Alcides Escobar/ Soldat de la Première Guerre mondiale - Royals. Collage unique, embelli à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré d'Alcides Escobar/Soldat de la Première Guerre mondiale - Royals

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Blotter Paper Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé par Modern Pop Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Sérigraphie rose « Queen of Love » par Mr Brainwash - Thierry Guetta, imprimée à la main en 10 couleurs sur papier d'art à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires (2024). Œuvre d'art de format 22x22, sérigraphie d'une carte Reine de Cœur avec l'inscription « Forever Yours » en rose sur le devant. Une fusion vibrante d'esthétiques pop L'estampe sérigraphique rose « Queen of Love » de Mr Brainwash, alias Thierry Guetta, revisite avec fantaisie la carte classique de la Reine de Cœur. Créée en 2024 en une édition signée et numérotée de 50 exemplaires, elle mesure 56 x 56 cm et présente une captivante superposition de lettres rose vif : « Forever Yours ». L'œuvre fusionne une imagerie iconique avec des gestes expressifs qui évoquent l'énergie du street art et du graffiti, soulignant le talent de Guetta pour mêler le familier et le provocateur. Cette approche invite le spectateur à une rencontre dynamique entre tradition et style avant-gardiste, capturant l'essence même de la manière dont les images d'inspiration pop peuvent devenir des vecteurs d'expressions personnelles et de commentaires culturels. Le point focal de cette œuvre est la figure immédiatement reconnaissable de la Reine de Cœur, se détachant sur un fond évoquant un emballage cartonné marqué de ruban adhésif « fragile » et de symboles d'avertissement. Cette juxtaposition rend non seulement hommage à un motif intemporel de carte à jouer, mais le questionne également en le plaçant dans l'univers des emballages commerciaux du quotidien. Au centre de la composition, des inscriptions roses à la bombe de peinture flottent au-dessus du visage de la reine, évoquant la texture vibrante d'un véritable graffiti sur une surface inattendue. Tandis que les mots roses parcourent la carte, une dynamique saisissante se dégage : le regard du spectateur oscille rapidement entre les lignes royales de la reine et la spontanéité brute du texte. L'effet global est une tension captivante entre raffinement et rébellion. Fusion des techniques du street art pop et du graffiti Mr Brainwash puise son inspiration dans la culture urbaine, les icônes pop et les compositions inspirées du graffiti pour créer des images à la fois légères et subversives. Cette sérigraphie s'inspire des styles urbains en intégrant des aplats de couleurs vives et une typographie audacieuse. Le texte rose sur la carte à jouer suggère une impression d'immédiateté, comme si la peinture en aérosol venait d'être appliquée. Les lignes nettes du visage de la reine contrastent avec les contours irréguliers du fond, renforçant la tension propre au Street Pop Art et au graffiti, où des éléments graphiques sophistiqués se mêlent à une authenticité brute. En combinant les techniques formelles de la sérigraphie avec l'aléatoire des marques de graffiti, Mr Brainwash met en lumière le potentiel démocratique de l'art public, désormais investi dans des espaces privés. La Reine de Cœur comme symbole de dévotion L'image de la Reine de Cœur évoque l'amour, le pouvoir et le charme. Guetta s'empare de ces thèmes en y inscrivant « forever yours » (À jamais vôtre), enveloppant la figure royale d'une aura de romantisme et de désir. Dans un contexte moderne, les références aux cartes à jouer peuvent suggérer à la fois le risque et la récompense, reflétant la façon dont les relations personnelles impliquent souvent des actes de foi. L'inscription rose apporte une touche à la fois douce et audacieuse, conférant une dimension pop à ce qui pourrait autrement n'être qu'une simple représentation de carte. Cette stratégie souligne comment les symboles universaux peuvent être réinventés par des interventions créatives, renforçant ainsi leur résonance auprès du public contemporain. Un trésor de collection en édition limitée Les amateurs d'art en quête d'expressions pop vibrantes sont séduits par la sérigraphie rose « Queen of Love », qui fusionne avec brio motifs classiques et urbains. Réalisée à la main en dix couleurs, elle préserve les détails les plus subtils tout en offrant des couleurs saturées, conférant à chacune des 50 éditions une intensité unique. Le papier beaux-arts frangé apporte une texture particulière, évoquant le caractère artisanal souvent absent des estampes produites en masse. Cette fabrication soignée fait de cette œuvre une pièce de collection précieuse, témoignant du talent de Guetta pour les créations visuellement saisissantes et percutantes. Qu'on l'apprécie pour son message romantique, sa fusion créative entre le street art, le pop art et le graffiti, ou son commentaire sur la société de consommation à travers des références au packaging, cette œuvre reste une affirmation dynamique sur l'amour et l'art moderne.

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« Le Passant Jaune et moi », sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 6 couleurs sur papier Coventry Rag 290 g/m² par Tran Nguyen, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Artiste : Tran Nguyen Titre : « Le Passant Jaune et moi » Technique : Sérigraphie 6 couleurs sur papier Coventry Rag 290 g/m² Tirage : 100 exemplaires Signatures : Signée et numérotée par l'artiste Dimensions : 45,7 x 66 cm

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Goonie 032 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale unique signée de 2013. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 3. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. « Goonie 032 » de Naoto Hattori et l'essence du pop art urbain Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, le terme « original » revêt une importance capitale. L'originalité est l'essence même d'un art qui revendique sa voix unique et sa résistance au courant dominant. « Goonie 032 », une aquarelle de 2013 de Naoto Hattori, incarne cet esprit d'originalité et constitue une œuvre fascinante dans le contexte plus large du pop art et du street art. Cette aquarelle unique en son genre se présente non seulement comme un témoignage de l'imagination débordante de Hattori, mais aussi comme le reflet de sa capacité à fusionner l'esprit du street art et les subtilités de la technique de l'aquarelle. Réalisée sur papier beaux-arts, l'œuvre mesure 7,6 x 7,6 cm et est encadrée dans un cadre et un passe-partout sur mesure de 21,6 x 21,6 cm. Conçue et réalisée par Hattori lui-même, cette approche artisanale de la présentation de l'œuvre témoigne de l'engagement total de l'artiste envers son art. De la création du tableau à son encadrement, chaque étape est empreinte d'une touche personnelle qui s'inscrit dans l'éthique du « faire soi-même » si répandue dans la culture du street art. Interprétation du surréalisme dans le pop art de rue d'Hattori « Goonie 032 » présente un sujet typiquement Hattori : une figure surréaliste à l'allure presque irréelle. L'expression du visage, empreinte d'un mystère contemplatif, se détache sur un fond indéfini, captivant ainsi le regard du spectateur. L'utilisation de l'aquarelle confère à l'œuvre une dimension onirique, les couleurs se fondant les unes dans les autres, évoquant la fluidité souvent associée au caractère dynamique et évolutif du street art. La petite taille de l'image, encaissée dans un cadre imposant, attire le regard, incitant à une observation attentive et à une immersion personnelle, à l'instar de la découverte, parfois surprenante, de graffitis ou d'œuvres pop art dans des recoins urbains inattendus. La force artistique réside non seulement dans la peinture elle-même, mais aussi dans le contraste saisissant entre son format et l'impact visuel du cadre sombre et massif qui l'entoure. La valeur de collection et l'impact des aquarelles d'Hattori Le marché du street art et du graffiti valorise la rareté et la signature de l'artiste, et « Goonie 032 » d'Hattori en est un parfait exemple. Signée, cette œuvre originale est directement liée à l'artiste, ce qui renforce son attrait auprès des collectionneurs. Si l'aquarelle n'est pas traditionnellement associée à l'audace et à la spontanéité du street art, Hattori l'utilise ici avec une telle maîtrise qu'elle révèle toute la subtilité de cet art inspiré de la rue. Cette pièce affirme que la vitalité du street art peut être transmise par la finesse de l'aquarelle, une idée qui élargit la définition et la portée du street art. L'encadrement et le passe-partout contribuent également à sa valeur de collection. En personnalisant sa présentation, Hattori fait de « Goonie 032 » bien plus qu'une simple œuvre d'art : une véritable expérience esthétique. Cette attention portée au cadrage est similaire à la manière dont les artistes de rue doivent souvent travailler à l'intérieur et autour des limites des espaces qu'ils choisissent de taguer ou de moraliser, transformant ainsi les limitations en une partie intégrante du processus créatif. Importance culturelle de « Goonie 032 » dans l'art contemporain L'œuvre de Naoto Hattori transcende les frontières traditionnelles du pop art et du graffiti, explorant les sphères du personnel et du fantastique. « Goonie 032 » illustre comment l'influence du street art a imprégné différents niveaux de la production artistique, donnant naissance à des expressions novatrices qui instaurent un dialogue avec le spectateur, à l'instar des conversations suscitées par les fresques murales et les tags. Dans « Goonie 032 », ce dialogue est intime, invitant à une introspection qui reflète le sujet même de la toile. La pertinence culturelle de l'œuvre d'Hattori réside dans sa capacité à résonner avec l'esprit du street art : l'expression de l'identité, la remise en question des normes sociales et la transgression des conventions artistiques. « Goonie 032 », par son originalité, sa maîtrise et sa vision surréaliste, est un exemple éclatant de la manière dont les principes du Street Art, du Pop Art et du Graffiti peuvent être appliqués à différents supports et contextes, préservant l'esprit de la rue dans la sérénité des murs de la galerie.

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Ornement Lotus - Sérigraphie artisanale en édition limitée, monochrome noire, sur papier d'art fin Speckletone, par Shepard Fairey x Gordon Cheung. Œuvre d'art de rue rare, artiste OBEY Pop. Sérigraphie signée et numérotée ORNEMENT LOTUS (NOIR) Sérigraphie 45,7 x 61 cm Édition limitée à 300 exemplaires 22 avril 2008 Quelques légères marques de manipulation.

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Vous êtes nouveau ici, n'est-ce pas ? - Glow, édition limitée, sérigraphie artisanale 10 couleurs phosphorescente sur papier naturel 100 lb, par Bernie Wrightson, artiste macabre de pop art moderne. Épreuve d'artiste AP 2014 Signée et marquée AP Œuvre d'art en édition limitée, format 20x30 Épreuve d'artiste AP, variante phosphorescente, 11 couleurs (phosphorescence incluse), dimensions 20×30, signée, édition limitée à 75 exemplaires. Imprimée sur papier naturel 100 lb.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Bong Master Artwork Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Estampe d'art en édition limitée Ting Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Sket One, légende du street art pop graffiti. Édition 2022 signée et numérotée à 35 exemplaires, format 18x24 Sket-One est un pionnier du mouvement des figurines de collection. Il fusionne sa passion pour le graffiti, le graphisme et la culture du jouet pour créer des pièces uniques dans l'univers urbain des figurines en vinyle. Ses œuvres satirisent souvent la culture pop et la société de consommation, utilisant des logos ou des personnages familiers comme support. Les collectionneurs apprécient le travail de Sket-One pour son originalité, sa créativité et le commentaire social subtil qui l'accompagne souvent.

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Achetez VINYLTOY Édition Limitée Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de Collection par Pop Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Photographie de Keith Morris imprimée sur panneau de bois, prête à être accrochée, par Edward Colver x Keith Morris Street Art Photo, artiste pop moderne. 25,4 x 30,48 cm (10 x 12 po) - Tirage d'art sur bois de bouleau durable de 1,27 cm (1/2 po), finition brillante naturelle. Édition limitée à 100 exemplaires signés et numérotés. Tirage d'art sur bois de bouleau durable de 1,27 cm (1/2 po), réalisé par Edward Colver et Keith Morris, artistes emblématiques du punk rock, avec une encre d'archivage résistante aux UV. La photographie a été personnellement sélectionnée par Keith Morris, chanteur de Black Flag, Circle Jerks et Off!

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Œuvre d'art Cassandra, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12x12

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Estampe d'art en édition limitée Packard Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Stephanie Buer. Packard • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) • Signé et numéroté à la main par l'artiste Stephanie Buer • Édition limitée à 20 exemplaires Erreur d'impression sur le certificat d'authenticité « Parkard »

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Goonie 034 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale signée de 2013, pièce unique. Encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5 pouces (21,6 x 21,6 cm). Dimensions de l’image : 3 x 3 pouces (7,6 x 7,6 cm). Encadrement et passe-partout réalisés sur mesure par l’artiste. Naviguer entre le surréalisme et le pop art urbain dans Goonie 034 par Naoto Hattori L'œuvre « Goonie 034 » de Naoto Hattori s'impose comme une pièce majeure du street art et du graffiti, malgré ses racines ancrées dans la pratique plus traditionnelle de l'aquarelle. Créée en 2013, cette œuvre originale témoigne de la vision singulière de Hattori, qui brouille les frontières entre la précision de l'aquarelle et la nature souvent spontanée et expressive du street art. Encadrée sur mesure dans un cadre de 21,6 x 21,6 cm, elle présente une image de 7,6 x 7,6 cm dont la représentation surréaliste captive et invite à un dialogue avec l'art urbain sur le support des beaux-arts. Signée et unique en son genre, cette œuvre reflète l'engagement profond de l'artiste, du coup de pinceau au choix minutieux du cadre et du passe-partout. L'implication de Hattori à chaque étape du processus de création et de présentation s'inscrit dans la démarche des artistes de rue, qui suivent généralement leur art de sa conception à son exposition publique finale. Ce dévouement à l'art et au parcours de l'œuvre, de l'atelier au spectateur, s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti, où la patte de l'artiste est perceptible à chaque instant. Si « Goonie 034 » d'Hattori n'adopte pas explicitement le vocabulaire visuel du graffiti, l'œuvre dégage une aura rebelle comparable à la force visuelle de cet art. L'aquarelle, médium souvent perçu comme délicat et réservé aux beaux-arts, est ici poussée à de nouveaux sommets par Hattori, offrant une œuvre qui bouscule les attentes du spectateur et les normes artistiques traditionnelles. Cette subversion, élément central du street art et du pop art, fait de « Goonie 034 » un pont entre les disciplines et invite les amateurs d'art à explorer l'univers vibrant et brut de l'art urbain. L'influence de Naoto Hattori et son interaction avec les formes d'art urbain L'influence de Naoto Hattori sur la scène artistique dépasse largement son imagerie surréaliste. Son œuvre « Goonie 034 » est essentielle au débat sur les interactions entre les différentes formes d'art. Le petit format de cette aquarelle invite à un examen attentif, à l'instar des détails minutieux des pochoirs ou des messages cachés des fresques urbaines. Elle instaure un dialogue entre l'intime et l'immensité, le personnel et le public, une dynamique souvent explorée dans le street art et le graffiti. Le caractère énigmatique de l'œuvre d'Hattori incarne l'imprévisibilité et la richesse des significations propres au street art. Si son support est le papier et ses outils, les pinceaux et les pigments, le sentiment qu'elle transmet est aussi puissant et captivant que n'importe quelle œuvre ornant les murs des villes. « Goonie 034 » est un artefact culturel qui transcende l'espace conventionnel des galeries et résonne avec l'authenticité et le dynamisme du street art. L'exploration de « Goonie 034 » dans le contexte du street art, du pop art et du graffiti souligne la fluidité de l'art et sa capacité à investir de multiples espaces et à toucher des publics variés. L'œuvre d'Hattori nous rappelle les possibilités infinies qui s'offrent aux artistes lorsqu'ils puisent leur inspiration à diverses sources et brouillent les frontières entre les catégories artistiques établies. Elle témoigne de l'évolution constante du street art et du pop art, qui ne cessent de se redéfinir et de réaffirmer leur pertinence dans le paysage en perpétuelle mutation de l'art contemporain.

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Together Brown Companion Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2018, format 6x10x5,5, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, Foot Brown Kaws Companion Friends Hugging par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Lorsqu'on aborde l'évolution du pop art et du street art, on ne peut ignorer l'apport majeur de Brian Donnelly, plus connu sous son pseudonyme de Kaws. Parmi ses nombreuses œuvres emblématiques, la figurine « Together Companion Art Toy » témoigne de sa maîtrise et de son style unique. Sortie en 2018 en édition limitée, cette sculpture en vinyle a rapidement été épuisée, s'imposant comme une pièce de collection très recherchée. Mesurant 15 x 25 x 14 cm, elle dégage une émotion palpable, représentant deux personnages Companion, créations emblématiques de l'artiste, enlacés tendrement. Leur étreinte, symbole d'amitié et d'unité, illustre avec force l'interconnexion souvent présente dans les communautés urbaines où le street art s'épanouit. Chaque détail de la sculpture, jusqu'au pied estampillé ou imprimé, souligne l'engagement de Kaws envers l'authenticité. Conservée dans sa boîte d'origine, cette œuvre d'art est bien plus qu'un simple jouet ; elle reflète la capacité du street art à capturer des émotions humaines brutes. Avec des œuvres comme le « Together Companion Art Toy », Kaws continue de rehausser le street art, garantissant ainsi qu'il demeure un aspect essentiel et respecté du discours artistique au sens large.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Carte du métro de New York (NYC MTA MAP) - 1er élément 1965 - Marqueur original unique en son genre sur une carte du métro - Peinture réalisée par le célèbre artiste de graffiti de rue Cornbread - Darryl McCray. Artiste : Darryl « Cornbread » McCray Description : Changed The World 196, inscription au marqueur sur une carte originale du métro de New York (NYC MTA) Support : Carte du métro de New York (NYC MTA) Dimensions : 58,4 x 81,3 cm (23 x 32 pouces) Tirage : 1 exemplaire Signé et numéroté à la main par l'artiste

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Flowering Dignity Colibri Édition limitée 5 couleurs Impression typographique manuelle sur papier d'art en coton par l'artiste pop urbain Ernesto Yerena Montejano (Hecho Con Ganas). Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format 24x18. Impression typographique 5 couleurs sur papier 100 % coton. Publiée et imprimée par Aardvark Letterpress à Los Angeles, Californie. Édition de 100 exemplaires signés et numérotés. Il s'agit d'une impression de très haute qualité réalisée avec des plaques métalliques individuelles pour chaque couleur. « Flowering Dignity Colibri » d'Ernesto Yerena Montejano est une estampe en édition limitée qui capture avec brio la grâce et la vitalité du monde naturel, imprégnée de l'énergie vibrante du pop art urbain. Publiée en 2022, cette estampe artisanale en cinq couleurs, imprimée en typographie sur papier coton fin, mesure 61 x 46 cm et constitue une pièce de collection remarquable, tirée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés. Sous le nom de Hecho Con Ganas, Yerena continue d'intégrer ses récits culturels et ses convictions politiques à son art, puisant dans ses racines mexicano-américaines pour explorer les identités collectives et personnelles. La qualité exceptionnelle de cette œuvre est immédiatement perceptible ; elle est obtenue grâce à l'utilisation de plaques de métal individuelles pour chaque couleur, un procédé traditionnel et méticuleux qui garantit la vivacité et la profondeur de l'impression. L'imprimerie Aardvark Letterpress, située à Los Angeles, en Californie, et réputée pour son travail exceptionnel en typographie, a réalisé cette œuvre, mettant son savoir-faire ancestral au service de la vision contemporaine de Yerena. L'utilisation de papier 100 % coton confère non seulement une texture luxueuse, mais témoigne également de l'engagement de l'artiste envers la qualité et le développement durable. Dans « Flowering Dignity Colibri », le jeu des couleurs et des formes est saisissant. Le motif central, un mandala floral, est flanqué de deux colibris, symbolisant l'agilité, la vitalité et la résilience. Ces éléments se détachent sur des formes et des motifs géométriques qui ajoutent du mouvement et de la profondeur à la composition. La chaleur des couleurs du motif floral contraste avec les tons froids du fond, créant un effet visuel percutant, caractéristique du style pop art. Cette œuvre se situe au carrefour du pop art, du street art et du graffiti, perpétuant l'esprit rebelle et l'esthétique audacieuse de ces mouvements. Elle se distingue néanmoins par son utilisation de la technique artisanale de l'impression typographique, démontrant ainsi comment les méthodes traditionnelles peuvent dialoguer avec les formes d'art contemporaines. L'œuvre « Flowering Dignity Colibri » de Yerena Montejano se dresse comme une pièce de résistance et célèbre le patrimoine culturel, invitant les spectateurs à trouver beauté et force dans ses strates complexes et le message qu'elle véhicule.

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Bud Heads - Tirage d'art en édition limitée surdimensionné, pigmentaire d'archive, sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) inspirée du dessin animé Bevis & Butthead (MTV). Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², signé et numéroté. « Bud Heads - Édition surdimensionnée » est une contribution originale au paysage en constante évolution du pop art moderne. Cette œuvre propose un récit visuel qui entremêle des éléments iconiques de la culture pop des années 90 et des observations sociétales contemporaines. Initiée par le célèbre artiste de street art Ben Frost, figure emblématique du pop art moderne, cette pièce fusionne harmonieusement les personnages déjantés de Beavis et Butt-Head, issus de la célèbre série animée de MTV, avec l'univers intrigant des tests de dépistage de marijuana. Cette synthèse invite le spectateur à contempler la juxtaposition de la nostalgie télévisuelle et des débats actuels autour de la consommation de drogues récréatives. Réalisée avec la précision et la clarté des pigments d'archivage, cette œuvre promet une longévité exceptionnelle grâce à son éclat et à sa richesse de détails. Le support choisi, le papier d'art Somerset Hot Press de 290 g/m², sublime son attrait visuel, offrant un médium qui reflète fidèlement les intentions artistiques et la finesse des détails de l'œuvre. Ce papier, réputé pour sa texture impeccable et sa capacité à saisir les nuances les plus subtiles, offre un écrin idéal à ces personnages iconiques pour dialoguer avec le spectateur. Sortie en 2021, « Bud Heads - Oversized Edition » est une pièce de collection limitée à seulement 25 exemplaires, garantissant son exclusivité. Chaque exemplaire est authentifié par la signature de Ben Frost, attestant de son authenticité. À l'instar de ses autres chefs-d'œuvre, Frost démontre ici son talent pour fusionner les icônes de la télévision classique avec des thèmes de société actuels, se créant une place à la croisée du street art, de la culture pop et du discours contemporain. C'est une œuvre qui résonne, qui invite à la réflexion tout en offrant une bonne dose de nostalgie.

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Estampe d'art en édition limitée, pigment d'archives, sur papier beaux-arts, par l'artiste pop moderne Meagan Magpie Rodgers. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 50 exemplaires. Format 22x18.

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La bande est là Charlie - Illustration du jeu Squid, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de la culture pop Raid71. Édition limitée signée de 2022 (210 exemplaires), format 5x5 pouces.

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Carte de recrue de John Titor - Édition non masquée. Impression sur carte à collectionner GAS. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires (2022). GAS SERIES 2 #21 John Titor Rookie Unmasked Edition, objet d'art par GAS Trading Card L'énigme de John Titor : voyageur temporel ou légende d'Internet ? Aux balbutiements d'Internet, une figure a émergé, suscitant discussions, débats et intrigues pendant des années. Il s'agit de John Titor, autoproclamé voyageur temporel venu de 2036. GAS Trading Cards, surfant sur la vague culturelle de l'époque, a sorti en 2022 la carte de recrue John Titor – Édition Démasquée – en édition limitée et numérotée à 100 exemplaires. Cette carte GAS SERIES 2 n° 21 capture l'essence énigmatique d'une histoire devenue un pilier du folklore internet. L'héritage de John Titor et le phénomène des cartes à collectionner GAS L'histoire de John Titor a débuté en novembre 2000 lorsqu'il a commencé à publier sur des forums en ligne, prétendant être un militaire voyageant dans le temps en mission pour récupérer un rare ordinateur IBM 5100 de 1975. Son but ? Déboguer d'anciens programmes informatiques dans le futur. Son récit était riche en détails, notamment sur la construction d'une machine à voyager dans le temps et des prédictions inquiétantes de guerres nucléaires et de bouleversements sociaux. L'arrêt brutal de ses publications en mars 2001 a marqué durablement la communauté internet. Qu'il s'agisse d'une histoire vraie ou d'un canular bien ficelé, l'histoire de John Titor a été un élément fondamental pour d'innombrables théories du complot et discussions spéculatives en ligne. Cet impact culturel fait de la carte à collectionner John Titor GAS un hommage approprié à un individu – ou une idée – qui a captivé l'imagination de l'ère numérique. Voyage dans le temps et culture populaire : l'influence de John Titor sur l'art L'histoire de John Titor s'entremêle avec des thèmes récurrents dans le pop art, le street art et le graffiti. Ces formes d'art puisent souvent dans des icônes et des récits culturels, les réinterprétant dans l'espace public ou sur le support des objets de collection. La carte à collectionner GAS est un support moderne qui fait le lien entre narration et art visuel. Véritable artefact de la culture pop, elle est un fragment d'histoire qui incarne l'esprit d'une époque marquée par ses mystères et l'essor de la culture internet. L'édition « Unmasked » de la carte John Titor invite collectionneurs et passionnés à posséder un morceau de cette mythologie moderne. Son design reflète la capacité de la carte à collectionner à saisir et à préserver des phénomènes culturels, à l'instar du street art qui capte l'air du temps sur les murs des villes. Le phénomène John Titor L'histoire de John Titor, qu'elle soit un aperçu d'un univers parallèle ou une fiction narrative élaborée, s'est indéniablement inscrite dans le tissu culturel des débuts d'Internet. La carte à collectionner GAS dédiée à Titor rend hommage au pouvoir du récit et à la fascination de l'inconnu. Elle symbolise la manière dont les histoires peuvent transcender leurs origines pour s'intégrer à un dialogue plus vaste, influençant l'art, la culture et l'imaginaire collectif. La carte de recrue John Titor – Édition Démasquée de GAS Trading Cards n'est pas qu'un simple objet de collection ; c'est un sujet de conversation et un témoin de l'époque qu'elle représente. C'est un artefact qui nous rappelle le pouvoir d'Internet à diffuser des idées et des histoires, et comment ces histoires peuvent prendre vie, inspirant l'art, les discussions et même les cartes à collectionner. Alors que nous continuons à naviguer dans un océan toujours plus vaste d'informations et de récits en ligne, l'histoire de John Titor nous rappelle les débuts d'Internet et sa capacité indéfectible à faire naître des légendes qui captivent notre curiosité et notre esprit artistique.

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Sérigraphie « Je n'aime que toi » de Gary Taxali, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art Arches blanc, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre d'art de 29 x 23 cm. Sérigraphie. Signification et savoir-faire de la sérigraphie « I Love Only You » de Gary Taxali La sérigraphie « I Love Only You » de Gary Taxali est un exemple éclatant d'art urbain contemporain, à la croisée du pop art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, créée en 2014, témoigne du mélange unique de bandes dessinées vintage, d'esthétique publicitaire et d'images ludiques propre à Taxali. Ce style unique ancre son travail dans l'héritage du pop art tout en repoussant ses limites vers les scènes du street art et du graffiti. Reconnu pour son style distinctif, Taxali marie souvent le rétro et le moderne, et cette œuvre ne fait pas exception. Il s'agit d'une impression artisanale en six couleurs sur papier Arches Fine Art blanc, un choix qui reflète le dévouement de l'artiste à l'artisanat et à la qualité. Le papier Arches est prisé des artistes pour sa texture et sa durabilité, gage de sa longévité et de sa valeur de collection. Le tirage limité de « I Love Only You », avec seulement 50 exemplaires signés et numérotés, renforce son exclusivité et son attrait auprès des collectionneurs. Ses dimensions d'environ 74 x 58 cm en font une pièce imposante, idéale pour une mise en valeur. La sérigraphie, une méthode rendue célèbre par l'icône du Pop Art Andy Warhol, permet à Taxali d'obtenir des couleurs vives et des images nettes, saisissantes et chargées d'émotion. Exploration du continuum du pop art dans le street art à travers l'œuvre de Taxa li L'œuvre de Gary Taxali est souvent saluée pour sa capacité à saisir l'esprit du Pop Art et à le transposer sur le support plus brut et expressif du street art. « I Love Only You » illustre parfaitement ce métissage. Le sujet – un personnage fantasque interagissant directement avec un objet inanimé, lui insufflant affection et personnalité – incarne l'intérêt du Pop Art pour le quotidien et le commercial. Cependant, les lignes audacieuses de Taxali et la présence de l'œuvre, à la croisée du Street Art, du Pop Art et du graffiti, évoquent également le caractère spontané et authentique de ces formes d'art. Les personnages de Taxali rappellent les dessins animés des années 1930, tout en possédant une dimension contemporaine qui parle au public d'aujourd'hui. Le caractère ludique de l'œuvre, associé à son message direct et simple, est caractéristique de la capacité du street art à toucher un large public. Ce chevauchement entre l'art savant et l'art populaire, entre les murs des galeries et les coins de rue, est une caractéristique déterminante de la pratique artistique de Taxali et inscrit « I Love Only You » dans le dialogue permanent de l'art en tant qu'expérience publique et personnelle. Valeur culturelle et artistique de la sérigraphie de Taxali « I Love Only You » représente non seulement un mélange de styles artistiques, mais incarne également une prise de position culturelle qui fait écho à l'esprit du Pop Art et du Street Art. Ces deux mouvements ont souvent cherché à estomper les frontières entre culture « savante » et culture « populaire », et l'estampe de Taxali contribue à ce débat. Elle juxtapose des techniques artistiques commerciales à des pratiques artistiques reconnues, suggérant que l'art peut être à la fois accessible et sophistiqué. L'estampe de Taxali occupe une place de choix dans le monde de l'art pour son attrait esthétique et son commentaire sur l'amour, la société de consommation et l'interaction entre texte et image. La phrase « I Love Only You », juxtaposée à divers objets, évoque la marchandisation des émotions et des relations, un thème fréquemment exploré dans le Pop Art et le Street Art. En présentant ce commentaire par la sérigraphie – une technique associée à la production de masse –, Taxali souligne la tension entre unicité et ubiquité, un débat omniprésent dans les discussions sur l'art public. L'attrait durable de « I Love Only You » de Gary Taxali L'œuvre « I Love Only You » de Gary Taxali témoigne du rôle de l'artiste comme trait d'union entre passé et présent, entre beaux-arts et culture urbaine. Par la minutie avec laquelle il réalise cette estampe et le choix judicieux du médium, Taxali a créé une œuvre visuellement captivante, riche de sens et de contexte. À la croisée du Pop Art et du graffiti, elle continue de susciter l'intérêt, d'alimenter les débats et de refléter la culture qu'elle représente et critique. La rareté et la qualité artisanale de l'estampe en font une pièce de collection recherchée, incarnant l'esprit du Pop Art et l'éthique irrévérencieuse et démocratique du street art et du graffiti. Avec « I Love Only You », Taxali a immortalisé un moment de l'histoire de l'art tout en contribuant à son évolution.

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Some Velvet Morning - Wood Variant - Tirage à la main - Sérigraphie 16 couleurs sur papier plaqué bois 110 lb par l'artiste pop Eric Pause - Œuvre d'art rare en édition limitée. Édition limitée 2019, signée et numérotée, à 10 exemplaires. Format : 30x24.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Papier buvard Sugar Cube, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Stanley Mouse, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Stanley s'est fait une place de choix dans la culture hot rod de Détroit en réalisant des peintures exceptionnelles sur les véhicules, au point qu'aucune voiture de qualité en ville ne pouvait se passer de ses liserés décoratifs. Peu après, il a commencé à appliquer ses motifs préférés sur des t-shirts à l'aérographe. En seconde, Stanley a tagué le bâtiment où se retrouvait son lycée et a été renvoyé. Le bon côté des choses ? Il s'est ensuite inscrit aux Beaux-Arts.

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Bernie, édition limitée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Phantom City Creative, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie. Numérotée à la main.

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Impression giclée en édition limitée « Dead Meat » sur papier beaux-arts 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Casey Weldon. « Chacune de ces pièces a été créée à l'acrylique sur un panneau de bouleau de 40 x 40 cm. En 2008, j'ai réalisé une dizaine de petites coiffes, chacune ornée d'objets insolites, à la fois ornementaux et cérémoniels. J'aimais l'idée d'utiliser l'art de la coiffe pour mettre en valeur les objets et les idées que nous vénérons dans la société moderne. Après avoir abandonné ce projet pendant des années, j'y suis revenue l'an dernier avec l'intention de le développer, mais d'une manière plus complexe, voire ambiguë. Le jeu de mots est volontaire. Ces pièces ont été créées en novembre 2012 pour l'exposition collective « Second Sight » du collectif Prisma à la galerie Trifecta de Las Vegas. » – Casey Weldon

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Stickers - Tan Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Supreme. Édition limitée 2021

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« Butterfly Kisses », œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 13 x 13 pouces.

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Muhammad Ali Andy Warhol 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, objets de collection urbains Andy Warhol et Medicom Toy collaborent à nouveau pour le Bearbrick Muhammad Ali. Ce Bearbrick est orné d'une impression à l'eau intégrale, rendant chaque pièce unique.

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Cody Ross/Jesus-Giants Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB avec un style pop art comme : Cody Ross/Jesus - Giants

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Voice Of The Ghetto Tirage à la main Sérigraphie 4 couleurs sur papier cartonné léger par l'artiste de graffiti Stay High 149 - Wayne Roberts Œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Assiette de 2009, signée et numérotée à la main, édition limitée à 200 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 17,75 x 23,75 pouces. Les plis de manipulation sont surtout visibles sur les bords droit et supérieur.

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Super Predator, édition limitée, sérigraphie 8 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « On s'amuse avec des chars et des filles. Le texte en arrière-plan est le règlement du jeu Risk et les caractères dans l'ombre sont des lettres de Penthouse. » – Derek Hess

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Akuma : Ninja Star-Wars, lithographie offset en édition limitée, œuvre d'art graffiti sur papier beaux-arts, par l'artiste à thème asiatique Steve Bialik. Édition limitée numérotée à la main de 450 exemplaires (2022) - Format 11x27

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Playbot 1 Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Mimi Yoon. Édition limitée signée pour Sneaker Con 2021

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Coati The Gang est une peinture originale à l'acrylique et au crayon graphite de Dulk—Antonio Segura Donat. Il s'agit d'une œuvre unique encadrée sur papier d'art japonais fait main, réalisée par un artiste pop de street art. Œuvre originale signée, réalisée au crayon et à la peinture acrylique en 2023. Encadrement sur mesure par l'artiste. Dimensions : 9,84 x 12,2 cm (sans cadre) ; 7,09 x 9,46 cm. Fusion du naturalisme et du fantastique chez Dulk : « Coati et sa bande » Dans l'œuvre « Coati The Gang », Dulk, pseudonyme d'Antonio Segura Donat, nous transporte dans un univers où faune et flore s'entremêlent. Cette œuvre originale, réalisée à l'acrylique et au crayon graphite sur papier d'art japonais fait main, témoigne du talent unique de Dulk pour fusionner les codes du street art et les techniques picturales classiques. Qualité artistique de la peinture originale de Dulk Cette œuvre unique, méticuleusement encadrée par l'artiste, mesure 25 x 31 cm (9,84 x 12,2 pouces), la toile présentant des dimensions légèrement inférieures de 18 x 24 cm (7,09 x 9,46 pouces) sans cadre. Le cadre, réalisé sur mesure, sublime l'expérience visuelle, mettant en valeur la finesse des détails et la délicatesse du papier. Le choix d'un papier d'art japonais fait main pour « Coati The Gang » témoigne de l'attachement de Dulk à la qualité et au savoir-faire, offrant une texture subtile qui sublime la précision du travail au pinceau et au graphite. Images captivantes d'Antonio Segura Donat « Coati The Gang » témoigne du talent de conteur de Dulk, dont la figure centrale, le coati, est représentée avec une précision saisissante au milieu d'une galerie de personnages attachants. L'œuvre s'inscrit dans la riche tradition de l'illustration naturaliste tout en affirmant une modernité indéniable dans son exécution et son style. Le récit de Dulk fusionne le monde organique avec une touche de surréalisme, invitant le spectateur à plonger dans une histoire qui se dévoile à chaque regard. L'utilisation de la peinture acrylique confère une grande vivacité à l'œuvre, tandis que la subtilité du crayon permet des dégradés et une texture délicats qui donnent profondeur et vie aux créatures. Les coups de pinceau méticuleux et les ombrages précis soulignent les thèmes du street art et du graffiti, où le message est souvent véhiculé par la force de l'image elle-même. La peinture originale « Coati The Gang » est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est une fenêtre ouverte sur l'univers imaginaire de Dulk, où les frontières entre street art et beaux-arts se rencontrent avec brio. Elle témoigne de l'engagement de l'artiste à intégrer les merveilles du monde naturel au dialogue de l'art urbain, faisant de Dulk une figure de proue à la croisée de la culture pop et de la conservation de la faune sauvage.

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Planche de skateboard Paul's Boutique Deck Limited Edition Archival Pigment Print, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Ricky Powell. 2019 Signé et numéroté au verso Transfert d'impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid Taille : 8 x 31,875 pouces Sortie : 19 novembre 2019 Ricky Powell (1961-2021) Paul's Boutique, 2019 Impression pigmentaire d'archives en couleurs sur planche de skate 32 x 8 pouces (81,3 x 20,3 cm) Éd. 37/75 Numéroté à l'encre au verso. La fusion de la culture skate et du pop art urbain dans la planche Paul's Boutique de Ricky Powell La convergence de la culture skate et du street art pop incarne une forme d'expression urbaine singulière, qui a acquis une grande notoriété et le respect du milieu artistique. Ce mélange unique est magnifiquement illustré dans la planche de skateboard Paul's Boutique Deck, une édition limitée ornée d'une impression pigmentaire d'archives réalisée par le célèbre artiste de street art pop Ricky Powell. Sortie le 19 novembre 2019, cette pièce célèbre l'esthétique urbaine et les sensibilités de la culture pop, incarnant l'esprit de la rue grâce à son design saisissant et ses références culturelles. L'héritage artistique et l'influence urbaine de Ricky Powell Ricky Powell, né en 1961 et disparu en 2021, était une figure emblématique du street art. Reconnu pour ses photographies brutes et spontanées qui capturaient l'essence même de la vie urbaine new-yorkaise et de l'âge d'or du hip-hop, l'œuvre de Powell transcende le simple attrait visuel. Son incursion dans l'univers du skateboard avec la planche Paul's Boutique a consolidé sa réputation d'artiste capable de naviguer avec aisance entre les médiums tout en restant profondément ancré dans la culture urbaine. La planche elle-même, mesurant 81 x 20 cm, témoigne du sens du détail de Powell et de son talent pour raconter une histoire par l'image. L'impression pigmentaire d'archives présente des couleurs à la fois vibrantes et caractéristiques de l'époque où Powell s'épanouissait. Numérotée 37 sur 75, chaque pièce de cette série limitée porte l'empreinte de la vision de Powell, sa signature et sa numérotation au verso soulignant l'exclusivité et le caractère collector de l'œuvre. Les planches de skateboard comme supports d'expression pour le street art Les planches de skateboard sont depuis longtemps reconnues comme des supports d'expression artistique, souvent ornées de motifs reflétant le style ou la philosophie du skateur. Cependant, lorsque des artistes comme Ricky Powell s'emparent de ce médium, les planches transcendent leur fonction première et deviennent de véritables œuvres d'art urbain. La planche Paul's Boutique, avec son impression pigmentaire d'archives sur une planche naturelle pressée à froid et à profil incliné, se transforme en une fresque mobile, une œuvre de graffiti portable qui porte l'esprit indomptable du street art partout où elle va. Le choix de la planche de skateboard comme support est délibéré et témoigne de l'importance subculturelle du skateboard dans le paysage urbain. C'est un clin d'œil à l'esprit DIY des skateurs et des artistes de rue, une célébration des mouvements contre-culturels qui ont façonné l'esthétique et les philosophies de générations entières. Le travail de Ricky Powell sur cette planche brouille les frontières entre art et utilité, entre galeries et rues, créant une œuvre qui trouve aussi bien sa place dans une collection privée que sur les rampes et les trottoirs de la ville. La planche Paul's Boutique Deck est un vibrant hommage au pop art et au graffiti, figures emblématiques de la culture urbaine. Fruit du travail de Ricky Powell, cette planche de skateboard en édition limitée symbolise la synergie entre l'art et les sous-cultures qui l'inspirent. Témoin d'histoire, elle capture l'âme de la ville sur le bois et témoigne du pouvoir de l'art à sublimer les récits de la rue.

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Sérigraphie HPM en édition limitée, 3 couleurs, réalisée à la main, technique mixte, et peinture oxydative au fer sur panneau de bois de bouleau encadré, par Eddie Colla, artiste de street art rare et célèbre du pop art. 2016. Signature gravée au dos et plaque métallique personnalisée sur le côté. Technique mixte HPM, sérigraphie 3 couleurs, vis et peinture oxydante sur panneau de bouleau encadré. Dimensions : 45,7 x 61 x 4,4 cm. Sortie : 17 mars 2016. Tirage : 5 exemplaires.

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Punch Cigar, édition limitée, estampe sérigraphique HPM rehaussée à la main sur toile, encadrée par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Cadre personnalisé. Sans doute la pièce de collection la plus recherchée de Steve Kaufman. Steve Kaufman (Américain, 1960-2010) « Punch Cigar », sérigraphie rehaussée à la main, édition 37/150, signée du monogramme au verso. Hauteur : 42 cm, largeur : 89 cm. Au début des années 90, le travail de Kaufman était très demandé, mais il souhaitait rester en contact avec un large public. Il organisa une exposition solo d'une seule soirée, durant laquelle il peignit 55 fresques murales sur le thème de l'harmonie raciale à New York, et participa à des émissions de télévision et de radio pour promouvoir la tolérance raciale. Il créa également un mémorial dédié aux victimes du sida à New York et recouvrit la lettre « D » du panneau Hollywood d'un tissu rouge en hommage à toutes les personnes décédées du sida.

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Sérigraphie en édition limitée « Anubis Afterlife 4 couleurs, poussière de diamant tirée à la main, sur papier papyrus égyptien », par Marwan Shahin, artiste de street art et pop art. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 14 x 17,5 pouces. « Shahin Studios est ravi de présenter ANUBIS AFTERLIFE de Marwan Shahin ; cette œuvre est l’aboutissement de plusieurs mois d’expérimentation avec différentes teintures pour vieillir le papier papyrus. Cette nouvelle édition est interprétée par une sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur du papyrus égyptien authentique teinté à la sauce soja. Chaque estampe est minutieusement agencée avec un treillis de poussière de diamant noire, créant ainsi des effets kaléidoscopiques visuellement envoûtants. » – Marwan Shahin. L'odyssée créative de « Anubis Afterlife » de Marwan Shahin « Anubis Afterlife », une création envoûtante de Marwan Shahin, illustre la remarquable convergence entre tradition ancestrale et pratique artistique contemporaine. Œuvre de street art, cette sérigraphie en édition limitée sur papier papyrus égyptien incarne l'esprit du pop art moderne tout en rendant hommage à la riche iconographie de l'Égypte antique. L'utilisation du papyrus authentique comme support est un hommage aux méthodes d'expression artistique ancestrales, sublimées par les techniques de vieillissement innovantes de Shahin qui confèrent à l'œuvre une aura d'antiquité. Alchimie artistique sur papyrus Shahin, artiste égyptien de street art et de pop art, s'est lancé dans un processus d'expérimentation méticuleux pour perfectionner le vieillissement du papyrus, cherchant à obtenir un effet de teinture à la sauce soja qui confère au papier une qualité éthérée évoquant les artefacts historiques. L'œuvre, une édition limitée à 30 exemplaires de 35,5 x 44,5 cm, représente le dieu Anubis, divinité égyptienne antique associée à la momification et à l'au-delà. Cette figure est minutieusement détaillée grâce à quatre couches de sérigraphie réalisées à la main, aboutissant à une composition visuellement saisissante et riche en symboles. L'incorporation de poussière de diamant noir ajoute une dimension tactile qui capte la lumière, créant des effets kaléidoscopiques qui renforcent l'aura mystique de l'œuvre. La poussière de diamant, un matériau popularisé par Andy Warhol, témoigne de l'ingéniosité de Shahin qui combine les techniques traditionnelles de la sérigraphie avec les ornements luxueux du pop art. L'œuvre qui en résulte est un hommage au patrimoine culturel du pays natal de Shahin, à l'énergie vibrante du street art et à l'éclat brillant du pop art. Fusion visuelle du passé et du présent par Marwan Shahin « Anubis Afterlife » témoigne de la vision créative de Marwan Shahin, où le riche héritage de l'art égyptien rencontre l'audace et l'immédiateté du pop art urbain. À travers la figure d'Anubis, Shahin transcende les millénaires, dialoguant avec les symboles de la mythologie antique tout en s'intéressant à l'esthétique contemporaine. Le choix d'Anubis, divinité symbolisant le passage vers l'au-delà, suggère l'exploration de thèmes tels que la transition, la transformation et le cycle éternel de la vie et de la mort. L'introduction du pop art urbain au sein du panthéon des motifs égyptiens confère à cette œuvre une dimension narrative unique. De la même manière que le street art s'approprie et recontextualise souvent des images et des symboles issus de la culture populaire, Shahin se réapproprie une icône de son histoire culturelle, la réinterprétant à travers un prisme moderne. Cette réinvention inscrit « Anubis Afterlife » dans la lignée du pop art qui remet en question et redéfinit les frontières entre culture savante et culture populaire. Une tapisserie du temps tissée par Marwan Shahin L'œuvre « Anubis Afterlife » de Marwan Shahin est un exemple lumineux de la manière dont les artistes contemporains peuvent puiser aux sources de leur héritage tout en contribuant au débat mondial sur la conversion. Elle souligne le potentiel du pop art et du graffiti comme plateformes de narration culturelle et d'innovation artistique. Par sa fusion de médiums et de motifs, Shahin tisse une tapisserie visuelle qui relie l'ancien à l'avant-garde, invitant le spectateur à contempler la continuité harmonieuse entre histoire et modernité. Dans le pop art et le street art, l'œuvre de Shahin illustre comment les éléments traditionnels peuvent être réinterprétés pour toucher un nouveau public. Son agencement complexe de couleurs et de matériaux transcende la simple reproduction, offrant une expérience immersive qui reflète le passé et ouvre des perspectives pour l'avenir de l'expression artistique. « Anubis Afterlife », avec sa narration texturée et sa splendeur visuelle, est une œuvre d'art de collection qui capture l'esprit dynamique du street art, incarnant le pouls d'une culture qui résonne à travers le temps.

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Œuvre d'art pop street Mario Trece, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Bob Dob. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 30 exemplaires. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. Tirage giclée signé de 2020, 16 x 20 pouces, édition signée et numérotée de 30 exemplaires avec graffiti de Greg 'Craola' Simkins inspiré de Mario Bros.

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This Is America PP Archival Print par Denial - Daniel Bombardier Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x18 Pigments d'archivage Le récit provocateur du déni : « Ceci est l'Amérique » « This Is America », de Denial, pseudonyme de l'artiste Daniel Bombardier, illustre avec force la capacité du street art à aborder les problématiques sociales contemporaines. Publiée en 2020 sous forme d'épreuve d'artiste (PP), cette édition limitée, imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², utilise des pigments d'archivage pour une qualité durable. Chaque exemplaire de cette série, mesurant 45,7 x 45,7 cm, est signé et marqué par l'artiste, garantissant son authenticité et son caractère exclusif. La force graphique de l'œuvre et la puissance de son message textuel s'unissent pour former une œuvre à la fois percutante et critique sur l'état des États-Unis. Le travail de Denial est reconnu pour son esthétique audacieuse, mêlant pop art et graffiti pour dénoncer la société de consommation, la politique et les injustices sociales. « This Is America » ne fait pas exception, avec sa représentation graphique qui explore les thèmes de l'identité, de la représentation et de l'expérience américaine. Le titre de l'œuvre, une question chargée de sous-entendus sociaux et politiques, invite les spectateurs à réfléchir à la réalité de la promesse américaine par rapport à sa réalité, notamment en ce qui concerne les dynamiques raciales et sociales. L'influence artistique et la technique du déni Dans la tradition du pop art, Denial utilise des couleurs vives et saisissantes ainsi que des contrastes marqués pour capter le regard et susciter une réaction. Sa technique rappelle celle des pionniers de la sérigraphie, tout en y apportant une touche de modernité intégrant souvent des éléments du street art, tels que le pochoir et la peinture aérosol. L'utilisation du papier beaux-arts Moab Entrada 290 g/m² pour « This Is America » témoigne de l'exigence de qualité de Denial ; le grammage important et la texture lisse du papier en font un support idéal pour les pigments d'archivage, garantissant ainsi la vivacité des couleurs et des détails de l'estampe au fil du temps. La mention « Épreuve d'imprimeur » est significative pour les collectionneurs d'art. Traditionnellement, les épreuves d'imprimeur sont considérées comme rares et précieuses en raison de leur nombre limité et de l'implication directe de l'artiste dans le processus d'impression. La décision de Denial de signer et de marquer chaque épreuve « EP » la distingue des éditions courantes, créant un lien plus profond entre l'artiste et son œuvre et renforçant ainsi sa valeur de collection. Le pop art urbain et son rôle dans le discours culturel Le street pop art, hybride entre l'intérêt du pop art pour la culture de masse et l'expression brute et publique du street art, est devenu une force influente dans le discours culturel. Des artistes comme Denial exploitent la visibilité et l'accessibilité du street art pour mettre en lumière des problématiques sociales cruciales. « This Is America » sert de catalyseur visuel aux discussions sur la race, l'égalité et le rêve américain, utilisant efficacement le langage visuel du pop art pour impliquer un large public dans ces conversations. Le style direct et percutant de l'œuvre est caractéristique du street pop art, capable de remettre en question les perceptions et d'inspirer le dialogue. L'œuvre de Denial, et notamment cette estampe, exploite la puissance de la représentation graphique pour aborder des problèmes de société complexes, illustrant avec force comment l'art peut refléter et influencer son époque. En résumé, « This Is America » de Denial est bien plus qu'une simple œuvre d'art moderne : c'est une prise de position, une interrogation et le reflet de notre temps. Son imagerie provocatrice et les débats qu'elle suscite lui confèrent une place indéniable dans la continuité du street pop art et du graffiti. En tant que tirage d'archive PP, il témoigne du pouvoir durable de l'art visuel à commenter et à aborder les problèmes urgents de notre époque.

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Allez l'équipe Zissou ! Œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Nicole Gustafsson.

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Winter breeAnne We the Future Tirage à la main sur papier d'art crème moucheté, édition limitée, œuvre d'art d'un artiste de la culture pop. Édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Œuvre d'art au format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Winter BreeAnne incarne une nouvelle génération de leadership et d'activisme, à travers la campagne « We the Future », magnifiquement immortalisée dans une sérigraphie en édition limitée réalisée par une artiste pop culture de renom. Lancée en 2018, cette œuvre signée et numérotée est bien plus qu'une simple création visuelle : c'est un message d'émancipation et un appel à l'engagement citoyen. Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, l'œuvre mesure 45,7 x 61 cm, affirmant une présence aussi forte et stimulante que le message qu'elle véhicule. Cette édition limitée à 450 exemplaires fusionne l'esthétique du street art et l'influence culturelle du pop art. Le choix de l'artiste d'utiliser la technique artisanale de la sérigraphie, une méthode ancestrale, confère à l'œuvre une authenticité et un savoir-faire exceptionnels, rendant hommage aux pratiques traditionnelles dans un contexte contemporain. L'image de Winter BreeAnne est une iconographie saisissante, symbolisant les efforts inlassables des jeunes activistes qui, loin de se contenter de prendre la parole, mènent la lutte pour un véritable changement. Élément du pop art et du street art, cette œuvre porte en elle un esprit de rébellion et de transformation. L'inscription « Future Voter » (Électrice de demain) sur le t-shirt de BreeAnne n'est pas une simple désignation, mais une affirmation de l'influence grandissante d'une génération prête à affirmer son pouvoir par l'engagement civique. L'appel à « Voulez voter ! » (Le pouvoir aux urnes) amplifie ce message, renforçant l'idée que chaque individu a un rôle à jouer dans la construction de l'avenir. Ce sentiment est au cœur même de l'éthique du pop art : un reflet des enjeux contemporains et un miroir des valeurs, des espoirs et des rêves de la société. L'artiste à l'origine de cette œuvre est reconnu pour sa capacité à saisir l'esprit du temps, combinant propagande, portrait et message politique pour créer un art qui transcende la toile et s'intègre au débat public. L'utilisation de couleurs vibrantes, de lignes audacieuses et de poses saisissantes fait écho à l'énergie des fresques murales du street art, véritables phares de l'expression communautaire et témoins du pouvoir de l'art public à inspirer et à mobiliser. L'affiche « We the Future » ​​est bien plus qu'un simple objet décoratif ; c'est un artefact culturel qui capture l'essence d'un mouvement, donnant voix à la jeunesse et réaffirmant l'importance de la participation au processus démocratique. Elle est une source d'inspiration pour le spectateur, lui rappelant l'influence de la jeune génération et le dynamisme constant du progrès qu'elle insuffle à la vie politique.

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Œuvre d'art Virus, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori. VIRUS 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) Impression giclée haute qualité sur papier beaux-arts 100 % coton. Édition signée et numérotée de 100 exemplaires.

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