Oiseau

Estampe d'archives Magnus Maximus de Joe Ledbetter, édition limitée sur papier d'art Epson Ultra Smooth, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street art. Estampe signée et numérotée de 2010, édition limitée à 50 exemplaires, format 18 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archives. Estampe d'archive Magnus Maximus par Joe Ledbetter – Édition limitée d'œuvre d'art pop et graffiti urbain Joe Ledbetter, figure emblématique du Street Pop Art et du graffiti, présente Magnus Maximus, une saisissante estampe d'art de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) sur papier Epson Ultra Smooth Fine Art. Sortie en 2010 en édition limitée numérotée et signée à 50 exemplaires, cette œuvre illustre la fusion caractéristique de Ledbetter entre un design de personnage inspiré des dessins animés, une narration surréaliste et un symbolisme complexe. La composition mêle fantasy, mythologie et culture vidéoludique, le tout enveloppé dans une esthétique stylisée unique qui rend son travail immédiatement reconnaissable. La figure centrale de Magnus Maximus apparaît comme une créature anthropomorphe ailée au regard déterminé, brandissant une épée dentelée aux allures de flamme. Autour de ce personnage se déploie un cadre ornemental composé d'éléments dorés tourbillonnants, évoquant l'héraldique médiévale ou les fioritures baroques. Au-dessus, un nuage d'orage traversé d'éclairs renferme un cœur brisé et bandé, renforçant les thèmes de la lutte, de la résilience et du tourment émotionnel. En contrebas, trois crânes évoquent des batailles passées, symbolisant à la fois la victoire et le prix de l'ambition. La composition, à la fois dynamique et équilibrée, plonge le spectateur dans un récit visuel complexe, riche en profondeur et en significations multiples. L'influence de Joe Ledbetter sur le street art, le pop art et le graffiti Joe Ledbetter s'est imposé dans le monde du street art et du graffiti grâce à son talent pour fusionner l'esthétique épurée de l'animation avec des thèmes tels que la lutte, la transformation et la mythologie personnelle. Son art puise ses influences dans un large éventail de sources, allant des bandes dessinées vintage à la culture graffiti en passant par les figurines en vinyle de collection, créant ainsi une œuvre à la fois ludique et profondément évocatrice. L'utilisation de contours marqués et de techniques d'ombrage précises confère à ses créations une netteté quasi tridimensionnelle, les rendant idéales pour les fresques murales de grande envergure comme pour les tirages en édition limitée. Le talent de conteur de Ledbetter est une caractéristique essentielle de son travail : il intègre souvent ses personnages dans des scènes qui s'apparentent à des instantanés de récits plus vastes. Ses créatures, bien que stylisées et proches du dessin animé, expriment des émotions humaines et des questionnements existentiels, les rendant profondément humaines. Cette combinaison d'humour et de thèmes plus sombres permet à son œuvre de toucher aussi bien le grand public que les collectionneurs de street art et de pop art contemporain. Magnus Maximus témoigne de cette philosophie artistique, mêlant ambition héroïque, introspection et un sens de l'aventure surréaliste. Magnus Maximus – Un récit visuel de force et de lutte Magnus Maximus est une œuvre d'art riche en symbolisme allégorique, où chaque élément contribue à une histoire plus vaste de persévérance, de conflit intérieur et de quête de grandeur. La figure ailée au centre représente le guerrier archétypal, aspirant à un but invisible, accablé par les blessures du passé, symbolisées par le cœur brisé dans le nuage d'orage. Les filigranes dorés qui l'entourent ajoutent une touche de noblesse et de tradition, renforçant l'idée d'un voyage épique. L'intégration de motifs inspirés des jeux vidéo et de la fantasy, comme l'orbe verte en forme de champignon flottant à gauche, fait écho aux thèmes de renaissance et de seconde chance propres à la culture vidéoludique. Le contraste entre le corps usé et rapiécé de la créature et sa posture déterminée suggère la résilience face à l'adversité. L'épée dentelée et les flammes jaillissantes introduisent une impression de mouvement et de danger, insufflant à l'œuvre une tension palpable. Le style caractéristique de Ledbetter, fait de contours nets, de contrastes élevés et de palettes de couleurs soigneusement contrôlées, amplifie l'impact de l'œuvre, garantissant que chaque détail contribue au récit. L'influence durable de Magnus Maximus sur l'art contemporain Magnus Maximus demeure une œuvre phare de la collection de Joe Ledbetter, incarnant son approche unique du street art et du graffiti. En mêlant des éléments narratifs classiques à l'esthétique moderne du street art et du pop art, l'œuvre interpelle un public aux horizons culturels et aux sensibilités artistiques variés. Les thèmes de la persévérance, du combat intérieur et du poids de l'histoire qui la traversent en font une réflexion profonde sur la condition humaine, présentée dans un langage visuel à la fois accessible et d'une grande complexité. Comme nombre d'œuvres de Ledbetter, Magnus Maximus résonne non seulement comme une composition visuellement saisissante, mais aussi comme une représentation symbolique des luttes intérieures et de l'évolution personnelle. Qu'on l'apprécie pour son raffinement esthétique ou pour la richesse de sa narration, cette œuvre continue d'inspirer et de toucher les spectateurs. Son appartenance au street art et au graffiti lui assure une place de choix dans les débats sur la culture visuelle contemporaine, prouvant que l'art peut être simultanément ludique, puissant et profond. Grâce à un savoir-faire méticuleux et à une voix artistique singulière, Ledbetter continue de repousser les limites de ce que peuvent accomplir le pop art et le street art modernes.

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Dessin original à l'encre « Cœur et Âme » sur papier artisanal du sud de l'Inde de 320 g/m² par l'artiste pop art moderne Mark Powell. Dessin signé au stylo bille, réalisé en 2021 sur papier artisanal du sud de l'Inde de 320 g/m². Dimensions : 62 cm x 43 cm. Sans cadre. Le dessin est protégé par un vernis mat anti-UV de qualité archivistique. 16,9 x 24,4 Mark Powell – L'âme et le cœur dans l'art urbain pop et graffiti « Heart and Soul », une œuvre saisissante de l'artiste britannique Mark Powell, est un dessin original à l'encre réalisé en 2021 sur un papier artisanal du sud de l'Inde de 320 g/m². Mesurant 62 x 43 cm, cette pièce représente un lièvre et un faisan morts, rendus avec une grande minutie, suspendus la tête en bas par une ficelle. La composition évoque instantanément la nature morte classique, tout en vibrant d'une dimension contemporaine. Entièrement dessiné au stylo à bille et protégé par un vernis anti-UV de qualité archive, le dessin de Powell élève ce médium modeste au rang d'outil d'une clarté expressive exceptionnelle. Bien que dépourvue de couleur et de marques de graffiti apparentes, l'œuvre s'inscrit pleinement dans la lignée du Street Pop Art et du graffiti par son souci du détail subversif, son interrogation sur la mortalité et son engagement envers une excellence technique alliée à une profondeur conceptuelle. Si Powell est connu pour utiliser du papier de récupération, des documents anciens et des matériaux vieillis dans sa pratique artistique, il a opté pour un papier artisanal pur dans « Heart and Soul », tout en conservant la spontanéité et l'imperfection de sa texture. Le sujet s'inspire de la tradition des vanités et du memento mori, tout en faisant référence au langage courant de la culture sportive, ce qui remet en question toute sentimentalité. Cette honnêteté visuelle – qui montre la mort avec beauté mais sans spectacle – est un geste qui résonne profondément avec l'esprit de l'art urbain et de l'art pop. C'est une confrontation avec la finitude, avec l'héritage et avec la consommation. Le stylo à bille comme outil de dissidence et de précision Ce qui distingue Powell des dessinateurs traditionnels, c'est son utilisation non conventionnelle du stylo à bille – un outil plus souvent associé aux gribouillages d'écolier ou aux cahiers d'ouvriers qu'à l'art contemporain. Dans le contexte du street art et du graffiti, ce choix fait écho à l'utilisation des bombes aérosol ou des marqueurs permanents : démocratique, accessible et sans prétention. Chaque plume, chaque poil, chaque ombre de « Heart and Soul » est exécuté avec une précision chirurgicale grâce à cet outil commun, le sublimant en quelque chose de sacré. Telles une inscription gravée sur une porte de métro ou un graffiti sur un mur de briques délabré, les marques de Powell affirment la permanence face à la fragilité. L'imagerie est à la fois nette et saisissante : des animaux autrefois vivants sont désormais suspendus, immobiles. La tension verticale des cordes qui les retiennent reflète les thèmes du contrôle et de l'impuissance, établissant un parallèle subtil avec la manière dont les corps – dans la vie comme dans l'art – sont souvent manipulés, mis en scène et consommés. Ces références symboliques s'inscrivent dans les mouvements artistiques urbains qui cherchent à exposer les systèmes cachés sous-jacents à la culture, que ce soit par l'abstraction, le réalisme ou l'intervention textuelle. Nature morte contemporaine dans la rue, récit pop art La nature morte servait traditionnellement à illustrer l'abondance, la fragilité et la beauté éphémère. Sous le pinceau de Powell, cette tradition est bouleversée, rendue brute. La représentation minutieuse des animaux n'est pas un hommage romantique, mais une méditation sur l'immobilité, la perte et ce que signifie s'accrocher à quelque chose après sa disparition. En choisissant un sujet souvent glorifié dans la culture sportive des classes aisées et en le présentant sans emphase ni glorification, Powell se réapproprie le récit. Cette réappropriation fait écho aux objectifs de nombreux artistes de rue qui remettent en question les histoires visuelles dominantes en y insufflant des perspectives alternatives. Il y a un radicalisme discret dans « Heart and Soul » : un refus de décorer ou de diluer. L'honnêteté de la composition, la densité du médium et le choix du papier s'unissent pour créer une œuvre d'art qui relève autant du processus et du matériau que du sens. Cette approche reflète la valeur fondamentale du Street Pop Art et du Graffiti : la beauté, la rébellion et la réflexion peuvent émerger des matériaux les plus simples, lorsqu'ils sont travaillés avec vision. La place de Mark Powell dans le dessin pop moderne Bien qu'il ne soit pas un graffeur au sens traditionnel du terme, la sensibilité esthétique et thématique de Mark Powell le rapproche des frontières conceptuelles du street art. Son approche du dessin comme acte d'observation et de confrontation, alliée à l'utilisation de matériaux simples et à la sobriété de ses sujets, inscrit son œuvre dans le champ plus vaste de l'art urbain engagé. « Heart and Soul » ne crie pas, mais ne détourne jamais le regard. C'est une élégie à l'encre – un requiem au stylo-bille qui résonne avec la même profondeur que les fresques, les pochoirs et les affiches de protestation taguées sur les murs des ruelles.

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Planche de skateboard NOS 2011 Huf USA x Challenger Japan Édition Limitée, sérigraphiée par un artiste de la culture pop urbaine. Planche NOS 2011 Art Deck par Huf Skateboards x Challenger Japan La marque de vêtements Challenger, basée à Tokyo, voit un point commun à de nombreuses cultures urbaines qui influencent la mode et le streetwear actuels : le garage américain. Comme l’explique la marque, « c’est dans le garage américain que tous nos artistes préférés se retrouvaient à l’origine : des moteurs vrombissants à la musique punk-rock, en passant par les skateurs graffeurs, les précurseurs de ces sous-cultures ont émergé de cette scène underground et ont créé des identités qui ont ensuite inspiré les marques de streetwear que nous connaissons aujourd’hui. »

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Chemins que nous pavons, peinture originale à la bombe et acrylique sur bois encadré, par Malt Graffiti, artiste de rue, art pop moderne. 2011 Chemins que nous pavons Peinture acrylique originale à la bombe par Malt Malt est un artiste autodidacte qui vit et travaille dans la région métropolitaine de Détroit. Mêlant graffiti et techniques aérosol à son style acrylique caractéristique, ses dernières œuvres revisitent de manière abstraite les paysages traditionnels et les personnages qui peuplent les décors psychédéliques. La juxtaposition d'oiseaux de la forêt, d'arbres, de la vie et de la mort, de la croissance et du déclin, de la force et de la faiblesse confère à son travail une fraîcheur et un intérêt constants.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tyto Alba, sérigraphie en édition limitée à 9 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Justin Anville, artiste pop art célèbre et rare. Œuvre d'art en édition limitée, signée et marquée AP, 2011. Format : 18 x 24. Petite pliure de manipulation dans la marge supérieure gauche. Complexité et attrait de la sérigraphie d'Anville « Tyto Alba » de Justin Anville est un exemple saisissant de la fusion entre le street art, le graffiti et l'estampe d'art. Cette sérigraphie artisanale en édition limitée, réalisée en neuf couleurs, témoigne du talent d'Anville pour l'utilisation des techniques traditionnelles de la sérigraphie. L'œuvre, qui résonne de l'énergie et de la spontanéité du street art, atteint la finesse et le raffinement des pièces de galerie. Créée en 2011, chaque estampe de cette édition limitée est signée par l'artiste, estampillée « épreuve d'artiste » (EA) et mesure 45,7 x 61 cm, captivant le regard par sa taille et sa précision. La superposition complexe des couleurs souligne le souci du détail d'Anville et son engagement envers l'art de la sérigraphie. Un léger pli de manipulation dans la marge supérieure gauche témoigne de la main de l'artiste à l'œuvre lors de la création de chaque pièce. La figure centrale du hibou, couronné et majestueux, se dresse comme un symbole puissant au sein de la composition. Dans de nombreuses cultures, la chouette est souvent associée à la sagesse et au mystère, et la représentation qu'en fait Anville confère une dimension majestueuse à ces interprétations. Cette iconographie est habilement juxtaposée aux éléments urbains qui encadrent l'oiseau, créant un dialogue entre la nature et l'environnement construit, un thème récurrent dans le street art et le graffiti. Contribution à l'évolution du street art L'œuvre « Tyto Alba » d'Anville contribue non seulement à l'évolution du street art, mais fait également le lien entre les univers souvent distincts de l'art urbain et des beaux-arts. Son travail élève le graffiti au rang des beaux-arts sans en altérer l'authenticité et la spontanéité propres au street art. La rareté de cette pièce renforce son attrait, car elle fait partie d'une série limitée d'estampes, chacune légèrement différente de la précédente, témoignant de la vision unique d'Anville. L'utilisation de neuf couleurs en sérigraphie est significative, conférant une profondeur et une intensité difficiles à obtenir avec moins de couches. Le choix du papier beaux-arts comme support reflète une volonté délibérée de présenter le street art non pas comme une œuvre éphémère, mais comme un trésor à préserver et à chérir. Il en résulte une texture riche et un dynamisme chromatique qui donnent vie à l'œuvre. Impact artistique de "Tyto Alba" « Tyto Alba » est un emblème du talent artistique d'Anville et de sa contribution à l'histoire du street art et du graffiti. Sa présence dans des collections en édition limitée à travers le monde témoigne de son impact sur le monde de l'art et la culture populaire. Les collectionneurs apprécient non seulement l'attrait visuel de son œuvre, mais aussi le commentaire qu'elle propose sur la fusion de la culture urbaine et des aspects plus traditionnels de la création artistique. « Tyto Alba » de Justin Anville est une représentation saisissante de la synergie contemporaine entre le street art et l'estampe d'art. Elle incarne avec éclat le potentiel du street art et du graffiti à transcender les frontières et à dialoguer avec un public issu de divers horizons artistiques.

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Sérigraphie Revolution in our Time de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 5 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté, édition limitée. Artiste de la culture pop. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Œuvre d'art au format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Le 1er octobre marque le 70e anniversaire de l'arrivée au pouvoir du Parti communiste en Chine. Le gouvernement chinois prépare une grande fête de la joie orchestrée sur le continent, tandis que les Hongkongais descendent dans la rue pour défendre leurs droits. Je suis convaincu depuis longtemps que les manifestations de rue sont essentielles à un véritable changement, car la passion, le courage et la force viscérale des participants à une manifestation de masse envoient un message fort : ils sont pleinement engagés dans leur cause ! Ed Nachtrieb a photographié de nombreux moments incroyables des manifestations de la place Tiananmen en 1989. C'est un honneur pour moi de collaborer avec Ed sur une série de deux images inspirées de son travail d'il y a 30 ans, d'autant plus que des manifestants pro-démocratie et défenseurs des droits humains sont actuellement dans les rues de Hong Kong ! Cette image, « Vive le peuple », sera bientôt disponible en tirage… plus d'informations à venir. Découvrez les réflexions d'Ed Nachtrieb sur les manifestations de la place Tiananmen en 1989. - Shepard Fairey - OBEY Après l'intervention de l'Armée populaire de libération le 4 juin 1989 pour réprimer ce qu'on appelle aujourd'hui le « mouvement pro-démocratie », les règles et politiques économiques se sont libéralisées. La Chine a alors connu une transformation économique remarquable. L'idée sous-jacente était que si les gens pouvaient s'enrichir, ils se soucieraient moins de leurs libertés. Je pense que c'est une erreur d'appréciation. À Hong Kong aujourd'hui, les idées défendues en 1989 refont surface dans une « Révolution de notre temps », malgré la campagne visant à effacer de l'histoire ces pensées « contre-révolutionnaires ». Les images utilisées dans ces estampes proviennent de moments dynamiques et optimistes du mouvement pro-démocratie. La victoire était palpable. Le progrès semblait inévitable pour ceux qui, les bras tendus et le sourire aux lèvres, rayonnaient de joie. L'œuvre de Shepard reflète leurs espoirs et leurs aspirations. Ceux-là mêmes qui ont galvanisé les manifestants en 1989 alimentent aujourd'hui la ferveur des idéalistes qui descendent dans la rue. – Edward Nachtrieb La sérigraphie « Revolution in Our Time » de Shepard Fairey tisse un récit poignant reliant les luttes passées et présentes pour la démocratie et les droits humains. Cette œuvre, publiée en 2020, commémore le 70e anniversaire de l'arrivée au pouvoir du Parti communiste en Chine, juxtaposant les célébrations de l'État à l'esprit de résistance inébranlable qui anime Hong Kong. La collaboration de Fairey avec le photographe Ed Nachtrieb revêt une importance particulière : puisant son inspiration dans des images capturées lors des manifestations de la place Tiananmen en 1989, elle établit ainsi un lien entre les actes de résistance historiques et les mouvements contemporains. Tirée à la main en cinq couleurs sur papier d'art crème moucheté, cette œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) captive le regard et invite à la réflexion, non seulement comme expression visuelle, mais aussi comme symbole de solidarité. L'édition est limitée à 550 exemplaires signés et numérotés, faisant de chaque exemplaire un témoignage tangible de cet art engagé. L'œuvre de Fairey est imprégnée de symboles de paix et de résilience, comme en témoignent la colombe et la main levée, gestes iconiques de défi et d'espoir. Fairey est connu pour sa conviction que les manifestations de rue sont un mécanisme essentiel de changement social, et cette conviction est visuellement inscrite dans l'estampe. Son art n'est pas passif ; il participe activement au dialogue sur les libertés civiles et la voix collective du peuple. « Revolution in Our Time » va au-delà de la simple commémoration d'un événement ; elle propulse le message de la protestation vers l'avenir, incitant à une réflexion sur la nature de l'autorité et le pouvoir de la volonté populaire. Cette estampe en édition limitée capture l'essence même de la démarche artistique de Shepard Fairey, envisagée comme une forme de rébellion et de communication. Elle exprime un désir universel de liberté et de justice, transcendant les frontières et les époques pour unir les spectateurs autour d'une cause commune. L'œuvre se dresse comme un phare, témoignant de la pertinence durable de l'engagement civique et de l'impact de l'art visuel pour mobiliser et inspirer le changement au sein des sociétés.

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Homme sur un fil, NYC World Trade Center, sérigraphie de Justin Van Genderen, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2013. Signée et numérotée au dos. Édition limitée à 50 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Série « Location, Location, Location ». Sérigraphie représentant le World Trade Center de New York et un funambule. Sérigraphie du World Trade Center de New York par Justin Van Genderen La sérigraphie « NYC World Trade Center » de Justin Van Genderen, réalisée à la main en 2013, immortalise un moment marquant de l'histoire à travers le prisme du street art, du pop art et du graffiti. Tirée à seulement 50 exemplaires et signée, cette estampe de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) présente le World Trade Center sous un angle surréaliste, presque onirique. La composition met en valeur la présence architecturale des Tours Jumelles tout en soulignant la traversée légendaire sur un fil qui eut lieu en 1974, mêlant histoire, culture urbaine et abstraction artistique en une image saisissante. Le pouvoir de la composition et de la perspective Cette sérigraphie utilise la perspective d'une manière qui immerge immédiatement le spectateur. Les tours du World Trade Center s'élèvent en biais, attirant le regard vers le ciel où un grand cercle blanc se dessine comme une pleine lune. Le ciel, aux nuances dégradées de turquoise et de blanc, crée une atmosphère cosmique qui amplifie la sensation de hauteur et d'espace. Des oiseaux volent librement autour des tours, ajoutant du mouvement et renforçant l'impression d'ouverture malgré l'imposante stature de ces structures. Au centre de la composition, la célèbre traversée sur un fil de Philippe Petit en 1974 est subtilement représentée. Un fil fin, presque invisible, s'étend entre les tours, sur lequel se dessine la silhouette d'un homme. Ce moment à la fois délicat et audacieux contraste avec l'énormité des bâtiments, créant une tension visuelle et émotionnelle qui exprime à la fois l'admiration et la fragilité. L'estampe rend hommage à cet acte de défi à la gravité, une idée qui résonne profondément avec l'histoire de New York et la culture artistique du street art et du graffiti. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de Justin Van Genderen s'inspire fortement du street art et du graffiti, mêlant des techniques graphiques audacieuses à une narration urbaine. Le dégradé de demi-teintes stylisé des tours leur confère une texture, un aspect imprimé, évoquant les photographies de vieux journaux ou les cases de bandes dessinées. La palette de couleurs restreinte – dominée par des nuances de bleu, de blanc et de noir – renforce l'esthétique épurée et moderne de l'œuvre tout en préservant une énergie urbaine brute. La composition a une dimension cinématographique, comme si le spectateur levait les yeux depuis les rues de Manhattan, capturant à la fois la grandeur et l'intimité de l'instant. Si de nombreux artistes de rue intègrent des monuments architecturaux à leurs œuvres, l'approche de Van Genderen réduit la scène à ses éléments essentiels, lui conférant une dimension intemporelle et universelle. L'utilisation de contrastes marqués et de formes simplifiées s'apparente aux techniques de pochoir employées dans le graffiti, tandis que la sérigraphie est une technique emblématique du pop art et de l'art urbain. L'alliance de la précision, de l'abstraction et du minimalisme fait de cette œuvre un exemple frappant de la manière dont les espaces urbains peuvent être réinterprétés à travers le langage visuel contemporain. L'impact durable de l'image La sérigraphie du World Trade Center de New York, réalisée par Justin Van Genderen, transcende la simple représentation d'un événement historique pour le transformer en symbole d'expression artistique, d'ambition humaine et de la manière dont les villes façonnent la mémoire collective. Les Tours Jumelles demeurent une icône indélébile du paysage new-yorkais, et leur représentation dans le street art et le graffiti continue d'évoluer, les artistes trouvant sans cesse de nouvelles façons de rendre hommage à leur héritage. La présence d'un funambule dans cette œuvre symbolise l'équilibre, le risque et la beauté du mouvement au sein des lignes rigides de l'architecture. Les collectionneurs de street art et de graffiti trouveront dans cette sérigraphie une pièce unique et captivante. Tirée en édition limitée et réalisée à la main, elle témoigne d'un savoir-faire artisanal qui reflète la nature tactile et authentique de l'art urbain. Qu'on l'apprécie pour sa portée historique, son design audacieux ou son imagerie stimulante, cette sérigraphie illustre la capacité de l'art à métamorphoser le passé en une œuvre visuellement puissante et profondément émouvante.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Un œil pour un nid d'aigle - Rouge et or. Œuvre originale peinte à la main, réalisée à la bombe aérosol, à l'acrylique et en sérigraphie sur un panneau de bois découpé par CNC, prêt à être accroché, par Prefab77, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Nous avons toujours adoré le portrait. Notre style actuel mêle le portrait allégorique à un style incisif et rapide, souvent agrémenté de messages secrets, d'appartenances religieuses et d'iconographie pop. Dans cet album, nous avons exploré le style totémique pour véhiculer ces messages et créer une manière visuellement saisissante d'exprimer une idée abstraite ou de transmettre une signification non explicitement énoncée dans le récit. À l'image d'un excellent morceau pop/rock de trois minutes, il peut s'agir d'une fable, d'une histoire ou d'un avertissement ! » - Prefab77

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Hollow Breath, œuvre originale unique en son genre, peinture au fusain et acrylique sur bois encadré, par Craww, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture acrylique originale signée de 2013, dimensions 23,5 x 31,5 cm, sur panneau de bois encadré, prête à être accrochée. Explorer les profondeurs du Souffle Creux de Craww « Hollow Breath », une œuvre originale et captivante du célèbre artiste de street art Craww, illustre avec force comment l'énergie brute du pop art et du graffiti peut être canalisée dans des médiums artistiques plus traditionnels. Cette pièce unique, créée en 2013, est une symphonie de fusain et d'acrylique sur un panneau de bois entoilé, témoignant de la maîtrise de l'artiste pour ces deux matériaux. L'œuvre de 59,7 x 80 cm offre un espace généreux à la vision sombre et onirique de Craww. Signée par l'artiste, « Hollow Breath » capture l'essence du style caractéristique de Craww, souvent marqué par des figures féminines éthérées enlacées à des éléments naturels. La peinture explore des thèmes récurrents dans son œuvre : la dualité de la beauté et de la mélancolie, et l'équilibre subtil entre la vie et la mort. Le fusain confère à la peinture une douceur, permettant des dégradés subtils et une certaine profondeur, tandis que l'acrylique apporte une vivacité qui perce le voile monochrome. Technique et symbolisme dans le souffle creux de Craww Dans « Souffle creux », l'utilisation du fusain et de la peinture acrylique par Craww n'est pas un simple choix de prédilection, mais une décision délibérée visant à exprimer des états émotionnels complexes. Le fusain, avec son aspect fumé et diffus, crée une impression d'impermanence et de fragilité, faisant écho à la nature éphémère de la vie. Parallèlement, l'acrylique, réputée pour son intensité et sa clarté, met en valeur les points focaux de la toile, tels que les lys et les roses, symboles de pureté et de passion. Le panneau de bois encadré constitue un support idéal pour cette œuvre, sa solidité contrastant fortement avec la délicatesse des images. Cette juxtaposition reflète les contrastes présents dans l'ensemble du travail de Craww, où force et vulnérabilité coexistent souvent. La texture du bois confère à l'œuvre une dimension organique, l'ancrant dans le monde naturel qui influence fréquemment l'art de Craww. La position unique de Craww dans l'art contemporain Craww occupe une place unique dans l'art contemporain, faisant le lien entre les univers souvent distincts du street art et des beaux-arts. « Hollow Breath » témoigne de sa capacité à naviguer entre ces deux mondes, insufflant l'immédiateté et l'authenticité du street art dans un format traditionnellement associé aux galeries et aux musées. L'originalité de cette œuvre et sa capacité à être accrochée immédiatement en font non seulement une œuvre d'art, mais une pièce maîtresse qui trouvera sa place dans la collection d'un amateur d'art. La beauté mélancolique de « Hollow Breath » trouve un écho chez ceux qui connaissent le travail de Craww dans l'espace public. Pourtant, elle s'impose également comme une œuvre d'art à part entière, invitant à l'interprétation et à l'admiration, que l'on soit familier ou non avec son street art. Cette polyvalence et cette large audience rendent l'œuvre de Craww particulièrement captivante sur la scène artistique contemporaine. « Hollow Breath » incarne le charme envoûtant de la vision artistique de Craww, fusionnant la fluidité du fusain avec l'intensité de l'acrylique sur une toile aussi résistante que le bois. Cette peinture originale est un exemple frappant de la façon dont le pop art urbain et le graffiti peuvent transcender leurs racines urbaines pour créer un art à la fois profond et accessible, capable d'émouvoir et de fasciner dans le calme d'un espace intérieur.

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Ganas Collage Pochoir découpé au laser à la retraite sur planche à huile en édition limitée par l'artiste pop moderne Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 6,25 x 8,25 pouces. Dans l'univers du pop art moderne, la complexité et les nuances qui donnent vie à chaque création possèdent une gravité indéniable. L'une de ces œuvres profondes est « Ganas Collage Retired Laser Cut Stencil Artwork on Oil Board », minutieusement réalisée par le célèbre artiste pop Ernesto Yerena Montejano, figure emblématique de sa philosophie « Hecho Con Ganas », que l'on pourrait traduire par « Fait avec effort » ou « Fait avec volonté ». Cette pièce, sortie en 2022, souligne la dynamique évolutive du pop art, en tissant des liens avec des éléments évoquant le street art et le graffiti. Signée et numérotée, elle est d'une grande exclusivité, avec seulement 30 exemplaires disponibles pour les amateurs d'art. Ses dimensions, 15,9 x 21 cm, pourraient sembler modestes, mais la profondeur et la richesse de sens qu'elle recèle sont tout sauf cela. Le choix du médium par Montejano – le pochoir découpé au laser sur panneau huilé – témoigne de son engagement à préserver l'essence brute et organique du street art, tout en l'élevant au niveau et à la sophistication des œuvres dignes d'une galerie. En observant son travail, on perçoit les battements de l'activisme, une réflexion culturelle et un profond sentiment d'identité. Ses créations, souvent empreintes de couleurs vives et d'une imagerie saisissante, ne sont pas de simples démonstrations esthétiques, mais de véritables récits. Le « Ganas Collage » en est l'exemple parfait, offrant aux spectateurs une histoire visuelle qui invite à l'introspection et à une nouvelle appréciation du pop art. À une époque où l'art se redéfinit sans cesse, Montejano se dresse comme un phare d'innovation, d'authenticité et de pure « ganas ».

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Empereurs du Nord Regardez l'horloge Sérigraphie en édition limitée 7 couleurs tirée à la main sur papier blanc Classic Crest par Tim Doyle Rare Street Art Artiste pop célèbre. Les Empereurs du Nord surveillent l'horloge par Tim Doyle Édition limitée à 150 exemplaires (signés et numérotés) Sérigraphie 7 couleurs sur papier blanc classique Crest 36" x 18" Imprimé par Nakatomi Inc. « L’idée de la montée des eaux et de l’arrivée des animaux marins (mythiques ou non) dans des zones où on ne les voit pas d’habitude me fascine. » – Tim Doyle

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Animal Kingdom - Night, édition limitée sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Animaux divers

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Sauvé par les mouettes, estampe typographique en édition limitée, tirée à la main en 3 couleurs sur papier d'art, par Dan Christofferson - Beeteeth, artiste de street art rare et célèbre du pop art.

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Sky High, estampe sérigraphique en édition limitée à 4 couleurs tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure par Ernesto Yerena Montejano (Hecho Con Ganas), célèbre artiste d'art pop mexicain-américain. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format : 18x24. « Sky High » est une sérigraphie en édition limitée, vibrante et captivante, d'Ernesto Yerena Montejano, un artiste dont l'œuvre se situe au croisement de l'identité mexicano-américaine et du pop art. Sous le nom de son studio Hecho Con Ganas, Yerena a réalisé cette estampe en 2019, révélant son style distinctif qui allie l'esthétique audacieuse du street art à la subtilité des beaux-arts. Tirée à seulement 200 exemplaires signés et numérotés, chaque estampe mesure 45,7 x 61 cm, un format qui permet une immersion totale dans l'œuvre tout en appréciant ses qualités graphiques exceptionnelles. Ernesto Yerena Montejano s'est imposé comme une figure majeure du pop art et du street art, apportant une perspective unique qui reflète son expérience biculturelle. Ses œuvres présentent souvent des symboles culturels forts juxtaposés à des couleurs vives et contrastées, une caractéristique du pop art classique. « Sky High » met en scène une formation d'aigles planant en formation, créant un motif symétrique autour d'une rose centrale. Ce symbole pourrait être interprété comme un hommage à la beauté et à la résilience. Les cercles concentriques aux couleurs vives en arrière-plan renforcent l'impression de mouvement et d'énergie qui se dégage de la composition. La sérigraphie inscrit Yerena dans la lignée des techniques popularisées par des icônes du pop art telles qu'Andy Warhol, mais son sujet est résolument ancré dans son héritage culturel et les problématiques sociales contemporaines. Le choix du papier beaux-arts comme support pour « Sky High » brouille davantage la frontière entre la nature éphémère du street art et la permanence recherchée dans les collections d'art. Cette œuvre capture l'essence dynamique du street art tout en étant réalisée avec la précision et la durabilité propres aux beaux-arts. Les collectionneurs et les admirateurs de « Sky High » sont attirés par la force de son impact visuel et le savoir-faire méticuleux de l'impression artisanale. L'œuvre de Yerena n'est pas un simple objet décoratif, mais un emblème de fierté culturelle et d'expression politique. Ces thèmes fédérateurs trouvent un écho profond au sein de la communauté mexicano-américaine et parmi les défenseurs du pouvoir du pop art à communiquer au-delà des mots. La disponibilité limitée de « Sky High » en fait non seulement une œuvre d'art, mais aussi un morceau d'histoire culturelle, incarnant l'esprit d'une communauté qui continue de s'élever face aux défis, à l'image des aigles représentés dans son design.

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Dette payée dans le sang, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par l'artiste pop Robert Wilson IV. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Cette estampe a été initialement produite pour l'exposition d'art « Battles » de Floating World Comics, inspirée par l'univers des yakuzas, à Portland ! Cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) présente un dégradé de couleurs et est signée et numérotée par l'artiste. Tirée à 100 exemplaires, elle est signée et numérotée par l'artiste.

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Tout sous le ciel - L'œuvre HPM acrylique 1 couleur, édition limitée, peinte à la main, sérigraphie multiple sur papier d'art Lenox par Faile Rare Street Art, artiste pop célèbre. Tout sous le ciel (Les Sauvés), 2012. Acrylique et sérigraphie en couleurs sur papier Lenox. 48,3 x 31,8 cm (feuille). Édition 75/250. Signée au crayon en bas ; tamponnée, numérotée et datée au verso. Publiée par l’artiste. Présence de plusieurs morceaux de ruban adhésif au verso. Feuille non fixée. Non encadrée.

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Signs - Édition limitée noire, sérigraphie bicolore HPM ornée à la main sur papier aquarelle Fabriano, par un artiste de rue graffiti, art pop moderne protégé par le droit d'auteur. Copyright (XXe siècle) Signs (Black), 2016 Sérigraphie technique mixte en couleurs sur papier aquarelle Fabriano 19-3/4 x 13-3/4 pouces (50,2 x 34,9 cm) (feuille) Éd. 2/13 Signé et numéroté à l'encre le long du bord inférieur.

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434344 Édition limitée 4 couleurs, sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 8 x 10 pouces. Quatre écrans sur couverture en papier Speckletone français. Édition signée et numérotée à 175 exemplaires. Parution : 28 novembre 2014.

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Digital Colibri - Édition limitée rouge/or, sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 175 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Format de l'œuvre : 10 x 8 pouces. Sérigraphie en édition limitée signée, intitulée « Dignity Colibri », d'Ernesto Yerena Montejano, artiste et militant social américain de renom. L'image représente un colibri stylisé, aux couleurs rouge, orange et or, levant son bec vers une minuscule rose sur un fond blanc et or. Tirage numéroté 38 sur 175, signé au crayon par l'artiste dans la marge inférieure. L'estampe est encadrée sous verre, avec un double passe-partout or et blanc, dans un cadre noir biseauté. L'œuvre de Yerena est nourrie par son parcours international : il a grandi à El Centro, petite ville agricole de Californie, à la frontière entre les États-Unis et le Mexique. Il utilise son art pour mettre en lumière des enjeux politiques, créant des images d'icônes culturelles et politiques, ainsi que de gens ordinaires. Yerena est le fondateur et le commissaire de la campagne Alto Arizona Art (2010) et membre fondateur de la campagne We Are Human (2009). Il a collaboré avec de nombreux artistes, dont Shepard Fairey.

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« A Place Called Space », impression d'art en édition limitée sur papier buvard perforé, par Ed Irmen, œuvre d'art inspirée par la culture pop et le LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Affiche du concert de Pearl Jam à Melbourne le 18 novembre, sérigraphie de Ben Frost, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée, sérigraphie 6 couleurs. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée (2024). Sérigraphie 24x18 pouces. Autocollant holographique officiel Pearl Jam au verso. Pearl Jam, Pixies et Teen Jesus and the Jean Teasers, Marvel Stadium, Melbourne, Australie. Affiche du concert de Pearl Jam à Melbourne par Ben Frost L'affiche du concert de Pearl Jam à Melbourne le 18 novembre 2024, réalisée par Ben Frost, est une sérigraphie saisissante qui fusionne la puissance visuelle du street art et du graffiti contemporains avec l'énergie live de l'un des groupes de rock les plus emblématiques. Cette affiche, sous licence officielle, commémore la performance de Pearl Jam au Marvel Stadium de Melbourne, accompagnés du groupe de rock alternatif légendaire Pixies et du groupe australien émergent Teen Jesus and the Jean Teasers. Tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure avec six couleurs éclatantes, cette édition limitée est signée et numérotée par Ben Frost et est accompagnée d'un autocollant holographique officiel Pearl Jam apposé au dos, garantissant son authenticité. Énergie visuelle et symbolisme L'œuvre présente une composition explosive en miroir mettant en scène deux cacatoès jaunes – originaires d'Australie – engagés dans une confrontation audacieuse et symétrique. Leurs ailes s'embrasent, rendues dans une palette contrastée de pourpre, d'ambre et de jaune électrique. Le plumage des oiseaux palpite d'intensité, chaque forme étant soigneusement délimitée par la technique graphique précise de Frost. Leurs serres se rejoignent au centre, s'entremêlant dans un geste serré qui suggère solidarité, puissance et résistance. Entre les ailes, des flammes s'élèvent, incarnant la chaleur spirituelle et littérale de l'estampe – reflétant le feu et l'urgence qui ont toujours caractérisé la musique de Pearl Jam. Sur une aile est inscrite la date du concert, NOV 18 2024, tandis que l'autre aile indique le lieu : MARVEL STADIUM MELBOURNE. La typographie est parfaitement intégrée au design, servant à la fois fonction et forme, puisant ses racines dans le style graffiti mais raffinée par le prisme de la sérigraphie d'art. Contexte de l'artiste et du Street Pop Ben Frost est un artiste australien de renommée internationale, reconnu pour son talent à s'approprier la culture pop, l'industrie pharmaceutique, les logos d'entreprises et le langage publicitaire afin de créer des compositions subversives, souvent satiriques. À travers son art urbain, pop et graffiti, Frost explore la société de consommation, l'identité et la rébellion. Cette affiche porte les mêmes marques distinctives que l'ensemble de son œuvre : des palettes de couleurs éclatantes, un trait net et une forte présence visuelle. Si Frost est célèbre pour ses critiques de la saturation médiatique et du spectacle capitaliste, cette œuvre célèbre ici un moment culturel précis. Son style visuel témoigne de son habileté à fusionner les influences commerciales et contre-culturelles en une pièce à la fois collectionnable et critique, alliant l'immédiateté du street art au raffinement des éditions d'art sérigraphiées. Culture du concert et objets de collection contemporains Comme toutes les affiches officielles de concerts de Pearl Jam, cette estampe est à la fois un objet de collection et une œuvre d'art à part entière. Ses dimensions de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces) en font un format idéal pour les collectionneurs et les fans qui apprécient non seulement la musique, mais aussi l'iconographie qu'elle inspire. Limitée à seulement 100 exemplaires numérotés et signés à la main, elle représente une collaboration exclusive entre les milieux de la musique et des arts visuels. Pearl Jam s'est toujours associé à des projets engagés et artistiquement novateurs, et son partenariat continu avec des artistes comme Ben Frost renforce son héritage. Avec le soutien des Pixies et de Teen Jesus and the Jean Teasers pour cette étape de la tournée, l'estampe témoigne également d'un échange intergénérationnel au sein de la scène musicale alternative. L'affiche de Ben Frost est bien plus qu'un simple support promotionnel : c'est un symbole fort du son, de la culture et de la résistance, cristallisé par l'art de la sérigraphie.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Only You Can Hear 12 Color Glitter HPM Embellished Hand-Tired Limited Edition Serigraph Print on Thick Fine Art Paper by Romero Britto Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Femme avec oiseau décontracté, édition limitée à 300 exemplaires, rehaussée de paillettes à la main, 1996, imprimée chez Serigraphic Technique Specialists et publiée par la galerie N Miller.

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Impression giclée « The High Ground » par Dave Pollot, œuvre d'art en édition limitée sur toile, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer) - Œuvre d'art de taille 20x13 - Star Wars - Édition spéciale du 4 mai - Impression sur toile roulée. Impression giclée « The High Ground » de Dave Pollot : Star Wars dans la nature sauvage américaine « The High Ground » est une estampe giclée de 2025 de Dave Pollot, une œuvre en édition limitée de 50,8 x 33 cm sur toile roulée. Signée et numérotée par l'artiste, cette édition spéciale a été créée pour célébrer la Journée Star Wars, mêlant iconographie de science-fiction et symboles de l'Amérique classique. Dave Pollot, connu pour réinterpréter la culture pop à travers des paysages traditionnels et des objets chinés, met en scène Dark Vador, des stormtroopers et des canards colverts dans une paisible scène de chasse en pleine nature, transformant ainsi une œuvre inspirée par les fans en une création contemplative et visuellement satirique, s'inscrivant dans le courant du street art pop et du graffiti. Star Wars et la nostalgie américaine se rencontrent Cette œuvre évoque le stoïcisme serein des peintures animalières américaines du milieu du XXe siècle, un genre associé à l'immobilité, à la solitude et au respect de la nature. Cependant, Pollot y introduit une perturbation aussi inattendue qu'humoristique : Dark Vador, en grande tenue, tient un appeau à canard camouflé et lève la main tandis que des canards s'éparpillent dans un marais givré. À l'arrière-plan, des stormtroopers, fusils à la main, posent en chasseurs, comme s'ils ignoraient participer à une parodie. Les arbres au loin et la palette de couleurs discrètes créent une atmosphère paisible, subtilement troublée par ces intrusions fictives. L'Étoile de la Mort plane faiblement dans la lune brumeuse, remplaçant le soleil telle une présence omniprésente. C'est dans cet équilibre subtil entre humour et respect que Pollot excelle, critiquant avec finesse la commercialisation de la mythologie tout en la célébrant. Le langage satirique de Dave Pollot Dave Pollot est un artiste américain reconnu pour sa capacité à réinterpréter des œuvres d'art délaissées à travers le prisme de la culture populaire. Ses créations mêlent souvent esthétique vintage et personnages modernes issus des jeux vidéo, du cinéma et de la télévision, transformant des toiles oubliées ou négligées en commentaires perspicaces. « The High Ground » s'inscrit dans cette démarche en préservant l'atmosphère originelle du tableau – une nature sauvage et paisible – mais en remplaçant les figures humaines par des légendes galactiques. Cette approche métamorphose le familier en surréaliste et invite le spectateur à repenser l'image et son contexte. L'œuvre fonctionne à la fois comme un hommage et une subtile subversion, intégrant harmonieusement l'univers de Star Wars à ce paysage bucolique. Art pop urbain moderne sur toile traditionnelle « The High Ground » n'est pas qu'une simple estampe originale pour les fans de science-fiction ; c'est une exploration délibérée des superpositions culturelles. Dans le contexte du street art et du graffiti, elle utilise une esthétique hybride pour refléter la manière dont la culture populaire imprègne la mémoire et la nostalgie collective. En imprimant sur toile et en imitant l'art animalier classique, Pollot abolit la distance entre le fandom de l'ère numérique et les traditions artistiques analogiques. Sortie en édition limitée pour le 4 mai, jour anniversaire de Star Wars, l'estampe transcende la simple fidélité à la franchise. Elle devient un récit sur la saturation culturelle, montrant comment des icônes comme Dark Vador ne sont pas de simples personnages de fiction : elles habitent nos paysages, nos métaphores et notre humour. « The High Ground » de Dave Pollot incarne cette philosophie avec intelligence et maîtrise, ce qui en fait une pièce remarquable dans le monde de l'art contemporain de collection.

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Oiseau à vélo, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. ED 2

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BunnyKitty - Figurine de collection en vinyle édition limitée lavande, œuvre d'art de l'artiste de la culture pop moderne Dave Persue. Bunny Kitty, édition limitée à 200 exemplaires, coloris lavande, par Dave Persue. Figurine en vinyle 3D rétro avec bombe aérosol et son ami Birdie Friend Twurp. Accessoires inclus. Couleur : lavande. Dimensions : 12,7 cm de haut x 17,8 cm de long. Dave Persue, artiste de rue renommé de longue date, a donné vie à son personnage populaire de Bunnykitty en 3D avec 3DRetro, dans une figurine en vinyle en édition limitée déclinée en plusieurs coloris. Il s'agit de la première figurine en vinyle de l'artiste, mais le personnage est connu dans le monde entier grâce à ses expositions, ses fresques et les livres pour enfants qui lui sont consacrés. La figurine mesure 18 cm de large, est présentée dans une boîte-fenêtre et moins de 200 exemplaires de chaque couleur ont été produits.

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Tweety 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection Art. Ours en carton Tweety Loony Toons 2021

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Ensemble de sérigraphies Birdsong Project Portfolio par Shepard Fairey OBEY x Artistes divers sur papier d'art, édition limitée. 2023. Chaque exemplaire est signé par l'artiste. Coffret signé par Shepard Fairey et numéroté. Édition limitée à 250 exemplaires. Œuvre sérigraphiée 30,5 x 30,5 cm. Coffret de 20 estampes sérigraphiées issues du portfolio « Birdsong Project », composé de 20 estampes différentes réalisées par divers artistes. Artistes représentés : Brian Calvin, Danny Romeril, Deedee Cheriel, Duke Riley, Eggpicnic, Ernesto Yerena, Faith47, Isobel Harvey, Jim Houser, Joonbug, Kevin Earl Taylor, Keya Tama, Lovehawk, Mark Mothersbaugh, Monica Canilao, Ravi Zupa, Shepard Fairey, Sophie Wake, Tim Biskup et TOMO77. Oiseaux dans l'univers du pop art urbain et du graffiti Les oiseaux, en tant que motifs, possèdent une portée universelle et une signification symbolique qui transcendent les cultures, ce qui en fait un sujet récurrent dans le street art et le graffiti. Ils symbolisent souvent la liberté, la transcendance et la paix, des concepts en accord avec l'esprit libérateur du street art. La représentation des oiseaux dans ce genre peut aller de fresques réalistes célébrant la biodiversité à des icônes stylisées servant de métaphores pour des idéaux sociaux et politiques. La flexibilité de l'imagerie aviaire permet aux artistes de rue et pop d'explorer des thèmes allant de l'écologique au fantastique. En milieu urbain, où le béton étouffe souvent la verdure, la représentation des oiseaux peut être un rappel poignant du monde naturel qui persiste au cœur du paysage urbain. Ils peuvent contraster avec le décor urbain ou s'y intégrer harmonieusement, incarnant la tension et l'équilibre entre le naturel et l'artificiel. Symbolisme et technique dans l'art aviaire Dans le street art et le pop art, les oiseaux peuvent être représentés de multiples façons. Par exemple, une colombe peut symboliser la paix ou, au contraire, aborder les thèmes de la guerre et des violences urbaines. Les techniques artistiques employées varient considérablement : des rendus photoréalistes et élaborés, célébrant la beauté de ces créatures, aux interprétations abstraites et géométriques, réduisant leurs formes à l’essentiel. La diversité des espèces d’oiseaux offre une riche palette aux artistes, leurs couleurs et motifs étant une source d’inspiration inépuisable pour l’expérimentation visuelle. Dans le street art, le pop art et le graffiti, la représentation des oiseaux est à la fois une célébration de la biodiversité et un défi artistique, incitant les artistes à saisir l’essence de ces créatures de manière novatrice. L'impact culturel de l'art sur le thème des oiseaux L'art ornithologique a le potentiel d'avoir un impact culturel significatif, notamment dans le contexte de la sensibilisation à l'environnement et des efforts de conservation. Le street art et le graffiti mettant en scène des oiseaux peuvent attirer l'attention sur le sort des espèces menacées ou sur l'importance des espaces verts urbains. De plus, ces œuvres peuvent contribuer au bien-être esthétique et psychologique des citadins, en leur offrant des moments de beauté et de réflexion au cœur de l'agitation urbaine. La reconnaissance universelle des oiseaux signifie également que l'art aviaire possède un large attrait et peut transcender les barrières linguistiques et culturelles. Cela fait des oiseaux un sujet idéal pour l'art public destiné à impliquer des publics divers et à favoriser un sentiment d'appartenance à la communauté et une appréciation partagée de la nature. Les oiseaux sont un sujet dynamique et multiforme dans le street art et le graffiti, servant de symboles de liberté, d'agents de beauté et de rappels du monde naturel. Leur représentation artistique peut aller du littéral au symbolique, du réaliste à l'abstrait, chaque interprétation offrant une facette différente de sens et de valeur esthétique. Les œuvres représentées sur l'image que vous avez fournie englobent probablement un large éventail de ces approches artistiques, reflétant le riche potentiel de l'imagerie aviaire pour inspirer et susciter la réflexion à travers la toile vibrante du street art et du pop art.

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Nemeta II, œuvre d'art imprimée en édition limitée par giclée sur papier d'art, par l'artiste de graffiti pop culture Rodrigo Rod Luff. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Tirage giclée de 24 x 16 pouces. « Nemeta II » de Rodrigo Luff est une estampe giclée sur papier d'art, témoignant de son talent pour fusionner les éléments fantastiques de la culture pop avec la précision esthétique des beaux-arts. Signée et numérotée en édition limitée à 30 exemplaires, cette œuvre de 2016, au format 61 x 41 cm, incarne le style caractéristique de Luff. Son édition limitée renforce sa valeur auprès des collectionneurs et des admirateurs de son travail, qui explore souvent l'interaction onirique entre l'humain et la nature. « Nemeta II » illustre la vision artistique de Luff, qui allie l'accessibilité et la force expressive du street art aux techniques raffinées de la gravure traditionnelle.

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Achetez Protégez ce que vous aimez en édition limitée en polyrésine de l'artiste légendaire Dulk. 2022 "PROTECT WHAT YOU LOVE" 8" /6" (H/W) 20 cm /15 cm (H/W) Édition limitée de 50 COA en polyrésine numérotés et signés par Dulk Emballé dans une boîte en bois. Protect What You Love, le dernier membre d'Antonio Segura Donat (Dulk). La boîte est scellée et jamais ouverte, soyez prudent lorsque vous l'ouvrez car l'illustration est délicate.

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Achetez Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie bleue 4 couleurs tirée à la main en édition limitée sur papier crème Speckle Tone par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 18 x 24 pouces Edition de 350 13 juin 2019 "L'affiche "Endless Power Petrol Palace" est à la fois une célébration et une critique de la propagande graphique séduisante utilisée pour l'industrie pétrolière. J'ai conçu cette impression pour qu'elle ressemble à une publicité vintage célébrant l'abondance de l'Amérique et l'avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit limité, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui contrôlent le pétrole est pratiquement illimité." -Shepard Fairey

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Protégez votre grill Naughty by Nature AP Sérigraphie de Mark Drew Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop et graffiti de rue. Épreuve d'artiste AP 2018, signée et marquée AP, édition limitée, dimensions : 11,73 x 16,5 pouces. Exploration des récits urbains dans la sérigraphie de Mark Drew « Guard Your Grill Naughty by Nature » ​​est une sérigraphie saisissante de l'artiste Mark Drew, qui capture l'énergie brute et l'esprit de la culture urbaine. Tirage d'artiste de 2018, cette sérigraphie artisanale sur papier d'art de qualité supérieure fait partie d'une édition limitée qui illustre la fusion entre art urbain, graffiti et culture pop. L'œuvre, de 29,8 x 41,9 cm, est signée par l'artiste et porte la mention AP, attestant de son statut d'épreuve rare et précieuse au sein de l'édition. Cette pièce témoigne de la maîtrise de Drew dans l'art de combiner textes et images pour créer une œuvre aussi évocatrice qu'esthétiquement marquante. Son titre, « Guard Your Grill », fait référence à une chanson du groupe hip-hop Naughty by Nature, suggérant un thème de vigilance et de résilience. Le travail de Drew explore souvent le lexique du hip-hop, transposant son langage dans un format visuel qui trouve un écho auprès d'un large public. L'association de ces paroles à des images rappelant les bandes dessinées classiques témoigne de l'approche caractéristique de l'artiste en matière de Street Pop Art et de graffiti, où il transcende les fossés générationnels et culturels pour offrir un commentaire sur la société contemporaine. Le processus artistique et l'impact culturel de Mark Drew La démarche artistique de Mark Drew repose sur un équilibre subtil entre techniques artisanales et exploration thématique de la culture urbaine et pop. La sérigraphie, procédé de prédilection des artistes urbains et pop pour sa capacité à produire des lignes nettes et éclatantes, permet à Drew de créer des œuvres à la fois modernes et intemporelles. L'épreuve d'artiste de « Guard Your Grill » souligne la méticulosité de sa pratique ; ces épreuves sont généralement réalisées avant le tirage principal afin de garantir la qualité de l'impression et sont souvent conservées par les artistes eux-mêmes ou vendues comme objets de collection. L'intégration par Drew des paroles de hip-hop dans son travail dépasse le simple hommage au genre ; elle devient un vecteur de commentaire culturel. En sélectionnant des expressions issues de la culture hip-hop et en les intégrant à des motifs visuels de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, Drew instaure un dialogue entre passé et présent, culture élitiste et culture populaire, courant dominant et marginal. Ce dialogue est une caractéristique essentielle du Street Pop Art, où l'interaction de différents éléments culturels peut mener à une compréhension plus profonde des enjeux abordés. L'impact culturel de l'œuvre de Drew est considérable. En immortalisant le langage du hip-hop à travers l'art visuel, il préserve et honore l'importance culturelle de ce genre musical tout en enrichissant le débat qui l'entoure. Ses œuvres, comme « Guard Your Grill », sont de véritables artefacts culturels qui capturent l'esprit de leur époque et offrent aux générations futures une perspective unique pour comprendre le contexte historique du mouvement hip-hop des années 90. Grâce à son art, Drew continue d'enrichir la riche palette du street art et du graffiti, garantissant ainsi sa pertinence et son accessibilité à un public diversifié et international.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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LAFC Calavera - Épreuve d'artiste AP - Sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par l'artiste latino Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas - Œuvre d'art en édition limitée. Épreuve d'artiste AP 2021 Signée et marquée Édition limitée Œuvre d'art Taille 18x24 Le LAFC Los Angeles Football Club Soccer Calavera par l'artiste de Boyle Heights Ernesto Yerena Montejano. « Le LAFC incarne la culture de Los Angeles. Ce fut un honneur de créer un nouveau symbole Calavera pour ce club et de rendre hommage à nos proches disparus. » – Ernesto Yerena Montejano Au cœur des rues animées de Boyle Heights, une œuvre d'art unique capture l'essence même de la vibrante culture footballistique de Los Angeles. La Calavera du LAFC, créée par le célèbre artiste latino Ernesto Yerena Montejano, illustre la rencontre passionnée entre sport et art. Réalisée à la main selon le procédé méticuleux de la sérigraphie sur papier d'art, cette pièce est bien plus qu'une simple œuvre d'art. Il s'agit d'une épreuve d'artiste (EA) de 2021, ce qui signifie qu'elle fait partie des premiers tirages réalisés à partir du pochoir, minutieusement contrôlés pour leur qualité et leur régularité avant le tirage final. Ernesto Yerena Montejano, connu pour son engagement à produire des œuvres marquantes sous sa marque « Hecho Con Ganas », a conçu ce chef-d'œuvre avec une grande finesse. Sa représentation de la Calavera, symbole communément associé au Jour des Morts, s'intègre parfaitement à l'esprit du Los Angeles Football Club (LAFC). Comme le dit Montejano lui-même : « Le LAFC, c'est la culture de Los Angeles. » Cette œuvre d'art est bien plus qu'un simple emblème de club de football ; C'est un hommage aux disparus, un clin d'œil à l'importance culturelle du souvenir des êtres chers. Des œuvres comme la Calavera du LAFC puisent leur inspiration dans les traditions vibrantes du pop art, du street art et du graffiti. Ces genres défient les conventions, fusionnant souvent des symboles et des contextes disparates pour créer du sens. La Calavera de Montejano témoigne de la puissance de cette fusion, mêlant l'énergie de la scène footballistique de Los Angeles à des symboles culturels profonds. Cette pièce en édition limitée, signée et numérotée, de 45,7 x 61 cm, est bien plus qu'un simple régal pour les yeux ; c'est un récit d'identité, de passion et de souvenir, immortalisé à l'encre et sur le papier.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression d'art en édition limitée, épreuve d'artiste, pigment d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste Amy Sol, œuvre d'art moderne. Épreuve d'artiste AP 2016, signée et marquée, édition limitée, format 18x24 La Coupe Mioras : un chef-d'œuvre de pop art urbain moderne par Amy Sol « Mioras Cup Artist Proof » est une œuvre d'art envoûtante créée par Amy Sol, artiste américaine reconnue pour son style doux et surréaliste, souvent imprégné de nature et de thèmes oniriques. Connue pour son esthétique contemporaine, l'œuvre de Sol trouve un écho auprès des amateurs de Street Pop Art et d'éléments de graffiti, notamment grâce à sa modernité et à son lien avec les thèmes de la nature et de l'humanité. L'estampe « Mioras Cup », réalisée en 2016 en tant qu'épreuve d'artiste, est une pièce majeure de son portfolio, une création en édition limitée qui allie valeur et mystère. Imprimée sur papier Moab Entrada 290 g/m², réputé pour sa haute qualité et ses propriétés d'archivage, cette estampe préserve l'éclat et la finesse des détails de l'œuvre originale. L'approche artistique unique d'Amy Sol L'approche artistique d'Amy Sol se distingue par son atmosphère onirique, privilégiant une palette de couleurs pastel douces et des formes organiques. Ses œuvres regorgent d'éléments inspirés par la nature, tels que des fleurs, des oiseaux et des feuilles, entrelacés de figures féminines qui expriment une profonde introspection et un lien intime avec l'environnement. « Mioras Cup » illustre parfaitement ce style : une figure féminine centrale est entourée d'une végétation luxuriante et éthérée, et des oiseaux semblent émerger naturellement de son environnement. Cette harmonie visuelle entre l'humain et la nature est un motif récurrent dans l'œuvre de Sol, conférant à ses créations une profondeur émotionnelle qui touche le spectateur. L'épreuve d'artiste de « Mioras Cup », au format 45,7 x 61 cm, est réalisée avec le plus grand soin afin de restituer chaque détail de la technique de Sol. Le papier Moab Entrada, un choix haut de gamme pour l'impression d'art, sublime les textures délicates et les couleurs subtiles, préservant ainsi la fidélité de l'œuvre originale et permettant aux collectionneurs de l'apprécier telle que l'artiste l'a conçue. Ce papier est privilégié pour sa qualité d'archivage, garantissant que les nuances subtiles et les détails complexes de l'œuvre d'art restent intacts au fil du temps. L'attrait moderne du pop art urbain dans l'œuvre de Sol Bien que l'œuvre d'Amy Sol ne relève pas du graffiti au sens traditionnel du terme, son approche des tirages en édition limitée s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art, qui vise à intégrer des pièces de collection de grande qualité au monde des beaux-arts. Dans le Street Pop Art et le graffiti, le lien entre l'artiste et son public est primordial, et les tirages limités sont souvent privilégiés pour préserver l'authenticité et l'exclusivité de l'œuvre. En créant la Coupe Mioras comme une épreuve d'artiste signée et marquée, Sol préserve ce sentiment de rareté, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. Cette démarche reflète l'influence du passage du street art de l'espace public à l'univers privé des collectionneurs, alliant accessibilité et exclusivité. Dans la Coupe Mioras, la combinaison de formes humaines et naturelles peut être perçue comme une réflexion moderne sur les thèmes de l'identité et de l'environnement. Sa capacité à communiquer ces thèmes à travers des visuels doux et surréalistes inscrit Sol dans un mouvement contemporain qui apprécie le savoir-faire des beaux-arts et l'accessibilité, inspirée par l'art urbain, du Street Pop Art. La Coupe Mioras d'Amy Sol continue de captiver les spectateurs et les collectionneurs, ce qui en fait une pièce précieuse de toute collection d'art moderne.

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Fantaisie, tirages d'art en édition limitée à l'encre pigmentaire d'archives sur papier chiffon coton Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Faile. Reproduction d'une autre peinture de notre exposition Off The Walls à Paris. À l'instar de l'estampe Kool Living, Fantaisie (Fantaisie à la française) est une somptueuse encre pigmentaire d'archivage sur un papier d'art mat épais, qui capture tous les détails de la toile et l'amour peint. - Faile Estampe Fantaisie, 61 x 76 cm, encre d'archivage sur papier coton Entrada 290 g/m², gaufrée, signée et numérotée FAILE 2021

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Sérigraphie métallique représentant une chouette harfang des neiges reconstituée, par Dan Grzeca. Tirage à la main sur papier d'art noir. Édition limitée. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Œuvre d'art de format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Chouette harfang reconstituée : un chef-d'œuvre de sérigraphie métallique de Dan Grzeca L'estampe sérigraphique métallique « Hibou des neiges reconstitué » de Dan Grzeca, sortie en 2013, est une superbe sérigraphie artisanale qui capture la présence mystique du hibou des neiges sur un papier d'art noir à la texture riche. Tirée à seulement 75 exemplaires, cette estampe de 45,7 x 61 cm témoigne du talent de Grzeca pour fusionner un trait précis avec des formes expressives et audacieuses, ce qui en fait une œuvre majeure du street art et du graffiti. Lignes complexes et accents métalliques Le style caractéristique de Dan Grzeca, caractérisé par des hachures croisées et des traits texturés, est pleinement mis en valeur dans cette œuvre, soulignant la profondeur, le mouvement et une énergie brute. L'application d'encre métallique ajoute une touche de dynamisme, faisant scintiller le plumage et la silhouette de la chouette harfang sur le fond sombre. Ce subtil équilibre entre lumière et ombre confère à l'estampe une qualité éthérée, renforçant la présence mystique et majestueuse de l'oiseau. La chouette est représentée perchée sur une grange délabrée, un thème récurrent dans l'œuvre de Grzeca, qui explore souvent les paysages ruraux, la décrépitude industrielle et la résilience de la nature. La structure sous l'oiseau semble fragmentée ou reconstruite, suggérant des thèmes de transformation, de résilience et d'adaptation – des éléments fréquemment présents dans le street art et le graffiti, qui commentent l'évolution des paysages urbains et ruraux. Symbolisme et iconographie naturelle La chouette harfang est souvent associée à la sagesse, au mystère et à l'observation silencieuse, ce qui en fait un sujet idéal pour l'approche artistique brute et évocatrice de Grzeca. Son œuvre fusionne avec constance mythologie, faune sauvage et délabrement urbain, créant un récit à la fois intemporel et contemporain. La façon dont la chouette plane au-dessus de la grange, comme si elle émergeait de la structure, suggère un lien spirituel entre la nature et les environnements construits par l'homme. Cette estampe s'inscrit également dans l'esprit plus large du street art et du graffiti, où les animaux et les symboles naturels sont fréquemment utilisés pour représenter la liberté, la survie et la résistance à l'expansion industrielle. La juxtaposition des formes organiques et artificielles dans cette œuvre fait écho aux thèmes présents dans les fresques murales urbaines, les pochoirs et le street art imprimé, renforçant l'idée que la faune sauvage demeure omniprésente malgré l'expansion des villes. L'influence de Dan Grzeca sur le street art pop et le graffiti Le style de gravure de Grzeca est profondément ancré dans l'esthétique du « fait maison », caractéristique fondamentale du street art et du graffiti. Son attachement aux techniques de sérigraphie artisanales, à la spontanéité du trait et aux compositions texturées le place parmi les artistes qui utilisent la gravure comme un puissant outil narratif. La gravure « Chouette des neiges reconstituée » illustre parfaitement sa capacité à fusionner un savoir-faire minutieux et l'expression urbaine, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. À travers cette œuvre, Grzeca repousse sans cesse les limites de la sérigraphie traditionnelle, prouvant que les estampes artisanales en édition limitée conservent toute leur place dans le paysage évolutif du street art contemporain. Son approche demeure une source d'inspiration majeure, confirmant la pertinence durable de la gravure dans les mouvements artistiques urbains et inspirés par la nature.

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Ceci n'est pas une. Peinture originale de Peter Griffin, acrylique et aérosol sur toile, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2014, réalisée à la peinture en aérosol et technique mixte, format 27 x 19 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, où j'ai développé mon style unique. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à détourner ses icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. » - Shark Toof Le dialecte artistique de Shark Toof : subvertir les icônes de la culture pop « Ceci n'est pas une Peter Griffin » de Shark Toof est une œuvre saisissante qui témoigne du talent de l'artiste pour fusionner habilement ses racines graffiti et l'irrévérence ludique du pop art moderne. Créée en 2014, cette peinture originale incarne la voix unique de Shark Toof, une voix qu'il a cultivée grâce à ses liens étroits avec le mouvement du street art. Cette œuvre, mesurant 68,5 x 48,3 cm, est un exemple remarquable de sa maîtrise des techniques mixtes, combinant acrylique et aérosol sur toile. Dans cette pièce, Shark Toof s'approprie l'iconographie familière de la culture populaire, et plus particulièrement le personnage emblématique de Peter Griffin, tiré de la série animée « Les Griffin ». Cependant, dans la plus pure tradition du street art, Shark Toof subvertit cette image connue, y ajoutant des niveaux de signification et interrogeant la perception du spectateur. Le titre, un clin d'œil à l'œuvre célèbre de René Magritte, joue avec les notions de représentation et de réalité, incitant les spectateurs à questionner ce qu'ils voient. L'approche mixte de cette peinture est caractéristique du pop art urbain, qui combine diverses techniques et matériaux pour créer des visuels dynamiques. L'utilisation par Shark Toof de couleurs vives et de traits exagérés capture l'essence même de l'impact du graffiti tout en rendant hommage à l'esthétique stylisée du pop art. Son œuvre n'hésite pas à aborder l'humour et la satire ; au contraire, elle les intègre pour livrer un commentaire plus profond sur la nature de la célébrité, du fandom et du monde de l'art lui-même. Dans le contexte du pop art urbain et du graffiti, Shark Toof se distingue comme un artiste qui incarne l'esprit DIY du genre. Son attachement à des villes comme Detroit, avec leur riche passé industriel et leur scène de street art vibrante, témoigne de son engagement envers la dimension artisanale de son art. L'œuvre de Shark Toof, notamment « Ceci N'est Pas Une Peter Griffin », est un régal pour les yeux et un témoignage du pouvoir transformateur du street art à l'ère moderne. À travers son art, Shark Toof repousse sans cesse les limites du pop art urbain, révélant son potentiel à la fois ludique et d'une perspicacité saisissante. Son aptitude à naviguer entre art urbain et beaux-arts, tout en préservant une authenticité et une accessibilité remarquables, assure à son œuvre un écho auprès d'un large public d'amateurs d'art et de collectionneurs.

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Achetez une sérigraphie bicolore tirée à la main de poisson perroquet sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé Édition Limitée Oeuvre Taille 10x6

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Singe - Good Morning Sunshine, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Joe Ledbetter. Édition limitée 2014 à 500 exemplaires. Format de l'œuvre : 10x8. Affiché dans la boîte Reprenant le tableau qui a inspiré le personnage, le coloré « Good Morning Sunshine » est prêt (enfin, presque…) pour la nouvelle journée, une tasse de café à la main, une cigarette et un oiseau un peu trop joyeux. Dans l’édition originale, le singe porte son caleçon et arbore la même expression maussade que dans toutes les autres versions.

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Sérigraphie artisanale bicolore en édition limitée « Genévrier » sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Soul Rider The Welcome, sculpture en polyrésine en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste Dulk-Antonio Segura Donat. Édition limitée 2023 à 100 exemplaires. Œuvre en résine coulée peinte. Dimensions : 37,1 × 22,9 × 22,9 cm. Édition limitée à 100 exemplaires numérotés, accompagnés d’un certificat d’authenticité et présentés dans un coffret en bois. Neuf. The Welcomer Soul Rider par Dulk : Fantaisie et symbolisme dans l’art urbain pop et le graffiti « The Welcomer Soul Rider » est une sculpture surréaliste en polyrésine créée par Antonio Segura Donat, artiste espagnol de beaux-arts et de street art mondialement connu sous le nom de Dulk. Faisant partie de sa série « Soul Rider », cette œuvre explore la mythologie caractéristique de Dulk à travers des formes ludiques et des personnages symboliques puisant leurs racines dans la fantasy, l'écologie et une narration complexe. Juchée sur un socle en forme de champignon à pois, une créature aux couleurs acidulées, combinant les traits d'un lapin, d'une licorne et d'un familier fantastique, se tient immobile, tandis qu'un autre personnage, masqué et cornu, la chevauche, une trompette levée en plein chant. Cette composition imaginative et théâtrale fusionne théâtralité et allégorie dans un format qui allie profondeur narrative et précision quasi-littérale, en faisant un exemple saisissant de street art et de graffiti en trois dimensions. Le personnage principal arbore une corne de licorne torsadée, des yeux en spirale surdimensionnés et un col de bouffon, mêlant l'innocence animale à une symbolique cérémonielle. Son expression est figée dans une béatitude confuse, marque de fabrique de l'ambiguïté émotionnelle de Dulk. Son corps rose contraste avec les tons froids du socle en forme de champignon, qui recèle des personnages et des détails cachés, comme une petite chenille accrochée à son bord. Le cavalier à l'arrière, aux oreilles allongées et coiffé d'un couvre-chef en forme de gland, porte un masque noir et brandit un instrument de musique, comme pour annoncer une arrivée. Cette scène dynamique évoque le rituel, la procession et une célébration surréaliste, offrant un récit à la fois ludique et poignant sur l'identité, la transformation et l'observation. Narration symbolique et dissonance ludique dans l'univers visuel de Dulk L'œuvre de Dulk explore souvent la dualité : lumière et ombre, célébration et extinction, innocence et déclin. Dans « The Welcomer Soul Rider », les personnages semblent surgir d'un folklore oublié ou d'un monde parallèle, leurs traits à la fois exagérés et précis. La palette pastel adoucit leur excentricité, leur conférant une présence accessible tout en préservant le mystère. Le langage visuel mêle des influences issues du street art, des contes classiques et de l'allégorie écologique. À l'instar de nombreuses œuvres de Dulk, cette sculpture soulève plus de questions qu'elle n'apporte de réponses, invitant le spectateur à en déchiffrer le sens par l'émotion et l'imagination. Le socle en forme de champignon joue un rôle important en tant que symbole de régénération et d'écosystèmes cachés. Il fait office à la fois de trône et de scène. Le cadenas surdimensionné à sa base suggère la présence d'un élément magique ou secret. Dulk utilise fréquemment ce type d'indices visuels pour suggérer que le monde recèle bien plus que ce que l'on voit. Le masque porté par le sonneur de trompette évoque les thèmes de l'identité et de la voix, symbolisant peut-être la protection, la cérémonie ou le déguisement. Ces objets et ces formes témoignent de la complexité et de la richesse souvent présentes dans le street art et le graffiti, où une fantaisie apparente dissimule une urgence sous-jacente. Le rôle de Dulk dans la narration sculpturale au sein du pop art urbain Antonio Segura Donat s'est imposé comme une figure majeure de l'art contemporain, fusionnant ses racines muralistes avec une pratique sculpturale qui transforme les récits muraux en objets tangibles. L'œuvre « The Welcomer Soul Rider » illustre comment son art transcende les supports, conservant la clarté émotionnelle et l'humour visuel de ses peintures murales tout en explorant la texture, le volume et l'espace. Elle se présente comme une scène suspendue dans un conte inachevé, à la fois figée dans le temps et pleine de mouvement. La sculpture s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti en privilégiant l'accessibilité et l'immédiateté visuelle tout en bousculant les conventions des beaux-arts par le biais de la conception des personnages, de la superposition symbolique et d'une satire mordante. L'esthétique de Dulk emprunte aux films d'animation, à l'iconographie urbaine et au folklore, créant un style à la fois profondément personnel et universellement accessible. Son œuvre invite à la réflexion sur l'écologie, l'empathie et les récits oniriques qui sommeillent en nous. Le Cavalier de l'Âme Bienvenue comme Mythe de Collection et Totem Émotionnel « The Welcomer Soul Rider » est bien plus qu'une simple sculpture décorative : c'est un totem émotionnel, un mythe moderne figé dans la résine. Le soin apporté par Dulk à la posture, aux couleurs et à la disposition des accessoires captive le spectateur à chaque regard, lui révélant de nouvelles significations et des figures cachées. Cette œuvre s'inscrit dans le courant croissant des sculptures d'art contemporain centrées sur des personnages, puisant leur inspiration dans l'art urbain tout en atteignant le niveau des œuvres de galerie. Qu’on l’apprécie individuellement ou au sein de la série Soul Rider, The Welcomer possède une voix singulière. Son appel, doux mais persistant, fait écho au message artistique de Dulk : protéger l’imagination, embrasser la dualité et célébrer celles et ceux qui portent des histoires à travers le chaos de notre monde moderne. À travers des personnages à la fois étranges et familiers, Dulk construit un univers qui s’exprime avec aisance dans le langage du street art et du graffiti, tout en conservant une signature indéniable.

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Origine des espèces Jumble, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne Ziero Muko. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Espoirs et Craintes - Diptyque rouge, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier beaux-arts par un artiste de renom, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 13 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 11,81 x 11,81 cm. 2 œuvres d'art

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