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Planche de skateboard Supreme Sekintani La Norihiro - Édition limitée jaune. Illustration de la marque Supreme. L'artiste japonais Sekintani La Norihiro, dont l'œuvre a été lancée au printemps/été 2019, est réputé pour son imagerie provocatrice. Il représente souvent des images déformées, des organes et des combinaisons de couleurs vives, créant ainsi des motifs presque écœurants. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink met en valeur cette œuvre. On y voit une femme partiellement dénudée et une figure diabolique qui la surplombe. Des motifs déformés, caractéristiques du style de La Norihiro, sont visibles sur toute la face inférieure de la planche. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink est sortie au printemps/été 2019.

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Planche de skateboard Supreme Sekintani La Norihiro - Édition limitée rose - Illustration de la marque Supreme L'artiste japonais Sekintani La Norihiro, dont l'œuvre a été lancée au printemps/été 2019, est réputé pour son imagerie provocatrice. Il représente souvent des images déformées, des organes et des combinaisons de couleurs vives, créant ainsi des motifs presque écœurants. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink met en valeur cette œuvre. On y voit une femme partiellement dénudée et une figure diabolique qui la surplombe. Des motifs déformés, caractéristiques du style de La Norihiro, sont visibles sur toute la face inférieure de la planche. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink est sortie au printemps/été 2019.

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Top Elite Faschions 2-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Sérigraphie 18 x 24 signée et numérotée, édition de 450 exemplaires, signée et numérotée par Shepard Fairey au crayon, cette sérigraphie est réalisée sur un papier blanc cassé de poids moyen.

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Estampe d'art en édition limitée Couture Archival Pigment Fine Edition sur papier chiffon de coton Moab 290 g/m² par les artistes Faile, légendes du pop art urbain. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 26x24. Signée, estampillée et gaufrée en atelier, Couture est une édition limitée à 300 exemplaires. L'estampe restitue fidèlement chaque détail et la texture picturale, jusqu'aux moindres coulures. Il s'agit d'une somptueuse et vibrante impression pigmentaire d'archives sur papier d'art mat épais. Estampe Couture 66 x 61 cm (26 x 24 pouces) Édition limitée à 300 exemplaires Encre pigmentaire d'archives sur papier chiffon 290 g/m² coton Entrada Signée, estampillée et gaufrée 2022

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Barre de force Ben Baller, édition limitée, en aluminium moulé sous pression, objet d'art de collection, œuvre de l'artiste et designer Ben Baller. Barre de fer dorée en aluminium moulé sous pression, édition limitée 2021. Pièce d'art. Dimensions : 35,6 x 3,8 x 0,5 cm. Barre de fer dorée de luxe par Ben Baller. Neuve en boîte. Fusion du pop art urbain et du graffiti dans Crowbar en édition limitée de Ben Baller Le street art, le pop art et le graffiti représentent des formes d'expression artistique vibrantes et souvent rebelles, omniprésentes dans les paysages urbains et recherchées par les collectionneurs contemporains. Ben Baller, artiste et designer de renom, s'est aventuré dans cet univers avec son pied-de-biche en aluminium moulé sous pression teinté or, en édition limitée. Cet objet allie harmonieusement fonctionnalité et attrait du luxe. Fabriqué avec précision, ce collector est bien plus qu'un simple outil : c'est une pièce maîtresse qui témoigne de la culture du luxe au sein du street art. Le pied-de-biche, mesurant 35,5 cm x 3,8 cm x 0,5 cm, illustre parfaitement la manière dont les objets du quotidien sont réinterprétés à travers le prisme artistique. La teinte dorée ajoute une touche de luxe et transforme le pied-de-biche en un objet d'art convoité, interrogeant la perception de la valeur et de l'utilité. Sorti en 2021, le pied-de-biche de Ben Baller est devenu un objet de convoitise pour les amateurs d'art et les collectionneurs de street art. Le choix du matériau – l'aluminium moulé sous pression – est significatif. Elle symbolise la robustesse et la durabilité industrielles tout en permettant un haut niveau de détail et une finition lisse qui met en valeur la teinte dorée. Symbolisme et esthétique dans la démarche artistique de Ben Baller La présentation du pied-de-biche, neuf dans sa boîte, évoque le lancement d'un produit, suscitant l'anticipation et la nouveauté souvent associées à la sortie d'éditions limitées de vêtements ou de baskets streetwear. Cependant, en présentant un outil traditionnellement lié au travail manuel et aux cambriolages, Baller subvertit les attentes et élève le pied-de-biche au rang d'œuvre d'art. Cette pièce de Ben Baller n'est pas qu'un simple objet isolé ; elle constitue un commentaire sur la rencontre entre culture urbaine et luxe. Elle aborde des thèmes récurrents dans le Street Pop Art et le graffiti, tels que le consumérisme, la richesse et la réappropriation d'objets du quotidien en objets de désir. En recouvrant un outil brut et robuste d'une luxueuse teinte dorée, Ben Baller invite à réfléchir aux contrastes entre culture populaire et culture savante, entre la rue et l'élite. Ce pied-de-biche, désormais inadapté à son usage initial, devient le symbole du pouvoir transformateur de l'art. Il explore comment le contexte et la présentation peuvent redéfinir la valeur et la signification intrinsèques d'un objet. Valeur de collection et impact culturel du pied-de-biche de Ben Baller Le caractère exclusif de cette œuvre, éditée en série limitée, renforce son attrait, comme c'est souvent le cas pour la rareté dans le monde de l'art. Les collectionneurs sont attirés par la beauté intrinsèque de la pièce et par la valeur culturelle qu'elle représente. Posséder un pied-de-biche de Ben Baller, c'est posséder un fragment de l'air du temps – un lien tangible avec le pouls du Street Pop Art contemporain. L'impact culturel de telles œuvres est considérable, dépassant souvent le cadre du monde de l'art pour imprégner la mode, la musique et les modes de vie. Le pied-de-biche de Ben Baller fait le lien entre ces univers, façonné par un artiste dont le nom est synonyme de frontières floues entre l'art et la vie. Dans le vaste récit du Street Pop Art, le pied-de-biche de Ben Baller est une contribution majeure. C'est une œuvre d'art qui capte l'attention, suscite la réflexion et incarne l'esprit d'un mouvement qui continue de remettre en question et de redéfinir notre compréhension de l'art et de sa place dans la société. Dans toute sa splendeur dorée, le pied-de-biche n'est pas seulement un objet, mais un artefact culturel, un fragment d'histoire et un clin d'œil au dialogue permanent entre la culture de rue et les salles sacrées des galeries d'art.

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Covid No 19 - Sarcelle Limited Edition Archival Pigment Print sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Sarcelle Covid19 Chanel, désinfectant pour les mains inspiré du virus. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 cm x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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XLARGE x D*Face - Noir 100 % et 400 % BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle édition limitée, figurines de collection urbaines 2020 D Face Xlarge Bearbrick Medicom Toy Be@rbrick 400% 100%

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Sculpture de collection en vinyle Reverse Panda en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Honmono Taiketsu x Fools Paradise. Édition limitée 2022 à 499 exemplaires. Hauteur : 28 cm. Neuve en boîte. Motif : panda noir et blanc avec cadran de montre Rolex. Le rôle de Reverse Panda dans l'évolution du street art et du graffiti La sculpture en vinyle Reverse Panda, édition limitée, témoigne avec force de l'évolution du street art et du graffiti. Créée par l'artiste pop moderne de renom Honmono Taiketsu en collaboration avec Fools Paradise, cette pièce de collection de 2022 incarne la fusion entre l'esthétique du street art et l'appropriation de l'imagerie commerciale par le pop art. Limitée à 499 exemplaires, cette figurine de 28 cm est une création originale représentant un panda noir et blanc orné d'un cadran de montre Rolex. Elle est présentée en parfait état dans son emballage d'origine. Cette œuvre reflète le cadre conceptuel du pop art par l'utilisation d'éléments iconiques recontextualisés de manière inédite et stimulante. Le panda, animal souvent associé à la paix et à la tranquillité, est juxtaposé au symbole du luxe et de la précision horlogère. Ce contraste n'est pas seulement visuel ; il interroge les intersections entre la nature et les idéaux construits de statut et de richesse. En combinant ces éléments, Taiketsu et Fools Paradise critiquent la marchandisation des symboles naturels et culturels, un débat profondément ancré dans le discours du street art et du pop art contemporains. Le Panda inversé symbolise le caractère à la fois ludique et provocateur qui caractérise une grande partie du street art, du pop art et du graffiti. Cet objet défie les conventions et remet en question les limites de ce qui est traditionnellement perçu comme de l'art de collection. Par sa forme, l'œuvre transmet un récit à la fois accessible et complexe, s'adressant à un large public tout en invitant à une introspection sur les thèmes de la consommation, de l'identité et du passage du temps. Le panda inversé comme artefact culturel et icône de l'art moderne En tant qu'artefact culturel, la sculpture Reverse Panda en vinyle incarne l'esprit de notre époque, où les frontières entre art savant et culture populaire s'estompent. Cette pièce en édition limitée est autant un objet de collection qu'une œuvre d'art contemporain, arborant la signature distinctive de Honmono Taiketsu et le langage stylistique novateur de Fools Paradise. Son appartenance à une série limitée à 499 exemplaires renforce son attrait, créant un sentiment d'urgence et d'exclusivité souvent associé au marché de l'art. Le propos artistique de Reverse Panda s'enrichit par son commentaire sur l'anthropomorphisme animal dans la culture populaire et leur représentation dans l'industrie du luxe. Le cadran d'une montre Rolex, qui sert de tête à la figure, est un clin d'œil direct à l'obsession sociétale du temps et du luxe. Par sa posture, la sculpture interroge la relation souvent paradoxale que les humains entretiennent avec les animaux, symboles d'adoration et de protection, mais aussi d'exploitation et de marchandisation. La sculpture en vinyle Reverse Panda, en édition limitée, est une œuvre aux multiples facettes qui représente le point de convergence de divers courants artistiques et culturels. Elle constitue une réflexion sur l'état de l'art contemporain, un médium à travers lequel Honmono Taiketsu et Fools Paradise engagent un dialogue visuel avec le public. Par son design novateur et ses messages sous-jacents, cette œuvre contribue de manière significative au mouvement du Street Pop Art et du graffiti, reflétant sa nature dynamique et évolutive ainsi que sa capacité à commenter les complexités du monde contemporain. À travers le Reverse Panda, les artistes nous rappellent que l'art est le reflet de la société et un outil puissant pour la questionner et la comprendre.

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Krink 1000% BE@RBRICK Figurines d'art urbaines de collection en vinyle édition limitée Krink 1000% Be@rbrick Art Toy de Craig Costello x Medicom, neuf dans sa boîte (édition 2021). BE@RBRICK rencontre Krink : un point de rencontre entre le street art et la culture des objets de collection La collaboration entre Craig Costello, le créateur de Krink, et BE@RBRICK de Medicom Toy est une histoire contemporaine où le street art rencontre l'univers des figurines de collection. De ce partenariat est née une série limitée de la 1000% BE@RBRICK, une figurine en vinyle de 70 cm qui capture l'esthétique emblématique de Krink sous une forme collector. Sortie en 2021, cette fusion témoigne de l'influence grandissante du pop art et du graffiti dans la culture populaire. Krink de Craig Costello : un style unique en vinyle Craig Costello, plus connu sous le pseudonyme de « KR » dans le milieu artistique, est devenu une figure influente du street art, notamment grâce à sa contribution au graffiti à travers le développement de Krink, une marque d'encres et de marqueurs haut de gamme. Son style unique se caractérise par des lignes audacieuses et fluides qui évoquent le mouvement et une énergie brute, des éléments magistralement transposés sur la figurine BE@RBRICK. La Krink 1000% BE@RBRICK arbore ce motif distinctif dans une palette de couleurs argent et noir saisissante, avec le logo Krink apposé sur le torse. S'éloignant des supports traditionnels du street art, cette figurine en vinyle devient une représentation tridimensionnelle de la philosophie artistique de Costello. Cette pièce constitue une extension novatrice de l'identité de marque Krink, qui s'étend au-delà de la rue pour devenir un objet de collection urbain. Le jouet d'art comme toile moderne Avec des objets de collection comme les BE@RBRICK en tête d'affiche, le mouvement des art toys a offert un nouveau terrain d'expression aux artistes traditionnellement associés au pop art urbain et au graffiti. Ces figurines offrent une opportunité unique de fusionner le tactile et le visuel, permettant aux artistes d'explorer la forme, la texture et le design dans un format compact et tangible. Le BE@RBRICK 1000% de Krink, créé par Craig Costello, reflète cette tendance croissante où la collection rencontre l'art contemporain. Il abolit la frontière entre la nature subversive du street art et l'univers raffiné du design de collection, créant une œuvre qui séduit autant les amateurs d'art que les collectionneurs de jouets. Le choix du BE@RBRICK comme support illustre une volonté de diversification du street art et d'adoption de plateformes d'expression nouvelles et non conventionnelles. L'influence durable de Krink sur l'art et le design La collaboration de Craig Costello avec Medicom Toy illustre parfaitement l'évolution du street art, des peintures murales éphémères aux objets de collection convoités. La Krink 1000% BE@RBRICK rend hommage à la contribution de Costello à l'univers du graffiti et symbolise la polyvalence et l'adaptabilité du pop art urbain. Le succès de telles collaborations témoigne d'une plus grande reconnaissance et d'une célébration accrue du street art au sein de la culture populaire, et l'œuvre de Craig Costello est à l'avant-garde de ce mouvement. Sa capacité à passer des encres fluides sur les murs urbains aux figurines en vinyle exposées sur les étagères démontre le potentiel illimité du pop art urbain pour imprégner et enrichir chaque aspect de l'expérience esthétique moderne. En définitive, la Krink 1000% BE@RBRICK est un témoignage tangible du dialogue dynamique entre l'art et le commerce, de l'esprit rebelle du graffiti et du savoir-faire méticuleux de la conception d'objets de collection. Véritable phare d'innovation, elle garantit que l'esprit de la rue continue de trouver de nouvelles voies d'expression et d'impact.

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Planche de skateboard Supreme Nan Goldin Kim en strass, édition limitée, conçue par la marque Supreme. SS18 2018 Dans le cadre de sa collection Printemps/Été 2018, Supreme a collaboré avec la célèbre photographe américaine Nan Goldin. Ces planches de skate arborent les clichés emblématiques de Goldin. La planche en particulier, intitulée « Kim in Rhinestones », met en valeur le style photographique caractéristique de Goldin, caractérisé par des couleurs vibrantes et une grande richesse de détails.

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Les Douze : Portez vos Jays - Jordan 2 - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art par Eric Pagsanjan, artiste de rue. Signée et numérotée. Sérigraphie, édition limitée à 23 exemplaires, réalisée pour ComplexCon Chicago 2019. Dimensions : 28 x 22 cm.

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Planche Supreme Vampire Boy - Verte Édition Limitée - Illustration de la marque Supreme Planche de skateboard Supreme Dracula Bat SS21 2021

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Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bill Barminski, édition limitée, tirages d'art pigmentaires d'archives sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Bill Barminski x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bill Barminski • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Bill Barminski • Édition limitée à 25 exemplaires

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Yeux de méduse noirs 1 Lithographie de Takashi Murakami TM/KK Tirage à la main sur papier d'art vergé Édition limitée Œuvre d'art graffiti street pop. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2004. Dimensions de l'œuvre : 19,75 x 19,75 pouces. Jellyfish Eyes Black 1 de Takashi Murakami – Une icône psychédélique du street art et du graffiti « Jellyfish Eyes Black 1 » est une lithographie en édition limitée, signée et numérotée, réalisée en 2004 par le célèbre artiste contemporain japonais Takashi Murakami. Mesurant 50,2 x 50,2 cm (19,75 x 19,75 pouces), elle a été tirée à 300 exemplaires. L'estampe présente une multitude d'yeux stylisés flottants, dotés d'appendices évoquant des méduses, sur un fond noir aux couleurs vibrantes et palpitantes. Les sphères concentriques et les cils fantaisistes forment une composition énigmatique, à la fois ludique et surréaliste, qui plonge le spectateur dans l'univers visuel immersif de Murakami. Cette œuvre illustre la capacité de l'artiste à fusionner l'esthétique traditionnelle japonaise avec la culture pop mondiale, insufflant une iconographie dynamique au domaine du street art et du graffiti. Le formalisme néo-pop rencontre le langage visuel subculturel Le design hypnotique de Jellyfish Eyes Black 1 témoigne de l'intérêt profond que Murakami porte à la répétition visuelle et au surréalisme pop. Chaque œil irradie des bandes concentriques rose fluo, bleu électrique, vert acide et or – des couleurs plus souvent associées à l'animation publicitaire, au design de jouets et aux graffitis qu'à la lithographie traditionnelle. Le fond noir intensifie la sensation de flottement de ces formes biomorphiques, transformant l'espace en un champ onirique de conscience suspendue. Les racines de Murakami dans la peinture Nihonga et les compositions de l'époque d'Edo transparaissent dans la fluidité et l'équilibre de l'agencement, tandis que la palette synthétique et la douceur numérique embrassent l'intensité commerciale de l'iconographie pop. Dans Street Pop Art & Graffiti Artwork, ce mélange d'ordre classique et de forme radicale affirme la place de Murakami comme historien et provocateur. Yeux, surveillance et psyché otaku Les yeux qui peuplent Jellyfish Eyes Black 1 ne sont pas passifs. Leur regard, d'une présence troublante, crée une tension dynamique entre l'observateur et l'observé. Ce motif reflète l'exploration fréquente par Murakami de la culture otaku, du capitalisme de surveillance et du regard consumériste. Ces yeux sont à la fois ludiques, voire mignons, mais aussi obsessionnels, intrusifs et d'une surveillance constante. Certains semblent innocents ; d'autres présentent des pupilles concentriques superposées et des rétines satellites. Cette multiplicité reflète la fragmentation de l'identité dans la vie numérique et urbaine. Dans le champ plus large du Street Pop Art et du graffiti, ces yeux fonctionnent comme des symboles populaires : des icônes qui divertissent, perturbent et invitent à une analyse plus approfondie. Takashi Murakami et l'héritage du superflat dans l'art urbain L'influence de Takashi Murakami sur les beaux-arts et la culture urbaine est indéniable. Avec sa théorie du Superflat, il a élaboré un cadre permettant d'abolir les frontières entre culture populaire et savante, art ancien et hypermoderne, peinture traditionnelle et immédiateté visuelle inspirée du graffiti. Jellyfish Eyes Black 1 s'inscrit dans cette lignée comme une œuvre à la fois de collection, culturelle et d'une simplicité subversive. La lithographie rend hommage à l'histoire de l'estampe en édition limitée, tandis que son esthétique reste ancrée dans le langage saturé des médias de masse et de la culture jeune. Alors que le Street Pop Art et le graffiti continuent d'évoluer à l'échelle mondiale, l'œuvre de Murakami offre un aperçu de la manière dont les codes visuels japonais, les motifs d'anime et les traitements de surface psychédéliques peuvent coexister avec l'expressivité brute des formes d'art nées dans la rue. Jellyfish Eyes Black 1 ne se prête pas à la traduction : elle nous fixe du regard, luisant dans l'obscurité, nous invitant à ressentir.

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SSUR Varsity 400% BE@RBRICK Figurine d'art en vinyle édition limitée, objet de collection urbain par SSUR Ruslan Karablin La marque russe Karablin, SSUR, se réinvente avec un Bearbrick géant à l'échelle 400 %. Ce Bearbrick arbore des imprimés SSUR sur le devant, le dos et les manches, rappelant l'emblématique veste universitaire SSUR NY Dog. Il mesure 28 cm de haut.

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Plateau en céramique Akira Syringe, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Plateau/assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, dimensions 11,25 x 4,25 pouces, objet d'art de collection. Plateau en céramique Supreme AKIRA pour seringues : un classique culte revisité en porcelaine Le plateau en céramique Supreme AKIRA Seringue est un véritable objet culturel, fusionnant l'énergie brute du pop art urbain et la précision des illustrations manga. Sortie très attendue dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée incarne l'esprit avant-gardiste de la marque Supreme tout en rendant hommage au manga japonais culte AKIRA. Façonné avec précision, ce plateau en céramique blanche témoigne de l'influence durable de la série et de l'ingénieuse adaptabilité de l'esthétique streetwear de Supreme. Mesurant 28,6 cm sur 10,8 cm, le plateau est une toile qui donne vie à l'univers noir et blanc saisissant du néo-Tokyo d'AKIRA. Il présente une scène intense, directement tirée du manga, où Kaneda et Tetsuo, dans un moment de tension extrême, reçoivent une injection. Cette scène est un moment charnière de la série AKIRA et un aperçu de la narration complexe et pleine d'action qui captive les fans depuis des décennies. L'art de la céramique rencontre la narration graphique emblématique La synergie entre l'identité visuelle de Supreme et le graphisme d'AKIRA sur le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe illustre parfaitement comment le pop art urbain peut fusionner avec d'autres médias pour créer une œuvre à la fois inédite et familière. L'intégration subtile du nom de Supreme sur la seringue révèle une interaction ingénieuse entre identité de marque et imagerie narrative. Ce détail, bien que mineur, souligne la nature collaborative de la pièce et symbolise la fusion d'univers que les fans de Supreme et d'AKIRA apprécieront. Sous le plateau se trouve le logo iconique de Supreme, une signature qui atteste de l'authenticité de l'objet et le rattache à la lignée des précédents articles de collection de la marque. Cet emblème, juxtaposé au dessin manga, fait le lien entre l'esprit du temps du streetwear moderne et l'art classique du manga japonais. La présence du logo est un gage de qualité et un symbole qui trouve un écho auprès des collectionneurs conscients de la valeur des éditions limitées de pop art urbain. Impact et valeur de collection du plateau à seringues Supreme AKIRA Le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe est bien plus qu'un simple objet décoratif ; c'est un morceau d'histoire de la pop culture, moulé dans la céramique. Le choix d'immortaliser cette scène de manga sur un plateau de haute qualité témoigne d'une compréhension fine de la mentalité du collectionneur : ce n'est pas seulement l'objet qui a de la valeur, mais la convergence de l'art, du récit et de la marque qui en fait un trésor. En tant que pièce de collection, le plateau attire le regard, devenant un point de convergence qui suscite des discussions sur le street art, ses liens avec d'autres formes d'expression et la nature même des objets de collection contemporains. Dans le street art et le graffiti, des objets comme le plateau Supreme AKIRA Syringe soulignent le potentiel des objets du quotidien à devenir des supports pour la narration et l'expression artistique. La représentation saisissante de Kaneda et Tetsuo est un récit visuel figé dans la porcelaine, conférant au plateau un dynamisme souvent associé à l'immédiateté du street art et à la vitalité transgressive du graffiti. Pourtant, la permanence du matériau céramique et le charme intemporel de l'histoire d'AKIRA élèvent ce plateau au-delà de sa simple fonction, confirmant son statut d'œuvre d'art convoitée. Une fusion de formes artistiques pour le collectionneur contemporain Collectionneurs et amateurs de manga et de streetwear trouveront dans le plateau en céramique Supreme AKIRA l'objet qui incarne l'essence même de ces deux univers. La fusion harmonieuse du style urbain et percutant de Supreme et des visuels saisissants d'AKIRA fait de ce plateau une pièce emblématique pour les collectionneurs. À la fois fonctionnel et pratique, il invite à la contemplation en tant qu'œuvre d'art. Le plateau en céramique Supreme AKIRA témoigne de la puissance de la collaboration entre marques et artistes et reflète l'état actuel du street art et du graffiti : un domaine en constante évolution, toujours surprenant et résolument audacieux.

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XLARGE x D*Face - Brown 100 % et 400 % BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle édition limitée, figurines de collection urbaines D Face Xlarge Bearbrick Medicom Toy Be@rbrick 400% 100% Designer Con. Marque BE@RBRICK MPN BERBRICK400 GTIN 5019950332456 UPC 5019950332456 Caractéristiques principales du produit Année de fabrication 2020 Vintage Non Original/Sous licence Reproduction Original Personne/Artiste vedette Visages Matériau Vinyle, Plastique Espèce animale Ours Franchise Bearbrick Type Figurine d'action Collection Thème Designer & Urbain Vinyle

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Holy Grails Yeezys Papyrus - Top 2-Color Hand-Pull Diamond Dust Limited Edition Silkscreen Print on Egyptian Papyrus Paper by Marwan Shahin Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée 2022 signée et numérotée à 10 exemplaires, taille 14,25x10, chaussure Yeezy dorée de Kanye West stylisée avec des éléments égyptiens, sur papier papyrus personnalisé. Marwan Shahin – Yeezys Papyrus, le Graal : le pop art urbain rencontre l'iconographie antique « Holy Grails Yeezys Papyrus – Top » est une sérigraphie exceptionnelle de 2022, signée Marwan Shahin, figure provocatrice du street art égyptien. Réalisée à la main selon des techniques d'impression traditionnelles et sublimée par une fine poussière de diamant, l'œuvre est imprimée sur un papier papyrus égyptien sur mesure, condensant des millénaires de symbolisme en un objet résolument moderne. Cette pièce mesure 36,2 x 25,4 cm et fait partie d'une édition ultra-limitée à seulement 10 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. Shahin métamorphose ici la silhouette iconique de la Yeezy Boost de Kanye West en un artefact visuel digne d'une vénération pharaonique. En représentant la Yeezy Boost horizontalement, de haut en bas, et en l'ornant de symboles de pouvoir – pointes, chaînes, étoiles, ankhs et références architecturales –, Shahin élève un article de streetwear au rang de mythe. La semelle de la chaussure devient une toile pour un motif complexe évoquant des cartouches royaux ou des gravures funéraires. Au lieu de simples logos ou marques commerciales, la surface est gravée d'éléments qui évoquent l'armement, les bijoux et les motifs religieux, affirmant ainsi le statut de la basket comme relique du XXIe siècle, symbole de pouvoir, d'influence et de dévotion massive. Traduire la célébrité en folklore à travers le matériel et le symbole L'impression sur papyrus n'est pas qu'un choix esthétique : c'est une subversion culturelle délibérée. Historiquement, le papyrus a servi de support aux textes sacrés, aux décrets royaux et aux écritures religieuses. Shahin utilise ce matériau ancien pour ériger la Yeezy de Kanye West en un objet de vénération moderne, empreint d'ironie et d'observation culturelle. En ajoutant de la poussière de diamant scintillante sur une encre dorée, l'artiste invite le spectateur à considérer la fétichisation des produits dérivés de célébrités comme une nouvelle forme d'objet rituel, suscitant loyauté et foi à grande échelle. Le choix de présenter la Yeezy en vue de dessus gomme l'identité personnelle et fait de l'objet lui-même le sujet de la dévotion. Le pied est absent, ne laissant place qu'au symbole. L'œuvre interroge la manière dont la société de consommation et les médias transforment les biens matériels en réceptacles d'aspiration, de vénération, voire de projection divine. Elle métamorphose la basket en un sarcophage pour la création de mythes modernes. La pyramide de sens en expansion de Marwan Shahin Holy Grails Yeezys Papyrus s'inscrit dans la continuité conceptuelle de Yeezus Papyrus, la précédente œuvre de Shahin, poursuivant son exploration des frontières floues entre icône, idole et objet. Là où Yeezus Papyrus humanisait la célébrité derrière le mythe, cette pièce en abstrait totalement la personnalité, se concentrant sur le symbole de consommation lui-même. La stylisation de la sneaker fait non seulement référence à l'esthétique physique de la culture hip-hop et de la mode de luxe, mais imite également le langage hiéroglyphique ancien : chaque étoile, chaîne et ligne porte une signification à plusieurs niveaux, à la fois littérale et symbolique. La capacité de Shahin à synthétiser l'iconographie de la culture pop avec un symbolisme historiquement ancré continue de faire de son travail une œuvre culturellement critique et visuellement saisissante. Son choix de limiter l'édition à seulement 10 exemplaires renforce l'idée d'exclusivité, un commentaire sur la culture du buzz alimentée par la rareté qui alimente les marchés de la sneaker et de l'art. Parallèlement, son savoir-faire et son héritage régional élèvent la basket au rang d'objet rituel, brouillant les frontières entre le sacré et le matériel. Un nouveau mythe du graffiti coulé en or Cette œuvre illustre l'influence grandissante de Shahin sur l'évolution du street art et du graffiti. De la texture sinueuse du papyrus aux ornements dorés qui soulignent la silhouette de la sneaker, chaque détail de Holy Grails Yeezys Papyrus témoigne d'une volonté délibérée de remettre en question la marchandisation, le symbolisme culturel et l'idolâtrie contemporaine. Shahin fusionne le vocabulaire du graffiti avec la vénération des reliques antiques, faisant de la Yeezy non seulement une chaussure, mais un totem culturel – un totem intimement lié au luxe, à l'aspiration, à la rébellion et à la ferveur numérique. En érigeant la sneaker en image sacrée, Shahin immortalise les tendances éphémères de la société de consommation à travers un médium qui fut jadis le témoin des civilisations anciennes. Cette transformation – du streetwear produit en masse en texte sacré moderne – fait de Holy Grails Yeezys Papyrus une prouesse artistique et un miroir philosophique.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Silver 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine d'Art de Collection Bape - A Bathing Ape. 2022 A Bathing Ape Bearbrick Rare à collectionner , neuf en boîte

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Baccarat Clear 200% Be@rbrick, figurine d'art en cristal par Medicom Designer, édition limitée de luxe. 2021 Baccarat x Bearbrick Medicom - Objet de collection en cristal transparent, taille 200%, neuf en boîte. Le kawaii envahit la planète Baccarat ! Fusion de l'artisanat et de la culture pop Le Be@rbrick 2021 en cristal transparent représente une rencontre unique entre le savoir-faire traditionnel français en cristal et l'esthétique de la pop culture contemporaine. Cette pièce célèbre de manière tangible le métissage entre le luxe intemporel de Baccarat, la célèbre maison de cristal française, et l'expression créative contemporaine de Medicom Toy, acteur japonais majeur du marché des jouets design. Avec le Be@rbrick en cristal transparent, Baccarat insuffle à ses créations l'esprit des jouets d'art de collection, démontrant ainsi sa capacité à s'approprier les tendances du design moderne tout en restant fidèle à son héritage d'excellence artisanale. Fabriquée à la main en France, cette figurine en cristal au plomb transparent incarne l'essence même du Be@rbrick, conservant la forme emblématique de l'ours tout en reflétant une nouvelle lumière grâce à sa pureté cristalline. Le Be@rbrick dans le monde du pop art urbain En adoptant la forme d'un ours – symbole souvent associé à la chaleur et au réconfort –, le Be@rbrick transparent de Baccarat transcende ses origines ludiques pour devenir une œuvre d'art sophistiquée. Objet emblématique du Street Pop Art et du graffiti, il incarne un univers où la fantaisie et le raffinement coexistent harmonieusement. Édition limitée, le Be@rbrick en cristal transparent de Baccarat n'est pas un simple jouet, mais un véritable joyau pour les collectionneurs. Sa création en 2021 marque un tournant dans l'art et le design, où les frontières entre les différentes formes d'expression s'estompent et où les objets de collection comme celui-ci acquièrent une valeur inestimable sur le marché de l'art. Attrait culturel et esthétique Le Be@rbrick en cristal transparent de Baccarat est bien plus qu'une fusion de luxe et d'art urbain : c'est une réflexion sur l'évolution de l'art et des objets de collection à l'ère moderne. Il témoigne des changements survenus dans la consommation et l'appréciation de l'art, où des pièces autrefois considérées comme informelles ou non traditionnelles sont désormais célébrées et convoitées dans les cercles les plus huppés. Ce Be@rbrick transparent symbolise l'adaptabilité et la créativité, une pièce phare de l'innovation dans le Street Pop Art et le graffiti, capturant l'essence d'une génération qui vénère à la fois le savoir-faire ancestral et la liberté artistique contemporaine.

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Mark Twain Riskoleum Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier d'archivage Coventry Rag par l'artiste de graffiti de la culture pop Risk. Épreuve d'artiste (EA). Tirage giclée sur papier d'archivage Coventry Rag. Tirage réalisé sur commande spéciale pour la Fashion Week de Los Angeles 2017, daté de 2016. Signé et numéroté à la main. 45,7 x 35,6 cm

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Nathalie Lete Minette 100% 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection. Nathalie Lete, artiste parisienne, propose désormais un set Bearbrick 100 % + 400 %, en complément de son Bearbrick 400 % « Ours à la Cravette ». Minette incarne à merveille le style de Nathalie Lete, et chaque détail de ce Bearbrick est soigné. Des yeux bleus à la robe à motifs, jusqu'à la queue déployée le long de ses jambes, tout est pensé pour le résultat. Ce set Bearbrick comprend deux figurines de 7 cm et 28 cm de haut !

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Impression buvard Gucci haute couture par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression pigmentaire d'art d'archives sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2024. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2024. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Imprimé buvard Gucci haute couture par Denial L'œuvre « High Fashion Gucci by Denial », alias Daniel Bombardier, fusionne avec audace les codes visuels du luxe et l'esprit contestataire du street art et du graffiti. Tirée à seulement 35 exemplaires en 2024, cette estampe de 19 x 19 cm est réalisée à l'aide d'encres pigmentaires d'archivage sur papier buvard perforé. Chaque exemplaire est perforé à la main par Zane Kesey, faisant de cette œuvre un hommage à l'histoire de la contre-culture et une critique culturelle incisive. L'utilisation du papier buvard comme support souligne un message plus large sur l'évasion, la consommation et la manipulation de l'image dans la société moderne. Le luxe réinventé à travers un prisme subversif Centrée autour du logo iconique de Gucci et se détachant sur un motif de marque répétitif, l'œuvre met en scène un serpent rouge, noir et blanc enroulé sur lui-même. Le mélange visuel d'opulence et de danger est saisissant. Ce serpent symbolique – depuis longtemps associé à la tentation, à la rébellion et à la transformation – amplifie la tension entre désir de consommation et conscience critique. Loin de dénaturer l'image de marque, l'artiste la magnifie, obligeant le spectateur à appréhender la familiarité du logo dans un contexte radicalement différent. L'utilisation même de buvard, historiquement lié aux psychédéliques, enrichit la métaphore de la perception, de la transformation et de l'illusion culturelle. Gucci et l'esthétique du pouvoir L'identité visuelle de Gucci est devenue synonyme de statut et d'aspiration, et c'est précisément ce que remet en question l'œuvre « Denial ». Dans un monde où les logos ont souvent un poids culturel plus important que les produits eux-mêmes, l'artiste attire l'attention sur les mécanismes du marketing de marque et leur influence sur l'identité et l'expression. À travers le prisme du street art et du graffiti, cette œuvre rend les motifs emblématiques de Gucci accessibles tout en les rendant provocateurs. Elle transforme la mode en un outil de critique plutôt qu'en une célébration, montrant comment l'esthétique du luxe peut être détournée et réinterprétée comme une iconographie contemporaine. Commentaire continu de Daniel Bombardier Denial poursuit son exploration des liens entre médias, marques et comportements culturels. Reconnu pour son association de palettes de couleurs audacieuses et d'images subversives, son imprimé High Fashion Gucci offre à la fois une satisfaction visuelle et une richesse de sens. En travaillant sur du papier buvard perforé, il renforce la dimension tactile des mouvements underground et des contre-récits. Cette œuvre s'inscrit dans une démarche plus large de Denial visant à brouiller la frontière entre art commercial et commentaire social. Il ne s'agit pas simplement d'un clin d'œil stylé à la haute couture, mais d'une déconstruction perspicace de l'illusion consumériste. Chaque point, logo et symbole invite à un second regard, non pas pour ce qu'il vend, mais pour ce qu'il interroge.

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Horloge murale Bapex Type 4, édition limitée, objet d'art de collection, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Bape - A Bathing Ape. Cadran de montre Bapex Type 4 2021, utilisable comme horloge murale, neuf dans sa boîte.

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« Pattern of Corruption Black Gold AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY x Cleon Peterson Artist Proof Hand-Tiled 2 Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste (EA) 2015 Signée et marquée EA Tirage original limité à 150 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18 x 24 cm Image répétée d'un homme tribal avec un couteau ensanglanté et un motif de vigne de lotus Sérigraphie « Cleon Peterson et moi avons récemment collaboré à la réalisation d'une fresque murale dans le quartier de Wynwood à Miami. Satisfaits du résultat, nous avons décidé de créer une série de sérigraphies en édition limitée, inspirées de cette œuvre. Nos travaux respectifs explorent les thèmes récurrents de la fragilité de la société, de la sauvagerie humaine et de la corruption. L'image présente une dichotomie entre son motif floral classique hypnotique et des éléments sinistres qui s'y entremêlent, incitant le spectateur à regarder au-delà des apparences. » – Shepard Fairey « Pattern of Corruption Black Gold » est une œuvre saisissante, fruit de la collaboration entre deux figures emblématiques du street art : Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne OBEY, et Cleon Peterson. Tirage sérigraphique AP, cette pièce met en valeur le travail artisanal, un détail qui résonne particulièrement auprès des amateurs de street art et de pop art. L'art iconique de Shepard Fairey a toujours remis en question les normes sociales, incitant les spectateurs à s'interroger sur les complexités et les contradictions sous-jacentes de la société contemporaine. De même, les représentations chaotiques des interactions humaines par Cleon Peterson nous obligent à nous confronter aux aspects les plus sombres de l'humanité. Cette œuvre a été inspirée par la fresque murale que le duo a réalisée ensemble dans le quartier de Wynwood à Miami, réputé pour sa scène street art dynamique. Le tirage sérigraphique AP révèle avec clarté l'entrelacement harmonieux de leurs styles et messages artistiques. Le détail méticuleux d'un homme tribal brandissant un couteau ensanglanté, juxtaposé au motif de lotus et de vigne, invite à une introspection sur la dualité de la nature humaine. L'association de motifs tribaux et de motifs floraux classiques suggère non seulement un mélange de tradition et de modernité, mais constitue également une mise en garde. La beauté superficielle de l'œuvre peut séduire le spectateur, mais comme l'a mentionné Fairey lui-même, les sous-entendus sinistres nous incitent à approfondir notre compréhension et à questionner cette fascination. Tirée à seulement 150 exemplaires, cette œuvre a acquis une importance particulière auprès des collectionneurs et des amateurs. La sérigraphie bicolore réalisée à la main sur papier d'art témoigne du dévouement des artistes à leur art. « Pattern of Corruption Black Gold » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire poignant sur la fragilité de la société et les thèmes omniprésents de la corruption et de la sauvagerie humaine, thèmes que Fairey et Peterson ont explorés avec constance dans leurs travaux.

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Achat TITRE Multiple peint à la main original (HPM) sur panneau en bois bercé prêt à accrocher par ARTISTE graffiti street artiste pop art moderne. INFO

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Covid No 19 - Bleue, tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Gel hydroalcoolique Chanel Bleue Covid-19 (variante Virus). Tirage pigmentaire d'archives numéroté, signé et estampillé au verso sur papier d'art MOAB 290 g/m², format 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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High Fashion II Hermès Blotter Print par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression d'art pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2024. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2024. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Haute Couture II Impression buvard Hermès par Denial « High Fashion II Hermès » de Denial, alias Daniel Bombardier, livre une critique acerbe du consumérisme de luxe à travers le prisme du street art et du graffiti. Tirée en 2024 à seulement 35 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 19 x 19 cm est imprimée sur papier buvard perforé et perforée à la main par Zane Kesey. Elle utilise le logo Hermès Paris, immédiatement reconnaissable, et une palette orange éclatante pour souligner le point de rencontre entre symbolisme de la richesse et subversion artistique. Comme souvent chez Denial, l'utilisation de l'iconographie de la mode de luxe rend hommage à la culture de l'aspiration et critique son emprise sur l'identité et l'estime de soi. La mode comme marchandise et toile Dans cette estampe, Denial transforme l'emballage Hermès en un objet de réflexion. Le fond orange, le motif de la calèche et la typographie parisienne à empattements restent visuellement intacts, mais leur présence sur du papier buvard invite à la réinterprétation. Sous la plume de Denial, cette imagerie de marque devient plus qu'un simple élément décoratif. Elle prend une tournure satirique, incitant le spectateur à s'interroger sur la manière dont les marques façonnent le désir et la valeur. En l'appliquant sur un support traditionnellement associé au psychédélisme et aux états de conscience modifiés, l'artiste introduit une nouvelle dimension ironique : sommes-nous si profondément englués dans la société de consommation lorsque les logos de luxe suscitent des réactions émotionnelles ? L'art urbain pop et le graffiti en réponse à la culture du luxe Daniel Bombardier est reconnu pour son art de fusionner une esthétique graphique épurée avec une critique sociale incisive. Son œuvre explore souvent la société de consommation, le capitalisme et la culture de la surveillance, et l'estampe « High Fashion II Hermès » s'inscrit dans cette même thématique. L'œuvre concilie le respect de l'esthétique des marques de luxe et une interrogation sur leur influence psychologique. À l'instar des plus belles réalisations du Street Pop Art et du graffiti, cette estampe bouleverse les espaces traditionnels en détournant les symboles de statut social pour en faire des outils de contestation visuelle. Elle appartient à un courant artistique croissant qui transforme les logos et les marques de créateurs en objets de dialogue plutôt qu'en objets d'adoration. Le logo de luxe comme code culturel High Fashion II Hermès ne dilue pas son message. Au contraire, il le sublime par le contraste. La confrontation entre l'esthétique urbaine et les visuels de la haute couture instaure un dialogue sur le pouvoir, la visibilité et l'accès. Hermès, marque réputée pour sa sobriété et son savoir-faire, se réinvente dans un format associé à l'expression underground et contre-culturelle. Cette transformation redéfinit le luxe, le faisant passer d'un idéal inaccessible à un objet d'analyse critique. L'œuvre de Denial agit comme un miroir graphique, tendu à une société façonnée par ses consommations et ses idoles. À travers cette édition limitée de buvards, Denial fusionne critique et artisanat dans un carré de papier d'une grande force expressive.

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Œuvre d'art Coco Chanel Riskoleum, impression giclée en édition limitée sur papier d'archivage Coventry Rag par l'artiste de graffiti pop culture Risk. Épreuve d'artiste (EA) signée et numérotée. Tirage giclée sur papier d'archivage Coventry Rag. Tirage réalisé sur commande spéciale pour la Fashion Week de Los Angeles 2017, daté de 2016. Signée et numérotée à la main. 45,7 x 35,6 cm Riskoleum : La mode rencontre le graffiti dans une édition limitée hommage L'estampe en édition limitée « Coco Chanel Riskoleum », créée par le pionnier du graffiti Kelly Graval, alias Risk, capture l'énergie de la mode et de la culture urbaine dans une composition saisissante. Réalisée sur commande spéciale pour la Fashion Week de Los Angeles 2017, cette œuvre fusionne l'élégance haute couture de Chanel avec l'authenticité brute de l'iconographie des bombes aérosol. Mesurant 45,7 x 35,6 cm et imprimée sur papier d'archivage Coventry Rag, cette épreuve d'artiste (giclée) est signée à la main et porte la mention « AP », témoignant du caractère exceptionnel de l'œuvre et du support. Dans le style caractéristique de Risk, elle transforme un objet utilitaire – la bombe aérosol – en un support d'expression pour la mode. Fusion emblématique de couleurs et de cultures chez Risk Risk a émergé de la scène graffiti de Los Angeles dans les années 1980 et est devenu une figure centrale de l'intégration du graffiti des rues aux galeries d'art. Son œuvre joue souvent avec l'esthétique du marketing, la théorie des couleurs et le symbolisme populaire. La série Riskoleum, parodie des marques de peinture commerciales, est l'une de ses contributions les plus emblématiques à la fusion du street art, du pop art et du graffiti avec le monde de l'art contemporain. Avec l'édition Coco Chanel, Risk insuffle le luxe à cet univers urbain, mêlant l'élégance iconique de Chanel à la spontanéité de la culture aérosol. La bombe aérosol devient une métaphore de l'expression de soi, de l'émancipation et de la redéfinition du style. Le dialogue entre la mode et le graffiti L'œuvre ne se contente pas d'afficher le nom Chanel. Elle illustre comment les graffeurs ont réinterprété les codes traditionnels de la mode à travers le prisme de la culture urbaine. La superposition de pochoirs, les aplats de couleur et les techniques de pulvérisation utilisées dans le format Riskoleum contrastent fortement avec l'héritage de la haute couture. Pourtant, c'est précisément cette tension qui confère à l'œuvre toute sa force. La superposition de l'influence de Coco Chanel sur un outil d'expression urbain invite à réfléchir à l'évolution du style, issu aussi bien de la rue que des podiums. Risk démontre que graffiti et haute couture ne sont pas des opposés, mais des collaborateurs dans une nouvelle ère visuelle. Une édition de référence pour les collectionneurs et les passionnés de culture Émission d'artiste en édition limitée, cette estampe Riskoleum Coco Chanel se veut à la fois critique et hommage. Commandée pour un événement de mode prestigieux, elle tisse un lien entre le monde du design et l'esprit rebelle du graffiti. Imprimée sur papier Coventry Rag avec des encres d'archivage, la technique giclée confère à l'œuvre profondeur et longévité, tout en préservant les couches vibrantes caractéristiques de Risk. Bien plus qu'un simple jeu visuel, cette œuvre est une affirmation de l'individualité, de la beauté et du pouvoir de l'art à transcender les frontières culturelles. Risk continue d'influencer le débat autour du Street Pop Art et du graffiti, prouvant une fois de plus que le style peut s'exprimer aussi bien par la peinture que par la couture.

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Achetez OBJECT Edition Limitée Designer Collectible Pop Artist Artwork. 2021 Édition limitée de XXX Rare OBJECT Objet Art Taille XXXXXX INFO

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Jeu de dominos dorés, objet d'art créé par Ben Baller, une œuvre d'art pop de collection en édition limitée. Édition limitée 2022 à 2000 exemplaires, jeu de dominos dorés rare, coffret et objet d'art neufs. Réinventer le jeu : le jeu de dominos dorés de Ben Baller comme œuvre d'art. Le jeu de dominos en or de Ben Baller incarne la fusion du luxe et du jeu. Cette édition limitée réinvente le jeu traditionnel à travers le prisme de l'art pop. Seuls 2 000 exemplaires de cette collection rare ont été créés en 2022, chacun témoignant de l'esprit novateur des mouvements artistiques contemporains. Le coffret, véritable œuvre d'art au même titre que les dominos eux-mêmes, arbore le message percutant « THIS IS NOT YOUR PRACTICE LIFE », faisant écho à l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. La transformation d'un jeu classique en objet de collection design reflète la tendance du Street Pop Art à sublimer le quotidien. En intégrant l'or – matériau qui a historiquement symbolisé la richesse et le pouvoir – dans un contexte ludique, Ben Baller invite à une réflexion sur la juxtaposition de la valeur et du divertissement. Ces dominos ne sont pas de simples pièces de jeu, mais de véritables œuvres d'art, chacun offrant d'innombrables combinaisons et possibilités, à l'image de la liberté créative du graffiti. Ce jeu de dominos transcende sa fonction ludique pour entrer dans le domaine de l'art interactif. Conçu pour captiver, il favorise les échanges et offre une expérience tactile enrichissante, tant par son esthétique que par son utilisation. Le coffret doré, neuf, dégage une impression d'exclusivité et suscite l'attente d'un objet encore inconnu. Golden Play : Le jeu de dominos comme symbole de la culture du street art Dans la culture du street art et du graffiti, les symboles et les icônes sont souvent détournés pour remettre en question les perceptions et critiquer les normes sociales. Le jeu de dominos dorés de Ben Baller symbolise la rencontre entre l'art savant et la culture populaire, où le jeu se trouve sublimé dans un objet luxueux. Le jeu devient une toile, reflétant la vision de l'artiste et l'esprit ludique du street art. Il fait également écho à la dimension communautaire du street art : à l'instar des fresques et des tags qui s'intègrent au tissu social du quartier, ce jeu de dominos favorise la convivialité et le partage. Jouer aux dominos est un langage universel, unissant les cultures et les générations, à l'image du street art qui touche un public diversifié. Le logo « BB », signature de la marque Ben Baller, appose sa signature sur cette expérience collective, inscrivant chaque partie dans un récit plus vaste. De plus, ce jeu s'inscrit dans la lignée de l'exploration du consumérisme et de la marchandisation des loisirs propre au mouvement pop art. Il interroge les frontières entre art et objet, entre œuvre d'art et article du quotidien. Ainsi, le jeu de dominos dorés n'est pas qu'un simple objet de jeu, mais témoigne de l'importance culturelle des jeux et de leur rôle dans nos vies. Investissement artistique : Collectionner le jeu de dominos dorés Pour les collectionneurs, le charme du jeu de dominos dorés de Ben Baller réside dans sa double identité : à la fois jeu fonctionnel et œuvre d'art en édition limitée. En tant qu'investissement, il représente la convergence de l'expression artistique et du prestige culturel du design de collection. Ce jeu est emblématique d'une tendance artistique où les frontières entre objets utilitaires et œuvres d'art ne sont pas seulement floues, mais délibérément imbriquées. Son édition limitée à seulement 2 000 exemplaires renforce son statut sur le marché de l'art et des objets de collection. Il devient une pièce recherchée pour sa beauté, son savoir-faire, sa rareté et son potentiel d'appréciation. En tant qu'objet de collection, il raconte une histoire, reflète la vision de l'artiste et immortalise un moment où art et jeu s'harmonisent à la perfection. Le jeu de dominos dorés de Ben Baller est un artefact culturel à la croisée du pop art urbain, du graffiti et du design de luxe. C'est une célébration de l'esprit ludique qui imprègne une grande partie du pop art, une interprétation raffinée d'un jeu intemporel et un hommage à la joie collective des expériences partagées. Ce jeu n'est pas qu'une simple collection de dominos dorés ; c'est un recueil d'art, de jeu et du message universel que la vie, avec tous ses jeux et ses aléas, n'est pas une répétition, mais une scène où s'épanouissent splendeur et spectacle.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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XLARGE x D*FACE - Gris anthracite 1000% BE@RBRICK Édition limitée, œuvre d'art en vinyle Medicom Toy, figurine de collection. 2020 Une collaboration entre l'artiste britannique D*Face et XLARGE : une excellente nouvelle pour les fans de Bearbricks, et plus particulièrement pour les collectionneurs de modèles à 1000 %. Ce design exclusif associe le gorille OG de XLARGE, icône classique de D*Face.

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Gray Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée numérotée de 10 exemplaires (2022) - Illustration pour skateboard - Format 8,25 x 31,87 Naturellement, cet artiste s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine, tout en conservant une pertinence indéniable et en s'attachant à susciter la réflexion. Il explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels, inscrits dans la mémoire collective de la civilisation occidentale. Autrement dit, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Yeux de méduse Noir 2 Lithographie de Takashi Murakami TM/KK Tirage à la main sur papier d'art vergé Édition limitée Œuvre d'art graffiti street pop. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2004. Dimensions de l'œuvre : 50 x 50 cm. Deux styles d'encadrement sont proposés : cadre noir moderne (56 x 56 cm) et cadre beige mat (73 x 73 cm). Jellyfish Eyes Black 2 de Takashi Murakami – Optique flottante dans l'art urbain pop et graffiti La lithographie Jellyfish Eyes Black 2 (2004) de Takashi Murakami s'inscrit dans la continuité de son exploration des motifs récurrents de la vision, de la surveillance et de l'abstraction ludique. Mesurant 50 x 50 cm, cette estampe fait partie d'une édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, éditée sous le label TM/KK. Réalisée sur un papier d'art vergé de qualité supérieure, la composition présente une constellation d'yeux stylisés aux couleurs saturées qui flottent et se fondent sur un fond noir velouté. L'œuvre est proposée avec deux options de présentation : un cadre noir moderne de 56 x 56 cm et un cadre beige mat élégant de 73 x 73 cm, chacun soulignant la fluidité spatiale des formes flottantes de Murakami. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre se révèle à la fois une étude de l'esthétique des surfaces et une méditation philosophique sur la perception et la présence. Le langage animé de la forme chez Murakami La structure visuelle de Jellyfish Eyes Black 2 s'appuie sur l'iconographie de son prédécesseur, déployant une série d'entités flottantes évoquant des globes oculaires, fusionnant animation pop et mouvement organique. Sur un fond noir profond, les formes circulaires semblent pulser et briller, leurs tons et leurs superpositions évoluant subtilement. Chaque figure est construite à partir d'anneaux concentriques de couleurs vives – vert citron, rose poudré, écarlate, turquoise, ocre – ponctués de cils, de gouttelettes et de légères distorsions. Le tissu conjonctif qui relie les yeux rappelle à la fois le mycélium et les voies neuronales, suggérant une intelligence symbiotique ou collective. Dans le lexique du Street Pop Art et du graffiti, cette cartographie d'optiques interconnectées se traduit par une métaphore des réseaux sociaux, de la vision médiatique et de la conscience collective. L'abstraction de Murakami n'est pas aléatoire ; c'est un chaos rigoureusement ordonné, faisant écho au folklore japonais et au futurisme cybernétique. Jeu optique et esthétique superplate Fidèle au manifeste Superflat de Murakami, Jellyfish Eyes Black 2 rejette l'illusion de profondeur spatiale tout en créant tension et superposition. Les yeux sont rendus dans un style graphique, évoquant l'affiche, et faisant référence au design publicitaire ainsi qu'aux techniques de l'anime et du manga japonais. Le support lithographique permet une reproduction des couleurs d'une pureté exceptionnelle, préservant la netteté numérique et la planéité uniforme propres à Murakami. Il en résulte une expérience visuelle où chaque élément rivalise d'égale importance pour capter l'attention, à l'instar des enseignes dans l'espace urbain ou des personnages des fresques de graffiti. Les options d'encadrement influencent également la perception du spectateur : l'une suggère une modernité épurée, l'autre une présentation nostalgique digne d'un musée. Toutes deux soulignent le contraste entre la vocation de collection haut de gamme et la brutalité subculturelle. Les yeux comme agents d'identité et de contrôle Dans Jellyfish Eyes Black 2, les yeux flottants sont à la fois fantaisistes et menaçants. Ils évoquent non seulement l'innocence des personnages animés, mais aussi l'omniprésence de la surveillance et de l'observation numérique. Murakami utilise le symbole de l'œil pour refléter la nature observatrice, documentant et consciente de soi de l'identité moderne. La multiplicité des yeux dans un même espace évoque la fragmentation, la surcharge et l'impossibilité d'échapper au regard – qu'il vienne d'autrui, des institutions ou de nous-mêmes. Dans le domaine du street art et du graffiti, les yeux apparaissent souvent comme des marqueurs de territoire, de vision et d'affirmation spirituelle. Ici, ils deviennent les avatars d'une atmosphère psychologique. L'influence durable de Takashi Murakami sur la culture visuelle pop mondiale Takashi Murakami demeure l'un des artistes les plus influents à la croisée du design commercial, de la peinture conceptuelle et de la culture urbaine. Sa démarche unit les traditions japonaises de l'époque d'Edo à l'immédiateté de la narration visuelle contemporaine. Jellyfish Eyes Black 2 est emblématique de cette approche : d'une simplicité trompeuse, d'une grande richesse et d'une joie envoûtante, elle se situe à la confluence du savoir-faire traditionnel et de l'esthétique hypermoderne, où les mythologies personnelles se mêlent à la culture de consommation numérique. Bien plus qu'un simple objet de collection, cette œuvre est une porte d'entrée vers un cosmos stylisé empreint de symbolisme, d'humour et d'introspection, rendu avec une précision d'impression irréprochable, aussi bien dans la rue que dans les galeries.

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Holy Grails Yeezys Papyrus - Side 2-Color Hand-Pump Diamond Dust Limited Edition Silkscreen Print on Egyptian Papyrus Paper by Marwan Shahin Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée 2022 signée et numérotée à 10 exemplaires, taille 14,25x10, chaussure Yeezy dorée de Kanye West stylisée avec des éléments égyptiens vus de côté, papier papyrus personnalisé. Yeezys Papyrus, le Graal des sneakers – Side by Marwan Shahin : Une convergence dorée entre culture sneaker et héritage ancestral « Holy Grails Yeezys Papyrus – Side » est une sérigraphie en édition limitée de 2022, créée par l'artiste égyptien pop et graffiti Marwan Shahin. Elle fusionne la mythologie moderne des sneakers avec l'esthétique sacrée des civilisations anciennes. Mesurant 36,2 x 25,4 cm et imprimée à la main sur du papyrus égyptien traditionnel, cette œuvre présente le profil d'une sneaker Yeezy, sublimé par l'or et orné d'une riche iconographie. Elle fait partie d'une édition ultra-exclusive de seulement 10 exemplaires, chacun signé, numéroté et authentifié par l'artiste grâce à une puce NFC Fine Art Ledger intégrée – un système d'authentification numérique reliant le monde physique et la blockchain. La stratégie de conception méticuleuse de Shahin transforme la sneaker Yeezy – déjà un artefact culturel symbole de statut, de design et d'influence – en une tapisserie dorée de symbolisme ancien et contemporain. La silhouette est ornée de motifs complexes d'inspiration égyptienne : étoiles, chaînes, géométrie hiéroglyphique, œil omniscient et éléments pointus qui évoquent une énergie à la fois royale et rebelle. Grâce à la poussière de diamant infusée dans la sérigraphie dorée, l'image scintille d'une brillance changeante sous la lumière, lui conférant un éclat précieux, à l'image des trésors antiques des tombeaux. La richesse et le pouvoir symboliques enfermés dans l'iconographie pop Là où la culture sneaker s'articule souvent autour de la rareté, de l'identité et de la performance, Shahin élève la Yeezy au rang d'objet chargé d'une dimension métaphysique et historique. Son design complexe invite à l'interprétation : chaque symbole superposé à la chaussure puise dans des représentations séculaires du pouvoir, de la protection et du prestige. Des éléments tels que les pyramides, les ankhs et des motifs cosmiques se fondent dans les lignes industrielles d'un incontournable de la mode contemporaine, créant un langage visuel hybride qui traverse les époques. L'utilisation du papyrus dépasse la simple esthétique ; elle ancre l'œuvre dans les traditions narratives ancestrales. Historiquement utilisé pour les textes religieux et les décrets gouvernementaux, le papier papyrus confère une gravité spirituelle à un produit moderne qui, dans un contexte différent, en est venu à définir la richesse et l'influence. En choisissant le profil de la Yeezy, Shahin souligne sa reconnaissance et sa forme, transformant la silhouette en un support d'annotation culturelle. Le résultat n'est pas seulement un imprimé pour sneaker, mais un commentaire sur le luxe, la dévotion et l'appropriation culturelle. Le pop art urbain de Marwan Shahin : du Caire aux murs du monde entier L'œuvre de Marwan Shahin explore depuis longtemps la dimension politique de la création d'images. Reconnu pour son utilisation du street art et du graffiti afin de contester les structures autoritaires et d'explorer l'iconographie culturelle, Shahin poursuit son engagement en faveur de la résistance visuelle avec cette pièce. La série « Holy Grails » met en lumière son talent pour fusionner les supports et les significations, positionnant des objets comme la Yeezy non seulement comme des articles de mode ou des objets utilitaires, mais aussi comme des réceptacles d'une identité et d'aspirations complexes. L'ajout d'une authentification numérique souligne le rôle de Shahin en tant qu'artiste contemporain respectueux de la tradition, mais résolument tourné vers l'ère numérique. La puce NFC intégrée à l'œuvre garantit sa provenance et son authenticité, lui permettant d'exister simultanément comme un objet physique rare et un objet de collection authentifié numériquement. Cette dualité – artisanat analogique et sécurité numérique – reflète la thématique de l'œuvre, qui vise à faire le lien entre les époques et les idéologies. Une relique moderne de l'alchimie artistique La Yeezy Papyrus – Side de Holy Grails symbolise avec force la manière dont les objets de luxe modernes, tels que les baskets, ont acquis des rôles autrefois réservés aux artefacts religieux et aux insignes royaux. À travers son regard artistique singulier, Shahin fait de la Yeezy de Kanye West un symbole culturel et un objet sacré, conférant à sa surface une gravité historique et une pertinence urbaine indéniable. Par sa rareté, sa fabrication artisanale et sa finition éclatante, cette pièce offre bien plus qu'un impact visuel : elle invite à une réflexion sur le culte des objets, l'héritage artistique et la façon dont l'art contemporain continue de redéfinir le langage visuel des valeurs et des croyances.

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Planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo - Édition limitée noire, illustration de la marque Supreme. SS21 2021 - La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo rouge arbore le logo classique de KAWS, déjà vu lors de sa précédente collaboration avec Supreme. Le logo s'étend sur toute la largeur de la planche et a été lancée le 18 février 2021, pour la saison printemps/été 2021 de Supreme. Planche de skate Supreme KAWS Chalk Logo style pop art urbain La rencontre entre le streetwear et l'art est une caractéristique déterminante du Street Pop Art et du graffiti modernes, et la planche de skateboard « Supreme KAWS Chalk Logo Deck - Black Limited Edition » s'inscrit pleinement dans cette fusion culturelle. Fruit d'une collaboration entre Supreme, la marque emblématique reconnue pour son influence considérable sur le streetwear, et KAWS, artiste dont le travail a fait le pont entre l'art et le design commercial, cette planche arbore le logo KAWS classique, symbole de l'esprit du temps, fusionnant art et fonctionnalité. Le logo, présent sur toute la largeur de la planche, affirme avec audace la dimension universelle du street art. Sortie le 18 février 2021 dans le cadre de la collection Printemps/Été 2021 de Supreme, cette pièce était bien plus qu'une simple planche de skateboard : un véritable support d'expression artistique. Collaboration artistique et impact culturel Cette collaboration entre KAWS et Supreme souligne la relation réciproque entre streetwear et art urbain. Autrefois incontournable de la culture urbaine, le skateboard s'est transformé en une œuvre d'art de collection, porteuse de l'héritage des deux marques. La planche KAWS Chalk Logo Deck mêle l'art et la fonctionnalité, devenant un point de convergence des réflexions sur la nature et la valeur de l'art contemporain dans le monde commercial. La sortie de cette planche lors de la saison printemps-été 2021 témoigne d'une période où le monde de l'art et l'industrie de la mode se tournaient vers un monde post-pandémique, cherchant à affirmer leur identité à travers leurs créations. Le choix du logo à la craie, évoquant le caractère éphémère du graffiti, suggère une réflexion sur la nature transitoire de l'art urbain et des tendances de la mode. Pourtant, en l'intégrant à un support durable comme une planche de skateboard, la pièce souligne également l'impact pérenne de ces expressions culturelles. Les planches de skateboard comme médiums artistiques dans le pop art urbain Les planches de skateboard sont devenues un support de prédilection du Street Pop Art, offrant aux artistes une surface unique, intrinsèquement liée à la culture jeune, à la rébellion et à la vie urbaine. La planche Supreme KAWS Chalk Logo illustre parfaitement comment ces objets du quotidien peuvent être élevés au rang d'œuvres d'art, transformant le commun des mortels en objet prestigieux. Son édition limitée renforce son attrait, créant un sentiment de rareté souvent exploité dans le monde de l'art pour susciter la demande et l'intérêt. Le fond noir du logo à la craie crée un contraste saisissant, mettant ainsi en valeur le design iconique de KAWS. Cette stratégie visuelle est caractéristique de l'approche de KAWS, où la simplicité des couleurs souligne la complexité de ses figures et motifs. Cette collaboration n'est pas une simple fusion de deux marques, mais une véritable alchimie de leurs philosophies et langages esthétiques respectifs, donnant naissance à un produit à la fois fonctionnel et emblématique. La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo témoigne du dynamisme du Street Pop Art. Elle capture une époque où les frontières entre art et commerce, espaces publics et privés, culture savante et culture underground s'estompent et s'entremêlent inextricablement. Elle nous rappelle que l'art peut se trouver dans les lieux les plus inattendus et que la rue demeure une source d'inspiration essentielle pour les mouvements artistiques contemporains.

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Chaises Eames n° 1, édition limitée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par Zane Thomas, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Rolex Designer Drugs PP Printers Proof Skateboard Art Deck par Denial - Daniel Bombardier Limited Edition Archival Print on Wood Skateboard Deck par Street Artwork Graffiti Artist. Épreuve d'imprimeur PP 2018, marquée PP, édition limitée, signée, certificat d'authenticité, œuvre d'art pour skateboard, format 8x31, planche de skateboard ornée du logo Rolex en forme de pilule. La planche de skateboard Rolex Designer Drugs PP Printers Proof témoigne de la fusion entre culture urbaine, art contemporain et image de marque emblématique. Minutieusement conçue par Denial, pseudonyme de l'artiste canadien Daniel Bombardier, cette pièce allie l'esprit subversif du street art et du graffiti au prestige d'une marque de luxe – une juxtaposition récurrente dans le monde du pop art. La capacité de Denial à tisser ces éléments apparemment disparates révèle son sens aigu de la culture, de l'ironie et de la puissance des symboles dans notre société de consommation actuelle. Cette pièce de 2018, portant la mention « PP Printers Proof », atteste de son exclusivité en tant qu'édition limitée. Ces épreuves sont des versions préliminaires de l'œuvre imprimée, offrant un aperçu du processus créatif de l'artiste et garantissant la qualité des tirages finaux. De plus, elle est accompagnée d'un certificat d'authenticité et signée, offrant aux collectionneurs un lien tangible avec Denial lui-même. Mesurant 8 x 31 pouces, cette planche de skateboard est bien plus qu'une simple toile : c'est un symbole de la culture urbaine. Si le choix de cette planche peut paraître inhabituel pour de nombreux artistes traditionnels, il s'inscrit parfaitement dans l'univers du street art et du graffiti, cher à Denial. Au centre de l'œuvre, le logo Rolex est revisité sous la forme d'une pilule. Cette représentation interroge l'obsession de la société pour le luxe et les extrémités auxquelles certains sont prêts à aller pour atteindre ou afficher leur richesse. L'utilisation de la pilule, symbole de solutions rapides et d'euphorie éphémère, soulève des questions sur la nature fugace du luxe et la pression sociale exercée par les marques. Brillante fusion de culture pop, de marques de luxe et de street art, la planche de skateboard « Rolex Designer Drugs » de Denial est bien plus qu'un simple régal pour les yeux. C'est une critique, un dialogue et un témoignage de l'évolution de l'art au XXIe siècle.

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JP the Money Bear Wave Deck - Impression pigmentaire d'art en édition limitée jaune sur planche de skateboard naturelle pressée à froid par l'artiste de rue et de graffiti King Saladeen. Édition limitée 2019 à 250 exemplaires, signée, avec certificat d'authenticité, neuve sous emballage.

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Royal Selangor - Steampunk 400% Bearbrick BE@RBRICK Édition Limitée Jouet d'Art en Métal Étain Figurines d'Art Urbaines de Collection Le BE@RBRICK ROYAL SELANGOR Édition Spéciale 400% Steampunk se distingue par son placage métallique riveté en trompe-l'œil, évoquant le grondement guttural d'une chaudière à charbon, le sifflement de la vapeur et tout le romantisme de l'ingénierie du XIXe siècle. Moulé en étain et doté d'une finition bronze traitée au graphite pour simuler le fer patiné, il révèle, par endroits, les mécanismes internes en étain, composés de jauges et de conduits, grâce à des panneaux manquants. Ce BE@RBRICK de MEDICOM TOY, un ours anthropomorphe aux allures de dessin animé, a fait ses débuts à Tokyo en 2001. Depuis, ce jouet design a acquis un statut culte international, notamment grâce à ses déclinaisons en divers matériaux, tailles et thèmes, ainsi qu'à ses collaborations avec de nombreuses figures emblématiques de l'art, du design et de la mode. https://youtu.be/fkBpxS3Twrw

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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Les Douze : Portez vos Jays - Jordan 9 - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art par Eric Pagsanjan, artiste de rue. Signée et numérotée. Sérigraphie, édition limitée à 23 exemplaires, réalisée pour ComplexCon Chicago 2019. Dimensions : 28 x 22 cm.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Gold 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection par Bape - A Bathing Ape x Medicom . 2022 A Bathing Ape Bearbrick Rare à collectionner , neuf en boîte

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Albino & Preto & Stash 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection Art. 2022 Neuf dans sa boîte scellée Albino x Preto x Stash x Medicom

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Planche Fat Tip Deck - Édition limitée noire, design de la marque Supreme Planche de skate Supreme FW22 2022 en placage naturel et contreplaqué noir. Motif logo imprimé sur le dessous, logo World Famous et logo box imprimés sur le dessus.

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Figurine de collection BE@RBRICK Édition limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Emotionally Unavailable Gradient 100% & 400%. 2022 Sans blague. Le set Be@rbrick à dégradé 400 % et 100 % comprend notre logo cœur fondant illuminé à l'intérieur du torse, alimenté par piles.

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JP Money Bear, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue King Saladeen. Boîte d'affichage personnalisée de 25 cm de haut (10 pouces) avec illustrations et panneaux en mousse $ (édition 2021) « Bonjour, je suis JP l'Ours Argenté, inspiré par John « JP » Thompson, le meilleur ami du Roi Saladeen, décédé d'un cancer du cerveau en 2013. Il a été ma principale source de motivation pour prendre ma passion pour l'art au sérieux, et il n'a cessé de me répéter que j'étais un roi, même quand j'en doutais ! Ce n'est pas un jouet, c'est un morceau de ma vie, une des raisons pour lesquelles je crée et j'inspire les autres à donner le meilleur d'eux-mêmes. Il m'a montré les plus beaux moments de la vie et que, grâce au travail d'équipe et à la foi, tout est possible ! JP vit à jamais à travers mon art ! Exposé pour la toute première fois à la Complex Con, le 3 novembre 2018, jour de l'anniversaire de JP. Ceci est uniquement destiné à des fins de motivation et d'inspiration. Créons ensemble pour sortir de l'obscurité avec couleur, style et individualité. Aimez ce que vous faites. » – Roi Saladeen

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