Ours

Francisco Goya Saturne dévore son fils - Œuvre remixée, tirage giclée en édition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste moderne Luke Chueh. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Format : 19 x 34 pouces.

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Achetez BEARBRICK BE @ RBRICK Édition limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Figurine d'art à collectionner. 2022 Bearbrick Medicom Collectible Taille 400% ICI

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Scottie Pippen 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, objets de collection urbains Scottie Pippen, champion des Chicago Bulls des années 90 (n° 33), est à l'honneur chez Bearbrick. Ce joueur légendaire, quintuple champion NBA, est représenté par une figurine Bearbrick à l'échelle 400 % et 100 %, vêtu de son maillot des Chicago Bulls. Redoutable adversaire, Pippen était un coéquipier précieux de Michael Jordan grâce à sa combativité et sa polyvalence. Il est désormais immortalisé en Bearbrick, disponible en deux tailles : 100 % et 400 % ! Chaque figurine mesure respectivement 7 cm et 28 cm.

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Anna Sui - Figurine d'art urbaine de collection en vinyle rouge/beige 400% BE@RBRICK, édition limitée La créatrice de mode Anna Sui.

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Tirage giclée en édition limitée Shrug sur papier d'art par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Matthew 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Collectable Art Figure par Medicom Toy x Bridge Ship House. Le personnage Matthew de Bridge Ship House (2021) est bien connu des fans de Medicom Toy. Apparu initialement dans la série Vinyl Artist Gacha, Matthew est désormais disponible en figurine Bearbrick ! Il mesure 7 cm et 28 cm de haut.

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Œuvre d'art Crystal Bearbrick, graphite sur papier superposé à de la feuille d'or sur carton, réalisée par l'artiste de la culture pop urbaine MMont. Dessin original signé de 2021, technique mixte, graphite et feuille d'or, encadré, format 9 x 12 pouces. Crystal Bearbrick par MMont. Graphite sur papier, recouvert de feuilles d'or sur carton. Nature morte représentant la collaboration Baccarat/Bearbrick. 23 x 30 cm (encadré). Provenance : Chicago.

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Premier modèle - Figurine de collection BE@RBRICK édition limitée 20e anniversaire, en vinyle chromé blanc 400%. Pour célébrer les 20 ans de Bearbrick, Medicom Toy a réédité son tout premier Bearbrick en une version collector à 400 %. Cette fois-ci, le Bearbrick original arbore une finition chromée blanche. Ce Bearbrick à 400 % mesure 28 cm de haut.

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Ours Steiff - Blanc 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Figurine de Collection en Vinyle Flocagé. Ours en peluche de luxe Steiff x Medicom, neuf dans sa boîte d'origine (2017). Peluche de luxe en peluche allemande. Poils floqués, ruban, boîte et étiquette inclus.

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Papier buvard Pink Eyes, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre de Luke Chueh inspirée de la culture pop et du LSD. « Les substances psychédéliques ont indéniablement joué un rôle majeur dans la création de mon personnage d'ours. À l'époque où j'étais à la fac, mon meilleur ami et moi avons vécu une expérience qui nous a inspirés : on courait partout dans la maison en se prenant pour des Bisounours. On m'a surnommé « Luke l'Ours » et mon ami, « Jaime l'Ours ». Des surnoms qui me sont restés. Quelques années plus tard, quand j'ai déménagé à Los Angeles, je voulais créer un personnage qui me représente vraiment. Même après plus de dix ans, l'ours était une évidence. » – Luke Chueh

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Achetez BEARBRICK BE @ RBRICK Édition limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Figurine d'art à collectionner. 2022 Bearbrick Medicom Collectible Taille 400% ICI

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Nemesis Prime Transformers 200% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection. Sans doute l'un des Bearbricks les plus originaux qui soient, ce Bearbrick x Transformers Nemesis Prime 200% est aussi l'un des plus populaires. Ce Bearbrick 200% mesure environ 20 cm de haut et possède des pièces ajustables permettant de le transformer en Nemesis Prime. Ce Bearbrick est vraiment unique parmi les modèles sortis par Medicom Toy en 2015.

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Tub Chum, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier moucheté blanc cassé de poids moyen, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signé et numéroté au crayon par John Vogl.

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JP the Money Bear Wave Deck - Impression pigmentaire d'archives en édition limitée, rouge, sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste de rue et de graffiti King Saladeen. Édition limitée 2019 à 250 exemplaires, signée, avec certificat d'authenticité, neuve sous emballage.

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Ortiz Masked - 7.75 Deck Deck Édition Limitée Sérigraphiée, illustration de planche de skateboard par l'artiste de la culture pop urbaine DGK. Bois traditionnel 7 plis, concave moyen

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The Doors Strange Days 1000% BE@RBRICK Figurine de collection en vinyle édition limitée Medicom Toy. 2021 The Doors Strange Days Music x Bearbrick 1000%

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Good Morning Coffee, deuxième édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Café du matin. Deuxième édition. Couleurs différentes de la première édition. 20 x 25 cm. Quatre sérigraphies imprimées sur papier Speckletone français. Édition signée et numérotée à 190 exemplaires. Sortie le 28 novembre 2014.

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Giddyup Honeybear, estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art par l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2020).

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Karimoku Baby Milo Horizon 400% BE@RBRICK Jouet d'art en bois fait main extrêmement rare Fabricant de meubles japonais Sculpture Bearbrick d'art raffiné BAPE A Bathing Ape. Œuvre d'art en édition limitée sur bois estampé, extrêmement rare (2022), présentée dans sa boîte d'origine en parfait état. BAPE A Bathing Ape Maître du travail du bois au Japon, Karimoku est une référence en matière de mobilier design et désormais aussi de figurines de luxe suite à ses collaborations avec Medicom. « BABY MILO, icône emblématique de BAPE, BE@RBRICK, figurine en forme d'ours à assembler, chef-d'œuvre de Medicom Toy, et le savoir-faire exceptionnel de Karimoku en matière de mobilier se rencontrent pour créer une édition limitée en bois, la « BE@RBRICK Karimoku BABY MILO HORIZON », à une taille agrandie de 400 % (environ 280 mm de hauteur). » - Bape

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Papier buvard d'art en édition limitée 1x1, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Luke Chueh. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Sharp Tooth Bear ComplexCon Skateboard Art Deck Set par Takashi Murakami TM/KK Édition limitée Impression d'archives sur planche de skateboard en bois par un artiste de street art et de graffiti. Planche de skateboard édition limitée 2019, illustration format 8x31, neuve et en parfait état, lot de 3. Ensemble de planches de skateboard Sharp Tooth Bear ComplexCon par Takashi Murakami : Icônes pop réinventées dans le style street art et graffiti Le set de planches de skateboard Sharp Tooth Bear ComplexCon de Takashi Murakami est une édition limitée de 2019. Il se compose de trois planches en bois naturel de 8 x 31 pouces, imprimées par transfert pigmentaire d'archives. Distribué par le label TM/KK de Murakami et dévoilé à ComplexCon, ce set présente son personnage emblématique, Mr. DOB, dans une constellation surréaliste et flottante de sphères multicolores et de sourires acérés. L'œuvre, en parfait état, est conçue avec maestria pour s'étendre sur les trois planches, formant une image unifiée vibrante de mouvement et d'espièglerie. Témoignage de la fusion opérée par Murakami entre l'art japonais conceptuel et l'esthétique urbaine subversive, cette édition poursuit son exploration de l'identité visuelle à travers le prisme du Street Pop Art et du graffiti. Mr. DOB, alter ego et figure emblématique de Murakami, est ici présenté sous une forme plus évoluée et chaotique. Plusieurs têtes de Mr. DOB orbitent sur un fond dégradé passant du bleu turquoise au jaune pâle, créant une atmosphère onirique qui contraste avec les dents acérées, semblables à celles d'un requin, et les yeux multicolores psychédéliques incrustés dans chaque sphère. Ces éléments suscitent un sentiment mêlé de célébration ludique et de malaise psychologique. Puisant son inspiration dans l'anime, le manga, le marketing de marque et la dissonance émotionnelle de la culture visuelle contemporaine, l'icône aux dents pointues de Murakami devient à la fois personnage et critique. La précision de ses lignes et la distorsion quasi-cartoonesque transforment chaque tête flottante en un réceptacle symbolique de la surstimulation et de la fragmentation culturelle de notre époque. Quand la culture skate rencontre le surréalisme pop en édition limitée Le choix de Takashi Murakami de présenter cette œuvre sous forme de planches de skateboard est délibéré. ​​Les planches de skate se situent depuis longtemps à la croisée de la fonctionnalité et de la rébellion. Dans le Street Pop Art et le graffiti, le skateboard est plus qu'un simple outil : c'est un symbole d'expression personnelle, de subversion et de la tension entre mouvement et impact visuel. En transposant son personnage le plus emblématique sur un support issu de la culture underground, Murakami ouvre de nouvelles perspectives d'accessibilité et de force d'expression. L'ensemble Sharp Tooth Bear préserve l'authenticité tactile de la rue tout en s'affirmant comme un objet d'art de luxe. La verticalité incurvée des planches donne l'impression que les sphères flottent en apesanteur, soulignant le détachement et la surveillance souvent associés aux personnages de Murakami. Chaque panneau conserve ses détails tout en contribuant à l'ensemble, créant une composition murale qui fait le lien entre l'art contemporain et le graffiti des skate shops. La qualité de production – pigments d'archivage haute fidélité sur bois – préserve l'intégrité de l'image et renforce son statut d'objet de collection. Ces terrasses sont conçues pour durer, mais elles sont issues d'une culture qui valorise l'éphémère. La mutation des caractères comme langage dans le système visuel de Murakami L'utilisation récurrente de Mr. DOB dans l'œuvre de Murakami symbolise la transformation, l'identité commerciale et la saturation visuelle. Dans le jeu de cartes Sharp Tooth Bear, l'expression du personnage se déforme en de multiples formes : yeux exorbités, motifs tourbillonnants et mâchoires acérées créent une impression de multiplicité et d'instabilité. Ceci reflète un thème plus large du Street Pop Art et du graffiti, où les personnages deviennent des signatures, des avatars et des mythologies qui évoluent dans l'espace public. À l'instar des tags de graffiti, ces personnages agissent comme une carte de visite, mais Murakami les amplifie grâce à la théorie des couleurs, l'harmonie de la composition et la dualité émotionnelle. Des têtes flottantes, souriantes ou grimaçantes, occupent l'espace liminal entre joie et chaos. Leur apparence éclatante masque le grotesque, créant un paradoxe central à l'expérience de la culture pop moderne. Ces figures flottent dans le vide, déconnectées et pourtant expressives, à l'image du paysage médiatique fracturé que Murakami interroge si fréquemment. Les jeux de cartes racontent une histoire de mutation culturelle et de saturation psychologique à travers la ligne, la couleur et la répétition. Les planches de skate de Takashi Murakami en tant qu'icônes culturelles contemporaines Takashi Murakami, né au Japon en 1962, continue de repousser les limites du street art et du graffiti. Ses planches de skate, présentées à la ComplexCon, étendent les frontières du médium, insufflant à l'art une puissance brute et urbaine. Le set Sharp Tooth Bear est une introduction à la philosophie Superflat de Murakami, où la profondeur est comprimée et le sens visuel décuplé. Avec cette sortie de 2019, Murakami confirme que des personnages comme Mr. DOB ne sont pas de simples artifices visuels, mais des outils sophistiqués pour explorer l'artificiel, l'émotionnel et le psychédélique dans un monde saturé d'images. Ces planches ne sont pas de simples objets de collection : elles symbolisent la capacité de l'art visuel à muter, à s'élever et à mordre, tout en conservant un sourire. Elles sont les échos picturaux de la conscience pop, figés dans le mouvement, façonnés avec intention, couleur et une dentition acérée.

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Gromit 100% & 400% Wallace et Gromit BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection Art. 2021. Tirée de la célèbre série britannique d'animation en pâte à modeler Wallace et Gromit, voici Gromit, le chien anthropomorphe silencieux, fidèle et intelligent : une figurine Bearbrick de Medicom Toy. Disponible en deux tailles : 7 cm et 28 cm.

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Ours endommagé 72 Dessin original aux marqueurs de couleur par Jermaine Rogers sur papier Wove Fine Art Œuvre d'art pop urbaine moderne. Dessin original à l'encre, signé, datant de 2007. Format : 6,5 x 10 pouces. « Il y a quelque chose qui ne va pas chez moi : je suis en train de m'effondrer… » Ours endommagé 72 par Jermaine Rogers – Symbolisme psychologique dans l'art urbain pop et le graffiti « Damaged Bear 72 » est un dessin original à l'encre de Chine réalisé en 2007 par l'artiste américain Jermaine Rogers sur papier vergé d'art, mesurant 16,5 x 25,5 cm. Signé par l'artiste, ce dessin, d'une intensité émotionnelle brute et d'une force visuelle saisissante, s'inscrit dans l'exploration continue par Rogers des thèmes de la vulnérabilité, de l'identité et de l'effondrement. Il représente un ours aux yeux écarquillés, rendu par un trait libre et expressif, parsemé de taches rouges évoquant des blessures ou des signes de décomposition. Numéroté 72 sur son front et accompagné du texte manuscrit « Something's very wrong with me: I'm falling apart », l'œuvre fusionne la création du personnage avec une confession psychologique. Cet ours n'est ni une mascotte ni un jouet ; il est le réceptacle d'un traumatisme émotionnel, peint avec urgence, humour et une profonde angoisse existentielle. Cette pièce s'inscrit avec force et émotion dans l'univers du street art, du pop art et du graffiti, où l'image prime sur les mots. Langage visuel de l'effondrement intérieur L'ours est un personnage récurrent dans l'univers visuel de Jermaine Rogers, souvent utilisé pour explorer les thèmes de l'innocence brisée et de l'identité mise à rude épreuve. Dans Damaged Bear 72, la posture affaissée et le regard paniqué de l'ours suggèrent désorientation et résignation. Des taches d'encre rouge marquent son corps comme des plaies ouvertes, et ses iris vides et tourbillonnants indiquent un délitement émotionnel. Le texte au-dessus de l'ours se lit comme une entrée de journal intime ou une confession murmurée, transformant le dessin en un fragment narratif qui mêle angoisse visuelle et littéraire. Rogers utilise une palette de couleurs minimaliste – principalement noir, rose, rouge et cyan – mais chaque touche contribue au sentiment d'urgence et de fragmentation intérieure. La simplicité des matériaux contraste avec la complexité du message, une méthode qui s'inscrit dans la nature brute du Street Pop Art et du graffiti. Dessin au marqueur comme diffusion émotionnelle Entièrement réalisé au feutre sur papier vélin d'art, le dessin reflète l'immédiateté et une présence tactile. Les lignes, libres et intentionnelles, sont imparfaites d'une manière qui renforce leur sincérité. L'utilisation par Rogers d'une encre qui bave et d'une pression irrégulière confère à l'acte de dessiner une dimension performative, capturant non seulement la forme, mais aussi l'atmosphère émotionnelle. Le papier conserve chaque bavure, chaque hésitation, transformant ce qui pourrait n'être qu'une esquisse en un document émotionnel abouti. L'expression ouverte de l'ours, son front numéroté et son aspect décrépit résonnent comme des symboles d'individualité perdue dans les tensions systémiques. Dans le contexte du graffiti et des traditions de la pop culture, l'ours de Rogers se distingue par sa fragilité, loin de toute bravade. Jermaine Rogers et l'anatomie de la résistance émotionnelle Damaged Bear 72 révèle Jermaine Rogers sous un jour plus vulnérable, offrant une œuvre à la fois manifeste visuelle et confessionnelle. Son travail explore la rencontre entre l'émotion et l'iconographie, transformant des figures caricaturales en messagers de vérité et de désespoir. Dans l'univers du street art et du graffiti, cette œuvre ne célèbre ni la domination de la rue ni l'exubérance du design ; elle explore les moments silencieux et douloureux qui définissent l'expérience humaine. La capacité de Rogers à insuffler une gravité philosophique et émotionnelle à des images centrées sur des personnages le place parmi les voix les plus nuancées du genre. Cet ours ne rugit pas ; il implore, fixe du regard et se désintègre sous les yeux du spectateur, n'offrant aucune solution, seulement une honnêteté sans faille. C'est cette honnêteté qui transforme Damaged Bear 72 d'une simple esquisse en un vestige de l'angoisse contemporaine, tracé de lignes qui refusent de mentir.

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Figurine de collection en vinyle en édition limitée Target, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti urbain Luke Chueh. Sculpture de 2014, signée sur la boîte, édition limitée à 1000 exemplaires. Dimensions : 6,5 x 10,5 pouces. Neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un seau amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir. « Target », une œuvre d'art en vinyle de Luke Chueh : une étude sur la vulnérabilité et la perception de soi Créée en 2014 par Luke Chueh, artiste de street art et de graffiti reconnu, la figurine en vinyle « Target » présente l'une de ses créations les plus chargées d'émotion et de symbolisme visuel. Tirée à seulement 1 000 exemplaires, cette sculpture capture la dimension profondément personnelle et psychologique qui caractérise l'œuvre de Chueh. Mesurant 16,5 x 26,5 cm, la figurine est accompagnée d'un mur criblé d'impacts de balles, d'un petit pot de peinture noire et d'un pinceau amovible tenu par l'ours lui-même. Sur le torse de la figurine figure une cible fraîchement peinte, image qui évoque les notions complexes d'auto-sabotage, de vulnérabilité et de conflit émotionnel. Signée sur la boîte et d'une simplicité saisissante, cette pièce transforme un ours stylisé en une puissante expression de la souffrance psychologique, enveloppée dans une esthétique innocente. Symbolisme et langage de la pression auto-infligée Dans « Target », Luke Chueh utilise son langage visuel caractéristique, mêlant minimalisme et narration, pour évoquer des sentiments d'isolement et de vulnérabilité. L'ours blanc, un motif récurrent dans son œuvre, symbolise les émotions intérieures : apparemment insensible, il se charge en réalité de sens grâce à sa posture et au contexte environnant. La cible sur sa poitrine n'est pas l'œuvre d'une force extérieure, mais peinte par l'ours lui-même, symbolisant l'exposition volontaire au jugement, à la douleur ou au blâme. Le pot de peinture à proximité renforce l'acte conscient de se soumettre à la critique, à l'agression émotionnelle ou à l'incompréhension. Cet acte d'auto-exposition fige la sculpture entre agression et acceptation, une dualité fréquemment explorée dans le pop art urbain de Chueh, influencé par le graffiti. Le minimalisme pop enraciné dans la culture urbaine Alors que de nombreuses œuvres de Street Pop Art et de graffiti célèbrent la rébellion et l'expression publique, Chueh adopte une approche plus introspective. « Target » reflète les conséquences intérieures d'une vie dans un monde qui extériorise souvent la souffrance. Son esthétique, proche du jouet – courbes douces, finition mate et expressions délicates – contraste fortement avec les impacts de balles sur le mur et la symbolique d'une cible. L'œuvre, à la fois objet d'art et sculpture, attire les collectionneurs sensibles à la fusion du récit et de la forme. La charge émotionnelle contenue dans la silhouette épurée et moderne s'inscrit pleinement dans les thèmes profonds de l'art urbain : l'identité, le traumatisme et la quête de sens. Héritage et valeur de collection de la série Target « Target » est devenue l'une des sculptures les plus reconnues et commentées de Luke Chueh, prolongeant l'héritage de sa série Target dans le domaine de l'art tangible. Chaque élément de la figurine – le pinceau à pointe rouge, la peinture noire dégoulinante, le décor détaillé imitant le béton – a été soigneusement conçu pour soutenir le récit d'une prise de conscience de soi et d'une lutte psychologique. Le choix de doter l'ours des instruments de sa propre souffrance fait de la figurine un objet de choix plutôt qu'une victime, un thème récurrent dans l'œuvre de Chueh. Tirée à seulement 1 000 exemplaires et présentée dans un emballage exclusif, la figurine « Target » a acquis une grande valeur pour les collectionneurs et s'impose comme une contribution majeure au street art et au graffiti contemporains.

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Peinture originale d'un ours céleste debout sur papier d'art, encadrée sur mesure par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture originale et unique représentant un ours blanc debout dans un grand ciel bleu.

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Œuvre originale de peinture acrylique Night Bear sur papier d'art, réalisée par la célèbre artiste de graffiti de rue Nicole Gustafsson. Image originale signée, encadrée et sous passe-partout, 2014, cadre 3x3, 8,5x8,5 Ours de la nuit : un aperçu du monde fantaisiste de Nicole Gustafsson Le voyage artistique de Night Bear « Night Bear » de Nicole Gustafsson, une peinture acrylique originale sur papier d'art, s'impose comme une œuvre unique dans les genres du street art et du graffiti. Créée en 2014, cette œuvre s'éloigne de l'esthétique urbaine brute généralement associée au street art, invitant le spectateur dans un univers plus onirique et féérique. Encadrée et sous passe-partout (21,6 x 21,6 cm), l'image mesurant 7,6 x 7,6 cm, cette pièce est un véritable trésor de savoir-faire. Signée, elle porte l'esthétique singulière qui caractérise Gustafsson : une fusion de paysages enchanteurs et de personnages attachants qui racontent une histoire au-delà de la toile. La fantaisie du pop art urbain dans l'œuvre de Gustafsson Dans « Ours de la nuit », on assiste à la convergence de l'accessibilité du street art et de la popularité du pop art, le tout porté par une dimension narrative profondément personnelle et illustrative. L'œuvre de Gustafsson se caractérise par son talent à créer des scènes à la fois vibrantes et sereines, capturant des instants qui semblent tout droit sortis d'un rêve ou d'un monde fantastique lointain. À l'opposé du graffiti, souvent transgressif, son travail se veut enchanteur et magique, ce qui en fait une œuvre attachante et atypique dans le paysage du street art et du pop art. Avec sa représentation délicate d'un ours et de son compagnon fantomatique, cette œuvre évoque un sentiment de complicité et d'émerveillement, des thèmes universels qui trouvent un écho auprès de spectateurs de tous horizons. Le style signature de Nicole Gustafsson Le style de Nicole Gustafsson apporte un vent de fraîcheur au street art et au graffiti, souvent dominés par des lignes audacieuses et des messages percutants. Son approche, subtile et pourtant puissante, captive le regard par des détails minutieux et une palette de couleurs douces, transformant une petite image de 3x3 en un portail vers un autre monde. « L'Ours de la Nuit » témoigne de sa maîtrise du pinceau et de son talent pour créer profondeur et texture à l'acrylique, conférant une dimension tactile au récit visuel. Chaque coup de pinceau est intentionnel, contribuant à l'harmonie générale de l'œuvre. Réflexions sur « Ours de la nuit » et sa place dans le pop art urbain « Night Bear » peut sembler s'éloigner des racines subversives du street art et du graffiti, mais elle nous rappelle toute la richesse de cet art. L'œuvre de Gustafsson propose un récit à la fois ludique et poignant, illustrant la capacité du street art à s'adapter et à explorer différentes manières de raconter des histoires. Cette œuvre ne clame pas haut et fort, mais murmure une histoire qui captive le regard, l'invitant à la contemplation. C'est une affirmation discrète mais puissante dans l'univers foisonnant du street art, prouvant que ce genre n'est pas monolithique, mais plutôt une mosaïque d'expressions artistiques variées.

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Tirage giclée en édition limitée d'une œuvre d'art cible sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste moderne Luke Chueh. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Dimensions de l'œuvre : 10 x 12,5 pouces. « Target », œuvre provocatrice de l'artiste contemporain Luke Chueh, incarne l'esprit du pop art par sa fusion d'images accessibles et d'humour noir. Créée en 2015, cette œuvre est une impression giclée en édition limitée sur papier Moab Entrada, un matériau haut de gamme garantissant sa durabilité et la fidélité de ses couleurs. Mesurant 25,4 x 31,8 cm, il s'agit d'une estampe de grande taille, faisant partie d'une édition limitée à 150 exemplaires, chacun signé et numéroté par Chueh lui-même, ce qui renforce son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs. Le travail de Luke Chueh est reconnu pour ses fonds épurés, souvent monochromes, qui mettent en valeur la figure centrale – généralement un personnage anthropomorphe. Cette œuvre représente une figure à l'allure d'ours, peinte avec simplicité mais une expressivité profonde, touchée par des fléchettes sur une cible peinte sur son torse. La juxtaposition visuelle de l'innocence et de la violence crée un récit saisissant, invitant à une introspection sur les thèmes de la vulnérabilité et de l'exploitation. Ce motif s'inscrit dans la tradition du street art, qui utilise l'espace public pour exprimer avec force la condition humaine. Le choix de l'ours, créature innocente et généralement attachante, face à l'imagerie violente des fléchettes, crée un contraste saisissant et percutant. Ce contraste est emblématique du style de Chueh, qui explore souvent les thèmes de la contradiction et du conflit intérieur. Le message de l'œuvre « Target » est à la fois accessible et complexe, permettant de multiples interprétations, une caractéristique essentielle du pop art et du street art. Dans le contexte plus large du pop art et du graffiti, « Target » de Chueh est un récit poignant, capturé par un design minimaliste. Il touche au cœur du pop art, utilisant des références à la culture populaire pour affirmer une position, tout en incarnant l'esprit du street art par son message direct et percutant. Cette œuvre interroge la marchandisation des émotions et les cibles souvent invisibles que nous portons. Sa présence sur la scène artistique témoigne du pouvoir durable du récit visuel à travers l'art.

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Ours méditant, peinture originale à l'huile sur toile, montée sur châssis, par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture originale et unique représentant un ours en pierre en méditation dans une forêt de bambous violets.

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Tapis Death Adder, édition limitée, objet d'art de créateur, œuvre d'art de collection par les artistes punk Mishka NYC - МИШКА. Tapis Death Adder 33x35, objet d'art en édition limitée 2021 par Mishka NYC- МИШКА. Tapis Death Adder : un point de rencontre entre l'art punk et la décoration intérieure En 2021, la marque emblématique de streetwear Mishka NYC, également connue sous le nom de МИШКА, a étendu son influence artistique au domaine de la décoration intérieure avec la sortie du tapis Death Adder. Cet objet d'art en édition limitée mesure 84 x 89 cm et arbore le motif Death Adder, emblème de la marque et symbole de son esprit audacieux et rebelle. Confectionné avec un souci du détail exceptionnel, ce tapis est à la fois un élément de décoration pratique et une pièce de collection inspirée de l'art punk. Mishka NYC : Brouiller les frontières entre mode et art fonctionnel Mishka NYC est depuis longtemps reconnue pour sa contribution au streetwear, fusionnant avec brio l'esthétique punk rock, le graffiti et le pop art urbain. Avec la création du tapis Death Adder, la marque franchit une nouvelle étape, transformant son langage graphique distinctif en un véritable objet d'art. Les bords cousus du tapis garantissent sa durabilité, tandis que sa texture douce et moelleuse offre une dimension tactile qui contraste avec son design visuel audacieux. Cette incursion dans la décoration intérieure témoigne de l'engagement de Mishka NYC à repousser les limites de l'art et du design traditionnels. En métamorphosant un objet utilitaire en un support d'expression, le tapis Death Adder bouscule les conventions artistiques, insufflant l'esprit punk dans nos espaces de vie. Le tapis Death Adder : un symbole de sous-culture dans la décoration intérieure Le tapis Death Adder incarne l'esprit du street art et du graffiti, traduisant l'énergie brute de la rue en une forme à la fois accessible et fonctionnelle. Véritable pièce maîtresse, il s'intègre parfaitement à n'importe quelle pièce, bureau ou même repaire, comme le suggère la marque avec humour. C'est ici que la nature rebelle et souvent underground de l'art punk trouve sa place dans un environnement plus domestique, offrant une juxtaposition saisissante et intrigante. La capacité de Mishka NYC à créer des objets d'art qui conservent leur crédibilité subculturelle tout en s'intégrant à la décoration grand public souligne l'évolution de l'art punk et sa place dans la culture contemporaine. Le tapis Death Adder, par essence, célèbre cette évolution, témoignant de l'influence durable de l'esthétique punk et de la versatilité du street art. Le tapis Death Adder de Mishka NYC représente l'expansion continue du street art vers de nouveaux horizons. Ce tapis illustre comment l'art peut transcender les supports traditionnels, offrant de nouvelles façons d'appréhender les messages rebelles et stimulants qui caractérisent l'art punk. Véritable œuvre d'art de collection, il occupe une place de choix parmi les fans et les collectionneurs, symbole de l'héritage durable de Mishka NYC dans le monde de l'art et du design.

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Ours Free Hugs en édition limitée, figurine de collection en vinyle, œuvre d'art de l'artiste de rue Frank Kozik. 2021 Cette étrange figurine d'ours en peluche mesure 25 cm de haut et est fabriquée en vinyle de la plus haute qualité. Surprenez vos invités avec la toute dernière création de l'esprit à la fois tortueux et génial de Frank Kozik : la figurine Free Hugs Bear. Cette œuvre d'art inquiétante vous invite à découvrir et à interpréter le message caché derrière cette étrange réinterprétation de l'ours en peluche classique, comme le font nombre d'œuvres de Frank.

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Achetez BEARBRICK BE @ RBRICK Édition limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Figurine d'art à collectionner. 2022 Bearbrick Medicom Collectible Taille 400% ICI

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Optimus Prime Transformers - Rouge 200% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom x Bape - Figurine de Collection A Bathing Ape en Vinyle. Neuf en boîte - Medicom Toy s'est associé à BAPE et Transformers pour créer un Bearbrick Optimus Prime 200% rouge entièrement transformable. La figurine Bearbrick x Transformers Optimus Prime x BAPE 200% est un Bearbrick orné de touches de rouge. Grâce à un levier situé à l'arrière, ce Bearbrick se transforme entièrement, passant d'une figurine à l'allure d'ours ressemblant à Optimus Prime à une figurine Optimus Prime plus reconnaissable, prête à affronter les Decepticons. La figurine Bearbrick x Transformers Optimus Prime x BAPE 200% verte est sortie en 2021.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Gold 100% & 400% Bape BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Collectable Art Figure par Bape - A Bathing Ape. 2022 A Bathing Ape BAPE x Hajime Sorayama Bearbrick de collection rare , neuf en boîte

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En avant, Illinois ! Sérigraphie de Jay Ryan, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 230 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Œuvre d'art de format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. En avant, Illinois ! Sérigraphie de Jay Ryan L'estampe sérigraphique « Onward, Illinois! » de Jay Ryan célèbre le mouvement, la communauté et l'art narratif, mêlant ses créatures ludiques emblématiques à une composition à la structure unique. Créée en 2013, cette sérigraphie artisanale en édition limitée capture l'essence du pop art urbain et du graffiti, où des personnages vibrants symbolisent l'énergie et la résilience de l'Illinois. De format 45,7 x 61 cm, l'œuvre utilise des tons de couleurs sourds et audacieux ainsi qu'un trait fluide, signature de la démarche artistique de Jay Ryan. Symbolisme et style artistique Cette œuvre présente une carte stylisée de l'Illinois, foisonnant de personnages animaux expressifs qui semblent en mouvement, fonçant ensemble vers l'avant. La disposition dynamique de ces créatures, parmi lesquelles des lapins, des chiens et des figures abstraites, traduit un sentiment collectif de progrès et d'unité. Un drapeau jaune solitaire, brandi haut, constitue un élément marquant de la composition et renforce les thèmes du leadership, du mouvement et de la persévérance. Les textures dessinées à la main et les lignes organiques, signature de Ryan, accentuent la profondeur visuelle, tandis que la palette de couleurs restreinte, composée de bleus et de verts, confère à l'œuvre un caractère unique. L'utilisation de nuances subtiles et de techniques de sérigraphie en superposition donne à l'estampe une impression de mouvement, créant un effet captivant et presque animé. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de Jay Ryan est indissociable du street art et du graffiti, mêlant esthétique DIY et techniques d'impression contemporaines. Son trait audacieux, ses visuels narratifs et son utilisation des animaux comme figures symboliques s'inscrivent dans la lignée de nombreux thèmes du street art moderne. Si son travail est souvent associé aux affiches de concerts et à la scène artistique indépendante, il partage également un langage visuel commun avec les graffeurs urbains, qui utilisent le symbolisme et la répétition pour raconter des histoires dans l'espace public. Cette estampe illustre la fusion entre la sérigraphie d'art et l'énergie brute du street art, ce qui en fait une œuvre remarquable dans le domaine de l'affiche contemporaine. Son tirage artisanal et son édition limitée renforcent son authenticité et soulignent l'importance de l'art tactile et fait main dans un monde de plus en plus numérique. Héritage et impact culturel Ancrée dans la culture et le patrimoine artistique de l'Illinois, l'œuvre « En avant, Illinois ! » rend hommage à l'État et propose une réflexion plus large sur l'unité et la persévérance. Le récit de progrès et de parcours partagé qu'elle véhicule trouve un écho auprès des collectionneurs et des amateurs d'art urbain, faisant de cette estampe une pièce recherchée par les passionnés d'art narratif et artisanal. Jay Ryan continue d'influencer la sérigraphie moderne, l'art de l'affiche indépendante et l'esthétique pop urbaine, garantissant ainsi que des œuvres comme Onward, Illinois! restent des représentations très appréciées de la narration visuelle contemporaine.

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Target Red King HPM SDCC 12 Figurine de collection en vinyle édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Luke Chueh. 2012, signé avec HPM unique, exclusivité San Diego Comic Con 2012 (SDCC). Image et texte dessinés à la main, rehaussés et embellis à la main : « Tirez pour tuer ». Édition limitée à 250 exemplaires (un nombre limité d'exemplaires HPM avec des dessins uniques dessinés à la main sur le mur). Sculpture de 16,5 x 26,7 cm, neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir dessiné à la main avec une cible rouge et un pot de peinture. Target Red HPM SDCC 2012 Édition Limitée par Luke Chueh La sculpture en vinyle Target Red HPM SDCC Limited Edition 2012 de Luke Chueh illustre parfaitement comment des thèmes chargés d'émotion peuvent être rendus à travers l'art de collection. Sortie en exclusivité pour le Comic-Con de San Diego en 2012, cette édition de la série Target, ornée à la main et produite par Munky King, demeure l'une des pièces les plus recherchées de la carrière de Chueh. L'œuvre s'inspire de sa peinture emblématique représentant un ours solitaire se marquant d'une cible, face à un mur d'exécution criblé de balles. Cette sculpture capture non seulement l'essence de la conscience de soi et de la vulnérabilité, mais y ajoute une dimension brute grâce à sa matérialité et aux éléments dessinés à la main, uniques à chaque pièce. Détails ornés à la main et thèmes emblématiques Cette figurine Target, mesurant 16,5 x 26,7 cm, est neuve et présentée dans sa boîte d'origine. Elle est fournie avec des accessoires amovibles : un pinceau et un pot de peinture. Son emballage moulé imite le mur de pierre en arrière-plan du tableau original. Ce qui distingue cette édition SDCC 2012 des autres figurines Target, c'est l'ornement dessiné à la main au dos. Dans cette version HPM, Luke Chueh a dessiné un ours couronné et sa signature sur le mur de tir, jouant sur l'emplacement des impacts de balles pour accentuer le sentiment de mortalité et la dimension critique. Certaines versions ajoutent des phrases comme « tirer pour tuer », renforçant ainsi le sentiment de danger et offrant un commentaire social percutant. La cible rouge sur la poitrine de l'ours, peinte à la main pour un effet de fraîcheur, contraste fortement avec la destruction environnante. L'héritage de l'art urbain pop et du graffiti de Luke Chueh Luke Chueh, artiste de rue et graffeur basé à Los Angeles, s'est forgé une réputation grâce à ses figures minimalistes et à ses ours iconiques, qu'il utilise pour explorer des thèmes profondément psychologiques. Son œuvre fusionne le surréalisme pop avec l'esthétique urbaine et puise largement dans son vécu. Souvent réalisées dans des tons sourds, les figures de Chueh servent de vecteur à l'exploration de l'aliénation, de la dépression et de l'autodestruction. Dans l'édition Target Red HPM SDCC, il concentre toute la puissance de ces émotions dans un instant de vulnérabilité performative : son ours choisit de se condamner à la destruction, adossé à un mur déjà marqué par l'histoire. L'humour, la noirceur et une iconographie enfantine invitent le public à une confrontation désarmante avec des vérités profondes. Collectionnabilité et commentaire culturel Limitée à seulement 250 exemplaires, dont une sélection exclusive arbore des détails originaux dessinés à la main, la figurine Target Red HPM SDCC demeure une pièce de collection incontournable pour les amateurs de street art et de graffiti. Chaque sculpture capture un instant figé mais chargé d'émotion, reflétant des critiques culturelles plus larges sur la violence, les pressions sociales et l'identité à l'ère de l'hyper-visibilité. Sa présentation au Comic-Con de San Diego témoigne des racines de Chueh dans la culture pop et de sa capacité à la subvertir de l'intérieur. Cette édition symbolise non seulement la convergence entre la culture des jouets d'art et les beaux-arts, mais elle confirme également la place de Luke Chueh parmi les artistes les plus conceptuels du design de jouets et de l'art narratif contemporain.

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Estampe d'archive Outlook Not So Good de Luke Chueh, édition limitée sur format MEDIUM, art moderne de graffiti pop et d'artiste de rue. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 75 exemplaires, 2025. Dimensions de l'œuvre : 18 x 22 pouces. Pigments d'archivage. Reproduction d'art d'un ours blanc regardant une boule magique 8. Mélancolie du pop art urbain à travers des icônes minimalistes « Outlook Not So Good » de Luke Chueh est un exemple magistral d'art urbain contemporain, mêlant pop art et graffiti. Cette œuvre, à la fois profondément personnelle et universellement parlant, est imprimée en édition limitée à 75 exemplaires, signés et numérotés, en 2025. Ce tirage d'art pigmentaire de qualité archive mesure 45,7 x 55,9 cm. Il représente l'emblématique ours blanc de Chueh, penché sur une boule magique noire, tandis que la phrase « Outlook Not So Good » (Perspectives insatiables) apparaît en lettres blanches éclatantes au-dessus de lui. Le personnage, impassible, tient la boule comme en quête de clarté ou de résolution, mais se heurte à l'incertitude – une métaphore artistique saisie avec une élégante précision. Style et symbolisme de Luke Chueh Luke Chueh, peintre installé à Los Angeles, aux États-Unis, est reconnu pour son talent à mêler souffrance personnelle et simplicité visuelle propre à la culture pop. Son œuvre combine l'esthétique de figures douces et expressives, presque caricaturales, à une profondeur psychologique brute. L'ours blanc est devenu sa signature : un être au visage inexpressif, souvent représenté dans des scènes chargées d'émotion ou surréalistes. L'utilisation de la boule magique, objet de consommation courant associé au hasard et au destin, ajoute à son travail une dimension iconographique culturelle qui fait écho à l'incertitude et à l'introspection contemporaines. Le contraste saisissant entre le fond bleu profond et les tons désaturés de l'ours et de la boule noire souligne la gravité émotionnelle de l'œuvre. Placement contextuel dans le pop art urbain moderne Alors que le Street Pop Art continue d'évoluer, des artistes comme Luke Chueh jouent un rôle crucial en repoussant ses limites émotionnelles. Tandis que nombre d'œuvres du genre privilégient la rébellion ouverte, la satire ou un chaos vibrant, l'esthétique de Chueh embrasse le calme, la vulnérabilité et une honnêteté psychologique. « Outlook Not So Good » rejoint le panthéon des œuvres visuelles percutantes qui, par la simplicité et la métaphore, expriment un sentiment générationnel d'aliénation, de frustration ou de contemplation existentielle. Le style de Chueh s'intègre avec aisance aussi bien aux murs des galeries qu'à la culture urbaine, fusionnant harmonieusement beaux-arts et expression urbaine. L'estampe fait écho à la tension entre lutte intérieure et immobilité extérieure – des caractéristiques présentes dans certaines des œuvres de graffiti et post-pop les plus emblématiques des vingt dernières années. Support, format et pertinence pour les collectionneurs Imprimée sur papier pigmenté de qualité archive, cette édition offre une fidélité et une longévité dignes d'un musée. La richesse des tons, alliée aux dégradés subtils qui caractérisent les coups de pinceau réalisés à la main par Chueh, est parfaitement préservée. Son format 45,7 x 55,9 cm lui confère une présence murale affirmée sans être imposante, la rendant idéale pour les collections privées axées sur l'art urbain, le pop art contemporain et le minimalisme émotionnel. Tirée à seulement 75 exemplaires signés, elle revêt une valeur considérable pour les collectionneurs, notamment les amateurs de l'œuvre de Chueh et de l'iconographie émotionnelle du graffiti moderne. « Outlook Not So Good » s'impose comme une contribution majeure au Street Pop Art et au graffiti, reflétant les tourments intérieurs que beaucoup traversent derrière des visages impassibles et des symboles familiers. La capacité de Luke Chueh à extraire l'émotion d'une composition minimaliste donne une fois de plus naissance à une œuvre intemporelle à l'impact durable.

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Achetez BEARBRICK BE @ RBRICK Édition limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Figurine d'art à collectionner. 2022 Bearbrick Medicom Collectible Taille 400% ICI

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Là où les séquoias rencontrent la mer, tirage d'art en édition limitée AP Archival Pigment Fine Edition sur papier Signa Smooth 300 g/m² par l'artiste Amy Sol, légende du street art pop graffiti. Épreuve d'artiste AP 2021 Signée et numérotée 19,5 x 19,5 cm Édition limitée à 35 exemplaires Là où les séquoias rencontrent la mer : une épreuve d'artiste en édition limitée d'Amy Sol « Là où les séquoias rencontrent la mer » est une œuvre saisissante d'Amy Sol, artiste reconnue pour sa contribution unique au Street Pop Art et son talent pour fusionner la beauté de la nature avec la présence sereine et contemplative de ses sujets. Créée en 2021 comme épreuve d'artiste, cette œuvre capture l'instant magique où les séquoias géants rencontrent les douces vagues de la mer. Tirée à seulement 35 exemplaires, chacun signé et numéroté par Sol elle-même, cette édition limitée confère à cette pièce une valeur inestimable en tant qu'objet de collection dans le domaine de l'art contemporain et de l'inspiration graffiti. Imprimée sur papier Signa Smooth 300 g/m², elle offre une grande fidélité des couleurs et une texture remarquable, donnant vie à la composition sereine d'Amy Sol. L'exploration artistique de la nature et de la solitude par Amy Sol Le style d'Amy Sol est profondément ancré dans une imagerie douce et naturaliste, mêlant souvent des éléments naturels à des figures humaines contemplatives. Dans « Là où les séquoias rencontrent la mer », son art transporte le spectateur dans une scène forestière sereine où l'immensité des séquoias contraste avec la délicatesse d'une silhouette solitaire, debout à la lisière de la forêt, le regard tourné vers l'eau. Ses tons pastel feutrés et ses ombres délicates confèrent à la scène une atmosphère onirique, permettant au spectateur de ressentir le calme et l'isolement qui s'en dégagent. Les ombres de créatures ressemblant à des ours, projetées entre les arbres, ajoutent une dimension intrigante à la composition, suggérant une harmonie tacite entre la présence humaine et la faune sauvage. Cette scène paisible illustre la capacité d'Amy Sol à transmettre des émotions et des récits par la subtilité des détails et de la composition. En inscrivant la figure féminine dans l'immensité du paysage d'arbres et d'eau, Sol explore les thèmes de la solitude et de la contemplation, soulignant le lien profond qui unit l'individu au monde naturel. Son approche caractéristique, qui consiste à combiner des couleurs douces à des détails complexes, invite le spectateur à explorer la profondeur et l'harmonie de la scène, offrant un moment d'introspection et de paix. Le pop art urbain et l'influence des graffitis Bien que l'œuvre d'Amy Sol ne présente pas d'emblée les visuels audacieux du graffiti traditionnel, son intégration des principes du Street Pop Art est manifeste dans la manière dont elle propose ses créations sous forme d'estampes de collection en édition limitée. Le Street Pop Art, mouvement qui fusionne l'accessibilité de la culture pop et l'expressivité brute du street art, s'accorde parfaitement avec la démarche de Sol, qui consiste à produire des éditions limitées, à l'instar de cette épreuve d'artiste. Cette approche préserve l'exclusivité et la valeur de chaque pièce, à l'image des œuvres éphémères et symboliques que les graffeurs créent souvent. « Where Redwoods Meet the Sea » de Sol incarne cette philosophie, offrant une œuvre à la fois accessible à tous et précieuse pour les collectionneurs. Le recours aux éditions limitées permet à l'œuvre d'Amy Sol de se situer à la croisée des beaux-arts et du street art, séduisant ainsi les collectionneurs d'art traditionnel comme les amateurs d'art urbain. Son choix de ne produire que 35 épreuves d'artiste pour cette œuvre confère à chaque tirage une rareté particulière, reflétant la nature éphémère du street art et le désir de saisir l'instant. Cette pratique moderne, propre au Street Pop Art, en accroît la valeur et en fait une pièce de choix pour les amateurs d'art contemporain imprégné d'esthétique urbaine. La valeur de collection du lieu où les séquoias rencontrent la mer En tant qu'épreuve d'artiste en édition limitée, « Là où les séquoias rencontrent la mer » acquiert une valeur particulière, notamment auprès des collectionneurs en quête d'œuvres uniques, signées directement par l'artiste. Chaque tirage, réalisé sur un papier Signa Smooth 300 g/m² de haute qualité, garantit la longévité et la richesse des détails de la scène imaginée par Sol. Ce type de papier sublime les subtiles transitions de couleurs, permettant au spectateur d'apprécier chaque nuance de ce paysage paisible. Ses dimensions de 49,5 x 49,5 cm (19,5 x 19,5 pouces) lui confèrent une grande polyvalence et lui permettent de s'intégrer harmonieusement à tous les intérieurs, apportant une présence à la fois discrète et marquante à toute collection. « Là où les séquoias rencontrent la mer » d'Amy Sol est bien plus qu'une simple estampe : c'est une réflexion intime sur la solitude, la nature et le mouvement de l'art moderne. Le mariage réussi du pop art urbain et d'éléments naturalistes par Amy Sol offre aux collectionneurs une œuvre contemporaine d'une grande profondeur émotionnelle et d'une qualité artistique indéniable. Chaque épreuve d'artiste en édition limitée témoigne de son talent pour créer des œuvres aussi captivantes visuellement que significatives, offrant un espace où les spectateurs peuvent renouer avec la nature et explorer la sérénité de son art.

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Estampe d'art en édition limitée Thaw Archival Pigment sur papier photo chiffon ultra lisse par l'artiste Josh Keyes. 2017. Tirage signé, format 20 x 14 pouces, édition limitée à 175 exemplaires. Imprimé sur papier d'archivage pressé à chaud, signé et numéroté.

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Protégez ce que vous aimez. Sculpture en polyrésine en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste Dulk-Antonio Segura Donat. 2022 « PROTÉGEZ CE QUE VOUS AIMEZ » 20 cm / 15 cm (H/L) Édition limitée à 50 exemplaires. Résine. Certificat d'authenticité numéroté et signé par Dulk - Antonio Segura Donat. Présenté dans un coffret en bois. « Protégez ce que vous aimez », la dernière création d'Antonio Segura Donat (Dulk). Coffret scellé, jamais ouvert ; à manipuler avec précaution, l'œuvre étant fragile. Protégez ce que vous aimez par Dulk : Allégorie sculpturale dans l'art urbain pop et le graffiti « Protect What You Love » est une sculpture en polyrésine en édition limitée, créée en 2022 par l'artiste de rue et visionnaire espagnol Antonio Segura Donat, alias Dulk. Mesurant 20 cm de haut et 15 cm de large, cette édition collector de 50 exemplaires est signée et numérotée à la main, et présentée dans un coffret en bois avec un certificat d'authenticité. La sculpture est une représentation onirique et très détaillée de l'un des thèmes visuels les plus récurrents de Dulk : notre relation à l'environnement, la fragilité de la nature et le devoir sacré de la protéger. Elle capture l'esprit du street art et du graffiti grâce à un symbolisme audacieux, une narration surréaliste et une forme sculpturale vibrante. La pièce maîtresse de la sculpture est un ours polaire vêtu comme un nomade, sa fourrure semblant fondre comme de la cire, reposant sur un socle en forme de glace translucide. Sur son dos se dresse un assemblage fantastique d'objets : un grand arbre tortueux jaillissant d'un pot en céramique peinte, un oiseau rouge, tel un phénix, perché à mi-hauteur, des tissus tissés et des bibelots comme des sabliers et des cornes. Dulk mêle éléments naturels et artificiels avec une précision quasi rituelle. L'ours porte des lanières ornementales aux motifs rappelant les textiles indigènes, et ses cornes, semblables à des bois de cerf, ainsi que la flamme d'une bougie sur sa tête, symbolisent la conscience et le devoir sacré. Chaque élément semble avoir été placé intentionnellement, fonctionnant comme une métaphore de la responsabilité, de la culture et de la biodiversité. Symbolisme et urgence environnementale dans l'œuvre sculpturale de Dulk « Protect What You Love » incarne la fusion unique, propre à Dulk, entre plaidoyer environnemental et créativité formelle. L'ours, symbole traditionnel de force et d'endurance, est ici présenté comme accablé et déterminé. Il porte sur son dos un microcosme du monde – arbres, objets et animaux – suggérant l'interdépendance du vivant et notre responsabilité de protéger les écosystèmes fragiles. Le titre de l'œuvre n'est pas qu'un simple ornement : il en constitue le fil conducteur. Le langage visuel employé par Dulk se transpose directement de ses grandes fresques murales à ce format intimiste et tactile, démontrant l'adaptabilité de son style narratif au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'ours en fusion évoque la réalité du changement climatique et de l'érosion des habitats, tandis que les accessoires détaillés font office de totems culturels et écologiques. Dulk est connu pour son recours à l'allégorie afin de susciter une connexion émotionnelle, et cette œuvre s'inscrit dans cette tradition. La richesse des détails invite à une observation attentive, à l'instar des récits denses propres à l'art mural urbain. Ce qui peut paraître fantaisiste au premier abord se révèle rapidement urgent et émouvant, une caractéristique de l'approche de Dulk. L'objet d'art comme récit de conservation et mythe urbain Le matériau polyrésine permet une fidélité remarquable dans les détails sculpturaux, de la texture de la fourrure de l'ours aux motifs gravés du pot en céramique et aux franges du tissu. Chaque élément revêt une importance symbolique, convergeant vers une sculpture qui se lit comme un sanctuaire mobile dédié à la résilience de la nature. En intégrant des formes surréalistes et des motifs décoratifs traditionnels, Dulk inscrit cette œuvre dans la philosophie du Street Pop Art et du graffiti, où les symboles se muent en artefacts culturels et où le commentaire s'intègre au style. Soigneusement emballée dans un coffret en bois, cette édition confirme son statut d'œuvre d'art de collection et d'offrande spirituelle. La consigne d'ouvrir le coffret avec précaution souligne non seulement la fragilité physique de la sculpture, mais constitue également une reconnaissance poétique de sa fragilité thématique : le monde qu'elle représente est réel, délicat et nécessite toute notre attention. Le choix judicieux des couleurs, de la structure et de la composition confère à la sculpture une fonction non seulement décorative, mais aussi narrative. L'influence grandissante de Dulk dans la narration pop urbaine contemporaine Antonio Segura Donat continue de tisser des liens entre conscience écologique et poésie visuelle à travers son œuvre artistique protéiforme. Des fresques murales monumentales à travers l'Europe et l'Amérique du Nord aux sculptures d'art contemporain telles que « Protect What You Love », son travail place toujours la nature au centre, objet de vénération et de défense. Cette œuvre incarne l'équilibre entre rêverie et réalisme qui caractérise sa narration visuelle. Dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, cette sculpture devient un monument mobile, porteur de sens au-delà de ses dimensions. « Protect What You Love » se dresse comme un rappel sculptural de l'interdépendance, de la responsabilité sacrée et du pouvoir discret du mythe visuel. Dulk transforme le fantastique en fonctionnel, invitant le public à s'engager non seulement par la pensée, mais aussi par la présence, la collection et la contemplation. Il ne s'agit pas seulement d'art, mais d'un appel à agir par admiration.

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Muhammad Ali Andy Warhol 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, objets de collection urbains Andy Warhol et Medicom Toy collaborent à nouveau pour le Bearbrick Muhammad Ali. Ce Bearbrick est orné d'une impression à l'eau intégrale, rendant chaque pièce unique.

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Jackson Pollock Studio - Splash 100% 400% BE@RBRICK Figurine d'art en vinyle édition limitée, objet de collection urbain Bearbrick et le peintre Jackson Pollock ont ​​collaboré pour créer une collection unique de Bearbricks de différentes tailles. Le coffret Bearbrick Jackson Pollock Studio (Splash) 100 % et 400 % contient deux Bearbricks, l'un en version 100 % et l'autre en version 400 %. Ces figurines présentent des éclaboussures de peinture minutieusement disposées sur un Bearbrick entièrement blanc.

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XLARGE x D*Face - Noir 100 % et 400 % BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle édition limitée, figurines de collection urbaines 2020 D Face Xlarge Bearbrick Medicom Toy Be@rbrick 400% 100%

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Sérigraphie artisanale 10 couleurs « Mother » sur papier Tauro Sappi 300 g/m² par l'artiste pop graffiti Flying Fortress. Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Format : 27,5 x 19,5 pouces. Légère bosse sur la marge extrême gauche

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Coussin ABC Camo Be@r - Oreiller en tissu bleu en édition limitée, objet d'art Be@rbrick de collection, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Bape - A Bathing Ape. 2021 Bleu Neuf avec étiquettes

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Dextroamphétamine Black Beauty The Prisoner Bear Art Toy par Luke Chueh, œuvre d'art en vinyle en édition limitée d'un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017 à 500 exemplaires, accompagnée d'un emballage en coton, d'un sac et d'un tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) est un problème de santé mentale qui peut se développer après avoir vécu ou été témoin d'un événement potentiellement mortel tel qu'un combat, une catastrophe naturelle, un accident de voiture ou une agression sexuelle. Par ailleurs, la dépendance aux médicaments sur ordonnance comme le Percocet a engendré de nombreux problèmes d'addiction. Dextroamphétamine Black Beauty Le Prisonnier de Luke Chueh : Une sombre réflexion sur la dépendance dans l’art urbain pop et le graffiti « Dextroamphétamine Black Beauty The Prisoner » est une figurine d'art en vinyle en édition limitée, créée par l'artiste Luke Chueh en 2017. Tirée à 500 exemplaires, cette figurine fait partie de la série « Prisoner », qui transpose la puissante peinture de Chueh en une sculpture tridimensionnelle. Chaque exemplaire est accompagné d'un sac doublé de coton et emballé dans un tube orange, façon ordonnance, orné d'une étiquette pharmaceutique fictive. Cette version particulière, intitulée « Black Beauties », fait référence à l'expression argotique désignant les médicaments stimulants comme la dextroamphétamine, autrefois utilisés pour traiter le TDAH et la narcolepsie, mais aussi largement détournés de leur usage initial pour leurs effets euphorisants et énergisants. La figurine représente l'ours emblématique de Chueh, assis, les bras enlacés autour de ses pattes, le corps affaissé dans une posture de désespoir silencieux. Dans cette version en vinyle noir, le personnage devient encore plus sombre et obsédant, amplifiant les thèmes sous-jacents de captivité émotionnelle et de dépendance aux substances synthétiques présents dans l'œuvre. La couleur comme poids psychologique et symbolisme La couleur noire de cette figurine, associée à l'inscription « Black Beauties » sur l'étiquette, suscite une réaction émotionnelle directe liée à l'obscurité, à l'isolement et à l'intensité. Si les versions précédentes du Prisonnier utilisaient la couleur pour représenter l'engourdissement ou la sédation, cette édition intensifie la métaphore en embrassant les codes visuels de la détresse intériorisée. La figurine, enfermée dans son tube de pharmacie orange transparent, apparaît comme un état émotionnel piégé, incapable de s'exprimer ou de bouger. Ses yeux sont réduits à de petits points blancs vides qui contrastent avec le corps noir mat, lui conférant une apparence fantomatique et repliée sur elle-même. Cette contradiction visuelle, entre la forme adorable et sa forte charge émotionnelle, est une caractéristique de la contribution de Luke Chueh au Street Pop Art et au graffiti. Le jouet devient un lieu de tension, où l'esthétique de la culture des objets de collection rencontre les réalités émotionnelles de la santé mentale, de la dépendance et de la pression sociale. L'expression de la douleur par Luke Chueh à travers le minimalisme du vinyle Luke Chueh, artiste basé à Los Angeles, s'est imposé sur la scène du street art et du pop art grâce à ses personnages à la fois profondément personnels et accessibles. Son art reflète la douleur silencieuse que beaucoup ressentent en secret, donnant forme à des états d'âme souvent indicibles. La série « Prisoner », et plus particulièrement cette édition « Black Beauty », explore la manière dont les traumatismes et le syndrome de stress post-traumatique sont traités médicalement, et comment la dépendance aux substances – qu'il s'agisse de stimulants, d'opioïdes ou autres – peut devenir une forme d'enfermement. Les ours en vinyle de Chueh ne sont pas de simples symboles émotionnels ; ils témoignent visuellement de la fragilité humaine, rendus avec un minimalisme saisissant et une posture puissante. Son travail réintègre l'art du jouet dans le cadre du street art, du pop art et du graffiti, démontrant que de petites sculptures, de la taille d'une main, peuvent avoir autant de force expressive que de grandes fresques ou installations. La série des prisonniers et le langage des médicaments comme objet d'art « Dextroamphétamine Black Beauty The Prisoner » transforme la culture pharmaceutique en une forme d'art tactile qui, tout en la documentant, la critique. L'emballage imite de véritables flacons de médicaments, avec de fausses instructions et des informations de contact, renforçant l'idée que cet objet n'est pas extérieur au discours médical de la société, mais qu'il en fait partie intégrante. Ce mode de présentation ajoute de la profondeur et renforce l'intégrité conceptuelle de l'œuvre. Limitée à 500 exemplaires, chaque figurine devient un commentaire de collection sur les réalités des traitements chimiques modernes, les attentes sociales et la souffrance indicible. Au sein du mouvement plus large du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre confirme la position de Luke Chueh comme un artiste qui utilise la douceur pour explorer la violence et qui donne un langage sculptural aux conditions émotionnelles et pharmaceutiques de la vie contemporaine. L'ours reste immobile, mais son silence est assourdissant.

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Gold Leaf Awesome Bear Hug Life, pièce unique faite main et signée, en vinyle, œuvre d'art de collection créée par l'artiste de graffiti de rue Philip Lumbang. Figurine en vinyle « Awesome Bear Hug Life » (2013), ornée de feuilles d'or appliquées à la main. Signée et vendue avec sa boîte. Hauteur : 15 cm. Sculptée par Walter « Chauskoskis » Jacott et produite par Dragatomi. Quelques points précis sont dépourvus de feuilles d'or ; cet effet est voulu par l'artiste.

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Oxycontin The Prisoner Drug Bear Art Toy par Luke Chueh, œuvre d'art en vinyle en édition limitée, réalisée par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017 à 300 exemplaires, accompagnée d'un emballage en coton, d'un sac et d'un tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) est un problème de santé mentale qui peut se développer après avoir vécu ou été témoin d'un événement potentiellement mortel tel qu'un combat, une catastrophe naturelle, un accident de voiture ou une agression sexuelle. Par ailleurs, la dépendance aux médicaments sur ordonnance comme le Percocet a engendré de nombreux problèmes d'addiction. Oxycontin, l'ours prisonnier de la drogue, par Luke Chueh : sculpter le poids de la dépendance dans l'art urbain pop et le graffiti. « Oxycontin The Prisoner » est une figurine en vinyle en édition limitée, créée en 2017 par l'artiste Luke Chueh, basé à Los Angeles. Tirée à 300 exemplaires, chaque figurine est présentée dans un tube rappelant un flacon de pilules, orné d'une étiquette personnalisée, rembourré de coton et accompagné d'un sachet. Cette pièce appartient à la série « The Prisoner » de Chueh, une œuvre à la fois poignante et conceptuellement provocatrice qui explore la captivité psychologique et chimique engendrée par les traumatismes et la dépendance aux médicaments. La figurine, assise, les bras enlacés autour des genoux fléchis et la tête inclinée en signe de reddition, est réalisée en vinyle rose pâle, une teinte volontairement vulnérable évoquant la fragilité et l'exposition. Cette édition arbore la marque pharmaceutique de l'Oxycontin, l'un des analgésiques les plus controversés, associé à la fois au soulagement et à la dépendance. S'inscrivant dans le champ visuel du street art et du graffiti, cette œuvre constitue une protestation sculpturale contre la médicalisation de la santé mentale et la marchandisation du confort. Captivité pharmaceutique encapsulée dans un design minimaliste L'utilisation du flacon de pilules comme emballage et point d'ancrage contextuel est essentielle à la portée conceptuelle d'Oxycontin, le prisonnier. Plus qu'un simple élément décoratif, il fait office de cellule métaphorique. Le flacon en plastique orange, objet familier des armoires à pharmacie américaines, devient une prison de souffrance sourde. La silhouette d'ours à l'intérieur, aux tons doux mais à la posture rigide, exhale une angoisse et une immobilité silencieuses. Ses traits simplifiés font partie intégrante du style visuel caractéristique de Luke Chueh : épuré, anthropomorphique et chargé d'émotion. Cette approche minimaliste permet aux spectateurs de projeter leurs propres expériences et réactions émotionnelles sur le personnage, qu'il s'agisse d'isolement, d'anxiété, d'engourdissement ou de résignation. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre se réapproprie l'iconographie de la consommation et la transforme en un manifeste sur les luttes liées à la santé mentale, tant individuelles que collectives. Luke Chueh et la voix de la vulnérabilité émotionnelle dans l'art contemporain Luke Chueh, artiste américain de naissance et de résidence, s'est imposé comme une figure majeure de la culture du vinyle et du récit visuel émotionnel. Son œuvre utilise systématiquement des personnages – notamment son ours emblématique – comme symboles d'un réalisme psychologique masqué par l'iconographie pop. « Oxycontin The Prisoner » approfondit cette approche en faisant explicitement référence à l'épidémie d'addiction aux opioïdes et au recours aux solutions pharmacologiques pour traiter des troubles mentaux tels que le syndrome de stress post-traumatique, la dépression et l'anxiété chronique. L'œuvre de Chueh ne cherche pas à apporter de solution ; elle offre plutôt une prise de conscience. L'ours n'est pas représenté dans une posture de résistance ou d'espoir, mais dans l'immobilité, reflétant la sédation physique et émotionnelle souvent ressentie par les personnes dépendantes de médicaments comme l'Oxycontin. Son utilisation de la sculpture au sein du Street Pop Art et du graffiti élargit le potentiel de cette catégorie en y intégrant des récits introspectifs, sincères et à forte charge thérapeutique. Une œuvre de collection témoignant de la douleur et de la prise de conscience à travers le street art pop et le graffiti. Oxycontin The Prisoner n'est pas qu'un simple jouet ou une figurine de collection : c'est une œuvre contemporaine qui témoigne d'une époque de souffrance psychologique généralisée et de la réaction de la société face à celle-ci. En associant un vinyle de collection à des références pharmaceutiques bien réelles, Luke Chueh révèle la fragilité qui se cache souvent derrière un soulagement artificiel. L'emballage, dont les détails rappellent les informations d'une ordonnance, renforce le contrôle institutionnel exercé sur les soins de santé mentale. Tirée à seulement 300 exemplaires, cette édition est très recherchée, non seulement pour sa rareté, mais aussi pour son rôle dans l'exploration de thèmes importants à travers une œuvre d'art tangible et expressive. Au sein de la série The Prisoner, elle confirme la place de Luke Chueh dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti, en tant que conteur de l'expérience humaine intérieure, exprimée par la forme, la posture et le silence.

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