Papier beaux-arts en coton

Estampe d'art en édition limitée Die Anatomie Archival Pigment sur papier d'art en velours de coton par l'artiste Nychos, légende du street art pop graffiti. Estampe d'art signée et numérotée 2021 par NYCHOS. Dimensions : 61 cm x 98 cm (24 po x 38,6 po). Édition limitée à 111 exemplaires. Papier d'art velours en fibres de coton. Signée et numérotée à la main.

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Sérigraphie artisanale 9 couleurs « Squidron Trooper » sur papier coton Conqueror 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop Flying Fortress. Œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 33 exemplaires. Format : 15,8 x 11,8 cm. "Squadron Trooper" de Flying Fortress : Une symphonie de pop art urbain « Squidron Trooper » de Flying Fortress illustre avec éclat la fusion entre l'énergie brute du graffiti et l'esprit ludique du pop art. Cette sérigraphie artisanale en 9 couleurs, imprimée sur papier coton Conqueror 300 g/m², fait partie d'une série rare et exclusive, limitée à 33 exemplaires signés et numérotés dans le monde. Mesurant 40 x 30 cm, cette œuvre de 2020 témoigne de l'attrait intemporel du street art et du graffiti, et incarne l'esthétique singulière qui fait la renommée de Flying Fortress, artiste pop graffiti de renom. Flying Fortress, pseudonyme de cet artiste allemand, a marqué durablement la scène artistique urbaine. Son œuvre se caractérise par un thème récurrent : des personnages fantaisistes, souvent mis en scène dans des compositions dynamiques qui capturent le mouvement et le chaos de la vie citadine. Dans « Squidron Trooper », la fusion de l'audace du graffiti et de l'iconographie du pop art offre un impact visuel saisissant. Maîtrise technique et vision créative Les aspects techniques de « Squadron Trooper » témoignent de la méticulosité du processus artistique de Flying Fortress. La sérigraphie, réputée pour sa capacité à reproduire des couleurs éclatantes et des détails d'une grande finesse, s'accorde parfaitement au style de l'artiste. Le papier Conqueror Cotton, support prisé pour sa texture luxueuse et sa robustesse, renforce l'impact visuel de l'œuvre et lui confère une dimension tactile qui intensifie l'expérience du spectateur. Le choix de neuf couleurs est significatif : il apporte à l'estampe une complexité et une profondeur souvent caractéristiques du street art. Cette superposition de couleurs, appliquées une à une à une, garantit de légères variations au sein de chaque exemplaire de l'édition, rendant chaque estampe unique. Les lignes colorées et audacieuses de « Squadron Trooper » dégagent une énergie symbolique des paysages urbains dont émane le street art. Contribution culturelle de Flying Fortress Flying Fortress défend depuis longtemps l'intégration de la culture urbaine au sein du discours artistique dominant. Avec « Squadron Trooper », l'artiste nous invite à réfléchir aux points de convergence entre le street art et la culture populaire. À l'instar de nombre de ses œuvres, cette création brouille les frontières entre art savant et art populaire, incitant à une réévaluation des hiérarchies artistiques. Son impact sur la scène du Street Pop Art et du graffiti s'explique par son mélange unique d'images accessibles et de maîtrise technique complexe. Ce récit créatif transcende les limites du graffiti traditionnel, plaçant Flying Fortress à l'avant-garde des artistes qui incarnent le mouvement Street Pop Art. « Squadron Trooper » est une œuvre visuellement saisissante, un médium par lequel Flying Fortress continue d'influencer le paysage en constante évolution du street art.

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Impression giclée en édition limitée « Sweetheart Artwork » sur papier d'archivage 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Barnaby Ward. Il s'agit d'une reproduction d'art giclée de qualité galerie, imprimée sur du papier d'archivage 100 % coton avec des encres d'archivage. Chaque tirage est proposé en fonction de son format et comporte une marge d'au moins 2,5 cm.

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Tirages d'art en édition limitée, réalisés à partir de pigments d'archives, sur papier d'art Bauhaus Cotton, par Ben Frost, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. « Tigger sous Zoloft », tirage numérique d'archive sur papier Bauhaus Photo Rag 310 g/m² 100 % coton, gaufré, signé et numéroté par Ben Frost, 30 cm x 30 cm (12 x 12 pouces), Melbourne, Australie. Édition limitée à 50 exemplaires. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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Pedro, l'œuvre difforme de mon fils, impression giclée en édition limitée sur papier d'archivage 100% coton par l'artiste de graffiti de la culture pop Barnaby Ward. Il s'agit d'une reproduction d'art giclée de qualité galerie, imprimée sur du papier d'archivage 100 % coton avec des encres d'archivage. Chaque tirage est proposé en fonction de son format et comporte une marge d'au moins 2,5 cm.

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Bong Master Artwork Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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« La mémoire d'une molécule », estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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« Lost in Translation », œuvre d'art en édition limitée Giclée, impression d'art sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 20 exemplaires. Signée et numérotée. Médaille d'or SOI55. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Édition limitée Breed, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Trippinfrog, œuvre d'art giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100 % coton, encadrée dans un cadre bronze, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori. 2014 Signée par Naoto Hattori & Édition limitée numérotée à 50 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 6x8 pouces. Dimensions du cadre en bronze : 8x10 pouces. Exploration du monde surréaliste des œuvres de Trippinfrog de Naoto Hattori Le monde de l'art contemporain est en perpétuelle évolution, fusionnant genres et formes pour créer des expressions inédites qui interpellent et ravissent les sens. Dans cette riche mosaïque, Naoto Hattori se distingue comme un artiste de graffiti pop culture dont l'œuvre mêle les éléments fantastiques du surréalisme à l'énergie vibrante et rebelle du street art et du graffiti. Parmi ses créations remarquables figure « Trippinfrog », une estampe giclée en édition limitée qui a captivé le public par la finesse de ses détails, sa composition imaginative et son esthétique saisissante. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est une véritable expédition dans une dimension onirique où les lois conventionnelles de la nature et de la physique s'effacent. Lancée en 2014, l'édition limitée « Trippinfrog » témoigne de la maîtrise de son art par Hattori et de son talent pour traduire l'inconscient en une forme tangible. Chacune des cinquante estampes de cette série limitée est signée par Naoto Hattori, une touche personnelle très appréciée des collectionneurs et des amateurs de street art. Le format de l'œuvre, 15 x 20 cm, est modeste, mais son impact visuel est saisissant et invite à une contemplation plus attentive. À l'inverse, le cadre en bronze de 20 x 25 cm met en valeur l'œuvre sans en masquer la complexité. Les tirages en édition limitée sont réalisés sur papier beaux-arts 100 % coton, un choix de matériau qui témoigne de la qualité et de la durabilité de l'œuvre. Ce type de papier est réputé pour sa capacité à restituer les couleurs et les détails, garantissant ainsi la préservation de chaque nuance de la vision d'Hattori. L'utilisation d'un cadre en bronze enrichit davantage l'expérience visuelle, ajoutant une touche classique qui contraste avec le caractère moderne et avant-gardiste de l'œuvre elle-même. Le style emblématique de Naoto Hattori Le style de Naoto Hattori est un mélange unique, à la frontière entre le fantaisiste et le grotesque, une caractéristique de sa vision artistique. « Trippinfrog » en est un parfait exemple : le surréel et le réel s'y entrechoquent dans une danse de couleurs, de formes et de volumes. L'œuvre présente un amalgame d'éléments – yeux, tentacules et formes amorphes – qui s'enroulent autour d'une créature centrale, semblable à une grenouille, semblant se désintégrer et se reconstituer simultanément. Cette imagerie paradoxale est un élément essentiel du street art et du graffiti, où l'inattendu devient la norme et où les spectateurs sont invités à interpréter l'œuvre à leur manière. Les couleurs choisies par Hattori, à la fois terreuses et éthérées, créent un contraste saisissant. L'arrière-plan de « Trippinfrog » évoque un paysage serein, un contraste saisissant avec le chaos que la figure centrale incarne. Cette dualité peut être perçue comme un commentaire sur la nature de l'existence : harmonieuse et chaotique, ordonnée et imprévisible. L'œuvre d'Hattori invite le spectateur à considérer ces dualités non comme des opposés mais comme des compléments. L'impact culturel du street art et du graffiti Des œuvres comme « Trippinfrog » sont des pièces maîtresses du récit du street art et du graffiti, genres qui ont acquis une notoriété et une reconnaissance considérables dans le monde de l'art. Ces formes artistiques puisent leur expression dans l'identité culturelle, le commentaire social et une volonté de s'affranchir des modes de présentation artistique traditionnels. On les retrouve souvent sur les murs, dans les galeries et au sein de collections privées, où elles donnent la parole aux marginalisés et offrent un espace d'expression aux exclus. L'œuvre de Naoto Hattori, et plus particulièrement « Trippinfrog », s'inscrit parfaitement dans ce récit. Elle offre une évasion visuelle et un voyage introspectif à ceux qui la contemplent. Le tirage en édition limitée en fait une pièce exclusive du street art et du graffiti contemporains, un véritable jalon culturel de notre époque. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre d'Hattori n'acquièrent pas seulement une œuvre d'art ; ils préservent un fragment de l'esprit culturel de leur temps. L'œuvre « Trippinfrog » de Naoto Hattori est une pièce captivante qui témoigne du pouvoir novateur et transformateur du street art et du graffiti. Son édition limitée sur papier d'art, la signature de l'artiste et sa présentation dans un cadre en bronze contribuent à son attrait et à son importance. La capacité d'Hattori à mêler le surréalisme à la rue, l'onirisme au concret, place « Trippinfrog » parmi les œuvres marquantes qui continuent de façonner et d'inspirer l'art moderne.

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Bamba. Sérigraphie artisanale en édition limitée, 7 couleurs, avec feuille d'or, sur papier coton Canson 300 g/m², par Violeta Hernandez. Œuvre rare de street art et d'art pop d'une artiste célèbre. Tirage signé à la feuille d'or, 2022, 29 x 29 cm, édition limitée à 35 exemplaires. Cette œuvre est réalisée selon deux procédés manuels distincts : une sérigraphie six couleurs et un marquage à chaud sous pression. Le papier utilisé est un Canson 300 g/m², 100 % coton, sans acide. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste. Tirage limité à 35 exemplaires. De légères variations peuvent exister d'un exemplaire à l'autre, du fait de la fabrication artisanale. Dimensions : 74 x 74 cm (29 x 29 pouces). Bamba par Violeta Hernández – Une célébration à la feuille d'or du mythe, de l'identité et de la féminité moderne dans l'art urbain pop et le graffiti Bamba est une sérigraphie artisanale en sept couleurs, rehaussée d'une dorure à chaud, créée par Violeta Hernández en 2022. Cette œuvre en édition limitée, signée et numérotée (tirage restreint à seulement 35 exemplaires), mesure 74 x 74 cm et est imprimée sur papier coton Canson 300 g/m². Elle est le fruit d'un processus manuel complexe en deux étapes : une sérigraphie en six couches suivie d'un marquage à chaud sous pression. Ces couches successives confèrent à l'œuvre une profondeur, une texture et un relief chatoyant impossibles à reproduire numériquement. Chaque exemplaire est unique au sein de l'édition, révélant de subtiles variations d'encre et de dorure dues à l'application artisanale. Le papier beaux-arts 100 % coton, sans acide, garantit la longévité et la qualité d'archivage de l'œuvre, tandis que sa composition graphique audacieuse captive le regard avec une élégance saisissante. Violeta Hernández et le pouvoir de l'iconographie féminine Violeta Hernández, artiste mexicaine de renom, est reconnue pour son langage visuel saisissant, qui mêle précision graphique, motifs surréalistes et symbolisme culturel. Dans « Bamba », elle présente une figure féminine puissante aux traits marqués, aux grands yeux rouges et à l'expression à la fois calme et intense. Ses cheveux noirs ondulent avec dynamisme, ornés d'ailes orange vif aux oreilles, créant une présence éthérée et mythologique. La composition fusionne le sacré et l'imaginaire, avec une iconographie sur la robe de la figure comprenant un œil omniscient, des explosions cosmiques et une bête mythique stylisée. Ces symboles élèvent le personnage au-delà du simple portrait, le transformant en une divinité ou une protectrice moderne. Violeta Hernández explore souvent les thèmes de la féminité, de la force intérieure et de la mémoire ancestrale, utilisant un trait précis et des palettes éclatantes pour construire sa vision de l'identité. Cette œuvre transmet ce message avec une clarté visuelle et une présence affirmée. Savoir-faire en matière de matériaux et procédé de dorure à la feuille Le procédé de finition par marquage à chaud sous pression confère à Bamba son éclat le plus saisissant : des ornements dorés scintillants qui captent et reflètent la lumière de manière changeante. Cet effet doré renforce le mysticisme de la composition, mettant en valeur des éléments clés tels que les ailes ornementales et les symboles célestes. Les couches de sérigraphie sont réalisées en sept passages distincts, chacun aligné avec précision et appliqué manuellement. Ce processus minutieux garantit à chaque estampe la richesse tactile du travail artisanal, l'encre se déposant de manière palpable sur le support en coton. Le papier Canson 300 g/m² offre une surface luxueuse, sublimant l'impact visuel. Du fait du travail manuel de sérigraphie et de marquage à chaud, chaque exemplaire présente de subtiles différences, rendant chaque édition légèrement unique. Cette intégrité et cette variation des matériaux sont la signature du travail de Violeta Hernández, témoignant de son attachement à l'art plutôt qu'à la production de masse. Bamba, un symbole emblématique du street art et du graffiti. Bamba est une contribution magistrale au Street Pop Art et au graffiti. Elle allie la précision visuelle du pop art à l'esprit rebelle de la créativité urbaine et à la profondeur narrative de l'art symbolique. La fusion de références mythologiques et de force féminine en fait un exemple remarquable de la culture visuelle contemporaine latino-américaine. Violeta Hernández met en scène une figure à la fois captivante et imposante, dans un style qui mêle esthétique pop moderne et énergie ancestrale. Tirée à seulement 35 exemplaires, chacun signé et réalisé avec le plus grand soin, Bamba est à la fois une pièce de collection rare et une vibrante affirmation d'identité culturelle et de pouvoir personnel. C'est une œuvre qui non seulement orne l'espace, mais qui le traverse, révélant les récits de force, d'histoire et d'innovation artistique inhérents à l'expression visuelle moderne.

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C'est un oiseau ! C'est un avion ! Mec, il fait un tag ? Impression giclée par Priest Corp Artwork, édition limitée sur papier beaux-arts coton pressé à froid 290 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Sérigraphie de 23 x 18 pouces représentant Superman, héros de DC Comics, contemplant les gratte-ciel de la ville, entouré d'hélicoptères et de graffitis urbains. L'estampe giclée en édition limitée de Priest Corp Artwork, intitulée « C'est un oiseau ! C'est un avion ! Mec, il fait un tag ? », témoigne avec force de l'interaction indéfectible entre la culture pop et le street art. Datée de 2023 et éditée à seulement 50 exemplaires, cette œuvre est imprimée avec une qualité exceptionnelle sur un papier d'art 100 % coton pressé à froid de 290 g/m², garantissant sa longévité et révélant avec une précision remarquable les couleurs riches et vibrantes de la sérigraphie. La scène se déroule sur un paysage urbain, avec Superman, le légendaire super-héros de DC Comics, au centre. Dominant l'immensité des gratte-ciel, il incarne la justice et l'espoir. Cette image iconique de Superman est cependant juxtaposée à des éléments emblématiques de la vie urbaine. Des hélicoptères l'encerclent, créant une tension dynamique dans la composition, suggérant une urgence ou peut-être un événement imminent. Mais ce sont les graffitis environnants qui accentuent véritablement le thème contemporain. Cette fusion inattendue d'art urbain remet en question l'iconographie traditionnelle des comics, suggérant un dialogue entre la vigilance des super-héros et la voix des artistes urbains. En mêlant l'imagerie iconique de Superman à l'expressionnisme brut du graffiti, l'œuvre de Priest Corp souligne la nature évolutive du pop art et du street art. Elle invite à réfléchir sur la manière dont les symboles classiques de notre imaginaire collectif peuvent être réinventés et recontextualisés au sein des récits urbains. Cette œuvre célèbre non seulement l'esprit d'un super-héros mythique, mais elle valorise également le graffiti comme forme d'expression contemporaine.

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Sounds and Skulls, It is Enough, tirage giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Sérigraphie artisanale bicolore « Requin fondu » en édition limitée, encre rose fluorescente sur papier cartonné blanc coton de qualité archive, par MFG-Matt Goldman Artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Woods Provocateurs, édition limitée, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés, par Stanley Donwood, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Estampe de l'événement The Provocateurs (Chicago). Sérigraphie 24 x 36 pouces, signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires. Cachet de l'éditeur ART ALLIANCE en bas à gauche.

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Estampe d'art en édition limitée Keepers Archival Pigment Fine Art sur papier Signa Smooth 300 g/m² à bords frangés à la main, par l'artiste Kevin Peterson, légende du street art pop graffiti. Épreuve d'artiste (EA) 2021 Signée 24x18 Signée et marquée EA Édition limitée Les Gardiens de Kevin Peterson : Innocence urbaine et gardiens sauvages dans le pop art de rue « Keepers » de Kevin Peterson est une estampe pigmentaire d'archives de 61 x 46 cm sur papier d'art Signa Smooth 300 g/m² à bords frangés, créée en 2021 en tant qu'épreuve d'artiste signée. L'œuvre représente un jeune garçon noir assis entre deux lionnes grandeur nature, devant un mur de briques couvert de graffitis, dans un paysage urbain envahi par la végétation. Un petit oiseau se perche délicatement sur la tête d'une lionne. L'œuvre est un mélange saisissant de réalisme et de fantaisie, alliant puissance émotionnelle et poésie visuelle à travers le prisme du Street Pop Art et du graffiti. La technique caractéristique de Peterson consiste à superposer une peinture à l'huile méticuleuse à des scènes marquées par la décrépitude et des traces de graffitis. Le garçon, vêtu simplement d'un t-shirt bleu et de baskets, est calme et observateur, comme pris entre la force brute des lions et le décor urbain usé par le temps. Sa présence évoque la résilience, la curiosité et la vigilance, non la peur. Les lions apparaissent à la fois majestueux et protecteurs – symboles de force veillant silencieusement. Une petite étiquette en forme de couronne peinte sur le mur près de la tête de l'enfant suggère en outre que le garçon incarne une figure de pouvoir discret, une royauté dans un environnement que beaucoup considéreraient comme ruiné. La coexistence de la vulnérabilité et du pouvoir L'œuvre de Peterson explore constamment la tension entre innocence et chaos, souvent par la juxtaposition d'enfants et d'animaux dans des paysages urbains en déclin. Dans « Keepers », les lions ne sont pas des intrusions exotiques, mais le prolongement naturel de la présence du garçon. Leur position et leur regard suggèrent protection et confiance mutuelle. Les graffitis en arrière-plan renforcent l'impression d'un espace vécu, riche et expressif – non pas abandonné, mais vivant. Plutôt que de présenter la rue comme hostile, Peterson la dépeint comme un berceau de découverte de soi et d'imagination débordante. L'intégration du street art dans la composition est essentielle. Les tags et les graffitis deviennent non seulement des détails de fond, mais des éléments narratifs actifs. Le langage visuel des graffitis dans « Keepers » souligne la conception que Peterson se fait de la rue comme une toile de résistance, d'identité et de beauté insoupçonnée. Il fonctionne à la fois comme décor et comme sous-texte – chaotique, mais profondément humain. Les briques qui s'effritent et la peinture qui s'écaille contrastent avec l'immobilité organique des lions, créant un dialogue entre la dégradation construite et la présence naturelle. Le réalisme mythique dans l'art urbain Bien qu'il ne soit pas un graffeur au sens traditionnel du terme, la contribution de Kevin Peterson au Street Pop Art et au graffiti réside dans sa maîtrise de l'allégorie urbaine. Ses figures – souvent des enfants entourés d'animaux sauvages – sont à la fois symboliques et profondément ancrées dans le réel. Elles font écho aux mythologies de la protection, de la transformation et de l'innocence sacrée, réinterprétées dans le contexte des paysages urbains modernes. « Keepers » est à la fois intime et monumentale, délivrant un récit à la fois universel et spécifique. En plaçant un enfant en symétrie visuelle directe avec des prédateurs dominants, Peterson bouleverse les dynamiques de pouvoir traditionnelles. Le garçon n'est ni victime ni observateur : il est au centre, calme et vu. L'image résiste aux clichés visuels habituels de la peur ou de l'émerveillement, privilégiant la présence. C'est un portrait de force silencieuse, de protection sans spectacle. Par un réalisme accentué par une composition surréaliste, « Keepers » offre une vision de l'identité urbaine à la fois féroce, douce et d'une imagination indomptée. C'est une méditation sur la survie, la dignité et les forces invisibles qui nous accompagnent dans les jungles de béton.

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Obey More, édition limitée, impression typographique manuelle monochrome sur papier 100 % coton blanc fluorescent, par les célèbres artistes de rue Shepard Fairey et Shantell Martin. 2022 Signé et numéroté par Shepard Fairey et Shantell Martin Édition limitée à 150 exemplaires Format 10x13 Bordure à la main

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Hollywood Nights, tirages d'art en édition limitée sur papier chiffon coton Entrada 290 g/m², réalisés par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Faile. Estampe « Hollywood Nights » 71 x 107 cm (28 x 42 pouces) ; encre d’archivage sur papier chiffon de coton Entrada 290 g/m² ; édition limitée à 400 exemplaires ; estampée, signée et numérotée ; FAILE 2021

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Crystalball 02 Œuvre d'art Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Vénus, sérigraphie holographique en édition limitée, tirée à la main en 6 couleurs, sur papier coton 250 g/m², par Violeta Hernandez, artiste de street art et pop art. Édition limitée 2022, signée et holographique, 11 x 13,8 cm. Sérigraphie 6 couleurs. - Dorure à chaud avec feuille holographique. - Papier 100 % coton / 250 g/m². - Dimensions : 35 x 28 cm. Signé et numéroté.

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Estampe d'archive Hush-Hush de Giorgiko, édition limitée sur papier d'art en coton, art pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à déterminer (2023). Format : 20 x 25 cm. Impression pigmentaire d'art de qualité supérieure, représentant un garçon ou une fille tenant un biscuit. Image : 15 x 20 cm, bordures blanches de 2,5 cm. Impression par Static Medium. Hush-Hush Mini par Giorgiko – Impression pigmentaire d'archives dans le style Street Pop Art et Graffiti « Hush-Hush Mini » est une estampe pigmentaire d'archives de 2023, créée par Giorgiko. Version réduite de ses œuvres de plus grand format, elle est imprimée sur papier d'art en coton par Static Medium. Mesurant 20 x 25 cm (8 x 10 pouces), avec une image de 15 x 20 cm (6 x 8 pouces) et des bordures blanches de 2,5 cm (1 pouce), cette édition limitée, signée et numérotée, capture l'intensité émotionnelle et la dualité stylistique qui définissent l'univers visuel de Giorgiko. L'œuvre met en scène son personnage androgyne emblématique, aux traits arrondis et au regard vide, tenant un cookie aux pépites de chocolat et vêtu d'une fraise de style Renaissance, d'une veste et d'une casquette streetwear modernes. Ce mélange d'expression douce, de références historiques et de clins d'œil à la culture pop illustre la capacité de Giorgiko à fusionner les beaux-arts avec une subtile dissonance contemporaine. Symbolisme émotionnel dans un format minimaliste La petite taille de Hush-Hush Mini n'altère en rien sa force émotionnelle. Le personnage récurrent de Giorgiko, d'une simplicité visuelle remarquable mais riche de suggestions, se dresse seul sous un ciel aux teintes douces, parsemé de nuages ​​rose tendre. Son regard en coin, presque hésitant ou curieux, renforce le thème de l'œuvre, celui de l'observation silencieuse et de la pause intime. Le contraste entre le col orné et la casquette décontractée évoque le conflit d'identités à travers le temps, les traditions et la culture urbaine. Le biscuit, tenu dans la main du personnage, devient un symbole d'innocence, de simplicité, voire de gourmandise – un objet rassurant dans un univers surréaliste et chargé d'émotion. Cette retenue visuelle et cette ambiguïté invitent le spectateur à construire sa propre interprétation, une technique que Giorgiko utilise avec brio dans l'ensemble de son œuvre. Artisanat et narration dans le pop art urbain L'art de Giorgiko s'ancre dans la précision, l'atmosphère et une narration minimaliste mais évocatrice. Leur fusion de surréalisme pop et de techniques picturales classiques les distingue dans le domaine du street art et du graffiti. Dans « Hush-Hush Mini », les artistes combinent une simplification proche de la bande dessinée à une profondeur picturale, créant un personnage à la frontière du fantastique et du quotidien. Le choix d'associer un rendu délicat à des éléments de la culture urbaine, comme la casquette et le blouson aviateur, renforce leur esthétique de la douce contradiction. Le col à collerette, peint avec une transparence presque palpable, confère à l'œuvre une dimension quasi cérémoniale. L'utilisation subtile d'une lumière douce et de tons pastel ajoute une lueur onirique, accentuant la quiétude émotionnelle et la mélancolie contemporaine qui se dégagent du personnage. Le rôle de Giorgiko dans l'art urbain figuratif moderne Fruit d'une collaboration entre Darren et Trisha Inouye, l'œuvre de Giorgiko reflète une sensibilité commune axée sur la quiétude visuelle, l'identité et la solitude. Hush-Hush Mini condense ces thèmes dans un format compact et très prisé des collectionneurs. Son message, discret et subtil, s'exprime par l'atmosphère, la posture et des indices visuels délicats. Dans le contexte du street art et du graffiti, cette pièce révèle une facette plus douce du genre, privilégiant l'introspection à la rébellion. Giorgiko capture le paysage émotionnel de la vie moderne à travers des personnages peu bavards mais aux émotions intenses. Hush-Hush Mini est à la fois accessible et énigmatique : un murmure visuel qui résonne encore, porteur de pensées inexprimées.

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Four Tablets Daily, impression d'archives par Ben Frost, édition limitée sur papier Canson Cotton Rag Photographique Fine Art 310 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté de 2024, édition limitée à 15 exemplaires, format 11,7 x 11,7 pouces, pigments d'archivage, beaux-arts, femme sur un emballage pharmaceutique pour Ritalin 10. L'emballage pharmaceutique comme support dans l'art urbain pop et le graffiti « Four Tablets Daily », de l’artiste australien Ben Frost, est une œuvre saisissante et percutante, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Tirage pigmentaire d’archive sur papier Canson Cotton Rag Photographique 310 g/m², cette édition limitée de 2024 fusionne avec audace l’esthétique des médicaments et l’imagerie pop classique. Le style distinctif de Frost mêle des visuels épurés, inspirés de la publicité, aux thèmes de la consommation, de l’identité et des effets anesthésiants de la médecine moderne. L’artiste utilise ici une véritable boîte de Ritalin 10 comme support, la transformant en un portrait ironique et troublant de la dépendance et des idéaux de beauté contemporains. La fusion de la culture de consommation et du commentaire artistique Ben Frost, connu pour son détournement d'emballages, de logos et de symboles culturels, utilise cette œuvre pour interroger le rapport de la société aux médicaments sur ordonnance et aux médias de masse. L'estampe présente le visage stylisé d'une femme, dont les yeux bleus et les lèvres rouges évoquent les héroïnes de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, se détachant sur les contraintes géométriques d'un emballage pharmaceutique. La juxtaposition entre son regard sensuel et construit et le langage clinique de l'étiquetage du Ritalin suggère une tension entre plaisir artificiel et contrôle médical. En conservant la majeure partie du texte de l'emballage original, Frost permet à l'œuvre de préserver son contexte initial, rendant le spectateur mal à l'aise face à l'idée qu'il ne s'agit pas seulement d'art, mais aussi d'un artefact issu d'une utilisation réelle. Édition limitée : l'art rencontre le graffiti et la satire pop Tirée en édition très exclusive à seulement 15 exemplaires, chaque estampe est signée et numérotée par l'artiste. Ses dimensions de 29,7 x 29,7 cm en font une œuvre compacte et percutante, qui condense le commentaire visuel de Frost en un carré incisif et satirique. Réalisée sur papier coton de qualité muséale, avec des pigments d'archivage, cette estampe transforme la nature éphémère du consumérisme et le commentaire social en une œuvre d'art durable. À la croisée de l'art contemporain de collection et de la contestation, cette estampe puise son énergie aussi bien dans les galeries que dans la rue. Le rôle particulier de Ben Frost dans l'art pop et graffiti moderne Ben Frost est un artiste de street art basé à Sydney, reconnu internationalement pour sa critique acerbe de la culture populaire, de l'industrie pharmaceutique et du marketing de consommation. Ses œuvres ont été exposées dans des villes comme Londres, New York et Tokyo, et sont devenues emblématiques de la critique post-pop. Dans « Four Tablets Daily », Frost confirme sa place dans le graffiti pop contemporain en détournant des formats familiers et en les transformant en réflexions sociétales incisives. Cette œuvre, à l'instar de nombre de ses travaux, brouille la frontière entre présentation en galerie et confrontation dans la rue, incitant les spectateurs à s'interroger sur leurs habitudes, leurs dépendances et les images soigneusement conditionnées qu'ils consomment quotidiennement.

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Investigation of Mind, œuvre d'art giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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L'œuvre d'art « Le Dieu des Neiges », une reproduction d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Blue Nose, impression giclée en édition limitée sur papier coton Hahnemühle 308 g/m² par l'artiste moderne Mysterious Al. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 23,62 x 23,62 cm.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Gun Culture - Tirage sérigraphique grand format en édition limitée, réalisé à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. Jim Marshall a immortalisé ce qui, au premier abord, apparaît comme un enfant innocent jouant avec un pistolet jouet à Greenwich Village, New York, en 1963.

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Estampe d'art en édition limitée Zooka Pac Archival Pigment Fine Edition sur papier Hahnemühle Cotton Rag 308 g/m² par Marley Mcfly, artiste de street art pop graffiti. Édition limitée signée de 2022, tirée à 50 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm), n° 1 sur 50. « Zooka Pac » de Marley McFly : une fusion d'art urbain et d'iconographie « Zooka Pac » de Marley Mcfly est une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, captivante et imprégnée de l'esprit du street art et du graffiti. Tirée à seulement 50 exemplaires, signée par l'artiste et imprimée sur une toile de 45,7 x 61 cm, cette œuvre est un vibrant mélange d'art urbain et de symbolisme pop. Créée en 2022, elle fait partie d'une série illustrant le talent unique de Marley Mcfly pour fusionner l'énergie brute du graffiti avec le style poignant du pop art, aboutissant à une pièce à la fois hommage et expression artistique originale. Figure emblématique de la scène street art contemporaine, Marley Mcfly utilise pour cette série un papier chiffon de coton Hahnemühle 308 g/m², reconnu pour sa texture fine et sa durabilité. Ce choix souligne l'importance de la matérialité dans le graffiti et le street art, qui s'appuient souvent sur la qualité et le caractère des supports pour transmettre leurs messages. L'estampe « Zooka Pac » se distingue par son sujet et le soin méticuleux apporté à la technique de la gravure. Expression créative dans les tirages pigmentaires d'archives La création d'un tirage pigmentaire d'archives comme « Zooka Pac » exige un équilibre subtil entre précision technique et créativité. La nature archivistique des encres pigmentaires garantit la résistance de l'œuvre à la décoloration, préservant ainsi l'éclat de la palette de couleurs de McFly et la netteté de son image. Le papier Hahnemühle 308 g/m², à la fois délicat et robuste, offre un support idéal à l'interaction dynamique des couleurs et des formes propre à l'artiste. Dans « Zooka Pac », McFly utilise le langage visuel du graffiti pour rendre hommage à des figures emblématiques, mêlant la spontanéité du street art à l'intérêt du pop art pour les icônes de la culture populaire. L'œuvre présente un graphisme saisissant qui captive le regard, témoignant du talent de McFly et de sa capacité à exprimer profondeur et personnalité dans un espace bidimensionnel. L'impact de l'œuvre de Marley McFly La contribution de Marley McFly à l'évolution du Street Pop Art est majeure. Ses œuvres, dont « Zooka Pac », sont imprégnées de l'esprit du graffiti tout en étant réalisées avec une précision méticuleuse, répondant ainsi aux exigences des estampes d'art. Ce mariage harmonieux entre culture urbaine et pratiques artistiques reconnues rend le travail de McFly très recherché par les collectionneurs et les amateurs qui apprécient la confluence des différentes formes d'art. La sortie de « Zooka Pac » en édition limitée renforce également l'exclusivité et l'esprit communautaire propres à la culture street art ; posséder une pièce de cette édition, c'est un peu comme appartenir à un cercle d'initiés. La capacité de McFly à créer un art à la fois accessible et profond a consolidé sa réputation dans le monde du street art, celle d'un artiste qui repousse les limites et bouscule les idées reçues. « Zooka Pac », première œuvre de cette série, marque le début d'un voyage au cœur de l'exploration de la culture pop par Marley McFly à travers le street art. Cette œuvre ne se contente pas de représenter une figure emblématique ; elle reflète une époque et témoigne de l’influence durable de telles figures sur la mémoire collective. À travers elle, Mcfly continue d’alimenter le dialogue entre les origines contestataires du street art et sa reconnaissance croissante au sein du canon de l’art contemporain.

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Tirages d'art en édition limitée Crown Fried, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'art en coton, par Damon Johnson, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Tirage d'art Crown Fried Archival Print de Damon Johnson, édition limitée à 10 exemplaires sur papier coton d'archivage, 17,8 x 55,9 cm (7 x 22 pouces), signés et numérotés.

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Œuvre d'art Daydream, impression giclée en édition limitée sur papier d'art coton, par Charmaine Olivia, artiste de graffiti pop culture. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Édition limitée à 50 exemplaires sur papier coton d'archivage, format 8 pouces sur 24 pouces, signée et numérotée par l'artiste.

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Utopia Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art de Qualité sur Papier à Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Hero Queen, She/He has Ruled, tirage giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Strength Tree, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 3 couleurs 24 x 20 pouces. Édition signée et numérotée à 150 exemplaires. Imprimée en 2007 sur papier d'archivage sans acide.

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Tirages d'art en édition limitée Monolithic Interruption, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'archivage 100% coton, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 20 po x 16 po, bordure blanche de 1,25 po x 1 po incluse. Imprimé sur coton lisse Innova 315 g/m², blanc pur, 100 % coton – signé et numéroté.

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Œuvre d'art REM Sleep, impression giclée en édition limitée surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Estampe d'archive Hush-Hush de Giorgiko, édition limitée sur papier d'art en coton, art pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à déterminer (2023). Format : 30 x 36 pouces. Tirage d’art pigmentaire d’archives représentant un garçon ou une fille tenant un biscuit. Dimensions de l’image : 27 x 33 pouces (68,5 x 84 cm) avec des marges blanches de 1,5 pouce (3,8 cm). Impression par Static Medium. Hush-Hush par Giorgiko – Tirage d'archive en édition limitée, style street art pop et graffiti « Hush-Hush » est une estampe pigmentaire d'archive de 2023, réalisée par le duo d'artistes Giorgiko et imprimée par Static Medium sur papier d'art en coton. Mesurant 76 x 91 cm (30 x 36 pouces), avec une image de 69 x 84 cm (27 x 33 pouces) entourée de bordures blanches de 3,8 cm (1,5 pouce), cette œuvre incarne le mélange caractéristique de Giorgiko, alliant innocence, introspection et contradiction symbolique. Dans cette édition limitée, un personnage asexué – reconnaissable à ses yeux ovales et vides et à ses traits doux et arrondis, figures récurrentes chez Giorgiko – tient un biscuit, coiffé d'un col Renaissance à volants et d'une casquette sombre, sur fond de ciel onirique et nuageux. La douce lumière, associée à des textures d'une grande fidélité, confère au personnage une présence presque mythique, tandis que l'absurdité humoristique du biscuit ancre l'image dans une fantaisie moderne. Juxtaposition visuelle et immobilité émotionnelle Hush-Hush fusionne contradiction visuelle et subtilité narrative. Le col Renaissance et la doudoune évoquent la formalité historique et la grandeur cérémonielle, tandis que la casquette et le cookie aux pépites de chocolat tempèrent cette formalité par une absurdité discrète. Ce contraste crée une tension entre tradition et fantaisie, entre art savant et culture jeune. L'expression du personnage, malgré l'absence de traits définis, suggère hésitation ou contemplation. L'approche de Giorgiko en matière de narration émotionnelle repose non pas sur des gestes ostentatoires, mais sur la posture, la silhouette et le contexte. La figure semble figée, en pleine réflexion, suspendue entre excès et retenue. Cette ambiguïté crée un espace émotionnel où le spectateur peut projeter sa propre réflexion, faisant de l'œuvre une œuvre autant narrative qu'esthétique. Technique et symbolisme dans le pop art urbain contemporain L'œuvre « Hush-Hush » de Giorgiko est imprimée avec des pigments d'archivage sur un papier coton de haute qualité, offrant des transitions tonales saisissantes et des textures picturales qui mettent en valeur la technique hybride de l'atelier. Si Giorgiko puise souvent son inspiration dans la peinture à l'huile classique, ses compositions sont imprégnées d'esthétiques urbaines et inspirées du graffiti, utilisant le minimalisme et une stylisation proche du dessin animé pour générer une résonance émotionnelle universelle. Le col surdimensionné fait un clin d'œil aux traditions du portrait dans l'histoire de l'art occidental, tandis que la casquette et les textures streetwear modernes ancrent la figure dans l'identité culturelle contemporaine. Le biscuit, humoristique et inoffensif, devient un symbole de simplicité et d'apaisement, une rébellion silencieuse contre le poids du monde. À travers cette intersection entre la vénération classique et l'absurdité du quotidien, « Hush-Hush » élargit le langage du Street Pop Art et du Graffiti pour embrasser l'immobilité, la contradiction et la retenue narrative. La voix unique de Giorgiko dans l'œuvre figurative moderne Fruit d'une collaboration entre Darren et Trisha Inouye, Giorgiko continue de créer un univers narratif singulier où se croisent archétypes, silence émotionnel et poésie visuelle. Hush-Hush illustre leur capacité à sublimer un instant fugace en un archétype de l'expérience émotionnelle moderne. Plutôt que de recourir à la protestation ostentatoire ou au chaos visuel, le duo explore avec douceur, ambiguïté et une sérénité surréaliste les thèmes de l'identité, du détachement et de l'humour discret inhérent aux contradictions de la vie. Dans le champ plus vaste du street art et du graffiti, l'œuvre de Giorgiko se distingue par la subtilité et l'immersion de son univers, invitant le spectateur à la pause, à la réflexion et à trouver un écho dans la quiétude d'un biscuit, comme suspendu au-dessus d'une tempête de couleurs pastel.

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Être pétrifié, édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier coton Coventry 290 g/m² par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 6 couleurs sur papier 100 % coton Coventry 290 g/m² Signée : KINSEY / Numérotée / Estampillée Édition limitée à 65 exemplaires Dimensions : 46,67 x 54,34 cm (18,375 x 21 pouces) Année : 2021

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Deux Amériques - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier chiffon 100 % coton verni, qualité archive. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. La photographie de Jim Marshall, prise alors qu'il vivait avec une famille de mineurs de charbon à Hazard, dans le Kentucky, est éloquente par ce qu'elle montre : une mère et ses deux enfants blottis l'un contre l'autre, se soutenant mutuellement. Mais elle en dit tout autant par ce qu'elle ne montre pas. On y perçoit l'absence flagrante de biens matériels et du père. J'ignore si ce dernier travaillait à la mine au moment de la prise de vue ou s'il est décédé prématurément des suites de son travail dans des conditions dangereuses. Quoi qu'il en soit, il est clair que cette famille est en difficulté et démunie.

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Sérigraphie artisanale en édition limitée Melted, 3 couleurs, encre rose fluorescente et verte fluorescente sur papier cartonné blanc coton de qualité archive, par MFG-Matt Goldman Artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le style que j'ai développé pour mes estampes, inspiré par la complexité graphique et l'iconographie macabre du Jour des Morts, se caractérise par des visuels ornés de gouttes de couleur en suspension. Les encres fluorescentes et le papier blanc éclatant sont conçus pour briller sous lumière noire tout en conservant une belle luminosité à la lumière du jour. Encadrement idéal : cadre noir opaque de 2,5 cm. – MFG – Matt Goldman Sérigraphie 9 x 6,75 pouces, rose et vert fluorescents, papier cartonné blanc coton de qualité archive, édition limitée à 80 exemplaires, sortie en 2008

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« I Wonder Artwork Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100 % coton » par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Dans « Le Trésor du Temps » - Œuvre d'art bleue, impression giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton gravure 315 g/m² par l'artiste de graffiti de la culture pop Handiedan. Édition 2021, signée et numérotée (variante bleue). Tirage d'art giclée avec réalité augmentée. Papier coton 315 g/m². 42 x 54 cm. Signé et numéroté. Sceau à la cire chaude. Édition limitée à 25 exemplaires (2021). Réalité augmentée : https://vimeo.com/518617123 ( Utilise l' application Artivive) . Dans « Le Trésor du Temps – Édition Bleue » par Handiedan, dans la catégorie Art Pop Street et Graffiti « In The Treasure of Time – Blue » est une estampe giclée en édition limitée de 2021, signée par l’artiste néerlandaise Handiedan, reconnue pour ses compositions complexes mêlant esthétique vintage et symbolisme moderne. Cette version bleue, au format 42 x 54 cm (16,5 x 21,25 pouces) et imprimée sur papier chiffon de coton 315 g/m², présente des superpositions visuelles détaillées qui fusionnent motifs monétaires, collages figuratifs et romantisme classique. Tirée à seulement 25 exemplaires, chaque estampe est signée, numérotée, estampillée d’un sceau de cire chaude et enrichie d’éléments de réalité augmentée qui prolongent l’expérience du spectateur au-delà de l’œuvre physique. Le travail d’Handiedan se situe à la croisée de la complexité baroque et de la composition du street art, réinterprétant l’iconographie monétaire et les motifs ornementaux pour exprimer des réflexions sur la valeur, l’identité et la féminité. Approfondissement conceptuel par la monnaie et la composition Dans « Le Trésor du Temps – Bleu », la structure d'un billet de banque est réinterprétée et chargée de symbolisme allégorique et émotionnel. Deux figures masculines occupent le centre, engagées dans un échange intime et ambigu, évoquant conflit, désir ou lutte intérieure. Leur interaction est entourée de volutes décoratives, de références numériques et de motifs récurrents issus des billets de banque anciens. Le titre de l'œuvre, inscrit dans le cadre orné, aborde le thème du temps, à la fois bien et illusion. Handiedan joue avec le portrait classique et l'esthétique des billets de banque pour critiquer la marchandisation de l'identité et des émotions. Les figures, bien que finement détaillées, évoluent dans un cadre symbolique qui suggère qu'elles sont prises au piège des cycles de valeur, de propriété et de consommation visuelle. Le bleu et le rôle de la répétition dans le pop art urbain La variante bleue n'est pas un simple changement de palette, mais une véritable réharmonisation émotionnelle. Les tons froids évoquent la nostalgie et une certaine distance, invitant le spectateur à contempler l'œuvre avec un regard plus lent et introspectif. La superposition d'éléments ornementaux – cadres, fioritures et figures en miroir – crée un rythme visuel qui rappelle à la fois les affiches de rue et les gravures anciennes. La répétition, dans l'œuvre de Handiedan, a une double fonction, décorative et philosophique, soulignant les cycles du pouvoir, de l'attraction et de l'amnésie historique. Sa manipulation de la symétrie et des motifs transforme les symboles de l'argent et de la production de masse en œuvres empreintes d'une profonde réflexion émotionnelle et spirituelle. Cette démarche reflète l'esprit du street art et du graffiti, où la subversion se dissimule souvent sous une apparence esthétique. Intégration des techniques et de la réalité augmentée Imprimée sur un papier coton de gravure de haute qualité de 315 g/m² selon la technique de la giclée, la texture et la richesse de « In The Treasure of Time – Blue » témoignent de la précision et de la maîtrise des matériaux de Handiedan. Le sceau à la cire chaude et la signature manuscrite renforcent le caractère tactile et unique de chaque tirage de cette édition limitée à 25 exemplaires. Ce qui distingue cette œuvre, c’est son intégration de la réalité augmentée, permettant aux interactions numériques d’enrichir le récit. Grâce à cette technologie, le spectateur peut accéder à des couches visuelles supplémentaires, des animations ou des références symboliques qui amplifient le sens sans détourner l’attention de l’œuvre analogique. Cette fusion entre l’impression traditionnelle et l’expérience numérique place le travail de Handiedan à l’avant-garde du Street Pop Art et du graffiti contemporains, où les supports physiques et virtuels convergent pour approfondir la narration artistique. « In The Treasure of Time – Blue » n’est pas qu’un simple portrait ou un collage : c’est une œuvre complexe, porteuse de puissance, de mémoire et de méditation visuelle.

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Gross Rider, estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue issu de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Sérigraphie Drippy Icons AP par Buff Monster, épreuve d'artiste, impression sérigraphique tirée à la main sur papier d'art en coton 250 g/m², édition limitée, art pop urbain et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2023 signée et marquée AP, édition limitée, format 18x24, représentant le monstre classique Melty Misfit One Eyed Ice Cream Drippy Monster dans un style dégoulinant. Une célébration de la fluidité et du chaos L'estampe sérigraphique « Drippy Icon AP » de Buff Monster met en valeur l'esthétique fondante caractéristique de l'artiste dans un style intense et fluide. Cette épreuve d'artiste de 2023, mesurant 45,7 x 61 cm et tirée à la main sur papier beaux-arts 250 g/m² en coton, présente le personnage classique de Melty Misfit en accentuant les textures dégoulinantes. L'œuvre conserve la créature borgne emblématique de Buff Monster, mais l'immerge dans un tourbillon vibrant d'éclaboussures et d'effets de peinture dégouline. Signée et marquée comme épreuve d'artiste, cette pièce reflète la nature organique et imprévisible du Street Pop Art et du graffiti. Le design met l'accent sur un jeu de couleurs audacieux, avec une palette chaude de roses, de jaunes et d'oranges qui rayonnent d'une vitalité presque néon. L'œil unique et surdimensionné au centre attire le regard, tandis que les formes fluides et les éclaboussures renforcent la sensation de mouvement. Contrairement aux versions plus structurées du personnage emblématique de Buff Monster, cette estampe privilégie un style plus brut et expressif, capturant l'essence des fresques murales traditionnelles réalisées à la bombe. Les coulures débordent des contours naturels de la figure, renforçant l'impression d'un personnage en perpétuelle évolution, se fondant, se transformant sans cesse. L'art urbain pop et le graffiti dans leur expression la plus intense Cette œuvre illustre la fusion du street art et du pop art en une expérience visuelle unique et explosive. L'application de peinture, libre et spontanée, imite les techniques du graffiti, où vitesse et mouvement déterminent le résultat. Les coulures exagérées rappellent les imperfections de l'art à la bombe, conférant à l'œuvre une authenticité qui s'accorde avec l'engagement de Buff Monster à célébrer l'imperfection. Si certaines de ses œuvres privilégient les lignes épurées et les compositions structurées, « Drippy Icon AP » embrasse une énergie brute, lui donnant l'allure d'une fresque de rue improvisée plutôt que d'une œuvre d'atelier maîtrisée. Le choix d'une palette de couleurs chaudes renforce l'atmosphère à la fois ludique et chaotique. Les touches de rose et de jaune créent un contraste saisissant qui imite les enseignes lumineuses, assurant à l'œuvre une présence remarquable sur tous les fonds. L'utilisation minimale de contours noirs permet aux couleurs de se fondre harmonieusement, renforçant l'idée que le personnage n'est pas figé dans une forme rigide, mais existe dans un état de transformation perpétuelle. Cette technique rattache l'œuvre à la fluidité du graffiti, où les coulures et les débordements sont célébrés plutôt qu'effacés. Attrait de l'artiste et savoir-faire artisanal En tant qu'épreuve d'artiste, cette estampe bénéficie d'une exclusivité particulière. Les épreuves d'artiste sont souvent les premières versions d'une estampe, créées pour tester l'équilibre des couleurs et la composition avant la production de l'édition principale. La décision de Buff Monster de les commercialiser comme objets de collection souligne leur valeur pour les fans les plus fervents. Contrairement aux impressions numériques produites en masse, la nature artisanale de ce procédé de sérigraphie garantit que chaque pièce conserve son caractère unique. Chaque passage d'encre interagit différemment avec la surface, rendant chaque estampe unique. Le papier beaux-arts épais en coton rehausse la texture et la saturation des pigments, faisant ressortir avec éclat les effets de coulures. La qualité des matériaux assure une grande longévité, faisant de cette estampe un ajout précieux à toute collection. L'alliance des techniques de sérigraphie et d'une esthétique libre inspirée du graffiti fait le lien entre les beaux-arts et la culture urbaine, confirmant la place de Buff Monster au sein du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Une icône en mouvement L'estampe sérigraphique Drippy Icon AP célèbre le mouvement, l'imprévisibilité et la nature évolutive de l'art. Elle repousse les limites du style établi de Buff Monster en intégrant des éléments plus organiques et spontanés, tout en conservant l'essence de son personnage fétiche, Melty Misfit. Cette version du monstre borgne semble presque vivante, comme si elle fondait littéralement hors de la page. Les coulures expressives et les couleurs vibrantes élèvent l'œuvre au-delà du simple design pop, la transformant en une véritable déclaration visuelle cinétique. Cette pièce nous rappelle que le street art est par nature éphémère, ses formes et ses couleurs se transformant constamment au gré des facteurs environnementaux et créatifs. Qu'on l'interprète comme un clin d'œil ludique à la nostalgie de l'enfance ou comme une réflexion plus profonde sur l'impermanence, Drippy Icon AP témoigne de la capacité de Buff Monster à fusionner joie, chaos et technique en une expérience visuelle unique. Les fans de son travail et les collectionneurs de street art, pop art et graffiti apprécieront cette édition pour son exécution dynamique et son énergie brute et authentique.

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Tirage d'art en édition limitée, pigment d'archivage, sur papier photo coton chiffon 310 g/m², par l'artiste Ben Frost, légende du street art pop graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires, 2022. Œuvre d'art de 12 x 12 pouces, signée, édition 2022 de 50 exemplaires « Ritalin Scar ». Impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Photo Rag 100 % coton 310 g/m². Gaufrée, signée et numérotée par l'artiste. 30 cm x 30 cm (12 x 12 pouces), sans cadre. Cicatrice Ritalin par Ben Frost : Une fusion saisissante de culture pop et de produits pharmaceutiques dans l’art urbain pop et le graffiti. « Ritalin Scar » de Ben Frost est une œuvre marquante du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Sortie en 2022, cette impression d'art pigmentaire de haute qualité est réalisée sur papier Bauhaus Photo Rag 100 % coton de 310 g/m², un matériau reconnu pour sa qualité et sa durabilité exceptionnelles. Mesurant 30 cm x 30 cm (12 x 12 pouces sans cadre), cette œuvre fait partie d'une édition limitée, signée et numérotée, à seulement 50 exemplaires. Chaque tirage est individuellement estampillé, signé et numéroté par Ben Frost, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. En superposant la figure menaçante de Scar, du « Roi Lion » de Disney, sur une boîte de Ritalin LA aplatie, Frost invite le spectateur à un dialogue provocateur sur les perceptions sociétales du contrôle, des médicaments et de la perversité, à travers le langage visuel de la culture pop. Le processus artistique et les thèmes provocateurs de Ritalin Scar Ben Frost, artiste australien reconnu pour son style subversif et provocateur, utilise des personnages familiers et des marques de consommation pour livrer un commentaire social incisif. Dans Ritalin Scar, il choisit stratégiquement Scar, personnage connu pour sa ruse et sa traîtrise, et le juxtapose à un emballage pharmaceutique destiné à réguler le comportement. Cette association invite à une réflexion critique sur la manière dont la société perçoit et gère la déviance, notamment chez les enfants. L'utilisation d'une technique d'impression numérique d'archivage garantit la vivacité des couleurs et la netteté des lignes, préservant ainsi l'impact immédiat de l'œuvre. En détournant des emballages du monde réel en support, Frost met en lumière la relation complexe entre consumérisme et identité personnelle, un thème profondément ancré dans la tradition du street art, du pop art et du graffiti. L'influence de Ben Frost sur l'art urbain pop et le graffiti contemporains Ben Frost s'est forgé une réputation internationale grâce à son langage visuel provocateur qui remet en question les normes sociales et la culture de consommation. Son œuvre mêle souvent des éléments publicitaires, pharmaceutiques et des images de dessins animés populaires, rendant son style immédiatement reconnaissable. À travers des œuvres comme « Ritalin Scar », Frost affirme que le street art et le graffiti constituent une plateforme essentielle pour aborder des sujets controversés. Sa manipulation de l'imagerie de la culture populaire bouleverse les récits traditionnels associés à ces personnages et produits, les transformant en symboles d'un commentaire social plus large. L'œuvre de Frost capture l'esprit de rébellion et de critique qui caractérise le street art et le graffiti, démontrant sa capacité à susciter la réflexion et à alimenter le débat à une époque de saturation médiatique croissante. L'importance des tirages en édition limitée comme Ritalin Scar Posséder une édition limitée comme « Ritalin Scar » offre aux collectionneurs une œuvre tangible de critique culturelle contemporaine. L'association du papier photo Bauhaus 310 g/m² et de l'impression numérique d'archivage garantit une finition digne d'un musée, respectant la vision originale de l'artiste. Tirée à seulement 50 exemplaires, chacun estampillé, signé et numéroté par Ben Frost, cette œuvre rare acquiert une valeur et une importance particulières. Le street art, le pop art et le graffiti se caractérisent par l'exclusivité et l'authenticité, des qualités qui imprègnent chaque aspect de cette pièce. « Ritalin Scar » met non seulement en lumière le style distinctif de Frost, mais capture également la tension persistante entre culture pop, influence pharmaceutique et autonomie individuelle, ce qui en fait une œuvre phare des collections de pop art et de street art contemporains.

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