Bâtiment

Sérigraphie « The Lonesome Crowded West Apt Block Modest Mouse » de Shepard Fairey - OBEY - Tirage à la main 5 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté - Édition limitée - Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 825 exemplaires, 2022. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces, sérigraphie représentant un immeuble d'appartements stylisé en milieu urbain. Je suis ravi que Modest Mouse m'ait demandé de créer des affiches en édition limitée pour leur tournée commémorant le 25e anniversaire de leur album de 1997, *The Lonesome Crowded West*. J'ai découvert Modest Mouse en 1998. J'avais emprunté l'album à un ami ; il était sorti l'année précédente et je l'ai tout de suite adoré. L'album est excellent, très riche et complexe, allant de morceaux agressifs et dissonants comme « Teeth Like God's Shoeshine » à des titres folk, mélodieux et intimistes comme « Trailer Trash ». Mes deux chansons préférées de l'album The Lonesome Crowded West sont « Doin' the Cockroach », qui monte crescendo jusqu'à une frénésie de guitare staccato exaltante, et la chanson suivante, « Cowboy Dan », empreinte de tension, de lutte, de colère et de beauté. Côté textes, le chanteur et principal compositeur du groupe, Isaac Brock, apparaît comme un sage empathique et désabusé. J'ai rarement recours au terme « poète », mais Isaac écrivait avec une telle profondeur pour un jeune homme de seulement 23 ans que je pense que seul ce titre peut véritablement rendre compte de son talent exceptionnel de parolier. J'ai eu la chance de réaliser l'affiche de la tournée Black Glass de Modest Mouse en 2000, un moment inoubliable pour moi. » - Shepard Fairey - OBEY Dans le panthéon du street art, peu de noms sont aussi indissociables de l'essor de ce mouvement dans la culture populaire que Shepard Fairey. Sa collaboration avec le groupe Modest Mouse pour l'affiche de leur tournée célèbre un événement marquant : le 25e anniversaire de leur album phare, « The Lonesome Crowded West ». Fidèle à son style, Fairey interprète l'esprit de l'album à travers une sérigraphie en édition limitée, minutieusement réalisée à la main avec cinq couleurs sur papier d'art Cream Speckletone. Ce procédé garantit que chacune des 825 pièces est imprégnée de la touche personnelle de l'artiste. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette estampe signée et numérotée représente un immeuble d'habitation, icône urbaine emblématique qui illustre l'isolement étouffant évoqué dans le titre de l'album. La représentation stylisée de l'immeuble par Fairey fait écho à l'exploration par le groupe de la solitude paradoxale de la vie urbaine, incarnant ainsi l'esprit de la musique de Modest Mouse à travers l'art visuel. Son œuvre n'est pas une simple interprétation artistique, mais un récit des contrastes de la vie urbaine : connexion et isolement, son et silence. Cette collaboration est particulièrement importante pour Fairey, fan de Modest Mouse depuis 1998. L'album l'a profondément marqué, avec ses changements de tonalité, du titre énergique « Teeth Like God's Shoeshine » au plus intimiste « Trailer Trash ». Fairey loue le talent d'auteur-compositeur d'Isaac Brock, reconnaissant la profondeur et la poésie de ses textes, surtout compte tenu du jeune âge de Brock. Les deux titres qui ont particulièrement retenu son attention, « Doin' the Cockroach » et « Cowboy Dan », illustrent la richesse de l'album et le talent d'écriture de Brock. L'histoire de Fairey avec Modest Mouse remonte à l'affiche de la tournée « Black Glass » de 2000, confirmant ainsi son lien de longue date avec le groupe. Cette estampe constitue un nouveau chapitre de cette histoire, renforçant le lien étroit entre son art visuel et leur expression musicale. Véritable témoignage de l'histoire de la culture pop, elle entremêle l'héritage du street art de Fairey et la contribution de Modest Mouse à la musique. Collectionneurs d'œuvres de Fairey et fans du groupe chérissent cette estampe comme un symbole de la pertinence intemporelle de « The Lonesome Crowded West » et du pouvoir de l'art à transcender les supports, capturant l'essence d'une époque.

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée Junkyard Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Stephanie Buer. 2021 Junkyard • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 30,5 x 30,5 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Stephanie Buer • Édition limitée à 20 exemplaires

Lis Plus Moins

Yoshinoya PP Épreuve d'impression pigmentaire d'archives, édition limitée , impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab 290 g/m² par l'artiste pop Scott Listfield. Épreuve d'imprimerie PP 2018 Signée et marquée PP Édition limitée Format 14x18 Sortie : 9 novembre « Yoshinoya » de Scott Listfield et sa place dans l'art contemporain L'épreuve d'imprimerie « Yoshinoya » de Scott Listfield, réalisée sur papier pigmentaire d'archive, est une œuvre marquante du paysage du pop art contemporain, du street art et du graffiti. Sortie le 9 novembre 2018, cette estampe en édition limitée, clairement identifiée comme épreuve d'imprimerie et signée par l'artiste. Ce type d'épreuve est généralement conservé à l'écart du tirage principal et sert souvent à vérifier la qualité avant l'impression finale. Les collectionneurs et les amateurs de pop art considèrent les épreuves d'imprimerie comme très recherchées en raison de leur rareté et de l'implication directe de l'artiste dans leur création. Symbolisme dans « Yoshinoya » de Scott Listfield L'œuvre, mesurant 35,5 x 45,7 cm, est imprimée sur du papier beaux-arts Moab de 290 g/m², réputé pour sa qualité supérieure et sa capacité à restituer des couleurs vives et saturées ainsi que des détails d'une grande finesse. « Yoshinoya » met en scène un astronaute, personnage récurrent dans l'œuvre de Listfield, symbolisant l'exploration et l'isolement dans le monde moderne. L'astronaute se tient devant une maison contemporaine, avec un dirigeable publicitaire Yoshinoya flottant en arrière-plan sur un ciel crépusculaire. Cette image est riche en symbolisme, l'astronaute semblant contempler la juxtaposition entre l'immensité de l'espace et l'environnement urbain commercialisé. Exploration des thèmes du pop art dans l'œuvre de Listfield Cette estampe incarne plusieurs thèmes récurrents du pop art urbain et du graffiti : une exploration de la condition humaine, une critique de la société de consommation et l’utilisation d’images familières pour susciter la réflexion. L’astronaute de Listfield est plus qu’un personnage ; il est un avatar pour le spectateur, évoluant dans un monde où le marketing des entreprises s’étend jusqu’aux étoiles. Le cadre résidentiel paisible contraste avec le symbole commercial omniprésent au-dessus, incitant à réfléchir à l’intrusion du marketing dans tous les aspects de la vie. Commentaire technique et culturel Dans sa création « Yoshinoya », Listfield utilise la technique du tirage pigmentaire d'archives, une méthode qui garantit une stabilité d'image et une fidélité des couleurs durables. Cette technique est particulièrement adaptée à la restitution des nuances du ciel crépusculaire et des reflets de la combinaison spatiale. En utilisant un papier beaux-arts, Listfield élève le tirage, traditionnellement associé à la nature éphémère du street art, au rang d'œuvre d'art pérenne. Le tirage pigmentaire d'archives « Yoshinoya » de Scott Listfield est une pièce maîtresse du street art et du graffiti. Il incarne l'essence du pop art par son exploration des symboles commerciaux et culturels, tout en offrant une perspective unique sur le rôle et l'impact de la publicité dans la société moderne. Le tirage en édition limitée, la qualité et la profondeur thématique de cette œuvre en font un incontournable pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

« Nuit en ville », sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts, par l'artiste Nate Duval, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 11 x 14 pouces.

Lis Plus Moins

Sérigraphie SF Fire Escape de Shepard Fairey - OBEY, couleur tirée à la main sur papier d'art crème moucheté, édition limitée, artiste de la culture pop. 2011 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée à 450 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie Escalier de secours de SF par Shepard Fairey - Art urbain pop et graffiti symbolisant le symbolisme urbain La sérigraphie de Shepard Fairey, intitulée SF Fire Escape (2011), capture l'énergie architecturale et culturelle de San Francisco à travers le prisme du street art et du graffiti. Imprimée sur papier d'art Speckletone couleur crème, en édition signée et numérotée à 450 exemplaires, cette sérigraphie artisanale de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) condense la signature graphique de Fairey, mêlant contrastes et commentaires politiques, en une composition dynamique de géométrie urbaine. Utilisant sa palette emblématique rouge, noire et crème, l'œuvre présente un impressionnant escalier de secours traversant la façade d'un immeuble moderne, orné du visage expressif de l'icône désormais célèbre d'Obey Giant, apparaissant à travers une fenêtre. Les lignes verticales de la structure s'entrecroisent avec des escaliers diagonaux, tandis qu'un panneau d'affichage urbain indique « sens unique et interdiction de tourner », soulignant métaphoriquement le contrôle, la restriction et l'illusion de la certitude directionnelle. Lignes architecturales et structures de pouvoir urbaines L'œuvre de Fairey, « SF Fire Escape », métamorphose un élément banal du design urbain en une œuvre visuelle saisissante. L'escalier de secours, généralement perçu comme un symbole de sécurité ou de dernier recours, devient une ligne brisée, une échappatoire au conformisme. Ses angles blancs éclatants, contrastant avec la grille rigide du bâtiment, évoquent l'urgence et le potentiel. Les panneaux rouges et noirs confèrent un sentiment d'urgence et de rigidité institutionnelle, tandis que le panneau d'affichage en silhouette ajoute une dimension de direction sociale, voire de voie imposée. L'intégration du visage d'Obey Giant dans la fenêtre de l'escalier de secours rompt la grille par un symbole humanisé inattendu, faisant écho à la critique constante de l'artiste sur la saturation médiatique, la surveillance et les structures systémiques. Ce visage agit également comme un observateur discret, intégré à l'architecture, à la fois présent et contenu. La sérigraphie comme médium politique dans le pop art urbain La sérigraphie est depuis longtemps l'outil de prédilection de Fairey pour reproduire des messages rapidement et à grande échelle. SF Fire Escape perpétue cette tradition en conservant l'esthétique de l'affiche tout en se présentant comme une œuvre d'art à collectionner. Le choix du papier Speckletone crème, associé à des couches d'encre sérigraphiées aux couleurs vives, évoque l'esprit DIY des affiches de propagande placardées dans les rues. Le langage visuel à la fois raffiné et percutant de Fairey exploite la répétition, une palette de couleurs restreinte et le contraste pour amplifier l'urgence et la force du propos. Cette composition ne se contente pas de dépeindre un moment architectural, mais transforme l'environnement bâti de la ville en une métaphore du confinement culturel et des signaux autoritaires déguisés en directives. Iconographie intégrée et résistance urbaine Le visage d'Obey Giant n'est pas qu'une simple marque ou un ornement : il s'impose comme un symbole de résistance, intrinsèquement lié au tissu urbain. En l'intégrant à un escalier de secours, Fairey explore les notions de surveillance, d'autonomie et d'évasion. L'utilisation de la signalétique directionnelle ajoute une dimension ironique, interrogeant la véritable liberté de choix des individus dans la société moderne, et leur interrogeant sur leur simple appartenance à un système de contrôle. SF Fire Escape illustre le rôle constant de Shepard Fairey dans la transformation du street art et du graffiti contemporains en supports imprimés socialement engagés et politiquement pertinents, puisant leur inspiration dans le langage visuel de la rébellion et dans la structure du quotidien.

Lis Plus Moins

Impression d'art en édition limitée Yoshinoya Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par l'artiste pop Scott Listfield. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Format : 14 x 18 pouces. Sortie : 9 novembre. La vision créative derrière « Yoshinoya » par Scott Listfield « Yoshinoya » de Scott Listfield illustre avec force l'évolution du pop art à l'ère numérique, mêlant l'esthétique du street art à la précision de la gravure d'art. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, réalisé sur papier d'art Moab 290 g/m², capture le motif emblématique de l'artiste : un astronaute se détachant sur un paysage parsemé de références à la culture pop et d'iconographie commerciale. Créée en 2018, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par Listfield, soulignant ainsi la valeur de l'exclusivité dans le monde de l'art. Analyse des influences du pop art et du street art L'astronaute de « Yoshinoya » est une figure emblématique de l'exploration, non pas spatiale, mais du monde contemporain, reflétant l'exploration thématique, propre au genre, de l'aliénation et de la quête de sens au sein d'un paysage saturé de messages publicitaires. La juxtaposition de cette figure venue d'un autre monde sur fond de bâtiment moderniste et de dirigeable publicitaire critique subtilement l'influence omniprésente du consumérisme. Cette imagerie fait écho à l'essence même du pop art urbain et du graffiti, où le public est confronté à des messages percutants, intégrés au tissu même de l'environnement quotidien. Technique et médium : valoriser l'art urbain Le choix du support par Listfield, l'impression pigmentaire d'archives, établit un lien entre la nature éphémère du street art et la permanence recherchée par les collectionneurs d'art. Le papier beaux-arts Moab, réputé pour sa durabilité et sa fidélité des couleurs, garantit la préservation des teintes vives et des détails complexes de « Yoshinoya », capturant la beauté fugace du street art dans une forme qui résiste à l'épreuve du temps. Le format 35,5 x 45,7 cm de l'œuvre en fait une pièce à la fois intime et percutante, adaptée à divers espaces, des collections privées aux expositions publiques. En résumé, « Yoshinoya » de Scott Listfield est une œuvre qui invite à la réflexion et reflète le regard critique de l'artiste sur les paysages culturels de la société, mêlant l'immédiateté du pop art urbain à l'impact durable des pratiques artistiques conventionnelles. Cette édition limitée témoigne de l'évolution du pop art, qui embrasse de nouvelles techniques et de nouveaux supports pour perpétuer la tradition consistant à interpeller le spectateur et à susciter le dialogue par l'art visuel.

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Boudica arrive chez HPM. Impression sérigraphique 6 couleurs embellie par Jamie Reid, tirée à la main sur papier cartonné gris Optimum 400 g/m² vieilli. Œuvre d'art en édition limitée. 2018. Signée par les deux artistes. Sérigraphie HPM acrylique rehaussée à la main au pochoir et numérotée. Édition limitée à 350 exemplaires. Dimensions : 17 x 25 cm. Sérigraphie représentant la reine Boudica sur un char à cheval près d'un gratte-ciel. Édition spéciale marché aux puces. Effet vieilli à la main. Boudica arrive : Sérigraphie HPM ornée par Jamie Reid et James Cauty L'œuvre « Boudica Is Coming » est un exemple parfait de fusion entre le pop art urbain et l'esthétique graffiti. Créée par les artistes britanniques de renom Jamie Reid et James Cauty, elle rend hommage à l'iconographie rebelle et au paysage urbain contemporain. Tirée à 350 exemplaires seulement, cette œuvre est imprimée à la main sur un papier cartonné gris Reverse Optimum de 400 g/m² à l'aspect vieilli, conférant à chaque pièce une texture unique. Mesurant 43 x 63,5 cm, elle capture l'essence de la culture street art tout en l'ancrant dans des références historiques, notamment à travers l'image de la reine Boudica. L'iconographie de Boudica dans le pop art urbain Boudica, l'ancienne reine guerrière des Icéniens, est une figure récurrente de l'iconographie contestataire britannique. Dans cette œuvre, Reid et Cauty établissent un lien direct entre l'esprit rebelle de Boudica et les mouvements contre-culturels qui caractérisent une grande partie du street art contemporain. Elle est représentée chevauchant son char emblématique, symbole de force et de puissance. La juxtaposition de sa figure sur fond de gratte-ciel moderne souligne la tension entre l'histoire et l'urbanisation galopante. Ce contraste est un thème central du street art pop, où les symboles historiques et culturels sont fréquemment réinterprétés dans les environnements urbains contemporains. L'utilisation de Boudica dans ce contexte la transforme d'une figure historique en un symbole de résistance continue. En la plaçant devant un imposant immeuble, les artistes affirment la pertinence persistante de la rébellion dans la vie moderne. Ceci s'inscrit dans les thèmes plus larges du street art pop, qui remettent en question l'environnement quotidien, les normes sociales et la tension entre autorité et individualisme. Influences esthétiques de l'aspect vieilli et du graffiti Les choix esthétiques de « Boudica Is Coming » reflètent le style brut et authentique souvent associé au graffiti. La sérigraphie est imprimée sur un papier cartonné gris vieilli, ce qui confère texture et singularité à chaque exemplaire. Les éléments vieillis créent un aspect usé, presque délabré, contrastant avec les couleurs néon éclatantes de l'œuvre. Cette technique de vieillissement est particulièrement efficace pour reproduire l'aspect des murs de rues, où affiches et graffitis interagissent avec les éléments, s'érodant lentement pour prendre de nouvelles formes. L'expérience de Jamie ReReid en graphisme et en imagerie punk rock joue un rôle essentiel dans la composition générale de l'œuvre. Son travail avec les Sex Pistols et son style de collage distinctif, qui inclut souvent des symboles politiques détournés et modifiés, résonnent tout au long de cette sérigraphie. L'aspect pochoir de Boudica et de son char rappelle le tag de rue, un clin d'œil à l'art du graffiti. Parallèlement, James Cauty, connu pour son travail avec le KLF et son appartenance au collectif artistique The Grey Organisation, apporte à l'œuvre une sensibilité postmoderne et dystopique. La collaboration de ces deux artistes crée un dialogue visuel entre rébellion, déclin et transformation perpétuelle du paysage urbain. Éléments étirés et ornés à la main Un aspect essentiel de cette édition réside dans son procédé d'impression sérigraphique artisanal. Chaque estampe n'est pas simplement reproduite mécaniquement, mais réalisée avec soin, ce qui engendre de légères variations d'une édition à l'autre et rend chaque pièce unique. La sérigraphie, notamment entre les mains de Reid et Cauty, confère à l'œuvre une qualité tactile qui captive le regard. Les couleurs vives, presque fluorescentes, attirent l'attention, créant un contraste saisissant entre la tour monochrome et la vivacité des lettres et de la silhouette de la reine BoBoudica. L'estampe est sublimée par des pochoirs acryliques réalisés à la main. Chaque estampe a été embellie individuellement par les artistes, qui ont ajouté des couches de peinture au-delà de la planéité traditionnelle des impressions. Cette intervention manuelle apporte profondeur et texture, renforçant l'impression artisanale, pierre angulaire du street art et du graffiti. Ces embellissements garantissent que chaque estampe est unique, ce qui accroît sa valeur et son potentiel de collection. La reine Boudica dans le paysage urbain La juxtaposition de la reine Boudica devant un gratte-ciel imposant n'est pas un simple choix visuel, mais une véritable affirmation. Elle dénonce l'empiètement de la modernité sur l'histoire, la tradition et les paysages naturels. Les gratte-ciel, souvent symboles de la puissance des entreprises et de la modernité, contrastent fortement avec la force ancestrale et organique représentée par Boudica et son char. En ce sens, « Boudica Is Coming » incarne la tension entre passé et présent, nature et industrie, rébellion et ordre. L'utilisation d'un texte en gras, annonçant « Boudica Is Coming », confère à l'œuvre un sentiment d'immédiateté et d'urgence. Elle interpelle le spectateur à la manière du street art, par son message direct, presque provocateur. Ce message suggère une idée de renaissance, le retour d'une force puissante et transformatrice. Boudica devient ainsi l'incarnation de nombreuses formes de résistance contemporaines, qu'elles soient politiques, sociales ou culturelles. C'est ce qui distingue cette œuvre dans le monde du street art et du graffiti. Cette œuvre interpelle le spectateur visuellement et intellectuellement, l'incitant à réfléchir aux implications de la rébellion dans le contexte urbain moderne. Elle fait le lien entre histoire et culture urbaine contemporaine, instaurant un dialogue entre les deux. « Boudica Is Coming », de Jamie Reid et James Cauty, est une puissante œuvre de pop art urbain qui mêle iconographie historique et paysages urbains contemporains. Grâce à sa technique de sérigraphie, ses éléments embellis à la main et son esthétique patinée, elle capture l'énergie brute du street art tout en soulignant la pertinence toujours actuelle de la rébellion et de la résistance. Bien plus qu'une simple estampe, c'est une affirmation visuelle et culturelle qui trouve un écho dans les mouvements du graffiti et du pop art.

Lis Plus Moins

Collaboration Guerilla One x The Seventh Letter, sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey, art de rue rare, OBEY, artiste pop. Sérigraphie signée et numérotée, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, 5 mars 2009 OBEY, Guerilla One et The Seventh Letter entretiennent depuis toujours une amitié solide et une relation créative fructueuse, ponctuée de nombreuses collaborations, dont l'affiche « Free GKAE » de la fin des années 90, créée par Shepard et Casey Zoltan de The Seventh Letter afin de récolter des fonds pour les frais juridiques de GKAE. Ce projet actuel symbolise la force du nombre et l'unité à travers la collaboration. The Seventh Letter, Obey Giant et Guerilla One se sont imposés individuellement et collectivement comme des piliers de la scène graffiti/street art, tant au niveau national qu'international. Il est clair que ces trois collaborateurs continueront de soutenir le street art en créant de nouvelles plateformes qui encouragent et inspirent un public mondial. « Quand on a commencé le graffiti, à coller des autocollants, on n’imaginait pas où ça nous mènerait, et peu importe où on ira désormais, on restera fidèles à ceux qui nous ont aidés à en arriver là. » – Eddie Donaldson, fondateur de Guerilla One « J’ai toujours été fidèle à G1 et Shepard, dans les bons comme dans les mauvais moments, et je les soutiendrai toujours, que ce soit dans la rue ou au niveau professionnel. » – Casey EKLIPS Zoltan, fondateur de THE SEVENTH LETTER

Lis Plus Moins

Bad Seeds - Série Savage Sacred Young Minds - Sérigraphie en édition limitée 25 couleurs tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. FAILE (Américain, fondé en 1999) Titre : Bad Seeds, 2016 Technique : Sérigraphie sur papier d’archivage 100 % coton à bords frangés Série Savage Sacred Young Minds

Lis Plus Moins

Tour d'eau de Tom Fruin, Brooklyn, NYC. Édition limitée, sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tampon 2020 au verso HPM avec encres métalliques Bobby Hill (né en 1973) est un artiste plasticien new-yorkais qui a débuté sa carrière comme illustrateur. Il s'est mis à la peinture sur toile en 2008, après son retour aux États-Unis d'un premier voyage à l'étranger. Ses toiles récentes mêlent des affiches publicitaires new-yorkaises déchirées à des éléments d'expressionnisme abstrait, d'imagerie pop et de graffiti, pour créer ce qu'il appelle « The Bhillboards Collection ».

Lis Plus Moins

Deux vérités, sérigraphie d'Andrew Ghrist, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 45 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Œuvre d'art de format 12 x 24 pouces. Sérigraphie. Sérigraphie « Deux vérités » d'Andrew Ghrist La sérigraphie « Two Truths » d'Andrew Ghrist est un exemple saisissant de street art et de graffiti, fusionnant un travail de lignes complexe, des thèmes surréalistes et une palette monochrome qui plonge le spectateur dans un univers de mystère cosmique. Créée en 2013 en édition limitée à 45 exemplaires, tirée à la main, signée et numérotée, cette sérigraphie de 30 x 60 cm témoigne du talent de Ghrist pour mêler l'esthétique urbaine du street art aux qualités oniriques de l'illustration surréaliste. Son style caractéristique, souvent présent dans des fresques murales de grande envergure et des estampes d'art, se distingue par ses motifs denses, ses éléments organiques fluides et sa représentation détaillée d'objets mécaniques et naturels entrelacés. Symbolisme et influence surréaliste L'imagerie de « Deux Vérités » joue sur le contraste entre science, mythologie et inconnu. Un télescope massif, richement orné de sculptures complexes, pointe vers un ciel étoilé, suscitant immédiatement curiosité et envie d'exploration. L'observatoire semble ancien et abandonné, tandis qu'une silhouette se détache à l'arrière-plan sur la pleine lune, symbolisant peut-être la quête éternelle du savoir. La présence de ruines délabrées, de racines envahissantes et d'éléments cosmiques surréalistes renforce l'impression de découverte et de déclin coexistant dans un même espace. L'expression « Deux Vérités » suggère une dualité de la réalité, un concept profondément ancré dans la philosophie, la science et l'art. L'œuvre invite le spectateur à considérer différentes perspectives : le connu et l'inconnu, le visible et le caché. La présence de nuages ​​tourbillonnants mystiques et d'objets célestes complexes laisse entrevoir un récit universel plus profond, où l'idée de vérité absolue est remise en question. Technique et exécution Le style de Ghrist, caractérisé par des lignes denses et une précision méticuleuse, s'inscrit parfaitement dans l'esprit du street art et du graffiti, où les artistes utilisent des compositions graphiques à fort contraste pour captiver le public. La sérigraphie accentue la netteté et la profondeur de l'illustration, faisant ressortir chaque détail. Ses choix monochromes, avec de subtiles nuances de gris et de noir, confèrent à l'œuvre une qualité intemporelle, presque gravée, évoquant les illustrations scientifiques classiques mêlées à l'esthétique du street art contemporain. Cette œuvre témoigne de la capacité de Ghrist à fusionner la gravure d'art avec les motifs du street art, garantissant ainsi un travail non seulement visuellement saisissant, mais aussi intellectuellement stimulant. La superposition d'images mythologiques et scientifiques, associée à une impression de dégradation et de renaissance, fait de « Two Truths » une pièce marquante de son portfolio. Impact dans le street art pop et le graffiti Artiste issu d'un milieu artistique mêlant galeries et fresques murales de grande envergure, Andrew Ghrist a su intégrer avec brio des éléments de street art à l'estampe d'art. Ses œuvres, souvent présentes dans l'espace urbain, que ce soit à travers des fresques ou des expositions collectives, soulignent le lien entre la nature éphémère du graffiti et la permanence de l'estampe. « Two Truths », mêlant délabrement architectural, émerveillement céleste et curiosité scientifique, s'inscrit pleinement dans le débat plus large qui anime le street art et le graffiti, où les artistes explorent les thèmes de la connaissance, de la perception et de la fugacité du temps. Les collectionneurs d'estampes contemporaines, notamment ceux sensibles aux compositions minutieuses et aux riches niveaux narratifs, considèrent « Two Truths » comme un exemple remarquable du savoir-faire et de la profondeur thématique de Ghrist. Son appartenance au mouvement plus vaste des estampes d'art inspirées du street art lui assure une pertinence et une capacité de réflexion constantes au sein du paysage en perpétuelle évolution de l'art urbain moderne.

Lis Plus Moins

La Nascita, Milano Centrale Italie 2024 Tirage d'archive par Atelier JR Jean-René Édition limitée sur papier mat Fuji Crystal Archive DP II Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 293 exemplaires (2024). Dimensions : 16,4 x 12,2 cm. Impression pigmentaire d'archives. Une fusion fascinante d'architecture et de vision artistique La Nascita, Milano Centrale Italie 2024, tirage d'archive de l'Atelier JR Jean-René, présente une juxtaposition saisissante entre grandeur historique et intervention créative contemporaine. La photographie dévoile la façade monumentale de la gare de Milano Centrale, partiellement masquée par ce qui semble être un gouffre en son centre. Cette formation rocheuse accidentée, évoquant une montagne, rompt la symétrie linéaire de la gare et suscite la curiosité quant à l'histoire de sa construction. En 1906, la construction de Milano Centrale débuta après l'excavation de vastes quantités de roche alpine pour le creusement du tunnel du Simplon reliant l'Italie à la Suisse. La création de ce tunnel a posé les bases de la gare, qui intégrera par la suite des influences romaines, Art nouveau et Art déco. La représentation par Jean-René d'une montagne creusée au cœur de cette architecture imposante rend hommage à l'histoire, enveloppée d'un effet de trompe-l'œil surréaliste. Influence du street art, du pop art et du graffiti Les amateurs de street art et de graffiti reconnaîtront des similitudes dans l'immédiateté et l'audace de l'intervention de Jean-René. La réinterprétation de l'architecture classique sous la forme d'un paysage rocheux fragmenté fait écho à la démarche à la fois subversive et riche de sens propre à l'expression urbaine. Les strates de temps et de lieu s'entremêlent dans cette œuvre, qui transforme un monument européen emblématique en un espace de réflexion sur le progrès, le patrimoine et la soif d'exploration propre à l'être humain. Les artistes urbains cherchent souvent à susciter la réflexion en intégrant des messages visuels directement dans l'espace public. Cette œuvre illustre parfaitement cette approche, conservant une certaine authenticité tout en révélant une maîtrise photographique raffinée. La photographie souligne comment un concept audacieux peut s'allier à des techniques de pointe pour créer un chef-d'œuvre moderne qui trouve un écho aussi bien auprès des passants que des collectionneurs d'art avertis. Profondeur conceptuelle et dialogue captivant En recouvrant les colonnes, les statues et les détails ornementaux de la gare d'une monumentale représentation en noir et blanc de roche fracturée, l'artiste invite à s'interroger sur la mémoire, la transformation et l'ambition humaine. Le spectateur perçoit un écho du début du XXe siècle, époque où des prouesses d'ingénierie traçaient de nouvelles voies à travers les Alpes, permettant un rapprochement des régions et ouvrant la voie à de nouvelles perspectives. L'implantation de cette installation au cœur d'un carrefour de départs et d'arrivées souligne un récit continu de mouvement et de découverte. Les voyageurs arrivant à la gare sont confrontés à une intervention surnaturelle, incrustée dans l'élégance formelle du bâtiment. Ce dialogue visuel met en lumière la tension entre une architecture intemporelle et des instants fugaces, incitant à prendre conscience que chaque voyage s'inscrit dans une histoire plus vaste, partagée par d'innombrables passagers à travers le temps. Œuvre d'art d'archive en édition limitée Cette œuvre est un tirage signé et numéroté de 16,4 x 12,2 cm, imprimé sur papier mat Fuji Crystal Archive DP II. Le procédé d'impression pigmentaire d'archivage garantit une vivacité durable et préserve les subtiles transitions entre les bruns et les gris profonds de la gare et les lignes monochromes nettes de la façade montagneuse. Les collectionneurs accèdent ainsi à une fenêtre unique sur l'histoire, rendant hommage au passé tout en invitant à la contemplation du présent. En capturant de multiples instants de la journée, Jean-René fusionne les variations de lumière en une seule composition, conférant au tirage une impression énigmatique de temps suspendu. Cette qualité fait écho à l'esprit de l'art urbain : la superposition de différents contextes en une seule création. Cette édition limitée offre une immersion totale dans l'appréciation des récits évolutifs tissés dans les paysages urbains, illustrant comment la vision d'un artiste peut insuffler une nouvelle dimension d'émerveillement aux structures établies.

Lis Plus Moins

Escape Door #9 Édition limitée, tirages pigmentaires d'archives rehaussés à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par OakOak, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Encadrement sur mesure avec cadre orné. Né à Saint-Étienne, il colle ses dessins partout où il va, semant la surprise et le sourire chez les passants. Sa démarche consiste à détourner les éléments urbains, à jouer avec les imperfections du quotidien, comme une fissure sur un mur. Il y insuffle sa vision, ses références, souvent issues de la culture geek. Son art est une manière de poétiser l'environnement urbain.

Lis Plus Moins

Achetez Peacock 2 - Sérigraphie 5 couleurs rétro tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé et numéroté édition limitée de 100 oeuvre taille 8 x 10

Lis Plus Moins

Metropolis 3, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'art Cougar 100 lb, par David Soukup, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ces œuvres ont été initialement conçues pour une exposition que j'ai présentée à Long Beach il y a quelque temps. Je travaillais sur l'idée de la manière dont les bâtiments, les lieux et l'espace interagissent en milieu urbain. J'ai toujours été fasciné par les villes et la vie urbaine en général, et c'est un thème central de mon travail. Ces pièces ont été réalisées par collage numérique, puis pochoirées à la main. Je cherche constamment à repousser les limites de la technique du pochoir et à explorer de nouvelles possibilités. » – David Soukup

Lis Plus Moins

Achetez City By The Sea sérigraphie 5 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste Nate Duval édition limitée Pop Art Art. 2014 Signé et numéroté édition limitée de 150 oeuvre taille 14 x 11

Lis Plus Moins

Achetez Peacock 2 - Sérigraphie 5 couleurs rétro tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé et numéroté édition limitée de 100 oeuvre taille 8 x 10

Lis Plus Moins

Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

Lis Plus Moins

Achetez KONG Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on Fine Art Paper par l'artiste Scott Listfield, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Signé et Numéroté Édition Limitée de 50 Oeuvre Taille 18x24 Artiste : Scott Listfield Titre : « KONG » Médium : Archival Pigment Print Édition : 50 Marquages ​​: Signé et numéroté par l'artiste Dimensions : 18" x 24"

Lis Plus Moins

Achetez Night Lights Artwork Giclee Limited Edition Print sur Fine Art Paper par Pop Culture Graffiti Artist Scott Listfield .

Lis Plus Moins

Épreuve d'artiste (AP) imprimée en typographie rose « Chateau Paris » par M. André Saraiva, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Neenah Classic Crest blanc naturel 100#, style graffiti, street art et pop. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 16x20 Impression typographique M. André Saraiva Château Paris Rose Typographie AP Épreuve d'artiste 2023 L'épreuve d'artiste « Château Paris Rose » (2023) d'André Saraiva capture l'énergie fantaisiste et l'espièglerie romantique qui définissent son style dans le domaine du street art, du pop art et du graffiti. Tirage typographique monochrome sur papier d'art Neenah Classic Crest Natural White 100#, cette édition de 40,6 x 50,8 cm est signée et marquée « AP », ce qui indique qu'elle est hors tirage numéroté. Les épreuves d'artiste revêtent une importance particulière en gravure, car elles représentent les premiers tirages soumis à l'artiste pour validation. Elles sont donc particulièrement recherchées par les collectionneurs soucieux de posséder des œuvres liées directement au processus créatif. Style visuel et personnages emblématiques Cette estampe met en scène les personnages stylisés et immédiatement reconnaissables de Saraiva, dansant sur la page dans un doux trait rose. Leurs larges sourires éclatants, leurs yeux barrés et leurs mouvements amples et joyeux expriment l'esprit insouciant et séducteur qui caractérise son personnage emblématique, Mr. A, depuis ses premières apparitions dans les rues de Paris dans les années 1990. Le personnage coiffé d'un haut-de-forme, accompagné d'un partenaire aux cheveux longs et flottants, renforce le récit ludique de la vie nocturne, de la fête et de la spontanéité amoureuse. Des étoiles, des cœurs et des lignes de mouvement épars dynamisent la composition, donnant à l'estampe un rythme vivant qui rappelle les débuts de Saraiva dans la rue, où des traits rapides et expressifs communiquaient la joie dans l'espace public. Château Marmont et lien culturel Reprenant l'emblématique en-tête du Château Marmont, l'illustration entremêle la mythologie hollywoodienne et la culture graffiti parisienne. Situé sur Sunset Boulevard à Los Angeles, le Château Marmont est depuis son ouverture en 1929 un refuge pour acteurs, écrivains, musiciens et artistes. Son histoire prestigieuse, empreinte de créativité et de raffinement, en fait un décor idéal pour les personnages exubérants de Saraiva. Le mot « Paris », écrit à la main en bas, fait le lien entre deux capitales artistiques : l'une imprégnée du glamour du cinéma américain, l'autre de la culture urbaine européenne, soulignant ainsi l'identité artistique cosmopolite de Saraiva. L'influence de M. André Saraiva sur le pop art urbain contemporain Né en Suède en 1971 et ayant grandi à Paris, André Saraiva s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la scène graffiti parisienne. Son personnage, Mr. A, est devenu un symbole de la joie de vivre qui imprègne son œuvre, l'amenant par la suite à s'exprimer dans des galeries, à réaliser des projets éditoriaux, des fresques murales et à collaborer avec des maisons de luxe. L'épreuve d'artiste Chateau Paris Pink AP illustre sa capacité à fusionner élégance et spontanéité, insufflant l'énergie insouciante du graffiti dans l'univers raffiné des beaux-arts grâce à une technique d'impression typographique méticuleuse. Cette épreuve d'artiste témoigne avec éclat de l'approche ludique de Saraiva et de son influence durable sur le Street Pop Art et le graffiti, célébrant à la fois l'intimité du trait et les échanges culturels entre Paris et Hollywood.

Lis Plus Moins

Épreuve d'artiste (AP) imprimée en typographie rose « Chateau André » par M. André Saraiva, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Neenah Classic Crest blanc naturel 100#, style graffiti, street art et pop. Épreuve d'artiste AP 2023, signée et numérotée, édition limitée à 100 exemplaires, format 16 x 20 pouces, impression typographique M. André Saraiva Château André Rose Typographie AP Épreuve d'artiste 2023 L'épreuve d'artiste « Château André Pink AP » 2023 de M. André Saraiva est une exploration à la fois raffinée et espiègle de son style caractéristique, axé sur les personnages, au sein du vaste univers du street art, du pop art et du graffiti. Tirage typographique monochrome sur papier d'art Neenah Classic Crest Natural White 100#, cette œuvre de 40,6 x 50,8 cm est signée et marquée « AP », ce qui la désigne comme faisant partie des épreuves d'artiste exclusives accompagnant l'édition limitée à 100 exemplaires. Ces épreuves sont très recherchées dans le monde de l'estampe car elles représentent les premiers tirages utilisés par l'artiste pour évaluer la qualité, rendant chaque exemplaire particulièrement précieux pour les collectionneurs. Style visuel et expression narrative Réalisée dans un doux dégradé rose, l'estampe met en scène la figure emblématique de Mr. A, personnage de graffiti d'André, dansant avec une joie insouciante parmi des bouteilles, des lignes de mouvement abstraites et des objets ludiques comme une balle rayée, un cube de construction et un ver serpentin. Le sourire exagéré de Mr. A, son œil barré et son chapeau haut-de-forme traduisent l'irrévérence et la joie de vivre qui caractérisaient les premières interventions de Saraiva dans le paysage parisien. Le chaos fantaisiste de la composition évoque les nuits blanches, l'exubérance créative et un sentiment de fête débridée, le tout exécuté avec le charme gestuel et décontracté propre à l'œuvre d'André. Même le nom barré du Château Marmont, en haut de l'estampe, participe à ce jeu visuel, laissant entrevoir l'humour et l'esprit subversif de l'artiste. Château Marmont et résonance culturelle L'intégration du papier à en-tête du Château Marmont ancre l'œuvre dans la légende de l'un des lieux les plus emblématiques de Los Angeles. Depuis son ouverture en 1929, le Château Marmont est un refuge pour acteurs, musiciens, artistes et écrivains, devenant un symbole culturel des courants créatifs et souvent tumultueux qui animent Hollywood. En apposant sa signature sur le papier à en-tête de l'hôtel, André fusionne la culture de rue parisienne et les légendes hollywoodiennes, transformant le lieu en une extension de son propre univers visuel. Cette fusion des genres souligne l'influence mondiale du street art et renforce le rôle d'André comme trait d'union culturel entre la vie nocturne, les beaux-arts et l'expression urbaine. La place d'André Saraiva dans le Street Pop Art Né en 1971 et ayant grandi à Paris, André Saraiva s'est imposé sur la scène graffiti de la fin des années 1980 et des années 1990, créant le personnage de Mr. A, symbole de charme, de rébellion et de spontanéité romantique. Son travail s'est depuis étendu aux galeries, aux collaborations dans la mode, aux fresques murales et aux projets nocturnes, tout en conservant l'immédiateté ludique propre au graffiti. L'épreuve d'artiste « Château André Pink AP » illustre sa capacité à transformer de simples dessins au trait en déclarations culturelles, mêlant élégance et irrévérence. En tant qu'épreuve d'artiste, ce tirage constitue un exemple rare et raffiné de la contribution continue de Saraiva au Street Pop Art et au graffiti, incarnant à la fois la personnalité exubérante de Mr. A et le charme intemporel de lieux créatifs comme le Château Marmont.

Lis Plus Moins