« You Reaper You Sower » - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs noires sur papier Coventry Rag 290 g/m² par Cleon Peterson, artiste de street art et de pop art. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée.

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Figurines d'art urbaines de collection Fantasia Mickey 100% et 400% BE@RBRICK en vinyle, édition limitée Figurines Medicom 2021 Disney Mickey Mouse édition limitée 400 % et 100 %

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Crystalball 02 Œuvre d'art Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Aquaman : Pas de mer, pas de vie - Sérigraphie artisanale en édition limitée 6 couleurs sur papier beaux-arts par Meggs, artiste pop art célèbre et rare. Aquaman : « Pas de mer, pas de vie », par Meggs, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), sérigraphie 6 couleurs | Édition limitée signée et numérotée à 35 exemplaires « Je voulais réinterpréter un mélange d'Aquaman classique et contemporain sous la forme d'une couverture de bande dessinée usée et appréciée. » - Meggs

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Sérigraphie artisanale sur papier d'art, réalisée à partir de cuivre et d'argent, représentant le Jour des Morts Yaqui, par l'artiste latino Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas, œuvre en édition limitée. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format : 18 x 24 pouces. L'œuvre d'Ernesto Yerena Montejano, « Yaqui Day of the Dead Copper & Silver Hand-Pulled Silkscreen Print on Fine Art Paper », illustre à merveille la fusion entre représentation culturelle et techniques artistiques modernes. Cette édition limitée, signée et numérotée, a été éditée en 2019 à seulement 300 exemplaires, chacun mesurant 45,7 x 61 cm. À l'instar de nombreuses autres œuvres de Montejano, elle témoigne de la fusion saisissante des symboles traditionnels latino-américains et des formes d'art contemporain telles que le pop art, le street art et le graffiti. Montejano, qui se définit sous le pseudonyme « Hecho Con Ganas » (Fait avec volonté/désir), exprime avec profondeur et fierté son héritage latino-américain. L'œuvre, qui illustre le Jour des Morts Yaqui, capture l'essence d'un rituel culturel célébrant la mémoire des défunts, un thème profondément ancré dans les communautés latino-américaines. Le choix des tons cuivrés et argentés dans la sérigraphie enrichit l'œuvre, lui conférant un charme à la fois vintage et intemporel. Si beaucoup considèrent le street art ou le graffiti comme éphémères, la permanence d'une sérigraphie artisanale comme celle-ci permet la préservation et la transmission des récits culturels. Cette pièce, avec ses détails minutieux et sa technique impeccable, témoigne non seulement du talent de Montejano en tant qu'artiste, mais aussi de son engagement à représenter, célébrer et promouvoir la culture latino-américaine dans le monde de l'art contemporain. Le choix du médium par Montejano, combiné à la gravité du sujet, garantit à cette œuvre une place de choix dans l'histoire du pop art et du street art.

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Mona Linesa - Sculpture en bombe de peinture noire en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Castlevania Édition Limitée 2 Couleurs Tirage Sérigraphique Manipulé à la Main sur Papier Beaux-Arts par Paige Reynolds x Phantom City Creative Graffiti Street Artiste Pop Art Moderne. Produit par « D&L Screen Printing »

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Aki Sharks #1 Dessin original au marqueur sur toile par Akinori Oishi, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original signé au marqueur sur toile non tendue, 2014. Dimensions : 11 x 13,25 pouces. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard créatif d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Ils disent que le rap a changé Dr. Dre Snoop Dogg AP Sérigraphie par Mark Drew Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop, de rue et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2019 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre 17,01 x 10,98 Commentaire de Mark Drew sur l'évolution du hip-hop L'œuvre de Mark Drew, « They Say Raps Changed Dr Dre Snoop Dogg », est une sérigraphie d'artiste qui témoigne de l'évolution du paysage hip-hop à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Tirée à la main sur papier d'art, cette sérigraphie est une pièce majeure du travail de Drew, illustrant son exploration constante du dialogue entre musique et arts visuels. Mesurant 43,2 x 27,9 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée. Elle est signée par Drew et porte le cachet AP, attestant de son statut d'épreuve d'artiste et de son exclusivité au sein de la série. La phrase « They say rap's changed » fait directement référence à l'évolution de la culture et de la musique hip-hop, un thème récurrent dans l'œuvre de Drew. Utilisant la sérigraphie, une technique riche d'histoire dans le pop art et le street art, Drew crée un lien visuel entre la perception actuelle du hip-hop et ses origines. Cette œuvre fait office de rappel nostalgique et d'invitation à réfléchir à la façon dont le genre a évolué et s'est transformé au fil des ans. Interaction entre la musique et les arts visuels dans l'œuvre de Drew L'interaction entre musique et arts visuels a toujours été au cœur du travail de Mark Drew. Ses sérigraphies, souvent inspirées de paroles de morceaux hip-hop emblématiques, transcendent la simple représentation ; elles interrogent la portée culturelle des mots et des images qui les accompagnent. Dans « They Say Raps Changed », l'utilisation de personnages de bandes dessinées vintage, associée à cette phrase percutante, souligne le contraste entre passé et présent, l'évolution d'une forme d'art et la nature universelle du changement. Le choix de Drew d'utiliser une épreuve d'artiste pour cette estampe met en lumière le caractère expérimental et novateur de son art. Les épreuves d'artiste sont souvent le document final sur lequel l'artiste peaufine les détails de l'estampe ; elles confèrent une immédiateté et une authenticité très prisées dans le street art et le graffiti. Cette œuvre en particulier, avec ses lignes nettes et ses couleurs vives, témoigne du talent de Drew en tant que graveur et de sa compréhension du pouvoir du street art à communiquer des messages complexes de manière accessible. La sérigraphie « They Say Raps Changed » est une œuvre culturelle qui capture l'esprit d'un moment particulier de l'histoire du hip-hop, tout en alimentant les débats contemporains sur le genre. Mark Drew continue ainsi de contribuer au discours sur le street art, le pop art et la convergence entre culture visuelle et musique. Ses estampes, d'une grande force esthétique, offrent un regard historique, établissant des ponts entre différentes époques et genres et invitant le spectateur à explorer les liens profonds qui les unissent.

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Francisco Goya Saturne dévore son fils - Œuvre remixée, tirage giclée en édition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste moderne Luke Chueh. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Format : 19 x 34 pouces.

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Exposition d'icônes - Œuvre d'art Lady Liberty, impression giclée en édition limitée sur papier glacé par l'artiste de graffiti de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Affiche promotionnelle rarissime en excellent état, issue du concert « Icons » de Mr. Brainwash à New York en 2010. Dimensions : 89 x 58,5 cm / 36 x 24 pouces. Lithographie offset sur papier glacé fin. Signée dans la planche. 2010

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Statue de la Liberté - Pont de Brooklyn - Châteaux d'eau. Édition limitée. Sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Octo Girl, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

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Figurine de collection HazMad Spray Can Mutant, édition limitée, œuvre d'art en vinyle signée Jeremy MadL x Martian Toys. Coloris conçu par Jeremy MadL. 20 cm de haut, 6 points d'articulation, 2 paires de chaussures, gomme et Vans incluses. Effet sonore garanti ! Édition limitée à 250 exemplaires. La rue n'est plus un endroit sûr ! Non seulement vous devez vous cacher des flics et vous battre pour les murs contre les bandes rivales, mais en plus, être dehors, c'est la galère ! Le danger rôde de toutes parts, alors ce MadCan est paré pour continuer à s'amuser tout en restant protégé. Cette bombe de peinture Mad Mutant Vinyl de 20 cm est là pour dominer votre vinyle, habiller vos murs et vous rappeler de vous laver les mains. Conçue par le légendaire Jeremy Madl et fabriquée par les créateurs de jouets extraterrestres et déjantés de Martian Toys, préparez-vous à une bande de bombes de peinture mutantes, crasseuses et complètement déjantées, qui vont vous faire trembler !

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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1 • 12 • 5 • 24 Peinture originale technique mixte sur toile par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2017, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol sur toile prête à accrocher, format 18 x 24 pouces. « À travers cela, nous sommes restés inébranlables, alors que notre défi était de renverser le destin. Mais cette possibilité s'est évanouie, n'est-ce pas ? Nous avons enduré ensemble, et souvent seuls, pour nous tous, pour demain et pour hier, pour ce qui aurait pu être et pour ce qui est, pour ce qui est et pour ce qui pourrait bien être, de peur de nous oublier et de nous servir de nos souvenirs, de nos échecs et de notre résilience, quand se tenir debout était tout ce qui comptait. » - Eddie 1 • 12 • 5 • 24 Peinture originale technique mixte sur toile par Eddie Colla 1 • 12 • 5 • 24 est une puissante œuvre originale sur toile, réalisée en technique mixte par l'artiste de rue Eddie Colla. Créée en 2017, cette œuvre signée mesure 45,7 x 61 cm et est exécutée à l'acrylique et à la bombe aérosol. Elle incarne l'énergie brute et la narration complexe qui caractérisent le Street Pop Art et le graffiti. L'œuvre présente un portrait saisissant d'un individu masqué, rendu dans des tons de noir et de sépia très contrastés, avec des textures et des effets d'usure qui évoquent les thèmes de la résilience, de la rébellion et de la survie. Eddie Colla est reconnu pour sa capacité à saisir la charge psychologique et émotionnelle des luttes contemporaines à travers son art. Ses personnages, souvent masqués ou vêtus d'équipements de protection, reflètent les thèmes de l'identité, de la résistance et des troubles sociaux. Les bords dentelés et la surface patinée de cette œuvre renforcent son esthétique industrielle et urbaine, lui conférant l'apparence d'un fragment d'une histoire plus vaste et méconnue. Ce tableau n'est pas qu'un simple portrait : c'est un récit encapsulé dans la texture, le symbole et la forme, invitant le spectateur à réfléchir aux implications profondes de la persévérance, de la résistance et de la mémoire. Eddie Colla et son influence sur le street art, le pop art et le graffiti Eddie Colla est un artiste de rue et peintre contemporain américain dont l'œuvre explore fréquemment les thèmes de la dégradation urbaine, de la désobéissance civile et de la persévérance existentielle. Son art est profondément influencé par la culture graffiti, l'esthétique punk et les récits dystopiques, et met souvent en scène des personnages masqués évoluant dans des environnements hostiles ou incertains. À travers son travail, Colla aborde les questions de liberté individuelle, de contrôle gouvernemental et des luttes des communautés marginalisées. 1 • 12 • 5 • 24 illustre parfaitement son langage visuel caractéristique : des personnages à l’identité floue, des textures superposées imitant des surfaces vieillies ou dégradées, et une numérotation ou une inscription cryptique suggérant des messages codés ou des histoires cachées. Son utilisation du pochoir et de la peinture en aérosol, combinée à des éléments peints à la main, fait le lien entre les beaux-arts et la culture urbaine, renforçant l’esprit éphémère et rebelle du graffiti. Cette œuvre est une représentation saisissante de son exploration continue des thèmes de la survie et de la mémoire, constituant à la fois une affirmation esthétique et une réflexion culturelle. Le symbolisme et la puissance esthétique de 1 • 12 • 5 • 24 La figure masquée de ce tableau se dresse comme un puissant emblème de protection et de contestation. Son regard, partiellement voilé mais intensément expressif, invite le spectateur à la contemplation : à quoi le sujet est-il confronté ? Quelles épreuves a-t-il endurées ? Le fond texturé et rugueux, ainsi que la palette de couleurs sourdes, amplifient le sentiment d’histoire qui imprègne l’œuvre, comme si le tableau lui-même avait été témoin de conflits invisibles et d’histoires tues. La présence de la numérotation énigmatique, 1 • 12 • 5 • 24, invite à l’interprétation, suggérant des thèmes tels que des messages codés, des dates importantes, ou une référence abstraite au temps et à la mémoire. Les surfaces texturées et vieillies de Colla reflètent la fugacité des paysages urbains et des expériences humaines. Les œillets dans la toile accentuent l'esthétique industrielle, renforçant l'idée qu'il ne s'agit pas simplement d'une œuvre d'art, mais d'une relique – un artefact d'un moment de résistance ou d'un futur imaginaire où la survie est un acte de défi. La capacité de l'œuvre à susciter l'émotion tout en préservant une part de mystère en fait un ajout fascinant au discours sur le street art et le graffiti. Collectionnabilité et impact culturel de l'œuvre d'Eddie Colla L'œuvre d'Eddie Colla a acquis une reconnaissance considérable dans le milieu de l'art urbain contemporain, ses pièces étant exposées dans des galeries et des installations publiques du monde entier. Son talent pour transposer la culture de la rue en art contemporain a rendu ses créations très recherchées par les amateurs de graffiti moderne et d'art dystopique. Cette œuvre originale, réalisée en techniques mixtes, possède une valeur unique car elle capture l'essence même de son style et de ses thèmes de prédilection. L'œuvre « 1 • 12 • 5 • 24 » témoigne de la résilience de l'expression humaine face à l'adversité. Elle trouve un écho auprès d'un public sensible à l'art à la fois visuellement saisissant et conceptuellement profond. L'alliance de détails peints à la main, de pochoirs et d'éléments industriels en fait une œuvre singulière dans le travail de Colla, soulignant l'importance de l'art comme moyen de résistance, de mémoire et de critique sociale.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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UnReal Estate - La Sorcière attend. Tirage sérigraphique bicolore phosphorescent, réalisé à la main et imprimé en édition limitée sur papier d'art par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Faisant partie de la collection UnReal Estate. He-Man, Château des Ombres, La Sorcière, Super-héros, Guerrier, Crâne, Château Légère pliure hors de l'image sur le côté inférieur droit.

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Chaz Bojorquez MOCA Art dans la rue Œuvre d'art en bombe de peinture noire par Montana MTN Édition limitée Artiste Peinture Crossover Graffiti Art de rue. 2011 Signé, imprimé Chaz Bojorquez MOCA Couleur noire Édition limitée à 500 exemplaires Bombe de peinture avec boîte personnalisée Objet Œuvre d'art Taille 3x8 Montagne du Montana Rempli de peinture. Bombe de peinture MOCA Chaz Bojórquez par Montana MTN La bombe de peinture en édition limitée Chaz Bojórquez MOCA Art in the Streets de Montana Colors est un vibrant hommage à l'un des pionniers les plus respectés de la culture graffiti de la côte ouest américaine. Lancée en 2011 à l'occasion de l'exposition emblématique MOCA Art in the Streets, cette pièce rare fusionne l'importance historique du style calligraphique Cholo de Bojórquez avec l'héritage influent de la gamme de bombes design de Montana MTN. Cette édition limitée à 500 exemplaires présente une reproduction imprimée de la silhouette squelettique et du style distinctifs de Bojórquez, superposés à des textures urbaines brutes. Chaque bombe, remplie de peinture noire, est présentée dans un coffret imprimé personnalisé, à la fois objet de collection et réflexion sur la dualité entre objet utilitaire et œuvre d'art. L'héritage de Chaz Bojórquez dans le street art pop et le graffiti Né et élevé à Los Angeles, Chaz Bojórquez a développé un graffiti profondément personnel et ancré dans sa culture, puisant son inspiration dans l'écriture cholo, un style calligraphique issu des gangs de l'est de Los Angeles. En introduisant cette esthétique dans le monde des beaux-arts, Bojórquez a remis en question les hiérarchies établies et a légitimé le lettrage urbain comme une forme d'art à part entière. Ses œuvres intègrent souvent des crânes, des motifs gothiques et des lettres stylisées qui reflètent les luttes, les histoires et les codes spirituels de sa communauté. Son influence a contribué à élever la culture visuelle de la rue à une reconnaissance institutionnelle, et sa participation à l'exposition « Art in the Streets » du MOCA a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain, lorsque les musées ont ouvertement célébré le graffiti. Montana MTN et le format d'objet du Street Pop Art Montana Colors, fabricant européen légendaire de peintures aérosol, soutient depuis longtemps les graffeurs grâce à des produits spécialisés et des collaborations exclusives. Leurs bombes de peinture artistiques en édition limitée brouillent les frontières entre outil et sculpture de collection, embrassant le langage corporel du graffiti comme un nouveau médium artistique. En invitant des artistes comme Chaz Bojórquez à concevoir ces bombes, Montana MTN reconnaît la valeur culturelle du graffiti originel tout en invitant un public plus large à l'apprécier. Ces bombes ne sont pas de simples contenants de peinture, mais de véritables œuvres d'art représentant l'évolution de l'expression urbaine. La surface imprimée personnalisée, la forme iconique et le contenu fonctionnel font de chaque édition un hybride unique de tradition, de marque et de subversion. Chaz Bojórquez et l'héritage de l'art dans la rue L'exposition « Art in the Streets » du MOCA de 2011, organisée par Jeffrey Deitch, a fait découvrir l'œuvre de Bojórquez à un public international. Sa contribution s'est distinguée par sa profondeur historique et son authenticité, ancrant le récit de l'exposition dans les racines souvent méconnues du graffiti de la côte ouest américaine. La bombe aérosol créée en collaboration avec Montana MTN pour l'occasion capture cet esprit. Elle arbore un crâne monochrome orné d'un motif de fedora et de textures murales brutes, évoquant l'une de ses fresques murales les plus emblématiques. En transformant ce motif en une bombe aérosol fonctionnelle, le projet réinterprète les éléments traditionnels du graffiti en une œuvre d'art commémorative et portable. Cette pièce représente non seulement l'héritage de Bojórquez, mais aussi le message plus profond du graffiti comme expression d'identité, de résistance et de maîtrise du design au sein du Street Pop Art et du graffiti.

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Cadre mural - Sculpture en bombe de peinture rouge, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Le Parrain, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Marie Bergeron, artiste de rue issue de la contre-culture. Inspiré du classique intemporel de Francis Ford Coppola, Le Parrain. Exposé à la Hero Complex Gallery de Los Angeles dans le cadre de l'exposition « A Life of Crime ». Lauréat du concours d'affiches de films alternatifs du Festival de Cannes / Film Doo.

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El Sol, tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ellen Gobeille. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Format : 35,6 x 35,6 cm (14 x 14 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 25 exemplaires

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Together Black Companion Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2018, format 6x10x5,5, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, représentant les compagnons de Kaws enlacés par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Lorsqu'on considère l'évolution du pop art et du street art, on ne peut ignorer l'apport majeur de Brian Donnelly, plus connu sous son pseudonyme de Kaws. Parmi ses nombreuses œuvres emblématiques, la figurine « Together Companion Art Toy » témoigne de sa maîtrise et de son style unique. Sortie en 2018 en édition limitée, cette sculpture en vinyle a rapidement été épuisée, s'imposant comme une pièce de collection très recherchée. Mesurant 15,2 x 25,4 x 14 cm, elle dégage une émotion palpable, grâce à la représentation de deux personnages Companion, créations emblématiques de l'artiste, enlacés tendrement. Leur étreinte, symbole d'amitié et d'unité, illustre avec force l'interconnexion souvent présente dans les communautés urbaines où le street art s'épanouit. Chaque détail de la sculpture, jusqu'au pied estampillé ou imprimé, souligne l'engagement de Kaws envers l'authenticité. Présentée dans sa boîte d'origine, cette œuvre d'art est bien plus qu'un simple jouet ; C'est le reflet de la capacité du street art à saisir les émotions humaines brutes. Avec des œuvres comme le « Together Companion Art Toy », Kaws continue de valoriser le street art, lui assurant ainsi une place essentielle et respectée dans le discours artistique global.

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ZF-1 Édition Limitée Série ICON Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par DKNG Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Arme Zorg ZF-1 Pod du film Le Cinquième Élément. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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TikkyWow MEGA TEQ63, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti de rue Quiccs x Martian Toys. Figurine vinyle Tikkywow MEGA TEQ63 de 30 cm (12 pouces) – 2021 – par Tikkywow x Quiccs x Martian Toys. Édition limitée à 222 exemplaires dans la boîte Artist Series MegaTEQ 01. Bulletpunk : La Quête de la Fin du Jeu.

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Je plaisante - Sculpture en bombe de peinture cyan en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et très cool, édition limitée Mr Brainwash, représentant une œuvre d'art réalisée à partir d'une bombe de peinture.

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Je ne suis personne - Nuit - Sérigraphie artisanale en édition limitée 7 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste pop art célèbre et rare. Édition ouverte signée 2022, épuisée, 30x20

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Estampe d'archive Hush-Hush de Giorgiko, édition limitée sur papier d'art en coton, art pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à déterminer (2023). Format : 20 x 25 cm. Impression pigmentaire d'art de qualité supérieure, représentant un garçon ou une fille tenant un biscuit. Image : 15 x 20 cm, bordures blanches de 2,5 cm. Impression par Static Medium. Hush-Hush Mini par Giorgiko – Impression pigmentaire d'archives dans le style Street Pop Art et Graffiti « Hush-Hush Mini » est une estampe pigmentaire d'archives de 2023, créée par Giorgiko. Version réduite de ses œuvres de plus grand format, elle est imprimée sur papier d'art en coton par Static Medium. Mesurant 20 x 25 cm (8 x 10 pouces), avec une image de 15 x 20 cm (6 x 8 pouces) et des bordures blanches de 2,5 cm (1 pouce), cette édition limitée, signée et numérotée, capture l'intensité émotionnelle et la dualité stylistique qui définissent l'univers visuel de Giorgiko. L'œuvre met en scène son personnage androgyne emblématique, aux traits arrondis et au regard vide, tenant un cookie aux pépites de chocolat et vêtu d'une fraise de style Renaissance, d'une veste et d'une casquette streetwear modernes. Ce mélange d'expression douce, de références historiques et de clins d'œil à la culture pop illustre la capacité de Giorgiko à fusionner les beaux-arts avec une subtile dissonance contemporaine. Symbolisme émotionnel dans un format minimaliste La petite taille de Hush-Hush Mini n'altère en rien sa force émotionnelle. Le personnage récurrent de Giorgiko, d'une simplicité visuelle remarquable mais riche de suggestions, se dresse seul sous un ciel aux teintes douces, parsemé de nuages ​​rose tendre. Son regard en coin, presque hésitant ou curieux, renforce le thème de l'œuvre, celui de l'observation silencieuse et de la pause intime. Le contraste entre le col orné et la casquette décontractée évoque le conflit d'identités à travers le temps, les traditions et la culture urbaine. Le biscuit, tenu dans la main du personnage, devient un symbole d'innocence, de simplicité, voire de gourmandise – un objet rassurant dans un univers surréaliste et chargé d'émotion. Cette retenue visuelle et cette ambiguïté invitent le spectateur à construire sa propre interprétation, une technique que Giorgiko utilise avec brio dans l'ensemble de son œuvre. Artisanat et narration dans le pop art urbain L'art de Giorgiko s'ancre dans la précision, l'atmosphère et une narration minimaliste mais évocatrice. Leur fusion de surréalisme pop et de techniques picturales classiques les distingue dans le domaine du street art et du graffiti. Dans « Hush-Hush Mini », les artistes combinent une simplification proche de la bande dessinée à une profondeur picturale, créant un personnage à la frontière du fantastique et du quotidien. Le choix d'associer un rendu délicat à des éléments de la culture urbaine, comme la casquette et le blouson aviateur, renforce leur esthétique de la douce contradiction. Le col à collerette, peint avec une transparence presque palpable, confère à l'œuvre une dimension quasi cérémoniale. L'utilisation subtile d'une lumière douce et de tons pastel ajoute une lueur onirique, accentuant la quiétude émotionnelle et la mélancolie contemporaine qui se dégagent du personnage. Le rôle de Giorgiko dans l'art urbain figuratif moderne Fruit d'une collaboration entre Darren et Trisha Inouye, l'œuvre de Giorgiko reflète une sensibilité commune axée sur la quiétude visuelle, l'identité et la solitude. Hush-Hush Mini condense ces thèmes dans un format compact et très prisé des collectionneurs. Son message, discret et subtil, s'exprime par l'atmosphère, la posture et des indices visuels délicats. Dans le contexte du street art et du graffiti, cette pièce révèle une facette plus douce du genre, privilégiant l'introspection à la rébellion. Giorgiko capture le paysage émotionnel de la vie moderne à travers des personnages peu bavards mais aux émotions intenses. Hush-Hush Mini est à la fois accessible et énigmatique : un murmure visuel qui résonne encore, porteur de pensées inexprimées.

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Papier buvard Hiatus Kaiyote Tigercorn, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Lauren YS, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Hiatus Kaiyote Tigercorn par Lauren YS : Iconographie psychédélique dans le street art pop et le graffiti « Hiatus Kaiyote Tigercorn » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, aux couleurs éclatantes, créée par Lauren YS, artiste visuelle américaine reconnue pour son surréalisme teinté de néon et son travail ancré dans le street art et la culture pop underground. Sortie le 19 avril 2021, cette estampe de 19 x 19 cm a été réalisée sur papier buvard perforé, signée, numérotée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Chaque exemplaire a été perforé à la main par Zane Kesey, renforçant ainsi son lien avec la riche histoire visuelle du buvard art et du mouvement psychédélique. La force visuelle indéniable de l'œuvre et son imagerie à la fois ludique et agressive la distinguent dans le paysage du street art et du graffiti contemporains, mêlant hommage musical, mythologie personnelle et esthétique psychédélique dans une création explosive. La figure centrale, un hybride tigre-licorne aux tons verts et bleus saturés se détachant sur un fond rose tourbillonnant, est à la fois fantastique et provocatrice. Le corps rayé de la créature intègre astucieusement le nom Hiatus Kaiyote, en hommage au groupe australien avant-gardiste connu pour sa fusion de soul, de jazz et de sonorités électroniques. L'illustration irradie d'énergie grâce à son fond tourbillonnant et au design exagéré des personnages, dont les contours audacieux et les motifs psychédéliques créent l'équivalent visuel d'un courant électrique. Le style dessiné à la main et l'utilisation de couleurs fluorescentes saturées reflètent la démarche caractéristique de Lauren YS, qui fait le lien entre l'illustration en studio et le travail mural, tout en explorant les thèmes de la transformation, de l'émancipation et de la perception altérée. Lauren YS et le langage de la néo-psychédélie Lauren YS s'est fait un nom grâce à une œuvre qui explore le fantastique, la mutation et le remixage culturel. Son art fusionne souvent les formes humaines et animales avec des éléments oniriques, puisant son inspiration dans la science-fiction, la mythologie et la symbolique des subcultures. Avec Hiatus Kaiyote Tigercorn, le choix du buvard comme médium est un clin d'œil délibéré aux traditions visuelles psychédéliques, et son échelle et son format imitent les dimensions exactes des buvards de LSD traditionnels. Ce lien n'est pas seulement esthétique, mais aussi historique. Les buvards psychédéliques servaient souvent de supports à l'expérimentation visuelle, arborant des illustrations qui reflétaient ou amplifiaient l'expérience psychédélique. En utilisant ce format pour immortaliser un hybride félin psychédélique, Lauren YS honore et modernise à la fois l'héritage de cette forme d'art. Comme pour toutes les œuvres imprégnées de culture urbaine, l'immédiateté et l'impact sont essentiels. Hiatus Kaiyote Tigercorn y parvient grâce à son énergie chaotique et sa palette saturée, qui trouverait tout aussi bien sa place sur le mur d'une galerie que sur la façade d'un immeuble. La forme surréaliste et les traits hyperexpressifs de l'animal suggèrent à la fois humour et intensité, le rendant impossible à ignorer. Ceci correspond à l'importance accordée par le Street Pop Art et le Graffiti à la création d'un impact émotionnel par l'image et la couleur, notamment dans des formats publics ou alternatifs. Symbolisme, identité et surréalisme dans le format psychédélique La créature hybride au cœur de Hiatus Kaiyote Tigercorn est bien plus qu'un simple élément décoratif. Ses caractéristiques – corps rayé, corne de licorne, dents apparentes – traduisent tension et dualité. Elle est à la fois féroce et fantasque, gracieuse et dangereuse. Ces contradictions reflètent la double nature de nombreuses expériences psychédéliques, oscillant entre beauté et chaos. La typographie intégrée aux rayures du tigre souligne l'influence du son et du rythme, représentant visuellement l'impact de la musique de Hiatus Kaiyote. Cette combinaison de stimulations auditives et visuelles fait écho aux expériences synesthésiques souvent rapportées sous l'effet des psychédéliques, renforçant la pertinence de ce format dans la culture psych-pop contemporaine. L'utilisation par Lauren YS d'influences issues du street art, du surréalisme comique et de métaphores visuelles superposées confère une profondeur à ce qui peut paraître au premier abord comme un design ludique. Le style exagéré et le format de créature mythique évoquent les états oniriques et les mondes imaginaires. Leur langage artistique rejoint le graffiti et le surréalisme pop, deux mouvements qui mettent en avant des figures déformées, des palettes éclatantes et une résistance sociale exprimée par le biais du fantastique. L'utilisation de papier buvard perforé transpose cet esprit rebelle sur une surface tactile historiquement associée à la liberté radicale et à l'ouverture d'esprit. Le papier buvard comme support dans le pop art urbain contemporain L'œuvre « Hiatus Kaiyote Tigercorn » illustre comment les artistes contemporains se réapproprient le buvard, non plus comme simple référence nostalgique, mais comme un support artistique à part entière. En perforant chaque estampe à la main, Zane Kesey lui confère une authenticité culturelle et matérielle qui rattache ces œuvres à une tradition underground d'exploration chimique et d'esthétique révolutionnaire. La contribution de Lauren YS se distingue par son immédiateté, son audace symbolique et sa palette de couleurs explosive, transformant chaque feuille en un portail d'intensité visuelle et conceptuelle. S'inscrivant dans le renouveau plus large de l'art du buvard au sein du Street Pop Art et du Graffiti, cette estampe se situe au carrefour de la musique, du psychédélisme et du récit visuel. Lauren YS continue de redéfinir la manière dont l'art urbain peut interagir avec les formats traditionnels tout en repoussant ses frontières vers de nouvelles mythologies et des territoires imaginaires. À travers leurs personnages audacieux et leurs visuels kaléidoscopiques, elles offrent non seulement une image, mais une invitation à percevoir, questionner et célébrer des perspectives nouvelles.

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Mossiae - Bourgogne - Sérigraphie artisanale 24 couleurs sur papier satiné Somerset 330 g/m² par l'artiste pop graffiti Fin DAC - Œuvre d'art de rue rare en édition limitée Findac . Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 24,8031 x 33,8583 cm « Mossiae - Bourgogne » de Fin DAC : Une symphonie en sérigraphie L'œuvre « Mossiae - Burgundy » de Fin DAC illustre la transition du street art pop vers les beaux-arts grâce à un procédé d'impression sérigraphique méticuleux. Cette sérigraphie artisanale en 24 couleurs sur papier Somerset Satin 330 g/m² est une pièce rare dans l'œuvre de l'artiste, incarnant la rencontre entre le dynamisme brut du street art et la précision de la production artistique haut de gamme. Limitée à 150 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par Fin DAC, attestant de son exclusivité et de l'implication directe de l'artiste dans sa création. Comprendre la nuance artistique de Fin DAC dans « Mossiae - Bourgogne » L'œuvre, mesurant 63 x 86 cm, illustre l'esthétique singulière de Fin DAC, qu'il nomme « Esthétique Urbaine ». Dans « Mossiae - Bourgogne », le sujet est une figure féminine à l'allure presque éthérée, se détachant sur un fond bordeaux profond. Le visage est marqué par le style caractéristique de Fin DAC : des lignes nettes et précises, et une touche de couleur vibrante autour des yeux, qui font office à la fois de masque et de fenêtre sur l'âme. Ce motif visuel est un clin d'œil à ses influences classiques du portrait, avec une touche contemporaine qui capture l'essence même du pop art graffiti. Impact culturel et réception de l'œuvre « Mossiae-Bourgogne » du CAD de Fin L'influence de Fin DAC sur le street art pop est manifeste dans des œuvres telles que « Mossiae - Burgundy », très recherchées par les collectionneurs et les amateurs. Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple création visuelle : c'est un véritable artefact culturel qui capture l'esprit du street art contemporain. L'accueil réservé à cette œuvre témoigne de la reconnaissance et de la valorisation croissantes de l'art inspiré du graffiti au sein des collections d'art. La vision de l'artiste en tirages en édition limitée Le choix de la sérigraphie pour « Mossiae - Burgundy » est délibéré, permettant à Fin DAC d'explorer le jeu des textures et des couleurs sur papier, un médium qui préserve l'essence tactile du street art. Le tirage limité de cette estampe garantit à chaque exemplaire une place unique dans le parcours artistique de Fin DAC, tout en offrant au collectionneur un lien tangible avec sa vision. En somme, « Mossiae - Burgundy » témoigne de la maîtrise de son médium par Fin DAC et de sa capacité à communiquer des récits profonds à travers le langage visuel du pop art urbain. Son œuvre, à la croisée de l'expression spontanée et de la sophistication des galeries, fait de lui une figure incontournable de l'art contemporain.

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Nuka Cola Quantum - Édition limitée GID Blue 2 couleurs phosphorescentes, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Ron Guyatt, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP Nuka Cola phosphorescente, tirée de l'univers du célèbre jeu culte Fallout.

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Signes des crimes - Œuvre d'art rose vif encadrée, impression d'archives à séchage UV sur panneau d'aluminium HD verni, par l'artiste de culture pop urbaine Ron English - POPaganda. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020). Œuvre de 61 x 61 cm encadrée et prête à accrocher. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Sculpture en polystone Camden Maid, édition limitée, œuvre de l'artiste Brandalised, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. 2021 20 cm - Vous avez un secret à cacher ? Un problème à ignorer ? Un historique de navigation douteux ? Ou vous souhaitez simplement oublier une année difficile ? Camden Maid de Brandalised est là pour vous aider ! Quels que soient vos secrets, elle les dissimulera dans le mur, où personne ne les trouvera. C'est la personne idéale et la plus fiable pour cacher des secrets. Cette figurine de collection en polystone détaillée arbore la peinture au pochoir que vous appréciez tant dans nos collaborations Brandalised. Des détails incroyables ornent la pièce, des plis du mur soulevé aux traits du visage de Camden Maid. Possédez une œuvre d'art urbain iconique comme jamais auparavant. Sous licence BRANDALISED™ © Full Colour Black Ltd. MMXXII

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Cartes du métro de New York IV Édition limitée Peinture en aérosol Embellie à la main Impressions pigmentaires HPM d'archives sur papier Moab Fine Art par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2019. Tirage d'art en édition limitée à 15 exemplaires, signé et numéroté. Format : 43,2 cm x 61 cm (17 x 24 pouces). « Plans du métro de New York IV », 2019. Tirage pigmentaire d'archive en couleurs avec embellissements à la main sur papier Moab Fine Art. Édition limitée à 15 exemplaires. Signée et numérotée au crayon en bas à gauche. Une déchirure de 1,25 cm (0,5 pouce) est visible sur la bordure inférieure gauche. L'intégration des récits urbains : les cartes du métro de New York de Cope2 IV « New York City Subway Maps IV » de Cope2 est une fusion dynamique entre l'énergie brute du graffiti et l'esthétique raffinée du Pop Art moderne, incarnant le pouls de la vie urbaine sur un objet tangible témoignant du quotidien new-yorkais. Cette série limitée de 2019, composée de seulement 15 exemplaires signés et numérotés, représente une contribution majeure au mouvement du Street Pop Art et du graffiti. Chaque pièce, de format 43 x 61 cm, est une impression pigmentaire d'archive rehaussée à la main sur papier Moab Fine Art, offrant un mélange unique de culture urbaine et d'art contemporain. La signature de Cope2 authentifie l'œuvre, et son numéro d'édition est inscrit au crayon en bas à gauche. L'un des exemplaires présente une petite déchirure de 1,3 cm, ajoutant à son authenticité. L'œuvre constitue une archive visuelle de l'histoire du graffiti new-yorkais, immortalisant cet art spontané, souvent éphémère, qui orne les plans du métro de la ville. Originaire du Bronx, Cope2 apporte à son travail authenticité et crédibilité, fort d'une réputation de plus de trente ans sur la scène graffiti. Son œuvre « New York City Subway Maps IV » reflète la nature complexe et stratifiée de l'art urbain, où tags et symboles s'entremêlent pour raconter l'histoire des divers habitants de la ville. À la croisée du street art et des beaux-arts chez Cope2 L'œuvre de Cope2 se situe à la croisée du street art et des beaux-arts, capturant l'essence de l'un dans la forme de l'autre. Ses pièces dépassent la simple représentation du graffiti ; elles sont le fruit de l'expérience vécue de l'artiste et de son interaction avec l'environnement urbain. Les couleurs vives et saturées, ainsi que les coups de pinceau énergiques, évoquent l'âge d'or du graffiti des années 1980 et 1990, lorsque des artistes comme Cope2 ne se contentaient pas d'embellir la ville, mais marquaient des territoires et exprimaient des identités. Le format limité de « New York City Subway Maps IV » et les embellissements réalisés à la main par Cope2 lui-même garantissent que chaque estampe est une œuvre unique, incarnant à la fois l'esprit du street art originel et la touche personnelle de l'artiste. La série encapsule la brutalité de la culture graffiti tout en la sublimant par la technique de l'estampe d'art, remettant en question les notions traditionnelles de ce qui constitue l'art et de qui est considéré comme un artiste. L'œuvre de Cope2 célèbre le langage visuel de la rue, présenté dans le contexte des beaux-arts. Elle offre un récit profondément ancré dans le tissu culturel new-yorkais, offrant un aperçu d'un mouvement qui a évolué de la marge vers le courant dominant. La série « New York City Subway Maps IV » rend non seulement hommage à l'histoire du street art, mais affirme également sa place dans la continuité de l'art contemporain. À travers son travail, Cope2 continue d'influencer et de façonner le dialogue autour du street art et du graffiti, garantissant ainsi que le dynamisme de la culture urbaine demeure un élément essentiel du discours du monde de l'art.

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LA Blue SuperKranky SuperPlastic Art Toy par OG Slick Édition Limitée Janky Vinyl Art Toy Œuvre d'art de collection par Modern Design Artist x Sket-One x Big Dicks Hardware . Figurine SuperKranky Janky Superplastic en vinyle, édition limitée OG Slick 2023 (444 exemplaires), neuve en boîte. Inspirée de la peinture aérosol « BDH Big Dicks Hardware Bukkake » d'OG Slick. LA Blue SuperKranky SuperPlastic Art Toy par OG Slick La figurine SuperKranky SuperPlastic LA Blue d'OG Slick est une pièce de collection vibrante et dynamique qui capture l'essence du pop art urbain et de la culture graffiti. Sortie en 2023, cette figurine en vinyle en édition limitée a été produite à seulement 444 exemplaires, ce qui en fait un objet très recherché par les collectionneurs et les amateurs d'art. Mesurant 15 x 20 cm, cette figurine SuperKranky est une œuvre collaborative magistrale, fruit de la vision créative audacieuse d'OG Slick, Sket-One et Big Dicks Hardware. Elle s'inspire du design iconique de la bombe de peinture BDH Bukkake d'OG Slick, mêlant humour, esthétique du street art et design moderne dans un objet d'art unique. Un hommage audacieux à la culture graffiti Ce jouet SuperKranky rend hommage à l'esprit du graffiti grâce à son design unique. La figurine ressemble à une bombe de peinture, avec son bouchon amovible et son mécanisme de hochet imitant le bruit d'une vraie bombe. Le coloris bleu Los Angeles, rehaussé de détails noirs et blancs, crée une composition visuellement saisissante, à la fois ludique et décalée. Les gants malicieux et la typographie audacieuse évoquent l'énergie rebelle et créative propre au graffiti et à la culture street art, tandis que le logo « Big Dicks Hardware » ajoute une touche d'humour et de satire. La vision d'OG Slick et de ses collaborateurs OG Slick, artiste de rue pionnier reconnu pour ses racines dans le graffiti et son influence sur l'art contemporain, est le créateur de cette pièce. Né et élevé à Los Angeles, OG Slick a joué un rôle majeur dans l'évolution du graffiti et du pop art urbain, mêlant les éléments traditionnels du graffiti à des concepts de design novateurs. Cette collaboration réunit également Sket-One, autre artiste de rue influent, et Big Dicks Hardware, dont l'identité visuelle audacieuse confère une touche industrielle et brute à l'esthétique du jouet. Ensemble, ils apportent à cette œuvre d'art un mélange unique de créativité et de réflexion culturelle. Un objet de collection rare et recherché Le LA Blue SuperKranky est une pièce maîtresse dans l'univers des figurines d'art en vinyle. Tirée à seulement 444 exemplaires, chacun estampillé par OG Slick, cette figurine est un objet de collection très prisé des amateurs de pop art urbain et de graffiti. Livrée neuve dans un coffret au design exclusif, elle n'est pas qu'un simple objet de décoration : c'est une véritable immersion dans la culture du street art contemporain. Ses fonctionnalités interactives, comme le bruit d'une bombe de peinture, la transforment en un objet bien plus qu'un simple objet de collection statique, un hommage aux outils et à l'esprit du graffiti. La figurine LA Blue SuperKranky SuperPlastic Art Toy d'OG Slick incarne à la perfection la transition du street art vers le monde des objets de collection. Alliant humour, savoir-faire et portée culturelle, cette figurine en édition limitée propose une vision audacieuse et moderne de la rencontre entre art, design et culture urbaine. Un incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de graffiti et de figurines en vinyle.

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Croquis de Wolverine, dessin original au marqueur sur papier beaux-arts, par Rich Pellegrino, artiste de rue et de pop art moderne. Dessin original au feutre signé par Rich Pellegrino, 2013. Dimensions : 9 x 12 pouces.

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Night Owl - Sérigraphie bicolore bleue tirée à la main sur papier beaux-arts par l'artiste recherché Nate Duval, œuvre d'art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée, format 8 x 10 pouces, encre métallisée, 2014

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Sérigraphie en édition limitée de l'œuvre GTO de Threepio, imprimée sur papier Metallic Star Dream Cover Stock de 100 lb par l'artiste de graffiti pop culture Lil Tuffy. Lil Tuffy - « Threepio's GTO » Sérigraphie 1 couleur, édition limitée à 100 exemplaires, papier métallisé Star Dream 100 lb, 44,5 x 58,5 cm

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AK40Heaven Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur métal par Fil Fury, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette pièce s'inspire de la musique House et Garage britannique de la fin des années 90. J'avais créé une œuvre numérique originale à partir de photos prises il y a quelques années. Cette œuvre a ensuite été modifiée pour créer une édition spéciale pour 1xRUN. La crosse a été ajoutée au pistolet et imprimée sur métal. C'est incroyable ! Je suis ravi du résultat ; la tôle reflète les textures de la platine Technics originale. Ces platines ont bercé ma jeunesse. » – Fil Fury

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« La Cage et le Cœur de la Bête », épreuve d'imprimerie en sérigraphie sur papier d'art Somerset, par l'artiste Sandra Chevrier, œuvre en édition limitée. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP. Dimensions : 27 x 35,5 pouces. Sandra Chevrier (née en 1983) La Cage et le Cœur de la Bête, 2019. Sérigraphie en couleurs sur papier Somerset. 35,5 x 27 pouces (90,2 x 68,6 cm) (feuille). Signée et numérotée au crayon en bas. Éditeur : Graffiti Prints, Royaume-Uni. La puissance émotionnelle dans l'art de Chevrier « La Cage et le Cœur de la Bête » de Sandra Chevrier est une sérigraphie saisissante qui mêle l'intensité visuelle du street art à la profondeur émotionnelle du pop art. Cette épreuve d'artiste (PP), réalisée en 2019, est une œuvre emblématique qui confirme le talent exceptionnel de Chevrier dans le domaine de l'art contemporain. Publiée par Graffiti Prints au Royaume-Uni, cette pièce représente une confluence de techniques et de thèmes qui résonnent profondément au sein de la communauté artistique. « La Cage et le Cœur de la Bête » explore visuellement les notions d'identité, de contrainte et de libération. L'œuvre de Chevrier met souvent en scène le visage d'une femme dissimulé par des images de bande dessinée, une représentation des « cages » sociales qui peuvent définir et contraindre. Dans cette œuvre, les couleurs vives et les scènes de bande dessinée dynamiques et humoristiques qui recouvrent le visage du sujet servent à la fois de masque et de révélation du tumulte intérieur et de la force qui animent la femme. Cette estampe, mesurant 90 x 69 cm, témoigne de la maîtrise et de la précision de l'artiste en matière de sérigraphie, une technique qui permet une restitution fidèle d'images complexes. Le choix du papier Somerset pour cette estampe illustre l'exigence de qualité de Chevrier ; ce papier est réputé pour sa capacité à absorber l'encre et à produire des images riches et éclatantes. Commentaire de Chevrier sur la féminité et la force « La Cage et le Cœur de la Bête » de Chevrier est imprégnée d'un récit de féminité et de force. Elle invite le spectateur à contempler la juxtaposition de la vulnérabilité et du pouvoir, du visible et de l'invisible, du personnel et du collectif. L'intégration d'images de super-héros superposées au visage de la femme introduit un dialogue entre le fantastique et le quotidien, incitant à une réflexion sur l'héroïsme présent dans les combats personnels que nous menons. Cette œuvre, marquée « Épreuve d'imprimeur », souligne son statut unique dans le processus d'impression, étant généralement réservée à l'artiste et à l'imprimeur avant le tirage de l'édition finale. La désignation « EI » renforce la valeur de collection de l'œuvre, la désignant comme une pièce rare de Chevrier. Influence du street art, du pop art et du graffiti Dans l'univers du pop art urbain et du graffiti, l'estampe de Chevrier illustre avec éclat la rencontre entre l'intimité des beaux-arts et l'audace publique du street art. Son œuvre capture l'esprit d'accessibilité du street art et sa capacité à susciter une profonde résonance émotionnelle, tout en préservant le caractère précieux des estampes d'art en édition limitée. « La Cage et le Cœur de la Bête » de Sandra Chevrier est bien plus qu'une simple sérigraphie : c'est une œuvre narrative qui explore les thèmes de l'émancipation, de la contrainte et de l'identité. Elle reflète la place singulière de l'artiste dans le paysage du pop art urbain et du graffiti, où les frontières entre expression personnelle et commentaire culturel plus large s'estompent subtilement. À travers son art, Chevrier nous invite à prendre conscience des cages qui nous emprisonnent et à réfléchir au potentiel qui sommeille en chacun de nous pour révéler notre propre part d'ombre.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Lemmy Damaged Case 1 couleur, sérigraphie artisanale en édition limitée sur papier crème moucheté par Shepard Fairey, art urbain rare, artiste pop OBEY. Édition limitée à 550 exemplaires, signée et numérotée, de Lemmy (boîtier endommagé), 45,7 cm x 61 cm (18 pouces x 24 pouces), 10 septembre 2021. « J'ai d'abord été intrigué par Motörhead parce que les gars de GBH apparaissaient sur quelques photos avec des t-shirts du groupe arborant leur logo emblématique en forme de dent de scie. « Ace of Spades » est la première chanson de Motörhead que j'ai entendue, et je ne savais pas comment la classer : punk, metal, hard rock ?… mais je savais que c'était génial ! » – Shepard Fairey

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Tous à bord ! Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par David Lyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ce tableau fait partie de mon exposition actuelle intitulée « Tout le monde est critique ». Cette série propose un commentaire acerbe sur le monde de l'art et ce qui le rend mystérieux pour le public : l'art qui n'est pas l'œuvre des artistes eux-mêmes, le profit comme finalité, le jargon artistique, etc. L'idée centrale de cette pièce est l'acceptation et la commercialisation du graffiti. Autrefois perçu comme une nuisance illégale, le graffiti est aujourd'hui omniprésent dans les médias grand public, vendu comme une œuvre d'art et utilisé à des fins commerciales. » – David Lyle

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Stop The Virus, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie artisanale en noir et rouge (28 x 19 pouces). Imprimée sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 100 exemplaires. L'univers de Cleon Peterson est empreint d'une cruauté impitoyable, d'une débauche chaotique et d'une lutte sans fin contre le pouvoir et l'oppression. Ses compositions, d'une apparente simplicité, recèlent des connotations complexes et une critique troublante de la marginalisation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. À la vue de son œuvre, on comprend aisément que l'artiste ne prône pas la violence ; il l'utilise plutôt comme une arme dans sa lutte contre l'apathie.

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The Future Is Equal AP Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Couleur tirée à la main sur papier d'art crème moucheté Édition limitée Obey Pop Culture Épreuve d'artiste. Épreuve d'artiste AP 2022 signée par Shepard Fairey - OBEY et marquée AP. Œuvre d'art en édition limitée, format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. « J’ai grandi à une époque où les droits des femmes étaient en plein essor et où l’adoption de l’ERA était considérée comme inévitable. Avec 38 États ayant ratifié l’ERA, il est temps que nos dirigeants prennent leurs responsabilités et mettent en œuvre la volonté du peuple en veillant à son adoption. Il est grand temps que l’égalité des sexes devienne la loi du pays. Ce projet me touche particulièrement car la lutte pour l’égalité des sexes a toujours été ancrée dans l’activisme pour la justice sociale et il reste encore beaucoup à faire. » – Shepard Fairey L'avenir est égal, sérigraphie AP de Shepard Fairey L'estampe sérigraphique « The Future Is Equal AP » de Shepard Fairey est une œuvre visuelle percutante dans l'univers du street art et du graffiti. Réalisée en 2022, cette épreuve d'artiste (AP) de 45,7 x 61 cm, imprimée à la main sur papier d'art Speckletone couleur crème, porte un message fort sur l'égalité des sexes et les droits civiques. Sa composition saisissante mêle références historiques, codes visuels contemporains et esthétique engagée. Au centre, une femme coiffée d'une casquette rouge et noire ornée du symbole féministe affiche un regard déterminé sur fond d'iconographie juridique et militante. Sa veste porte l'inscription « ERA NOW », un appel clair à la ratification de l'Equal Rights Amendment (amendement sur l'égalité des droits). Un avis public faisant référence à l'élection présidentielle de 1972 est également imprimé en dessous, renforçant la dimension juridique et historique de l'œuvre. Symbolisme visuel et éléments stylistiques Le langage visuel de Fairey puise ses racines dans l'art des affiches de propagande, et cette œuvre utilise des tons rouges, noirs et bleus vifs pour évoquer l'urgence et la clarté. La composition est organisée comme une page de journal révolutionnaire, faisant écho aux publications historiques sur les droits civiques. À gauche, une figure représentant la Justice apparaît, renforçant l'équilibre entre loi et équité. Une bannière en haut proclame « L'avenir est égal », dans un style de titre de journal, en référence au Daily Times, et annonce l'adoption de l'amendement sur l'égalité des droits. Dans le coin inférieur droit, des manifestants lèvent le poing et brandissent des pancartes, avec des slogans tels que « Femmes libres et puissantes », ancrant directement l'œuvre dans la culture contestataire et les mouvements féministes actuels. Ces motifs combinés témoignent de l'engagement constant de Shepard Fairey envers un art urbain pop et un graffiti à la fois accessibles et subversifs. L'activisme pour la justice sociale dans l'art contemporain Né aux États-Unis en 1970, Shepard Fairey utilise depuis longtemps son œuvre pour mettre en lumière les thèmes de la justice, du pouvoir et de l'égalité. Artiste de la culture populaire issu du mouvement du street art, il diffuse un commentaire social dans des espaces aussi bien officiels que clandestins, privilégiant souvent la sérigraphie pour sa reproductibilité et sa portée historique. Cette estampe s'inscrit pleinement dans la démarche de Fairey visant à utiliser l'art visuel comme outil de plaidoyer politique, notamment à travers des œuvres antérieures soutenant la sensibilisation au changement climatique, le mouvement pacifiste et la lutte pour la justice raciale. « The Future Is Equal AP » s'inscrit dans cette lignée, utilisant les outils visuels de la propagande urbaine pour exiger des changements législatifs et une prise de conscience publique des enjeux liés aux droits des femmes. L'estampe politique dans la tradition pop de rue Cette œuvre s'inscrit dans une tradition plus large des mouvements graffiti et street art, qui consiste à utiliser la gravure et l'imagerie publique pour amplifier les voix réclamant un changement systémique. L'épreuve d'artiste de Fairey lui confère rareté et valeur pour les collectionneurs, tout en incarnant l'esprit fondamental d'accessibilité et d'activisme. L'image invite le spectateur à prendre conscience du travail inachevé accompli en matière d'égalité des genres, évoquant à la fois l'héritage des premiers activistes et la responsabilité des générations contemporaines. La combinaison de l'échelle, de la texture et de l'urgence visuelle capture l'essence même de ce que le street art et le graffiti peuvent accomplir lorsqu'ils sont unis par un engagement et une conscience historique.

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Jaguar Jag Mandala Édition Limitée Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs avec Couche Transparente UV sur Papier Beaux-Arts Coventry Rag 290 g/m² par Chris Saunders Artiste de Rue Graffiti Art Moderne Pop Art. « Jag Mandala » de Chris Saunders est une sérigraphie qui témoigne de la fascination de l'artiste pour les couleurs vibrantes, les motifs complexes et le symbolisme spirituel des mandalas. Chris Saunders est un artiste et illustrateur américain reconnu pour son travail multidisciplinaire dans les domaines des beaux-arts, du design et de l'animation. Il est réputé pour ses œuvres kaléidoscopiques d'une grande précision, qui combinent souvent techniques traditionnelles et numériques. Son travail explore une variété de sujets, tels que des paysages surréalistes, de l'art visionnaire et des thèmes spirituels. Le terme « mandala » désigne un symbole spirituel et rituel représentant l'univers dans l'hindouisme et le bouddhisme. Les mandalas sont généralement composés de motifs géométriques complexes et de dessins symétriques rayonnant à partir d'un point central. La création d'un mandala est souvent un processus méditatif, et l'œuvre achevée sert d'outil de concentration mentale pendant la méditation.

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