Australie et Australien

Train 24 est une œuvre d'art originale, une sculpture acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, réalisée par LushSux, artiste de rue et artiste pop moderne spécialisée dans le graffiti. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (dimensions : 14 x 3). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. Présentation de « Train 24 » par LushSux : Une toile sur rails « Train 24 » s'impose comme une œuvre marquante dans le travail de l'audacieux artiste de rue LushSux. Reconnu pour ses fresques exquises et son art urbain pop audacieux, LushSux transpose son art sur un support non conventionnel : un wagon de train miniature à l'échelle HO. Il y fusionne le savoir-faire méticuleux des passionnés de modélisme ferroviaire et l'esprit rebelle du graffiti. Signée et créée en 2014, cette œuvre originale illustre la capacité du graffiti à transcender les échelles, démontrant que l'essence même de cet art urbain peut être condensée dans les dimensions réduites d'un train miniature (14 x 3 pouces). Le style emblématique de LushSux en format miniature L'œuvre « Train 24 » présente un tag graffiti, communément appelé throw-up, caractérisé par ses lettres aux formes arrondies et son exécution rapide – un style récurrent dans le répertoire de LushSux. La teinte rose vibrante du tag contraste avec la palette de couleurs plutôt sobres du wagon miniature, attirant le regard et interrogeant la perception de l'espace et de l'art chez le spectateur. En transposant son art à une échelle aussi miniature, LushSux brouille les frontières entre la nature subversive du graffiti et la précision maîtrisée de la peinture sur trains miniatures. Le tag, qui s'étend sur toute la longueur du train, devient un récit vivant, un véritable véhicule pour l'expression de l'artiste. La valeur artistique et de collection de « Train 24 » « Train 24 » s'impose non seulement comme une œuvre d'art pop moderne, mais aussi comme une pièce de collection très prisée au sein de la communauté des modélistes ferroviaires. La fusion de ce loisir de niche avec l'univers dynamique du street art donne naissance à une œuvre interculturelle qui séduit un public varié de collectionneurs et d'amateurs. Signée par LushSux, cette pièce originale bénéficie d'une authenticité et d'un prestige très recherchés tant dans le monde de l'art que dans celui du modélisme ferroviaire. Cette œuvre témoigne de la polyvalence de LushSux en tant qu'artiste et des vastes possibilités du graffiti, un genre qui ne cesse de se réinventer. « Train 24 » est une sculpture de locomotive qui symbolise le parcours du street art, de ses débuts marginaux à la reconnaissance artistique et au succès commercial.

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Offre spéciale : Peinture originale de la Compagnie des Voleurs, réalisée à la bombe aérosol, à l’acrylique et avec des techniques mixtes sur panneau de bois par Ben Frost, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2013, réalisée à l'acrylique et à la bombe aérosol, format 24 x 32 pouces. Offre spéciale : « Company of Thieves » de Ben Frost : une exploration audacieuse du consumérisme dans l’art urbain pop et le graffiti. « Offre spéciale » : « Company of Thieves » de Ben Frost est une œuvre originale saisissante, mêlant peinture aérosol, acrylique et techniques mixtes sur panneau de bois. Elle capture l’énergie subversive du street art et du graffiti. Créée en 2013, cette œuvre originale signée mesure 61 x 81 cm et illustre la technique caractéristique de Frost, qui consiste à fusionner imagerie provocatrice et publicité. Dans cette pièce, une figure masquée, évoquant un personnage de dessin animé célèbre, se détache sur un fond chaotique jonché d’étiquettes de soldes, de réductions et de slogans publicitaires. Frost manipule le langage visuel de la société de consommation pour confronter le spectateur à des vérités dérangeantes sur la marchandisation du corps humain et l’influence omniprésente des marques sur l’identité moderne. La construction et la puissance thématique de l'offre spéciale Company of Thieves L'utilisation de la peinture en aérosol et de l'acrylique par Ben Frost crée une texture visuellement agressive qui complète le contenu dérangeant de « Special Offer Company of Thieves ». L'arrière-plan, orné d'une enseigne de soldes rouge et rose vif, amplifie le sentiment d'urgence et de séduction qui sous-tend les tactiques marketing modernes. Sur cette scène chaotique, Frost place une silhouette noire et grise, partiellement peinte et parée d'un simple morceau de tissu rouge, tirant sur ses vêtements de manière suggestive. La tête de la silhouette, en forme d'oreilles de souris, ajoute une référence troublante à la culture pop, associant l'innocence et le marketing des entreprises à une sexualité débridée. L'œuvre de Frost oblige les spectateurs à se confronter aux dynamiques d'exploitation souvent dissimulées derrière une publicité lisse et un divertissement aseptisé. Son utilisation superposée de techniques mixtes renforce la fragmentation de l'identité dans la société de consommation, une caractéristique puissante du Street Pop Art et du graffiti. Le rôle de Ben Frost comme figure de proue du street art et du graffiti modernes Né en Australie, Ben Frost repousse sans cesse les limites du street art et du graffiti grâce à sa critique incisive de la publicité, de l'industrie pharmaceutique et de la culture du divertissement. Son art puise dans le familier pour le distordre et révéler les absurdités et contradictions sous-jacentes de la vie contemporaine. Dans « Special Offer Company of Thieves », Frost illustre parfaitement cette démarche en transformant les symboles commerciaux en toile de fond d'une rébellion et d'une introspection profondes. Son utilisation éclatante de la couleur, la juxtaposition d'icônes et la présentation percutante de l'œuvre invitent à une interaction active plutôt qu'à une simple contemplation. La capacité de Frost à susciter la réflexion et le malaise par l'humour et la distorsion a consolidé sa place parmi les artistes les plus importants de l'évolution du graffiti et du street art modernes influencés par le pop art. L'importance culturelle et artistique de l'offre spéciale de Company of Thieves L'œuvre « Company of Thieves », présentée ici dans le cadre de l'offre spéciale, est une pièce d'art urbain pop et graffiti d'une grande valeur, abordant de front les problématiques contemporaines d'exploitation et de marchandisation des consommateurs. Le choix d'un panneau de bois comme support confère à l'œuvre une robustesse et un aspect urbain authentiques, tandis que la combinaison de peinture aérosol et de couches acryliques lui apporte profondeur et dynamisme. Le contraste délibéré entre la figure et le fond chaotique d'affichage des prix illustre la surcharge de stimuli qui caractérise la publicité et l'expérience de consommation modernes. Signée par Ben Frost, cette peinture originale de 2013 demeure une œuvre majeure qui, non seulement reflète l'évolution esthétique de l'art urbain pop, mais invite également le public à questionner les récits qui lui sont quotidiennement imposés par les médias et le commerce.

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Dollar en argent Iron Man Tuvalu 2018 - MS 70 | Pièce commémorative authentique et rare, certifiée NGC, sous capsule rouge, monnaie australienne mondiale. Ce dollar en argent Iron Man de Tuvalu, millésime 2018, est une pièce exceptionnelle qui allie avec brio excellence numismatique et popularité auprès des collectionneurs. Classée MS 70 par NGC, cette pièce commémorative bénéficie de la certification la plus exigeante, garantissant un état impeccable et son authenticité. Frappée en argent pur et émise officiellement par Tuvalu, elle arbore des images emblématiques de Marvel Comics qui séduiront aussi bien les numismates avertis que les passionnés de super-héros. Son encapsulage professionnel assure une protection et une authentification permanentes, faisant de cette pièce un véritable investissement. Rare sur le marché, notamment dans cette qualité exceptionnelle, elle constitue un ajout de choix à toute collection de monnaies du monde ou d'objets Marvel.

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Dollar en argent 2019 P Donut Simpson - PF 69 UC Ultra Cameo | Pièce certifiée PCGS, Tuvalu, Simpsons, commémorative, authentique, rare, sous scellé. Emballage d'origine inclus. Ce dollar en argent exceptionnel de 2019, frappé à Tuvalu sous le nom de Donut Simpson, représente une pièce remarquable de l'histoire numismatique. Gradé PF 69 UC (Ultra Cameo) par PCGS, ce dollar commémoratif de Tuvalu présente une frappe d'une pureté exceptionnelle, avec un contraste saisissant entre les motifs dépolis et le fond miroir. La mention « Ultra Cameo » atteste d'une qualité de frappe et d'un attrait visuel supérieurs. Faisant partie de la série commémorative limitée Simpsons, cette pièce authentique sous scellé allie une forte présence dans la culture populaire à une grande valeur pour les collectionneurs. Chaque pièce est livrée dans son emballage protecteur d'origine, garantissant la préservation de ce trésor numismatique rare. Idéale pour les collectionneurs avertis à la recherche de pièces commémoratives certifiées, de qualité investissement, au design unique et à l'authenticité documentée.

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Train 6, sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne LushSux. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (14 x 3 pouces). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. Analyse de « Train 6 » de LushSux : Un monde miniature d'art graffiti « Train 6 » est une œuvre fascinante de l'artiste de rue LushSux, connu pour son approche sans concession et souvent provocatrice du pop art moderne. Cette pièce originale de 2014 présente un tag graffiti vibrant apposé sur un wagon de train miniature à l'échelle HO. Mesurant 35,5 x 7,5 cm, sa réalisation exige une attention méticuleuse aux détails et une main sûre pour préserver l'intégrité du style graffiti à une échelle aussi réduite. Cette œuvre est un exemple emblématique du street pop art, un genre qui fusionne l'esthétique brute et énergique du street art avec l'attrait culturel du pop art. L'approche novatrice de LushSux en matière d'art urbain sur les trains miniatures LushSux, artiste australien dont l'œuvre a suscité autant d'éloges que de critiques, évolue sur la scène internationale du street art, exposant son travail au grand public et provoquant souvent des débats. Son choix d'utiliser un train miniature comme support pour « Train 6 » est emblématique de son approche novatrice du street art : il y intègre l'esprit du graffiti dans une forme traditionnellement associée à la précision et à la nostalgie, plutôt qu'à la nature subversive de cet art. L'œuvre révèle le style dynamique de LushSux, caractérisé par des lignes audacieuses et des couleurs éclatantes, qui captent immédiatement le regard malgré la petite taille du support. À travers ce médium, LushSux remet en question la perception du spectateur quant aux limites du street art, suggérant que tout objet peut devenir un vecteur d'expression artistique. La signification culturelle et artistique de « Train 6 » « Train 6 » est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui fait le lien entre le monde underground du street art et le loisir plus conventionnel du modélisme ferroviaire. La signature de LushSux sur le train miniature replace cet élément de la rue dans un contexte différent, invitant les spectateurs à repenser les frontières entre le pop art urbain et le graffiti. En signant l'œuvre, LushSux en atteste l'authenticité et la valeur, la positionnant comme une pièce de collection au sein du monde de l'art et de la sous-culture des passionnés de modélisme ferroviaire. Cette peinture représente un confluent de sous-cultures, témoignant de la versatilité et de l'influence considérable du street art. À travers des œuvres comme « Train 6 », LushSux continue de provoquer, de divertir et de rehausser le statut du street art sur la scène artistique contemporaine.

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Ce que voit un graffeur : tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par LushSux, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée signée et numérotée à 40 exemplaires. Œuvre de format 16x20 représentant une scène de rue urbaine industrielle de style graffiti, avec divers graffitis et tags en noir et blanc. Aperçu de « Ce que voit un graffeur » de LushSux LushSux, le célèbre graffeur de rue, nous offre une vision sans fard du paysage urbain à travers le regard d'un artiste de rue avec son œuvre « Ce que voit un graffeur ». Cette œuvre en édition limitée, tirée à 40 exemplaires sur papier d'art Museum Natural 310 g/m², est signée et numérotée par l'artiste. Elle mesure 40,6 x 50,8 cm. En noir et blanc, elle représente une scène de rue foisonnante de graffitis et de tags, capturant l'essence même de la vision d'un graffeur. Décryptage de la toile urbaine dans l'art de LushSux Cette œuvre monochrome rend hommage à la culture graffiti, incarnant le langage visuel et les symboles que les graffeurs imprègnent dans l'environnement urbain. Ici, les bâtiments ne sont pas de simples structures, mais des toiles potentielles, regorgeant d'opportunités et attendant la touche de l'artiste. LushSux transpose le monde tridimensionnel sur une surface plane tout en conservant la profondeur et la complexité du regard du graffeur. Chaque élément, des tags au rouleau aux coulures de peinture, est rendu avec authenticité, témoignant de la profonde connaissance qu'a l'artiste de cet art. LushSux et le récit du graffiti Avec « Ce que voit un graffeur », LushSux livre une réflexion poignante sur la perception et les détails souvent négligés de notre environnement. L'œuvre transcende la simple représentation du graffiti ; elle explore la psyché de l'artiste, les codes subculturels et le dialogue souvent invisible entre graffeurs. C'est une œuvre introspective, qui invite le spectateur à se mettre à la place de ceux qui voient la ville comme un terrain d'expression. À la fois acteur et observateur de la scène graffiti, LushSux utilise son art pour faire le lien entre la rue et la galerie, fusionnant l'expérience viscérale du pop art urbain avec l'espace contemplatif de la contemplation d'une œuvre d'art classique. Cette œuvre n'est pas seulement la représentation d'un espace physique ; elle est une fenêtre ouverte sur les fondements culturels et sociaux du mouvement du street art, un phénomène de pop art moderne en constante évolution et source de questionnement.

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Miss Piggy sur papier buvard Ozempic, estampe d'archives par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Miss Piggy sur Ozempic par Ben Frost : Glamour, médicaments et satire pop urbaine L'estampe d'archives « Miss Piggy On Ozempic Blotter Paper » de Ben Frost, sortie en 2025, marque une nouvelle étape dans l'exploration par l'artiste de l'esthétique pharmaceutique et des icônes de la culture pop. Imprimée en édition limitée sur papier buvard perforé avec des pigments d'archives, cette œuvre de 19 x 19 cm place Miss Piggy – sans doute le personnage le plus exubérant et soucieux de son corps des Muppets – au cœur d'une fusion satirique entre la vanité des célébrités et l'obsession contemporaine pour les médicaments amaigrissants. Miss Piggy est représentée dans son glamour rose classique, avec ses cils, ses perles et son insolence caractéristiques, contrastant avec le design commercial austère de l'emballage d'Ozempic. Faisant référence au sémaglutide, aux étiquettes des ordonnances et au coût exorbitant des soins de santé américains, l'œuvre dénonce la dépendance croissante de la société aux produits pharmaceutiques à visée esthétique. L'art urbain pop et le graffiti rencontrent le consumérisme médical Ben Frost, connu pour son utilisation audacieuse et controversée des emballages commerciaux comme support visuel, transforme le marketing pharmaceutique en outil narratif. Le choix de Miss Piggy comme personnage confère au message une ironie mordante. La collision entre le divertissement enfantin et les complexes des adultes concernant la beauté, la taille et le contrôle résonne tout au long de la composition. Cette œuvre n'est pas seulement une parodie, mais aussi une critique visuelle, interrogeant le rapport du public à une santé commercialisée comme un produit de vanité et la marchandisation de l'estime de soi. Le format du buvard, perforé et à collectionner, renforce l'idée du médicament comme un artefact culturel consommable : quelque chose à prendre, à partager, à diviser ou à utiliser pour construire son identité. Le rôle des icônes féminines dans les récits de la pop urbaine L'exagération de la féminité de Miss Piggy et son statut d'icône culturelle sont habilement détournés dans cette composition. Son personnage devient une métaphore visuelle de la quête incessante de la perfection visuelle. L'œuvre de Ben Frost interroge souvent ceux qui définissent ces normes et ceux qui en profitent. Ici, l'emballage d'un médicament contre le diabète, autrefois confidentiel, désormais associé à la chirurgie esthétique pour la perte de poids, devient le piédestal moderne sur lequel les icônes sont érigées et critiquées. Cette collision entre design commercial et pouvoir d'attraction des stars animées crée une tension entre innocence et marchandisation, utilisant les techniques du street art et du graffiti pour satiriser la rapidité avec laquelle la culture recycle ses idoles et ses problématiques. Support buvard et provocation psychédélique Réalisée en collaboration avec Zane Kesey, qui a perforé à la main les éditions buvard, cette œuvre fait subtilement référence à la contre-culture et à l'histoire des médias psychédéliques. Si Ozempic est commercialisé comme une drogue transformatrice, le format imprimé lui-même évoque des états de conscience modifiés. L'utilisation d'une icône pop comme Miss Piggy confère à l'estampe une dimension critique, non seulement des normes de beauté, mais aussi de la consommation en général – qu'il s'agisse de drogues, de célébrité ou de nostalgie des dessins animés. « Miss Piggy On Ozempic » est une satire mordante des priorités culturelles à l'ère du bien-être factice et de la manipulation de l'image. C'est une œuvre audacieuse, subversive et indéniablement signée Frost.

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Train 39, sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne LushSux. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (dimensions : 14 x 3). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. « Train 39 » de LushSux : un modèle d'innovation en art urbain « Train 39 » est une œuvre captivante de LushSux, artiste de rue et pop contemporain qui s'est taillé une place unique sur la scène de l'art urbain. Cette pièce originale, créée en 2014, illustre parfaitement la manière dont LushSux transpose l'essence du graffiti sur un wagon de train miniature à l'échelle HO, mesurant seulement 35,5 x 7,5 cm. À travers cette œuvre, LushSux continue de remettre en question les perceptions conventionnelles du graffiti en explorant des domaines nouveaux et inattendus pour cette forme d'art autrefois exclusivement urbaine. La signature de LushSux authentifie non seulement l'œuvre, mais révèle également sa double identité d'artiste de rue et de « graffeur international arrogant » autoproclamé, témoignant de son approche ironique de son image publique. Exploration de la dichotomie du « Train 39 » Dans « Train 39 », LushSux juxtapose l'univers ordonné du modélisme ferroviaire à la nature souvent chaotique et libre du graffiti. L'œuvre présente un tag vibrant, ou « throw-up », caractérisé par ses lettres en relief et ses contours nets et marqués – une signature du style de LushSux. Le jeu des couleurs et le placement stratégique du tag bouleversent l'esthétique traditionnelle du train miniature, lui insufflant une dimension contemporaine à la fois saisissante et stimulante. Cette pièce illustre comment le pop art urbain peut s'étendre au-delà des murs des bâtiments et investir l'espace plus intime des collections privées, conservant ainsi son pouvoir de captiver et d'interpeller le spectateur. La résonance culturelle de « Train 39 » de LushSux La création de « Train 39 » et sa mise sur le marché de l'art soulignent l'évolution du street art en tant qu'expression culturelle. L'œuvre reflète une tendance plus large de l'art contemporain, où les frontières entre art savant et expressions subculturelles s'estompent. Le travail de LushSux sur ce train miniature a immortalisé un moment du mouvement street art où les artistes ont commencé à explorer de nouveaux horizons et supports. Objet de collection, « Train 39 » représente le point de rencontre de diverses communautés de passionnés, des amateurs de graffiti aux collectionneurs de trains miniatures, illustrant l'attrait universel de l'art de LushSux. Par son utilisation novatrice de supports non conventionnels, LushSux élargit la portée du graffiti, assurant sa présence au sein de divers contextes culturels.

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Achat TITRE Multiple peint à la main original (HPM) sur panneau en bois bercé prêt à accrocher par ARTISTE graffiti street artiste pop art moderne. INFO

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Tirages d'art en édition limitée, réalisés à partir de pigments d'archives, sur papier d'art Bauhaus Cotton, par Ben Frost, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. « Tigger sous Zoloft », tirage numérique d'archive sur papier Bauhaus Photo Rag 310 g/m² 100 % coton, gaufré, signé et numéroté par Ben Frost, 30 cm x 30 cm (12 x 12 pouces), Melbourne, Australie. Édition limitée à 50 exemplaires. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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Impression d'art sur papier buvard perforé Cialis Le Pew par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Esthétique pharmaceutique et satire dessinée L'œuvre « Cialis Le Pew » de Ben Frost fusionne l'absurdité du dessin animé et l'esthétique pharmaceutique dans une édition limitée sur papier buvard, disponible depuis 2025. Reconnu pour son art urbain pop et ses graffitis provocateurs, Frost invite le spectateur à une expérience subversive en mêlant le personnage suggestif de Pépé le Putois à l'identité visuelle du Cialis, médicament bien connu contre les troubles de l'érection. Imprimée sur un papier buvard perforé de 19 x 19 cm et perforée à la main par Zane Kesey, cette œuvre se situe à la croisée de la critique consumériste et de l'humour visuel. Avec un trait audacieux et une palette de couleurs typiquement pharmaceutiques, Frost utilise la satire pour exposer les contradictions entre santé, désir et fantasme dans la culture commerciale. Réinterpréter le message de marque à travers la pop urbaine L'œuvre de Ben Frost s'approprie fréquemment le langage visuel des biens de consommation, notamment ceux liés aux produits pharmaceutiques et à la restauration rapide. Dans cette estampe, la structure formelle d'un emballage de Cialis est conservée : informations posologiques, marque et logo de l'entreprise sont présents. Mais l'ajout de Pepé Le Pew, alangui de manière provocante, transforme radicalement le message. L'œuvre ne traite plus d'un traitement médical ; elle devient une réflexion sur la projection romantique, la masculinité toxique et la séduction à grande échelle. Frost joue délibérément avec les tabous en insérant un personnage de dessin animé controversé dans l'emballage d'un médicament bien réel, utilisant l'humour comme outil d'interrogation culturelle. Format buvard comme toile conceptuelle Le choix de présenter cette estampe sur du papier buvard perforé approfondit sa portée. Traditionnellement associé à la culture psychédélique, l'art du buvard sert de plateforme à l'expression graphique contestataire depuis les années 1960. Dans ce format, l'image de Frost évoque les états de conscience modifiés, la dépendance aux drogues et la désillusion sociale. Le matériau devient un message en soi, incitant le spectateur à s'interroger sur sa consommation d'information, de médias et sur la construction de son identité. Les perforations ne sont pas seulement un clin d'œil à la culture underground des drogues, mais aussi un procédé qui abolit la froideur clinique des emballages pharmaceutiques. Ben Frost et le langage de l'ironie visuelle Ben Frost, artiste contemporain australien, s'est fait connaître en détournant logos, mascottes et marques visuelles. Par la juxtaposition satirique, il aborde l'addiction, la surconsommation et les contradictions du marketing moderne. Avec Cialis Le Pew, il poursuit cette démarche en transformant une boîte de médicament en une métaphore visuelle du désir et de la farce. L'œuvre interpelle le spectateur passif, l'invitant à s'interroger sur l'intersection entre intimité et marchandisation. À la fois provocatrice et engagée, elle est la rencontre explosive entre l'innocence du dessin animé et le marketing adulte, laissant une empreinte visuelle durable.

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Yogi sous Xanax, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 9 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par Ben Frost, artiste de street art rare et célèbre du pop art. 2022 Ben Frost Yogi on Xanax, sérigraphie artisanale 9 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, couverture 160 lb, 61 x 61 cm (24 x 24 po), signée et numérotée par l'artiste. Tirage limité à 50 exemplaires, signés et numérotés par l'artiste. Imprimé par POP!NK Editions. Yogi sous Xanax par Ben Frost – Critique de consommation dans l'art urbain pop et graffiti « Yogi on Xanax » est une sérigraphie artisanale en édition limitée (2022) de neuf couleurs, réalisée par l'artiste australien contemporain Ben Frost. Imprimée sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160 lb (600 g/m²) au format 61 x 61 cm, cette œuvre audacieuse, signée et numérotée à 50 exemplaires, a été produite par POP!NK Editions, maison d'édition reconnue pour son savoir-faire exceptionnel dans la production d'estampes d'art contemporain. L'œuvre mêle l'esthétique des emballages pharmaceutiques à l'imagerie nostalgique des dessins animés, offrant ainsi un commentaire visuellement percutant et conceptuellement riche sur la société de consommation moderne. Frost intègre le visage aux yeux écarquillés de l'ours Yogi dans la mise en page caractéristique d'une ordonnance de Xanax, transformant un personnage animé innocent en symbole de la culture du médicament, de la sédation psychologique et de la dépendance institutionnalisée. Le design pharmaceutique rencontre le chaos des dessins animés Ben Frost est internationalement reconnu pour son utilisation provocatrice de l'iconographie de la culture populaire, et « Yogi on Xanax » illustre parfaitement sa stratégie de collision visuelle. L'image se réapproprie la familière boîte de Xanax, généralement associée au calme clinique, et l'imprègne de l'énergie erratique du large sourire et de l'œil hypnotique en spirale de Yogi l'Ours. La mise en page soignée, typique des produits pharmaceutiques, contraste avec l'illustration expressive, créant un moment de tension visuelle et conceptuelle. La technique de Frost révèle l'étrange intersection entre bonheur, dépendance et divertissement. En superposant l'humour à un sujet sérieux, il invite les spectateurs à s'interroger sur la manière dont les produits commerciaux – des dessins animés pour enfants aux anxiolytiques – sont ancrés dans les comportements et les identités culturelles. Ce mélange d'absurdité et de critique est au cœur du Street Pop Art et du graffiti, où le langage et l'imagerie de la culture de masse sont détournés pour servir le commentaire public. Précision des matériaux et intégrité de la production L'impression sur papier Mohawk Superfine UltraWhite garantit une surface impeccable et d'une grande fidélité, mettant en valeur les superpositions d'encre du procédé de sérigraphie 9 couleurs. Le papier épais de 600 g/m² assure une grande durabilité et une finition digne d'une galerie d'art, transformant l'affiche en une véritable œuvre de collection. Chaque couleur est appliquée individuellement à la main, offrant ainsi des teintes riches et denses qui rehaussent la saturation et l'intensité des graphismes audacieux de Frost. Les dimensions de 61 x 61 cm offrent une composition carrée parfaite, alliant la symétrie rigoureuse du design d'emballage à la personnalité exubérante du personnage de Yogi l'Ours. Le choix de Frost de préserver l'intégrité du design du Xanax tout en y intégrant ses propres visuels subversifs fait de cette œuvre un exemple remarquable de précision pop art et de satire urbaine. Ben Frost et le langage visuel de la rébellion commerciale Ben Frost demeure une figure incontournable du Street Pop Art et du graffiti, utilisant le langage du marketing, du packaging et de l'iconographie pour refléter les contradictions de la vie contemporaine. Dans Yogi on Xanax, il exploite le réconfort de la nostalgie pour mettre en lumière des vérités dérangeantes. Le personnage caricatural devient le messager d'une culture qui médicamente la joie et esthétise le contrôle. Le style visuel unique de Frost – lignes audacieuses, couleurs saturées et composition incisive – présente aux spectateurs un miroir clair mais déformé, les obligeant à confronter le ridicule au réel. Son œuvre ne se contente pas d'une admiration passive ; elle exige une réaction. Yogi on Xanax se dresse comme un totem satirique de l'anxiété consumériste, enveloppé dans un emballage à la fois familier et dérangeant. Cette estampe ne se contente pas d'appartenir à l'univers du pop art contemporain ; elle définit ce que signifie une pop art qui se mue en critique.

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Lasagnes au four - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 20 x 20 pouces (50,8 x 50,8 cm). Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², signée et numérotée par Garfield. « Baked Lasagna - Oversized Edition » de Ben Frost est une œuvre d'art contemporain impressionnante, fusionnant des éléments de la culture pop avec les techniques audacieuses et éclatantes propres au street art et au graffiti. Créée avec une méticulosité extrême, cette pièce utilise des pigments d'archivage pour garantir sa longévité et son éclat, ce qui en fait une œuvre précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art. Imprimée sur du papier d'art Somerset Hot Press de 290 g/m², l'œuvre se distingue non seulement par son contenu, mais aussi par la qualité du support utilisé. Le papier Somerset Hot Press est réputé pour sa capacité à restituer les détails les plus fins et les nuances de couleur, assurant ainsi une présentation optimale de chaque centimètre carré de l'œuvre. Le choix d'un papier d'art aussi raffiné témoigne de l'engagement de l'artiste à présenter son travail sous son meilleur jour. Puisant son inspiration dans la culture populaire, Ben Frost a intégré le personnage emblématique de Garfield à cette œuvre. L'œuvre intitulée « Garfield Signed & Numbered Weed Tests » présente le chat roux sous un jour nouveau, soulignant la juxtaposition entre la nostalgie de l'enfance et la réalité crue du street art. Sortie le 26 novembre 2021, cette édition limitée à seulement 25 exemplaires est devenue une pièce de collection très recherchée. Le street art, le graffiti et le pop art ont depuis longtemps permis aux artistes de commenter les normes sociales, la culture populaire et la condition humaine. « Baked Lasagna - Oversized Edition » de Ben Frost fait le lien entre ces genres avec brio. En utilisant un personnage aussi emblématique que Garfield, Frost invite les spectateurs à reconsidérer leurs perceptions et à trouver un sens plus profond à ce qui pourrait au premier abord apparaître comme une simple œuvre de pop art. C'est un témoignage de l'évolution constante de l'art contemporain et des artistes qui repoussent sans cesse ses limites.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Dollar en argent Homer Simpson Tuvalu 2019 P - PR 70 DCAM | Pièce certifiée PCGS, première frappe, commémorative authentique et rare des Simpsons Tuvalu. Emballage d'origine inclus. Acquérir ce remarquable dollar en argent de Tuvalu 2019 P Homer Simpson, une pièce commémorative de première frappe qui allie culture populaire et prestige numismatique. Certifiée PR 70 DCAM par PCGS – la plus haute note possible –, cette pièce présente des surfaces impeccables et un contraste camée exceptionnel entre les motifs mats et le champ miroir. Frappée dans une once d'argent pur, elle représente une pièce authentique et rare de monnaie moderne célébrant l'héritage culturel des Simpson. La certification par capsule professionnelle garantit son authenticité et sa conservation, tandis que l'emballage d'origine assure une provenance complète. Une acquisition idéale pour les collectionneurs en quête de nostalgie et d'un investissement numismatique de qualité.

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Draw Four - Œuvre d'art en feuille d'or, impression giclée en édition limitée encadrée sur papier cartonné ivoire, par l'artiste de graffiti de la culture pop Ben Frost. Encadré sous verre. Ben Frost (né en 1975) Draw Four (Feuille d'or), 2021 Giclée en couleurs sur papier Ivory Board Stock 23-1/2 x 16-1/2 pouces (59,7 x 41,9 cm) (feuille) Édition 7/10 Signée et numérotée à l'encre en bas Publiée par l'artiste. Ben Frost utilise l'imagerie familière de la culture occidentale pour formuler une critique de cette culture, notamment à travers le prisme du consumérisme, des icônes modernes et des grandes entreprises. Personnages de dessins animés, icônes de la pop culture, logos de marques et bien d'autres éléments sont transformés en œuvres d'art vibrantes et trouvent leur place dans les galeries. Dans cette optique, et dans le cas de Ben Frost, il est vain de tenter de tracer une frontière nette entre art populaire et art savant. En réalité, l'artiste souhaite que le public s'interroge sur les notions de haute et de basse valeur et, par extension, sur leur signification profonde. Au fil des années, les artistes de rue ont su s'imposer comme des créateurs respectés, certains acquérant même une renommée internationale, transformant le graffiti, autrefois art marginal servant parfois à marquer le territoire des gangs, en un secteur économique florissant.

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Papier buvard Word Games, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. L'artiste contemporain australien Ben Frost est surtout connu pour son Pop Art audacieux et irrévérencieux. Son approche immédiatement reconnaissable de la culture populaire détourne l'iconographie quotidienne des plus grandes marques mondiales. Subvertissant le sens et les messages des médias traditionnels, le commentaire acerbe de Frost sur la publicité, le divertissement et la politique est à la fois provocateur et controversé. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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Meeowie Wowie - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 20 x 20 pouces représentant Sylvester Looney Tunes. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², signé et numéroté. Meeowie Wowie - Édition surdimensionnée est une œuvre d'art captivante, mêlant références emblématiques de la culture pop aux traits audacieux et vibrants caractéristiques du street art et du graffiti. Créée par le célèbre artiste de street art pop moderne Ben Frost, cette œuvre témoigne de l'évolution de l'art contemporain, où les limites sont constamment repoussées et où l'inconventionnel devient la nouvelle norme. Réalisée avec des pigments d'archivage, elle est la manifestation d'un dévouement sans faille au contenu et à la qualité. Chaque coup de pinceau, chaque nuance, est préservé avec une précision absolue, garantissant ainsi l'intemporalité de l'œuvre. Cet engagement envers la qualité est encore accentué par le choix du papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², un support qui met en valeur les détails et les couleurs, ajoutant profondeur et dimension à l'œuvre. La représentation de Sylvester des Looney Tunes, juxtaposée à un fond de tests de dépistage de marijuana, est un commentaire audacieux sur la culture populaire, les normes sociales et peut-être l'interaction entre innocence et maturité. Le titre « Meeowie Wowie » joue encore davantage sur cette dualité, établissant un lien entre le personnage félin et le thème de l'œuvre. Sortie en 2021, cette pièce est limitée à une édition signée et numérotée de seulement 25 exemplaires, garantissant son exclusivité. L'œuvre de Ben Frost dans l'édition surdimensionnée « Meeowie Wowie » invite les spectateurs à regarder au-delà des apparences, à trouver du sens dans le quotidien et à apprécier la beauté des contrastes. Ce faisant, Frost réaffirme le pouvoir transformateur de l'art et sa capacité à interpeller, inspirer et captiver.

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Joker Brand - Peinture originale unique en son genre, technique mixte acrylique et peinture aérosol, sur bois encadré, par Ben Frost, artiste de graffiti de rue populaire. 2022 « Joker Brand » - Acrylique et peinture aérosol sur panneau - Variante verte/rose 60 cm x 60 cm (23,5 x 23,5 pouces) Signée, titrée et datée au verso

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Tirage d'art sur papier buvard Trip Benzos, par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Trip Benzos par Ben Frost : L’iconographie du jeu vidéo rencontre le pop art urbain et le graffiti « Trip Benzos », une estampe sur papier buvard en édition limitée (2025) de l'artiste australien Ben Frost, capture la collision saisissante entre culture nostalgique et critique pharmaceutique contemporaine, à travers le prisme du street art, du pop art et du graffiti. Présentée sous la forme d'un tirage pigmentaire d'archive de 19 x 19 cm sur papier buvard perforé à la main par Zane Kesey, cette œuvre est une réinterprétation psychédélique d'un personnage de jeu vidéo familier, métamorphosé en un avatar anxieux et souriant de l'intoxication médicamenteuse. L'exubérance déformée de l'expression et la palette audacieuse reflètent l'interrogation caractéristique de Frost sur les médias, la médecine et les états mentaux. Satire pharmaceutique et subversion pop Frost est mondialement reconnu pour sa capacité à détourner les icônes du divertissement commercial en une critique sociale incisive. Dans Trip Benzos, il s'approprie une mascotte de jeu vidéo emblématique et la revêt de son costume de raton laveur, cette fois-ci sous l'emprise de l'hyperréalité. Avec ses yeux aux couleurs de l'arc-en-ciel tourbillonnantes et ses membres hypertrophiés, la figure devient une métaphore des euphories artificielles et de l'évasion alimentée par les dessins animés, propres à la vie moderne. Le mot BENZOS, inscrit en lettres capitales au-dessus, ancre le regard du spectateur dans le thème pharmacologique. À l'instar de l'ensemble de son œuvre, Frost interroge ici l'éthique de la société de consommation et la frontière ténue entre divertissement et sédation. Culture visuelle sur buvard L'utilisation de buvards perforés est essentielle à la portée conceptuelle de l'œuvre. Ce support, traditionnellement associé à la distribution de LSD, est ici réapproprié comme un format d'art à part entière. L'exécution de Frost est précise, colorée et empreinte d'ironie. La vivacité hallucinogène de l'estampe et le style graphique épuré confèrent à l'image une intensité comique palpable. Les nuages ​​et les champs verdoyants forment un arrière-plan apaisant qui contraste fortement avec le titre de l'estampe, invitant le spectateur à concilier innocence et euphorie artificielle. Le support devient plus qu'une simple surface : il devient une réflexion sur la perception altérée, le marketing et l'identité. Ben Frost et le récit urbain contemporain Ben Frost, artiste basé à Sydney, s'est forgé une renommée internationale grâce à des œuvres mêlant iconographie d'entreprise, satire pop et esthétique graffiti. Son travail s'exprime souvent dans l'espace public, les galeries, et désormais sur des supports insolites comme le papier buvard, créant un dialogue entre légalité urbaine, beaux-arts et critique sociale. « Trip Benzos » prolonge l'intérêt de Frost pour la dépendance aux médicaments et la caricature de la santé mentale. C'est un instantané d'une culture imbuvable, accro au divertissement et aux médicaments qui la poussent au sourire. Cette édition limitée porte la voix de la scène underground tout en utilisant les outils du marketing de masse, une formule qui définit la puissance et la force de provocation du street art et du graffiti.

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Goofy Love - Sérigraphie en édition limitée rouge 5 couleurs tirée à la main sur papier Mohawk Superfine UltraWhite à bords frangés à la main par Ben Frost, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Goofy Love, 2016 - Sérigraphie artisanale 5 couleurs, variante rouge, avec dégradé bicolore. Imprimée sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160 lb, bords frangés. 51 x 61 cm. Édition limitée à 50 exemplaires, signés et numérotés par Ben Frost. Imprimée par POP!NK Editions. Goofy Love - Version rouge par Ben Frost : Une icône audacieuse du street art et du graffiti. « Goofy Love - Red Variant » est une œuvre saisissante de street art et de graffiti, créée par l'artiste australien Ben Frost, reconnu internationalement pour son mélange provocateur d'imagerie pop et de critique de la société de consommation. Sortie en 2016, cette œuvre rare est une sérigraphie artisanale en cinq couleurs, réalisée selon la technique du dégradé bicolore, qui confère une profondeur et une richesse exceptionnelles à la composition. Imprimée sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160 lb aux bords frangés à la main, elle mesure 51 x 61 cm (20 x 24 pouces). Tirée à seulement 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par Ben Frost, elle a été produite par la célèbre maison d'édition POPINK Editions. Mettant en scène le personnage Disney adoré de Dingo, Frost subvertit l'innocence traditionnelle en représentant des mains ensanglantées formant le mot « LOVE », offrant ainsi un commentaire percutant sur la dualité de l'affection et de la violence. La méthode artistique et la puissance derrière Goofy Love - Variante rouge L'utilisation par Ben Frost d'un procédé de sérigraphie cinq couleurs confère à « Goofy Love - Red Variant » une intensité saisissante et dynamique. La technique du dégradé bicolore crée un effet de dégradé hypnotique, renforçant la sensation de mouvement et le tumulte émotionnel qui se dégagent de l'image. En employant le papier Mohawk Superfine UltraWhite aux bords frangés, Frost assure que la qualité tactile de l'œuvre soit à la hauteur de son impact visuel, soulignant ainsi son authenticité artisanale. Dingo, généralement perçu comme un symbole d'innocence maladroite, devient, sous l'interprétation de Frost, le vecteur d'un commentaire plus sombre. Ses yeux grands ouverts, presque paniqués, et ses mains ensanglantées invitent le spectateur à une réflexion sur la violence cachée derrière les notions d'amour et de dévotion. Cette œuvre remet en question les représentations consuméristes de l'amour et révèle les réalités complexes, souvent violentes, qui peuvent se dissimuler sous des émotions superficielles, un thème central du Street Pop Art et du graffiti. L'approche révolutionnaire de Ben Frost en matière d'art urbain pop et de graffiti Né en Australie, Ben Frost s'est taillé une place unique dans le monde du street art et du graffiti en mêlant avec constance le familier et le provocateur. Son travail consiste souvent à s'approprier et à recontextualiser des logos d'entreprises, des personnages de dessins animés et des emballages pharmaceutiques pour critiquer le consumérisme moderne et les normes sociales. Dans « Goofy Love - Red Variant », Frost transforme avec brio une figure universellement appréciée en un symbole de vérités humaines troublantes. Sa capacité à juxtaposer le ludique et la violence illustre le potentiel subversif du street art et du graffiti, un style qui se nourrit de la remise en question des récits établis et de la provocation de réactions émotionnelles brutes chez les spectateurs. La maîtrise des techniques de sérigraphie de Frost, associée à ses choix thématiques audacieux, confirme sa réputation de figure majeure de la scène contemporaine. La valeur de collection et l'impact culturel de Goofy Love - Variante rouge La rareté et la qualité de l'impression de « Goofy Love - Red Variant » en font une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Tirée à seulement 50 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Ben Frost, cette œuvre capture un moment où l'imagerie pop traditionnelle se métamorphose en une critique percutante des émotions contemporaines. Le choix du papier Mohawk Superfine UltraWhite et les bords frangés à la main, réalisés avec minutie, élèvent cette pièce au-delà de la simple estampe, l'élevant au rang d'œuvre d'art. Imprimée par POPINK Editions, studio réputé pour ses sérigraphies de haute qualité réalisées pour des artistes de renom, cette œuvre représente une contribution majeure à l'évolution du street art et du graffiti. « Goofy Love - Red Variant » invite le spectateur à se confronter aux contradictions de l'amour, de la violence et de la marchandisation, d'une manière dont seul un maître de la subversion culturelle comme Ben Frost pouvait parvenir.

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Four Tablets Daily, impression d'archives par Ben Frost, édition limitée sur papier Canson Cotton Rag Photographique Fine Art 310 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté de 2024, édition limitée à 15 exemplaires, format 11,7 x 11,7 pouces, pigments d'archivage, beaux-arts, femme sur un emballage pharmaceutique pour Ritalin 10. L'emballage pharmaceutique comme support dans l'art urbain pop et le graffiti « Four Tablets Daily », de l’artiste australien Ben Frost, est une œuvre saisissante et percutante, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Tirage pigmentaire d’archive sur papier Canson Cotton Rag Photographique 310 g/m², cette édition limitée de 2024 fusionne avec audace l’esthétique des médicaments et l’imagerie pop classique. Le style distinctif de Frost mêle des visuels épurés, inspirés de la publicité, aux thèmes de la consommation, de l’identité et des effets anesthésiants de la médecine moderne. L’artiste utilise ici une véritable boîte de Ritalin 10 comme support, la transformant en un portrait ironique et troublant de la dépendance et des idéaux de beauté contemporains. La fusion de la culture de consommation et du commentaire artistique Ben Frost, connu pour son détournement d'emballages, de logos et de symboles culturels, utilise cette œuvre pour interroger le rapport de la société aux médicaments sur ordonnance et aux médias de masse. L'estampe présente le visage stylisé d'une femme, dont les yeux bleus et les lèvres rouges évoquent les héroïnes de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, se détachant sur les contraintes géométriques d'un emballage pharmaceutique. La juxtaposition entre son regard sensuel et construit et le langage clinique de l'étiquetage du Ritalin suggère une tension entre plaisir artificiel et contrôle médical. En conservant la majeure partie du texte de l'emballage original, Frost permet à l'œuvre de préserver son contexte initial, rendant le spectateur mal à l'aise face à l'idée qu'il ne s'agit pas seulement d'art, mais aussi d'un artefact issu d'une utilisation réelle. Édition limitée : l'art rencontre le graffiti et la satire pop Tirée en édition très exclusive à seulement 15 exemplaires, chaque estampe est signée et numérotée par l'artiste. Ses dimensions de 29,7 x 29,7 cm en font une œuvre compacte et percutante, qui condense le commentaire visuel de Frost en un carré incisif et satirique. Réalisée sur papier coton de qualité muséale, avec des pigments d'archivage, cette estampe transforme la nature éphémère du consumérisme et le commentaire social en une œuvre d'art durable. À la croisée de l'art contemporain de collection et de la contestation, cette estampe puise son énergie aussi bien dans les galeries que dans la rue. Le rôle particulier de Ben Frost dans l'art pop et graffiti moderne Ben Frost est un artiste de street art basé à Sydney, reconnu internationalement pour sa critique acerbe de la culture populaire, de l'industrie pharmaceutique et du marketing de consommation. Ses œuvres ont été exposées dans des villes comme Londres, New York et Tokyo, et sont devenues emblématiques de la critique post-pop. Dans « Four Tablets Daily », Frost confirme sa place dans le graffiti pop contemporain en détournant des formats familiers et en les transformant en réflexions sociétales incisives. Cette œuvre, à l'instar de nombre de ses travaux, brouille la frontière entre présentation en galerie et confrontation dans la rue, incitant les spectateurs à s'interroger sur leurs habitudes, leurs dépendances et les images soigneusement conditionnées qu'ils consomment quotidiennement.

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Tirages d'art en édition limitée, imprimés sur papier beaux-arts, avec des pigments d'archivage, par Ben Frost, artiste de graffiti, de street art et de culture pop, dans le cadre de l'événement « Employé du mois ». Ben Frost (né en 1975) Employé du mois, 2014 Tirage pigmentaire d'archives sur papier Fine Art 17 x 17 pouces (43,2 x 43,2 cm) (feuille) Éd. 28/65 Signé et numéroté au crayon le long du bord inférieur et publié par 1xRUN, Detroit. Analyse visuelle de la culture pop « Employee of the Month » de Ben Frost est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée qui dissèque et réassemble la trame de la culture pop dans le contexte du street art et du graffiti. Créée en 2014 et éditée par 1xRUN à Detroit, cette œuvre est une tapisserie visuellement riche, imprégnant des images iconiques de sous-entendus subversifs caractéristiques du travail de Frost. L'estampe, mesurant 43 x 43 cm, illustre avec force comment le street art et le graffiti peuvent infiltrer le monde des beaux-arts grâce à leur énergie et leurs couleurs vibrantes. Né en 1975, Frost est reconnu pour ses visuels éclatants qui intègrent souvent des éléments de dessins animés, de publicité et d'images de marques emblématiques. « Employee of the Month » ne fait pas exception, présentant un amalgame de figures issues de différents univers médiatiques populaires. Ces images ne sont pas simplement juxtaposées, mais entrelacées pour créer un récit qui fait écho aux expériences culturelles partagées par l'artiste et le spectateur. Subversion et satire dans l'art de Ben Frost L'œuvre de Frost est une satire du système de reconnaissance et de récompenses en vigueur dans le monde de l'entreprise, illustrée par le badge « Employé du mois » qui se détache sur un fond chaotique d'icônes consuméristes. L'œuvre explore les thèmes de l'identité et de la reconnaissance dans un monde saturé de marques et de messages marketing. Chaque personnage et symbole est choisi avec soin pour refléter l'absurdité, voire le vide, qui peut accompagner la quête de reconnaissance dans une société capitaliste. Signée et numérotée par Frost, chacune des 65 éditions est une pièce de collection. Sa signature authentifie l'œuvre et l'inscrit pleinement dans son récit artistique, qui invite souvent le spectateur à repenser son rapport à l'imagerie omniprésente de la société de consommation. Interaction entre l'art urbain et la qualité d'archives L'utilisation de pigments d'archivage sur papier beaux-arts affirme la permanence que Frost souhaite conférer à son sujet, par ailleurs éphémère. Si le street art est souvent transitoire, la qualité d'archivage de ces tirages garantit la pérennité de la vitalité et du message de l'œuvre. Cette dualité reflète la nature brève mais percutante du street art et du graffiti : éphémères dans leur forme, mais indélébiles dans leur impact culturel. En résumé, « Employee of the Month » de Ben Frost allie l'esthétique du street art aux pratiques artistiques conventionnelles, célébrant la culture pop à travers un regard critique et souvent irrévérencieux. Ce tirage témoigne de la capacité de Frost à créer une œuvre à la fois accessible et complexe, offrant une critique nuancée du monde qui nous entoure. Par son travail, Frost continue de repousser les limites du street art et du graffiti, assurant ainsi à ces genres une place essentielle dans le discours artistique contemporain.

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Estampe giclée Stevie par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre d'art de format 8,25 x 11 pouces représentant un crâne orné de cristaux et de champignons. L'estampe giclée symbolique de Stevie par Bec Winnel L'expression artistique de Bec Winnel, à travers ses tirages giclée, offre un mélange captivant d'éléments naturels et mystiques, magnifiquement illustré dans l'édition limitée « Stevie ». Composée de seulement 25 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre incarne une rare fusion entre le street art et les beaux-arts, présentée sur papier d'art. Le tirage « Stevie », mesurant 20,3 x 27,3 cm, juxtapose l'image saisissante d'un crâne à la croissance organique de cristaux et de champignons, créant un dialogue entre la vie, la mort et la renaissance. Approfondir le dialogue esthétique et conceptuel « Stevie » de Winnel est un récit profond, capturé par une imagerie à la fois délicate et puissante. Le crâne, symbole universellement reconnu de la mortalité, contraste avec des éléments qui évoquent la vie et la beauté de la nature. Souvent associés à des vertus curatives et spirituelles, les cristaux côtoient les champignons, symbolisant la résilience de la nature et le cycle de la vie. Ce paradoxe visuel est caractéristique du Street Pop Art et de sa capacité à susciter des échanges riches et variés. Il témoigne du talent de Winnel pour marier différents éléments thématiques et provoquer réflexion et émotion. Le tirage limité de « Stevie » renforce sa valeur, tant par sa rareté que par son statut d'œuvre d'art contemporain majeure, à posséder et à apprécier dans un espace personnel. Les impressions giclées offrent une reproduction haute résolution du travail minutieux de Winnel, garantissant une reproduction fidèle de chaque trait et de chaque dégradé de couleur. Ainsi, l'estampe devient une œuvre intemporelle, capturant la nature éphémère du Street Pop Art tout en offrant un aperçu durable de la vision de l'artiste. Bec Winnel et le paysage du pop art urbain Bien que Bec Winnel ne soit pas une artiste de rue au sens traditionnel du terme, son œuvre partage une affinité avec le mouvement Street Pop Art par son accessibilité et la représentation de motifs communs d'une manière unique et stimulante. Le Street Pop Art se caractérise par sa capacité à captiver l'attention du spectateur grâce à des visuels ancrés dans un commentaire culturel et social. « Stevie » de Winnel s'inscrit dans ce paradigme, invitant les spectateurs à réfléchir à des thèmes existentiels à travers le prisme du symbolisme naturel. Le choix d'un crâne, de cristaux et de champignons s'adresse à un public universel, transcendant les barrières culturelles et ouvrant la voie à des interprétations qui embrassent différentes visions du monde. De ce fait, Winnel contribue au dialogue qui caractérise le Street Pop Art et le graffiti : un dialogue inclusif, diversifié et profondément ancré dans l'expérience humaine. Le choix du papier beaux-arts sublime la texture de l'œuvre, lui conférant profondeur et une dimension tactile souvent inhérente à la physicalité du street art. L'héritage continu de « Stevie » dans le discours artistique L'héritage de « Stevie » dépasse largement le cadre de son édition limitée. Il s'inscrit dans un débat plus large sur le rôle de l'art dans la société et sur la manière dont le street art et le graffiti contribuent aux récits culturels. En intégrant des éléments typiques du street art dans les intérieurs, l'estampe de Winnel abolit la frontière entre l'appréciation de l'art public et privé, permettant une relation personnelle avec des thèmes souvent déployés à plus grande échelle sur les murs des villes. L'importance de « Stevie » réside également dans sa capacité à rester pertinente et poignante. Comme dans une grande partie du street art et du graffiti, les thèmes de la vie, de la mort et du monde naturel sont omniprésents dans la psyché humaine. Les choix artistiques de Winnel invitent à une méditation sur le cycle de l'existence et la beauté présente à chacune de ses étapes. Entre les mains des collectionneurs, « Stevie » rappelle le pouvoir de l'art à encapsuler des idées complexes dans des formes simples. L'œuvre de Winnel, par sa finesse technique et sa profondeur conceptuelle, témoigne de la nature évolutive du street art et du graffiti. Dans de telles œuvres, le dialogue entre l'ancien et le contemporain, le transitoire et le permanent, continue de s'épanouir, enrichissant la tapisserie de l'art moderne.

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Pièce de 5 dollars en argent de 2017 Han Solo Star Wars, Niue PR 70 Deep Cameo DCAM Ultra High Relief FDI | Pièce de 5 dollars en argent certifiée PCGS, région Nouvelle-Zélande/Australie, monnaie commémorative mondiale authentique sous scellé, rare. Cette pièce commémorative exceptionnelle de 2017, à l'effigie de Han Solo dans Star Wars, représente un chef-d'œuvre de l'art numismatique. Frappée en argent pur à Niue, cette pièce de 5 dollars présente un relief ultra-fin qui capture le personnage emblématique avec une précision remarquable. Classée PR 70 Deep Cameo par PCGS, elle atteint le plus haut niveau de qualité Proof grâce à un contraste exceptionnel entre les détails mats et le fond miroir. La mention FDI (First Day of Issue) confirme son statut de pièce de première édition. Cette pièce commémorative mondiale, émise par la région Nouvelle-Zélande/Australie, allie l'attrait de la série Star Wars à une valeur numismatique indéniable, ce qui la rend très recherchée par les amateurs de divertissement et de monnaie. Authentifiée et certifiée, cette pièce rare constitue un ajout précieux à toute collection.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Pièce de 1 dollar en argent 2017 P 1 $ Australie Année du Coq Lunaire - MS 70 | PCGS 1 Pièce de collection authentique et rare commémorative sous scellé. Célébrez la tradition numismatique chinoise avec ce dollar australien en argent de 1 $ (P) 2017, année du Coq, classé MS 70 par PCGS. Cette pièce commémorative témoigne d'un travail de conception exceptionnel sur de l'argent pur, illustrant la signification culturelle de l'année zodiacale. La note parfaite de MS 70 atteste d'une frappe et d'une conservation irréprochables. Certifiée et mise sous scellé par des professionnels, cette pièce rare est un incontournable pour les collectionneurs de pièces commémoratives à thème asiatique et de pièces d'investissement en argent de haute qualité.

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Estampe giclée Grace de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 11,75 x 16,5 pouces. Jeune femme tatouée, stylisée, en pleine réflexion, avec des motifs géométriques tribaux. Estampe giclée Grace : Un confluent d'introspection et de pop art urbain L'estampe « Grace » de Bec Winnel témoigne avec brio du talent de l'artiste pour exprimer une profonde introspection à travers le street art, le pop art et le graffiti. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette édition limitée capture l'essence du dialogue entre l'art contemporain et les formes d'expression traditionnelles. Chaque estampe, mesurant 29,8 x 41,3 cm, est méticuleusement signée et numérotée par Winnel, garantissant son authenticité et sa valeur sur le marché de l'art. Le parcours artistique et le style signature de Bec Winnel L'artiste australienne Bec Winnel s'est imposée sur la scène artistique internationale grâce à son approche singulière du Street Pop Art. L'estampe « Grace » illustre parfaitement son style caractéristique, mettant souvent en scène de jeunes femmes ornées de tatouages ​​stylisés aux motifs tribaux et géométriques. À l'instar des graffitis, ces tatouages ​​agissent comme une armure symbolique, représentant à la fois la résilience et la vulnérabilité. Ils constituent un pont visuel entre le monde intérieur du sujet et la réalité extérieure, un thème récurrent dans l'œuvre de Winnel. Sa capacité à exprimer des états émotionnels complexes à travers ces images confère à son travail une résonance auprès d'un public diversifié. Comprendre l'essence du street art, du pop art et du graffiti L'estampe « Grace » n'est pas qu'un simple objet d'art ; c'est une œuvre narrative qui en dit long sur la complexité de l'expression humaine. L'œuvre de Winnel est une toile où se rencontrent l'intime et l'universel, à l'image de l'esprit du street art et du graffiti. Ces formes d'art, traditionnellement présentes dans l'espace public, sont ici réinterprétées par Winnel pour explorer les contemplations intimes de l'individu. Cette juxtaposition invite le spectateur à réfléchir à l'interaction entre exhibitionnisme et introspection, une dynamique essentielle pour comprendre l'influence du street art sur la culture contemporaine. La signification culturelle des œuvres d'art en édition limitée Les estampes en édition limitée, telles que « Grace Giclee Print », occupent une place à part dans le monde de l'art de par leur exclusivité et le lien qu'elles tissent entre l'artiste et le collectionneur. La rareté de ces œuvres d'art renforce leur attrait et, par extension, leur potentiel en tant qu'artefacts culturels. Le choix de Winnel de limiter le tirage à 25 exemplaires confère à « Grace » une dimension d'urgence et de prestige, faisant de chaque estampe un objet précieux pour les heureux acquéreurs. Au-delà de leur attrait esthétique, les estampes en édition limitée comme celle-ci symbolisent l'évolution constante du street art, qui continue d'influencer les sphères plus formelles de la collection et de la critique d'art. L'estampe « Grace Giclee Print » de Bec Winnel est une représentation saisissante de la fusion entre le portrait traditionnel et la puissance brute et expressive du Street Pop Art. Le dévouement de Winnel à son art et sa capacité à distiller des émotions complexes dans ses œuvres garantissent que celles-ci sont visuellement époustouflantes et intellectuellement et émotionnellement stimulantes. Le caractère limité de l'édition « Grace » ajoute à son mystère, promettant une place d'honneur dans les annales du Street Pop Art et du graffiti contemporains.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Bugged Out - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Warner Brothers Looney Tunes Bugs Bunny - Tirage pigmentaire d'archives signé et numéroté sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² - Format : 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) - Sortie : 26 novembre 2021 - Tirage : 25 exemplaires Ce n'est pas un hasard si une grande partie de son œuvre consiste en des images de dessins animés détournées, comme celles des Looney Tunes, qu'elle transpose dans un nouveau contexte artistique sans en altérer les connotations originales. Cette réinterprétation visuelle, que Frost déploie dans son travail, est suffisamment nostalgique pour nous paraître immédiatement familière, mais aussi troublante, au point de capter notre attention et de nous empêcher de détourner le regard.

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Train 21, sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de Lush, artiste de rue et artiste pop moderne spécialisée dans le graffiti. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (14 x 3 pouces). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. Exploration de « Train 21 » de Lush : une convergence entre le modélisme et l'art du graffiti L'œuvre « Train 21 » de l'artiste de rue Lush représente une rencontre unique entre le modélisme ferroviaire et le street art, insufflant à l'univers méticuleux des trains à l'échelle HO l'énergie vibrante et spontanée du graffiti. Créée en 2014, cette pièce se distingue comme une œuvre originale à l'acrylique sur un wagon de marchandises miniature, représentant une forme de pop art urbain rarement vue dans l'environnement urbain habituel des graffeurs. Lush, artiste qui se décrit lui-même avec franchise comme un « graffeur international arrogant », ce qui révèle son approche irrévérencieuse de son art et de la perception du public, apporte avec « Train 21 » son goût pour l'originalité au domaine plutôt conservateur du modélisme ferroviaire. L'art du graffiti de Lush à l'échelle miniature L'œuvre « Train 21 » témoigne du talent de Lush pour adapter l'échelle et la finesse de son art urbain aux proportions minuscules d'un wagon de train miniature. Mesurant seulement 35,5 x 7,5 cm, cette œuvre condense l'essence du graffiti – traditionnellement associé à de grands espaces – dans la forme compacte et maîtrisée d'un train miniature, objet de collection prisé. Cette fusion entre un art urbain traditionnel et un loisir suburbain remet en question les idées reçues sur les supports que peut occuper l'art urbain. Le style caractéristique de Lush, fait de tags audacieux et de peintures vives réalisées à la volée, trouve un nouveau support sur les flancs du wagon, insufflant l'esprit rebelle de l'art urbain dans l'univers précis et souvent immaculé des passionnés de trains miniatures. Valeur de collection et importance culturelle de « Train 21 » Œuvre originale signée par Lush, « Train 21 » occupe une place de choix dans le milieu du street art et auprès des collectionneurs d'œuvres uniques. Le graffiti peint sur le wagon miniature à l'échelle HO transforme la pièce, d'un simple objet de collection, en une œuvre engagée, un récit sur la fusion d'univers disparates. À travers de telles créations, Lush s'est forgé une réputation, non seulement comme artiste de rue, mais aussi comme artiste pop contemporain qui ose redéfinir les frontières de son genre. La signature de l'artiste confirme le statut d'œuvre d'art de « Train 21 », lui conférant authenticité et valeur aux yeux des collectionneurs et des amateurs d'art. « Train 21 » est plus qu'une maquette ; c'est un microcosme du parcours artistique de Lush, incarnant son approche audacieuse du street art et du graffiti dans l'espace miniature d'un wagon de train.

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1984 Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost Œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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Papier buvard Know Your Product, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Tirage sur papier buvard 7,5 x 7,5 pouces. L'artiste contemporain australien Ben Frost est surtout connu pour son Pop Art audacieux et irrévérencieux. Son approche immédiatement reconnaissable de la culture populaire détourne l'iconographie quotidienne des plus grandes marques mondiales. Subvertissant le sens et les messages des médias traditionnels, le commentaire incisif de Frost sur la publicité, le divertissement et la politique est à la fois provocateur et controversé. L'essence même de son propos repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias dominants. Autrement dit, et comme il l'a déclaré par le passé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision médiocres, plus vous avez d'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire moderne est tout aussi fascinant. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il utilise et mélange dans une formation provocatrice. Le terme « controversé » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, en l'appropriation et la transformation de l'imagerie en arme contre le système même qui l'a engendrée.

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Yogi sous Xanax - Sérigraphie en édition limitée, 7 couleurs, tirée à la main, sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, par Ben Frost, artiste de street art rare et célèbre du pop art. 2022 Ben Frost Yogi on Xanax, sérigraphie artisanale 7 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, couverture 160 lb, 61 x 61 cm (24 x 24 po), signée et numérotée par l'artiste. Tirage limité à 25 exemplaires, imprimés par POP!NK Editions. Yogi sous Xanax par Ben Frost – Intervention de la culture pop dans l'art urbain et le graffiti « Yogi on Xanax » est une sérigraphie artisanale en édition limitée de 2022, réalisée en sept couleurs par l'artiste australien Ben Frost sur papier Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. Mesurant 61 x 61 cm, cette sérigraphie a été produite à seulement 25 exemplaires, signés et numérotés, sous la direction de POP!NK Editions. Reconnu pour son mélange subversif d'icônes de la culture pop et de sujets controversés, Frost livre une image provocatrice qui fusionne l'innocence de Yogi l'Ours avec le langage visuel froid d'une étiquette de Xanax. Cette juxtaposition crée une confrontation entre humour et critique, nostalgie de l'enfance et dépendance chimique, tout en conservant la vivacité graphique et la précision d'exécution qui caractérisent sa pratique artistique. L'œuvre est audacieuse, brillante et ironique, conçue pour susciter à la fois la reconnaissance et le trouble chez le spectateur. La satire pharmaceutique et la familiarité des dessins animés se rencontrent L'œuvre de Ben Frost remet régulièrement en question les récits aseptisés du marketing et de l'imagerie médiatique. Dans « Yogi on Xanax », l'utilisation de l'ours Yogi – personnage animé associé à l'insouciance et aux dessins animés de l'enfance – est délibérément décalée par rapport au monde clinique et réglementé des médicaments sur ordonnance. Son sourire joyeux et ses couleurs vives contrastent avec les avertissements et les indications de dosage figurant sur les emballages de Xanax. L'œuvre explore les thèmes de l'évasion, du refoulement des émotions et de la marchandisation de la santé, suggérant que même les symboles les plus innocents ne sont pas à l'abri des pressions sociales. Le traitement iconographique opéré par Frost reflète les stratégies centrales du street art et du graffiti, où le langage visuel est détourné pour révéler des vérités cachées et des contradictions culturelles. Technique d'impression, qualité de surface et précision des matériaux Réalisée avec précision sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, la sérigraphie sept couleurs garantit une application nette de chaque couche d'encre, offrant un contraste saisissant et un équilibre tonal parfait. Ce papier épais intensifie les couleurs et préserve la netteté de chaque trait et détail du texte. La sérigraphie, technique incontournable du pop art depuis l'époque d'Andy Warhol, permet à Frost de reproduire le style épuré des emballages commerciaux tout en y insufflant une tension conceptuelle intense. Chaque tirage est signé et numéroté à la main, ce qui renforce sa valeur de collection et l'inscrit parmi les œuvres d'art urbain pop et graffiti de prestige. L'implication de POP!NK Editions dans la production garantit une finition digne des plus grandes galeries, assurant à chaque tirage une richesse conceptuelle et une perfection technique irréprochables. Le commentaire culturel de Ben Frost à travers la distorsion de la marque Ben Frost continue de repousser les limites de la communication par l'imagerie pop, dans un format critique, ironique et visuellement saisissant. « Yogi on Xanax » opère à plusieurs niveaux : parodie, produit et perturbation visuelle. L'œuvre puise dans les archives des médias de masse et réinterprète des icônes familières en leur attribuant des connotations nouvelles et troublantes. Cette démarche est au cœur de la stratégie du Street Pop Art et du graffiti, où la répétition, l'appropriation et la recontextualisation ne sont pas de simples choix esthétiques, mais des actes radicaux. En plaçant une figure comme Yogi l'Ours dans le contexte de la nécessité médicale et de la régulation émotionnelle, Frost interroge la manière dont la société attribue sens et valeur aux images. Son art reflète un monde où les dessins animés vendent des pilules et les pilules, du calme, un monde où marque et identité fusionnent en une seule surface. « Yogi on Xanax » n'est pas qu'une simple œuvre de pop art : c'est une réflexion incisive et sans concession sur la culture visuelle contemporaine.

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« Aimer et tenir », estampe giclée de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de format 11x16 représentant une femme aux cheveux blancs et aux fleurs de lys. La fusion envoûtante des motifs floraux et des portraits dans « To Love And To Hold » de Bec Winnel « Aimer et chérir », une estampe giclée de l’artiste australienne Bec Winnel, offre un mélange saisissant de portrait et de nature, un thème récurrent dans le street art et le graffiti, ici traité avec une finesse unique. Tirée à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre de 28 x 40 cm représente une femme aux cheveux blancs entourée de lys, une juxtaposition qui évoque la pureté, la beauté et la délicatesse des émotions humaines. Le récit artistique de Bec Winnel dans le pop art urbain La contribution de Bec Winnel à la scène artistique contemporaine se distingue par ses représentations éthérées et presque irréelles de femmes, souvent associées à des éléments naturels. « To Love And To Hold » ne fait pas exception. La touche précise et délicate de Winnel insuffle la vie au papier, créant une texture et une profondeur que l'on retrouve dans les peintures murales et les œuvres de street art et de graffiti. Cette estampe invite le spectateur à un récit tissé du regard pénétrant du sujet et de la vitalité des lys. L'interaction entre le sujet et les lys dans « To Love And To Hold » est significative. Les lys sont souvent associés à la dévotion, à la pureté, au renouveau et à la renaissance. En juxtaposant ces fleurs au regard de la femme, Winnel suggère peut-être une histoire d'amour éternel, un moment de contemplation ou un cycle de croissance et de transformation. Le tirage limité de l'estampe en accroît la valeur, en faisant une pièce de collection qui possède non seulement une valeur esthétique, mais aussi une dimension émotionnelle qui résonne chez le spectateur. Technique et expression dans les estampes en édition limitée de Winnel La technique employée par Winnel pour ses impressions giclées garantit la reproduction fidèle de chaque détail subtil de son œuvre originale, des douces nuances des cheveux de la femme aux détails complexes des lys. L'impression giclée, reconnue pour sa haute qualité de reproduction, convient particulièrement au style de Winnel, souvent caractérisé par des dégradés subtils et des nuances délicates qui se perdraient avec des méthodes d'impression de moindre qualité. « To Love And To Hold » témoigne de la même attention portée au détail et à l'expression que l'on retrouve souvent dans le street art et le graffiti. Si ce dernier se rencontre généralement en milieu urbain et se caractérise par son aspect public et ses messages souvent percutants, l'impression de Winnel transporte l'essence de cette expression artistique dans un espace personnel et contemplatif. L'œuvre ne s'impose pas au mur, mais se fait discrète à travers son cadre, permettant une connexion plus profonde et plus intime avec elle. L'impact durable de « Aimer et chérir » L'impact durable de « To Love And To Hold » dans le contexte plus large du street art et du graffiti témoigne de la polyvalence et de la portée de ce mouvement. Si le street art est souvent associé aux paysages urbains et aux commentaires sociaux et politiques inhérents au graffiti, l'estampe de Winnel illustre comment les principes de ce mouvement peuvent être transposés dans différents médiums et contextes. Son œuvre nous rappelle que le street art ne se limite ni à l'espace ni à l'échelle, mais se définit par sa capacité à toucher, à interpeller et à transmettre du sens. Entre les mains de ceux qui possèdent une exemplaire de cette édition limitée, « To Love And To Hold » demeure bien plus qu'une simple œuvre d'art. Elle ouvre une fenêtre sur une histoire, une émotion, et révèle une part de l'âme de l'artiste. Elle nous rappelle la beauté qui se cache dans le silence, la force qui réside dans la vulnérabilité et le lien profond qui unit l'humanité au monde naturel. De ce fait, l'œuvre de Bec Winnel constitue une pièce intemporelle au sein du récit en constante évolution du Street Pop Art et du graffiti, comblant le fossé entre l'intime et l'universel, la collection privée et le spectacle public.

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Estampe giclée Céline par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 12 x 13 pouces représentant une femme pâle avec une fleur dans les cheveux. La beauté éthérée de Céline par Bec Winnel L'estampe giclée intitulée « Céline », de l'artiste australienne Bec Winnel, est un chef-d'œuvre à la croisée du portrait traditionnel et du pop art urbain. Cette édition limitée, composée de seulement 25 exemplaires signés et numérotés, mesure 29 x 33 cm et captive le regard par la délicate représentation d'une femme au teint pâle, ornée d'une fleur dans les cheveux, un motif riche en symbolisme et empreint d'une douce introspection. Dans « Céline », Bec Winnel adopte une approche intimiste du portrait. Le visage pâle du sujet et les douces nuances rosées de ses cheveux offrent un contraste saisissant et pourtant tendre avec l'univers audacieux et souvent exubérant du pop art urbain et du graffiti. La fleur, symbole intemporel de la beauté éphémère de la nature, est rendue avec une telle minutie qu'elle semble murmurer des histoires sur la fugacité de la vie. Bien qu'ancrée dans les techniques des beaux-arts, l'œuvre communique l'essence même du street art par sa force émotionnelle et son accessibilité. L'impression giclée garantit une reproduction fidèle de chaque nuance des délicats dessins au crayon et au pastel de Winnel, faisant ainsi ressortir les subtiles variations de couleurs et de détails. Ce procédé de reproduction de haute qualité démocratise l'art, s'inscrivant dans l'esprit du Street Pop Art qui vise à rendre l'art accessible à un public plus large, au-delà des galeries et des collections privées. Bec Winnel et la scène artistique contemporaine Bec Winnel, bien que peut-être moins connue que certains artistes de rue, s'est forgée une place de choix sur la scène artistique contemporaine grâce à son style unique, mêlant réalisme et fantaisie. Son œuvre met souvent en scène des femmes plongées dans une profonde contemplation, entourées d'éléments naturels qui soulignent leur lien avec l'environnement et les cycles de la vie et de la mort. Ce lien fait écho aux préoccupations thématiques du Street Pop Art, qui explore fréquemment le dialogue entre le paysage urbain et la nature. « Céline » offre une pause poétique dans l'effervescence du monde du street art, invitant le spectateur à contempler la sensibilité humaine. Le tirage en édition limitée confère à l'œuvre une dimension exclusive, tout en permettant à l'artiste de Winnel de transcender le fossé entre le monde de l'art élitiste et la dimension démocratique du street art. En proposant une version sur papier d'art de son œuvre, elle invite un public plus large à s'approprier son art et à l'intégrer à leur propre espace. Le charme de « Céline » réside dans sa capacité à évoquer une beauté éthérée et une vulnérabilité touchante, des qualités souvent occultées par l'effervescence des espaces où s'expriment généralement le street art et le graffiti. L'œuvre reflète les aspects plus intimes et introspectifs de l'expérience humaine, à l'instar d'une fresque murale dissimulée dans un coin tranquille d'une rue animée. La force de « Céline » tient à l'invitation subtile qu'elle adresse au spectateur : ralentir, apprécier la beauté du silence et songer à la profondeur de l'expérience humaine. Le choix de Winnel de représenter une femme dans un moment de vulnérabilité est une prise de position puissante au sein du street art, souvent dominé par des thèmes plus exubérants et agressifs. Alors que « Celine » trouve sa place auprès des collectionneurs et des amateurs d’art, son récit se poursuit, toujours aussi pertinent aujourd’hui qu’en 2014. Il témoigne des possibilités de convergence entre les beaux-arts et le street art, et de la force de la beauté et de la vulnérabilité dans un monde souvent dur et impitoyable. À travers son art, Bec Winnel contribue à l’évolution du street art et du graffiti, veillant à ce que ce récit demeure aussi diversifié et complexe que l’expérience humaine elle-même.

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Estampe giclée Harriette par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 8x10,25 pouces représentant un crâne féminin aux cheveux blonds et à la plume. Présentation de « Harriette » de Bec Winnel « Harriette » de Bec Winnel est une estampe giclée qui captive le regard par sa beauté envoûtante et la finesse de ses détails. Cette création de 2014 fait partie d'une édition limitée à 25 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, et mesurant 20,3 x 26 cm. Le sujet de l'œuvre, un crâne féminin orné de cheveux blonds et d'une plume, explore non seulement la mortalité, mais aussi les thèmes de la beauté éphémère et de l'intersection de la vie et de la mort. L'esthétique éthérée des portraits de Winnel Winnel est reconnue pour sa capacité à saisir l'essence de ses sujets avec une tendresse palpable. Dans « Harriette », la juxtaposition d'un crâne inanimé, de cheveux vibrants et d'un réalisme saisissant, et d'une plume délicate crée un contraste saisissant, troublant et d'une grande beauté. Ce contraste est accentué par la présence d'un papillon – symbole de transformation et de renaissance – évoquant le cycle de la vie et l'inévitabilité du changement. L'œuvre témoigne de la maîtrise des techniques mixtes dont fait preuve Winnel : pastel, crayon, aquarelle et éléments métalliques lui permettent de superposer textures et couleurs. Cette technique de superposition offre une expérience visuelle douce, presque irréelle, caractéristique de son style. Les subtiles gradations et le souci du détail dans « Harriette » invitent le spectateur à méditer sur la nature éphémère de la beauté et la permanence de l'art. Influences du street art, du pop art et du graffiti Bien que l'œuvre de Winnel relève traditionnellement des beaux-arts, le format limité de « Harriette » et son impact visuel saisissant évoquent l'esprit du street art et du graffiti. À l'instar des déclarations fugaces mais percutantes des artistes de rue, « Harriette » captive le regard ; sa disponibilité restreinte renforce son attrait et sa valeur. L'œuvre explore la fascination de la culture populaire pour le macabre et le beau, les combinant d'une manière qui trouverait aussi bien sa place sur les murs d'une ruelle urbaine que dans une galerie de musée d'art moderne. Le talent de Winnel brouille les frontières entre le portrait traditionnel et l'esprit rebelle du street art, créant des œuvres à la fois accessibles et profondes. Réflexions sur la féminité et la mortalité « Harriette » témoigne de l'exploration constante de la féminité, du romantisme et de la nature par Winnel. Le crâne, vide de vie mais orné de symboles de beauté et de nature, évoque la relation complexe entre la fragilité de la vie et la force intemporelle de l'esprit féminin. Le choix de Winnel de fondre ces éléments sur un fond sombre accentue le sujet, soulignant le thème récurrent de l'émergence et du déclin dans son œuvre. Plus qu'un simple portrait, cette pièce est le récit d'un équilibre fragile, une réflexion sur la dichotomie entre le temporel et l'éternel. L'exploration de la nostalgie esthétique par Winnel transparaît dans l'aspect vintage de l'œuvre, évoquant une époque où de telles représentations étaient courantes en littérature et en art, destinées à rappeler l'impermanence de la vie. « Harriette » de Bec Winnel est une œuvre saisissante qui incarne le style caractéristique de l'artiste tout en abordant des thèmes plus larges propres au pop art et au street art. Cette œuvre, ancrée dans les fondements des beaux-arts, parle un langage qui résonne auprès du spectateur contemporain, abolissant les frontières entre les formes et les époques artistiques. À travers « Harriette », Winnel nous invite à un dialogue contemplatif sur la beauté, la vie et l’héritage que nous laissons.

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2017 P $1 Kookaburra Panda Privy- MS 70 | PCGS 1 Pièce de monnaie en argent de 1 dollar, pièce de collection australienne authentique et rare, sous scellé. Cette pièce exceptionnelle de 1 dollar Kookaburra de 2017 (P) présente une rare marque d'atelier Panda et est certifiée MS 70 par PCGS, la plus haute note possible. Frappée en argent pur, cette pièce commémorative australienne constitue une trouvaille numismatique majeure pour les collectionneurs avertis. Son état impeccable et son tirage limité en font une pièce de choix pour toute collection de monnaies du monde. Authentique, expertisée et mise sous scellé pour une protection et une vérification d'authenticité garanties.

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« Social Distancing Simpsons Archival Pigment Fine Edition Limited Edition Print on 310gsm Bauhaus Cotton Rag Paper » de l'artiste Ben Frost, Street Pop Art Graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 40 exemplaires, 2020. Format de l'œuvre : 12 x 12 pouces. Ben Frost (né en 1975), « Distanciation sociale », 2020. Impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Cotton Rag Stock, 12 x 12 pouces (30,5 x 30,5 cm) (feuille). L'édition limitée à 40 exemplaires est signée et numérotée au crayon sur le bord inférieur et publiée par l'artiste. À la croisée de la culture pop et du commentaire social L'estampe d'art « Social Distancing Simpsons » de Ben Frost, réalisée à partir de pigments d'archives, est une analyse percutante de la société contemporaine à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Cette édition limitée, numérotée et signée, reflète l'approche unique et souvent controversée de Frost, qui mêle icônes de la culture populaire et messages subversifs. Créée en 2020, « Social Distancing Simpsons » est une œuvre saisissante qui se déroule dans le contexte d'une pandémie mondiale, à une époque où la distanciation sociale est devenue omniprésente. En intégrant un personnage familier des « Simpson », Frost touche à la conscience collective et commente l'impact des changements sociétaux sur la culture populaire. Le choix de l'impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Cotton Rag Stock, un matériau de haute qualité, garantit la préservation de l'éclat de l'œuvre et la précision de ses détails. La juxtaposition de l'image d'un personnage des Simpson avec une étiquette pharmaceutique illustre le style de Frost, qui consiste souvent à fusionner des éléments disparates pour créer une œuvre visuelle à la fois dérangeante et stimulante. Cette estampe de 12 x 12 pouces est un carré parfait qui capture l'essence du propos artistique de Frost : une critique du consumérisme, de la santé mentale et de l'industrie pharmaceutique. Le style signature de Ben Frost L'œuvre de Frost se caractérise par sa volonté inflexible de confronter et de remettre en question les vérités dérangeantes de la vie moderne. Dans « Social Distancing Simpsons », la collision entre l'univers du dessin animé et la dure réalité des médicaments parle à une génération qui trouve du réconfort dans la nostalgie tout en luttant contre les angoisses contemporaines. Tirée à seulement 40 exemplaires, cette œuvre devient une pièce de collection, un instantané d'une époque marquée par l'isolement et la quête de lien social. Reflets du pop art et du graffiti urbains L'art de Frost reflète le pop art urbain et le graffiti par sa franchise et son langage visuel immédiat et accessible. L'intégration de l'esthétique du street art dans des estampes d'art brouille les frontières entre l'art savant et les expressions plus démocratiques en milieu urbain. « Social Distancing Simpsons » témoigne du pouvoir de ce genre à communiquer au-delà des mots, offrant une critique visuelle à la fois universelle et profondément personnelle. En résumé, « Social Distancing Simpsons » de Ben Frost est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire sur notre époque, un miroir tendu aux complexités et contradictions de la vie contemporaine. Par son habile mélange de références à la culture pop et de commentaires sociaux incisifs, Frost s'impose comme une voix majeure du pop art urbain et du graffiti. Cette œuvre, en particulier, constitue un poignant rappel de l'année 2020, capturant l'essence d'une période qui a marqué la société à jamais.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Qui a fait frire Roger Rabbit ? Tirage d'art sur papier buvard perforé Seroquel par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. La folie des dessins animés rencontre la culture pharmaceutique Qui a fait frire Roger Rabbit ? L'estampe « Seroquel Blotter Paper » de Ben Frost réinterprète le personnage animé iconique Roger Rabbit dans le contexte du marketing pharmaceutique moderne. Tirée en édition limitée (19 x 19 cm) sur papier buvard perforé, cette estampe pigmentaire d'archives explore avec une précision satirique la collision entre la culture pop et le conditionnement des médicaments. Mettant en scène le personnage animé arborant un sourire maniaque à côté d'une notice de Seroquel XR, l'estampe est perforée à la main par Zane Kesey et produite en édition signée et numérotée. Cette œuvre critique la façon dont la société normalise les troubles mentaux par le biais du marketing et interroge la coexistence de l'animation, de la nostalgie et des produits pharmaceutiques dans un même message visuel. Image de marque satirique et ironie médicale Frost fusionne la personnalité exubérante de Roger Rabbit avec le Seroquel, un médicament utilisé pour traiter les troubles de l'humeur, afin d'amplifier les effets surréalistes de l'hyperstimulation et de la sédation. En transformant l'aspect clinique d'une boîte de médicament en une toile ludique et chaotique pour un personnage de dessin animé, Frost brouille la frontière entre traitement et évasion. Son utilisation précise du langage utilisé sur l'emballage de la quétiapine, incluant les informations posologiques et les avertissements, est pourtant détournée par le comportement erratique de Roger Rabbit. Le message sous-jacent interroge la manière dont les médicaments sont commercialisés dans une culture qui instrumentalise à la fois la maladie mentale et la nostalgie de l'enfance. Subversion matérielle sous forme de buvard Le format buvard est essentiel à la portée conceptuelle de l'œuvre. Traditionnellement associé à la distribution de LSD, le buvard évoque une filiation psychédélique et suggère une perception altérée de la réalité. En plaçant un personnage de dessin animé sur un fond imitant un médicament, Frost bouleverse les attentes liées au sérieux du design pharmaceutique par l'absurde. La perforation fragmente physiquement l'image, faisant écho à la fragmentation de la conscience et des émotions dans les expériences médicamenteuses et animées. Ce format permet à l'œuvre de commenter simultanément la culture de la drogue, les médias de divertissement et le marketing de la santé mentale. La provocation visuelle de Ben Frost L'artiste australien Ben Frost s'est fait connaître en détournant la publicité, les logos pharmaceutiques et les dessins animés grand public pour en faire un commentaire social incisif. Son art urbain, à la croisée du pop art et du graffiti, explore la psychologie du consommateur à travers des couleurs vives, des images reconnaissables et des juxtapositions percutantes. « Qui a frit Roger Rabbit ? » est un exemple frappant de cette approche, mêlant l'esthétique de l'enfance à la froideur clinique du monde médical. Frost confronte le spectateur à des contradictions qu'il néglige parfois au quotidien, tirant humour et tension de l'alliance troublante entre la folie des dessins animés et la stabilité imposée. Il ne s'agit pas seulement d'une stimulation visuelle, mais d'une question enveloppée dans un emballage auquel on nous enjoint de faire confiance.

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Pièce de 5 dollars en argent de 5 $ de l'île Cook, Spider-Man Homecoming 2017 - PF 70 Ultra Cameo | Pièce de collection authentique et rare, certifiée NGC, première émission, noyau rouge, sous scellé, signée par John M Mercanti. Cette pièce de 5 dollars en argent des Îles Cook, émise en 2017 et commémorant Spider-Man : Homecoming, témoigne d'une qualité numismatique exceptionnelle. Classée PF 70 Ultra Cameo par NGC, sa finition Belle Épreuve offre un contraste saisissant entre les motifs mats et le champ poli miroir, capturant avec une précision remarquable l'image emblématique du super-héros. Certifiée comme une pièce de première émission, cette pièce commémorative allie l'attrait de la culture populaire à une valeur de collection inestimable. Encapsulée dans un certificat officiel NGC, elle garantit son authenticité et sa conservation à long terme. Une pièce de choix pour les collectionneurs de pièces commémoratives modernes et de raretés numismatiques sur le thème du divertissement.

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Estampe giclée « Candy » de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 2014 (25 exemplaires). Dimensions de l'œuvre : 11,75 x 16,25 pouces. Jeune femme blonde tatouée et colorée, pensive. Exploration de la fusion entre féminité et art urbain pop dans l'estampe giclée Candy de Bec Winnel Bec Winnel est une figure incontournable de l'art contemporain, notamment du Street Pop Art et du graffiti. Cette artiste australienne est reconnue pour son approche méticuleuse et délicate du portrait, qui allie le dessin traditionnel à des thèmes contemporains et à l'esthétique du street art. Parmi ses œuvres phares figure « Candy Giclee Print », une édition limitée illustrant son style unique, fruit de la fusion de ces influences artistiques. Tirée à seulement 25 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée à la main par l'artiste, ce qui en fait un objet de collection très prisé des amateurs de Street Pop Art. L'attrait de l'art en édition limitée L'estampe « Candy Giclée » mesure 29,8 x 41,3 cm, un format à la fois intime et imposant. Le choix d'un papier d'art de qualité supérieure pour son impression renforce son charme et lui confère une dimension tactile qui sublime l'expérience visuelle. Les tirages en édition limitée comme celui-ci offrent un sentiment d'exclusivité et d'investissement, garantissant à quelques privilégiés seulement l'accès à cette œuvre d'art. La rareté de l'édition suscite souvent une appréciation plus profonde et un lien plus intime avec l'œuvre, lien encore renforcé par la signature de l'artiste. Symbolisme et style dans l'impression giclée Candy L'œuvre est un portrait saisissant d'une jeune femme blonde tatouée, plongée dans ses pensées. Les couleurs sont vibrantes et les motifs des tatouages ​​évoquent l'art du graffiti. Ce mélange de styles parvient avec une grande efficacité à exprimer la personnalité et la vie intérieure du sujet. Les tatouages, que l'on pourrait considérer comme une forme d'art urbain, ornent sa peau comme une toile, suggérant une histoire personnelle et intime. L'expression pensive du sujet invite le spectateur à contempler ses pensées et ses émotions, ainsi que la signification culturelle du tatouage comme forme d'expression de soi et d'affirmation identitaire. Impact du street art pop et des graffitis Le pop art et le graffiti sont depuis longtemps à l'avant-garde du défi aux frontières traditionnelles du monde de l'art. Ils insufflent la vitalité de la culture urbaine dans les espaces généralement plus conventionnels des galeries. L'œuvre « Candy Giclee Print » de Bec Winnel illustre la fusion du délicat et de l'audacieux, du privé et du public, du contrôlé et du libre. Elle témoigne du pouvoir de l'art inspiré de la rue à infiltrer et enrichir le discours artistique dominant, tout en conservant son caractère subversif et authentique. Dans le contexte plus large de l'histoire de l'art, des œuvres comme « Candy Giclee Print » constituent d'importants artefacts culturels qui reflètent leur époque et les mentalités sociales. Elles soulignent également l'importance du street art dans les débats contemporains sur l'art et sa place dans la société. L'œuvre de Winnel, avec sa précision et sa profondeur émotionnelle, démontre que le street art peut être un médium aussi puissant et profond que n'importe quelle forme d'art traditionnelle, capable de transmettre des thèmes complexes et de toucher profondément les spectateurs. Par son travail, Bec Winnel contribue à la reconnaissance croissante du Street Pop Art comme une forme d'expression artistique légitime et essentielle. Ses œuvres ne se contentent pas d'orner les murs de leurs acquéreurs ; elles s'inscrivent dans la conscience collective d'une société qui prend de plus en plus conscience de la frontière floue entre art savant et art urbain, entre galerie et ruelle. L'estampe « Candy Giclee Print » de Winnel n'est pas seulement une belle œuvre d'art ; c'est un vecteur de dialogue culturel, un fragment de vie contemporaine et le reflet de l'évolution du paysage artistique et de l'expression.

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« Ce n'est pas facile d'être vert » - Tirage d'art en édition limitée, grand format, pigmentaire d'archive, sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) représentant Kermit la Grenouille (Muppets) et Jim Henson. Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m². Signée et numérotée. « It's Not Easy Being Green - Oversized Edition » est une œuvre d'art engagée, profondément ancrée dans l'esprit du pop art moderne. Elle mêle des éléments de la culture populaire à une réflexion sociétale sous-jacente. Réalisée par Ben Frost, artiste de street art pop moderne et talentueux, cette œuvre fusionne le personnage emblématique de Kermit la Grenouille, tiré des Muppets de Jim Henson, avec l'image contrastée de tests de dépistage de marijuana. Cette juxtaposition invite le spectateur à s'interroger sur les enjeux de l'acceptation sociale, l'influence des médias et l'évolution culturelle. Grâce à l'utilisation de pigments d'archivage, Ben Frost garantit la pérennité et la netteté de l'œuvre. La texture et la richesse du papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² subliment l'expérience visuelle, offrant un support idéal pour mettre en valeur la finesse de l'œuvre. Le choix d'un papier aussi haut de gamme témoigne de la volonté de créer une œuvre aussi agréable au toucher qu'à la vue. Sortie en 2021, cette œuvre en édition limitée est tirée à seulement 25 exemplaires, chacun signé par l'artiste, gage d'authenticité. Avec « It's Not Easy Being Green - Oversized Edition », Ben Frost continue de bousculer les conventions, repoussant les limites du street art et du commentaire sur la culture populaire. Cette œuvre témoigne de la dynamique en constante évolution du street art et du graffiti, illustrant comment les artistes contemporains s'approprient les icônes de la culture populaire pour exprimer des problématiques sociétales plus profondes.

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Just One More Bump Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art LSD inspirée de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Ben Frost utilise l'imagerie familière de la culture occidentale pour formuler une critique de cette culture, notamment à travers le prisme du consumérisme, des icônes modernes et des grandes entreprises. Personnages de dessins animés, icônes de la pop culture, logos de marques et bien d'autres éléments sont transformés en œuvres d'art vibrantes et trouvent leur place dans les galeries. Dans cette optique, et dans le cas de Ben Frost, il est vain de tenter de tracer une frontière nette entre art populaire et art savant. En réalité, l'artiste souhaite que le public s'interroge sur les notions de haute et de basse valeur et, par extension, sur leur signification profonde. Au fil des années, les artistes de rue ont su s'imposer comme des créateurs respectés, certains acquérant même une renommée internationale, transformant le graffiti, autrefois art marginal servant parfois à marquer le territoire des gangs, en un secteur économique florissant.

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Achetez WOODCRADLED Panneau multiple peint à la main prêt à accrocher par ARTIST Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2022 Édition signée et numérotée de XXX HPM MEDIA Print Artwork Taille XXX INFO

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Train 34, sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne LushSux. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (14 x 3 pouces). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. La fusion des trains miniatures et du street art dans « Train 34 » de LushSux Dans l'univers éclectique du street art et du graffiti, « Train 34 » témoigne de l'approche novatrice de LushSux. Cette œuvre, qui marie un wagon de train miniature classique à l'échelle HO à la vitalité brute du graffiti, révèle le style unique de l'artiste. Créée en 2014, cette acrylique originale s'affranchit des supports traditionnels ; elle explore la forme et l'espace, brouillant les frontières entre sculpture et peinture. LushSux, artiste australien, est connu pour ses œuvres souvent controversées et avant-gardistes dans l'espace public. Dans « Train 34 », il réoriente son expression créative vers l'espace contrôlé d'un train miniature, objet souvent associé à la précision et à la collection, transformé en une toile vivante qui traduit l'esprit rebelle du street art. LushSux : Le graffiti investit des espaces insolites Le choix de LushSux de taguer un wagon de train miniature symbolise l'ingéniosité inhérente à la culture du street art. En optant pour un train à l'échelle HO, objet de prédilection des passionnés de modélisme ferroviaire, LushSux remet en question les limites et les supports traditionnels du street art. L'œuvre présente un tag de graffiti, un style caractérisé par une exécution rapide et souvent utilisé par les graffeurs pour marquer leur territoire. Appliquée à un train miniature, l'œuvre transcende les revendications territoriales et entre dans le domaine de l'art de collection. De dimensions modestes (14 x 3 cm), elle capte pourtant le regard par ses couleurs vives et son design audacieux, faisant écho à la présence imposante des œuvres grandeur nature de LushSux. Importance du « Train 34 » dans le monde de l'art contemporain de collection « Train 34 » représente la convergence de la culture underground et de la culture amateur, reflétant l'acceptation et la célébration croissantes du graffiti au sein du marché des objets de collection. Cette pièce unique, peinte à la main et signée par LushSux, capture l'essence même du street art pop : éphémère par nature, mais immortalisée par la permanence du travail artisanal. Le mélange unique d'un loisir traditionnel et de cet art urbain en fait une œuvre marquante de l'univers de LushSux, dont la réputation de mannequin et d'« artiste graffeur international provocateur » souligne la complexité de son identité artistique. À travers des œuvres comme « Train 34 », LushSux repousse sans cesse les limites du street art, nous invitant à repenser les contextes d'appréciation artistique et à remettre en question les idées reçues sur ce qui constitue un support.

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