la valeur esthétique de l'œuvre. La vision de Naoto Hattori à l'aquarelle L'œuvre de Naoto Hattori transcende souvent les frontières conventionnelles du street art et du graffiti, et « Goonie 030 » ne fait pas exception. L'aquarelle confère à l'œuvre une fluidité et une douceur qui contrastent avec les lignes souvent audacieuses et incisives du graffiti. Pourtant, cette dichotomie même la sublime, lui permettant de s'exprimer dans le langage du street art par un murmure plutôt que par un cri. Les subtiles gradations tonales et le délicat mélange de couleurs dans « Goonie 030 » témoignent de la dextérité d'Hattori et de sa capacité à exprimer profondeur et émotion dans un espace restreint. Bien que résolument surréaliste, le sujet de « Goonie 030 » instaure un lien intense avec le spectateur, une connexion souvent recherchée dans le street art. Le personnage représenté, avec ses traits à la fois attachants et énigmatiques, ouvre la voie à une interprétation personnelle, à l'image des fresques de graffiti qui ornent les murs de nos villes, souvent éphémères et sujettes à interprétation. Cette œuvre devient donc une sorte de poésie visuelle, une petite strophe dans le récit plus vaste de l'expression artistique d'Hattori. Art pop urbain et échelle intime La tendance actuelle du street art et du graffiti est souvent marquée par la grandeur, avec des fresques et des installations imposantes. Pourtant, « Goonie 030 » remet en question cette tendance par sa taille réduite, prouvant qu'un art percutant peut s'exprimer dans des formats plus petits. Dans sa forme compacte, cette aquarelle originale invite à une interaction plus intime, comparable à la lecture d'un roman plutôt qu'à la contemplation d'un panneau publicitaire. Cette approche permet au spectateur d'apprécier pleinement la minutie et les subtilités que Hattori a insufflées à l'œuvre. L'encadrement et le passe-partout réalisés par l'artiste respectent l'échelle personnelle de la pièce, créant une frontière qui la distingue de l'immensité de son environnement. D'une certaine manière, cela fait écho à l'esprit du street art, qui cherche souvent à créer un espace d'expression individuelle au sein de l'espace public. « Goonie 030 », bien que conservée dans la collection privée d'un amateur d'art, porte en elle l'essence même du street art. La création de « Goonie 030 » témoigne de la polyvalence de Naoto Hattori, artiste capable de naviguer avec aisance entre le street art, le graffiti et le surréalisme. À travers cette aquarelle, Hattori invite le spectateur à réfléchir au potentiel des petits espaces à receler des univers immenses. L'œuvre se distingue comme une pièce maîtresse de l'art contemporain. Elle incarne la beauté et la complexité de la vision de Hattori, rendues avec la grâce et la précision propres à l'aquarelle.

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Lucky Cat - Œuvre d'art pop street jaune, impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Shane Jessup. Série de 10 exemplaires numérotés et signés de 2013 (5x5)

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Le jouet de collection en vinyle Lil' Qwiky Canbot Canz Limited Edition 94 Lil' Qwiky, œuvre d'art de rue par Czee13 x QUICCS. Édition limitée 2021 de 140 g (5,5 pouces) à 299 exemplaires, neuve en boîte Les canettes Lil' Qwiky Canbot de 1994 : un symbole du street art sous forme d'objet de collection Le Canbot Canz « 94 Lil' Qwiky » est un symbole saisissant de la rencontre dynamique entre la culture des objets de collection et le street art. Cette figurine en vinyle en édition limitée, fruit de la collaboration entre les artistes de rue Czee13 et QUICCS, capture l'essence même du pop art et du graffiti sous une forme tangible. Sortie en 2021, chaque pièce de cette série limitée à 299 exemplaires illustre un mélange d'esthétique urbaine et de culture des objets de collection. D'une hauteur de 14 cm (5,5 pouces), cette figurine fait référence à la bombe aérosol classique de 148 ml (5 onces), outil indispensable du graffeur. La série Canbot Canz célèbre l'omniprésence de la bombe aérosol dans la communauté graffiti, la transformant d'un simple récipient de peinture en une icône de rébellion et d'identité artistiques. Cette édition particulière, le « 94 Lil' Qwiky », est neuve dans sa boîte d'origine, conservant ainsi l'état impeccable tant recherché par les collectionneurs. Il est prêt à rejoindre le panthéon des objets de collection d'art urbain. Le nombre 94 revêt une signification particulière dans l'univers du graffiti, souvent associé à la marque d'une peinture en aérosol populaire utilisée par les artistes de rue. En l'intégrant au nom et au design, Czee13 et QUICCS rendent hommage à l'histoire et à la culture du street art, reconnaissant l'importance de ce médium et de ses outils. Avec ses détails et finitions artisanaux, cette figurine en vinyle témoigne du savoir-faire et de la créativité qui animent la communauté du street art. En créant le 94 Lil' Qwiky Canbot Canz, les artistes font le lien entre la rue et la maison, permettant aux passionnés de posséder un fragment de l'esprit du street art. C'est une célébration de cet art, traduite en un objet 3D porteur d'une profonde signification culturelle et d'une passion artistique intense. Alors que le street art continue de gagner en reconnaissance et en légitimité au sein du monde de l'art en général, The 94 Lil' Qwiky Canbot Canz témoigne des origines et de l'essence de ce mouvement, ainsi que de l'évolution constante du graffiti en tant que forme d'art et phénomène culturel.

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Blessbot - Canbot Canz de la veille de la Toussaint, jouet d'art original en vinyle peint à la main, œuvre d'art de collection par le graffeur de rue Jon Rampage x Czee13. 2021 Signé Jon Rampage x Czee13 Peint à la main Blessbot Peinture en aérosol, acrylique et techniques mixtes Pièce unique originale d'une session limitée à 10 exemplaires—Marque Czee13 au dos avec la signature de Jon Rampage. Le Blessbot - Canbot Canz de la veille de la Toussaint : Une célébration de l'individualité dans l'art urbain Le Blessbot - All Hallows Eve Canbot Canz est une illustration saisissante de la rencontre unique entre l'artisanat et la vitalité de la culture urbaine. Cette figurine de collection originale en vinyle, née de la collaboration créative de Jon Rampage et Czee13 en 2021, est une pièce d'exception en édition limitée à seulement dix exemplaires. Chaque pièce est une symphonie peinte à la main à la bombe, à l'acrylique et en techniques mixtes, révélant les styles distinctifs des deux artistes. Signées par Jon Rampage et portant la marque Czee13, ces Canbot Canz sont bien plus que de simples objets de collection : ce sont des témoignages uniques de l'héritage du graffiti. Artisanat intime à l'ère du numérique À l'ère du numérique où la production de masse est la norme, les Canbot Canz Blessbot - All Hallows Eve se distinguent par leur originalité et la touche personnelle des artistes. L'utilisation de matériaux traditionnels du graffiti, comme la peinture en aérosol, combinée à l'acrylique sur une toile en vinyle, témoigne de la fusion entre l'énergie brute et spontanée du street art et la minutie des beaux-arts. Chaque coup de pinceau, chaque contour sur la surface des Canbot Canz raconte une histoire, un récit ponctué par le thème d'Halloween qui traverse cette série limitée. Un hommage à l'art du graffiti et à la culture des objets de collection Ces Canbot Canz rendent hommage à la tradition du graffiti et reflètent l'essor des collectionneurs de figurines d'art. La série Blessbot, avec ses visages évoquant des citrouilles, capture l'esprit d'Halloween, mêlant l'effroi ludique de cette fête à l'âme rebelle du street art. Signées Jon Rampage, les Blessbot Canz transcendent l'ordinaire et offrent l'expérience unique de posséder une pièce artisanale d'exception. Dans le débat plus large autour du street art et du graffiti, les Blessbot - All Hallows Eve Canbot Canz témoignent de l'attrait intemporel et de l'évolution constante du street art. Elles incarnent l'essence même du mouvement, des rues aux collections privées, préservant la nature éphémère du graffiti sous une forme qui perdure.

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Yeux de méduse noirs 1 Lithographie de Takashi Murakami TM/KK Tirage à la main sur papier d'art vergé Édition limitée Œuvre d'art graffiti street pop. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2004. Dimensions de l'œuvre : 19,75 x 19,75 pouces. Jellyfish Eyes Black 1 de Takashi Murakami – Une icône psychédélique du street art et du graffiti « Jellyfish Eyes Black 1 » est une lithographie en édition limitée, signée et numérotée, réalisée en 2004 par le célèbre artiste contemporain japonais Takashi Murakami. Mesurant 50,2 x 50,2 cm (19,75 x 19,75 pouces), elle a été tirée à 300 exemplaires. L'estampe présente une multitude d'yeux stylisés flottants, dotés d'appendices évoquant des méduses, sur un fond noir aux couleurs vibrantes et palpitantes. Les sphères concentriques et les cils fantaisistes forment une composition énigmatique, à la fois ludique et surréaliste, qui plonge le spectateur dans l'univers visuel immersif de Murakami. Cette œuvre illustre la capacité de l'artiste à fusionner l'esthétique traditionnelle japonaise avec la culture pop mondiale, insufflant une iconographie dynamique au domaine du street art et du graffiti. Le formalisme néo-pop rencontre le langage visuel subculturel Le design hypnotique de Jellyfish Eyes Black 1 témoigne de l'intérêt profond que Murakami porte à la répétition visuelle et au surréalisme pop. Chaque œil irradie des bandes concentriques rose fluo, bleu électrique, vert acide et or – des couleurs plus souvent associées à l'animation publicitaire, au design de jouets et aux graffitis qu'à la lithographie traditionnelle. Le fond noir intensifie la sensation de flottement de ces formes biomorphiques, transformant l'espace en un champ onirique de conscience suspendue. Les racines de Murakami dans la peinture Nihonga et les compositions de l'époque d'Edo transparaissent dans la fluidité et l'équilibre de l'agencement, tandis que la palette synthétique et la douceur numérique embrassent l'intensité commerciale de l'iconographie pop. Dans Street Pop Art & Graffiti Artwork, ce mélange d'ordre classique et de forme radicale affirme la place de Murakami comme historien et provocateur. Yeux, surveillance et psyché otaku Les yeux qui peuplent Jellyfish Eyes Black 1 ne sont pas passifs. Leur regard, d'une présence troublante, crée une tension dynamique entre l'observateur et l'observé. Ce motif reflète l'exploration fréquente par Murakami de la culture otaku, du capitalisme de surveillance et du regard consumériste. Ces yeux sont à la fois ludiques, voire mignons, mais aussi obsessionnels, intrusifs et d'une surveillance constante. Certains semblent innocents ; d'autres présentent des pupilles concentriques superposées et des rétines satellites. Cette multiplicité reflète la fragmentation de l'identité dans la vie numérique et urbaine. Dans le champ plus large du Street Pop Art et du graffiti, ces yeux fonctionnent comme des symboles populaires : des icônes qui divertissent, perturbent et invitent à une analyse plus approfondie. Takashi Murakami et l'héritage du superflat dans l'art urbain L'influence de Takashi Murakami sur les beaux-arts et la culture urbaine est indéniable. Avec sa théorie du Superflat, il a élaboré un cadre permettant d'abolir les frontières entre culture populaire et savante, art ancien et hypermoderne, peinture traditionnelle et immédiateté visuelle inspirée du graffiti. Jellyfish Eyes Black 1 s'inscrit dans cette lignée comme une œuvre à la fois de collection, culturelle et d'une simplicité subversive. La lithographie rend hommage à l'histoire de l'estampe en édition limitée, tandis que son esthétique reste ancrée dans le langage saturé des médias de masse et de la culture jeune. Alors que le Street Pop Art et le graffiti continuent d'évoluer à l'échelle mondiale, l'œuvre de Murakami offre un aperçu de la manière dont les codes visuels japonais, les motifs d'anime et les traitements de surface psychédéliques peuvent coexister avec l'expressivité brute des formes d'art nées dans la rue. Jellyfish Eyes Black 1 ne se prête pas à la traduction : elle nous fixe du regard, luisant dans l'obscurité, nous invitant à ressentir.

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Œuvre d'art respirienne, impression d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. L'illustration de la nouvelle « Breatharian » de Callan Wink a été publiée dans le magazine New Yorker. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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VSOG Gold Canbot Canz Édition Limitée Jouet d'Art en Vinyle de Collection Œuvre d'Art par street graffiti Czee13 x Quiccs. Édition limitée 2021 à 300 exemplaires Figurine vinyle VSOG Gold Canbot Canz par Quiccs x Czee13 x Clutter x NTWRK. Découvrez cette superbe figurine vinyle VSOG Gold Canbot Canz, fruit de la collaboration ultime entre le Canbot Canz de Czee13 et le design Lil Qwiky de Quiccs ! Il s'agit peut-être de la version la plus luxueuse du Canbot Canz jamais créée. Produite par Clutter, la VSOG Gold Canbot Canz arbore le motif OG emblématique de Czee13 parfaitement intégré au design Lil Qwiky de Quiccs. Imprimée avec des peintures métallisées, cette figurine Canbot Canz présente des détails magnifiques et constitue une véritable œuvre d'art. Ce modèle ne sera produit qu'en deux coloris et deviendra sans aucun doute la pièce maîtresse de votre collection ! Chaque figurine mesure 14 cm et est munie de son hochet caractéristique. Édition limitée à 300 exemplaires !

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Assiette en céramique Akira Pill, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, format 10x10, objet d'art de collection. Présentation de l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill : une convergence entre le pop art urbain et le design de collection L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill est une pièce unique dans l'univers du design de collection et du pop art urbain. Lancée dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée illustre à merveille l'alliance harmonieuse entre objet utilitaire et œuvre d'art. La collaboration entre Supreme et le manga AKIRA dépasse le simple cadre commercial pour donner naissance à un objet de collection célébrant l'esthétique de la culture urbaine et du graphisme japonais. Plus qu'une simple assiette, l'assiette Supreme AKIRA Pill est une véritable toile qui met en lumière la rencontre fascinante entre l'audace de Supreme et le style graphique saisissant d'AKIRA. Fabriquée en céramique de haute qualité, elle allie durabilité et esthétique, se prêtant aussi bien à un usage quotidien qu'à la décoration. L'illustration, représentant un personnage en pleine action, avalant une pilule, est réalisée dans un noir et blanc contrasté, insufflant à cet objet statique le dynamisme et l'énergie brute des planches du manga original. L'image est accompagnée de la phrase « ILS SONT COMME DES BONBONS ! », ajoutant une dimension narrative et intrigante à l'œuvre. L'esprit de cette collaboration est palpable dans cet objet d'art unique. L'œuvre présentée capture l'essence de la série AKIRA, tandis que l'intégration du logo Supreme la replace dans l'univers de la mode urbaine haut de gamme. Le choix de modifier le logo Supreme et de l'apposer sur la pilule témoigne du talent de la marque pour intégrer harmonieusement des références à la culture populaire dans ses produits. Cette technique séduit non seulement les fans du manga, mais aussi les adeptes de la marque Supreme, dont l'identité est subtilement tissée dans le récit. Le dessous de la plaque fait partie intégrante de l'œuvre, arborant le logo Supreme Box classique dans ses couleurs vives d'origine. Ce détail, signature de la marque, est un clin d'œil à ses racines dans les cultures du skateboard et du streetwear, et constitue un gage d'authenticité pour les collectionneurs. L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill est une œuvre d'art pop et graffiti de rue. L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill témoigne de l'évolution du street art et du graffiti. Elle incarne l'essence même de l'art contemporain : à la fois fonctionnelle et provocatrice, profondément ancrée dans la culture underground. Bien plus qu'un simple produit dérivé, cette assiette est un fragment de l'histoire du street art, immortalisé dans une céramique émaillée. Son design reflète les points communs du street art et du graffiti : spontanéité, audace et provocation. Pourtant, il est sublimé par le prisme du pop art, qui transforme l'objet du quotidien en une œuvre extraordinaire. Cette collaboration symbolise la manière dont le street art brouille les frontières entre art commercial et art savant, invitant à une réflexion sur la valeur et la signification de l'art dans les objets du quotidien. En tant qu'œuvre d'art, l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill prolonge l'héritage de son inspiration manga vers de nouveaux horizons. Elle représente concrètement l'impact culturel de la série AKIRA sur l'univers du roman graphique et, plus largement, sur la culture pop. Pour Supreme, cette assiette vient enrichir sa collection d'objets à la fois contemporains et intemporels, des pièces qui captent l'air du temps tout en conservant un caractère exclusif et un potentiel de collection. Dans le domaine du street art et du graffiti, des objets comme l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill remettent en question les conceptions traditionnelles de l'art. Ils insufflent à nos intérieurs la vitalité et l'audace du street art, en fusionnant avec la fonctionnalité des objets du quotidien. Plus qu'un simple plat pratique, cette assiette est un objet de conversation, un commentaire culturel et une œuvre d'art à collectionner, incarnant à la perfection l'esprit novateur et transformateur du street art.

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Lithographie offset POM & Me, édition limitée, sur papier vélin lisse rond, par l'artiste pop urbain Takashi Murakami TM/KK. Édition limitée signée et numérotée de 300 exemplaires (2013), format rond, 19,75 x 19,75 pouces. Takashi Murakami (né en 1962) POM & Moi, 2013 Lithographie offset en couleurs sur papier vélin lisse 49,8 cm de diamètre (feuille) Édition limitée à 300 exemplaires Signée et numérotée à l'encre en bas à droite Publiée par Kaikai Kiki Co. Ltd., Tokyo « POM & Moi » est une lithographie du célèbre artiste japonais Takashi Murakami. Reconnu pour son style unique qui mêle art traditionnel japonais et culture pop contemporaine, Murakami jouit d'une renommée internationale. Son style « Superflat », signature de l'artiste, se caractérise par des couleurs vives et audacieuses et des images aplaties en deux dimensions. L'estampe « POM & Moi » fait partie des nombreuses œuvres créées par Murakami au fil des ans, mettant souvent en scène ses personnages et motifs emblématiques. Cette pièce en particulier reprend des éléments récurrents de son œuvre, tels que ses célèbres fleurs, lui-même et son chien Pom. Artiste aux multiples talents, Murakami a exploré divers médiums, de la peinture et la sculpture à la mode et aux produits dérivés. Son travail a été exposé dans de grandes galeries et musées du monde entier, et il a collaboré avec des marques et des célébrités de renom.

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Le Marchand d'oursons - Sérigraphie artisanale 18 couleurs sur papier beaux-arts doré mat par l'artiste Lauren YS, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2022, format 36 x 24 pouces (91,4 x 61 cm).

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Œuvre d'art Analogue Can Limited : bombe de peinture et sculpture de plaques d'identité pour chien, réalisée par Eddie Colla, légende du graffiti et artiste de rue. Édition limitée « Canette Analogue » à 33 exemplaires numérotés et titrés. Plaque d'identification en acier gaufré. Signée et numérotée à la main au fond. Dans un esprit de symétrie et d'analogie, chaque canette est accompagnée d'une plaque d'identification en acier gaufré numérotée et est également signée et numérotée à la main au fond.

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Adidas ZX 2K Boost Pure Atmos neuves, jamais portées, taille 12, édition limitée, pièce de collection rare. Donnez du peps à votre look ! Fruit d'une collaboration avec la célèbre boutique tokyoïte Atmos, ces chaussures Adidas ZX 2K Boost Pure fusionnent le style running ZX emblématique avec des couleurs inédites. Des touches d'imprimé animal et des détails tissés contrastent avec l'élégante empeigne en cuir. La semelle intermédiaire Boost semi-encapsulée sur toute la longueur vous offre un dynamisme optimal, que vous soyez en pleine création d'entreprise ou simplement en train de faire vos courses.

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« Not Easy Being Green », estampe giclée en édition limitée sur papier d'art de Chet Phillips, artiste de rue de la contre-culture. Godzilla x Kermit

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Sérigraphie Revolution Girl par WK Interact x Shepard Fairey - OBEY, tirage manuel en 1 couleur sur papier d'art Speckletone. Œuvre en édition limitée de l'artiste pop culture Obey. 2007, signé par WK Interact et Shepard Fairey - OBEY. Édition limitée à 250 exemplaires (non numérotés). Taille de l'œuvre 18x24. Sérigraphie. Petit coup sur un coin. Sérigraphie Revolution Girl par WK Interact x Shepard Fairey Revolution Girl est une sérigraphie réalisée à la main en 2007, issue d'une collaboration entre WK Interact et Shepard Fairey (OBEY). Imprimée en une couleur sur papier d'art Speckletone, cette édition de 18 x 24 pouces a été tirée à 250 exemplaires et est signée par les deux artistes. Bien que non numérotée individuellement, cette œuvre reste un objet de collection très prisé, témoignant de l'énergie créative des premières collaborations de street art. Narration urbaine et composition scindée L'œuvre est divisée en panneaux verticaux, créant une composition cinématographique fragmentée. D'un côté, une silhouette féminine audacieuse en noir et blanc évoque le portrait de style propagande, tandis que l'autre côté présente l'imagerie urbaine brute de WK Interact, mettant en scène une figure solitaire devant un mur couvert de graffitis. La palette monochrome stricte accentue l'esthétique urbaine brute, mêlant le langage visuel iconique des affiches d'OBEY au réalisme urbain dynamique et axé sur le mouvement de WK Interact. Collaboration de street art en édition limitée Réalisée manuellement par sérigraphie sur papier d'art Speckletone, Revolution Girl reflète la qualité tactile et le contraste marqué associés à la sérigraphie traditionnelle. La sortie de 2007 capture un moment où deux artistes de rue influents ont fusionné leurs styles visuels distincts en une déclaration politique et culturelle unifiée. Signée à la fois par WK Interact et Shepard Fairey, cette édition limitée à 250 exemplaires constitue une pièce charnière significative dans l'histoire contemporaine du street art et du pop art.

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Œuvre d'art représentant une tubéreuse, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Christine Wu.

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Sket Bun, sculpture d'art en techniques mixtes, édition limitée, œuvre de collection de l'artiste pop street Sket One. Édition limitée 2022 à 20 exemplaires, diamètre 4 pouces, signée Sket Bun Édition Limitée Art Toy Sculpture par Sket One Le Sket Bun est une remarquable sculpture-jouet d'art multimédia créée par Sket One, figure prolifique du street art et du graffiti. Cette pièce de collection, sortie en 2022, est une fusion ludique d'art contemporain et d'inspiration culinaire. Limitée à seulement 20 exemplaires et mesurant 10 cm de diamètre, le Sket Bun est un exemple exceptionnel de la façon dont le street art peut transcender les formes traditionnelles, apportant une touche de fantaisie et un commentaire culturel au monde des objets de collection modernes. Une approche ludique du street art Le Sket Bun de Sket One présente un design sculptural inspiré du traditionnel petit pain vapeur, réinterprété avec le style ludique et vibrant caractéristique de l'artiste. L'œuvre prend vie grâce à des traits expressifs, presque caricaturaux, qui dégagent charme et humour. Présentée dans un panier vapeur en faux bambou, elle transcende le simple objet de collection pour devenir une véritable œuvre d'art, porteuse de sa propre histoire. Cette création unique illustre la capacité de Sket One à puiser son inspiration dans les objets du quotidien et à les imprégner de l'esprit rebelle du graffiti. À propos de l'artiste Sket One, de son vrai nom Andrew Yasgar, est un artiste de street art américain de renom. Reconnu pour ses graphismes audacieux, ses créations inventives et son talent pour fusionner culture urbaine et esthétique commerciale, il est devenu une figure majeure du mouvement des art toys. Son œuvre explore souvent les thèmes de la nostalgie et de la culture pop contemporaine, faisant le lien entre graffiti et sculptures de collection. Le Sket Bun illustre parfaitement son talent pour transformer des objets familiers en œuvres d'art exceptionnelles qui trouvent un écho auprès d'un large public. Un chef-d'œuvre en édition limitée Avec seulement 20 exemplaires existants, le Sket Bun est une pièce rare et convoitée par les collectionneurs de street art et d'art toys. Chaque exemplaire est signé à la main par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et sa valeur. La minutie de sa fabrication, alliée à un design à la fois ludique et sophistiqué, en fait une pièce maîtresse de toute collection d'art. Lancé en 2022, le Sket Bun continue de fasciner les amateurs qui apprécient la fusion de l'humour, de la culture et de l'innovation artistique. Le Sket Bun de Sket One illustre les possibilités infinies du street art. En transformant un simple petit pain en une sculpture visuellement captivante et stimulante, il nous rappelle que l'art peut être à la fois amusant et profond. Cette œuvre témoigne de sa capacité à brouiller les frontières entre les formes d'art traditionnelles et l'expression créative moderne, laissant une empreinte durable sur le monde de l'art contemporain.

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Azalée Chut... Œuvre d'art Giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Christine Wu.

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Signez 1 Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art mat Moab Entrada Rag 300 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Eddie Colla. « Sign 1 » 28 x 36 cm (11 x 14 pouces) Tirage pigmentaire d’archives sur papier d’art mat Moab Entrada Rag 300 g/m², édition limitée à 50 exemplaires, signés et numérotés « Parfois, je crée une image à laquelle je reviens sans cesse. Celle-ci en fait partie. J'ai beau avoir essayé d'expliquer ce qui me hante dans cette image, je n'y suis jamais parvenu. Ce sont des images auxquelles je ne me sépare jamais, car, personnellement, je ne peux jamais vraiment en percer le mystère. À mon avis, c'est là, fondamentalement, la raison d'être de l'art : communiquer ou évoquer quelque chose qu'on ne pourrait exprimer autrement, ni par des mots ni par aucun autre moyen. Je n'ai jamais réussi à traduire cette œuvre en une explication cohérente. C'est une expérience solitaire. Et c'est ce qui lui donne tout son sens pour moi. » – Eddie Colla

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Papier buvard Yin-Yang Doll, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ron English - POPaganda, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 5,6 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Many Faces - Tirages pigmentaires d'archives HPM en édition limitée, rehaussés à la main, sur papier beaux-arts, par l'artiste de graffiti urbain Abstrk. Édition limitée unique de 15 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces.

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Impression giclée en édition limitée de l'œuvre Miranda et Caliban sur papier d'archivage de qualité musée 310 g/m² par l'artiste de graffiti de la culture pop Tran Nguyen. Miranda et Caliban par Tran Nguyen. Tirage d'art giclée sur papier Canson Aquarelle 310 g/m² de qualité musée, 33 x 46 cm. Édition limitée à 75 exemplaires signés et numérotés. Imprimé avec amour par Static Medium. « Je peins souvent des figures enveloppées par la nature, comme des oiseaux. Je m'intéresse à la relation entre les deux et à la manière dont elles coexistent sur le plan pictural. » - Tran Nguyen

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La maison qu'Hanuman a construite, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts par Pooch Graffiti Street Artist Modern Pop Art.

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Barbasoul Lil' Qwiky Canbot Canz Limited Edition Vinyl Art Toy Collectible Artwork by street graffiti Czee13 x QUICCS. Édition 2020 de 140 ml (5,5 pouces) limitée à 250 exemplaires. Cette nouvelle édition revisite avec humour le concept du jouet, passant d'une bombe aérosol à un distributeur de mousse à raser, d'où son nom à double sens. Elle arbore les couleurs rouge, bleu et blanc du produit original.

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Dieux des mers du Sud, édition limitée phosphorescente, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2010. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Jacob Borshard présente cent quatre-vingts petits dieux polynésiens. « Représentation portative des diverses idoles cataloguées par Sir Beebort York à bord du HMS Terrier, commandé par l'estimé capitaine George Blueberry, lors de ses récentes explorations des dernières eaux inexplorées des mers du Sud. Gravure de J. Shardsley pour l'Encyclopaedia Novus Plumbeus, 1790. Exemplaires supplémentaires disponibles pour deux pence pièce auprès de Gooseberry Bros. Ltd., Londres. »

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Never Look Back 2, œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Andrew Bell.

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Les Saints Oubliés (Les Saints Oubliés) Édition Limitée Archival Pigment Print Skateboard deck art par l'artiste de la culture pop de rue Eddie Colla. Épreuve d'artiste (AP) en édition limitée, signée, impression pigmentaire d'archives par transfert sur planche de skate naturelle pressée à froid. 20,3 x 81 cm (8 x 31,875 pouces)

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Dans la nature de la rêverie n° 2 PP HPM Tirage d'archives par Helice Wen Édition limitée Multiple peint à la main sur papier beaux-arts 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2020 Signée et marquée PP HPM Peinture acrylique Impression embellie à la main Édition limitée Œuvre d'art Taille 17x24 Pigment d'archivage Beaux-arts. Exploration de la fusion entre le street art, le pop art et le graffiti dans « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen Le monde de l'art a récemment été témoin d'un fascinant mélange de styles et de techniques, illustré par « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen. Cette œuvre est un exemple remarquable de la manière dont les artistes contemporains entremêlent des éléments de street art et de graffiti pour créer des œuvres innovantes et visuellement saisissantes. Sortie en 2020, cette édition limitée, une estampe d'art peinte à la main (HPM), révèle la vision unique de Wen, fusionnant les techniques traditionnelles des beaux-arts avec l'énergie brute et expressive du street art. Helice Wen, artiste reconnue pour son œuvre émouvante et évocatrice, apporte un regard neuf sur le pop art. Son œuvre « In The Nature of Daydreaming No 2 » se distingue notamment par l'utilisation de peinture acrylique sur papier beaux-arts 290 g/m², un choix qui souligne l'alliance de la durabilité et de la délicatesse qui caractérise son travail. L'œuvre, mesurant 43 x 61 cm, témoigne de sa maîtrise des proportions et du détail. L'importance de l'épreuve d'imprimerie (EI) dans l'art contemporain L'épreuve d'imprimeur (PP) de cette œuvre occupe une place particulière dans le monde de l'art. Traditionnellement, les épreuves d'imprimeur étaient considérées comme faisant partie intégrante du processus d'impression, réservées à l'usage de l'imprimeur et généralement non destinées à la vente. Cependant, dans l'art contemporain, ces épreuves ont acquis une valeur considérable en tant que pièces uniques, souvent plus recherchées que les éditions courantes en raison de leur rareté et de l'implication directe de l'artiste. La décision de Wen de signer et de marquer cette œuvre comme une PP HPM renforce encore son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs. L'embellissement manuel : un pont entre les beaux-arts et l'esthétique urbaine Le caractère artisanal de cette œuvre, rehaussé à la main, est un élément essentiel de son charme et de sa valeur. Ces embellissements consistent pour l'artiste à apporter une touche personnelle à chaque estampe, rendant chaque exemplaire de l'édition unique. Dans le travail de Wen, cette pratique brouille la frontière entre les estampes d'art traditionnelles et la spontanéité et l'individualité du street art. L'utilisation de la peinture acrylique pour les embellissements de « In The Nature of Daydreaming No 2 » confère non seulement texture et profondeur à l'œuvre, mais l'imprègne également de l'énergie brute caractéristique du graffiti. La qualité archivistique et son rôle dans la préservation de l'art moderne L'utilisation de pigments d'archivage dans les beaux-arts est un autre aspect qui distingue l'œuvre de Wen. Reconnus pour leur longévité, ces pigments garantissent que l'œuvre ne se décolore pas et ne se détériore pas avec le temps. Cette longévité est essentielle pour les collectionneurs et les amateurs d'art qui considèrent l'acquisition de telles pièces comme un investissement. Le papier beaux-arts de 290 g/m² utilisé pour cette estampe contribue également à sa durabilité, offrant un équilibre optimal entre grammage et texture. En résumé, « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen est un exemple fascinant de la manière dont les artistes contemporains fusionnent les univers du street art, du graffiti et des beaux-arts. Par son choix de médium, ses embellissements à la main et son souci de la qualité d'archivage, Wen a créé une œuvre qui non seulement se démarque dans le paysage artistique moderne, mais qui remet également en question et repousse les limites des formes artistiques traditionnelles.

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Œuvre d'art HPM rehaussée à la main, édition limitée, impression giclée sur papier Epson Hot Press Bright Heavyweight par l'artiste moderne d'art Aaron Nagel. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Œuvre d'art de format 24x24. Photo non contractuelle. Tirage giclée en édition limitée, rehaussé à la main, de l'œuvre « Relative Safety ». Imprimé sur papier mat épais Epson Hot Press Bright avec des encres Ultrachrome d'archivage. Signé et numéroté. Dimensions de l'image : 50,8 cm x 50,8 cm. Dimensions du papier : 61 cm x 61 cm. Tirage : 10 exemplaires.

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Forsake PP, épreuve d'imprimerie, tirage d'archives par Eddie Colla, édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 16x20,5 cm Pigments d'archivage Analyse de « Forsake » d'Eddie Colla « Forsake » est une épreuve d'artiste (PP) saisissante, signée Eddie Colla, figure emblématique du pop art, du street art et du graffiti. Créée en 2020, cette œuvre fait partie d'une édition limitée, chaque exemplaire étant signé et marqué par Colla, gage d'authenticité et d'exclusivité. Imprimée sur papier d'art 290 g/m², elle offre une longévité et une qualité d'impression exceptionnelles, un critère essentiel pour les collectionneurs et les amateurs de street art. Ses dimensions généreuses (40,6 x 52 cm) permettent d'apprécier pleinement la finesse des détails et la profondeur du message. La convergence de l'art urbain et des beaux-arts selon Eddie Colla Eddie Colla est reconnu pour sa capacité à fusionner l'énergie brute et expressive du street art avec les techniques raffinées des beaux-arts. « Forsake » témoigne de son talent pour naviguer entre ces deux univers, créant des œuvres à la fois accessibles et profondément stimulantes. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation des riches textures et des nuances subtiles, capturant ainsi la nature éphémère du street art dans une forme qui se savoure au fil du temps. L'image d'une figure masquée dans « Forsake » fait écho à l'expérience mondiale contemporaine et aborde les thèmes de l'identité, de la résistance et de la condition humaine. Symbolisme et récit dans l'œuvre de Colla Dans cette œuvre, le regard du sujet est direct et inflexible, un point focal puissant au milieu d'encre estompée et de formes abstraites. Le masque, symbole désormais indissociable de l'ère de la pandémie de COVID-19, évoque le silence, l'anonymat et la difficulté de communiquer dans un monde où une grande partie de notre expression est occultée. Le texte choisi par Colla – « Après t'avoir oublié, ils t'appelleront maintenant avec leurs ruses » – introduit un récit de redécouverte et la nature cyclique de la mémoire et de l'attention collectives. L'approche mixte employée par Colla, mêlant photographie et éléments graphiques, est une marque de fabrique de son style. Cette méthode permet une superposition de significations, à l'image des affiches et des graffitis qui s'accumulent sur les murs des villes, chacun racontant une histoire différente. « Forsake » invite le spectateur à lever le voile sur ces strates et à explorer la profondeur du récit de Colla. Cette profondeur distingue l'œuvre d'Eddie Colla, lui conférant un sentiment d'urgence et de pertinence, qui est la force du street art. Le message et le support de l'œuvre reflètent l'engagement de Colla envers le street art comme commentaire social. En transposant les formes artistiques éphémères de la rue dans la pérennité des estampes d'art, Colla abolit la frontière entre art savant et art public. Son œuvre nous rappelle que les messages véhiculés par le street art ont toute leur place dans le débat culturel actuel et méritent d'être préservés et analysés. « Forsake » est une pièce marquante du travail d'Eddie Colla, incarnant sa vision du street art et du graffiti comme forme d'impact visuel et moyen de communication et de connexion. C'est un exemple éloquent de la façon dont le street art peut accéder à une dimension qui transcende les frontières des formes artistiques traditionnelles. À travers des œuvres comme « Forsake », Eddie Colla continue de questionner les perceptions, de susciter le dialogue et de favoriser une compréhension plus profonde de nos expériences collectives.

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Sea Also Rises - Wolves of MekHead Island, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Première édition. « Les Loups de l'île de Mekhead », 61 x 91 cm, impression 5 couleurs, tirage limité à 125 exemplaires.

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Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, bicolore, représentant une pom-pom girl chinoise, sur papier d'art de qualité supérieure, par ASVP, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée signée de 2012, format 15x20

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Estampe typographique Sister White Fox de Yumiko Kayukawa, édition limitée sur papier MEDIUM, style graffiti street pop. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2024, avec bords frangés à la main. Format : 20,3 x 25,4 cm. Impression typographique bicolore sur papier Coventry Rag à bords frangés à la main. Yumiko Kayukawa, Sœur Renard Blanc, Impression typographique 2024 L'estampe typographique « Sister White Fox » (2024) de l'artiste Yumiko Kayukawa, née au Japon et installée à Seattle, illustre à merveille son style unique, mêlant iconographie traditionnelle japonaise, illustration contemporaine et l'audace graphique propre au Street Pop Art et au graffiti. Tirée à 40 exemplaires numérotés et signés, cette estampe de 20 x 25 cm est réalisée en deux couleurs sur papier Coventry Rag à bords frangés, conférant à chaque pièce une présence tactile et artisanale. Le léger gaufrage de l'impression typographique accentue l'équilibre caractéristique de l'artiste, alliant élégance et contraste, et renforce le caractère précieux de cette œuvre pour les collectionneurs. Une imagerie ancrée dans le mythe et la modernité La composition met en scène une figure féminine sereine, ornée d'un masque de renard, avec un renard blanc vivant perché sur son épaule. Réalisée en traits noirs nets rehaussés de touches de rouge vif, l'œuvre évoque le folklore japonais du kitsune – renard mystique réputé pour son intelligence, sa capacité à se métamorphoser et son rôle de guide spirituel. L'expression sereine de la femme et sa chevelure ondulante se mêlent à des formes de nuages ​​stylisées et à des fleurs de cerisier, symboles de tradition et de renaissance. L'utilisation minimaliste mais délibérée du rouge par Kayukawa confère à la composition une intensité émotionnelle, attirant l'attention sur les motifs du masque, les lèvres de la femme et les subtils liens qui unissent la scène. Détails techniques et matériels Imprimée sur papier Coventry Rag frangé à la main, l'œuvre arbore la texture raffinée d'un papier d'art de haute qualité, souvent utilisé en estampe de prestige. La technique typographique imprègne légèrement l'encre dans les fibres, créant un relief subtil qui met en valeur le trait net et précis de Kayukawa. Ce procédé souligne le jeu entre l'espace négatif et la forme, caractéristique de son langage visuel. Le format intimiste renforce la dimension personnelle, presque spirituelle, de l'image, invitant à une observation attentive pour apprécier la subtile précision de l'estampe. La voix artistique de Yumiko Kayukawa Née à Hokkaido, au Japon, en 1970, Yumiko Kayukawa s'est forgée une solide réputation internationale grâce à sa fusion harmonieuse de culture pop, de stylisation inspirée de l'anime et de motifs traditionnels japonais. Installée à Seattle, elle continue d'explorer les thèmes de la féminité, de l'indépendance, de la nature et de la mythologie à travers des contrastes saisissants et un symbolisme chargé d'émotion. « Sister White Fox » témoigne de sa capacité à puiser dans des récits séculaires tout en les réinventant pour en faire des expressions contemporaines d'identité et de force. Au sein du Street Pop Art et du graffiti, les estampes de Kayukawa se distinguent par leur clarté narrative et leur résonance culturelle, offrant aux spectateurs une rencontre avec le mythe réinterprété pour le monde moderne.

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Warm Thoughts - Statue en polystone Golden Touch, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti Death and Milk, artiste pop moderne. Statue Mighty Jaxx en polystone de 20 cm de haut, édition limitée 2021, par Death and Milk. La douce geisha revient dotée d'un don particulier : celui de transformer tout ce qu'elle touche en or. Célèbre pour ce nouveau pouvoir, elle attire tous ceux qui souhaitent devenir son compagnon. Assise au bord du crâne, elle joue avec son pouvoir, trempant son doigt dans la source d'or et le métamorphosant instantanément, tout en réfléchissant à qui sera sa prochaine victime.

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Lucky Cat - Œuvre d'art pop street noire, édition limitée, impression giclée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Shane Jessup. Série de 10 exemplaires numérotés et signés de 2013 (5x5)

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Ghost Lil Qwiky GID 5oz Canbot Canz Limited Edition Vinyl Art Toy Collectible Artwork by street graffiti Quiccs x Czee13. Édition limitée 2021 Affiché dans la boîte Préparez-vous à briller ! Découvrez le PREMIER Canbot Canz phosphorescent conçu par la légende philippine QUICCS ! Ces dernières années, Quiccs s'est imposé dans le monde de l'art, et pour Halloween, il s'est associé à Czee13 et à l'équipe de Clutter pour vous présenter le plus terrifiant des Lil Qwikys… le GID GHOST ! Mesurant 14 cm et doté de son hochet caractéristique, le Fantôme brille d'une teinte bleue unique ! C'est le PREMIER Canbot Canz phosphorescent.

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Guerrier paisible - 2021 Buddha Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Risk Rock. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Dimensions de l'œuvre : 18 x 22,5 pouces. « Guerrier pacifique » - 2021. Impression giclée sur papier Coventry Rag, édition limitée à 25 exemplaires (57 x 46 cm).

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Vacances en Thaïlande Black Art Toy de Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection d'un artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2025, format 7x11, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, représentant Kaws Companion, la mère/le père/l'ami et l'enfant tenant une lune fluorescente phosphorescente GID assis sur une Terre lumineuse, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Holiday Thailand Black Art Toy par KAWS – Brian Donnelly La figurine Holiday Thailand Black Art Toy de Brian Donnelly, alias KAWS, est une édition limitée en vinyle de 2025. Elle plonge l'artiste au cœur du street art pop et du graffiti, insufflant une dimension narrative et émotionnelle. Mesurant 18 x 28 cm, la sculpture met en scène l'emblématique personnage KAWS Companion dans une pose protectrice : assis sur un globe bleu et vert éclatant, il berce tendrement une petite figurine d'enfant. Ensemble, ils tiennent une lune fluorescente phosphorescente, dont la surface texturée évoque le paysage lunaire. Sortie en quantité limitée et désormais épuisée, cette édition neuve, dans sa boîte d'origine, est estampillée et imprimée sur le dessous pour garantir son authenticité. L'édition noire est la plus saisissante visuellement de la série Thailand Holiday, accentuant les contrastes de silhouettes, de lumière et d'ombres pour une intensité émotionnelle maximale. Design monochrome avec thèmes universels Entièrement réalisée en vinyle noir mat, cette version élimine toute distraction colorée des figures, laissant la Terre et la lune scintillante occuper le devant de la scène. L'absence de couleur accentue la dimension émotionnelle de l'œuvre, attirant l'attention sur la posture, le geste et la douce intimité entre l'adulte et l'enfant. Ce choix amplifie la portée symbolique de la sculpture, lui permettant d'évoquer la responsabilité globale, la sollicitude parentale et la réflexion sur l'environnement. Le noir confère aux figures une présence quasi fantomatique, tandis que le monde lumineux à leurs pieds demeure vivant et vibrant. L'astre lumineux ajoute une douceur surnaturelle, invitant le spectateur à méditer sur les thèmes de la guidance, de la protection et de l'espoir partagé. Le langage sculptural de KAWS dans l'art urbain pop et le graffiti Né aux États-Unis, Brian Donnelly a fait ses armes dans les rues de Jersey City, où ses premiers graffitis détournaient les publicités publiques à l'aide de caricatures satiriques. Sa figure emblématique, le Companion, est devenue une icône moderne du Street Pop Art et du graffiti, incarnant les thèmes de l'aliénation, de l'empathie et de la mémoire. Avec la série Holiday Thailand, Donnelly a introduit une dimension plus douce et méditative dans l'identité du Companion. L'édition Holiday Black pousse cette idée encore plus loin : son ton sombre et son socle en forme de globe terrestre soulignent l'idée du Companion comme gardien d'un monde fragile. Les yeux en forme de X et les gants caricaturaux caractéristiques sont toujours présents, mais au lieu du sarcasme, ils semblent désormais exprimer le calme et la réflexion. Un chef-d'œuvre de collection dans le minimalisme émotionnel Comme toutes les éditions KAWS Holiday, cette sculpture a été très recherchée dès sa sortie et s'est rapidement vendue comme des petits pains. La version noire est particulièrement prisée pour sa rareté esthétique et sa capacité à suggérer la profondeur par la sobriété. L'utilisation minimaliste de la couleur sublime l'interaction de la sculpture avec la lumière, notamment lorsque la lune se met à briller dans l'obscurité. L'œuvre se métamorphose de façon saisissante entre le jour et la nuit, la douce lueur lunaire apportant une chaleur réconfortante aux silhouettes ombragées. Cette transformation cinétique en fait bien plus qu'un simple objet visuel : une véritable expérience émotionnelle. Pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti, la sculpture Holiday Thailand Black Art Toy est plus qu'une simple figurine : c'est un instant suspendu dans le temps, un équilibre subtil entre silence, recueillement et symbolisme cosmique, à travers le langage visuel si caractéristique de Brian Donnelly.

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Royyal Dog - Peinture aérosol noir mat en édition limitée, fruit d'une collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN et Royyal Dog - Chris Chanyang Shim . Bombe de peinture et coffret en bois, édition limitée à 500 exemplaires (2022). Illustration de 3 x 8 pouces. Bombe de 400 ml. « Royyal Dog Chris Chanyang Shim est un graffeur et muraliste originaire de Séoul, en Corée. Il est surtout connu pour ses fresques photoréalistes représentant des femmes afro-américaines en hanbok, le costume traditionnel coréen. Ses peintures véhiculent un message d'harmonie universelle et sont reconnues pour leur multiculturalisme. On peut admirer son travail dans le monde entier. » – Montana MTN Royyal Dog – Bombe de peinture aérosol noir mat, édition limitée (2022), série Montana MTN Artist La bombe de peinture Royyal Dog Matt Black Limited Edition est le fruit d'une collaboration remarquable entre Montana Colors (MTN) et le muraliste de renommée internationale Royyal Dog, alias Chris Chanyang Shim. Lancée en 2022 dans le cadre de la collection MTN Artist Series, cette édition collector transforme la bombe classique de 400 ml en une œuvre d'art raffinée et riche de sens. Limitée à seulement 500 exemplaires dans le monde, cette édition présente le portrait photoréaliste emblématique de Royyal Dog, parfaitement intégré à la surface cylindrique. L'œuvre représente une silhouette féminine élégante, rendue avec un niveau de détail exceptionnel, vêtue d'un hanbok traditionnel coréen aux riches tons dorés. Le bouchon et le couvercle noir mat contrastent harmonieusement avec la douceur et le réalisme du portrait, accentuant la profondeur et la présence de l'image. Royyal Dog est un graffeur et muraliste basé à Séoul, reconnu pour son art de mêler portraits hyperréalistes et symbolisme culturel. Il est notamment célèbre pour ses représentations de femmes afro-américaines en hanbok traditionnel coréen, une fusion visuelle puissante qui évoque l'harmonie universelle, le multiculturalisme et l'identité humaine partagée. Ses fresques ornent les villes du monde entier et sont aujourd'hui reconnues pour leur maîtrise technique et la profondeur de leur message. Chaque bombe de peinture mesure environ 7,6 x 20,3 cm (format 400 ml) et est présentée dans un coffret en bois officiel Montana MTN, gravé au laser du logo MTN Limited Edition. Ce coffret transforme l'objet, d'un simple souvenir, en une véritable sculpture de collection, digne d'être exposée. Appartenant à la série Montana MTN Artist Series, l'édition Royyal Dog Matt Black s'inscrit dans la lignée des bombes de peinture conçues par des artistes, fusionnant culture urbaine et art contemporain. Produite à seulement 500 exemplaires, elle demeure une pièce rare et très recherchée, témoignant de la rencontre entre le graffiti contemporain, le réalisme du portrait et le dialogue culturel. Pièce maîtresse de toute collection d'art urbain ou contemporain, cette bombe de peinture Royyal Dog Montana MTN en édition limitée allie prouesse technique et message d'unité dans un format compact, prêt à être exposé.

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Estampe giclée en édition limitée Trinity Mao sur papier coton d'archivage 330 g/m² par David Foox, artiste de rue de la contre-culture. Épreuve d'imprimerie PP 2011 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 5,5 x 12,5 « Le Mao à trois têtes représente la dictature mentale des différentes facultés de perception humaine. Les deux troisièmes yeux, à gauche et à droite, symbolisent à la fois la gauche (logique et raison) et la droite (créativité et émotivité), ainsi que les effets négatifs et positifs de la dualité de la glande pinéale, c'est-à-dire la capacité de l'esprit à conférer une valeur spirituelle aux objets inanimés ou aux idées. La troisième tête, au centre, représente le Soi objectif, et la glande pinéale est représentée par le tétragramme, qui symbolise la conscience divine et les lois infinies et immuables des mathématiques, de la chimie et de la physique. Le lapin représente les forces animales de la nature qui animent les constellations, et la pyramide représente le désir humain de transformer la matière en une forme parfaite. » – Par Liam McMullan pour l'artiste David Foox (FOOX)

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Planche de skateboard Supreme Sekintani La Norihiro - Édition limitée rose - Illustration de la marque Supreme L'artiste japonais Sekintani La Norihiro, dont l'œuvre a été lancée au printemps/été 2019, est réputé pour son imagerie provocatrice. Il représente souvent des images déformées, des organes et des combinaisons de couleurs vives, créant ainsi des motifs presque écœurants. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink met en valeur cette œuvre. On y voit une femme partiellement dénudée et une figure diabolique qui la surplombe. Des motifs déformés, caractéristiques du style de La Norihiro, sont visibles sur toute la face inférieure de la planche. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink est sortie au printemps/été 2019.

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