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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Companion Flayed - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Le Compagnon écorché : une icône de l'héritage du Street Pop Art de KAWS La figurine en vinyle « The Companion Flayed Black Limited Edition » incarne l'apogée de l'influence de KAWS sur le pop art et le street art modernes. Dévoilée en 2016, cette pièce est une réinterprétation profonde de la figure la plus emblématique de l'univers artistique de KAWS : le Companion. L'artiste a réinventé ce personnage à de multiples reprises, chaque version révélant une nouvelle facette de sa symbolique. La version « Flayed », notamment dans sa teinte noire intense, invite le spectateur à scruter les profondeurs, au sens propre comme au figuré, et à explorer les différentes strates qui composent cette icône contemporaine. Mesurant 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, « The Companion Flayed » témoigne du talent de KAWS pour manipuler la forme et le contenu afin de créer des œuvres qui parlent à une génération maîtrisant le langage visuel du design, de la culture pop et de l'esthétique urbaine. Cette série, comprenant des versions complètes et écorchées du personnage classique, a été lancée à l'occasion de l'exposition de KAWS « Where The End Starts » à Fort Worth, au Texas. Hautes de 28 cm, ces figurines étaient disponibles via KAWSONE, le MoMA et le Musée d'art moderne de Fort Worth, marquant un tournant important dans la reconnaissance institutionnelle du street art. Le rôle de Companion Flayed dans le dialogue du pop art urbain L'œuvre « Companion Flayed » de KAWS est bien plus qu'un objet de collection ; c'est une pièce qui invite à la réflexion et qui explore les frontières entre le street art, le pop art et le graffiti. Elle témoigne du talent unique de KAWS pour parcourir tout le spectre des arts visuels, des tags anonymes aux sculptures de renommée internationale. La version « écorchée », révélant toute sa richesse intérieure, peut être perçue comme une déconstruction du personnage lui-même et de la culture dont il est issu. Le noir de la figure contraste avec les détails colorés de son intérieur, créant un dialogue visuel entre le visible et l'invisible, entre l'apparence et la complexité interne. La diffusion de cette série à travers d'importantes institutions artistiques et la plateforme KAWSONE reflète l'évolution du paysage culturel, où l'art urbain trouve autant sa place au musée que sur les murs de la ville. Elle souligne la fluidité de l'art de KAWS, capable de susciter un sentiment de familiarité tout en interrogeant les perceptions par sa forme déconstruite. Cette caractéristique est devenue un thème récurrent dans son œuvre. L'influence de KAWS sur le mouvement des jouets d'art et au-delà La figurine en vinyle « Companion Flayed Black Limited Edition » est emblématique de l'influence de KAWS sur le mouvement émergent des art toys. Ce mouvement considère le jouet comme un support d'expression artistique, un médium permettant à l'artiste d'explorer la forme, le concept et l'accessibilité de manière inédite. Grâce à des figurines comme « Companion Flayed », KAWS a joué un rôle essentiel en repoussant les limites de ce mouvement, attirant l'attention non seulement des milieux du street art et du graffiti, mais aussi de la communauté artistique et de la culture populaire au sens large. La sortie de cette pièce de collection en édition limitée et ouverte témoigne de la vision démocratisante de l'art prônée par KAWS. Si chaque exemplaire possède un attrait exclusif, le format de cette édition limitée garantit sa diffusion auprès d'un public diversifié, en accord avec l'esprit d'accessibilité propre au street art. Avec son visage distinctif aux yeux croisés et ses yeux barrés d'une croix, le Companion Flayed a transcendé son rôle de simple marchandise pour devenir une pierre angulaire essentielle de l'art contemporain, incarnant l'interaction entre culture de masse et art savant qui définit l'œuvre de KAWS.

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Dissection de Schtroumpf - Feuille d'anatomie n° 27 - Tirage à la main - Sérigraphie en édition limitée 1 couleur sur papier Munken Pure 300 g/m² par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2018, format 11x17 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 200 exemplaires. Année : 2018. Estampille et cachet d’authenticité. Numéroté et signé par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie des personnages de dessins animés de la culture populaire. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’intéresser aux détails de l’anatomie des personnages de dessins animés.

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Companion Flayed - Figurine de collection en vinyle gris en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Exploration du compagnon Flayed Grey de KAWS « The Companion Flayed Grey » de KAWS est une œuvre majeure dans l'histoire de l'art urbain. Artiste pop contemporain, KAWS a redéfini les frontières du street art et du graffiti, les hissant au rang d'œuvre d'art à part entière et d'objet de collection. Cette édition limitée ouverte de 2016 illustre parfaitement son talent. Elle se présente sous la forme d'une figurine de 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, conservée dans son emballage d'origine intact, pour le plus grand plaisir des collectionneurs et des amateurs d'art. « Companion » est devenu un emblème de l'œuvre de KAWS, déclinant le personnage sous différentes formes et à travers divers médiums. La version « écorchée » réduit le personnage à son essence même et révèle la vulnérabilité et la complexité sous-jacente que le street art cherche souvent à exprimer. Sortie à l'occasion de son exposition « Where The End Starts » à Fort Worth, au Texas, la figurine Companion Flayed Grey a été distribuée par KAWSONE, le MoMA et le Modern Art Museum of Fort Worth, et mesure 11 pouces de haut. Importance du Compagnon Écorché dans le Street Pop Art « The Grey Flayed Companion » témoigne de l'évolution du pop art urbain. En présentant une figure traditionnellement fantaisiste et ludique sous une forme déconstruite, KAWS invite les spectateurs à méditer sur la fragilité de la vie et la nature souvent robuste et vibrante du street art. La teinte grise de cette figurine confère à l'œuvre une tonalité sombre, reflétant peut-être la jungle de béton qui caractérise souvent le street art. Pourtant, elle ne se réduit pas à une simple représentation du street art, mais se positionne comme un artefact qui fait le lien entre objets de collection et art significatif. Cette figurine est importante par son esthétique et son rôle dans le débat plus large sur ce qui constitue l'art dans l'espace public. En élevant le Companion au rang d'œuvre digne d'un musée tout en préservant ses racines dans la culture urbaine, KAWS questionne et élargit la définition du pop art urbain. Grâce à sa présentation dans des lieux prestigieux, « The Companion Flayed Grey » souligne la porosité des frontières entre art commercial et beaux-arts. Série complémentaire de KAWS : Une réflexion sur les objets de collection modernes La série Companion, et plus particulièrement l'édition Flayed Grey, témoigne de l'intérêt croissant pour les art toys en tant qu'objets de collection à part entière. La capacité de KAWS à captiver l'imaginaire collectif avec ses figurines Companion a rehaussé le statut des art toys, les plaçant au même rang que les œuvres d'art traditionnelles. La conception et la production méticuleuses du Flayed Companion Grey, dont l'anatomie détaillée est visible sous une surface translucide, illustrent le dévouement de KAWS à l'artisanat et à la profondeur conceptuelle de son travail. Proposé en édition ouverte, le Companion Flayed Grey rend l'œuvre de KAWS accessible à un public plus large, en accord avec la nature démocratique du street art. Il incarne la fusion entre l'esthétique du pop art urbain et le potentiel de collection des éditions limitées. Ainsi, le Companion Flayed Grey est bien plus qu'une simple icône culturelle qui capture l'essence de l'impact de KAWS sur le monde de l'art et son rôle de pionnier dans le mouvement du street art.

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Devil Nerm Nermal Édition Limitée Anatomie Figurine de Collection Art en Vinyle Œuvre d'Art de l'artiste de graffiti de rue Rip N Dip. Édition limitée 2022 à 500 exemplaires, figurine en vinyle de 14 pouces représentant le diable Nerm Nermal, jouet d'art disséqué Terminator.

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Companion Flayed - Figurine de collection en vinyle rouge blush, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Le compagnon de KAWS écorché en rouge blush : une expression vibrante du pop art urbain La figurine « The Companion Flayed in Blush Red » est une pièce maîtresse de l'œuvre foisonnante de KAWS, le célèbre artiste pop contemporain. Intégrée à une vaste série lancée en 2016, cette édition limitée et ouverte captive par sa couleur saisissante et son design complexe. Conservée dans son emballage d'origine scellé, la figurine mesure 26,7 x 11,4 x 6,4 cm et illustre avec force l'interaction entre l'esthétique du street art et le marché des objets de collection. KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, a bâti sa réputation sur la création de figurines profondément imprégnées des motifs du Street Pop Art et du graffiti. « The Companion », sans doute sa création la plus emblématique, a été réinterprétée sous diverses formes, chacune révélant une facette différente de son caractère et de la philosophie de l'artiste. Les versions « écorchées », comme celle-ci en rouge blush, dévoilent la structure interne de la figurine, offrant une dissection à la fois littérale et figurative de sa forme. La résonance culturelle de la série Companion de KAWS L'édition Companion Flayed Blush Red incarne un moment culturel majeur pour KAWS et le monde de l'art en général, coïncidant avec son exposition acclamée « Where The End Starts » à Fort Worth, au Texas. À l'instar des autres figurines de la série, elle mesure 28 cm de haut, dégageant une présence à la fois imposante et intime. Diffusée sur des plateformes telles que KAWSONE, le MoMA et le Musée d'Art Moderne de Fort Worth, la série Companion témoigne de la reconnaissance et de la célébration de l'art urbain au sein d'espaces artistiques prestigieux. La série Companion Flayed, avec son intérieur exposé et vibrant, offre une réflexion puissante sur la nature de l'exposition émotionnelle et physique. La teinte rouge blush ajoute une dimension de chaleur et de connexion, contrastant avec la perception souvent froide et impersonnelle du street art. KAWS joue avec la dichotomie entre le moi intérieur et l'image extérieure, invitant à contempler la complexité de l'identité et les façades que nous arborons. Impact et potentiel de collection des Flayed Companions de KAWS L'édition Companion Flayed Blush Red est non seulement une pièce visuellement saisissante, mais aussi un objet de collection de grande valeur. Le choix d'une édition ouverte témoigne de la volonté de KAWS de démocratiser l'accès à l'art, permettant ainsi à un plus grand nombre de passionnés de posséder une part de sa vision. Cette démarche s'inscrit dans l'esprit du street art, qui met traditionnellement l'accent sur l'accessibilité et l'engagement communautaire. Avec son emballage intact et son état impeccable, cette édition particulière est un objet très recherché, tant par les collectionneurs de jouets d'art moderne que par les admirateurs de KAWS. Son attrait esthétique et son importance dans l'histoire du street art et du graffiti en font une œuvre aux multiples facettes, à la fois un artefact culturel et un témoignage de l'influence durable de KAWS sur l'art contemporain. Le Companion Flayed Blush Red affirme avec audace la porosité des frontières entre art commercial, culture urbaine et beaux-arts, une frontière que KAWS explore avec une finesse inégalée.

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Wazzbone Squad Série 12 Édition Limitée Figurine de Collection en Vinyle Art Œuvre d'Art de l'artiste sculpteur de jouets Jason Freeny. Figurine de 30 cm en ABS, PVC et alliage. Produite par LAMTOYS et Mighty Jaxx. Design : Jason Freeny, INSON-SONG et HEBZ. WAZZUPbaby rencontre le style décalé et provocateur de Jason Freeny ! En collaboration avec la WAZZUPfamily, Jason Freeny nous dévoile l'essence même du streetwear, de l'intérieur comme de l'extérieur ! Inspirée par la culture urbaine et les sports extrêmes, la série WAZZBONE Squad célèbre la liberté, la créativité et l'expression personnelle. Affirmez votre style avec cette figurine de 30 cm au look caméléon vert fluo !

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Medivac - Blue Labbit - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante bleue représentant un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Tirages d'art en édition limitée, réalisés à partir de pigments d'archives, sur papier d'art Bauhaus Cotton, par Ben Frost, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. « Tigger sous Zoloft », tirage numérique d'archive sur papier Bauhaus Photo Rag 310 g/m² 100 % coton, gaufré, signé et numéroté par Ben Frost, 30 cm x 30 cm (12 x 12 pouces), Melbourne, Australie. Édition limitée à 50 exemplaires. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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Anatomie du requin, œuvre d'art, impression giclée en édition limitée sur papier aquarelle italien pressé à chaud, par Max Dalton, artiste de graffiti de la culture pop. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans. La deuxième édition estivale du festival novateur Sea Walls : Murals for Oceans, organisé par PangeaSeed, se tiendra du 17 au 26 juillet 2015 à Cozumel, au Mexique. Sea Walls : Murals for Oceans est le premier mouvement du genre à œuvrer pour la protection des océans grâce à l'art public et à l'activisme (ARTivisme). Pour cette deuxième édition, PangeaSeed présentera plus de 25 artistes contemporains de renommée internationale qui collaboreront afin de mettre en lumière les enjeux environnementaux urgents des océans, tout en sensibilisant et en inspirant les individus et les communautés à la protection de l'écosystème le plus précieux de la planète : l'océan.

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Supreme Gucci Smashup Pill - Transfert d'impression pigmentaire d'archives en édition limitée Inverse Fine Art sur planche de skateboard naturelle pressée à froid par l'artiste de graffiti de rue Denial - Daniel Bombardier. Édition limitée numérotée de 50 exemplaires (2022) - Illustration de skateboard - Format 8,25 x 32 pouces Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8,25 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022. Du logo Gucci à ceux de Louis Vuitton et Supreme, en passant par les parfums Chanel et les cartes de crédit, il utilise ces produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. Il les recontextualise ainsi et les transforme de simples objets commerciaux en éléments de son héritage culturel.

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Estampe typographique « The Swan Nurse » de Camille Rose Garcia, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, style graffiti, street art et pop. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires (2020). Œuvre d'art de format 8x10, impression typographique, Art Printmas 2020 représentant un cygne-oiseau monstrueux stylisé et effrayant déguisé en infirmière. Estampe typographique « L'infirmière cygne » de Camille Rose Garcia L'estampe typographique « L'Infirmière Cygne » de Camille Rose Garcia est une œuvre à la fois envoûtante et fantaisiste, mêlant surréalisme et esthétique audacieuse et provocatrice du Street Pop Art. Lancée en 2020 dans le cadre de la série Art Printmas, cette œuvre d'art de 20 x 25 cm est imprimée sur du papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, soulignant ainsi sa qualité artisanale. L'image représente un cygne stylisé, réinventé de façon grotesque en une infirmière sinistre, avec des traits exagérés, des accents gothiques et un costume orné d'un nœud papillon. Signée et numérotée dans une édition limitée à 100 exemplaires, cette estampe illustre la capacité de Garcia à créer des récits profondément captivants grâce à sa vision artistique unique. Camille Rose Garcia : Une visionnaire du surréalisme pop Camille Rose Garcia est reconnue pour son talent à mêler thèmes sombres et imagerie ludique, créant des œuvres qui suscitent à la fois curiosité et introspection. Née en 1970 à Los Angeles, son travail puise son inspiration dans les dessins animés anciens, la littérature dystopique et les mouvements artistiques surréalistes. À travers son style singulier, Garcia critique souvent le consumérisme, la dégradation de l'environnement et les constructions sociales, utilisant des personnages fantastiques et des décors oniriques pour exprimer son propos. « L'Infirmière Cygne » est un exemple frappant de son art de la narration. Le cygne, souvent associé à l'élégance et à la beauté, se métamorphose ici en une figure macabre aux traits acérés, aux proportions exagérées et au regard menaçant. Le costume d'infirmière, coiffé d'une toque ornée d'une croix médicale, ajoute une dimension inquiétante et ambiguë à l'œuvre, incitant le spectateur à s'interroger sur son sens. Cette juxtaposition d'innocence et de menace est une marque de fabrique du travail de Garcia, soulignant sa capacité à remettre en question les interprétations traditionnelles de la beauté et de la moralité. Le savoir-faire de l'impression typographique La technique d'impression typographique employée pour « The Swan Nurse » confère à l'œuvre une richesse tactile et un charme vintage. En pressant l'encre sur les bords frangés du papier Coventry Rag Fine Art de 290 g/m², cette méthode traditionnelle crée un fini texturé et gaufré qui met en valeur les détails complexes de l'illustration. La palette monochrome, rendue à l'encre noire profonde, amplifie les contrastes saisissants et le trait dramatique, laissant l'expression troublante du cygne dominer la composition. Le choix du papier frangé ajoute une touche artisanale à l'estampe, la rattachant davantage aux traditions du Street Pop Art. Cette importance accordée au savoir-faire est en accord avec la philosophie de Garcia, qui consiste à élever ses créations fantastiques au rang d'œuvres d'art intemporelles, fusionnant techniques classiques et thèmes modernes. L'infirmière cygne comme symbole du pop art urbain « L’Infirmière Cygne » est une œuvre saisissante, véritable illustration du Street Pop Art. Elle utilise un personnage surréaliste et légèrement grotesque pour explorer les thèmes de la transformation, de l’autorité et de l’inquiétante étrangeté. En réinventant le cygne – symbole de grâce et de pureté – sous les traits d’une infirmière inquiétante, Garcia bouleverse les attentes et plonge le spectateur dans un univers où beauté et menace coexistent. L’esthétique à la fois ludique et troublante de l’œuvre est caractéristique du Street Pop Art et de sa capacité à interpeller et à susciter la réflexion. Cette estampe en édition limitée est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est une création narrative riche qui invite le public à en explorer les multiples niveaux de signification. Son format 20 x 25 cm et son tirage exclusif de 100 exemplaires en font une pièce de collection idéale pour les amateurs de l’œuvre de Camille Rose Garcia et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre beaux-arts et commentaire urbain. « L’Infirmière Cygne » témoigne de la maîtrise de Garcia dans l’alliance du savoir-faire, de la narration et de l’impact visuel, confirmant ainsi son statut d’œuvre majeure du Street Pop Art contemporain.

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Medivac - Orange Labbit - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante orange représentant un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Dextroamphétamine Black Beauty The Prisoner Bear Art Toy par Luke Chueh, œuvre d'art en vinyle en édition limitée d'un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017 à 500 exemplaires, accompagnée d'un emballage en coton, d'un sac et d'un tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) est un problème de santé mentale qui peut se développer après avoir vécu ou été témoin d'un événement potentiellement mortel tel qu'un combat, une catastrophe naturelle, un accident de voiture ou une agression sexuelle. Par ailleurs, la dépendance aux médicaments sur ordonnance comme le Percocet a engendré de nombreux problèmes d'addiction. Dextroamphétamine Black Beauty Le Prisonnier de Luke Chueh : Une sombre réflexion sur la dépendance dans l’art urbain pop et le graffiti « Dextroamphétamine Black Beauty The Prisoner » est une figurine d'art en vinyle en édition limitée, créée par l'artiste Luke Chueh en 2017. Tirée à 500 exemplaires, cette figurine fait partie de la série « Prisoner », qui transpose la puissante peinture de Chueh en une sculpture tridimensionnelle. Chaque exemplaire est accompagné d'un sac doublé de coton et emballé dans un tube orange, façon ordonnance, orné d'une étiquette pharmaceutique fictive. Cette version particulière, intitulée « Black Beauties », fait référence à l'expression argotique désignant les médicaments stimulants comme la dextroamphétamine, autrefois utilisés pour traiter le TDAH et la narcolepsie, mais aussi largement détournés de leur usage initial pour leurs effets euphorisants et énergisants. La figurine représente l'ours emblématique de Chueh, assis, les bras enlacés autour de ses pattes, le corps affaissé dans une posture de désespoir silencieux. Dans cette version en vinyle noir, le personnage devient encore plus sombre et obsédant, amplifiant les thèmes sous-jacents de captivité émotionnelle et de dépendance aux substances synthétiques présents dans l'œuvre. La couleur comme poids psychologique et symbolisme La couleur noire de cette figurine, associée à l'inscription « Black Beauties » sur l'étiquette, suscite une réaction émotionnelle directe liée à l'obscurité, à l'isolement et à l'intensité. Si les versions précédentes du Prisonnier utilisaient la couleur pour représenter l'engourdissement ou la sédation, cette édition intensifie la métaphore en embrassant les codes visuels de la détresse intériorisée. La figurine, enfermée dans son tube de pharmacie orange transparent, apparaît comme un état émotionnel piégé, incapable de s'exprimer ou de bouger. Ses yeux sont réduits à de petits points blancs vides qui contrastent avec le corps noir mat, lui conférant une apparence fantomatique et repliée sur elle-même. Cette contradiction visuelle, entre la forme adorable et sa forte charge émotionnelle, est une caractéristique de la contribution de Luke Chueh au Street Pop Art et au graffiti. Le jouet devient un lieu de tension, où l'esthétique de la culture des objets de collection rencontre les réalités émotionnelles de la santé mentale, de la dépendance et de la pression sociale. L'expression de la douleur par Luke Chueh à travers le minimalisme du vinyle Luke Chueh, artiste basé à Los Angeles, s'est imposé sur la scène du street art et du pop art grâce à ses personnages à la fois profondément personnels et accessibles. Son art reflète la douleur silencieuse que beaucoup ressentent en secret, donnant forme à des états d'âme souvent indicibles. La série « Prisoner », et plus particulièrement cette édition « Black Beauty », explore la manière dont les traumatismes et le syndrome de stress post-traumatique sont traités médicalement, et comment la dépendance aux substances – qu'il s'agisse de stimulants, d'opioïdes ou autres – peut devenir une forme d'enfermement. Les ours en vinyle de Chueh ne sont pas de simples symboles émotionnels ; ils témoignent visuellement de la fragilité humaine, rendus avec un minimalisme saisissant et une posture puissante. Son travail réintègre l'art du jouet dans le cadre du street art, du pop art et du graffiti, démontrant que de petites sculptures, de la taille d'une main, peuvent avoir autant de force expressive que de grandes fresques ou installations. La série des prisonniers et le langage des médicaments comme objet d'art « Dextroamphétamine Black Beauty The Prisoner » transforme la culture pharmaceutique en une forme d'art tactile qui, tout en la documentant, la critique. L'emballage imite de véritables flacons de médicaments, avec de fausses instructions et des informations de contact, renforçant l'idée que cet objet n'est pas extérieur au discours médical de la société, mais qu'il en fait partie intégrante. Ce mode de présentation ajoute de la profondeur et renforce l'intégrité conceptuelle de l'œuvre. Limitée à 500 exemplaires, chaque figurine devient un commentaire de collection sur les réalités des traitements chimiques modernes, les attentes sociales et la souffrance indicible. Au sein du mouvement plus large du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre confirme la position de Luke Chueh comme un artiste qui utilise la douceur pour explorer la violence et qui donne un langage sculptural aux conditions émotionnelles et pharmaceutiques de la vie contemporaine. L'ours reste immobile, mais son silence est assourdissant.

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Supreme Gucci Smashup Pill - Red Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial- Daniel Bombardier. Édition limitée numérotée de 100 exemplaires (2022) – Illustration de skateboard – Format 8,25 x 32 pouces Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8,25 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022. Du logo Gucci à ceux de Louis Vuitton et Supreme, en passant par les parfums Chanel et les cartes de crédit, il utilise ces produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. Il les recontextualise ainsi et les transforme de simples objets commerciaux en éléments de son héritage culturel.

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Companion Flayed - Figurine de collection en vinyle marron, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Dévoilement du compagnon Flayed Brown de KAWS La figurine de collection Companion Flayed Brown Limited Edition en vinyle est une pièce unique dans l'œuvre de KAWS, artiste dont l'influence imprègne le pop art moderne, le street art et le graffiti. Sortie en 2016 dans une série très attendue, cette pièce présente une version écorchée du personnage Companion de KAWS. Cette icône a été réinterprétée à travers de nombreux supports au fil des ans. Présentée dans son emballage d'origine scellé, cette figurine est disponible en édition limitée ouverte et mesure 26,7 x 11,4 x 6,4 cm. La série Companion est sans doute l'aspect le plus emblématique du travail de KAWS, incarnant la fusion entre la culture urbaine et les beaux-arts. Les versions écorchées, comme cette édition brune, offrent un aperçu saisissant de la complexité intérieure du personnage, juxtaposant la vulnérabilité à l'attitude stoïque de la figurine. Mesurant 11 pouces de haut, ces figurines ont été lancées en parallèle de l'exposition « Where The End Starts » de KAWS à Fort Worth, au Texas, par l'intermédiaire de divers points de vente prestigieux, dont KAWSONE, le MoMA et le Musée d'art moderne de Fort Worth. Le compagnon Flayed Brown dans le contexte du pop art urbain « The Companion Flayed Brown » s'impose comme une pièce de collection très recherchée et un commentaire significatif au sein du street art et du graffiti. Cette œuvre s'inscrit dans la continuité de l'exploration par KAWS des profondeurs émotionnelles et narratives de ses personnages, un thème récurrent dans son œuvre. La teinte brune de la figure évoque l'authenticité et la dimension terrestre souvent associées au street art, ancrant ce personnage par ailleurs éthéré dans la réalité du monde physique. À l'instar des autres œuvres de KAWS, cette édition établit un lien tangible entre les débuts de l'artiste dans le graffiti et son ascension sur le marché international de l'art. La diffusion d'une telle œuvre par des institutions culturelles de premier plan souligne la reconnaissance et l'acceptation de l'art inspiré du street art au sein des cercles artistiques officiels. « The Companion Flayed Brown » constitue ainsi une étape importante dans la carrière de KAWS et un symbole de l'évolution de la perception du street art dans la culture contemporaine. KAWS et l'évolution des jouets d'art Le Companion Flayed Brown de KAWS symbolise l'évolution du mouvement des art toys, brouillant les frontières entre jouet et œuvre d'art. La conception soignée de cette pièce de collection, de ses fondements conceptuels à sa production méticuleuse, souligne l'engagement de l'artiste à repousser les limites des formes artistiques traditionnelles. L'esthétique de l'écorchement invite le spectateur à s'interroger sur la nature construite de l'identité et les différentes facettes de notre image publique. La série Companion de 2016, dont l'édition Flayed Brown, marque un tournant dans l'histoire des art toys, les propulsant au rang d'objets de collection artistiques légitimes. L'approche de KAWS pour la série Companion témoigne d'une compréhension nuancée de l'art toy comme médium capable de transmettre des thèmes complexes, à l'instar du pop art urbain et du graffiti. Avec des œuvres comme le Companion Flayed Brown, KAWS confirme son statut d'innovateur qui redéfinit sans cesse l'interaction entre art commercial et beaux-arts.

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Freedom Nerm Nermal Édition Limitée Anatomie Jouet d'Art en Vinyle Collection Œuvre d'Art par Street Brand Artists Rip N Dip. Édition limitée 2022 à 150 exemplaires, taille 14 pouces, figurine en vinyle Nerm Nermal, Terminator Dissected Art Toy, pour le 4 juillet. Neuf dans sa boîte

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Medivac - Green Labbit - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante verte représentant un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Étiquette autocollante « Danger d'inhalation » en forme de crâne, illustration originale de Saber, dessin original au marqueur permanent sur autocollant brillant en forme de crâne par un artiste de graffiti, œuvre d'art de rue moderne. Tag original Slap Up Graffiti Art signé 2020, format 4x4, réalisé au marqueur, avec étiquette d'avertissement « Danger d'inhalation » (tête de mort et os croisés, Jolly Roger), autocollant Uline S-5563. En parfait état. Esthétique subversive dans le pop art urbain Le street art, le pop art et le graffiti se distinguent par leur énergie brute et vibrante, et leur capacité à transformer l'ordinaire en extraordinaire. L'autocollant « Inhalation Hazard Skull Slap-Up Label Sticker » incarne avec force ce pouvoir de transformation. L'artiste américain Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, a redéfini les frontières de l'art en appliquant ses dessins originaux au marqueur indélébile sur les autocollants brillants en forme de crâne que l'on trouve habituellement sur les emballages. Chaque pièce de 10 x 10 cm n'est pas un simple tag ; c'est une œuvre originale signée, témoignant de la créativité et de l'esprit rebelle du mouvement street art. La série, reconnaissable à la tête de mort et aux os croisés du Jolly Roger (autocollant Uline S-5563), représente une fusion provocatrice entre danger et art. Commentaire visuel de Saber sur le risque et l'art Historiquement associé à la piraterie et au poison, le symbole du crâne et des os croisés se réinvente sous la main de Saber. Son travail sur ces étiquettes de danger d'inhalation est un commentaire audacieux sur les risques inhérents à l'acte de création lui-même, en particulier dans le monde souvent illicite du graffiti. Conjuguée aux lignes vives et chaotiques du tag de Saber, cette imagerie crée une juxtaposition saisissante – un dialogue entre le symbolisme formel du danger et le langage personnel et anarchique du street art. Ces œuvres, créées durant l'année tumultueuse de 2020, font écho au climat mondial d'anxiété et au besoin d'expression, d'une voix au milieu du chaos. Le pop art urbain comme récit culturel Dans le contexte du street art contemporain, l'œuvre de Saber, « Inhalation Hazard Skull Slap-Up Label Sticker », dépasse la simple démarche artistique ; elle s'inscrit dans un récit culturel. Ces autocollants, autrefois indicateurs de danger physique, signalent désormais un autre type de péril : l'étouffement de l'expression et les environnements toxiques qui menacent la créativité. À travers son œuvre, Saber invite le public à repenser la signification des symboles qui imprègnent notre monde et à reconnaître le pouvoir du graffiti comme forme d'expression sociale et politique. Chaque autocollant est une affirmation de présence, une signature qui imprègne le monde d'un message de résilience et de résistance. Face à l'adversité, l'art de Saber se dresse comme un phare, témoignant de la force pérenne du street art et du graffiti, et de l'indomptable besoin de laisser son empreinte sur le monde.

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Dissection de la Petite Sirène - Feuille d'anatomie n° 24 Tirage à la main 1 couleur Sérigraphie en édition limitée sur papier Munken Pure 300 g/m² par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2018, format 11x17 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 200 exemplaires. Année : 2018. Estampille et cachet d’authenticité. Numéroté et signé par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie des personnages de dessins animés de la culture populaire. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’intéresser aux détails de l’anatomie des personnages de dessins animés.

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DropX Nerm Nermal Édition Limitée Anatomie Vinyle Art Jouet de Collection Œuvre d'Art par Street Brand Artists Rip N Dip. Figurine Nerm Nermal en vinyle, édition limitée 2022 à 150 exemplaires, taille 35,5 cm (14 pouces), inspirée de Terminator Dissected Art Toy. Neuve en boîte. La figurine en vinyle DropX Nerm Nermal est une incarnation fascinante de la rencontre entre le pop art contemporain et la culture urbaine. Produite en édition limitée par la célèbre marque de streetwear Rip N Dip, cette pièce de collection de 2022 mesure 35,5 cm et capture l'esprit à la fois ludique et provocateur de l'esthétique de la marque. Limitée à seulement 150 exemplaires, cette figurine en vinyle offre une interprétation unique du personnage de Nermal, la mascotte féline emblématique de Rip N Dip. Ici, Nermal est réinventé à travers une « dissection anatomique », une approche de conception qui révèle la structure interne de la figurine d'un côté, tout en conservant son aspect lisse et ludique de l'autre. Cette juxtaposition crée un récit visuel saisissant, reflétant les thèmes de la dualité et de la transparence, profondément ancrés dans le street art et la culture pop. Cette œuvre d'art, encore dans son emballage d'origine, est autant une œuvre d'art qu'un commentaire sur le marché actuel des objets de collection, où les articles sont souvent plus valorisés pour leur état impeccable que pour leur portée artistique. L'esthétique déconstruite de la figurine, un style popularisé par la communauté des art toys, reflète une fascination pour ce qui se cache sous la surface – tant au niveau du design de la figurine que, métaphoriquement, concernant la personnalité et la culture qu'elle représente. Le caractère exclusif de cette édition limitée souligne le point de rencontre entre l'art et le commerce, un thème récurrent dans l'évolution du street art vers les galeries et les marchés de consommation. Dans ce contexte, la figurine en vinyle Nerm Nermal n'est pas qu'un simple objet de collection ; elle incarne un fragment tangible de l'esprit qui anime la scène du street art, immortalisant l'humour irrévérencieux et souvent satirique qui caractérise depuis longtemps Rip N Dip et le street art en général.

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Tapis Spectrum Keep Watch, édition limitée, objet d'art design, œuvre de collection par les artistes punk Mishka NYC - МИШКА. Tapis Spectrum Keep Watch 35x35, édition limitée 2021, objet d'art par Mishka NYC - МИШКА. Légèrement utilisé, en excellent état. Tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC Dans le paysage du design contemporain où l'esprit punk rencontre le confort douillet, le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC affirme une position audacieuse. Lancé en édition limitée en 2021, cet objet d'art fusionne fonctionnalité et art d'inspiration punk, insufflant une touche vibrante de pop art urbain dans les espaces privés. Un ajout dynamique à l'arsenal artistique de Mishka NYC Le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC témoigne de l'engagement de la marque envers un art qui transcende la mode conventionnelle. Mesurant 89 x 89 cm, ce tapis arbore le motif iconique de l'œil « Keep Watch », réinterprété dans un spectre de couleurs vives qui rayonnent vers l'extérieur. Plus qu'un simple tapis fonctionnel, c'est une véritable œuvre d'art qui incarne l'esprit des origines street art de Mishka. Sa confection soignée, avec ses bords cousus, garantit sa durabilité, tandis que sa texture douce et moelleuse invite au toucher, offrant une expérience interactive souvent absente des œuvres d'art traditionnelles. Il en résulte une pièce de collection non seulement visuellement captivante, mais aussi conçue pour résister à l'épreuve du temps et de l'usage. Intégrer le street art dans la vie quotidienne L'œil Keep Watch est un symbole récurrent dans l'univers visuel de Mishka NYC, représentant un regard vigilant omniprésent dans l'histoire de la marque. Avec le tapis Spectrum Keep Watch, ce symbole se métamorphose en un spectacle aux couleurs de l'arc-en-ciel, incarnant le dynamisme et la diversité inhérents au pop art urbain et au graffiti. C'est une pièce qui attire le regard, qu'elle soit placée dans un salon, un bureau ou même un « donjon », comme le suggère la marque avec humour. En mêlant la dimension subversive du graffiti aux jeux de couleurs du pop art, Mishka NYC transforme le simple tapis en une expression de l'individualité. C'est affirmer que l'art ne se limite pas aux murs ou aux galeries, mais fait partie intégrante de notre quotidien. Le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC illustre comment l'art punk continue d'influencer et d'imprégner divers aspects de la culture de consommation, de la mode à la décoration intérieure. Il célèbre les racines de la marque dans les rues de New York et son évolution en une force artistique aux multiples facettes. Pièce en édition limitée, elle apporte non seulement une valeur esthétique à n'importe quel espace, mais constitue également une œuvre d'art de collection qui capture l'esprit de l'art inspiré par la rue.

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archives, représentant la glande pinéale, sur papier d'art en velours de coton, par l'artiste Nychos, légende du street art pop et du graffiti. Tirage d'art signé et numéroté 18,2 x 24 pouces (46,3 x 61 cm) par NYCHOS, édition limitée à 111 exemplaires, sur papier fibre de coton Velvet Fine Art. Signé et numéroté à la main. La glande pinéale semble avoir des fonctions similaires à celles de l'œil. Elle contient des structures semblables aux photorécepteurs de nos yeux. La lumière influence son activité, notamment la régulation hormonale de notre cycle veille-sommeil. Ce processus implique des modifications des ondes cérébrales. Lors de la méditation, la glande pinéale est aussi active que pendant la nuit. Elle favorise un état de relaxation profonde. - Nychos

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Impression par transfert de pigments d'archives en édition limitée Instagram Pill sur planche de skate naturelle pressée à froid, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Denial. Édition limitée 2019 à 50 exemplaires En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent de voir. Depuis, il mène une campagne de rue mondiale permanente, composée de plus de 500 000 autocollants, pancartes et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Medivac - Red Labbit, sérigraphie en édition limitée 4 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik, artiste de street art rare et célèbre du pop art. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante rouge avec un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Estampe sur bois « In This Together » de Ravi Amar Zupa, tirée à la main sur un panneau de bois recyclé, édition limitée. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 40 exemplaires. Gravure sur bois de 10 x 14,5 cm (4 x 5,75 pouces) sur panneau de bois légèrement vieilli, prête à être accrochée. Représentant un Jolly Roger avec une tête de mort et des os croisés surmontés d'une couronne. Inscription : « Distanciation sociale avec amour 2020. Ensemble face à cette situation. » « Unis face à l’adversité » est une estampe saisissante de Ravi Amar Zupa, artiste reconnu pour ses estampes artisanales d’une grande finesse sur panneaux de bois recyclé. Cette œuvre en édition limitée, faisant partie d’une collection de seulement 40 exemplaires, reflète une période marquée par la pandémie mondiale et incarne l’esprit de solidarité et de résilience. Mesurant 10 x 14,5 cm, cette pièce compacte et puissante est prête à être accrochée. Son aspect légèrement vieilli lui confère un charme brut. L’estampe représente le Jolly Roger, emblème iconique de la piraterie, couronné et portant une tête de mort, ici réinterprété pour symboliser l’unité dans l’adversité. Symbolisme et technique dans l'œuvre de Zupa Le choix des images et du texte par Ravi Amar Zupa dans « Ensemble » est à la fois évocateur et d'une grande actualité. Associés à une couronne, le crâne et les os croisés symbolisent traditionnellement la mort et le pouvoir. Cependant, dans le contexte de cette œuvre, ils acquièrent une nouvelle signification : ils représentent la lutte collective et la nécessité de maîtriser la crise avec compassion, comme le suggère l'expression « Distanciation sociale avec amour ». La technique de la gravure sur bois, une forme traditionnelle d'estampe, confère à l'œuvre une dimension intemporelle et l'inscrit dans une longue tradition d'expression artistique. Parallèlement, le panneau de bois de récupération rappelle l'importance du développement durable et de l'ingéniosité. Résonance culturelle de l'œuvre d'art La résonance culturelle de « In This Together » au sein de la scène du street art et du graffiti est significative. L'œuvre capture un sentiment partagé qui a transcendé les frontières pendant la pandémie : la solidarité. Le travail de Zupa explore souvent des thèmes à forte portée sociale et politique, et cette pièce ne fait pas exception. Elle touche au cœur même du rôle social du street art : commenter, unir et inspirer. Cette œuvre n'est pas seulement le reflet de notre époque, mais aussi un cri de ralliement, un message de soutien et d'empathie qui a profondément résonné en cette période d'incertitude mondiale. La collectionnabilité et l'impact sur l'art contemporain L'intérêt de « In This Together » réside dans son édition limitée, signée et numérotée par Zupa, ce qui lui confère une exclusivité particulière. Son format la rend accessible, tandis que son message et sa qualité d'exécution en font une pièce de choix pour toute collection d'art urbain contemporain et de graffiti. L'impact de l'œuvre est renforcé par son support – la gravure sur bois sur panneau de bois – qui allie techniques artistiques traditionnelles et thèmes modernes, séduisant ainsi un large public d'amateurs d'art et de collectionneurs. « In This Together » de Ravi Amar Zupa est une œuvre d'art contemporain saisissante, en résonance avec l'esprit communautaire de l'art urbain et du graffiti. Grâce à la technique traditionnelle de la gravure sur bois sur bois de récupération, Zupa crée une œuvre à la fois témoin de son époque et intemporelle. Elle symbolise l'unité et l'amour dans une année marquée par la séparation et l'incertitude, offrant un message d'espoir et de solidarité aussi universel que puissant.

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Étiquette autocollante « Risques sanitaires » - Illustration originale de Saber - Dessin original au marqueur permanent sur autocollant d'avertissement brillant par un artiste de graffiti - Œuvre d'art de rue moderne. Tag original Slap Up Graffiti Art signé 2020, 4x4, marqueur, étiquette d'avertissement de danger pour la santé, l'inflammabilité, l'instabilité, Uline S-724. En parfait état. Alchimie artistique sur des terrains dangereux La transformation d'objets ordinaires en spectacles visuels est une caractéristique du Street Pop Art et du graffiti. Dans cette optique, l'œuvre « Health Hazards Slap-Up Label Sticker » de Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, originaire des États-Unis, se distingue par une fusion captivante entre l'iconographie des étiquettes d'avertissement et l'art du graffiti. Créées en 2020, ces œuvres symbolisent la manière dont les graffeurs détournent des objets du quotidien, tels que les étiquettes d'avertissement relatives aux risques sanitaires, d'inflammabilité et d'instabilité, pour exprimer des idées fortes à travers l'art. Les dessins originaux au marqueur permanent réalisés par Saber sur ces autocollants fléchés brillants témoignent de l'ingéniosité du genre et de sa capacité à insuffler une nouvelle vie et une nouvelle signification à des matériaux ordinaires. Symbolisme et signification dans l'œuvre de Saber L'art de Saber sur les autocollants de signalisation est particulièrement poignant. Le message de prudence et de danger inhérent à ces autocollants contraste avec la nature libre et expressive des tags de Saber. Ce contraste n'est pas seulement esthétique, mais aussi symbolique, suggérant peut-être les risques et les dangers inhérents à la création de graffitis. Dans la jungle urbaine, le graffeur est à la fois créateur et transgresseur, et l'œuvre de Saber capture parfaitement cette dualité. L'utilisation de couleurs vives et contrastées sur les symboles de danger n'obscurcit pas l'avertissement, mais invite au contraire le spectateur à réfléchir aux différentes strates de sens de l'œuvre. Reflets de 2020 dans le Street Pop Art L'année 2020 ne fut pas une année comme les autres dans les annales de l'histoire, mais un tournant pour les sociétés du monde entier. Les graffitis originaux et percutants de Saber, apposés sur ces autocollants de santé et de danger, reflètent une année marquée par des bouleversements mondiaux et une réévaluation des notions de sécurité et de danger. Dans ses créations de 10 x 10 cm réalisées au marqueur, Saber capture l'esprit d'une époque où le monde était aux prises avec des crises sanitaires et une instabilité sociale. En signant chaque œuvre, Saber en revendique non seulement la paternité, mais ancre également son travail dans le temps et l'espace, offrant une trace indélébile – au sens propre comme au figuré – d'un moment précis, à travers le prisme du street art et du graffiti.

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Kuma OG The Prisoner Amarillo Verde Drug Bear Art Toy par Luke Chueh, œuvre d'art en vinyle en édition limitée par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017, tirée à 438 exemplaires, avec emballage en coton, sac et tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) est un problème de santé mentale qui peut se développer après avoir vécu ou été témoin d'un événement potentiellement mortel tel qu'un combat, une catastrophe naturelle, un accident de voiture ou une agression sexuelle. Par ailleurs, la dépendance aux médicaments sur ordonnance comme le Percocet a engendré de nombreux problèmes d'addiction. Kuma OG The Prisoner Amarillo Verde de Luke Chueh : Expression vinyle de l’enfermement émotionnel dans l’art urbain pop et graffiti Kuma OG The Prisoner Amarillo Verde est une figurine en vinyle en édition limitée, créée en 2017 par Luke Chueh, un artiste de Los Angeles reconnu pour son style épuré et accessible, mêlant thèmes sombres et émotionnels. Cette version de The Prisoner, produite à 438 exemplaires, est accompagnée d'une pochette doublée de coton et d'un tube vert rappelant une ordonnance, renforçant ainsi le propos de la figurine sur les médicaments, la dépendance et les troubles de santé mentale. Inspirée d'une peinture originale de Chueh, The Prisoner représente un personnage à l'allure d'ours, figé dans une pose de désespoir, les genoux serrés contre sa poitrine, la tête baissée. Cette édition en vinyle vert, sous-titrée Amarillo Verde, prolonge la réflexion de la série sur le piège psychologique que beaucoup subissent suite à un traumatisme et à l'influence de la culture pharmaceutique moderne, tout en contribuant au langage visuel du Street Pop Art et du graffiti. Symbolisme pharmaceutique et langage émotionnel sur vinyle La palette de couleurs Amarillo Verde confère à l'œuvre une esthétique stérile et médicale, renforcée par son emballage : un tube translucide vert, semblable à un flacon de médicament, dont l'étiquette évoque une variété de cannabis. Ce choix rattache non seulement la figure au monde pharmaceutique, mais fait également allusion au cannabis et aux mécanismes d'adaptation alternatifs. La posture statique et affaissée de l'ours exprime la résignation et le détachement. Sa forme est simplifiée, mais chaque détail – de ses bras courbés à son regard fuyant – projette un paysage émotionnel intense. La figure n'est pas anthropomorphe au sens traditionnel du terme, mais son expression est profondément humaine. En l'enfermant dans un faux flacon de médicament, l'œuvre attire l'attention sur la manière dont la société appréhende la souffrance psychologique : par le confinement et la sédation, plutôt que par la résolution. Le choix du vinyle comme matériau par Luke Chueh rend la figure à la fois durable et intime, offrant une présence tactile qui souligne sa charge émotionnelle. Luke Chueh et le récit visuel de la douleur et de l'isolement Luke Chueh est une figure centrale du mouvement des art toys et du street art pop, explorant des réalités émotionnelles profondes à travers des personnages d'une apparence faussement innocente. Né aux États-Unis, son art aborde fréquemment la dépression, les traumatismes et la tension entre vie intérieure et perception extérieure. La série « Prisoner » est un pilier de sa réflexion sur la santé mentale et la culture pharmaceutique. Cette édition Amarillo Verde exprime une tristesse bien particulière, celle que masquent les pilules colorées et les diagnostics simplifiés. Elle est profondément ancrée dans le récit personnel de Chueh et sa critique sociétale plus large. La figure de l'ours, récurrente dans son œuvre, devient l'incarnation de la souffrance inexprimée, confinée dans son espace clos, en attente de reconnaissance. Ce jouet, minimaliste dans sa forme, est d'une richesse de sens immense et témoigne de la capacité des artistes de rue et pop à aborder les crises contemporaines par le biais de sculptures minimalistes et d'une grande puissance émotionnelle. Le prisonnier comme objet physique dans le vocabulaire du street art pop et du graffiti Kuma OG The Prisoner Amarillo Verde se présente comme un commentaire tactile sur la santé mentale à l'ère du recours aux médicaments. Chaque pièce en vinyle est emballée avec soin et une intention thématique précise : chaque élément, de l'étiquette au tube en plastique vert, renforce le cœur conceptuel de l'œuvre. Elle reflète l'expérience de la prescription et de l'enfermement, offrant un objet qui agit comme un artefact physique de l'emprisonnement émotionnel. Ce n'est pas simplement une figurine à exposer, mais à ressentir et à contempler. À travers son travail, Luke Chueh continue de redéfinir la manière dont la sculpture et l'art de collection peuvent servir de puissants vecteurs d'expression psychologique. Au sein du canon en constante évolution du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre affirme que les formes les plus minimalistes recèlent souvent les vérités les plus profondes, invitant collectionneurs et spectateurs à se confronter au malaise et à en reconnaître le poids.

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Dissection de Garfield - Feuille d'anatomie n° 19 - Tirage à la main - Sérigraphie en édition limitée 1 couleur sur papier Munken Pure 300 g/m² par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2018, format 11x17 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 200 exemplaires. Année : 2018. Estampille et cachet d’authenticité. Numéroté et signé par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie des personnages de dessins animés de la culture populaire. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’intéresser aux détails de l’anatomie des personnages de dessins animés.

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Dissection de Stitch - Feuille d'anatomie n° 30 Tirage à la main 1 couleur Sérigraphie en édition limitée sur papier Munken Pure 300 g/m² par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2018, format 11x17 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 200 exemplaires. Année : 2018. Estampille et cachet d’authenticité. Numéroté et signé par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie des personnages de dessins animés de la culture populaire. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’intéresser aux détails de l’anatomie des personnages de dessins animés.

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Dissection de Bugs Bunny - Feuille d'anatomie n° 20 - Tirage à la main - Sérigraphie en édition limitée 1 couleur sur papier Munken Pure 300 g/m² par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2018, format 11x17 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 200 exemplaires. Année : 2018. Estampille et cachet d’authenticité. Numéroté et signé par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie des personnages de dessins animés de la culture populaire. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’intéresser aux détails de l’anatomie des personnages de dessins animés.

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Sérigraphie Panacea de MEUBON, tirée à la main sur papier d'art blanc coquille d'œuf extra-fin, édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de 300 œuvres d'art au format 20,25 x 15,75 sérigraphie. ยาตำราหลวง สถานที่จำหน่าย มาตำราหง เภสัชกรรม- Royal Medicine, Lieu de vente, Pharmacie Ma Tamra Hong Panacée par MUEBON – Remède satirique dans l'art urbain pop et graffiti « Panacea » est une sérigraphie en édition limitée de 2022, réalisée à la main par l'artiste thaïlandais MUEBON sur papier d'art Superfine Eggshell White, au format 51,4 x 40 cm. Signée et numérotée à 300 exemplaires, cette œuvre fusionne l'esthétique traditionnelle thaïlandaise avec un vocabulaire satirique propre au street art. La composition imite la mise en page et le ton d'une enseigne de pharmacie thaïlandaise vintage, avec des références typographiques à la médecine royale, des informations sur l'emplacement et des symboles réglementaires. Dans ce cadre, MUEBON insère son personnage emblématique : un oiseau noir espiègle à la posture quasi humaine, prenant soin de rangées de plants de cannabis aux couleurs éclatantes. La juxtaposition de l'autorité de l'État, de la légitimité médicale et de la rébellion populaire est exécutée avec une clarté visuelle chirurgicale et une acuité conceptuelle remarquable. Chaque ligne, chaque fissure, chaque élément graphique contribue à un message plus large sur la légalité, l'hypocrisie et l'évolution des normes culturelles. Symbolisme médicinal et ironie sociopolitique L'utilisation du titre « Panacée » par MUEBON évoque l'idée d'un remède miracle, d'une solution universelle aux maux de la société. Pourtant, l'estampe suggère que ce qui est présenté comme un remède est souvent dissimulé derrière des mécanismes de contrôle et des contradictions. Le personnage, rendu avec une précision de couleur et de personnalité remarquables, arrose des plants de marijuana avec l'indifférence désinvolte de quelqu'un qui a banalisé le tabou. L'arrière-plan imite des textures de murs usés et des panneaux défraîchis, suggérant un avis public officiel, désormais détourné. L'écriture thaïe affiche en gras des phrases telles que « ยาตำราหลวง » et « สถานที่จำหน่าย » (Médicament royal et Lieu de vente), tandis que la figure centrale sape le ton bureaucratique par une rébellion punk. Cette collision visuelle est typique de MUEBON : elle mêle un humour caricatural à une critique institutionnelle dans le style du Street Pop Art et du graffiti, et sert à la fois de documentation et de protestation. Technique de sérigraphie et précision esthétique L'estampe est réalisée selon les méthodes traditionnelles de la sérigraphie, ce qui permet à chaque couleur de conserver une saturation intense et une netteté parfaite des contours. Imprimée sur un papier blanc coquille d'œuf extra-fin, la texture subtile de l'œuvre accentue l'effet d'enseigne vintage, renforçant l'illusion de vieillissement et d'usure. La superposition maîtrisée des images – saleté, texte, plantes, timbres et personnages – témoigne de la précision de MUEBON dans la traduction de récits politiques complexes en œuvres d'art vibrantes et accessibles. Riche en codes culturels locaux, l'œuvre est universellement compréhensible, ce qui en fait un exemple remarquable, au sein du Street Pop Art et du graffiti, de la manière dont une voix régionale peut atteindre une résonance internationale grâce à une composition visuelle forte et une clarté thématique. MUEBON et l'anatomie culturelle de la légitimité Panacea n'est pas qu'une simple estampe : c'est un dialogue entre droit, commerce et autonomie individuelle. MUEBON utilise l'humour et une satire teintée de culture pop pour explorer l'évolution des relations en Thaïlande avec le cannabis médical, le contrôle gouvernemental et les tabous culturels. Son oiseau emblématique devient le symbole du citoyen lambda, naviguant dans un système qui légalise sélectivement ce qu'il criminalisait autrefois. L'œuvre fonctionne comme une métaphore visuelle des liens étroits entre pouvoir, propagande et santé publique. Dans le contexte du street art et du graffiti, Panacea propose un récit à plusieurs niveaux, dissimulé sous forme de signalétique publique. Elle suscite le rire, encourage le dialogue et invite les spectateurs à repenser la notion d'autorité lorsqu'elle se réinvente à travers des couleurs vives et des contradictions symboliques. MUEBON confirme ainsi son statut de maître de l'ironie visuelle et de l'analyse culturelle, à travers le prisme de la résistance urbaine.

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Dissection de la Tortue Ninja - Feuille d'anatomie n° 22 - Tirage à la main - Sérigraphie en édition limitée 1 couleur sur papier Munken Pure 300 g/m² par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2018, format 11x17 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 200 exemplaires. Année : 2018. Estampille et cachet d’authenticité. Numéroté et signé par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie des personnages de dessins animés de la culture populaire. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’intéresser aux détails de l’anatomie des personnages de dessins animés.

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Étiquette autocollante « Substance infectieuse » - Illustration originale de Saber - Dessin original au marqueur permanent sur papier d'emballage brillant - Autocollant de risque biologique par un artiste de graffiti - Œuvre d'art de rue moderne. Tag original Slap Up de 2020, signé, réalisé au marqueur 4x4 sur une étiquette d'avertissement de substance infectieuse et de risque biologique Uline S-180. En parfait état. Repenser la perception à travers le pop art urbain Le street art et le graffiti, caractérisés par leur énergie immédiate et leur résonance culturelle, ont le don de capturer l'esprit de leur époque. La série « Infectious Substance Warning Bio-Hazard Label Uline S-180 Sticker » de l'artiste de graffiti Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, illustre parfaitement ce phénomène. Avec sa collection de 2020 de tags originaux et signés, Saber fusionne l'univers des avertissements relatifs aux matières dangereuses et l'esprit rebelle du street art. Chaque tag, au format 4x4, porte son interprétation unique, transformant la signification inquiétante du symbole de risque biologique en une œuvre qui témoigne de l'impact profond des maladies infectieuses dans nos sociétés. Intervention artistique de Saber sur les symboles de risque biologique Le choix par Saber de l'étiquette de risque biologique comme support artistique est particulièrement révélateur. Ce symbole, conçu pour alerter sur les agents pathogènes dangereux, est recontextualisé dans son œuvre pour interroger la nature contagieuse des idées, la virulence de l'art et le pouvoir de l'expression d'imprégner et d'influencer la psyché collective. L'étiquette de substance contagieuse, censée protéger par l'avertissement, est recouverte par les tags de Saber qui, loin d'obscurcir le message ou d'en diluer la portée, y ajoutent une dimension supplémentaire, une signature artistique qui invite le spectateur à questionner les frontières entre sécurité, censure, santé publique et débat public. L'art urbain moderne comme commentaire social Dans le street art contemporain, les créations de Saber témoignent avec force du rôle de l'artiste en tant qu'observateur social. Son travail sur les autocollants Uline S-180 est une métaphore visuelle de l'année 2020, marquée par des crises sanitaires mondiales et une prise de conscience accrue des risques biologiques. En taguant ces autocollants, Saber établit un lien entre les agents infectieux contre lesquels ils mettent en garde et la contagion métaphorique de la peur, de la désinformation et des troubles sociaux qui ont caractérisé cette année. La permanence du marqueur sur l'autocollant brillant reflète l'impact durable des événements de l'année sur la conscience collective, garantissant que si les risques sont contenus, le débat qu'ils suscitent, lui, ne l'est pas. Dans chaque trait, dans chaque choix de couleur, l'art de Saber sur les autocollants relatifs aux risques biologiques interpelle et reflète la nature inflexible du street art et du graffiti. Figure reconnue de la scène graffiti, Saber, fort de ses racines et de ses contributions américaines, continue d'alimenter le débat sur le pouvoir du street art à redéfinir notre perception des symboles qui dominent nos espaces publics. Chaque étiquette est une réappropriation délibérée, une déclaration selon laquelle même les symboles les plus exemplaires peuvent devenir un moyen d'expression artistique durable.

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Achetez WOODCRADLED Panneau multiple peint à la main prêt à accrocher par ARTIST Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2022 Édition signée et numérotée de XXX HPM MEDIA Print Artwork Taille XXX INFO

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« Social Distancing Simpsons Archival Pigment Fine Edition Limited Edition Print on 310gsm Bauhaus Cotton Rag Paper » de l'artiste Ben Frost, Street Pop Art Graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 40 exemplaires, 2020. Format de l'œuvre : 12 x 12 pouces. Ben Frost (né en 1975), « Distanciation sociale », 2020. Impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Cotton Rag Stock, 12 x 12 pouces (30,5 x 30,5 cm) (feuille). L'édition limitée à 40 exemplaires est signée et numérotée au crayon sur le bord inférieur et publiée par l'artiste. À la croisée de la culture pop et du commentaire social L'estampe d'art « Social Distancing Simpsons » de Ben Frost, réalisée à partir de pigments d'archives, est une analyse percutante de la société contemporaine à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Cette édition limitée, numérotée et signée, reflète l'approche unique et souvent controversée de Frost, qui mêle icônes de la culture populaire et messages subversifs. Créée en 2020, « Social Distancing Simpsons » est une œuvre saisissante qui se déroule dans le contexte d'une pandémie mondiale, à une époque où la distanciation sociale est devenue omniprésente. En intégrant un personnage familier des « Simpson », Frost touche à la conscience collective et commente l'impact des changements sociétaux sur la culture populaire. Le choix de l'impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Cotton Rag Stock, un matériau de haute qualité, garantit la préservation de l'éclat de l'œuvre et la précision de ses détails. La juxtaposition de l'image d'un personnage des Simpson avec une étiquette pharmaceutique illustre le style de Frost, qui consiste souvent à fusionner des éléments disparates pour créer une œuvre visuelle à la fois dérangeante et stimulante. Cette estampe de 12 x 12 pouces est un carré parfait qui capture l'essence du propos artistique de Frost : une critique du consumérisme, de la santé mentale et de l'industrie pharmaceutique. Le style signature de Ben Frost L'œuvre de Frost se caractérise par sa volonté inflexible de confronter et de remettre en question les vérités dérangeantes de la vie moderne. Dans « Social Distancing Simpsons », la collision entre l'univers du dessin animé et la dure réalité des médicaments parle à une génération qui trouve du réconfort dans la nostalgie tout en luttant contre les angoisses contemporaines. Tirée à seulement 40 exemplaires, cette œuvre devient une pièce de collection, un instantané d'une époque marquée par l'isolement et la quête de lien social. Reflets du pop art et du graffiti urbains L'art de Frost reflète le pop art urbain et le graffiti par sa franchise et son langage visuel immédiat et accessible. L'intégration de l'esthétique du street art dans des estampes d'art brouille les frontières entre l'art savant et les expressions plus démocratiques en milieu urbain. « Social Distancing Simpsons » témoigne du pouvoir de ce genre à communiquer au-delà des mots, offrant une critique visuelle à la fois universelle et profondément personnelle. En résumé, « Social Distancing Simpsons » de Ben Frost est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire sur notre époque, un miroir tendu aux complexités et contradictions de la vie contemporaine. Par son habile mélange de références à la culture pop et de commentaires sociaux incisifs, Frost s'impose comme une voix majeure du pop art urbain et du graffiti. Cette œuvre, en particulier, constitue un poignant rappel de l'année 2020, capturant l'essence d'une période qui a marqué la société à jamais.

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Figurine de collection en vinyle 24 carats Nerm Nermal, édition limitée, œuvre d'art anatomique créée par l'artiste de graffiti de rue Rip N Dip. Figurine en vinyle Lord Nermal en or 24 carats de 14 pouces, édition limitée à 500 exemplaires, objet d'art disséqué.

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Dissection d'une veuve noire, œuvre pop, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste moderne Nychos. Édition limitée signée et numérotée de 111 exemplaires, format 20,4 x 24 pouces, 2021. Cette œuvre est basée sur la fresque murale « Dissection d'une veuve noire » et peut être admirée depuis 2014 dans le quartier Gängeviertel à Hambourg. À la croisée de la science et du pop art urbain « Dissection d'une veuve noire » est une œuvre majeure de Nychos, artiste contemporain reconnu pour ses créations pop complexes et ses profondes racines dans le street art et le graffiti. Cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art, capture l'essence de la fresque originale qui orne le quartier de Gängeviertel à Hambourg depuis 2014. Numérotée et signée, cette œuvre, tirée à seulement 111 exemplaires, mesure 52 x 61 cm et illustre la fascination de l'artiste pour la dissection anatomique, dans un style qui fusionne précision biologique et art urbain. L'approche de Nychos face à la dissection de la veuve noire est à la fois clinique et créative, révélant les différentes strates de l'anatomie dans un style qui évoque les manuels médicaux, mais réinterprété à travers le prisme du pop art. Son utilisation de couleurs vibrantes pour illustrer les entrailles de la veuve noire, contrastant fortement avec son enveloppe sombre, invite à un dialogue entre l'opacité souvent présente dans le street art et la clarté et la transparence de l'illustration scientifique. Technique et savoir-faire dans l'œuvre de Nychos La technique employée par l'artiste pour son œuvre « Dissection d'une veuve noire » repose sur une superposition méticuleuse de couleurs et de formes, témoignant de sa grande maîtrise et de sa profonde compréhension du sujet et du médium. Le procédé d'impression giclée, reconnu pour sa capacité à restituer les nuances de l'œuvre originale, sublime le travail minutieux de Nychos, préservant ainsi la richesse des textures et des teintes de la fresque. La transformation de « Dissection d'une veuve noire », d'une fresque monumentale à une estampe de collection, illustre la fluidité avec laquelle le street art et le graffiti peuvent traverser différents espaces et contextes. L'art de Nychos embellit non seulement les paysages urbains, mais trouve également sa place dans l'intimité des collections privées, faisant dialoguer l'énergie brute de la rue avec l'univers raffiné des amateurs d'art contemporain. La veuve noire, symbole souvent associé au danger et au charisme, est réinterprétée dans l'œuvre de Nychos, devenant un support d'exploration de la complexité du vivant. Cette œuvre transcende la simple représentation ; elle explore les subtilités cachées sous les apparences, un thème qui fait écho à la nature stratifiée du graffiti et du street art. L'héritage de « La dissection d'une veuve noire » « Dissection d'une Veuve Noire » témoigne de l'héritage de Nychos dans le domaine du street art et du graffiti. Cette estampe en édition limitée occupe une place de choix, reflétant l'évolution du street art vers une forme qui transcende les frontières de l'espace public pour accéder au statut d'œuvre d'art de collection. L'œuvre de Nychos, et plus particulièrement cette pièce, illustre le pouvoir transformateur du street art et son dialogue constant avec la culture populaire et les mouvements artistiques contemporains. « Dissection d'une Veuve Noire » est un spectacle visuel saisissant et une invitation à explorer les intersections entre l'art, la science et le paysage urbain, incitant à une réévaluation de ce qui constitue l'art moderne dans notre conscience collective.

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Le Pharaon Masqué, sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier papyrus égyptien, par Marwan Shahin, artiste pop art célèbre et rare. Édition limitée 2022 signée et numérotée à 20 exemplaires, format 14x17,5 et « NFT » « Shahin Studios est ravi de présenter Le Papyrus du Pharaon Masqué de Marwan Shahin. Cette œuvre a été créée pendant le confinement lié à la pandémie de Covid-19, imaginant Toutankhamon se protégeant du fléau des temps modernes. Cette édition est une sérigraphie artisanale sur papyrus égyptien authentique, chaque estampe étant ornée d'un délicat filigrane de poussière de diamant noire, créant ainsi des effets kaléidoscopiques envoûtants. Elle contient une puce NFT de Fine Art Ledger. Chaque estampe est authentifiée et enregistrée sur la blockchain par Fine Art Ledger et accompagnée d'un certificat d'authenticité numérique portant son sceau cryptographique. » – Marwan Shahin

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Miss Piggy sur papier buvard Ozempic, estampe d'archives par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Miss Piggy sur Ozempic par Ben Frost : Glamour, médicaments et satire pop urbaine L'estampe d'archives « Miss Piggy On Ozempic Blotter Paper » de Ben Frost, sortie en 2025, marque une nouvelle étape dans l'exploration par l'artiste de l'esthétique pharmaceutique et des icônes de la culture pop. Imprimée en édition limitée sur papier buvard perforé avec des pigments d'archives, cette œuvre de 19 x 19 cm place Miss Piggy – sans doute le personnage le plus exubérant et soucieux de son corps des Muppets – au cœur d'une fusion satirique entre la vanité des célébrités et l'obsession contemporaine pour les médicaments amaigrissants. Miss Piggy est représentée dans son glamour rose classique, avec ses cils, ses perles et son insolence caractéristiques, contrastant avec le design commercial austère de l'emballage d'Ozempic. Faisant référence au sémaglutide, aux étiquettes des ordonnances et au coût exorbitant des soins de santé américains, l'œuvre dénonce la dépendance croissante de la société aux produits pharmaceutiques à visée esthétique. L'art urbain pop et le graffiti rencontrent le consumérisme médical Ben Frost, connu pour son utilisation audacieuse et controversée des emballages commerciaux comme support visuel, transforme le marketing pharmaceutique en outil narratif. Le choix de Miss Piggy comme personnage confère au message une ironie mordante. La collision entre le divertissement enfantin et les complexes des adultes concernant la beauté, la taille et le contrôle résonne tout au long de la composition. Cette œuvre n'est pas seulement une parodie, mais aussi une critique visuelle, interrogeant le rapport du public à une santé commercialisée comme un produit de vanité et la marchandisation de l'estime de soi. Le format du buvard, perforé et à collectionner, renforce l'idée du médicament comme un artefact culturel consommable : quelque chose à prendre, à partager, à diviser ou à utiliser pour construire son identité. Le rôle des icônes féminines dans les récits de la pop urbaine L'exagération de la féminité de Miss Piggy et son statut d'icône culturelle sont habilement détournés dans cette composition. Son personnage devient une métaphore visuelle de la quête incessante de la perfection visuelle. L'œuvre de Ben Frost interroge souvent ceux qui définissent ces normes et ceux qui en profitent. Ici, l'emballage d'un médicament contre le diabète, autrefois confidentiel, désormais associé à la chirurgie esthétique pour la perte de poids, devient le piédestal moderne sur lequel les icônes sont érigées et critiquées. Cette collision entre design commercial et pouvoir d'attraction des stars animées crée une tension entre innocence et marchandisation, utilisant les techniques du street art et du graffiti pour satiriser la rapidité avec laquelle la culture recycle ses idoles et ses problématiques. Support buvard et provocation psychédélique Réalisée en collaboration avec Zane Kesey, qui a perforé à la main les éditions buvard, cette œuvre fait subtilement référence à la contre-culture et à l'histoire des médias psychédéliques. Si Ozempic est commercialisé comme une drogue transformatrice, le format imprimé lui-même évoque des états de conscience modifiés. L'utilisation d'une icône pop comme Miss Piggy confère à l'estampe une dimension critique, non seulement des normes de beauté, mais aussi de la consommation en général – qu'il s'agisse de drogues, de célébrité ou de nostalgie des dessins animés. « Miss Piggy On Ozempic » est une satire mordante des priorités culturelles à l'ère du bien-être factice et de la manipulation de l'image. C'est une œuvre audacieuse, subversive et indéniablement signée Frost.

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Cette étiquette autocollante orange fluo Biohazard est une œuvre d'art originale de Saber, réalisée à la peinture acrylique par un artiste de graffiti moderne. Tag original signé de 2020, style graffiti, 15 x 15 cm, peinture acrylique, apposé sur une étiquette autocollante de risque biologique médical. Symbole de risque biologique orange fluo haute visibilité, étiquette Uline n° S-20794. Exploration de la fusion entre le pop art urbain et le graffiti Dans le paysage dynamique de la culture visuelle contemporaine, le street art et le graffiti s'imposent comme des formes d'expression puissantes, capturant le rythme et les émotions brutes de la vie urbaine. Parmi les figures emblématiques de ce genre figure le célèbre graffeur Saber, reconnu pour ses contributions marquantes au paysage du street art. L'œuvre ici analysée illustre parfaitement son ingéniosité : une pièce de 15 x 15 cm réalisée à l'acrylique ou au marqueur, apposée sur une étiquette de risque biologique médicale, ornée d'un symbole de risque biologique orange fluo haute visibilité de la marque Uline n° S-20794. Esthétique distinctive des tags de Saber Le dessin original de Saber, réalisé au marqueur indélébile sur une étiquette autocollante brillante, présente un paradoxe visuel saisissant. L'orange fluo du symbole de risque biologique évoque la prudence, généralement associée aux substances dangereuses. Contrastant avec les coulures de peinture bleue, apparemment éparpillées au hasard sur la surface, il en résulte une forme de défi délibéré et une tension palpable entre structure et chaos. Cette œuvre, signée et réalisée en 2020, est un graffiti original et percutant qui illustre non seulement le style unique de l'artiste, mais aussi sa capacité à transformer des objets ordinaires en messages forts. Le choix d'une étiquette de risque biologique comme support est une réflexion sur la nature contagieuse de l'art et des idées. Saber s'approprie un symbole de danger et de contamination et le réinterprète dans l'esthétique du pop art urbain. Ce faisant, il invite le spectateur à repenser les connotations des risques biologiques, non seulement au sens physique, mais aussi à travers la métaphore de la contagion artistique dans l'espace public. Impact et signification dans l'art urbain moderne Saber est un artiste américain dont le véritable nom a marqué la scène graffiti autant que les images qu'il crée sur les murs et dans les galeries. Son utilisation d'étiquettes postales comme médium est un clin d'œil aux tactiques de guérilla des débuts du street art, où les messages percutants et rapides étaient essentiels, et où les matériaux étaient souvent recyclés ou issus de la récupération. Cet art du sticker, souvent appelé « slap-up », est une forme de street art appliquée rapidement, ou « slapped up », sur une surface dans l'espace public. Il permet une communication éphémère mais affirmée, reflétant le rythme effréné et la nature souvent impermanente de la vie urbaine. L'œuvre, aux couleurs néon orange et bleu, transcende sa simplicité, devenant la toile de fond d'un discours plus large sur la visibilité, la légalité et la permanence de l'art. En tant que forme de street pop art, elle conserve l'accessibilité et l'attrait populaire de la culture pop tout en s'ancrant dans les racines plus subversives et contre-culturelles du graffiti. C'est dans cette dualité que réside sa force. C'est à la fois une déclaration audacieuse et un murmure subliminal, une présence constante dans la rue, aussi vite effacée qu'observée. Dans le contexte du graffiti, l'autocollant « risque biologique » de Saber devient un artefact urbain, témoignant de la capacité de l'artiste à capter l'attention et à communiquer par le biais de symboles et de couleurs. Avec ses teintes saturées et ses coulures délibérées, l'œuvre vibre au rythme de la rue et résonne des voix qui s'y font entendre. Elle marque un espace physique et immortalise un instant, incarnant l'essence même du street art pop : sa capacité à saisir le pouls de la vie urbaine contemporaine. Le jeu subtil des couleurs, des symboles et des médiums illustre le potentiel novateur du street art pop. L'œuvre de Saber rompt la monotonie des environnements urbains, offrant aux passants un moment de contemplation esthétique au cœur du béton de la ville. Dans le street art moderne, de telles interventions ne sont pas de simples éléments décoratifs ; elles constituent des récits essentiels qui expriment l'identité et les courants sous-jacents du dialogue culturel d'une ville. À travers des œuvres comme celle-ci, Saber et ses contemporains continuent d'influencer la trajectoire du street art, assurant son évolution et sa pertinence. Ils nous rappellent que la rue demeure un puissant espace d'expression artistique, où les voix des marginalisés et l'esprit de rébellion trouvent leur langage visuel. L'autocollant orange fluo de Saber n'est pas qu'une simple marque à l'acrylique ou au feutre ; c'est une affirmation, un défi, et un vibrant écho de l'énergie qui anime le cœur de la ville.

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Yogi sous Xanax - Sérigraphie en édition limitée, 7 couleurs, tirée à la main, sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, par Ben Frost, artiste de street art rare et célèbre du pop art. 2022 Ben Frost Yogi on Xanax, sérigraphie artisanale 7 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, couverture 160 lb, 61 x 61 cm (24 x 24 po), signée et numérotée par l'artiste. Tirage limité à 25 exemplaires, imprimés par POP!NK Editions. Yogi sous Xanax par Ben Frost – Intervention de la culture pop dans l'art urbain et le graffiti « Yogi on Xanax » est une sérigraphie artisanale en édition limitée de 2022, réalisée en sept couleurs par l'artiste australien Ben Frost sur papier Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. Mesurant 61 x 61 cm, cette sérigraphie a été produite à seulement 25 exemplaires, signés et numérotés, sous la direction de POP!NK Editions. Reconnu pour son mélange subversif d'icônes de la culture pop et de sujets controversés, Frost livre une image provocatrice qui fusionne l'innocence de Yogi l'Ours avec le langage visuel froid d'une étiquette de Xanax. Cette juxtaposition crée une confrontation entre humour et critique, nostalgie de l'enfance et dépendance chimique, tout en conservant la vivacité graphique et la précision d'exécution qui caractérisent sa pratique artistique. L'œuvre est audacieuse, brillante et ironique, conçue pour susciter à la fois la reconnaissance et le trouble chez le spectateur. La satire pharmaceutique et la familiarité des dessins animés se rencontrent L'œuvre de Ben Frost remet régulièrement en question les récits aseptisés du marketing et de l'imagerie médiatique. Dans « Yogi on Xanax », l'utilisation de l'ours Yogi – personnage animé associé à l'insouciance et aux dessins animés de l'enfance – est délibérément décalée par rapport au monde clinique et réglementé des médicaments sur ordonnance. Son sourire joyeux et ses couleurs vives contrastent avec les avertissements et les indications de dosage figurant sur les emballages de Xanax. L'œuvre explore les thèmes de l'évasion, du refoulement des émotions et de la marchandisation de la santé, suggérant que même les symboles les plus innocents ne sont pas à l'abri des pressions sociales. Le traitement iconographique opéré par Frost reflète les stratégies centrales du street art et du graffiti, où le langage visuel est détourné pour révéler des vérités cachées et des contradictions culturelles. Technique d'impression, qualité de surface et précision des matériaux Réalisée avec précision sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, la sérigraphie sept couleurs garantit une application nette de chaque couche d'encre, offrant un contraste saisissant et un équilibre tonal parfait. Ce papier épais intensifie les couleurs et préserve la netteté de chaque trait et détail du texte. La sérigraphie, technique incontournable du pop art depuis l'époque d'Andy Warhol, permet à Frost de reproduire le style épuré des emballages commerciaux tout en y insufflant une tension conceptuelle intense. Chaque tirage est signé et numéroté à la main, ce qui renforce sa valeur de collection et l'inscrit parmi les œuvres d'art urbain pop et graffiti de prestige. L'implication de POP!NK Editions dans la production garantit une finition digne des plus grandes galeries, assurant à chaque tirage une richesse conceptuelle et une perfection technique irréprochables. Le commentaire culturel de Ben Frost à travers la distorsion de la marque Ben Frost continue de repousser les limites de la communication par l'imagerie pop, dans un format critique, ironique et visuellement saisissant. « Yogi on Xanax » opère à plusieurs niveaux : parodie, produit et perturbation visuelle. L'œuvre puise dans les archives des médias de masse et réinterprète des icônes familières en leur attribuant des connotations nouvelles et troublantes. Cette démarche est au cœur de la stratégie du Street Pop Art et du graffiti, où la répétition, l'appropriation et la recontextualisation ne sont pas de simples choix esthétiques, mais des actes radicaux. En plaçant une figure comme Yogi l'Ours dans le contexte de la nécessité médicale et de la régulation émotionnelle, Frost interroge la manière dont la société attribue sens et valeur aux images. Son art reflète un monde où les dessins animés vendent des pilules et les pilules, du calme, un monde où marque et identité fusionnent en une seule surface. « Yogi on Xanax » n'est pas qu'une simple œuvre de pop art : c'est une réflexion incisive et sans concession sur la culture visuelle contemporaine.

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Achetez SCULPTURELIMITED Edition Limitée Pop Artwork Street Artist Fine Art. 2023 Sculpture signée Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression par transfert pigmentaire d'archives en édition limitée Coca-Cola sur planche de skate naturelle pressée à froid, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Denial. En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent de voir. Depuis, il mène une campagne de rue mondiale permanente, composée de plus de 500 000 autocollants, pancartes et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Dans l'univers de Denial, la mémoire est essentielle, car elle constitue le fondement de son œuvre. Elle invite le public, par une approche nostalgique, à s'y intéresser. De ce fait, son art est à la fois familier et troublant, car il révèle les aspects les plus dérangeants de la société, ceux que nous refusons d'admettre. Malgré son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins perçu comme une forme de vandalisme.

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Sérigraphie Pandemonium par TOMO77 x Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art crème moucheté, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. 2021 Signée par TOMO77 et Shepard Fairey & Édition limitée numérotée à 300 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie « TOMO77 a documenté une période marquée par l'isolement et la confusion, depuis les premiers jours angoissants de la pandémie jusqu'à plus d'un an de troubles politiques et sociaux. Au milieu de ce témoignage poignant d'incertitude, de tumulte et de division, TOMO77 nous laisse avec une question : Où voulons-nous aller à partir de maintenant ? » - Shepard Fairey - OBEY. L'œuvre collaborative de TOMO77 et Shepard Fairey, la sérigraphie « Pandemonium », représente avec force la période tumultueuse qui a marqué le début des années 2020. Cette pièce en édition limitée, tirée à la main en quatre couleurs sur papier d'art crème moucheté, est un véritable artefact culturel, incarnant l'essence même du pop art urbain et du graffiti. Signée par TOMO77 et Shepard Fairey, elle fait partie d'un tirage limité à 300 exemplaires numérotés, témoignant de sa valeur et de sa rareté. Ses dimensions (45,7 x 61 cm) offrent un support idéal aux motifs complexes et aux contrastes saisissants, caractéristiques du travail des deux artistes. La contribution de TOMO77 est particulièrement marquante, son œuvre explorant souvent les thèmes du comportement humain, des bouleversements sociaux et de l'influence du capitalisme, notamment à travers le prisme de l'immigration. L'estampe « Pandemonium » reflète ces thèmes, abordant le désarroi mondial et l'introspection lors de troubles sociaux et politiques majeurs. La collaboration de Shepard Fairey avec TOMO77 sur ce projet renforce la portée narrative de l'œuvre, l'héritage de Fairey dans le street art et l'art engagé enrichissant le cadre conceptuel de l'estampe. Grâce à leur travail commun, « Pandemonium » devient plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est une interrogation visuelle posée au public, l'invitant à réfléchir à la direction que prend l'humanité en temps de crise. L'estampe témoigne de la maîtrise technique de l'artiste et de son engagement à utiliser l'art comme outil de réflexion et de transformation.

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Tirage d'art sur papier buvard EpiPen « Trip A Stitch In Time » par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Stitch de Ben Frost et la rébellion des ordonnances L'œuvre « Trip A Stitch In Time EpiPen Blotter Paper Archival Print » de Ben Frost, une estampe pigmentaire en édition limitée sur papier buvard perforé, publiée en 2025, poursuit la critique acerbe de l'artiste de rue australien à l'égard du consumérisme, du marketing pharmaceutique et de la récupération de la culture populaire. Dans cette œuvre, l'extraterrestre Stitch, personnage de dessin animé, est représenté dans une crise de frénésie, superposé à un emballage d'EpiPen. Reconnu pour ses collisions visuelles sans concession, Ben Frost utilise l'énergie brute du graffiti et l'esthétique de la bande dessinée pour livrer une satire mordante du marketing de la dépendance médicale, tout en transformant des personnages d'enfance familiers en symboles d'un chaos hyperactif. Quand le pop art urbain rencontre l'anxiété liée aux médicaments Ce qui distingue cette œuvre dans la catégorie Street Pop Art et Graffiti, c'est son honnêteté brutale, tant sur le plan esthétique que dans son message. L'association d'un Stitch hyperactif et de la typographie stérile d'un médicament sur ordonnance crée une dissonance visuelle immédiate. Les dents acérées, les yeux exorbités et la main griffue de Stitch expriment un excès d'émotions, en contradiction flagrante avec le design contrôlé et impersonnel de l'étiquette de l'EpiPen derrière lui. Cette juxtaposition agit comme une métaphore de l'épuisement culturel, de la médication de l'identité et de la marchandisation de l'enfance et de la santé. L'utilisation par Frost de buvards, un support historiquement associé au LSD, renforce la tonalité psychédélique et ajoute une dimension supplémentaire à la réflexion sur l'évasion sociale par les pilules, le plaisir ou la nostalgie. La perforation comme support et message L'estampe est réalisée sur une feuille buvard perforée de 19 x 19 cm, perforée à la main par Zane Kesey, fils de Ken Kesey, figure emblématique du mouvement psychédélique. Ce détail inscrit l'œuvre dans un débat historique plus large autour de la conscience, de l'art et de la rébellion. Dans ce format, l'œuvre devient un objet de consommation métaphorique, suggérant l'idée de déconstruire les récits aseptisés pour révéler des vérités fragmentées. Les perforations font également écho à l'éphémère du street art, à sa nature même de division, de destruction ou de partage. Le médium est autant un message qu'une image, Frost exploitant chaque centimètre carré du support pour une narration critique. Le pouvoir de la mutation satirique dans la culture urbaine Le style visuel de Ben Frost repose souvent sur la mutation, l'appropriation et la critique, et « Trip A Stitch In Time » se distingue par son commentaire frénétique sur la surstimulation, la distorsion identitaire et la dépendance aux médicaments. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre dépasse la simple parodie du monde médical : elle dénonce l'équilibre artificiel que la société tente d'imposer par le biais des pilules, des marques et des personnages réinterprétés. Stitch, dans cette réinterprétation chaotique, devient un monstre de la consommation moderne, saisi au moment où il s'affranchit des contraintes des étiquettes médicamenteuses et de la nostalgie des dessins animés pour s'attaquer à quelque chose de bien plus humain : la vérité à travers la folie.

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Qui a fait frire Roger Rabbit ? Tirage d'art sur papier buvard perforé Seroquel par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. La folie des dessins animés rencontre la culture pharmaceutique Qui a fait frire Roger Rabbit ? L'estampe « Seroquel Blotter Paper » de Ben Frost réinterprète le personnage animé iconique Roger Rabbit dans le contexte du marketing pharmaceutique moderne. Tirée en édition limitée (19 x 19 cm) sur papier buvard perforé, cette estampe pigmentaire d'archives explore avec une précision satirique la collision entre la culture pop et le conditionnement des médicaments. Mettant en scène le personnage animé arborant un sourire maniaque à côté d'une notice de Seroquel XR, l'estampe est perforée à la main par Zane Kesey et produite en édition signée et numérotée. Cette œuvre critique la façon dont la société normalise les troubles mentaux par le biais du marketing et interroge la coexistence de l'animation, de la nostalgie et des produits pharmaceutiques dans un même message visuel. Image de marque satirique et ironie médicale Frost fusionne la personnalité exubérante de Roger Rabbit avec le Seroquel, un médicament utilisé pour traiter les troubles de l'humeur, afin d'amplifier les effets surréalistes de l'hyperstimulation et de la sédation. En transformant l'aspect clinique d'une boîte de médicament en une toile ludique et chaotique pour un personnage de dessin animé, Frost brouille la frontière entre traitement et évasion. Son utilisation précise du langage utilisé sur l'emballage de la quétiapine, incluant les informations posologiques et les avertissements, est pourtant détournée par le comportement erratique de Roger Rabbit. Le message sous-jacent interroge la manière dont les médicaments sont commercialisés dans une culture qui instrumentalise à la fois la maladie mentale et la nostalgie de l'enfance. Subversion matérielle sous forme de buvard Le format buvard est essentiel à la portée conceptuelle de l'œuvre. Traditionnellement associé à la distribution de LSD, le buvard évoque une filiation psychédélique et suggère une perception altérée de la réalité. En plaçant un personnage de dessin animé sur un fond imitant un médicament, Frost bouleverse les attentes liées au sérieux du design pharmaceutique par l'absurde. La perforation fragmente physiquement l'image, faisant écho à la fragmentation de la conscience et des émotions dans les expériences médicamenteuses et animées. Ce format permet à l'œuvre de commenter simultanément la culture de la drogue, les médias de divertissement et le marketing de la santé mentale. La provocation visuelle de Ben Frost L'artiste australien Ben Frost s'est fait connaître en détournant la publicité, les logos pharmaceutiques et les dessins animés grand public pour en faire un commentaire social incisif. Son art urbain, à la croisée du pop art et du graffiti, explore la psychologie du consommateur à travers des couleurs vives, des images reconnaissables et des juxtapositions percutantes. « Qui a frit Roger Rabbit ? » est un exemple frappant de cette approche, mêlant l'esthétique de l'enfance à la froideur clinique du monde médical. Frost confronte le spectateur à des contradictions qu'il néglige parfois au quotidien, tirant humour et tension de l'alliance troublante entre la folie des dessins animés et la stabilité imposée. Il ne s'agit pas seulement d'une stimulation visuelle, mais d'une question enveloppée dans un emballage auquel on nous enjoint de faire confiance.

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Dissection de la lettre S, peinture originale technique mixte encadrée sur papier par Nychos, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 201 3 Œuvre originale signée, technique mixte, peinture acrylique en aérosol, dimensions 40 x 48,5 « Mon père et mon grand-père étaient des chasseurs autrichiens traditionnels, alors je pense que c'est de là que me vient mon intérêt pour l'anatomie. Voir un cerf disséqué pour la première fois a été une véritable source d'inspiration. Voir tous les entrailles et les intestins se détacher, c'était un peu hallucinant au début », a confié Nychos à Hypebeast lors d'une performance artistique au Pow Wow Hawaii, le plus grand festival de street art au monde, plus tôt cette année. « En utilisant toutes ces connaissances en anatomie, je pense avoir trouvé un domaine que je peux explorer et développer pleinement. Cela reste une source d'inspiration constante car je trouve toujours de nouvelles façons de m'exprimer. » - Nychos

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