Émotion

Papier buvard Noche, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Pez, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Figurine What Party - Sculpture de collection en vinyle orange en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste moderne Kaws. Édition ouverte COVID 2020 épuisée. Format : 5,1 x 11,3 x 3,7 pouces. Neuf dans sa boîte. Pied imprimé. Orange Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ? La figurine « What Party » orange s'impose comme un symbole poignant dans l'œuvre de Kaws, artiste moderne influent dont les créations n'ont cessé de brouiller les frontières entre art commercial et beaux-arts. Cette sculpture en vinyle, en édition limitée, mesure 13 x 28,7 x 9,4 cm, une taille à la fois intime et imposante qui lui permet de trouver sa place dans toute collection. Sortie en 2020, année marquée à l'échelle mondiale par la pandémie de COVID-19, cette pièce de collection prend une résonance particulière, son titre, « What Party », faisant écho à l'isolement de cette année et à l'absence soudaine de rassemblements et de célébrations. Confectionnée dans un orange vif, la figurine est immédiatement reconnaissable comme une création de Kaws, avec ses yeux barrés caractéristiques et ses mains exagérées, éléments devenus emblématiques du langage visuel unique de l'artiste. Ce jouet n'est pas qu'un simple objet ludique ; c'est une œuvre d'art à part entière, percutante et porteuse de réflexions sur la condition humaine. Sa couleur éclatante peut être interprétée comme une lueur d'espoir ou un cri d'alarme, incitant à la réflexion sur les bouleversements de notre société, notamment durant cette période d'arrêt brutal du monde. Chaque sculpture est neuve et livrée dans sa boîte d'origine, garantissant qu'elle n'a jamais été exposée ni manipulée. Le pied imprimé de la figurine atteste de son authenticité, un critère essentiel pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Kaws. Bien que cette pièce ait été initialement proposée en édition ouverte, sa disponibilité a rapidement explosé face à une demande supérieure à l'offre, la rendant introuvable et la transformant en un objet de collection très recherché. La figurine « What Party » témoigne non seulement de l'influence durable de Kaws à la croisée du pop art, du street art et du graffiti, mais constitue également un commentaire culturel encapsulé dans du vinyle. Elle capture l'essence d'un moment historique unique, symbolisant l'aspiration collective à la connexion en période de bouleversements mondiaux et le pouvoir intemporel de l'art à refléter et à résonner avec l'esprit du temps.

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Œuvre d'art Slippery Sundae, édition limitée, impression giclée et sérigraphie 1 couleur sur papier d'art Bright Moab Entrada, par l'artiste moderne Buff Monster. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2009. Dimensions de l'œuvre : 32 x 32 cm. L'œuvre « Slippery Sundae » de Buff Monster est un exemple frappant de pop art contemporain, fusionnant l'esthétique du street art et la technique reconnue de la sérigraphie. Réalisée en 2009, cette pièce en édition limitée à 25 exemplaires signés et numérotés illustre parfaitement le style iconique de Buff Monster. Mesurant 81 x 81 cm, l'œuvre offre un support généreux à la vision à la fois ludique et subversive de l'artiste. Le travail de Buff Monster est réputé pour son utilisation vibrante des couleurs et ses personnages fantaisistes, souvent inspirés par les paysages fondants des glaces et les mondes imaginaires qu'elles peuplent. Dans « Slippery Sundae », l'artiste utilise un procédé de sérigraphie monochrome sur papier Bright Moab Entrada Fine Art, permettant une grande précision des détails et une texture riche et tactile. Ce papier a été choisi pour sa capacité à restituer l'éclat des nuances de rose et le contraste graphique des éléments en niveaux de gris, signature de l'art de Buff Monster. L'impression giclée garantit une reproduction fidèle de chaque œuvre, capturant chaque nuance de l'original. Cette œuvre reflète la fascination de Buff Monster pour la juxtaposition du lumineux et du sombre, du doux et du troublant. Ce thème, récurrent dans son œuvre, se manifeste par le tsunami rose bonbon qui submerge des personnages insouciants et joyeux. Avec cette pièce, Buff Monster aborde les thèmes de l'excès et de ses conséquences souvent négligées, le tout dans un format visuel d'une mignonnerie trompeuse. « Slippery Sundae » est non seulement une pièce captivante pour toute collection de pop art, mais aussi le reflet de l'influence grandissante du street art sur la culture visuelle contemporaine. Grâce à cette édition limitée, Buff Monster fait le lien entre ses débuts dans le street art et l'exclusivité des beaux-arts, permettant aux collectionneurs et amateurs d'art d'acquérir une œuvre issue de cette fusion. L'œuvre incarne le parcours de l'artiste à travers le monde de l'art – de la nature éphémère du graffiti de rue à l'impact durable des estampes d'art.

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Et puis les choses se sont améliorées - Purple Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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So Hood - PP Printers Proof Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 310gsm Bright White Fine Art Paper by Artist Bask, Street Pop Art Graffiti Legend. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté sur papier beaux-arts blanc brillant 310 g/m². Format : 40,6 x 61 cm. Sortie : 28 août 2015. Tirage : 50 exemplaires. « Cette œuvre a été créée fin 2013 et comporte de nombreuses couches. J'ai d'abord traité des panneaux pour obtenir l'effet de carrelage souhaité. Ensuite, j'ai superposé des couches de texture, aboutissant finalement au portrait que vous voyez. Elle a été initialement conçue pour un événement au Musée d'Art de Saint-Pétersbourg. L'exposition réunissait cinq artistes et cinq chefs locaux renommés. Chaque chef devait créer un plat inspiré de l'œuvre. Cette pièce fait également partie d'une série de portraits, principalement peints en demi-teintes. J'aime travailler le vieux bois patiné pour la texture unique qu'il offre. Pour cette œuvre, je ne voulais pas utiliser une seule pièce de bois, mais plusieurs, afin d'obtenir un effet de carrelage, à l'image de la façade d'un bâtiment abandonné. J'espère que cette œuvre touchera les gens comme elle m'a touché lors de sa création. Je recommande également d'acheter le tirage, car les tirages de 1xRUN sont tout simplement géniaux ! » - Bask

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Série limitée « All Set », sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 8 x 10 pouces. Couverture en papier Speckletone français, quatre écrans. Édition signée et numérotée à 190 exemplaires. Parution : 28 novembre 2014.

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Sérigraphie « Wake From Your Sleep » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2023 Signée et numérotée Édition limitée à 100 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 24x24 Sérigraphie. La vision saisissante de « Wake From Your Sleep » par Cleon Peterson « Wake From Your Sleep » est une sérigraphie saisissante de Cleon Peterson. Elle capture l’intensité et la puissance brute inhérentes au sujet et au médium. Cette édition limitée de 100 exemplaires, signée et numérotée, éditée en 2023 (61 x 61 cm), est imprimée sur un papier d’art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé, réputé pour sa capacité à restituer des couleurs éclatantes et des images d’une grande netteté. Contraste et confrontation dans le papier d'art Le choix du support par Peterson est délibéré : le papier beaux-arts Coventry Rag offre une toile à la fois brute et résistante, idéale pour les contrastes saisissants et le sujet controversé de « Wake From Your Sleep ». Les bords frangés du papier évoquent la dimension tactile du street art, où la rugosité et l’imperfection font partie intégrante de l’esthétique et du message. La robustesse du papier contribue à la pérennité de l’estampe, garantissant ainsi que l’impact visuel de l’œuvre reste intact au fil du temps. Un message clair à travers l'art de la sérigraphie L'œuvre de Peterson aborde souvent les thèmes du chaos, des luttes de pouvoir et des structures sociales, et « Wake From Your Sleep » ne fait pas exception. L'utilisation saisissante du rouge et du noir souligne la tension et le dynamisme qui caractérisent la pièce. Ce récit visuel percutant plonge le spectateur dans un univers conflictuel et l'incite à se confronter aux vérités dérangeantes concernant le pouvoir et ses abus. Cette œuvre illustre la convergence entre le pop art urbain et le graffiti, où la profondeur des fondements conceptuels égale la force de l'impact visuel. « Wake From Your Sleep » n'est pas qu'une simple déclaration ; c'est un sujet de conversation, un catalyseur de réflexion et de réaction. « Wake From Your Sleep » de Cleon Peterson est une œuvre monumentale du street art contemporain. Elle capture l'essence même du pouvoir de ce mouvement à communiquer au-delà des mots, utilisant l'esthétique du street art pour explorer les complexités de la condition humaine. Dans cette estampe, l'œuvre de Peterson fait écho aux voix de la rue, invitant les spectateurs non seulement à être témoins, mais aussi à s'engager dans le drame social qui se déroule.

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« La vengeance est un plat » - Impression numérique en édition limitée sur assiette en céramique, réalisée par le célèbre artiste de rue graffeur Luke Chueh. Né à Philadelphie, mais ayant grandi à Fresno, Luke Chueh (prononcé THU) a étudié le graphisme à l'Université polytechnique d'État de Californie à San Luis Obispo, où il a obtenu une licence en art et design. Il a ensuite été embauché par la société Ernie Ball, en tant que graphiste-illustrateur interne, et a créé plusieurs designs primés. Ses travaux ont été publiés dans les annuaires de design de Communication Arts et de Print Magazine.

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Limite de crédit - Jusqu'à ce que les dettes nous séparent. Tirage d'art en édition limitée, pigmentaire et d'archives, sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. 2020 Credit Limit - Jusqu'à ce que les dettes nous séparent. Œuvre d'art sur le thème de la carte de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition de 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Jusqu’à ce que la dette nous sépare (refus) « Credit Limit : Until Debt Do Us Part » est une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, une œuvre qui invite à la réflexion. Créée par l'artiste canadien de street art et de graffiti Daniel Bombardier, alias Denial, cette pièce, parue en 2020, fait partie de sa série emblématique « Credit Limit », qui critique le consumérisme et le lien profondément ancré entre amour, mariage et dépendance financière. Mesurant 61 x 46 cm et imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², cette édition limitée est signée, numérotée et estampillée au verso. Seulement 25 exemplaires sont disponibles. L'œuvre allie un visuel saisissant à un commentaire social incisif, ce qui en fait un exemple remarquable du style caractéristique de Denial. Explorer l'amour et le consumérisme à travers le pop art « Jusqu'à ce que les dettes nous séparent » présente une étreinte romantique entre un couple, sur fond d'un motif inspiré d'une carte de crédit American Express. La juxtaposition de l'amour et de l'engagement financier met en lumière la dimension monétaire, souvent négligée, des relations. La pose intime du couple, rendue dans des couleurs vibrantes et un style graphique rappelant la bande dessinée, traduit la passion et la tendresse. Cependant, la carte de crédit en arrière-plan rappelle brutalement les réalités financières qui peuvent influencer et compliquer les relations. Cette dualité entre émotion et matérialisme invite les spectateurs à réfléchir aux implications culturelles et personnelles de l'amalgame entre amour et obligations économiques. L'approche artistique unique du déni L'œuvre de Daniel Bombardier est reconnue pour sa fusion d'imagerie pop et de critique sociale. « Until Debt Do Us Part » illustre sa capacité à réinterpréter des symboles du quotidien en œuvres artistiques percutantes. Le design, inspiré d'American Express, souligne l'omniprésence des institutions financières dans la vie moderne, tandis que l'imagerie romantique confère une profondeur émotionnelle qui touche le public. L'utilisation d'une impression pigmentaire d'archivage garantit la préservation des couleurs éclatantes et des détails précis, tandis que le papier MOAB 290 g/m² sublime la qualité visuelle et tactile de l'œuvre. En combinant des éléments de street art et de graffiti, « Until Debt Do Us Part » crée une œuvre à la fois captivante visuellement et intellectuellement stimulante. La pertinence culturelle de « Jusqu'à ce que la dette nous sépare » Cette œuvre explore les liens complexes entre amour, mariage et société de consommation. En inscrivant un moment romantique dans le contexte de la dépendance financière, Denial critique les pressions sociales qui mêlent souvent engagements émotionnels et économiques. Son édition limitée renforce son importance et en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. « Until Debt Do Us Part » est un poignant rappel de l'influence des systèmes financiers sur nos relations les plus intimes, confirmant ainsi le statut de Denial comme figure majeure de l'art contemporain. Par son esthétique audacieuse et ses thèmes provocateurs, cette œuvre invite le spectateur à repenser la dynamique de l'amour et de la dette dans un monde matérialiste.

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Solitary Child 3 Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Hikari Shimoda, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format : 12x12 pouces. « Enfant solitaire » est une série d'œuvres centrée sur mon thème original de l'inévitabilité de l'Apocalypse. Dans cette série, je propose un nouveau sauveur pour l'humanité : une jeune fille aux pouvoirs magiques (Enfant solitaire n° 1) et un petit garçon héros (Enfant solitaire n° 3). Dans l'univers de mes peintures, l'humanité a péri, comme en témoigne le fond en collage où règne un chaos omniprésent. Dans ces images, mes sauveurs sont apparus devant une humanité agonisante. Après la mort de l'homme, le monde a trouvé un certain répit face au chaos qu'il a engendré. Pendant ce temps, l'humanité rêve égoïstement d'un bonheur nouveau dans l'au-delà. Dans la mythologie de mon œuvre, alors que l'humanité est anéantie, une seule figure subsiste : le Messie, représenté sous les traits d'un enfant. La jeune fille aux pouvoirs magiques fut la première à se retrouver seule après la destruction de l'humanité, confrontée au désespoir et aux dégâts qu'il a laissés derrière lui. Ses yeux brillent d'une lueur étincelante, mais son regard est vide. À l'inverse, les yeux de mon héros sont clos avec une infinie douceur. Pour lui, le monde est un chaos indescriptible, une épreuve accablante. Il ressent toute la joie, le désespoir, l'espoir, la tristesse, absolument tout… Dans un tel état, même le sauveur du monde doit fermer les yeux. – Hikari Shimoda Enfant solitaire 3, estampe pigmentaire d'archives par Hikari Shimoda « Solitary Child 3 » d'Hikari Shimoda est une œuvre saisissante, imprégnée de symbolisme émotionnel et de récit post-apocalyptique, puisant son inspiration dans le street art et le graffiti japonais. Publiée en 2016 sous forme d'une estampe pigmentaire d'archive signée et numérotée, limitée à 50 exemplaires, cette œuvre circulaire de 30,5 x 30,5 cm est imprimée sur papier d'art 310 g/m². À l'instar de « Solitary Child 1 », elle met en scène un enfant comme sauveur spirituel après l'effondrement de l'humanité. Cependant, là où la jeune fille magique du premier volet contemple le monde avec des yeux brillants, « Solitary Child 3 » ferme les yeux, accablé par le chaos et la tristesse. L'enfant héros comme symbole de surcharge émotionnelle La figure centrale est un jeune garçon aux yeux mi-clos, au regard absent et aux joues roses. Son teint pâle, presque fantomatique, contraste avec l'éclat électrique du collage chaotique qui se trouve derrière lui. Il porte un t-shirt constellé d'étoiles où l'on peut lire « JE SUIS UN HÉROS ». Cette phrase n'est pas une déclaration d'ego, mais le poids des responsabilités dans un monde ravagé par l'erreur humaine. Avec de petites cornes noires sur la tête et une solennité implacable, le personnage oscille entre innocence et messager divin accablé. L'univers d'Hikari Shimoda se déroule dans un espace fantastique où des images enfantines se mêlent à de profonds thèmes existentiels. Dans Solitary Child 3, le décor est jonché d'étoiles néon, d'autocollants, de créatures inspirées des animés et de vestiges culturels. Ce chaos visuel symbolise la surstimulation de la société moderne et les débris laissés par son effondrement. L'enfant messianique se tient au milieu de ces décombres, les absorbant tous dans une contemplation silencieuse. Contrairement aux héros qui combattent avec des épées ou des pouvoirs, la résistance de ce sauveur réside dans son expérience émotionnelle intérieure. Tension esthétique entre kawaii et catastrophe Shimoda mêle l'imagerie traditionnelle de la culture pop japonaise à des angoisses profondément contemporaines. L'esthétique de son œuvre emprunte largement à la sensibilité kawaii – personnages mignons, motifs colorés, émerveillement enfantin – mais elle est filtrée par le prisme de l'apocalypse, du deuil et d'une ambiguïté spirituelle. Le personnage ne sourit pas. Ses yeux clos traduisent un besoin de se protéger de la souffrance du monde, alors même qu'il doit se dresser comme son rédempteur. L'artiste invite le spectateur à s'interroger sur le sens de l'innocence face à la destruction, et sur ce que requiert l'héroïsme lorsque le monde a déjà sombré dans le chaos. L'iconographie pop transformée par le récit spirituel « Enfant solitaire 3 » s’inscrit dans la nouvelle vague du street art et du graffiti en fusionnant techniques picturales, esthétique manga et symbolisme conceptuel. L’œuvre d’Hikari Shimoda remet en question les conceptions occidentales traditionnelles de la représentation de l’enfance dans la culture visuelle. Ici, l’enfant n’est ni naïf ni insouciant, mais au contraire profondément conscient, spirituellement complexe et bouleversé par ses émotions. L’utilisation d’une impression pigmentaire d’archives sur un papier d’art épais de qualité supérieure préserve la vivacité et la texture de l’original, permettant aux collectionneurs de ressentir l’intimité et la puissance de la vision de Shimoda. Cette estampe constitue une affirmation profonde au sein de la continuité mythologique de l’artiste. Elle rappelle au spectateur qu’au milieu des ruines, la dernière figure qui subsiste n’est ni un homme politique ni un guerrier, mais un enfant – silencieux, endurant et accablé par la douleur d’un monde déchu.

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Dans « Le Trésor du Temps », une œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier chiffon de coton gravure 315 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan. Estampe d'art giclée signée et numérotée 2020 avec réalité augmentée, papier chiffon de coton 315 g/m², 42 x 54 cm, signée et numérotée, sceau à la cire chaude, édition limitée à 55 exemplaires. Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/518617123 Utilise l' application Artivive

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Estampe d'archives Consoling Spirit 2 de Graham Yarrington sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street artiste. Estampe signée en édition ouverte, format 10x10 pouces, imprimée sur papier pigmentaire d'archivage, édition 2023 Estampe d'archive Consoling Spirit 2 de Graham Yarrington : L'empathie sous une forme surréaliste « Consoling Spirit 2 » de Graham Yarrington est une œuvre poignante et visuellement saisissante qui contribue à l’évolution du street art et du graffiti. Tirée en 2023 en édition ouverte signée, cette œuvre de 25 x 25 cm, réalisée avec des pigments d’archives sur papier d’art en coton, est à la fois intimiste par son format et universelle par son message. Elle juxtapose une immobilité monochrome à une explosion de couleurs éclatantes, mettant en scène deux figures assises sur une branche noueuse, suspendues dans un monde onirique et vaporeux. L’une, rendue en nuances de gris foncé, adopte une posture de deuil ou d’introspection, tandis que l’autre rayonne de teintes vibrantes de rose, d’orange et de jaune, posant une main réconfortante sur l’épaule de la première. Le geste et le contraste des tons évoquent un récit d’une force tranquille, empreint de compassion, de vulnérabilité et de transcendance. Esthétique et symbolisme dans la vision pop de la rue de Yarrington Yarrington, connu pour ses forêts surréalistes, ses figures fantasques et ses thèmes chargés d'émotion, crée des images qui s'apparentent à un folklore visuel. « Consoling Spirit 2 » ne fait pas exception. Le fond en niveaux de gris, parsemé d'une flore minimaliste évoquant des champignons, instaure un paysage émotionnel feutré. Sur ce fond, la figure de l'esprit en néon se détache comme un phare de chaleur et d'empathie, sa palette de couleurs vibrant de vie et de réconfort. Les lignes lumineuses qui soulignent son corps, notamment la forme concentrique autour de sa poitrine, symbolisent l'énergie intérieure, la présence et la bienveillance. Ce contraste rend non seulement le cœur émotionnel de l'estampe visuellement accessible, mais inscrit également l'œuvre dans la lignée du street art, qui valorise l'émotion brute, l'expression spontanée et la richesse des significations. Le ritualisme moderne de Graham Yarrington L'œuvre de Graham Yarrington explore souvent la intersection du fantastique et de l'émotion, où des figures d'un autre monde servent d'avatars à des expériences humaines complexes. La branche d'arbre assise dans *Consoling Spirit 2* imite une scène, plaçant le spectateur dans le rôle d'un observateur invisible d'une interaction sacrée. L'utilisation du noir et blanc pour représenter la tristesse d'une figure et des couleurs néon pour l'éclat spirituel de l'autre témoigne de la maîtrise de la métaphore visuelle par Yarrington. Ses personnages sont réduits à leur essence symbolique, canalisant la résonance émotionnelle du graffiti contemporain et de la culture visuelle pop. À travers ce minimalisme, Yarrington exprime des récits sur la présence, l'absence et la reconnaissance mutuelle, invitant les spectateurs à la réflexion. L'intimité spirituelle dans le contexte du pop art urbain et du graffiti Bien que « Consoling Spirit 2 » ne ressemble pas de prime abord au graffiti urbain traditionnel ni à l'exubérance pop, elle s'inscrit pleinement dans le mouvement du street art grâce à sa clarté conceptuelle et à l'émotion accessible qu'elle dégage. L'estampe de Yarrington est conçue pour parler sans prétention, délivrant un message de bienveillance, de soutien et de connexion humaine dans un format à la fois méditatif et subversif. Le choix de présenter cette œuvre en édition ouverte souligne sa vocation d'artefact émotionnel largement partageable — moins un objet d'exclusivité qu'un message universel transmis de main en main. Cette approche fait écho à l'esprit du graffiti, où les messages ne sont pas destinés à être vendus, mais laissés pour les âmes qui ont besoin de les voir. Graham Yarrington continue d'enrichir le vocabulaire visuel de l'art contemporain avec des œuvres comme « Consoling Spirit 2 », où beauté, empathie et surréalisme convergent sur une branche paisible dans une forêt imaginaire.

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Œuvre d'art « Fleurs fanées », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Meagan Magpie Rodgers. 100 tirages giclée 11”x14” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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Estampe giclée Céline par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 12 x 13 pouces représentant une femme pâle avec une fleur dans les cheveux. La beauté éthérée de Céline par Bec Winnel L'estampe giclée intitulée « Céline », de l'artiste australienne Bec Winnel, est un chef-d'œuvre à la croisée du portrait traditionnel et du pop art urbain. Cette édition limitée, composée de seulement 25 exemplaires signés et numérotés, mesure 29 x 33 cm et captive le regard par la délicate représentation d'une femme au teint pâle, ornée d'une fleur dans les cheveux, un motif riche en symbolisme et empreint d'une douce introspection. Dans « Céline », Bec Winnel adopte une approche intimiste du portrait. Le visage pâle du sujet et les douces nuances rosées de ses cheveux offrent un contraste saisissant et pourtant tendre avec l'univers audacieux et souvent exubérant du pop art urbain et du graffiti. La fleur, symbole intemporel de la beauté éphémère de la nature, est rendue avec une telle minutie qu'elle semble murmurer des histoires sur la fugacité de la vie. Bien qu'ancrée dans les techniques des beaux-arts, l'œuvre communique l'essence même du street art par sa force émotionnelle et son accessibilité. L'impression giclée garantit une reproduction fidèle de chaque nuance des délicats dessins au crayon et au pastel de Winnel, faisant ainsi ressortir les subtiles variations de couleurs et de détails. Ce procédé de reproduction de haute qualité démocratise l'art, s'inscrivant dans l'esprit du Street Pop Art qui vise à rendre l'art accessible à un public plus large, au-delà des galeries et des collections privées. Bec Winnel et la scène artistique contemporaine Bec Winnel, bien que peut-être moins connue que certains artistes de rue, s'est forgée une place de choix sur la scène artistique contemporaine grâce à son style unique, mêlant réalisme et fantaisie. Son œuvre met souvent en scène des femmes plongées dans une profonde contemplation, entourées d'éléments naturels qui soulignent leur lien avec l'environnement et les cycles de la vie et de la mort. Ce lien fait écho aux préoccupations thématiques du Street Pop Art, qui explore fréquemment le dialogue entre le paysage urbain et la nature. « Céline » offre une pause poétique dans l'effervescence du monde du street art, invitant le spectateur à contempler la sensibilité humaine. Le tirage en édition limitée confère à l'œuvre une dimension exclusive, tout en permettant à l'artiste de Winnel de transcender le fossé entre le monde de l'art élitiste et la dimension démocratique du street art. En proposant une version sur papier d'art de son œuvre, elle invite un public plus large à s'approprier son art et à l'intégrer à leur propre espace. Le charme de « Céline » réside dans sa capacité à évoquer une beauté éthérée et une vulnérabilité touchante, des qualités souvent occultées par l'effervescence des espaces où s'expriment généralement le street art et le graffiti. L'œuvre reflète les aspects plus intimes et introspectifs de l'expérience humaine, à l'instar d'une fresque murale dissimulée dans un coin tranquille d'une rue animée. La force de « Céline » tient à l'invitation subtile qu'elle adresse au spectateur : ralentir, apprécier la beauté du silence et songer à la profondeur de l'expérience humaine. Le choix de Winnel de représenter une femme dans un moment de vulnérabilité est une prise de position puissante au sein du street art, souvent dominé par des thèmes plus exubérants et agressifs. Alors que « Celine » trouve sa place auprès des collectionneurs et des amateurs d’art, son récit se poursuit, toujours aussi pertinent aujourd’hui qu’en 2014. Il témoigne des possibilités de convergence entre les beaux-arts et le street art, et de la force de la beauté et de la vulnérabilité dans un monde souvent dur et impitoyable. À travers son art, Bec Winnel contribue à l’évolution du street art et du graffiti, veillant à ce que ce récit demeure aussi diversifié et complexe que l’expérience humaine elle-même.

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Interstellar Jelly Deck, impression d'art en édition limitée avec transfert de pigments d'archivage sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste Tara McPherson. Édition limitée 2022 à 50 exemplaires. Illustration de skateboard, format 8x32. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022.

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« Never Look Back 1 », une œuvre d'art en édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Andrew Bell.

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Papier buvard Cafe Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par Pez, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. « Cafe Blotter Paper » est une œuvre d'art en édition limitée, pleine de vie, signée Pez, reconnu pour son approche vibrante et fantaisiste du street art pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, sorti le 19 avril 2021, il illustre parfaitement la fusion entre la culture pop et le mouvement artistique psychédélique souvent associé aux œuvres inspirées par le LSD. L'œuvre mesure 19 x 19 cm, un format qui rappelle les dimensions traditionnelles du buvard. On y retrouve les personnages et motifs emblématiques de Pez : des figures joyeuses aux traits exagérés, évoluant dans un environnement dynamique et coloré. Leurs facéties se détachent sur un fond pastiche d'éléments psychédéliques et pop art, clin d'œil à l'univers des cafés. Chaque buvard est perforé à la main par Zane Kesey, ce qui garantit que, malgré l'appartenance de chaque tirage à une série limitée, de légères variations peuvent exister d'une pièce à l'autre, contribuant ainsi à l'unicité et à la valeur de collection de l'œuvre. Le processus méticuleux de perforation à la main rend non seulement hommage à l'histoire du buvardage, mais confère également à l'œuvre une qualité artisanale très prisée dans le monde du street art et du graffiti. Le « Cafe Blotter Paper » de Pez capture l'essence même de l'esprit ludique et irrévérencieux du street art, procurant au spectateur un sentiment de joie et de nostalgie. Cette œuvre témoigne de la capacité de l'artiste à transformer un support conventionnel en un véritable terrain d'expression créative, illustrant comment le street art et la culture pop peuvent s'unir pour créer des œuvres à la fois visuellement saisissantes et culturellement significatives. Cette œuvre est un vibrant témoignage de l'innovation et de l'énergie du street art contemporain.

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Planche de skateboard Character Skateboard Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Kenny Sharf x The Hundreds. Photo imprimée d'une œuvre de Kenny Sharf représentant un skateboard trempé dans la peinture, fabriquée aux États-Unis, 8,5 pouces

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Papier buvard d'art en édition limitée Storm Queen, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Tara McPherson. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Tirages d'art giclée en édition limitée « Loner Days » sur papier photo d'archivage, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe.

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Au Naturel 2 2011 Édition limitée 1 couleur Sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Aelhra Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2011. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Harder Faster Stronger - Glitter Ink (OPN HEART 008) HPM Édition Limitée Impression Giclée Multiple Peint à la Main avec Embellissement à la Main sur Papier Mat Épais par Jason Naylor Art de rue à la Peinture à la Bombe. Tirage giclée en édition limitée 18 x 24 pouces sur papier mat épais, orné de paillettes à la peinture en aérosol. Édition de 15 exemplaires. Référence : OPN HEART 008

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Vacances en Thaïlande Black Art Toy de Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection d'un artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2025, format 7x11, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, représentant Kaws Companion, la mère/le père/l'ami et l'enfant tenant une lune fluorescente phosphorescente GID assis sur une Terre lumineuse, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Holiday Thailand Black Art Toy par KAWS – Brian Donnelly La figurine Holiday Thailand Black Art Toy de Brian Donnelly, alias KAWS, est une édition limitée en vinyle de 2025. Elle plonge l'artiste au cœur du street art pop et du graffiti, insufflant une dimension narrative et émotionnelle. Mesurant 18 x 28 cm, la sculpture met en scène l'emblématique personnage KAWS Companion dans une pose protectrice : assis sur un globe bleu et vert éclatant, il berce tendrement une petite figurine d'enfant. Ensemble, ils tiennent une lune fluorescente phosphorescente, dont la surface texturée évoque le paysage lunaire. Sortie en quantité limitée et désormais épuisée, cette édition neuve, dans sa boîte d'origine, est estampillée et imprimée sur le dessous pour garantir son authenticité. L'édition noire est la plus saisissante visuellement de la série Thailand Holiday, accentuant les contrastes de silhouettes, de lumière et d'ombres pour une intensité émotionnelle maximale. Design monochrome avec thèmes universels Entièrement réalisée en vinyle noir mat, cette version élimine toute distraction colorée des figures, laissant la Terre et la lune scintillante occuper le devant de la scène. L'absence de couleur accentue la dimension émotionnelle de l'œuvre, attirant l'attention sur la posture, le geste et la douce intimité entre l'adulte et l'enfant. Ce choix amplifie la portée symbolique de la sculpture, lui permettant d'évoquer la responsabilité globale, la sollicitude parentale et la réflexion sur l'environnement. Le noir confère aux figures une présence quasi fantomatique, tandis que le monde lumineux à leurs pieds demeure vivant et vibrant. L'astre lumineux ajoute une douceur surnaturelle, invitant le spectateur à méditer sur les thèmes de la guidance, de la protection et de l'espoir partagé. Le langage sculptural de KAWS dans l'art urbain pop et le graffiti Né aux États-Unis, Brian Donnelly a fait ses armes dans les rues de Jersey City, où ses premiers graffitis détournaient les publicités publiques à l'aide de caricatures satiriques. Sa figure emblématique, le Companion, est devenue une icône moderne du Street Pop Art et du graffiti, incarnant les thèmes de l'aliénation, de l'empathie et de la mémoire. Avec la série Holiday Thailand, Donnelly a introduit une dimension plus douce et méditative dans l'identité du Companion. L'édition Holiday Black pousse cette idée encore plus loin : son ton sombre et son socle en forme de globe terrestre soulignent l'idée du Companion comme gardien d'un monde fragile. Les yeux en forme de X et les gants caricaturaux caractéristiques sont toujours présents, mais au lieu du sarcasme, ils semblent désormais exprimer le calme et la réflexion. Un chef-d'œuvre de collection dans le minimalisme émotionnel Comme toutes les éditions KAWS Holiday, cette sculpture a été très recherchée dès sa sortie et s'est rapidement vendue comme des petits pains. La version noire est particulièrement prisée pour sa rareté esthétique et sa capacité à suggérer la profondeur par la sobriété. L'utilisation minimaliste de la couleur sublime l'interaction de la sculpture avec la lumière, notamment lorsque la lune se met à briller dans l'obscurité. L'œuvre se métamorphose de façon saisissante entre le jour et la nuit, la douce lueur lunaire apportant une chaleur réconfortante aux silhouettes ombragées. Cette transformation cinétique en fait bien plus qu'un simple objet visuel : une véritable expérience émotionnelle. Pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti, la sculpture Holiday Thailand Black Art Toy est plus qu'une simple figurine : c'est un instant suspendu dans le temps, un équilibre subtil entre silence, recueillement et symbolisme cosmique, à travers le langage visuel si caractéristique de Brian Donnelly.

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Sérigraphie « Je n'aime que toi » de Gary Taxali, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art Arches blanc, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre d'art de 29 x 23 cm. Sérigraphie. Signification et savoir-faire de la sérigraphie « I Love Only You » de Gary Taxali La sérigraphie « I Love Only You » de Gary Taxali est un exemple éclatant d'art urbain contemporain, à la croisée du pop art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, créée en 2014, témoigne du mélange unique de bandes dessinées vintage, d'esthétique publicitaire et d'images ludiques propre à Taxali. Ce style unique ancre son travail dans l'héritage du pop art tout en repoussant ses limites vers les scènes du street art et du graffiti. Reconnu pour son style distinctif, Taxali marie souvent le rétro et le moderne, et cette œuvre ne fait pas exception. Il s'agit d'une impression artisanale en six couleurs sur papier Arches Fine Art blanc, un choix qui reflète le dévouement de l'artiste à l'artisanat et à la qualité. Le papier Arches est prisé des artistes pour sa texture et sa durabilité, gage de sa longévité et de sa valeur de collection. Le tirage limité de « I Love Only You », avec seulement 50 exemplaires signés et numérotés, renforce son exclusivité et son attrait auprès des collectionneurs. Ses dimensions d'environ 74 x 58 cm en font une pièce imposante, idéale pour une mise en valeur. La sérigraphie, une méthode rendue célèbre par l'icône du Pop Art Andy Warhol, permet à Taxali d'obtenir des couleurs vives et des images nettes, saisissantes et chargées d'émotion. Exploration du continuum du pop art dans le street art à travers l'œuvre de Taxa li L'œuvre de Gary Taxali est souvent saluée pour sa capacité à saisir l'esprit du Pop Art et à le transposer sur le support plus brut et expressif du street art. « I Love Only You » illustre parfaitement ce métissage. Le sujet – un personnage fantasque interagissant directement avec un objet inanimé, lui insufflant affection et personnalité – incarne l'intérêt du Pop Art pour le quotidien et le commercial. Cependant, les lignes audacieuses de Taxali et la présence de l'œuvre, à la croisée du Street Art, du Pop Art et du graffiti, évoquent également le caractère spontané et authentique de ces formes d'art. Les personnages de Taxali rappellent les dessins animés des années 1930, tout en possédant une dimension contemporaine qui parle au public d'aujourd'hui. Le caractère ludique de l'œuvre, associé à son message direct et simple, est caractéristique de la capacité du street art à toucher un large public. Ce chevauchement entre l'art savant et l'art populaire, entre les murs des galeries et les coins de rue, est une caractéristique déterminante de la pratique artistique de Taxali et inscrit « I Love Only You » dans le dialogue permanent de l'art en tant qu'expérience publique et personnelle. Valeur culturelle et artistique de la sérigraphie de Taxali « I Love Only You » représente non seulement un mélange de styles artistiques, mais incarne également une prise de position culturelle qui fait écho à l'esprit du Pop Art et du Street Art. Ces deux mouvements ont souvent cherché à estomper les frontières entre culture « savante » et culture « populaire », et l'estampe de Taxali contribue à ce débat. Elle juxtapose des techniques artistiques commerciales à des pratiques artistiques reconnues, suggérant que l'art peut être à la fois accessible et sophistiqué. L'estampe de Taxali occupe une place de choix dans le monde de l'art pour son attrait esthétique et son commentaire sur l'amour, la société de consommation et l'interaction entre texte et image. La phrase « I Love Only You », juxtaposée à divers objets, évoque la marchandisation des émotions et des relations, un thème fréquemment exploré dans le Pop Art et le Street Art. En présentant ce commentaire par la sérigraphie – une technique associée à la production de masse –, Taxali souligne la tension entre unicité et ubiquité, un débat omniprésent dans les discussions sur l'art public. L'attrait durable de « I Love Only You » de Gary Taxali L'œuvre « I Love Only You » de Gary Taxali témoigne du rôle de l'artiste comme trait d'union entre passé et présent, entre beaux-arts et culture urbaine. Par la minutie avec laquelle il réalise cette estampe et le choix judicieux du médium, Taxali a créé une œuvre visuellement captivante, riche de sens et de contexte. À la croisée du Pop Art et du graffiti, elle continue de susciter l'intérêt, d'alimenter les débats et de refléter la culture qu'elle représente et critique. La rareté et la qualité artisanale de l'estampe en font une pièce de collection recherchée, incarnant l'esprit du Pop Art et l'éthique irrévérencieuse et démocratique du street art et du graffiti. Avec « I Love Only You », Taxali a immortalisé un moment de l'histoire de l'art tout en contribuant à son évolution.

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Achetez Alphabet découpé à la main - Sérigraphie bicolore bleue tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé et Numéroté Édition Limitée de 35 Oeuvres Taille 7.75x10

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This Is America PP Archival Print par Denial - Daniel Bombardier Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x18 Pigments d'archivage Le récit provocateur du déni : « Ceci est l'Amérique » « This Is America », de Denial, pseudonyme de l'artiste Daniel Bombardier, illustre avec force la capacité du street art à aborder les problématiques sociales contemporaines. Publiée en 2020 sous forme d'épreuve d'artiste (PP), cette édition limitée, imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², utilise des pigments d'archivage pour une qualité durable. Chaque exemplaire de cette série, mesurant 45,7 x 45,7 cm, est signé et marqué par l'artiste, garantissant son authenticité et son caractère exclusif. La force graphique de l'œuvre et la puissance de son message textuel s'unissent pour former une œuvre à la fois percutante et critique sur l'état des États-Unis. Le travail de Denial est reconnu pour son esthétique audacieuse, mêlant pop art et graffiti pour dénoncer la société de consommation, la politique et les injustices sociales. « This Is America » ne fait pas exception, avec sa représentation graphique qui explore les thèmes de l'identité, de la représentation et de l'expérience américaine. Le titre de l'œuvre, une question chargée de sous-entendus sociaux et politiques, invite les spectateurs à réfléchir à la réalité de la promesse américaine par rapport à sa réalité, notamment en ce qui concerne les dynamiques raciales et sociales. L'influence artistique et la technique du déni Dans la tradition du pop art, Denial utilise des couleurs vives et saisissantes ainsi que des contrastes marqués pour capter le regard et susciter une réaction. Sa technique rappelle celle des pionniers de la sérigraphie, tout en y apportant une touche de modernité intégrant souvent des éléments du street art, tels que le pochoir et la peinture aérosol. L'utilisation du papier beaux-arts Moab Entrada 290 g/m² pour « This Is America » témoigne de l'exigence de qualité de Denial ; le grammage important et la texture lisse du papier en font un support idéal pour les pigments d'archivage, garantissant ainsi la vivacité des couleurs et des détails de l'estampe au fil du temps. La mention « Épreuve d'imprimeur » est significative pour les collectionneurs d'art. Traditionnellement, les épreuves d'imprimeur sont considérées comme rares et précieuses en raison de leur nombre limité et de l'implication directe de l'artiste dans le processus d'impression. La décision de Denial de signer et de marquer chaque épreuve « EP » la distingue des éditions courantes, créant un lien plus profond entre l'artiste et son œuvre et renforçant ainsi sa valeur de collection. Le pop art urbain et son rôle dans le discours culturel Le street pop art, hybride entre l'intérêt du pop art pour la culture de masse et l'expression brute et publique du street art, est devenu une force influente dans le discours culturel. Des artistes comme Denial exploitent la visibilité et l'accessibilité du street art pour mettre en lumière des problématiques sociales cruciales. « This Is America » sert de catalyseur visuel aux discussions sur la race, l'égalité et le rêve américain, utilisant efficacement le langage visuel du pop art pour impliquer un large public dans ces conversations. Le style direct et percutant de l'œuvre est caractéristique du street pop art, capable de remettre en question les perceptions et d'inspirer le dialogue. L'œuvre de Denial, et notamment cette estampe, exploite la puissance de la représentation graphique pour aborder des problèmes de société complexes, illustrant avec force comment l'art peut refléter et influencer son époque. En résumé, « This Is America » de Denial est bien plus qu'une simple œuvre d'art moderne : c'est une prise de position, une interrogation et le reflet de notre temps. Son imagerie provocatrice et les débats qu'elle suscite lui confèrent une place indéniable dans la continuité du street pop art et du graffiti. En tant que tirage d'archive PP, il témoigne du pouvoir durable de l'art visuel à commenter et à aborder les problèmes urgents de notre époque.

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Chère maman, papier ligné, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts à bords frangés par Mr. Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue graffiti, pop art moderne. 2021 Édition limitée signée et numérotée à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 22x26. Chère maman, édition sur papier découpé à la main. La célébration artistique de la maternité par Thierry Guetta Dans l'univers foisonnant du pop art et du street art, Mr. Brainwash, pseudonyme de Thierry Guetta, a créé une œuvre qui résonne avec des émotions universelles. « Dear Mom » n'est pas qu'une simple expression visuelle ; c'est un hommage aux figures maternelles du monde entier, capturant l'essence même de la gratitude et de l'affection que beaucoup ressentent envers leur mère. Cette série d'estampes en édition limitée présente une composition empreinte de nostalgie, mêlant l'intimité des mots doux écrits à la main à l'audace du street art. La série « Dear Mom » de Guetta est une célébration sincère de la maternité, immortalisée par une sérigraphie artisanale sur papier d'art frangé. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 75 exemplaires témoigne de la tendresse et de la sincérité des lettres d'enfants à leurs mères. Guetta puise dans un souvenir partagé en choisissant le motif universellement reconnaissable du papier ligné, évoquant l'innocence et la sincérité des premières expressions d'amour. L'élégance nostalgique du papier frangé à la main dans l'œuvre de Guetta Le choix d'un papier frangé à la main confère aux estampes une élégance raffinée, suggérant qu'il ne s'agit pas de simples reproductions, mais d'œuvres d'art soigneusement élaborées. Les bords frangés apportent une dimension texturée qui complète la profondeur émotionnelle de la sérigraphie. L'attention portée par Guetta à la qualité tactile de son travail souligne la physicalité de l'affection, un parallèle pertinent avec la chaleur et le réconfort tangibles que procurent les figures maternelles. À l'instar de Mr. Brainwash, Guetta a toujours eu le don de fusionner les techniques de l'art commercial avec la spontanéité et l'énergie brute du street art. « Dear Mom » illustre parfaitement cette approche, alliant la méticulosité d'un procédé artisanal en cinq couleurs à la puissance émotionnelle brute des notes manuscrites. Il en résulte une série à la fois intime et exquise, à l'image de l'amour maternel. L'impact sentimental de « Chère maman » dans l'art urbain La série « Dear Mom » de Mr. Brainwash transcende les frontières habituelles du street art, explorant une dimension sentimentale et sincère. Elle a touché le cœur du public et des collectionneurs, rappelant le potentiel du street art à bousculer, émouvoir et célébrer. L'œuvre de Guetta est un vibrant hommage aux héroïnes discrètes de nos vies : nos mères. Elle s'inscrit ainsi pleinement dans le paysage du pop art contemporain. Dans le graffiti et le street art, où le message est souvent mis en avant, la série « Dear Mom » de Mr. Brainwash offre un moment de pause, une contemplation de la permanence. Bien que reproduites en sérigraphie, les notes manuscrites conservent leur individualité, faisant écho au lien unique qui unit chacun à sa mère. Avec cette série, Thierry Guetta démontre une fois de plus sa capacité à saisir l'essence de l'expérience humaine dans son art, créant des œuvres aussi émouvantes que visuellement saisissantes.

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Vote Keep Hope & Freedom Alive, sérigraphie rouge, blanche et bleue de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 80 exemplaires par Cleon Peterson Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie politique démocrate représentant une femme à cheval tenant un drapeau américain. Votez pour que l'espoir et la liberté perdurent - Sérigraphie L'estampe sérigraphique « Vote Keep Hope & Freedom Alive » (Vote : Gardons l'espoir et la liberté en vie), aux couleurs rouge, blanc et bleu, de Cleon Peterson, est une œuvre puissante de street art pop et de graffiti. Créée en 2024, cette édition limitée véhicule un message politique et culturel fort, mettant l'accent sur l'espoir, la liberté et la responsabilité civique. Imprimée sur papier d'art Coventry Rag de 290 g/m², elle présente des bords frangés à la main, lui conférant une authenticité et un caractère artisanal uniques. L'édition est limitée à 80 exemplaires signés et numérotés, au format 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), ce qui témoigne de son exclusivité et de son attrait pour les collectionneurs d'art politique contemporain. La vision artistique de Cleon Peterson Cleon Peterson, artiste américain né en 1973, est reconnu pour son œuvre saisissante et souvent provocatrice. Son art aborde fréquemment les thèmes du conflit, des rapports de force et des bouleversements sociaux. Son expérience du graffiti et du street art influence son esthétique audacieuse, caractérisée par des contrastes marqués et une palette de couleurs restreinte. L'estampe « Vote Keep Hope & Freedom Alive » illustre parfaitement ces caractéristiques. La figure centrale – une femme à cheval brandissant un drapeau américain – symbolise la force, la persévérance et le patriotisme. Le choix du rouge, du blanc et du bleu souligne l'identité américaine de l'œuvre, l'associant aux idéaux de démocratie et de liberté. L'impact culturel du street art et du graffiti Le street art et le graffiti sont depuis longtemps de puissants outils de critique sociale. Cette estampe s'inscrit dans cette tradition, utilisant des images graphiques et audacieuses pour inciter à l'action et à la réflexion. La simplicité délibérée de la composition garantit la clarté et l'accessibilité du message, faisant de cette œuvre un exemple par excellence d'art politique à portée populaire. L'utilisation par Peterson de la sérigraphie rattache l'œuvre aux traditions des pionniers du pop art tels qu'Andy Warhol, tandis que l'esthétique urbaine et brute la relie à l'énergie indélébile de la culture graffiti. Les éditions limitées comme moyen d'expression politique L'exclusivité des œuvres d'art en édition limitée comme celle-ci en rehausse la valeur, tant financière que culturelle. L'estampe « Vote Keep Hope & Freedom Alive » trouve un écho auprès des mouvements politiques contemporains, notamment ceux qui mettent l'accent sur l'engagement civique et la protection des idéaux démocratiques. En associant un récit visuel puissant à l'intimité d'une édition numérotée et signée à la main, Peterson fait le lien entre le personnel et le politique, créant une œuvre à la fois monumentale et accessible. Cette œuvre est un exemple frappant de la manière dont le street art et le graffiti modernes peuvent exprimer des sentiments politiques tout en conservant une dimension esthétique. Par son imagerie audacieuse et ses éléments symboliques, elle se présente à la fois comme un appel à l'action et une célébration des valeurs intemporelles d'espoir et de liberté.

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Love Potion #1 Mini Nugs Édition Limitée Jouet d'Art de Collection Fait Main et Peint par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Chaque Mini Nug, édition limitée 2022, mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement fabriquée à la main. Livrée dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Numérotée et signée, cette édition limitée est composée de 20 exemplaires.

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Faire semblant d'être amoureux - Sérigraphie artisanale en édition limitée, 5 couleurs violettes, sur papier Cougar d'archivage, par Greg Gossel, artiste pop art de rue rare. Édition limitée 2015, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 19 x 25 Impression 5 couleurs 19 x 25 pouces sur papier blanc Cougar sans acide et de qualité archive

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Dans cet abîme sauvage - Préservatif Paradise Lost, édition limitée, sculpture de préservatif avec trou, œuvre d'art du légendaire artiste de rue de graffiti Pat Riot. Ne pas utiliser dans cet abîme sauvage. Préservatif Paradise Lost, œuvre d'art de Pat Riot.

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Girl With Heart PP Print Archival Proof par Nicer - Hector Nazario Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x17 Pigment d'archivage Beaux-Arts. Dévoilement de « Girl With Heart » de Nicer - Hector Nazario « Girl With Heart » est une estampe d'archive vibrante de Nicer, alias Hector Nazario, figure emblématique du street art et du graffiti. Tirage d'épreuve signé de 2021, cette édition limitée témoigne des profondes racines graffiti de Nicer et de son dialogue constant avec l'esthétique pop art. Imprimée avec des pigments d'archivage sur papier beaux-arts Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre de 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) garantit la pérennité de ses couleurs riches et de ses lignes audacieuses. L'expression artistique de Nicer dans le street art Cette œuvre met en scène un personnage à la fois espiègle et touchant, une caractéristique du travail de Nicer. La figure, représentation fantaisiste d'une femme au grand cœur, illustre la capacité de Nicer à insuffler émotion et narration à ses sujets. Le fond, où figure le nom de l'artiste en lettres stylisées et audacieuses, ancre fermement l'œuvre dans la tradition de l'art urbain. La juxtaposition du personnage animé avec les éléments plus traditionnels du graffiti reflète la complexité du street art, où les frontières entre culture urbaine et iconographie dominante s'estompent. La maîtrise du graffiti par Nicer transparaît dans la précision des lignes et l'équilibre des couleurs, démontrant que le street art n'est pas qu'un acte de rébellion, mais une forme sophistiquée de communication visuelle. À travers « Girl With Heart », Nicer invite le spectateur dans un univers où la brutalité de la rue rencontre le charme des dessins animés, où le graffiti n'est pas du vandalisme, mais une forme d'art légitime et captivante. Cette estampe témoigne de l'héritage durable du street art et de son évolution, des marges de la société aux murs des collectionneurs et des passionnés. Elle illustre l'influence de Nicer sur le genre, incarnant à la fois son rôle d'artiste et d'innovateur. « Girl With Heart » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un récit qui révèle le pouvoir transformateur du street art et sa capacité à saisir la complexité des émotions humaines et les tendances sociétales. Dans l'ensemble de l'œuvre de Nicer, « Girl With Heart » est un exemple frappant du potentiel du street art à transcender ses origines et à devenir une forme d'art contemporain respectée et reconnue. Elle incarne l'esprit de la culture hip-hop, une culture que Nicer a contribué à diffuser et à promouvoir par son art. Par son exploration et son innovation constantes, Nicer-Hector Nazario s'impose comme une figure incontournable de l'art moderne, jetant un pont entre la rue et la galerie à chaque coup de bombe aérosol.

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« Cloudy With A Chance » - Impression pigmentaire d'archives sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue et de graffiti Denial, légende de la pop moderne. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Estampe de vandalisme sur panneau de bois encadrée, prête à être accrochée, par Nick Walker, artiste de street art et pop moderne. Pochoir de vandalisme sur bois, impression HPM par Nick Walker (2018), encadré 43,18 cm x 50,80 cm (17 x 20 po) « Vandalisme » de Nick Walker. Édition limitée exclusive DCon à 50 exemplaires, tirages d'art sur bois, signés et numérotés à la main. Chaque tirage est accompagné d'un certificat d'authenticité signé et numéroté. Tirage d'art sur bois de bouleau durable de 1,27 cm (1/2 po), finition blanc éclatant.

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Rode Vlinder dans Vuur Artwork Giclee Limited Edition Print on 315 gsm Etching Cotton Rag Paper by Pop Culture Graffiti Artist Handiedan. Estampe d'art giclée 315 g/m², papier coton, gravure, 42 x 52 cm (image et papier), signée et numérotée, logo en relief, édition limitée à 77 exemplaires, 2020 Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/416245862 Utilise l' application Artivive

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Sculpture en résine peinte en chrome doré « Never Never Give Up » par Mr. Brainwash - Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture signée et numérotée, édition limitée à 18 exemplaires (2023). Dimensions de l'œuvre : 10 x 7 x 1,5 pouces. Boîte avec inscription « Never Never Give Up » en coloris jaune or chromé. L'inspiration et la ténacité dans l'œuvre de Thierry Guetta Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, a créé un puissant symbole de persévérance avec sa sculpture « Never Never Give Up », une œuvre en édition limitée qui reflète la résilience souvent célébrée dans le street art et le graffiti. Cette série exclusive est limitée à 18 sculptures signées et numérotées, mesurant chacune 25,4 x 17,8 x 3,8 cm. L'œuvre est présentée dans un coffret orné de la phrase « Love is the Answer » en chrome, or et jaune, protégeant ainsi la sculpture et soulignant son message et son esthétique saisissants. L'utilisation de résine peinte en or chromé confère à la sculpture une apparence luxueuse, juxtaposant les origines souvent brutes et rebelles du street art à une finition qui suggère raffinement et pérennité. La phrase « Never Never Give Up », écrite dans une police de caractères affirmée, capte immédiatement le regard et incarne un esprit de détermination inébranlable, thème central de l'œuvre de Guetta. Cette sculpture s'inscrit dans la tradition de l'artiste qui consiste à utiliser des expressions de la culture populaire pour les élever du statut de clichés à celui de puissants mantras dans le contexte de l'art. Choix des matériaux et symbolisme dans la sculpture de Guetta En créant « Never Never Give Up », Guetta choisit la résine comme matériau, conformément à sa volonté de concevoir des œuvres d'art qui perdurent bien au-delà de la durée de vie éphémère typique du graffiti traditionnel. La robustesse du matériau et la finition brillante de la peinture or chromé confèrent à la sculpture une présence visuellement percutante et physiquement durable. La surface scintillante joue avec la lumière, insufflant une dimension dynamique aux mots statiques et leur insufflant vie et mouvement. Le message de la sculpture, un appel répété à la persévérance, est amplifié par la qualité réfléchissante du matériau, qui capte le regard du spectateur et invite à la contemplation. Cette affirmation répétée fait écho à la nature inlassable de la poursuite d'objectifs, une métaphore pertinente dans le contexte d'une sculpture qui témoigne de la capacité d'endurance de l'artiste – et, par extension, de l'humanité. Le rôle de Thierry Guetta dans le street art, le pop art et les beaux-arts La contribution de Thierry Guetta au paysage de l'art contemporain se distingue par sa capacité à faire le lien entre le street art et les beaux-arts. Ses œuvres, dont « Never Never Give Up », se caractérisent par leurs messages optimistes, leur portée universelle et la fusion harmonieuse de l'immédiateté du street art et du caractère iconique du pop art. Guetta a enrichi le débat autour du street art, le plaçant au cœur de la conscience collective du monde de l'art. « Never Never Give Up », à l'instar de nombreuses œuvres de Guetta, transcende les frontières des genres artistiques et devient un symbole universel de l'esprit humain. Le tirage limité de cette sculpture, associé à la force de son message, en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs sensibles à la dimension esthétique et inspirante de l'art. L'œuvre de Guetta démontre le pouvoir du Street Pop Art à communiquer des vérités profondes et des concepts motivants sous une forme à la fois accessible et percutante.

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Utopia Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art de Qualité sur Papier à Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Travaillez bien ensemble - Sculpture en bombe de peinture rouge en édition limitée, œuvre de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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May Mantas Thrive, œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier aquarelle italien pressé à froid, par l'artiste de graffiti pop culture Caia Koopman. « Que les raies manta prospèrent » de Caia Koopman, publié à l’occasion de la Journée mondiale des océans 2015. Édition limitée à 50 exemplaires (signés et numérotés). Tirage d’art giclée sur papier aquarelle italien pressé à froid de qualité archive, 61 x 46 cm. Imprimé par Paragon Press.

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« Getting Up », édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier métallisé Cougar 100 lb, par Skinner, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie. Il a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré. Son œuvre a été exposée dans de nombreux musées, universités et galeries à travers le monde. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Œuvre d'art Vacancy, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Meagan Magpie Rodgers. 80 tirages giclée 12”x20” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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Qu'est-ce que je fais de ma vie ? - Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée à 20 exemplaires. Format de l'œuvre : 11 x 11 pouces. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial Dans l'univers de Denial, la mémoire est essentielle, car elle constitue le fondement de son œuvre. Elle invite le public, par une approche nostalgique, à s'y intéresser. De ce fait, son art est à la fois familier et troublant, car il révèle les aspects les plus dérangeants de la société, ceux que nous refusons d'admettre. Malgré son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins perçu comme une forme de vandalisme.

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Sérigraphie noire « Police Shooting » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2015 Signée et numérotée Cleon Peterson Édition limitée à 150 exemplaires Œuvre d'art Format 14x18 Sérigraphie. Sérigraphie de Cleon Peterson (2015) « Police Shooting Black » – Une voix percutante dans l'art urbain pop et le graffiti. La sérigraphie en édition limitée de Cleon Peterson, intitulée « Police Shooting Black » (2015), est un exemple saisissant d'art urbain pop et graffiti engagé, sans concession. Imprimée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé, cette œuvre de 35,5 x 45,7 cm a été éditée à 150 exemplaires signés et numérotés. La silhouette noire et contrastée représente un policier sans visage frappant une personne sans défense au sol. Peterson utilise un style immédiatement reconnaissable : épuré, agressif et volontairement minimaliste pour se concentrer pleinement sur le récit du pouvoir, de la soumission et du conflit social. Plus qu'un commentaire, c'est une confrontation visuelle. Cleon Peterson : Un artiste américain dont la vision est ancrée dans la violence et les dynamiques de pouvoir Né en 1973 aux États-Unis, Cleon Peterson poursuit son œuvre en explorant en profondeur les thèmes du chaos, des abus institutionnels et des violences systémiques. Ancien artiste de rue ayant également travaillé dans l'illustration et la mode, Peterson centre souvent sa pratique sur la représentation de la lutte violente. Ses œuvres regorgent de figures archétypales qui réinterprètent les jeux de pouvoir brutaux de la société moderne. « Police Shooting Black » se distingue dans son œuvre, non seulement par son format d'art en édition limitée, mais aussi par sa représentation sans concession des violences policières à caractère raciste. L'image est d'une clarté saisissante. Les figures s'expriment avec une immédiateté percutante, transformant des incidents du monde réel en une allégorie saisissante. L'anonymat des oppresseurs comme des opprimés crée une universalité troublante, mettant en cause les systèmes plutôt que les individus. L'économie visuelle de la violence dans l'art urbain pop et le graffiti Cette estampe prolonge l'urgence brute du graffiti tout en tirant parti de la maîtrise formelle de la sérigraphie et de la présentation en galerie. Le street art, le pop art et le graffiti empruntent souvent leur langage visuel à la signalétique commerciale, à la propagande et à la rébellion, et l'œuvre de Peterson ne fait pas exception. Les figures sont iconographiques, chaque ligne est intentionnelle, chaque silhouette chargée de symbolisme. Peterson réduit l'image à son essence émotionnelle et psychologique, amplifiant le sentiment de déshumanisation et de brutalité systémique. L'utilisation du noir et blanc renforce la force émotionnelle sans pour autant distraire par la couleur. Chaque élément de la composition est provocateur et conçu pour susciter une réaction, un débat et un malaise. Papier chiffon de Coventry et technique de sérigraphie comme moyens de résistance L'utilisation du papier Coventry Rag 290 g/m², réputé pour sa qualité d'archivage et sa surface texturée, confère gravité et pérennité à ce qui pourrait autrement paraître une image de protestation éphémère. La sérigraphie, traditionnellement employée pour la production de masse, est ici élevée au rang de technique artistique à part entière, offrant précision et audace tout en évoquant ses origines underground et urbaines. Le choix du matériau et du médium par Peterson souligne la dualité du Street Pop Art et du graffiti : à la croisée des galeries et des murs politiques, entre objet de collection et contestation. Chaque tirage est frangé à la main, ce qui lui donne un aspect brut – au sens propre comme au figuré – témoignant de l'émotion brute et du message travaillé qui imprègnent l'œuvre. Souhaiteriez-vous des articles sur d'autres estampes ou projets de Peterson ?

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Estampe d'archive Pikachu Pokémon par Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 8x6, pigments d'archivage, beaux-arts, Pikachu Pokémon dansant joyeusement dans un style glitch. Le charme pixélisé de Pikachu : la fusion de l'art et de la culture pop par Adam Lister L'incursion d'Adam Lister dans l'univers de l'art pop est un carrefour vibrant où la nostalgie rencontre une esthétique moderniste. Son estampe d'archives Pikachu Pokémon témoigne de ce mélange unique : une œuvre en édition limitée qui marie l'esprit ludique de Pokémon à l'audace du street art et du graffiti. Cette estampe signée et numérotée de 2023, limitée à seulement 50 exemplaires, est un véritable trésor pour les collectionneurs. Chaque exemplaire incarne à la fois la rareté et l'univers du street art. Le travail de Lister se caractérise par un style pixelisé et décalé, une technique visuelle qui rappelle les débuts du graphisme numérique. L'image de Pikachu, le Pokémon le plus emblématique, est déconstruite en formes géométriques, créant une œuvre à la fois familière et d'une fraîcheur inédite. Le choix du papier beaux-arts mat pressé à chaud de 300 g/m² pour l'impression garantit que chaque couleur et chaque forme sont rendues avec clarté et précision, à l'image des détails méticuleux que l'on retrouve dans les œuvres de graffiti de qualité. Art du graffiti pop : le style emblématique d’Adam Lister Dans l'univers du street art et du graffiti, le choix du sujet est aussi important que l'œuvre elle-même. Adam Lister s'empare du personnage universellement apprécié de Pikachu et le réinvente à travers un prisme qui rappelle fortement l'esthétique des jeux vidéo 8 bits. Il en résulte une œuvre à la fois ludique et sophistiquée qui trouve un écho auprès d'un large public, faisant le lien entre le monde du street art, généralement présent dans les paysages urbains, et l'espace plus feutré des collections d'art privées. Le tirage en édition limitée de l'estampe Pikachu de Lister lui confère une exclusivité souvent recherchée dans le milieu du graffiti. Son format modeste de 15 x 20 cm (6 x 8 pouces) souligne l'intimité de l'œuvre : elle est conçue pour être contemplée de près, permettant ainsi d'apprécier la finesse des compositions géométriques de Lister. Cette attention méticuleuse portée à la forme et à la structure rend hommage à la précision et au talent qui caractérisent les œuvres de graffiti les plus prestigieuses, où chaque ligne et chaque couleur sont intentionnelles et porteuses de sens. Adam Lister : La danse d'un maître de l'art moderne avec les Pokémon Adam Lister, artiste américain, s'est imposé comme un maître contemporain du graffiti pop. Ses œuvres d'art, réalisées à partir de pigments d'archives, telles que l'estampe Pikachu, explorent avec éclat les icônes de la culture pop grâce à une pixellisation évoquant l'aquarelle. Décrite comme « une joyeuse danse en style glitch », l'œuvre capture l'essence même de la nature espiègle de Pikachu, tout en proposant une réflexion sur la numérisation de la culture et le pixel comme unité fondamentale de l'art numérique. Le travail de Lister célèbre l'ère numérique, tout en restant profondément ancré dans la physicalité du street art. La qualité d'archivage de l'estampe garantit que, contrairement au street art qui peut s'estomper ou être recouvert, cette œuvre perdurera comme un hommage durable au caractère de Pikachu et à l'impact intemporel des Pokémon sur plusieurs générations. L'estampe Pikachu d'Adam Lister est un microcosme du dialogue plus large entre culture populaire et art. Elle illustre comment le street art et le graffiti peuvent transcender leurs origines urbaines et trouver de nouvelles expressions et de nouveaux publics. La vision unique et le talent artistique de Lister garantissent que cette pièce en édition limitée sera chérie non seulement comme une œuvre d'art, mais aussi comme un morceau d'histoire culturelle, incarnant l'esprit joyeux de l'un des Pokémon les plus appréciés au monde.

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Vans Anaheim Factory Old Skool 36 DX - Pointure 12 - Chaussures rares, édition limitée, pièce de collection. La Old Skool 36 DX Anaheim Lips rend hommage à notre première usine Vans à Anaheim, en Californie, en reprenant des détails de la Old Skool originale et en offrant un confort modernisé grâce à des semelles intérieures Ortholite® améliorées. La Old Skool 36 DX Anaheim Lips arbore également des détails rétro tels que le numéro de modèle et la palette de couleurs d'origine, des imprimés réédités, une bande de renfort plus brillante, des lacets en coton, une doublure en toile d'origine et une empeigne en daim et textile pour un look authentique.

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« Nous allons nous détruire mutuellement », édition limitée, sérigraphie 6 couleurs rehaussée à la main sur papier beaux-arts coton 350 g/m² par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. 2013 Édition limitée signée et numérotée à 50 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 22 x 30 cm. « Ma copine et moi avons récemment rompu après six ans de relation, et ça a été très difficile à vivre. C'est ma meilleure amie et elle me connaît probablement mieux que quiconque au monde. Elle a une intuition et une clairvoyance incroyables. On a longtemps essayé de sauver notre couple, mais ses pressentiments ont fini par se réaliser. C'est ce qui a inspiré cette œuvre. Cette estampe est une de mes créations hybrides, un mélange d'aérosol bicolore et de sérigraphie six couleurs. Je pense que c'est une œuvre vraiment amusante sur un sujet triste. » - Déni L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Épreuve d'artiste (AP) imprimée en typographie rose « Chateau André » par M. André Saraiva, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Neenah Classic Crest blanc naturel 100#, style graffiti, street art et pop. Épreuve d'artiste AP 2023, signée et numérotée, édition limitée à 100 exemplaires, format 16 x 20 pouces, impression typographique M. André Saraiva Château André Rose Typographie AP Épreuve d'artiste 2023 L'épreuve d'artiste « Château André Pink AP » 2023 de M. André Saraiva est une exploration à la fois raffinée et espiègle de son style caractéristique, axé sur les personnages, au sein du vaste univers du street art, du pop art et du graffiti. Tirage typographique monochrome sur papier d'art Neenah Classic Crest Natural White 100#, cette œuvre de 40,6 x 50,8 cm est signée et marquée « AP », ce qui la désigne comme faisant partie des épreuves d'artiste exclusives accompagnant l'édition limitée à 100 exemplaires. Ces épreuves sont très recherchées dans le monde de l'estampe car elles représentent les premiers tirages utilisés par l'artiste pour évaluer la qualité, rendant chaque exemplaire particulièrement précieux pour les collectionneurs. Style visuel et expression narrative Réalisée dans un doux dégradé rose, l'estampe met en scène la figure emblématique de Mr. A, personnage de graffiti d'André, dansant avec une joie insouciante parmi des bouteilles, des lignes de mouvement abstraites et des objets ludiques comme une balle rayée, un cube de construction et un ver serpentin. Le sourire exagéré de Mr. A, son œil barré et son chapeau haut-de-forme traduisent l'irrévérence et la joie de vivre qui caractérisaient les premières interventions de Saraiva dans le paysage parisien. Le chaos fantaisiste de la composition évoque les nuits blanches, l'exubérance créative et un sentiment de fête débridée, le tout exécuté avec le charme gestuel et décontracté propre à l'œuvre d'André. Même le nom barré du Château Marmont, en haut de l'estampe, participe à ce jeu visuel, laissant entrevoir l'humour et l'esprit subversif de l'artiste. Château Marmont et résonance culturelle L'intégration du papier à en-tête du Château Marmont ancre l'œuvre dans la légende de l'un des lieux les plus emblématiques de Los Angeles. Depuis son ouverture en 1929, le Château Marmont est un refuge pour acteurs, musiciens, artistes et écrivains, devenant un symbole culturel des courants créatifs et souvent tumultueux qui animent Hollywood. En apposant sa signature sur le papier à en-tête de l'hôtel, André fusionne la culture de rue parisienne et les légendes hollywoodiennes, transformant le lieu en une extension de son propre univers visuel. Cette fusion des genres souligne l'influence mondiale du street art et renforce le rôle d'André comme trait d'union culturel entre la vie nocturne, les beaux-arts et l'expression urbaine. La place d'André Saraiva dans le Street Pop Art Né en 1971 et ayant grandi à Paris, André Saraiva s'est imposé sur la scène graffiti de la fin des années 1980 et des années 1990, créant le personnage de Mr. A, symbole de charme, de rébellion et de spontanéité romantique. Son travail s'est depuis étendu aux galeries, aux collaborations dans la mode, aux fresques murales et aux projets nocturnes, tout en conservant l'immédiateté ludique propre au graffiti. L'épreuve d'artiste « Château André Pink AP » illustre sa capacité à transformer de simples dessins au trait en déclarations culturelles, mêlant élégance et irrévérence. En tant qu'épreuve d'artiste, ce tirage constitue un exemple rare et raffiné de la contribution continue de Saraiva au Street Pop Art et au graffiti, incarnant à la fois la personnalité exubérante de Mr. A et le charme intemporel de lieux créatifs comme le Château Marmont.

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