Remio Study- 04 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture en aérosol, acrylique sur papier beaux-arts, par le célèbre artiste de graffiti de rue Remio. Technique mixte sur papier beaux-arts. Format : 54 x 50 pouces. Sortie : 31 janvier 2020. Tirage : 1 exemplaire. Massif

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Pumpster rouge HPM Édition limitée, jouet de collection en métal moulé sous pression peint à la main, œuvre d'art graffiti par l'artiste de rue Amuse126. Mini bennes à ordures HPM personnalisées, 4x4, édition limitée signée 2021 à 26 exemplaires Série Street Dumpster 1, métal moulé sous pression, inscription AM « Throw Up Bubble », peinte à la main, HPM, ornée à la main, édition limitée à 26 exemplaires, signée en 2021.

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Blue Dumpster HPM Édition Limitée Peinte à la Main Métal Moulé Sous Pression Jouet de Collection Art Graffiti Œuvre d'Art de Rue Amuse126. Mini bennes à ordures HPM personnalisées, 4x4, édition limitée signée 2021 à 26 exemplaires Série Street Dumpster 1, métal moulé sous pression, inscription AM « Throw Up Bubble », peinte à la main, finitions HPM, édition limitée à 26 exemplaires, signée 2021

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Achetez Post No Bills - Untitled Original One of a Kind Spray Paint & Stencil Painting Artwork on Stretched Canvas by Popular Street Art Pop Culture Artist Seen UA. 2018 Signé Original Peinture Taille 18x24 Craquelure partout. Toile non doublée.

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Série Detroit 25 Peinture originale Peinture en aérosol, peinture acrylique et techniques mixtes sur bois encadré par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2010. Peinture originale signée et titrée, réalisée à la bombe aérosol, à l'acrylique et en technique mixte sur panneau de bois entoilé. Prête à être accrochée. Œuvre de graffiti. Format lettre bulle : 24 x 16 pouces (61 x 41 cm). « J'ai toujours rêvé d'une exposition comme celle-ci. Ces derniers temps, je me suis surtout tourné vers la peinture en techniques mixtes, mais je pratique le graffiti pur et dur, si on peut dire, depuis plus de trente ans. C'est ce qui a fait de moi Cope2. J'aime varier les plaisirs et montrer mes différents styles. Avec cette exposition, je peux donc retracer l'évolution de mon style et mes progrès. « Versatile » illustre mes origines et ma démarche actuelle », a déclaré Cope2 depuis son atelier new-yorkais. L'évolution de Cope2 dans le street art pop et le graffiti Au sein du panthéon du street art et du graffiti, Cope2 occupe une place de choix, son nom étant indissociable des racines brutes et de l'évolution dynamique du genre. La « Detroit Series 25 Original Painting » témoigne du parcours de l'artiste à travers le paysage en perpétuelle mutation de l'art urbain. Cette œuvre originale de 2010, signée et titrée, mesurant 61 x 41 cm, fusionne peinture aérosol, peinture acrylique et techniques mixtes sur un panneau de bois encadré, incarnant l'essence même de ce que Cope2 qualifie de « graffiti hardcore ». Mais elle va plus loin. Elle révèle une aptitude à être accrochée, vibrante de l'énergie des lettres bulles, un style signature qui a fait de Cope2 une figure emblématique du pop art moderne. Cette œuvre n'est pas une simple toile ; elle raconte l'histoire de l'évolution artistique de Cope2. Après plus de trente ans consacrés à l'art du graffiti, Cope2 s'est fait connaître non seulement pour son attachement aux fondements mêmes de cet art, mais aussi pour son adaptabilité et son utilisation de techniques mixtes. La série « Detroit Series 25 » reflète cette évolution, illustrant le cheminement de l'artiste des rues à l'atelier, de l'esquisse à l'œuvre intemporelle. Le parcours artistique de Cope2 et son influence sur l'art moderne Selon l'artiste lui-même, Cope2 décrit son parcours artistique comme marqué par la polyvalence et l'évolution. Le passage de l'utilisation exclusive de la peinture aérosol à une palette de médiums variés témoigne d'une tendance plus large : l'intégration du street art au sein du monde des beaux-arts. La série « Detroit Series 25 » est emblématique de cette évolution, alliant les techniques traditionnelles du graffiti à la texture de l'acrylique et à la solidité du bois comme support. Cette fusion reflète une approche sophistiquée de l'art urbain, brouillant les frontières entre une sous-culture underground et le milieu prestigieux des galeries. L'œuvre de Cope2, notamment au sein de la série « Detroit Series », peut être perçue comme une chronique culturelle, documentant l'ascension du street art, de ses débuts subversifs à sa reconnaissance par le grand public. Ses œuvres sont imprégnées de l'esprit du paysage urbain new-yorkais, berceau du graffiti contemporain, et pourtant, elles s'adressent à un public bien au-delà des frontières de la ville. À travers son travail, Cope2 a capturé l'émotion viscérale du graffiti, ses couleurs vives, ses contours audacieux et son expression de soi sans complexe, tout en la traduisant dans un format qui force le respect dans le milieu de l'art contemporain. L'art du graffiti reflète les récits sociaux « Detroit Series 25 » de Cope2 dépasse la simple démarche esthétique ; c'est un manifeste social, un reflet de l'esprit de son époque. Son art ne se limite pas à une approche superficielle, mais constitue un commentaire vibrant sur le contexte dont il est issu. L'œuvre raconte une histoire de transition, non seulement pour l'artiste, mais aussi pour le graffiti lui-même. Autrefois relégué aux marges du monde de l'art, considéré comme un acte de vandalisme, le graffiti a été réinterprété grâce à des œuvres comme celles de Cope2. Ces pièces reflètent l'évolution du discours autour du street art, l'élevant au rang de forme d'art populaire urbain qui reflète les changements de perception de la société vis-à-vis de l'espace public, de la propriété et de la liberté artistique. L'héritage de « Detroit Series 25 » de Cope2 réside dans sa capacité à captiver l'imagination d'un public diversifié, en faisant résonner la voix brute et authentique de la rue dans l'espace feutré des galeries d'art. Elle incarne l'esprit de résilience et d'adaptabilité, permettant au graffiti de perdurer et de s'épanouir malgré une perception sociale souvent hostile. Cette œuvre témoigne avec éclat du pouvoir du street art et du graffiti à transcender leurs origines, influençant et remodelant profondément la scène artistique contemporaine. En considérant l'impact de la « Detroit Series 25 », il apparaît clairement que l'influence de Cope2 dépasse le simple cadre visuel. Son travail, avec ses images saisissantes et son utilisation poignante de techniques mixtes, souligne le potentiel du graffiti à catalyser le dialogue et la réflexion. C'est une puissante démonstration de la capacité de l'artiste à évoluer tout en restant fidèle aux principes fondamentaux de son art, garantissant ainsi la pertinence et la résonance de son œuvre dans le monde trépidant de l'art moderne. À travers ses créations, Cope2 a révélé ses origines et sa vision actuelle, laissant une empreinte indélébile sur le street art et le graffiti.

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Nous sommes une sérigraphie réalisée par Add Fuel, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art Astropack 320 g/m², œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Dimensions de l'œuvre : 19,69 x 27,56 pouces. Sérigraphie. Ajoutez la vision artistique de Fuel dans « We Are » « We Are » d'Add Fuel est une sérigraphie captivante qui incarne l'esprit novateur du pop art urbain et du graffiti. Cette édition limitée de 2023, signée et numérotée à seulement 100 exemplaires, mesure 50 x 70 cm et témoigne du savoir-faire méticuleux de l'impression artisanale. Réalisée sur papier d'art Astropack 320 g/m², l'œuvre met en valeur un procédé six couleurs qui donne vie avec éclat aux motifs complexes et aux éléments graffiti audacieux, signature du style d'Add Fuel. L'artiste à l'origine de « We Are » réinterprète l'esthétique traditionnelle des carreaux de céramique bleus et blancs avec une touche contemporaine, insufflant à ce matériau classique l'énergie et l'audace du street art. L'estampe présente une multitude de motifs de carreaux, chacun orné de détails uniques, formant une image plus riche et cohérente. Au premier abord, l'œuvre rend hommage à un art historique, mais à y regarder de plus près, la force subversive du graffiti transparaît, créant un contraste saisissant. La juxtaposition de motifs artistiques historiques et de techniques de graffiti modernes témoigne de la nature évolutive du street art. L'œuvre d'Add Fuel instaure un dialogue entre passé et présent, suggérant que les formes d'art traditionnelles et les expressions contemporaines ont toutes deux leur place dans le paysage culturel actuel. À l'instar de nombreuses œuvres de street art, celle-ci ne se limite pas aux murs des galeries ; elle porte en elle la vitalité des rues et le poids de l'histoire, faisant le lien entre différents mouvements artistiques et époques. L'importance de la sérigraphie artisanale dans l'art L'utilisation de la sérigraphie artisanale pour la série « We Are » souligne l'importance du travail manuel à l'ère de la production de masse. Chaque estampe de cette édition limitée est le fruit d'un processus laborieux exigeant précision et patience, garantissant ainsi que chaque pièce porte l'empreinte de l'artiste. L'utilisation de plusieurs couleurs confère profondeur et complexité à l'impression, faisant de chaque estampe une expérience visuelle riche. La sérigraphie, en particulier lorsqu'elle est réalisée à la main, est un hommage aux techniques artistiques traditionnelles. À une époque où l'art numérique prend une place de plus en plus importante, l'engagement d'Add Fuel envers les estampes artisanales met en valeur les aspects tactiles et physiques de la création artistique. C'est une célébration du travail de l'artiste à une époque où il est souvent absent du processus créatif. L'influence du street art, du pop art et du graffiti sur « We Are » « We Are » s'inscrit pleinement dans la tradition du street art et du graffiti. Ces mouvements se caractérisent depuis longtemps par leur volonté de remettre en question les idées reçues sur la place de l'art et ses formes possibles. L'œuvre d'Add Fuel prolonge cette tradition, démontrant que l'esprit subversif du street art peut s'harmoniser avec des formes d'art plus classiques. L'influence culturelle du street art et du graffiti est manifeste dans l'accueil réservé à des œuvres comme « We Are ». Elles trouvent un écho auprès d'un large public, séduisant ceux qui apprécient le caractère rebelle du street art et la beauté complexe des motifs traditionnels. Ce mélange de styles est devenu une marque de fabrique de l'art contemporain, reflétant une société qui valorise la diversité et la fusion des idées. Dans le contexte plus large de l'art moderne, « We Are » symbolise l'unité et le progrès. L'approche novatrice d'Add Fuel témoigne d'un mouvement artistique plus profond qui cherche à honorer le passé tout en s'engageant résolument vers l'avenir. Son œuvre représente visuellement le dialogue possible entre différentes disciplines artistiques et nous rappelle que l'art est un dialogue en constante évolution. « We Are » d’Add Fuel illustre de façon saisissante le potentiel du street art et du graffiti à transcender les frontières et à créer une œuvre inédite et vibrante. Cette sérigraphie en édition limitée témoigne du pouvoir de l’art à unir des éléments divers en un tout cohérent et captivant. Elle célèbre la capacité de l’art à nous relier à notre héritage tout en nous incitant à explorer de nouveaux horizons. À travers des œuvres comme « We Are », le dialogue entre les formes d’art traditionnelles et les expressions contemporaines se poursuit, enrichissant le tissu culturel de notre époque.

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Sérigraphie APOPHENIA par Add Fuel, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art Astropack 320 g/m², édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Dimensions de l'œuvre : 19,69 x 27,56 pouces. Sérigraphie. Sérigraphie APOPHENIA par Add Fuel APOPHENIA d'Add Fuel est un chef-d'œuvre de décodage visuel, superposant tradition ornementale et sémiotique urbaine pour créer un exemple saisissant de street art et de graffiti. Sortie en 2023 en sérigraphie artisanale, cette impression six couleurs sur papier d'art Astropack 320 g/m² mesure 50 x 70 cm et est signée et numérotée (tirage limité à 100 exemplaires). Fidèle au style caractéristique d'Add Fuel, cette œuvre bouscule les attentes en déconstruisant l'esthétique du carrelage et en révélant des récits subversifs sous-jacents. L'ornementation traditionnelle rencontre l'expression urbaine Add Fuel, de son vrai nom Diogo Machado, artiste plasticien portugais, est internationalement reconnu pour sa transformation des motifs d'azulejos en compositions contemporaines puisant dans le graffiti, la bande dessinée et l'art numérique. APOPHENIA porte bien son nom, invitant le spectateur à déceler des motifs significatifs au sein d'un chaos stratifié. À travers des déchirures stratégiques dans la façade en céramique bleue et blanche, Add Fuel révèle une vision multidimensionnelle de la culture urbaine. Chaque couche sous le masque décoratif dévoile des éléments de graffiti, des yeux caricaturaux, des polices de caractères inspirées des bombes aérosol et des références à un vandalisme ludique. Ces ruptures deviennent des métaphores de la mise à nu, levant le voile sur la manière dont les identités historiques s'entrechoquent ou fusionnent avec la réinvention urbaine. Cette technique reflète la tension visuelle au cœur de l'évolution du pop art : révérence et rébellion, passé et présent. Les motifs ornementaux des carreaux sont imprimés avec une précision sérigraphique impeccable, soulignant symétrie et répétition. Mais ces motifs sont brutalement interrompus par des déchirures irrégulières et des inscriptions graffiti incrustées, insufflant une dimension de défi à la formalité. La superposition comme commentaire culturel L'estampe se lit comme un palimpseste superposé d'histoire, de patrimoine et de rébellion. Add Fuel utilise l'azulejo non seulement comme motif, mais aussi comme symbole culturel : une représentation de l'histoire coloniale, de l'expression religieuse et de l'identité architecturale des régions lusophones. En insérant des yeux de dessin animé abstraits, des lettres graffiti façon bulles et des touches pop roses en filigrane, il interroge la question de savoir qui écrit l'héritage culturel et qui le redessine. L'insert rose en haut à droite, imitant une sérigraphie montée sur un mur carrelé, pointe vers le cadre institutionnel, le commerce et la marchandisation croissante de l'esthétique urbaine. Chaque section d'APOPHENIA apparaît comme exposée chirurgicalement, volontairement perturbatrice et d'une pureté graphique absolue. L'effet produit est une exploration de ce qui se produit lorsque l'expression underground transparaît à travers un vernis décoratif, lorsque l'expérience vécue de la rue insiste pour être vue à travers des surfaces dignes d'un musée. La précision de la gravure rencontre l'interruption urbaine Imprimée avec six couches méticuleuses, APOPHENIA transcende la simple reproduction de l'esthétique des murs de rue grâce à un savoir-faire exceptionnel. Le papier beaux-arts Astropack 320 g/m² absorbe les couleurs avec profondeur et éclat, tout en faisant ressortir la précision des effets de déchirure et des joints des carreaux. La sérigraphie confère à chaque motif – de la géométrie imbriquée des azulejos aux éclaboussures de graffiti plus libres – une netteté graphique remarquable, simulant la superposition et la profondeur. Plus qu'une illusion visuelle, c'est le travail artisanal de l'impression incarné. APOPHENIA d'Add Fuel est à la fois un hommage et une provocation, une tradition et une rupture. Elle s'inscrit pleinement dans le contexte du pop art urbain contemporain, non pas en empruntant l'esthétique du graffiti, mais en fusionnant avec la même minutie le carreau et le tag. C'est une réflexion visuelle sur l'identité, la culture et l'érosion et la persistance simultanées de l'expression publique.

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Le graffiti est un crime 12x18 - Peinture originale technique mixte, art pop moderne, artiste de graffiti sur véritable panneau de rue en métal par Cope2. Œuvre originale signée de 2020, réalisée à la bombe de peinture, représentant une lettre bulle sur un véritable panneau de rue en métal. Dimensions : 12 x 18 pouces. Panneau « Le graffiti est un crime ». Le graffiti comme forme d'art urbain pop et d'œuvres d'art graffiti Le graffiti, souvent perçu comme un acte de rébellion ou illégal, s'est progressivement imposé comme une forme d'art reconnue, attirant une attention considérable dans le domaine du pop art et du street art contemporain. Cette transformation est parfaitement illustrée par l'œuvre du célèbre graffeur Cope2. Son œuvre intitulée « Graffiti Is A Crime 12x18-I Original Mixed Media Painting » en est une représentation saisissante. Créée en 2020, cette œuvre n'est pas une simple expression de la culture urbaine, mais une icône majeure du graffiti. Il s'agit d'une peinture originale à la bombe, signée, représentant des lettres bulles sur un véritable panneau de signalisation métallique. Mesurant 30 x 45 cm, cette pièce capture l'essence du street art et du graffiti, mêlant l'énergie brute du street art à la sophistication du pop art contemporain. Le choix d'un véritable panneau de signalisation métallique comme support en dit long sur la volonté de l'artiste d'estomper les frontières entre légalité et illégalité, art et vandalisme. En transformant un symbole d'autorité et de réglementation, un panneau de signalisation, en œuvre d'art, Cope2 remet en question la perception traditionnelle du graffiti. Ce détournement d'un panneau de signalisation, objet généralement associé à la loi et à l'ordre, en support pour le graffiti, traditionnellement considéré comme une forme de rébellion, crée un contraste saisissant et une réflexion critique sur les conceptions sociétales de l'art et de l'expression. La signification culturelle du graffiti dans l'art moderne L'œuvre « Graffiti Is A Crime » n'est pas qu'une simple création artistique ; c'est un manifeste sur l'impact culturel et sociétal du graffiti. Historiquement associé aux mouvements underground, le graffiti a souvent servi de moyen d'expression aux marginaux. Cependant, comme en témoignent les œuvres d'artistes tels que Cope2, il a transcendé ces frontières, s'imposant dans le monde de l'art contemporain et devenant une forme d'expression créative reconnue. Cette métamorphose du graffiti, passé du vandalisme à une forme d'art respectée, est essentielle pour comprendre la dynamique de l'art moderne. Elle reflète l'évolution des conceptions de ce qui constitue l'art et de ceux qui ont le droit de le définir. En intégrant des éléments de la culture populaire, les graffeurs ont apporté une nouvelle dimension au monde de l'art, une dimension qui trouve un écho auprès d'un public plus large et qui reflète les enjeux sociétaux contemporains. Ce changement a non seulement offert aux graffeurs comme Cope2 une plateforme pour exprimer leur talent, mais a également suscité une réévaluation du rôle du street art dans l'histoire de l'art. Impact sur la perception du street art et du graffiti L'importance de « Graffiti Is A Crime » et d'œuvres similaires dans le contexte du street art et du graffiti réside dans leur capacité à remettre en question et à redéfinir les frontières de l'art traditionnel. Ces œuvres ne sont pas seulement l'expression d'une créativité individuelle, mais aussi de puissants outils de critique sociale. Elles représentent une forme de démocratie artistique, où la rue devient une galerie, accessible à tous et non plus seulement à une élite. Cette démocratisation de l'art par le graffiti conteste les paradigmes artistiques traditionnels et encourage une conception plus inclusive de ce que peut être l'art. De plus, l'acceptation et la célébration croissantes du graffiti dans les galeries et les expositions d'art témoignent d'une évolution culturelle. Elles représentent une reconnaissance grandissante de la valeur artistique et du commentaire social inhérents à ces œuvres. Le parcours du graffiti, des rues aux galeries, témoigne de l'évolution de la perception de ce qui est considéré comme de l'art légitime. Il souligne l'importance du contexte, du médium et du message dans le monde de l'art, prouvant que la créativité est sans limites et que l'art peut émerger des endroits les plus inattendus. L'œuvre « Graffiti Is A Crime » de Cope2 est une pièce maîtresse dans l'histoire du street art et du graffiti. Elle incarne l'essence même du parcours du graffiti, de la marge à l'avant-garde de l'art moderne. Cette œuvre n'est pas seulement une démonstration de talent artistique, mais aussi un symbole d'évolution culturelle, remettant en question les perceptions établies et redéfinissant les frontières de l'art. De ce fait, elle occupe une place particulière dans l'histoire de l'art moderne, symbolisant la nature dynamique et en constante évolution de l'expression artistique.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Most Wanted - Épreuve d'imprimeur PP, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par l'artiste de graffiti pop Cope2, œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Épreuve d'imprimerie PP 2010, signée et numérotée, encadrée, édition limitée, format 22 x 17 pouces. Encadré sous verre. Non examiné hors de son cadre. Dimensions encadrées : 19 x 24 pouces.

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Carte du métro MTA empilée 11 Peinture originale à la bombe de Cope2 - Fernando Carlo Œuvre unique sur une véritable carte du métro de New York par un artiste pop art de rue. Peinture à la bombe signée de 2011, œuvre originale de 22,8 x 28,9 cm, encadrée sur mesure, plan du métro de New York.

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Pas mal pour une fille ! Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Indie184. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 15 exemplaires. Format de l'œuvre : 13 x 17 pouces. Indie184 « Pas mal pour une fille » - Tirage d'art, édition limitée à 15 exemplaires - 33 x 43 cm (13 x 17 pouces) « Pas mal pour une fille » (Rita Moreno) • Tirage pigmentaire d'art signé • Imprimé sur papier d'art Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 33 x 43 cm (13 x 17 pouces) Signé et numéroté à la main par l'artiste Indie 184, édition limitée à 15 exemplaires

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à l'aide de pigments d'archivage pulvérisés sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste pop urbain Josh Keyes. Œuvre d'art moderne. Édition limitée 2017, signée et numérotée, à 175 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 20 x 16 pouces.

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Défendez votre amour. Œuvre originale et unique en son genre représentant Marilyn Monroe, collage technique mixte sur toile, par l'artiste populaire de street art et de culture pop Indie184 - Soraya Marquez. 2017, signé, technique mixte acrylique et peinture aérosol, collage, format 24 x 36 pouces Indie184 (Soraya Marquez) (née en 1980) Défends ton amour, 2017 Collage technique mixte sur toile 91,4 x 61 cm (36 x 24 pouces) Signé et daté à l'encre au verso

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Bricks Graffiti Bubble Original Pièce Unique Technique Mixte Peinture à la Bombe sur Toile Tendue par l'Artiste de Street Art Pop Culture DrNuse89. Peinture originale signée de 2022, format 9x3

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Aperçu exclusif d'une sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 7 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m², par Martin Whatson, un artiste pop art de rue rare et célèbre. Œuvre d'art en édition limitée, 2021, avec timbre en relief. Dimensions : 24,4 x 9,84 cm. Papier gaufré sur le pourtour du rideau pour un effet 3D, avec un graffiti en arrière-plan. Timbre réalisé par Martin Whatson & Graffitiprints. Éléments artistiques de « Sneak Peek » « Sneak Peek » est une sérigraphie en édition limitée de l'artiste norvégien Martin Whatson, reconnu pour sa fusion unique d'images en niveaux de gris et d'éléments vibrants de street art. Créée en 2021, cette œuvre est une impression artisanale en sept couleurs sur papier Somerset Satin 300 g/m², réputé pour son fini lisse et sa grande qualité, un support de choix pour les estampes d'art. L'œuvre présente un tampon en relief et mesure 62 x 25 cm. L'un des aspects les plus saisissants de « Sneak Peek » est le papier gaufré sur le bord du rideau, qui confère un effet 3D au graffiti en arrière-plan. Cette technique illustre l'approche novatrice de Whatson en matière d'estampe, alliant précision et qualité tactile des techniques traditionnelles. Style signature Martin Watson L'art de Whatson est un commentaire visuel sur les contrastes saisissants entre le paysage urbain et l'expérience humaine. Dans « Sneak Peek », l'utilisation du gris pour représenter la main et le rideau symbolise les aspects souvent monochromes et banals de la vie. Parallèlement, les graffitis colorés en arrière-plan représentent les strates vibrantes, souvent cachées, de la ville et sa culture expressive du street art. Intégration du street art pop et du graffiti « Sneak Peek » incarne l'esprit du street art et du graffiti en combinant références à l'art classique et techniques contemporaines du graffiti. L'œuvre est signée Martin Whatson et Graffitiprints, gage d'authenticité et hommage à la nature collaborative du street art. Le travail de Whatson est un dialogue entre tradition et modernité, et cette estampe témoigne de cette conversation permanente. En conclusion, « Sneak Peek » est une pièce de collection qui résume la perspective unique de Martin Whatson au sein du mouvement street art et graffiti. Elle met en lumière son talent pour fusionner différentes formes d'art et créer une œuvre à la fois accessible et complexe, offrant un aperçu du monde riche et nuancé du street art.

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Impression sérigraphique Rock Climber PP Giclee par Martin Whatson, épreuve d'imprimeur, impression sérigraphique 18 couleurs tirée à la main sur papier d'art Somerset 300 g/m², édition limitée, art pop urbain et graffiti. Épreuve d'imprimeur PP 2021 Signée et marquée P/P Tirage limité Taille de l'œuvre 31,5x31,5 Impression giclée sur sérigraphie. L'approche artistique de Martin Watson « Rock Climber PP » est une estampe giclée et sérigraphique de Martin Whatson, figure emblématique du street art et du graffiti contemporains. Épreuve d'artiste (PP) issue d'une édition limitée de 2021, cette œuvre capture l'essence même de l'art urbain. Signée et marquée par l'artiste, « Rock Climber PP » mesure 80 cm x 80 cm et témoigne de la maîtrise de Whatson, qui allie la précision de la giclée à la spontanéité de la sérigraphie artisanale. L'art de Martin Whatson est reconnu pour sa représentation saisissante du mouvement et des émotions, souvent sur fond monochrome. Dans « Rock Climber PP », Whatson utilise une sérigraphie 18 couleurs sur papier d'art Somerset 300 g/m², un support réputé pour sa texture et sa durabilité, essentielles à la technique de superposition employée dans l'œuvre. Cette œuvre se distingue par sa méthode d'impression sérigraphique artisanale, qui garantit que chaque couche de couleur est appliquée avec une attention particulière, contribuant ainsi à la profondeur et à l'éclat de l'impression. Convergence des techniques dans « Rock Climber PP » L'association de l'impression giclée et de la sérigraphie dans « Rock Climber PP » illustre la convergence entre la précision numérique et les techniques d'impression traditionnelles. Les impressions giclées sont réputées pour leur haute résolution et la netteté de leurs détails, caractéristiques de l'impression numérique. Cette technique moderne permet de restituer avec une clarté exceptionnelle les dégradés et les nuances de l'œuvre originale. La sérigraphie, quant à elle, est un procédé manuel qui consiste à faire passer l'encre à travers un écran de sérigraphie pour créer une image. Profondément ancrée dans l'histoire du street art et du pop art, elle se distingue par son caractère direct et sa capacité à produire des couleurs vives et saturées. Impact culturel de l'œuvre de Watson « Rock Climber PP » est bien plus qu'un simple assemblage de techniques ; c'est un récit visuel qui explore l'expérience urbaine et sa quête intrinsèque de sens. La figure du grimpeur, s'élevant vers le haut au milieu d'éclaboussures de couleurs chaotiques, symbolise la quête humaine de progrès et les défis rencontrés lors de l'ascension. Cette imagerie représente les thèmes centraux du street art : la lutte, la résilience et la beauté de la création. L'importance des estampes en édition limitée En tant qu'épreuve d'artiste, « Rock Climber PP » occupe une place de choix dans le monde de l'art de collection. Ces épreuves, généralement conservées par l'imprimeur ou l'artiste et non incluses dans l'édition numérotée, sont plus rares que les tirages courants. Les collectionneurs les prennent très au sérieux pour leur exclusivité et l'aperçu qu'elles offrent du processus créatif de l'artiste. De plus, la signature de Watson et la marque PP apposées sur l'œuvre en garantissent l'authenticité, rehaussant encore sa valeur et son attrait. En conclusion, « Rock Climber PP » de Martin Watson incarne avec éclat le mouvement du street art et du graffiti. Elle capture l'essence de l'art urbain grâce à l'interaction des techniques de giclée et de sérigraphie, donnant naissance à une œuvre complexe et percutante. Ce tirage témoigne de la maîtrise de Watson dans l'exploration des formes artistiques et de sa capacité à transmettre des messages profonds à travers son langage visuel unique. Cette œuvre vibre au rythme des rues et imprègne l'esprit de l'art contemporain, incarnant la vitalité du genre.

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Sérigraphie Full Force AP Artist Proof par Indie184 - Soraya Marquez, sérigraphie tirée à la main sur papier Coventry Rag 320 g/m², œuvre d'art murale pop street. Épreuve d'artiste (EA) 2021, signée et marquée, édition limitée, format 35 x 20 cm, bords frangés à la main Full Force AP par Indie184 – Puissance féminine et couleurs urbaines dans l'art pop et graffiti de rue « Full Force AP » est une sérigraphie d'artiste (AP) de 2021, signée Soraya Marquez, alias Indie184. Mesurant 89 x 51 cm, cette œuvre est tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag 320 g/m² et présente des bords frangés, soulignant son caractère artisanal et son authenticité tactile. Mentionnée AP (Artist Proof) et signée par l'artiste, cette version, plus rare que l'édition standard, est particulièrement recherchée par les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. L'œuvre, aux couleurs vibrantes, mêle iconographie cinématographique classique, motifs graffiti et symbolisme urbain, offrant une réflexion complète sur la féminité, la résistance et la culture visuelle. Portrait, émancipation et écho visuel La composition s'articule autour de portraits en niveaux de gris, joués en miroir, d'une femme glamour au style vintage, dont l'expression et la posture traduisent force et introspection. Son image, dédoublée, se fond dans un paysage de graffitis, d'étoiles filantes, d'éclaboussures de peinture et d'éclairs éclatants – autant d'éléments qui créent à la fois chaos et harmonie. Les éclairs, l'un orange, l'autre jaune, jaillissent de la tête de chaque femme, symboles d'énergie mentale ou de clarté implacable. La phrase « Full Force » s'affiche en lettres bulles colorées, agrémentées de cœurs et de points façon graffiti, à la fois titre et affirmation. Indie184 transforme ces femmes en icônes de pouvoir, les plaçant au cœur du brouhaha visuel qui, d'ordinaire, submerge la présence féminine dans la culture urbaine. Technique et texture dans l'artisanat d'épreuve d'artiste L'utilisation de la sérigraphie artisanale sur papier Coventry Rag épais de 320 g/m² permet à chaque couleur et à chaque couche de rester distinctes, tout en sublimant la texture et les légères imperfections qui confèrent vie à l'œuvre. Les bords frangés à la main renforcent le caractère brut de la pièce, contrastant la finesse de l'image photographique avec l'aspect brut et vibrant de la surface, inspiré par l'art urbain. Chaque coulure de peinture, chaque tag, chaque couche de peinture à effet spray est à la fois délibérée et expressive, incarnant la capacité d'Indie184 à transposer l'énergie d'une fresque murale dans l'univers des beaux-arts. En tant qu'épreuve d'artiste, ce tirage représente une première interprétation personnelle issue de l'atelier de l'artiste, avec de légères variations reflétant la nature organique de la production sérigraphique. Plus qu'une reproduction, c'est une partie intégrante du processus créatif. Indie184 et le rythme de la rébellion dans le féminisme urbain Née à New York, Soraya Marquez fusionne ses racines graffiti et hip-hop avec une sensibilité pop indéniable. À travers des œuvres comme Full Force AP, elle canalise cet héritage en une forme de résistance créative, où paillettes, glam et graffiti se rencontrent sans compromis. Ses personnages ne sont pas des objets passifs, mais des forces centrales qui animent et dominent l'espace visuel au lieu de s'y laisser absorber. Avec chaque cœur façon autocollant, chaque phrase taguée à la main et chaque explosion de couleurs, Indie184 donne la parole aux femmes qui s'affirment fièrement dans l'espace public, façonnant leur propre définition de la beauté, de la force et de la voix. Dans le paysage du street art et du graffiti, Full Force AP se distingue non seulement par son esthétique, mais aussi par son affirmation de présence, où l'art rencontre l'attitude et où la culture se réinvente en couleurs éclatantes.

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Peinture acrylique originale « No Cure » réalisée à la bombe par Cope2 - Fernando Carlo. Œuvre unique sur toile par un artiste pop art de rue. Peinture originale signée, technique mixte (aérosol et acrylique), 2020. Dimensions : 43 x 53 cm sur toile non tendue. Explosion de couleurs : « No Cure » de Fernando Carlo Fernando Carlo, alias Cope2, artiste originaire du Bronx et figure emblématique du street art et du graffiti, puise son inspiration dans l'énergie vibrante de la vie urbaine. Son œuvre intitulée « No Cure Original Acrylic Spray Paint Painting » est une toile spectaculaire qui révèle l'énergie brute et le chaos coloré propres au street art. Créée en 2020, cette pièce unique est un amalgame d'acrylique et de peinture aérosol, témoignant de la maîtrise des techniques mixtes par Cope2 et de son profond ancrage dans la culture graffiti. Mesurant 109 x 135 cm sur une toile non tendue, « No Cure » atteste de l'influence durable de Cope2 sur la scène du street art contemporain. La toile déploie une profusion de couleurs et de formes, s'entrechoquant et se fondant dans une harmonie presque musicale. Signée par l'artiste, l'œuvre est authentifiée et reconnue comme une pièce majeure de son œuvre. La signature de Cope2 est mondialement reconnue, un gage de crédibilité dans l'univers du graffiti, en constante évolution. Avec « No Cure », Cope2 démontre sa polyvalence et son engagement envers son art, offrant un festin visuel qui est à la fois un clin d'œil au passé et un pas vers l'avenir du street art. L'audace artistique de Cope2 Le parcours de Fernando Carlo sous le nom de Cope2 est une histoire gravée dans le tissu même des rues de New York. Depuis les années 1980, il est une figure emblématique de la scène graffiti, souvent considéré comme l'un des pères fondateurs du graffiti dans le métro new-yorkais. Son style a évolué au fil des décennies, tout en conservant l'essence du mouvement : audacieux, provocateur et résolument public. « No Cure » capture cette évolution, sa toile étant une collision dynamique entre les éléments traditionnels du graffiti et l'esthétique expérimentale du pop art. Le titre « No Cure » évoque à lui seul une expression brute et débridée. Il suggère un mal incurable, peut-être une référence à la nature addictive de la création artistique, en particulier dans le contexte du street art où l'acte de peindre peut être aussi captivant que l'œuvre elle-même. Cette peinture ne cherche pas à guérir, mais à saisir et à transmettre les multiples facettes de la vie urbaine, le récit intérieur de l'artiste et le vibrant dialogue culturel des rues. La présence assumée de textes, de motifs abstraits et d'éclaboussures de peinture illustre l'approche intrépide de Cope2 vis-à-vis de l'art et de la vie. Contextualisation de « No Cure » dans le Street Pop Art « No Cure » n'est pas qu'une simple œuvre d'art, c'est une représentation visuelle de la culture dont elle est issue. Comprendre cette pièce, c'est plonger dans l'histoire du street art et son intégration dans l'espace des galeries. Le street pop art, puisant ses racines dans les mouvements contre-culturels du XXe siècle, cherche à insuffler la vitalité de la culture urbaine au monde souvent aseptisé des beaux-arts. Cope2 y parvient avec brio, s'appuyant sur son expérience de natif du Bronx pour imprégner son œuvre d'une authenticité indéniable. L'année 2020, année de création de « No Cure », a marqué une ère où le street art s'était solidement imposé comme un genre capable d'investir les murs des galeries prestigieuses tout en conservant son ancrage dans la rue. Dans cette perspective, l'œuvre de Fernando Carlo fait office de pont, reliant les trottoirs bruts couverts de graffitis aux murs blancs des collectionneurs d'art en quête d'une part de la culture urbaine. « No Cure » incarne l'esprit de l'art urbain contemporain, un phare témoignant de la vitalité et de l'évolution constante du street art et du graffiti. Dans le vaste champ du street art, « No Cure » de Cope2 constitue un chapitre vibrant qui illustre la diversité et la complexité du graffiti. Cette œuvre éclatante révèle la force artistique de Fernando Carlo et l'empreinte indélébile qu'il a laissée sur le paysage urbain. Alors que les frontières entre street art et beaux-arts s'estompent, des œuvres comme « No Cure » nous rappellent qu'au cœur de ce mouvement réside la puissance d'une expression brute et authentique – une puissance qui, en effet, est incurable.

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Vidéosurveillance 12x18- II Peinture originale technique mixte, artiste graffiti, art pop moderne sur véritable panneau de rue en métal par Cope2. Panneau de signalisation en métal véritable, signé, réalisé à la bombe de peinture (lettres bulles), 2020, format 12 x 18 pouces. Zone sous surveillance 24h/24.

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Break Free 29, édition limitée, estampes pigmentaires HPM d'archives rehaussées à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives rehaussé à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Format : 61 x 51 cm (24 x 20 pouces) Sortie : 26 juillet 2019 « Break Free » fait partie d’une nouvelle série de peintures explorant l’étrange abstraction des structures artificielles, victimes de l’abandon, de la dégradation et de la démolition, en contraste avec la beauté de leur reconquête par la nature. Tout retournera un jour à la Terre. – Jessica Hess L'ouvrage de Jessica Hess, Break Free 29 : L'architecture de la décrépitude et le langage du graffiti « Break Free 29 » de Jessica Hess est une estampe pigmentaire d'archive rehaussée à la main, mesurant 61 x 51 cm (24 x 20 pouces), publiée en 2019 dans le cadre d'une série documentant l'architecture urbaine abandonnée, envahie par les graffitis et les éléments naturels. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², cette édition limitée illustre la maîtrise de Hess en peinture photoréaliste et son talent pour transformer la ruine urbaine en poésie visuelle. L'image capture un espace intérieur effondré – peut-être un entrepôt ou une friche industrielle – où la nature reprend ses droits et où chaque surface visible est recouverte de tags, de fresques et de pigments patinés. L'œuvre n'est pas une simple célébration du street art. C'est une méditation nuancée sur l'impermanence, la résilience et la transformation. Hess ne stylise ni n'exagère les graffitis ; elle les peint fidèlement, les respectant comme un témoignage authentique de l'empreinte humaine. Les poutres délabrées, les planches de plancher brisées et la charpente apparente du toit contribuent à la complexité visuelle de l'ensemble. Tout dans cette composition est en perpétuel mouvement. La structure se dégrade, et pourtant les surfaces s'animent d'une vie nouvelle. Des plantes vertes percent les fissures. Des éclats de couleurs vives défient le silence. L'effondrement n'est pas une fin, mais une évolution. Le photoréalisme comme préservation des objets éphémères du street pop Le travail de Jessica Hess s'apparente à une forme de préservation visuelle. En recréant minutieusement des ruines recouvertes de graffitis avec un réalisme photographique saisissant, elle immortalise l'art éphémère face au temps, à la destruction et à l'effacement. Dans Break Free 29, aucune surface n'est épargnée : piliers, encadrements de fenêtres, tuyaux et débris sont recouverts de couches superposées de graffitis, d'autocollants et de coulures de peinture. Chaque tag est une voix anonyme, participant à un dialogue visuel plus vaste, tissé au fil du temps. Hess ne retouche ni ne met en scène ces voix. Elle les capture dans toute leur complexité brute. La technique d'embellissement manuel de chaque estampe renforce l'authenticité de l'œuvre. Elle souligne la nature physique du graffiti lui-même : construit par couches, retouches et répétition. Les éléments peints ne se contentent pas de reproduire l'image ; ils la réactivent. L'utilisation d'un réalisme haute fidélité et d'un travail manuel minutieux par Hess fait le lien entre le graffiti et les beaux-arts, sans compromettre aucun des deux. Cela témoigne de son profond respect pour ces lieux et les artistes qui y ont laissé leur empreinte. Entropie, mémoire et réensauvagement de l'espace urbain Break Free 29 contribue au dialogue permanent au sein du Street Pop Art et du graffiti sur la signification de l'espace, de la dégradation et de la notion d'auteur. Hess ne peint pas l'acte de graffiti en mouvement, mais ses conséquences, sa documentation. La structure qu'elle représente n'est plus définie par sa fonction originelle. Elle devient un nouvel environnement façonné par l'effondrement, l'intervention humaine et l'abandon. L'architecture se transforme en une toile accidentelle, et la nature s'y installe lentement, collaboratrice silencieuse. Aucune figure humaine ne se détache au centre de la scène, mais la présence humaine est omniprésente : dans les traits de peinture, dans les tags, dans les strates de messages écrits au fil du temps. Le graffiti ne se contente pas d'orner les ruines ; il leur confère un sens dans leur inoccupation. Le cadrage de cet espace par Hess révèle une beauté alternative, non fondée sur la conception, mais sur la décomposition et la réappropriation. Des plantes poussent à travers le béton. La lumière du soleil filtre à travers le toit effondré. L'œuvre humaine cède, et la terre commence à réécrire l'histoire de la structure. Dans Break Free 29, Jessica Hess présente la ruine non comme une perte, mais comme une transformation. C'est un portrait de l'impermanence peint avec soin et précision, qui nous rappelle que rien n'est véritablement statique : ni les villes, ni l'art, ni la nature. Tout est en mouvement, et tout finit par se libérer.

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Interdit d'entrer, pas de graffiti 12x18- III Peinture originale technique mixte, artiste de graffiti, art pop moderne sur véritable panneau de rue en métal par Cope2. Panneau de rue en métal véritable, signé, réalisé à la bombe de peinture (lettres bulles), format 12 x 18 pouces. Œuvre originale de 2020. Défense d'entrer. Interdiction de graffitir. Panneau de surveillance. Cope2 remet en question les normes avec ses œuvres d'art urbain pop et graffiti. L'œuvre « No Trespassing No Graffiti 12x18- III » de Cope2 est une création provocatrice qui incarne l'esprit rebelle du street art et du graffiti. Cette peinture originale à la bombe, signée et réalisée en 2020, présente des lettres bulles sur un véritable panneau de signalisation métallique de 30 x 45 cm (12 x 18 pouces), proclamant avec audace : « Le graffiti est un crime ». Cette œuvre remet directement en question les frontières légales et sociétales qui pèsent depuis longtemps sur les graffeurs. Cope2, figure incontournable du monde du graffiti, utilise cette pièce pour confronter le paradoxe du graffiti en tant que forme d'art : son existence simultanée à la fois comme création reconnue et comme acte criminel. Le panneau de signalisation métallique, objet symbolisant généralement la loi et le contrôle, est détourné et réutilisé comme support d'expression artistique libre. Cette inversion est symbolique de la nature même du street art : un médium qui s'exprime souvent dans des espaces fortement réglementés et surveillés. En choisissant ce support, Cope2 ne se contente pas de créer une œuvre d'art ; Il rédige une déclaration sur le droit à l'espace public et la nature de la liberté artistique. Commentaire socioculturel de l'œuvre de Cope2 « Défense d'entrer, graffiti interdit » est bien plus qu'une œuvre visuellement saisissante ; elle offre un commentaire socioculturel sur l'état actuel du street art. Les couleurs vives et les lettres bulles caractéristiques sont des éléments essentiels du graffiti traditionnel, mais elles contrastent fortement avec le fond formel et autoritaire du panneau de signalisation. Ce contraste est une métaphore visuelle de la tension entre l'artiste et l'institution, entre créativité et conformisme. L'œuvre capture l'essence même de Cope2 : un artiste qui a prospéré malgré l'adversité et les obstacles juridiques pendant plus de trente ans. Cette œuvre en techniques mixtes témoigne de son dévouement à son art et de sa capacité d'adaptation et d'évolution. Il a exposé ses techniques mixtes dans la rue à une figure respectée du pop art moderne, tout en conservant l'authenticité et la spontanéité de ses débuts dans le street art. Impact du slogan « Propriété privée, pas de graffiti » sur le pop art et le graffiti urbain L'impact de l'œuvre « No Trespassing No Graffiti » de Cope2 sur la perception du street art et du graffiti est indéniable. Elle incarne la contestation souvent inhérente à ce genre artistique. Pourtant, elle représente aussi une maturation de la forme, signe que le street art a désormais toute sa place dans le discours artistique contemporain. L'œuvre se dresse comme un symbole de résistance à la criminalisation du graffiti, incitant à un réexamen des lois et des perceptions culturelles qui régissent l'expression publique. À travers cette œuvre, Cope2 affirme la valeur du street art comme forme légitime et puissante d'expression sociale et artistique. La peinture interpelle directement le spectateur, l'invitant à questionner et à redéfinir les frontières de la légalité et de l'art. C'est une déclaration audacieuse : la présence du graffiti dans l'espace public peut être à la fois un acte de vandalisme et un témoignage culturel significatif. « No Trespassing No Graffiti » est une œuvre charnière dans l'histoire du street art et du graffiti. Cette œuvre témoigne de l'influence durable de Cope2 et de son engagement à repousser les limites du langage du street art. Elle ne se contente pas de dénoncer la prohibition ; elle proclame le pouvoir transformateur du graffiti, son rôle dans la remise en question de l'ordre établi et son potentiel à modifier notre rapport à l'espace urbain. Elle incarne la complexité du graffiti et constitue un exemple vibrant du dialogue entre l'artiste, la ville et la société.

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Time Travel Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist COPE2 x Afa Annfa x Chino Lam. Skateboard Time Travel 2021 Taille : 80 x 20 cm Éditions de 100 exemplaires numérotés.

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À moi est à toi. Sérigraphie réalisée par Add Fuel, imprimée à la main en 5 couleurs sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires (2024). Œuvre d'art de 19,6 x 27,5 pouces, sérigraphie représentant un motif de graffiti stylisé, un tag, un tag, un carreau et un cœur doré aux émotions contrastées. Explorer le dynamisme du pop art urbain à travers la sérigraphie L'évolution du street art a pris un tournant fascinant avec l'intégration de motifs classiques et de messages contemporains, donnant naissance à un genre largement reconnu sous le nom de Street Pop Art. Un exemple parfait de ce mélange dynamique est la sérigraphie « Mine is Yours » de l'artiste Add Fuel. Issue des rues animées et exposée dans les galeries d'art contemporain, cette œuvre en édition limitée incarne l'esprit du street pop art avec son motif vibrant de graffiti et un cœur doré symbolisant des émotions complexes. Add Fuel, de son vrai nom Diogo Machado, est originaire du Portugal et contribue activement à la scène artistique internationale grâce à son style unique qui marie l'ancien et le nouveau dans un contexte urbain. L'attrait des œuvres d'art en édition limitée Les tirages en édition limitée comme « Mine is Yours » ne sont pas de simples reproductions, mais de véritables objets de collection, prisés des amateurs d'art et des collectionneurs. Tirés à la main selon un procédé cinq couleurs sur papier beaux-arts, chacun des cinquante exemplaires possède des caractéristiques uniques, témoignant de l'approche artisanale qu'Add Fuel consacre à son travail. Le format de 50 x 70 cm offre un support idéal à la conception complexe qui captive le regard et invite à explorer la richesse de ses détails. Signés et numérotés, ces tirages portent l'empreinte authentique de l'artiste, faisant de chaque pièce un fragment précieux d'un récit plus vaste, reflet de sa vision artistique. L'art du graffiti : un reflet de la société contemporaine L'art du graffiti reflète souvent le pouls de la société, faisant écho aux émotions et aux pensées de la communauté dont il est issu. « Mine is Yours » illustre parfaitement cela : en juxtaposant un tag de graffiti stylisé à un motif de carrelage traditionnel, il reflète la dichotomie entre possession individuelle et partage collectif. Le cœur doré au centre, débordant d'expressivité, pourrait être interprété comme un commentaire de l'artiste sur la complexité des émotions et des relations humaines dans le paysage urbain. L'œuvre d'Add Fuel est non seulement visuellement saisissante, mais aussi stimulante, invitant le spectateur à un dialogue silencieux sur la propriété, le partage et la coexistence d'idéaux contrastés. Dans le contexte plus large du Street Pop Art, de telles œuvres deviennent des récits essentiels qui remettent en question l'esthétique et les significations conventionnelles. Elles insufflent la brutalité de la rue dans un format à la fois accessible et profond, permettant à cet art de transcender ses frontières originelles et de toucher un public plus large. La contribution de Diogo Machado à travers « Mine is Yours » témoigne du pouvoir transformateur du pop art urbain et de sa capacité à innover et à inspirer au-delà des murs qui l'enfermaient autrefois.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Achetez Post No Bills - Untitled Original One of a Kind Spray Paint & Stencil Painting Artwork on Stretched Canvas by Popular Street Art Pop Culture Artist Seen UA. 2018 Signé Original Peinture Taille 18x24 Craquelure partout. Toile non doublée.

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Priority Mail RD Marqueur à bulle bleue Autocollant original Étiquette Slap-Up Peinture/Dessin Artby Tru Légende du graffiti RD-357 Artiste de rue moderne. Tag original Slap Up Graffiti Art, signé 2021 5,5 x 4,25

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Sérigraphie en édition limitée 7 couleurs tirée à la main sur papier satiné Somerset 300 g/m² de Martin Whatson, un artiste pop art rare et célèbre dans le milieu de la rue. Œuvre d'art en édition limitée, 2021, avec timbre en relief. Dimensions : 9,84 x 19,68 cm. Papier gaufré autour de la fissure pour un effet 3D, avec le graffiti en arrière-plan. Timbre réalisé par Martin Whatson et Graffitiprints. Technique et conception de « La Fissure » « The Crack » est une sérigraphie artisanale en sept couleurs, réalisée par Martin Whatson, artiste de street art et de graffiti. Tirée sur papier Somerset Satin 300 g/m², un support de choix pour les impressions de haute qualité grâce à son fini exceptionnel et son grammage optimal, cette œuvre en édition limitée de 2021 mesure 25 x 50 cm. Elle reflète le style de Whatson, qui met souvent en valeur le contraste entre le noir et le blanc et des touches de graffiti coloré. Soulignant la profondeur et la texture, « The Crack » présente un papier gaufré autour de la fissure représentée, créant un effet 3D qui donne vie au graffiti en arrière-plan. Cette technique de gaufrage enrichit l'expérience tactile de l'œuvre, invitant le spectateur à observer et à ressentir l'interaction entre les éléments bidimensionnels et tridimensionnels. Chaque tirage porte un tampon d'authenticité en relief, attestant qu'il s'agit d'une œuvre originale de Whatson. Il est également estampillé Graffitiprints, témoignant d'une collaboration entre l'artiste et l'imprimerie. Le symbolisme dans l'œuvre de Martin Watson L'œuvre « The Crack » de Whatson peut être interprétée comme une métaphore de la beauté et de la complexité insoupçonnées qui se cachent sous la surface du paysage urbain. La figure représentée soulève une couche de mur pour révéler un monde vibrant de couleurs et de vie, symbolisant la quête de beauté de l'artiste dans des lieux inattendus. Cette métaphore visuelle est un thème récurrent dans le travail de Whatson, qui explore souvent la relation entre le monde monochrome et structuré et la vitalité chaotique du street art. Contribution au street art pop et au graffiti Martin Whatson a marqué de son empreinte les mouvements du street art et du graffiti en repoussant les limites de l'art urbain traditionnel. Son utilisation de la sérigraphie, technique issue du pop art, fait le lien entre l'atelier et la rue, permettant la reproduction de ses œuvres tout en préservant leur caractère artisanal. « The Crack » illustre parfaitement cette fusion, alliant la précision du pochoir à l'énergie brute du graffiti. Cette œuvre témoigne de l'approche novatrice de Martin Whatson en matière de street art et de graffiti. Elle illustre son engagement à explorer et à mettre en lumière le contraste entre le potentiel expressif et brut du graffiti et la précision maîtrisée du pochoir, aboutissant à des pièces visuellement saisissantes et conceptuellement profondes.

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Bulle iconique - Sérigraphie en édition limitée, 8 couleurs, feuille d'or blanc 24 carats, tirée à la main, sur papier satiné Somerset 300 g/m² par Cope2. Œuvre rare de street art et d'un artiste pop célèbre. Édition limitée à 25 exemplaires, signée par l'artiste. Sérigraphie 8 couleurs sur papier Somerset 300 g/m² avec feuille d'or 24 carats. Dimensions : 75 x 55 cm. Année : 2019.

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Bulle iconique - Sérigraphie en édition limitée 8 couleurs noires, tirée à la main, sur papier satiné Somerset 300 g/m² par Cope2. Œuvre rare de street art et d'un artiste pop célèbre. Édition limitée à 75 exemplaires, signée par l'artiste. Sérigraphie 8 couleurs sur papier Somerset 300 g/m². Dimensions : 75 x 55 cm. Année : 2019.

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Papier buvard Giant G, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Mike Giant, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2019. Tirage : 50 exemplaires.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Stacked Bubble Throwies - Impression sérigraphique en édition limitée rose bicolore à bords frangés, tirée à la main, sur papier d'art Coventry Rag 335 g/m² par Cope2. Œuvre rare de street art et d'art pop d'un artiste célèbre. Sérigraphie 2 couleurs signée, 2018, sur papier d'art Coventry Rag 335 g/m² à bords frangés. Format : 40,6 x 50,8 cm. Sortie : 4 août 2018. Tirage : 20 exemplaires. « C'est inné, pas le fruit d'une école d'art. Ça vient du plus profond de mon âme, de toute mon énergie. Chacun est grand à sa manière. La mienne, c'est d'être artiste », affirme-t-il dans une interview. Il a débuté dans la scène underground new-yorkaise et, même si ses graffitis sur les murs et les rames de métro lui ont valu la prison, cela n'a fait qu'accroître sa notoriété et ne l'a jamais dissuadé de créer. Au contraire, ces démêlés avec la justice l'ont incité à expérimenter ouvertement la peinture sur toile comme alternative au street art.

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« Des yeux comme ceux-là », œuvre d'art originale et unique, collage de peinture à la bombe aérosol, technique mixte, sur toile tendue, par l'artiste pop Indie184 - Soraya Marquez. Peinture originale unique signée de 2017, format 35,5 x 48 pouces. Toile non doublée.

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