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Coffee Zen Enso - Blanc SP 1 couleur, sérigraphie artisanale en édition limitée sur filtre à café par Takashi Murakami TM/KK. Rare œuvre d'art urbain, célèbre artiste pop. SP Épreuve Spéciale 2020 Signée et marquée « SP » Édition limitée à 15 exemplaires. Œuvre de format 11,4 x 12 pouces, de forme circulaire blanche, sur papier filtre à café teinté à la main. SP est l'équivalent d'une épreuve d'artiste (AP). Coffee Zen Enso – La sérigraphie blanche SP de Takashi Murakami comme méditation pop urbaine L'œuvre « Coffee Zen Enso – White SP » de Takashi Murakami, créée en 2020 et éditée à seulement 15 exemplaires en sérigraphie, révèle une vision évocatrice et méditative, loin de l'univers hyper-coloré qui le caractérise. Cette sérigraphie monochrome, tirée à la main, présente un cercle Enso blanc éclatant sur un papier filtre à café artisanal teinté de café. Cette édition limitée SP, équivalente à une épreuve d'artiste, est signée par Murakami et constitue une pièce rare et très recherchée dans le monde du street art et du graffiti. La série Enso de Murakami transforme la tradition calligraphique zen en un nouveau langage visuel, à la frontière du minimalisme pop et de l'esthétique brute du graffiti. L'Enso, souvent peint d'un seul trait de pinceau spontané, symbolise un moment de clarté, de plénitude et de vérité expressive dans la pratique zen japonaise. En utilisant l'encre blanche plutôt que noire, Murakami inverse la dynamique habituelle : ce qui est habituellement rempli de pigment devient un vide, une absence rayonnante, comme si la lumière elle-même s'était gravée dans la surface organique et patinée du filtre à café. Le contraste entre le blanc éclatant de l'encre et les teintes brunes et terreuses du papier instaure un dialogue poétique entre la matière et le concept. Les taches de café, irrégulières et aux nuances profondes, évoquent le temps, la décomposition et le rituel, reflétant l'expérience calme et contemplative de la dégustation d'un café ou de la méditation en solitaire. Contrairement aux personnages vifs et aux surfaces éclatantes généralement associés à Murakami, cette œuvre fait du silence et de la retenue son langage central, ce qui en fait une œuvre marquante du genre Street Pop Art et Graffiti. Ancrée dans la spontanéité et l'immédiateté propres aux pratiques de la rue, elle élève ces idées au rang de quasi-sacré par sa réalisation minimaliste. La signature SP et le numéro d'édition attestent de sa rareté et confirment son statut d'œuvre d'art à part entière. Mesurant environ 29 x 30 cm, cette œuvre dégage une impression d'intimité et de toucher. Elle invite le spectateur à examiner non seulement la forme, mais aussi la texture, le processus de création et la portée conceptuelle qui la sous-tend. La qualité artisanale du papier la relie à la culture graffiti DIY, tandis que le motif circulaire l'oriente vers une abstraction méditative. En choisissant un papier teinté de café, Murakami tisse un lien entre le rituel quotidien et l'art sacré. L'estampe devient un koan visuel, une énigme méditative qui se refuse à la consommation éphémère. Elle incarne le calme au sein du chaos, la pureté encadrée par une imperfection organique et la tension entre le vide et la forme. L'impact visuel de l'Enso blanc bouleverse les attentes et invite le spectateur à repenser la profondeur de la simplicité. Cette sérigraphie rare fusionne les techniques d'impression contemporaines et le symbolisme ancien, l'éthique du graffiti et la pureté zen, et le contexte pop et la quête spirituelle. Dans Coffee Zen Enso – White SP, Murakami démontre que le Street Pop Art et le graffiti peuvent être aussi méditatifs et philosophiques que rebelles et colorés.

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Coffee Zen Enso - Noir SP 1 couleur, sérigraphie artisanale en édition limitée sur filtre à café par Takashi Murakami TM/KK. Rare œuvre d'art urbain, célèbre artiste pop. SP Épreuve Spéciale 2020 Signée et marquée « SP » Édition limitée à 15 exemplaires. Œuvre de format 11,4 x 12 pouces, de forme circulaire noire, sur papier filtre à café teinté à la main. SP est l'équivalent d'une épreuve d'artiste (AP). Coffee Zen Enso – Méditation minimaliste de Takashi Murakami dans l'art urbain pop et le graffiti Takashi Murakami, le célèbre artiste japonais né à Tokyo en 1962, est surtout connu pour l'univers vibrant et hyper-saturé du Superflat et ses personnages colorés, profondément ancrés dans la culture otaku et kawaii. Pourtant, sa sérigraphie artisanale intitulée Coffee Zen Enso – Black SP, créée en 2020, révèle une facette radicalement différente, mais aussi profondément philosophique, de son vaste langage visuel. Limitée à seulement 15 exemplaires, cette édition spéciale capture l'essence minimaliste du zen à travers le motif traditionnel japonais du cercle Enso, ici rendu par un unique trait noir expressif sur du papier filtre teinté de café. L'exploration de la forme Enso par Murakami est un puissant hommage à la simplicité et à l'imperfection spirituelles, faisant le lien entre la calligraphie orientale classique et l'art urbain contemporain, le pop art et le graffiti. Chaque cercle est légèrement irrégulier, d'une spontanéité audacieuse et d'une incomplétude méditative, évoquant à la fois l'harmonie et le chaos. Cette tension entre structure et entropie, entre intention et abandon, est précisément ce qui confère à cette œuvre sa résonance si profonde. Le fait qu'elle soit imprimée sur du véritable papier filtre à café – visiblement taché et texturé – renforce le caractère de l'œuvre, l'ancrant dans une matérialité organique et tangible. Ce choix relie l'esthétique urbaine contemporaine à l'éthique traditionnelle du wabi-sabi, célébrant la beauté éphémère et l'imperfection. L'encre noire de la sérigraphie, épaisse et appliquée avec soin, se désagrège légèrement vers le bas, suggérant la décomposition ou la transformation. Il ne s'agit pas simplement d'une forme ; c'est un acte. Le trait devient l'enregistrement d'un mouvement, d'une présence, d'un instant de concentration. Il semble puiser sa source dans le même instinct qui pousse les graffeurs à taguer les murs rapidement avant de disparaître dans la nuit : audacieux, spontané, profondément expressif. En transposant cette philosophie dans un médium historiquement réservé à la production de masse, Murakami inscrit le Zen Enso dans le domaine de l'art reproductible et pourtant individuel. La mention SP – pour « Special Proof » (Épreuve Spéciale) – souligne le caractère unique de cette pièce, comparable à une épreuve d'artiste dans le monde de l'estampe, mais plus rare encore. Avec ses dimensions d'environ 29 x 30 cm, cette sérigraphie se situe dans une échelle à la fois modeste et intime, invitant à une contemplation attentive et personnelle. Contrairement aux collaborations commerciales ou aux installations monumentales plus connues de Murakami, « Coffee Zen Enso – Black SP » invite à l'introspection plutôt qu'au spectacle. C'est un minimalisme graffiti érigé en philosophie. L'édition numérotée et la signature de Murakami dans un coin lui confèrent un sentiment d'authenticité et d'intimité, une signature silencieuse d'une pleine conscience créative. Si Murakami éblouit souvent par ses couleurs psychédéliques et ses compositions énergiques, cette édition rare se présente comme une rébellion plus discrète. Elle murmure au lieu de crier, mais avec la même conviction. L'influence de l'esthétique zen, filtrée par le prisme du Street Pop Art et du graffiti, offre une perspective inattendue : une pause dans une culture visuelle en perpétuel mouvement. Cette œuvre est un artefact rare et méditatif, signé par l'une des figures les plus influentes de l'art contemporain, un souffle fugace figé à jamais dans le langage de l'encre et du café.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Ne vous laissez pas berner par Bogart The Squishy, ​​une édition limitée de papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Skel. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Atmos x Coca-Cola Type-5 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection. Édition limitée 2021 Coca-Cola Atmos Collaboration, neuve dans sa boîte scellée

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The Night Shift Art Toy par Esow, sculpture en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection d'un artiste pop street. Édition limitée 2023 à 200 exemplaires. Œuvre d'art de 11,3 pouces. Figurine neuve en boîte, imprimée et numérotée, représentant un Japonais avec une bombe de peinture et une caisse de bière, prêt à taguer. Illustration en vinyle, style graffiti. Le jouet artistique Night Shift par Esow « The Night Shift » d'Esow est une figurine en vinyle en édition limitée, captivante et qui incarne à la perfection l'esprit du pop art urbain et de la culture graffiti. Sortie en 2023, cette sculpture de collection rend hommage à la créativité nocturne et à la rébellion urbaine que représente le graffiti. Limitée à seulement 200 exemplaires, cette figurine minutieusement réalisée témoigne du talent d'Esow pour fusionner les beaux-arts avec l'énergie et la personnalité du street art. Un récit visuel de la culture graffiti Mesurant 28,7 cm, la figurine « The Night Shift » représente un Japonais au style unique, prêt à laisser son empreinte sur le paysage urbain. Munie d'une bombe de peinture dans chaque main et accompagnée d'une caisse de bière, elle incarne l'essence même d'un graffeur se préparant à une longue nuit de graffitis. Le souci du détail d'Esow transparaît dans les vêtements noirs et blancs à motifs du personnage, ses traits fins et sa pose décontractée, capturant la rébellion et l'humour souvent associés aux artistes de rue. La présence de la caisse de bière est particulièrement symbolique, ajoutant une dimension humaine et ancrant le personnage dans l'expérience concrète de la création artistique nocturne. L'attitude à la fois enjouée et sérieuse de la figurine reflète le style caractéristique d'Esow, mêlant esthétique japonaise traditionnelle et influences pop art urbaines contemporaines. La vision artistique d'Esow Esow, artiste de rue pop de renom, est reconnu pour sa capacité à fusionner identité culturelle et thèmes urbains contemporains. « The Night Shift » témoigne de sa maîtrise de la narration à travers une conception sculpturale, offrant un aperçu du monde d'un graffeur. Les traits anguleux et acérés du personnage, ainsi que ses motifs géométriques audacieux, puisent leur inspiration dans les traditions artistiques japonaises, tandis que les motifs urbains font écho au mouvement graffiti mondial. L'œuvre d'Esow célèbre souvent les dualités de la vie urbaine : chaos et créativité, rébellion et art. « The Night Shift » ne fait pas exception, reflétant la profonde compréhension qu'a l'artiste de la signification culturelle du graffiti, à la fois comme acte d'expression personnelle et comme manifeste de contestation des normes sociales. Un objet de collection incontournable L'art toy « The Night Shift » est bien plus qu'un simple objet de collection ; c'est un hommage au pop art urbain et au mouvement graffiti mondial. Chaque pièce est imprimée, numérotée et présentée dans sa boîte d'origine, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection. Tirée à seulement 200 exemplaires, elle garantit son exclusivité et souligne sa valeur en tant que témoignage de l'histoire de l'art urbain moderne. L'art toy « The Night Shift » d'Esow est une remarquable illustration de la rencontre entre l'art traditionnel et la culture urbaine contemporaine. Elle rend hommage à l'impact durable du graffiti sur l'art et la société, et deviendra sans aucun doute une pièce de choix pour les collectionneurs et les passionnés.

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Édition limitée Picnic, pochoir peint à la main et orné à la main sur papier de base Prolux 300 g/m² par MAD Graffiti Street Artist, art pop moderne. Impression au pochoir HPM unique Picnic par Mad Il a exposé ses œuvres uniques sur les murs et dans des galeries d'art de nombreux pays à travers le monde, notamment en Iran, aux États-Unis, aux Pays-Bas, au Royaume-Uni, en Norvège et en Turquie.

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Trilogie Cornetto - Le Bout du Monde Lithographie Édition Limitée Œuvre d'art sur papier mat GF Smith Absolute Naturalis 250 g/m² par Patrick Connan, un artiste de rue pop et de graffiti urbain. Lithographie sur papier GF Smith Absolute Naturalis mat 250 g/m² avec encres d'archivage. Tirage limité à 20 exemplaires. Format A2 (420 mm x 594 mm / 16,5 x 23,4 pouces). Signée, numérotée et estampillée.

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Édition limitée Dive Bar, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Hefe POP Édition Limitée 2 Couleurs Sérigraphie Tirée à la Main sur Papier Beaux-Arts par l'artiste Pop Clint Wilson. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2013

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Impression giclée en édition limitée « Happy Hour » sur papier blanc naturel 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Sol Linero. L'affiche « Happy Hour » est une édition limitée à 100 exemplaires, créée par Sol Linero. Dotée d'une petite marge pour l'encadrement, elle est conçue pour s'adapter à un cadre standard de 20 x 25 cm. Tirages d'art avec certificat d'authenticité. L'œuvre est imprimée sur un papier épais blanc naturel de 290 g/m².

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Ces fêtes me dégoûtent. Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, sur papier d'art fin à motifs mouchetés, par l'artiste Shepard Fairey Street Art OBEY Artwork. Sérigraphie signée et numérotée de 2010, intitulée « Ces fêtes me dégoûtent ». Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Tirage limité à 450 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Cornetto Trilogy - Lithographie Hot Fuzz en édition limitée sur papier mat GF Smith Absolute Naturalis 250 g/m² par Patrick Connan, artiste de rue pop et graffiti urbain. Lithographie sur papier GF Smith Absolute Naturalis mat 250 g/m² avec encres d'archivage. Tirage limité à 20 exemplaires. Format A2 (420 mm x 594 mm / 16,5 x 23,4 pouces). Signée, numérotée et estampillée.

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Peinture à l'huile originale Red Carpet Imperial de Dred66 - Tyree Davis, une œuvre d'art sur support en mousse montée sur une feuille acrylique, issue du street art pop. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2001. Dimensions : 32 x 12 pouces (81 x 30,5 cm). Elle représente deux personnes partageant un repas accompagné de vin sur un immense tapis rouge. Signée, datée et titrée au dos. Imperial / Red Carpet / Dred66 / Mars 2001 L'essence de « Red Carpet Imperial » par Tyree Davis « Red Carpet Imperial » témoigne avec brio du talent artistique de Tyree Davis, alias Dred66, figure emblématique du street art et du graffiti. Cette huile sur toile originale, œuvre unique réalisée sur un support en mousse contrecollée sur une plaque acrylique, illustre la fusion entre l'esthétique du street art et la technique traditionnelle de la peinture à l'huile. Créée en 2001, cette toile signée, de dimensions généreuses (81 x 30 cm), représente une scène à la fois intime et grandiose : deux personnes partageant un repas autour d'une table, une bouteille de vin à la main, sur un immense tapis rouge. « Red Carpet Imperial » de Davis incarne l'esprit du street art en faisant entrer l'intime dans la sphère publique. Les sujets de la peinture – deux individus savourant un simple repas partagé – sont universels. Pourtant, ils se détachent sur un fond qui évoque la grandeur et l'exubérance. Ce contraste, esquissé par les tons à la fois terreux et audacieux de la peinture à l'huile, évoque un récit qui célèbre et critique les dynamiques culturelles et sociales. C'est un instantané de vie qui s'intéresse autant à l'environnement qu'aux individus qui le composent. Style caractéristique de Dred66 et influence artistique Le style caractéristique de Tyree Davis transparaît dans « Red Carpet Imperial », une œuvre qui harmonise l'énergie brute du street art avec la sophistication d'une pièce de galerie. Le fond de la toile porte les marques distinctives du graffiti : tagué, signé et daté par l'artiste, un clin d'œil à la tradition où les artistes marquent leur territoire et s'approprient l'espace. Cet élément relie la pratique du street art aux conventions établies des beaux-arts, créant un dialogue entre deux univers souvent perçus comme disparates. La texture du support en mousse confère à la peinture une impression de relief. Parallèlement, le montage sur une plaque acrylique apporte une touche de modernité, évoquant le vitrage protecteur des installations de street art. Ces choix de matériaux témoignent d'une réflexion approfondie de Davis sur le médium et le message, assurant à « Red Carpet Imperial » une résonance authentique avec le street art, tout en occupant un espace physique et conceptuel différent. Avec « Red Carpet Imperial », Davis propose un commentaire culturel d'une actualité brûlante, aussi pertinent aujourd'hui qu'au début du millénaire. Le titre de l'œuvre, « Impérial », suggère une critique des structures sociales et de la séduction du luxe, un thème profondément ancré dans l'ADN du pop art urbain. Le tableau invite le spectateur à réfléchir aux inégalités et aux contradictions qui imprègnent la vie moderne en plaçant une scène du quotidien dans un contexte évoquant richesse et luxe. De plus, son année de création, 2001, le situe à une époque où le pop art urbain commençait à être largement reconnu comme une forme d'art à part entière. Tyree Davis a contribué à cette reconnaissance grandissante par son œuvre, jetant un pont entre la rue et la galerie et remettant en question les idées préconçues sur la valeur et la place du graffiti et du pop art urbain dans l'histoire de l'art. Héritage et influence continue L'œuvre « Red Carpet Imperial » de Tyree Davis continue d'influencer la communauté du street art et le monde de l'art en général. Elle illustre avec force comment l'esthétique et les thèmes du pop art urbain peuvent être transposés dans différents médiums et contextes, tout en conservant leur impact et leur résonance. L'œuvre de Davis, grâce à son langage visuel audacieux et à son commentaire social sous-jacent, invite à un dialogue permanent sur les intersections entre l'art, la culture et la société. Ce dialogue est aussi essentiel aujourd'hui qu'il y a vingt ans. « Red Carpet Imperial » est bien plus qu'une simple peinture ; c'est un fragment de tissu social, un document historique et un symbole de la capacité intemporelle du pop art urbain à communiquer, à interpeller et à captiver. Tyree Davis, alias Dred66, a créé une œuvre qui est à la fois le reflet et la critique du monde qui l'entoure, s'assurant ainsi une place de choix dans l'histoire du pop art urbain.

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Chateau André Pink Letterpress AP Artist Proof Print by Mr André Saraiva Limited Edition 1-Color on 100# Cover Neenah Classic Crest Natural White Fine Art Paper Graffiti Street Pop Artwork. AP Artist Proof 2023 Signed & Numbered Limited Edition of 100 Artwork Size 16x20 Letterpress Print Mr. André Saraiva Chateau André Pink Letterpress AP Artist Proof 2023 The 2023 Chateau André Pink AP Artist Proof by Mr. André Saraiva is a refined yet mischievous exploration of his signature character-driven style within the broader landscape of Street Pop Art & Graffiti Artwork. Produced as a one-color letterpress print on 100# Neenah Classic Crest Natural White fine art paper, this 16 x 20 inch work is signed and marked as an AP, identifying it as part of the exclusive Artist Proof impressions that accompany the limited edition of 100. These proofs are highly valued in the printmaking world since they represent the earliest pulls used by the artist to evaluate quality, making each example especially desirable for collectors. Visual Style and Narrative Expression Rendered in a soft pink linework, the print centers on André’s iconic graffiti figure Mr. A, shown dancing with carefree delight among bottles, abstract motion lines, and playful objects like a striped ball, toy block, and serpentine worm. Mr. A’s exaggerated grin, crossed-out eye, and top hat convey the irreverence and joie de vivre that defined Saraiva’s early graffiti interventions across Paris. The composition’s whimsical chaos evokes late nights, creative excess, and a sense of unrestrained celebration, all executed with the loose, gestural charm that characterizes André’s work. Even the crossed-out Chateau Marmont header above serves as part of the visual play, letting viewers glimpse the artist’s humor and subversive spirit. Chateau Marmont and Cultural Resonance The inclusion of the Chateau Marmont letterhead anchors the piece in the mythos of one of Los Angeles’ most storied landmarks. Since its opening in 1929, Chateau Marmont has been a refuge for actors, musicians, artists, and writers, becoming a cultural symbol of Hollywood’s creative and often chaotic undercurrents. By stamping his name over the hotel’s header, André merges Parisian street culture with Hollywood lore, transforming the venue into part of his own visual universe. This fusion of settings underscores the global influence of street art and reinforces André’s role as a cultural connector between nightlife, fine art, and urban expression. André Saraiva’s Place in Street Pop Art Born in 1971 and raised in Paris, André Saraiva rose to prominence in the late 1980s and 1990s graffiti scene, introducing the character Mr. A as a symbol of charm, rebellion, and romantic spontaneity. His work has expanded into galleries, fashion collaborations, murals, and nightlife ventures while retaining the playful immediacy rooted in graffiti. The Chateau André Pink AP embodies his ability to transform simple line drawings into cultural statements, blending elegance with irreverence. As an Artist Proof, this print stands as a rare and polished example of Saraiva’s ongoing contribution to Street Pop Art & Graffiti Artwork, encapsulating both the exuberant personality of Mr. A and the timeless allure of creative spaces like Chateau Marmont.

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Chateau André Pink Letterpress AP Artist Proof Print by Mr André Saraiva Limited Edition 1-Color on 100# Cover Neenah Classic Crest Natural White Fine Art Paper Graffiti Street Pop Artwork. AP Artist Proof 2023 Signed & Numbered Limited Edition of 100 Artwork Size 16x20 Letterpress Print Mr. André Saraiva Chateau André Pink Letterpress AP Artist Proof 2023 The 2023 Chateau André Pink AP Artist Proof by Mr. André Saraiva is a playful, elegant, and quintessential example of his signature approach to Street Pop Art & Graffiti Artwork. Produced as a one-color letterpress print on 100# Neenah Classic Crest Natural White fine art paper, this 16 x 20 inch edition reflects the refined craft of traditional printmaking fused with the spontaneity and charm of André’s graffiti linework. Signed, marked as an Artist Proof, and part of a limited edition of 100, this print carries the heightened desirability associated with AP impressions in the printmaking world. Visual Language and Iconic Motifs Printed entirely in a soft pink ink, the artwork showcases Mr. A — André Saraiva’s globally recognized graffiti character — dancing merrily among bottles, building blocks, and swirling starbursts. The crossed-out eyes, wide grin, and lanky triangular body capture the mischievous spirit that has defined the character since its first appearances on Paris walls in the 1990s. In this composition, Mr. A seems to celebrate with carefree abandon, surrounded by whimsical objects that evoke nightlife, play, and artistic indulgence. The loose, gestural lines and simple shapes demonstrate André’s ability to transform minimal forms into expressive storytelling, staying true to his graffiti roots while elevating them within fine art printing. Chateau Marmont and Cultural Context The print is layered onto the iconic Chateau Marmont letterhead — a nod to the legendary Los Angeles hotel known for its deep connection to Hollywood’s creative history. Since opening in 1929, Chateau Marmont has served as a haven for actors, rock stars, writers, and artists, becoming synonymous with artistic freedom, secrecy, and glamour. André’s playful strike-through of the Marmont name and replacement with his own signature creates a humorous takeover, suggesting his world of Parisian graffiti has temporarily claimed Hollywood’s mythic space. This interplay highlights the global reach of street art and the fluidity between luxury culture and underground creativity. Mr. André Saraiva’s Artistic Presence Born in 1971 and raised in Paris, André Saraiva has been a central figure in international graffiti culture for decades. His recurring character Mr. A has appeared on city walls across Europe, the United States, and Asia, becoming a symbol of irreverence, optimism, and artistic wanderlust. Saraiva’s work seamlessly crosses boundaries between street art, nightlife, fashion, and fine art editions. The Chateau André Pink AP encapsulates his ability to merge charm, humor, and aesthetic refinement, producing a print that feels simultaneously spontaneous and luxurious. As part of his expanding body of Street Pop Art & Graffiti Artwork, this Artist Proof stands as a lively testament to André’s enduring influence and his unique ability to bring joy and elegance to the world of contemporary urban art.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« Speaking in Tongues », estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 16x20 pouces (40,6 x 50,8 cm).

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Achetez TITLE Edition limitée 2 couleurs Hand Letterpress Print sur MEDIUM par ARTIST pop art graffiti célèbre artiste art. INFO

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« Fuck This Party », estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 16x20 pouces (40,6 x 50,8 cm).

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« Le Dragon Blanc », édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier épais, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée (2013), série VI. Format : 30,5 x 61 cm. Encre métallisée argentée effet pluie. Cette estampe est une collaboration entre Tim Doyle et Nick Derington. Elle est signée à la main d'un VII et présente des marges blanches. Inspirée du film Blade Runner. Sérigraphie « Le Dragon Blanc » de Tim Doyle « Le Dragon Blanc » de Tim Doyle est une œuvre visuellement saisissante, mélangeant art urbain pop et graffiti, influences cyberpunk et paysage urbain d'une précision méticuleuse. Créée en 2013, cette sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur papier épais fait partie d'une édition limitée à 300 exemplaires. Signée à la main d'un VII et dotée de marges blanches, elle utilise une encre argentée métallisée pour créer un effet de pluie scintillant qui sublime le paysage urbain nocturne. Réalisée en collaboration avec l'artiste Nick Derington, cette œuvre capture l'atmosphère électrique d'une métropole futuriste, puisant son inspiration directe dans le film Blade Runner. L'influence de Blade Runner sur l'esthétique urbaine Cette œuvre plonge le spectateur dans une ville dystopique où se mêlent enseignes au néon, ruelles obscures et un commerce traditionnel associé à des technologies futuristes. Inspirée par l'esthétique cinématographique de Blade Runner, la composition de Doyle reflète les éléments visuels marquants du film, notamment la fusion de marchés de rue asiatiques, de publicités sur des gratte-ciel et d'un paysage constamment humide et illuminé. La présence du dragon bleu néon, des panneaux de signalisation flottants et des silhouettes abritées sous des parapluies renforce l'atmosphère cyberpunk. Ces éléments créent un contraste saisissant entre la lumière artificielle et les silhouettes sombres des personnages arpentant les rues détrempées. La profondeur de la composition offre une expérience à plusieurs niveaux, guidant le regard du spectateur des personnages au premier plan vers les structures imposantes à l'arrière-plan. L'intégration de logos de marques reconnaissables, comme Atari et Koss, ajoute une touche de nostalgie tout en soulignant la nature consumériste de ce monde futuriste. Cette combinaison d'images commerciales et de réalisme urbain cru est une caractéristique du street art et du graffiti, reflétant un commentaire plus large sur l'évolution technologique et la fusion culturelle. L'approche de Tim Doyle en matière de pop art moderne Tim Doyle est reconnu pour son talent à transposer des atmosphères cinématographiques en sérigraphies qui conservent l'énergie brute du pop art urbain. Sa formation en illustration et en gravure lui permet de créer des œuvres à la fois graphiques et atmosphériques. Dans « Le Dragon Blanc », l'utilisation d'encre argentée métallisée confère à la pluie une qualité presque animée, insufflant la vie au décor urbain. L'équilibre subtil des tons bleus, rouges et foncés accentue le contraste saisissant entre éléments artificiels et naturels, renforçant la tension entre technologie et existence humaine dans un monde en perpétuelle évolution. La sérigraphie artisanale confère à cette estampe une qualité tangible et tactile que l'art numérique ne peut reproduire. La superposition d'encre crée une impression de profondeur, chaque trait contribuant aux détails complexes qui définissent la composition. Les marges blanches encadrent l'œuvre, lui donnant l'apparence d'un instant figé dans le temps – capturant une ville qui ne dort jamais, en constante évolution et pourtant prisonnière d'une esthétique intemporelle. L'héritage du dragon blanc dans le graffiti et le pop art urbain Dans le cadre de son exploration continue des paysages urbains inspirés du cinéma, Doyle nous livre avec « Le Dragon Blanc » un témoignage de l'influence durable du cyberpunk sur l'art moderne. Cette estampe en édition limitée, d'une facture méticuleuse et au récit immersif, fait le lien entre la nostalgie cinématographique et la culture visuelle contemporaine. L'alliance de la sérigraphie artisanale, de lignes graphiques audacieuses et de palettes de couleurs néon s'inscrit dans l'esthétique du street art et du graffiti, faisant de cette œuvre une pièce maîtresse du travail de Doyle. À travers cette estampe, Doyle et Derington transportent avec brio le spectateur dans un univers à la fois familier et futuriste, où la pluie ne cesse jamais et où les néons brillent sans cesse. « Le Dragon Blanc » est bien plus qu'une simple représentation d'une ville dystopique ; c'est un hommage au langage visuel qui a marqué des générations de rêveurs urbains, de conteurs et d'artistes.

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Happy House - Champagne, impression d'art giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 9x12, 2015

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Vices, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne Sheefy McFly - Tashif Turner. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Piranhas Club Man Man Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Neal Russler.

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« Lost in Translation », œuvre d'art en édition limitée Giclée, impression d'art sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 20 exemplaires. Signée et numérotée. Médaille d'or SOI55. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Hefe POP Small Tear Édition Limitée 2 Couleurs Tirage Sérigraphique Manipulé à la Main sur Papier Beaux-Arts par l'artiste Pop Clint Wilson. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2013 Petite déchirure en bas à gauche, hors de l'image, sur la bordure blanche.

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Absinthe 16x20 Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts par Pooch Graffiti Street Artist Modern Pop Art.

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Tu veux m'emmener voir un film de kung-fu ? Lithographie offset de Madsaki, imprimée sur papier beaux-arts lisse, édition limitée, tirée à la main, style street art pop graffiti. 2020. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée. Lithographie offset. Format : 27,5 x 27,5 pouces. La synthèse de la culture pop et du graffiti L'œuvre de Madsaki capture un moment de nostalgie cinématographique, faisant référence au phénomène social des salles obscures et au genre spécifique des films de kung-fu, qui ont eu un impact considérable sur la culture populaire. Le titre, « Tu veux m'emmener voir un film de kung-fu ? », évoque une invitation ludique et un retour aux sources. Les personnages représentés, aux traits simplistes et aux contours vifs et marqués, rappellent l'animation contemporaine et le style graffiti traditionnel, caractérisé par des lignes rapides et précises. L'œuvre instaure un dialogue entre l'ancien et le nouveau : le sujet renvoie à une époque révolue tandis que le style est résolument moderne. L'utilisation de couleurs vibrantes, ainsi que le jeu des textures et des superpositions, reflètent la spontanéité et l'immédiateté propres au street art. Les effets de coulures et de bavures intentionnels ajoutent du dynamisme et du mouvement, suggérant l'action et l'énergie typiques des films de kung-fu auxquels elle fait référence. Cette lithographie offset, imprimée sur papier d'art lisse à vélin, est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti réalisé par l'artiste Madsaki. Tirée à la main en édition limitée à 300 exemplaires numérotés et signés, elle a été éditée en 2020. Ses dimensions (70 x 70 cm) offrent un support idéal à l'œuvre expressive de Madsaki, qui explore la culture populaire, l'iconographie et les codes du graffiti. Expression artistique contemporaine Dans le contexte de l'art contemporain, « Wanna Take Me To A Kung Fu Movie? » témoigne de la pertinence durable du Street Pop Art et du graffiti. L'influence de ce genre sur l'art dominant ne cesse de croître, avec des artistes comme Madsaki à l'avant-garde, repoussant les limites des beaux-arts. Tirée en édition limitée, cette œuvre devient un objet de convoitise pour les collectionneurs et les amateurs d'art qui apprécient le mélange de sensibilité street art et de l'intérêt du pop art pour la culture de masse. L'œuvre de Madsaki incarne l'esprit d'accessibilité et d'engagement du street art auprès du public. En intégrant des éléments universellement reconnaissables, l'artiste crée un lien avec un large public. Cette inclusivité est une caractéristique essentielle du Street Pop Art et du graffiti, reflétant les racines démocratiques du genre dans une forme d'expression artistique ouvertement visible et accessible à tous. « Wanna Take Me To A Kung Fu Movie? » de Madsaki est une œuvre d'art visuellement saisissante et une déclaration culturelle qui illustre la fusion du street art et de la culture pop. Elle représente un moment charnière où le cinéma, la nostalgie et l'esthétique inimitable du graffiti convergent pour créer une œuvre qui reflète la société contemporaine tout en rendant hommage à ses prédécesseurs artistiques. Le mélange d'humour, d'histoire et d'audace technique qui s'en dégage en fait une pièce marquante du paysage de l'art moderne.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre d'art « I Heart Vodka », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste moderne Natalia Fabia.

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Qui nous sauvera maintenant ? Sérigraphie par Epyon5, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Sérigraphie au format 16,75 x 25 cm. Qui nous sauvera maintenant ? Sérigraphie d'Epyon5, tirée à la main sur papier beaux-arts « Qui nous sauvera maintenant ? » est une sérigraphie en édition limitée créée par l'artiste Epyon5 en 2013. Tirée à la main, cette sérigraphie mesure 42,5 x 63,5 cm et a été éditée à 50 exemplaires numérotés et signés. L'œuvre illustre la fusion entre le street art, le pop art et le graffiti, intégrant des couleurs audacieuses, des techniques au pochoir et un symbolisme riche pour créer une pièce qui séduira les amateurs d'art urbain et de culture pop. Epyon5 est reconnu pour sa capacité à allier une formation artistique classique à une esthétique inspirée du street art, et cette œuvre témoigne de cette approche. Composition visuelle et symbolisme « Qui nous sauvera maintenant ? » présente un portrait saisissant de Bill Murray, icône culturelle dont le visage est devenu synonyme d'irrévérence et d'imprévisibilité. La composition s'inscrit dans un motif évoquant un emblème, alliant symétrie, motifs héraldiques et typographie superposée. L'utilisation du rouge, du noir et du blanc cassé renforce l'impact graphique de l'œuvre, rappelant à la fois les affiches de propagande et la publicité d'antan. L'effet de soleil rayonnant derrière la figure centrale amplifie le sentiment d'importance, conférant à Murray une aura quasi mythologique. La présence de roses en bas de l'œuvre apporte une douceur inattendue, contrastant avec les lignes nettes et la palette de couleurs contrastées. La superposition des éléments et des textures souligne le caractère artisanal de la sérigraphie, garantissant à chaque tirage de subtiles variations qui le rendent unique. Influence du street art, du pop art et du graffiti Le style artistique d'Epyon5 puise ses racines dans le Street Pop Art et le graffiti, et cette estampe illustre parfaitement sa technique de pochoir caractéristique. Les lignes audacieuses et la palette de couleurs restreinte s'inscrivent dans l'esthétique du graffiti au pochoir, une méthode popularisée par les artistes urbains cherchant à créer un impact fort avec un minimum d'éléments. Son travail s'inspire aussi bien des figures classiques du pop art que des artistes de rue contemporains qui utilisent la sérigraphie pour fusionner les beaux-arts et les références aux médias de masse. La combinaison de la précision du pochoir et des imperfections des techniques d'impression manuelles confère à l'œuvre une qualité tactile impossible à reproduire numériquement. Ce lien avec les mouvements artistiques urbains en fait une pièce de choix pour les collectionneurs sensibles à l'esprit DIY de la sérigraphie et à la dimension rebelle de l'art urbain. Impact et collection Avec seulement 50 exemplaires signés et numérotés, « Who Will Save Us Now » est une œuvre très recherchée par les amateurs de street art et de graffiti. Le choix de Bill Murray comme figure centrale renforce son attrait, car il est fréquemment utilisé dans l'art inspiré de la culture pop en raison de sa personnalité énigmatique et de son statut culte. La réalisation de cette estampe par Epyon5 la place incontestablement au cœur de l'art urbain contemporain, mêlant humour, nostalgie et maîtrise technique. Le caractère collector de cette édition, associé au processus artisanal complexe de l'impression sérigraphique, en fait une pièce maîtresse du portfolio de l'artiste. Sa présence dans des collections privées et des expositions témoigne de l'intérêt croissant pour les artistes qui fusionnent les techniques des beaux-arts avec l'énergie brute de la culture urbaine.

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Intermission - Hohokum, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Richard Hogg, artiste de rue de la contre-culture. Estampe originale de la série d'illustrations du jeu vidéo Hohokum de Richard Hogg.

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Boba - Something In The Tea, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier buvard perforé par Luke Chueh, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Édition limitée signée à 100 exemplaires (2019). Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2019. Tirage : 100 exemplaires. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Happy House - Whiskey, estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art par l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 9x12, 2015

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Trilogie Cornetto - Shaun of the Dead Lithographie en édition limitée sur papier mat GF Smith Absolute Naturalis 250 g/m² par Patrick Connan, artiste de rue pop et graffiti urbain. Lithographie sur papier GF Smith Absolute Naturalis mat 250 g/m² avec encres d'archivage. Tirage limité à 20 exemplaires. Format A2 (420 mm x 594 mm / 16,5 x 23,4 pouces). Signée, numérotée et estampillée.

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Beer POP Édition Limitée Sérigraphie Manipulée à la Main en 2 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par Clint Wilson, Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne.

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Pop Sub Final #5 Édition limitée 2 couleurs, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Ayejay, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée numérotée de 100 exemplaires, 2014. Format de l'œuvre : 7x7 pouces. Pop Sub Final #5 Sérigraphie par Ayejay : La culture crunk à l’état brut Pop Sub Final #5 d'Ayejay est une œuvre de street art pop et graffiti audacieuse et irrévérencieuse qui célèbre l'esprit exacerbé de l'identité subculturelle à travers un minimalisme affirmé. Sortie en 2014 en édition limitée numérotée à 100 exemplaires, cette sérigraphie bicolore de 18 x 18 cm, réalisée à la main, est une pièce saisissante qui fusionne humour, rébellion et une esthétique brute dans un format compact. La silhouette squelettique, en train de toaster avec un gobelet siglé « Crunk Juice », offre une image à la fois humoristique et incisive, mêlant la culture hip-hop crunk de la fin des années 2000 aux traditions visuelles punk et hardcore. La phrase « Crunk's Not Dead » explose en lettres rouge sang irrégulières au-dessus de la silhouette, véhiculant un message de défi dans un style à la fois parodique et engagé. La voix graphique d'Ayejay dans l'expression pop de rue Ayejay, alias Justin Aversano, est un artiste américain qui puise son inspiration dans l'esthétique des fanzines, des flyers punk et du graphisme underground pour créer des compositions épurées et percutantes. Pop Sub Final #5 illustre son talent pour condenser des commentaires culturels complexes en un langage visuel brut et viscéral. La silhouette squelettique en noir et blanc, à la fois détaillée et exagérée, flirte avec le grotesque cartoon, tandis que la typographie rouge à fort contraste ponctue l'œuvre d'une urgence presque anarchique. Composée de seulement deux couleurs, l'impression mise sur sa simplicité, laissant l'énergie de la composition captiver pleinement le regard. Jouant avec l'absurde tout en rendant hommage aux traditions visuelles de la culture urbaine, elle se révèle à la fois comique et culturellement pertinente. Nostalgie subversive et humour de rue Cette œuvre capture un moment culturel précis tout en critiquant la nature éphémère des tendances grâce à la permanence de l'imprimé. La forme squelettique brandissant un verre est un hommage sarcastique au crunk, à la fois phénomène musical et culturel. Loin de s'éteindre, l'esprit du genre est rendu comme immortel, satirique et d'une confiance inébranlable. L'utilisation d'images squelettiques rattache cette œuvre aux motifs punk classiques et à l'iconographie du tatouage, tandis que le texte exagéré imite les pochettes de disques hardcore et le design d'affiches DIY. En condensant toute cette densité visuelle et culturelle dans un tirage de 18 x 18 cm, Ayejay souligne comment des œuvres de petit format peuvent avoir un impact considérable lorsqu'elles s'appuient sur une expression culturelle authentique. Édition artisanale et pertinence culturelle Tirée à seulement 100 exemplaires, chaque pièce de cette édition porte l'empreinte artisanale qui est au cœur de la démarche artistique d'Ayejay et de l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. L'utilisation de papier beaux-arts et de techniques de sérigraphie ancre l'œuvre dans la tradition, mais le message et la manière de l'interpréter sont résolument modernes. Pop Sub Final #5 se dresse comme un témoignage visuel d'un humour irrévérencieux et d'une préservation culturelle. Elle célèbre la pérennité des voix underground tout en raillant l'idée qu'une scène ou un esprit puisse véritablement disparaître. À travers cette estampe, Ayejay réaffirme que l'art audacieux et satirique peut préserver et transformer les mémoires culturelles en symboles de résistance percutants et permanents.

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Impressions d'art en édition très limitée, réalisées à partir de pigments d'archives sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Joshua Horkey. Joshua Horkey « Feeling Super » - Tirage d'art, édition limitée à 12 exemplaires - 30,5 x 30,5 cm • Tirage pigmentaire d'art signé • Papier d'art Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 30,5 x 30,5 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Joshua Horkey • Édition limitée à 12 exemplaires

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Impression d'archives « Cup of Beer PP Printer Proof » par Nicer - Hector Nazario, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 17x14 Pigment d'archivage Beaux-Arts. L'essence créative de « Cup of Beer » de Nicer - Hector Nazario « Cup of Beer » est une épreuve d'artiste (PP) sur papier d'art qui capture l'essence vibrante et dynamique du pop art urbain et du graffiti. Créée par Nicer-Hector Nazario, membre incontournable du légendaire collectif Tats Cru, cette œuvre de 2021 illustre parfaitement son style unique et sa philosophie artistique. L'œuvre, mesurant 35,5 x 43 cm, est imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Ce papier est réputé pour sa capacité à restituer les couleurs avec clarté et profondeur, sublimant ainsi l'impact visuel de cette œuvre d'art pigmentaire d'art. Symbolisme et technique dans l'œuvre de Nicer L'œuvre « Cup of Beer » de Nicer juxtapose l'image ludique d'un homme savourant une bière en toute simplicité à la typographie stylisée et audacieuse typique du graffiti. Cette estampe reflète les nuances culturelles et l'esthétique urbaine qui caractérisent le travail de Nicer depuis des décennies. Son recours à la caricature pour dépeindre les moments joyeux et insouciants de la vie urbaine est souligné par la minutie et le souci du détail qu'il apporte à son œuvre. Le choix du sujet, associé à la forme du graffiti, révèle une célébration du quotidien, un thème souvent exploré dans le pop art. L'estampe n'est pas une simple image statique ; elle dialogue avec le spectateur, offrant un aperçu des aspects communautaires et accessibles de la culture urbaine. Les couleurs vives et l'illustration expressive de « Cup of Beer » sont caractéristiques du mouvement pop art urbain, où le mélange d'éléments graphiques et de motifs urbains crée un langage qui parle à un public diversifié. L'œuvre de Nicer incarne l'esprit du graffiti en tant que forme d'art intrinsèquement publique et engageante, invitant à l'interaction et à la réflexion. L'influence de Nicer sur le street art et la culture pop La contribution de Nicer au monde du street art dépasse largement sa maîtrise technique. Figure influente de la scène graffiti, son œuvre a joué un rôle déterminant dans l'intégration du dynamisme du street art au domaine des beaux-arts. « Cup of Beer », à l'instar de la plupart de ses créations, illustre la richesse culturelle du milieu urbain et le potentiel du graffiti, de ses origines subversives à son statut de forme d'art reconnue. En signant et en marquant chaque exemplaire de « Cup of Beer », Nicer garantit l'authenticité et la valeur de collection de son œuvre, témoignant de l'intérêt croissant porté au graffiti sur le marché de l'art. Son héritage a ouvert la voie aux générations futures d'artistes de rue, plaidant pour la reconnaissance et le respect du street art pop au sein de la communauté artistique. À travers des œuvres comme « Cup of Beer », Nicer-Hector Nazario continue de bousculer les perceptions, de célébrer la culture urbaine et de repousser les limites du street art pop et du graffiti. Son dévouement à son art et ses contributions constantes au monde de l'art confirment son statut de pionnier et d'innovateur du mouvement street art.

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Happy House - Martini, estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art par l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 9x12, 2015

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Tasse et pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 3x10, logo BMW sur une grande tasse fine contenant des pinceaux ayant servi à peindre des couleurs vives. Tasses et pinceaux par Joshua Vides : Commentaire artisanal sur l’art urbain pop et le graffiti « Cup & Brushes » est une sculpture en céramique originale de Joshua Vides, créée en 2023. Peinte et sculptée à la main, cette pièce unique fait partie de sa série « Shattered Dreams ». Haute de 25 cm et large de 7,5 cm, elle est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente un gobelet de peintre stylisé, rempli de pinceaux trempés dans différentes couleurs. L'objet est orné d'un logo BMW déformé, rendu avec le trait noir et blanc caractéristique de Vides et son aspect imparfait, presque caricatural. Il en résulte une fusion satirique entre image de marque et réalisme d'atelier, réalisée sous une forme statique en céramique, mais qui résonne de l'énergie vibrante et subversive du street art et du graffiti. La sculpture frappe d'emblée, apparaissant comme un objet du quotidien figé dans le temps. Le gobelet haut et fin imite un récipient standard en plastique ou en verre, typique de l'atelier d'un artiste, ici transposé dans la céramique. À l'intérieur, cinq pinceaux, chacun trempé dans une couleur primaire différente, émergent, leurs angles et leurs pointes variant, comme figés en pleine utilisation. Des éclaboussures de peinture ornent les manches des pinceaux, évoquant des actions, des mouvements et une présence humaine passés. Le logo BMW, volontairement imprécis, semble dessiné d'une main irrégulière, suggérant une critique ou une pointe d'humour plutôt qu'une admiration. Vides métamorphose le symbolisme des entreprises en une texture malléable, déstabilisant son autorité ostentatoire en le réinsérant dans l'environnement brut du travail créatif. Tension matérielle et commentaire visuel Joshua Vides est connu pour sa capacité à distordre la réalité à travers des formes sculpturales aux allures d'esquisses, aplatissant des objets tridimensionnels en représentations caricaturales. Dans « Cup & Brushes », cette illusion visuelle est secondaire par rapport à la texture et au concept. Les surfaces en céramique brillante sont rehaussées de coulures, de taches et de coups de pinceau, célébrant le désordre de la création tout en pointant du doigt la culture de l'image lisse qui occulte souvent le travail. En peignant le logo d'une voiture de luxe sur une tasse utilitaire servant à nettoyer les pinceaux, Vides crée un contraste saisissant entre aspiration et effort, entre fantasme consumériste et réalité créative. Ce type de subversion visuelle est au cœur du Street Pop Art et du graffiti. Vides utilise la matérialité de la sculpture pour interroger la valeur perçue de la marque par rapport au processus. Les pinceaux, outils souvent négligés dans la création du spectacle, deviennent le spectacle lui-même. La tasse, humble et fonctionnelle, devient alors un piédestal pour la critique. En figeant une scène d'atelier dans la céramique, Vides invite les spectateurs à s'interroger sur ce qui est glorifié et ce qui est caché derrière un design soigné et une image de marque mondiale. Joshua Vides et le langage de la ligne en trois dimensions Joshua Vides est reconnu internationalement pour ses transformations monochromes, dans un style bande dessinée, d'objets du quotidien, d'environnements et de collaborations de mode. Si nombre de ses installations utilisent des lignes nettes et des contrastes marqués pour simuler la bidimensionnalité, « Cup & Brushes » met en avant la texture, la couleur et le volume. Cette œuvre marque une évolution significative dans sa pratique : il ne se contente plus de contours plats, mais construit une critique émotionnelle et culturelle à travers l'objet et la forme. La série « Shattered Dreams », dont est issue cette sculpture, explore en continu l'interaction entre ambition, identité, finalité artistique, capitalisme et fidélité à la marque. L'emblème BMW, déformé et placé négligemment, symbolise les thèmes plus larges de la consommation et du rêve de réussite. La sculpture suggère que derrière chaque marque prestigieuse se cache un assemblage désordonné de pinceaux : utilisés, trempés, tachés et réutilisés dans une quête d'expression créative. Tasses et pinceaux : protestation statique et hommage artistique Cup & Brushes est bien plus qu'une nature morte rendant hommage aux outils : c'est un poème sculptural sur le travail invisible qui sous-tend la culture visuelle. L'œuvre invite le spectateur à regarder au-delà du logo, au-delà de l'espace épuré de la galerie, pour pénétrer dans l'atelier de l'artiste, où les objets ne sont sacrés que lorsqu'ils sont signés, ni valorisés tant qu'ils ne sont pas vendus. Joshua Vides fait émerger cette tension, la capturant dans la céramique et la scellant dans l'esthétique du Street Pop Art et du graffiti. Cette sculpture nous rappelle que même le luxe naît du labeur, et que chaque coup de pinceau recèle une histoire digne d'être sculptée.

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