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Portrait à pois - Prints Select, sérigraphie en édition limitée 14 couleurs tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par Sheefy McFly - Tashif Turner, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie multicolore sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² Format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) Sortie : 30 septembre 2021 Tirage : 25 exemplaires

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American Daydream - Foil PP Printer Proof Limited Edition 9 Color Hand-Tiged Silkscreen Print on 10pt Lava Foil Holographic Fine Art Paper by Artist Denial. Épreuve d'impression PP Printers 2021, signée et marquée PP, édition limitée, sérigraphie 9 couleurs sur papier beaux-arts holographique Lava Foil 10 pt, format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), sortie le 9 mars 2021 Le « rêve américain-feuillet » du déni dans le paysage du pop art et du graffiti urbain « American Daydream-Foil », de l'artiste Denial (alias Daniel Bombardier), est une œuvre saisissante qui capture l'esprit du street art et du graffiti. Tirage d'art en édition limitée (épreuve d'imprimeur), cette sérigraphie artisanale en 9 couleurs est une pièce rare et de collection, sortie le 9 mars 2021. L'utilisation d'un papier d'art holographique 10 pt « lave foil » confère à l'œuvre une qualité hypnotique, sa surface réfléchissante créant une impression de profondeur et de mouvement qui renforce son impact visuel. Ses dimensions généreuses (45,7 x 61 cm) permettent de saisir pleinement les détails complexes et les couleurs vibrantes propres à Denial. Chaque exemplaire de cette édition limitée est signé et marqué « PP » par l'artiste, attestant de son exclusivité et de son implication directe dans le processus de création et de validation. Les effets holographiques du papier métallisé interagissent avec l'encre sérigraphique, créant une œuvre dynamique qui se transforme selon le point de vue du spectateur et la lumière ambiante. Le travail de Denial aborde souvent la société de consommation, la politique et les médias, et « American Daydream-Foil » ne fait pas exception. L'image d'un visage de femme, évoquant le style pop art classique popularisé par des artistes comme Roy Lichtenstein, est recouverte d'un motif éblouissant qui révèle et dissimule ses traits. Ce jeu suggère la tension entre la réalité et les rêves fabriqués vendus à la société, un thème récurrent dans l'œuvre de Denial et une critique percutante qui trouve un écho profond dans le street art et le graffiti. Surfaces réfléchissantes et reflets sociétaux dans l'art du déni La surface réfléchissante de « American Daydream-Foil » est un miroir au sens propre comme au figuré, invitant le spectateur à s'interroger sur ses perceptions et les constructions sociales qui les façonnent. L'utilisation du papier aluminium par Denial est particulièrement évocatrice : elle attire le regard et suggère l'attrait et la superficialité du rêve américain. La façon dont l'apparence de l'œuvre change selon la lumière et l'angle de vue peut être interprétée comme une métaphore de la nature changeante de ce rêve et de la quête illusoire du bonheur au sein de la culture américaine contemporaine. Le tirage limité et le statut d'épreuve d'artiste (PP) de l'œuvre rehaussent sa valeur sur le marché de l'art, en faisant une pièce recherchée par les collectionneurs de street art, de graffiti et de pop art moderne. La mention PP indique que cette édition particulière a servi à vérifier la qualité avant le tirage final ; elle est souvent conservée par l'artiste à titre personnel ou vendue à des collectionneurs avertis qui apprécient la rareté et l'authenticité de ces épreuves. « American Daydream-Foil » de Denial enrichit avec force le paysage du street art et du graffiti. Cette œuvre fait le lien entre les origines rebelles du street art et les techniques raffinées de l'impression d'art, créant ainsi un texte à la fois engagé et spectaculaire. À l'image de la plupart des créations de Denial, « American Daydream-Foil » est riche de sens, invitant le spectateur à dépasser les apparences et à s'interroger sur la dimension culturelle qui l'entoure. Dans l'art contemporain, cette pièce illustre avec éclat comment les motifs traditionnels du pop art et les techniques modernes peuvent s'unir pour donner naissance à une œuvre qui reflète et interagit avec la société dont elle est issue.

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Il était une fois… Plus jamais ça ! - Tirage giclée en édition limitée, lenticulaire et holographique, sur papier à vision changeante, par Mimi Yoon, artiste de rue et contre-culture. Œuvre d'art signée en édition limitée 2021, format 21x27

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Actions Speak Louder, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec revêtement UV, par Sheefy McFly, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Sérigraphie 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec vernis UV. Dimensions de l'œuvre : 43,5 x 54 cm. « Actions Speak Louder » s'impose comme une illustration éclatante de l'esthétique unique de Sheefy McFly, qui fusionne harmonieusement les univers du street art et du pop art. Sortie en 2021, cette œuvre en édition limitée se distingue par son éclat exceptionnel. Il s'agit d'une sérigraphie artisanale en 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m², sublimée par un vernis UV qui garantit la longévité et la vivacité des couleurs. Mesurant 110,5 x 137 cm, chaque exemplaire de cette édition limitée à 150 exemplaires est signé et numéroté par l'artiste, ce qui renforce sa valeur de collection. L'œuvre de McFly est reconnue pour son langage visuel énergique, reflet du dynamisme de la vie urbaine. Son utilisation d'une palette riche et la superposition complexe des couleurs reflètent la complexité et l'entrelacement des récits qui composent les paysages urbains. Le vernis UV protège non seulement l'œuvre, mais lui confère également une texture et un éclat particuliers, enrichissant ainsi la perception du spectateur quant au jeu des couleurs et des formes. Dans « Actions Speak Louder », l'artiste exprime une cacophonie d'émotions et un commentaire social à travers le chaos des couleurs et l'expressivité de figures abstraites. Ces éléments s'unissent pour captiver et stimuler le regard du spectateur, mais aussi pour susciter la réflexion et le débat sur les problématiques contemporaines reflétées dans le street art. L'œuvre de McFly dépasse la simple décoration ; c'est un dialogue visuel, invitant à des interprétations aussi diverses que son public. Sheefy McFly s'est imposé comme une figure majeure du monde de l'art, ses œuvres étant très appréciées tant par les amateurs de street art que par les collectionneurs de pop art. « Actions Speak Louder » témoigne de son talent pour synthétiser couleur, ligne et forme afin de créer une estampe qui est à la fois un régal pour les yeux et une source d'inspiration, incarnant l'essence même de ce qui rend le street art et le pop art si pertinents dans la culture moderne.

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Étude nocturne II Dessin original à l'encre sur papier beaux-arts par Sheefy McFly, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original au marqueur signé, 2020, format 18x24 Étude nocturne encadrée II, 2020. Encre sur papier, 61 x 45,7 cm (feuille). Signée et datée sur le bord droit. Dimensions encadrées : 70 x 55 cm.

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Moonrock Shrine - Moonrock Edition Partie 2 Pièce unique originale faite à la main et peinte Mini Nuggets Art Toy Collectible Artwork par les artistes du cannabis Nug Life NY. Sculpture originale signée, réalisée en techniques mixtes, représentant du cannabis (2022). « Les Sanctuaires des Yeux de Pierre sont disséminés partout dans Nugglife. Des jungles aux océans, du Grand Nord aux vastes déserts de Kief, d'anciennes pyramides abritent deux Eye Nuggs. Ces sanctuaires rassemblent fumeurs, cultivateurs et amateurs de nuggets. Que ce soit pour une quête de savoir ou une simple pause fumette, de grandes merveilles attendent ceux qui prennent le temps de les apprécier. Ils ne s'ouvrent qu'à ceux qui y croient vraiment. La rumeur court que ces reliques antiques auraient été utilisées par des extraterrestres pour communiquer avec d'autres mondes. Chaque Eye Nugg est sculptée à la main, avec des détails en résine. Les plantes sont fabriquées artisanalement à partir de fil de fer et d'argile. Chaque pièce est peinte à la main et trempée dans notre mélange de Kief exclusif. Dimensions : 10 x 9 x 7,5 cm. Livrée en boîte. » - Nugg Life NY - Ian Ziobrowski

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Papier buvard YinYang, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Roachi, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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« Fish Lips Pop Street Artwork », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure White Cougar Cover Stock de 80 lb, par l'artiste moderne de graffiti urbain Neal Russler. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Tirage giclée format 7x5. « Lèvres de poisson » de Neal Russler et les nuances de l'art urbain « Fish Lips » de Neal Russler est une œuvre fascinante qui incarne la convergence entre l'esthétique du street art et les techniques raffinées de la gravure d'art. Cette estampe giclée en édition limitée sur papier d'art a été présentée sur la scène artistique en 2013 et a depuis captivé l'attention des collectionneurs et des amateurs d'art urbain et de graffiti. Signée et numérotée par Russler, l'œuvre fait partie d'une édition exclusive de seulement dix exemplaires, chacun mesurant 17,8 x 12,7 cm. « Fish Lips » illustre le mélange unique de figuration et d'abstraction qui caractérise une grande partie du travail de Russler. L'œuvre présente un portrait monochrome d'une femme juxtaposé à deux poissons, leurs lèvres se frôlant presque dans un baiser. La finesse des détails des écailles et l'intensité du regard des poissons contrastent fortement avec la douceur des traits de la femme, créant une interaction dynamique entre le naturel et l'humain. Ce contraste reflète le thème plus large que l'on retrouve souvent dans le pop art urbain et le graffiti, où des éléments inattendus sont combinés pour remettre en question les perceptions et susciter la réflexion. Expression artistique et symbolisme dans « Lèvres de poisson » L'œuvre « Lèvres de poisson » de Russler est riche en symbolisme et en expression artistique, offrant bien plus qu'une simple rencontre visuelle surréaliste. Le poisson, créature symbolisant traditionnellement la fluidité et l'inconscient, interagit avec l'élément humain d'une manière qui suggère un lien plus profond entre les deux mondes. Le choix de représenter le poisson avec une telle importance aux côtés du sujet humain témoigne de l'interdépendance de toutes les formes de vie. Ce concept est à la fois intemporel et particulièrement pertinent dans le contexte écologique actuel. La palette restreinte et la technique de pointillisme méticuleuse employée dans « Lèvres de poisson » confèrent à l'œuvre une texture et une profondeur qui rappellent les gravures classiques. Pourtant, le contenu et la composition sont indéniablement ancrés dans l'esthétique du street art contemporain. L'œuvre de Russler fait le lien entre la nature souvent brute et publique du graffiti et l'expérience intime et contemplative de la contemplation d'une œuvre d'art. Grâce à son statut d'édition limitée, l'estampe « Fish Lips » élève la nature généralement éphémère du street art au rang d'objet de collection, permettant ainsi sa préservation et son appréciation dans le contexte de l'histoire de l'art moderne. Résonance culturelle et potentiel de collection des « lèvres de poisson » En tant qu'œuvre culturelle, « Fish Lips » résonne avec l'esprit de notre époque, marqué par les expériences urbaines et la conscience environnementale. Son attrait réside dans sa capacité à condenser des idées complexes au sein d'une composition simple. Cette qualité en fait une pièce recherchée par les collectionneurs en quête de profondeur. Le tirage limité de cette estampe lui confère une exclusivité indéniable, séduisant le collectionneur averti sensible à la rareté et à l'authenticité de l'art urbain. « Fish Lips » de Neal Russler symbolise le potentiel transformateur du pop art et du graffiti. Elle témoigne de la capacité de ces formes d'art à transcender leurs frontières traditionnelles, fusionnant avec d'autres traditions artistiques pour créer des œuvres visuellement saisissantes et intellectuellement stimulantes. L'œuvre invite le spectateur à explorer les multiples niveaux de signification de l'image, encourageant un dialogue sur notre relation au monde naturel et notre place en son sein. Dans le vaste récit du pop art, « Fish Lips » illustre avec force la polyvalence et l'impact du genre. La voix singulière de Neal Russler dans le monde de l'art, qui mêle des éléments du graffiti urbain aux pratiques artistiques contemporaines reconnues, continue d'inspirer et de susciter la réflexion. Son œuvre, notamment des pièces comme « Fish Lips », illustre le potentiel dynamique du street art pour aborder les problématiques contemporaines et toucher un large public, s'imposant ainsi comme un élément essentiel du débat artistique actuel.

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Œil du Serpent - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs, sur papier Coventry Rag 335 g/m² par Buff Monster x Brian Ewing. Œuvre rare de street art et d'artiste pop célèbre. Papier Coventry Rag 335 g/m², 45,7 x 61 cm, signé et numéroté (par les deux artistes), édition limitée à 200 exemplaires, encre métallisée.

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Impression giclée « Carrousel en feutre » par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Œuvre d'art de 12 x 16 pouces représentant une jeune femme en pleurs, clown de mode stylisé. La poésie visuelle de « Felt Carousel » de Bec Winnel « Felt Carousel », une estampe giclée de la célèbre artiste australienne Bec Winnel, est une œuvre visuelle saisissante qui incarne l'essence même du street art et du graffiti. Sortie en 2012, cette édition limitée est un véritable trésor d'émotion, signée et numérotée pour garantir son exclusivité aux collectionneurs. Seulement 50 exemplaires existent dans le monde, chacun mesurant 30 x 40 cm et imprimé sur papier d'art de haute qualité, témoignant de l'attrait intemporel de l'art tactile et physique dans un monde de plus en plus numérique. L'acceptation de la vulnérabilité dans le pop art urbain « Felt Carousel » représente une jeune femme, vêtue comme un clown de la mode, une larme solitaire marquant son visage. Cette image tranche avec les tonalités souvent vibrantes et agressives associées au graffiti, offrant un moment de vulnérabilité et d'introspection. Winnel mêle avec brio la fantaisie d'un carrousel, symbole traditionnel de l'innocence de l'enfance, à l'état émotionnel complexe de la femme, créant une œuvre riche et nuancée qui invite à la contemplation. Le contraste entre l'expression mélancolique de la femme et le motif léger du chapeau de carrousel suggère une complexité au sein de la simplicité. Cette approche est emblématique de l'évolution du Street Pop Art, capable d'exprimer des commentaires sociaux et les profondes luttes et joies personnelles qui définissent l'expérience humaine. Contempler les subtilités de l'art et de l'expression de rue L'estampe « Felt Carousel » de Bec Winnel nous rappelle avec force que le Street Pop Art n'est pas monolithique ; c'est une expression diverse et dynamique qui transcende les frontières traditionnelles. Le choix d'une impression giclée pour cette œuvre souligne l'importance de la qualité et de la pérennité en art, garantissant la préservation des subtiles nuances de la palette pastel de Winnel et de la profondeur émotionnelle de la pièce. Plus largement, « Felt Carousel » contribue à l'idée que le Street Pop Art et le graffiti ne se limitent pas aux murs des villes, mais trouvent également leur place dans les collections privées, où ils peuvent être contemplés dans un espace personnel. Par son jeu subtil entre innocence et mélancolie, cette estampe démontre la capacité du genre à explorer les profondeurs de la psyché, prouvant que le street art peut être aussi contemplatif et émouvant qu'un portrait classique. Un témoignage de la pérennité de l'esprit d'expression artistique Enfin, « Carrousel de feutrine » témoigne du talent de Bec Winnel pour susciter l'émotion et raconter une histoire à travers son art. Le motif du clown de la mode et l'authenticité des sentiments exprimés par le sujet tissent un récit unique, ouvert à l'interprétation et pourtant universellement compréhensible. Faisant partie des 50 acquéreurs de cette estampe, les collectionneurs sont invités à un dialogue silencieux avec l'œuvre, à contempler la myriade d'émotions qu'elle éveille. Par sa représentation sensible et évocatrice de la condition humaine, Bec Winnel continue de marquer durablement le monde de l'art contemporain. « Carrousel de feutrine » n'est pas qu'une simple estampe ; c'est une part de l'âme de Winnel, partagée avec le monde, et un rappel que le véritable art réside dans la capacité à susciter émotion et réflexion par le langage silencieux de l'image.

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Playbot 1 Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Mimi Yoon. Édition limitée signée pour Sneaker Con 2021

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OG Icons AP Sérigraphie par Buff Monster, épreuve d'artiste, impression sérigraphique tirée à la main sur papier beaux-arts en coton 250 g/m², édition limitée, œuvre d'art pop, street art et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2023 signée et marquée AP, édition limitée, format 18x24, représentant le monstre classique Melty Misfit One Eyed Ice Cream Drippy Monster. Une suite audacieuse de l'univers emblématique de Buff Monster L'estampe sérigraphique OG Icon AP de Buff Monster célèbre le style inimitable de l'artiste, débordant de couleurs vives et de créatures cartoonesques qui enchantent les amateurs de street art. Cette épreuve d'artiste de 2023 se distingue comme un témoignage unique de la fascination constante de Buff Monster pour les motifs de glaces dégoulinantes et les designs de monstres ludiques. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art en coton de 250 g/m², l'œuvre représente le personnage classique de Melty Misfit : un visage borgne qui mêle un charme doux à une allure urbaine et rebelle. L'utilisation de la couleur est particulièrement dynamique, avec des contrastes audacieux soulignant le sourire carnassier de la créature et ses surfaces lisses et fondantes. Cette synergie entre une imagerie innocente et un humour impertinent est caractéristique de l'art de Buff Monster, qui a su fidéliser un public aussi bien dans les galeries que dans la rue. Dans cette œuvre, le monstre borgne occupe une grande partie du cadre, affichant une expression légèrement malicieuse tout en conservant une certaine innocence enfantine. Le procédé de sérigraphie artisanale par couches successives ajoute texture et profondeur, conférant au monstre une qualité quasi tridimensionnelle. Son œil grand ouvert fixe le spectateur avec curiosité, et de fines gouttelettes aux contours dégoulinants accentuent l'impression d'un chaos ludique. Des touches de rose, d'aigue-marine et de noir se fondent harmonieusement, témoignant de la maîtrise de Buff Monster dans l'équilibre entre des palettes de couleurs vives et un trait précis. Cette approche attire immédiatement le regard sur le sujet, capturant l'esprit du street art et du graffiti, où les espaces ordinaires se transforment en fresques interactives et vivantes. Racines du street art, du pop art et du graffiti Buff Monster continue de puiser son inspiration dans la culture urbaine en fusionnant l'imagerie pop avec l'audace du graffiti. Les lignes tourbillonnantes et les fonds minimalistes, caractéristiques des murs de graffiti, se retrouvent ici sous forme de contours nets et de formes graphiques. Bien que l'œuvre soit suffisamment raffinée pour être exposée en galerie, elle n'en conserve pas moins la spontanéité et l'esprit rebelle propres à l'expression urbaine. La silhouette classique d'un cadre rectangulaire devient un terrain de jeu où s'exprime pleinement la personnalité irrévérencieuse du monstre, faisant écho à la manière dont les artistes de rue réinventent souvent les structures publiques en supports d'expression créative. Cette estampe réunit l'énergie débordante de la culture urbaine et une touche d'esthétique pop, célébrant le pouvoir de l'art à bousculer les normes quotidiennes et à susciter le débat. Épreuve d'artiste et savoir-faire technique Estampillée AP (Artist Proof) et signée par l'artiste, cette estampe présente un attrait particulier pour les collectionneurs. Les épreuves d'artiste sont souvent empreintes d'exclusivité, révélant un lien plus étroit avec le processus créatif. Les techniques de sérigraphie par couches successives exigent un alignement précis et une application contrôlée des pigments, ce qui confère aux contours une netteté et une saturation éclatantes. Chaque passage de couleur intensifie l'expression animée du monstre, soulignant des détails subtils comme ses joues roses et son sourire. Cette synergie entre savoir-faire traditionnel et design inspiré du street art explique la forte présence de l'art de Buff Monster dans la culture contemporaine. Un incontournable pour les collectionneurs et les fans L'estampe sérigraphique OG Icon AP séduira les amateurs d'images urbaines audacieuses et pop. Ses contours nets et ses accents néon incarnent le style qui a fait le succès de Buff Monster auprès des passionnés d'art urbain. Malgré son impression sur un support de qualité beaux-arts, la composition dynamique conserve un esprit insouciant, voire espiègle. Ce personnage de monstre ludique nous rappelle que la créativité peut naître d'inspirations quotidiennes – glaces, bonbons, dessins animés – et se métamorphoser en une œuvre originale et évocatrice au contact des influences graffiti. En acquérant une épreuve d'artiste, les collectionneurs préservent un fragment de l'héritage évolutif de Buff Monster, un héritage qui s'épanouit au croisement de la culture jeune, de la sensibilité pop et de l'énergie vibrante du street art et du graffiti.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Gold East Coast Legends 5oz Canbot Canz Pop Graffiti Art Toy par Crash - John Matos x Czee13 Édition limitée Figurine de robot en bombe de peinture. Édition limitée 2023 à 100 exemplaires, neuve en boîte, format 3x5,5, robot graffiti Crash doré et noir, canette de peinture 5oz Canz Canbot, jouet d'art. Crash - Canbot de John Matos : un hommage doré à la culture graffiti Le Canbot Gold East Coast Legends représente l'apogée du street art et du graffiti, où l'esprit rebelle du graffiti se mêle au luxe de l'or. Cette figurine d'art en édition limitée, fruit d'une collaboration entre la légende du graffiti John « Crash » Matos et l'artiste Czee13, sortie en 2023, est une synthèse créative entre le dynamisme du street art et le prestige des métaux précieux. Limitée à 100 exemplaires, la série présente une figurine de robot inspirée d'une bombe de peinture, ornée du style graffiti distinctif de Crash en or et noir. Chaque pièce mesure 7,6 x 14 cm, une taille qui affirme son impact sans masquer la finesse et la qualité artistique du design. La couleur or n'est pas qu'un choix esthétique, mais un hommage délibéré à la valeur et à la pérennité du graffiti en tant que forme d'art. Le Canbot est coiffé d'un bouchon rappelant celui d'une bombe de peinture, portant la signature de l'artiste : « CRASH ! » Des calligraphies ornent chaque Canbot, faisant de lui un monument portatif à l'héritage durable du street art. À la croisée du graffiti et de l'imagerie luxueuse L'utilisation de l'or dans des jouets inspirés du street art, comme le Canbot de Crash et Czee13, offre un commentaire saisissant sur le contraste entre le statut underground traditionnel du street art et les connotations luxueuses de l'or. Elle élève la perception du graffiti, l'inscrivant dans le domaine de l'art contemporain et de la culture des objets de collection. Chaque Canbot n'est pas seulement un objet de collection, mais aussi un sujet de conversation, suscitant des échanges sur l'évolution du graffiti, des rues aux étagères des collectionneurs. Le savoir-faire déployé dans la série Canbot témoigne d'un profond respect pour le graffiti et ses origines. L'application minutieuse de motifs dorés et noirs imite la précision et l'habileté d'un graffeur maniant une bombe de peinture, tout en préservant l'œuvre, la protégeant ainsi des intempéries et du nettoyage des services municipaux. Cette série rend hommage à l'histoire du graffiti tout en célébrant son statut actuel de forme d'art respectée et recherchée. Canbot de John Matos : un nouveau support d'expression graffiti John Matos, alias Crash, est un pionnier du graffiti. Son incursion dans le monde des objets d'art avec le Canbot témoigne de la polyvalence du genre et de sa capacité d'adaptation. Le Canbot Gold East Coast Legends élargit l'horizon du graffiti, offrant aux passionnés une expérience tactile et personnelle du street art. Chaque Canbot, en édition limitée, est un hommage à l'influence de Crash sur le monde de l'art, incarnant sa vision vibrante dans un format qui fait le lien entre le passé et l'avenir du street art. Avec son éclat métallique et sa forme robotique, le Canbot évoque également les origines industrielles du graffiti, ancrées dans les paysages urbains de la Côte Est. La couleur or sublime l'objet, créant une pièce à la fois hommage aux racines du street art et œuvre pop art avant-gardiste. Le caractère limité de l'édition Canbot en fait une pièce de collection très recherchée par les amateurs de street art, un témoignage tangible de l'héritage bâti par des artistes comme Crash au fil de décennies de dévouement à leur art.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée de Steve et Dave sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par Tyree Guyton, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette image fait partie de ma série « Visages de Dieu ». Je travaille sur cette série depuis 25 ans. On m'a dit qu'il faut parfois une dizaine d'années pour peaufiner une série. J'ai dépassé cette simple recherche de la perfection pour développer mon propre style, prendre du plaisir à créer et donner vie à des personnages intéressants. C'est ma façon d'appréhender la vie humaine et de créer une forme de magie. Je suis impatient que ces images soient partagées avec le monde. Elles m'amènent à me demander : qui est Dieu ? Pourquoi sommes-nous créés à son image ? Avec cette série, j'essaie de comprendre cette entité que nous appelons Dieu et, en même temps, de comprendre la vie. » – Tyree Guyton

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Pose MSK Burn Black Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Aérosol Œuvre d'Art Croisement entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN et Pose-Jordan Nickel. Bombe de peinture aérosol 2021, coffret signé, édition limitée à 500 exemplaires. Œuvre d'art de 7,6 x 20,3 cm. « Burn, 2021 » par POSE MSK. Créée exclusivement pour Beyond The Streets 2021. Produite par Montana Colors. Présentoir en bois, édition limitée. Couleur : Noir. Provenance : New York. POSE MSK – Bombe de peinture aérosol Burn Black Édition Limitée (2021) Montana MTN x Beyond The Streets La bombe de peinture POSE MSK « Burn » Black Limited Edition est une fusion audacieuse entre art, culture urbaine et design de collection. Créée en 2021 par Jordan Nickel, alias POSE du groupe MSK, cette édition spéciale a été produite exclusivement pour Beyond The Streets et fabriquée par Montana Colors (MTN). Limitée à seulement 500 exemplaires dans le monde, cette édition très recherchée transforme la bombe de peinture MTN emblématique en une œuvre d'art sculpturale et vibrante. Le design arbore le style graphique inimitable de POSE : des aplats de couleurs superposés, des personnages expressifs, des lignes nettes et une typographie audacieuse, recouvrant toute la surface d'une composition dynamique inspirée de la bande dessinée. Le format noir de la bombe intensifie la saturation et le contraste de l'œuvre, la rendant visuellement saisissante sous tous les angles. POSE, membre du légendaire crew MSK, est reconnu internationalement pour son travail qui fait le lien entre graffiti, art contemporain et design. Son œuvre mêle l'énergie de la rue à une sensibilité pop, intégrant souvent des palettes vives, des figures stylisées et des thèmes à la fois ludiques et provocateurs. L'édition « Burn » capture cette esthétique dans un format compact et collector. Chaque bombe mesure environ 7,5 x 20 cm et est présentée dans un coffret en bois siglé Montana MTN, signé et marqué « Édition Limitée ». Le logo MTN gravé au laser et le coffret transforment cette pièce en une véritable œuvre d'art, prête à être exposée. Produite à New York en collaboration avec Beyond The Streets 2021, cette édition s'inscrit dans un moment culturel important qui a célébré l'évolution du graffiti, d'un mouvement underground à une forme d'art contemporain mondialement reconnue. Avec seulement 500 exemplaires produits, la bombe de peinture POSE MSK « Burn » Black Limited Edition est une pièce de collection rare et visuellement saisissante, idéale pour les collectionneurs de street art avertis, les fans de MSK et tous ceux qui apprécient les objets d'artistes à la croisée du graffiti et des beaux-arts.

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Melty Misfit Eye Drip - Sculpture en bombe de peinture HPM rose/verte ornée, œuvre d'art de l'artiste moderne emblématique de la culture pop Buff Monster. Édition limitée signée 2022 de 75 exemplaires HPM sérigraphiés et peints à la bombe, embellis à la main. Chaque HPM est unique, présenté dans une boîte sérigraphiée et livré avec sa boîte. Innovation artistique dans « Melty Misfit Eye Drip » La sculpture « Melty Misfit Eye Drip » rose et verte HPM (Hand-Painted Multiple) est une bombe de peinture finement ornée qui illustre le style audacieux et distinctif de Buff Monster, artiste contemporain emblématique de la pop culture. Cette pièce en édition limitée, véritable ode au mouvement vibrant du street art et du graffiti, fusionne la délicatesse artistique et l'esprit rebelle du street art, incarnant l'essence à la fois ludique et profonde de l'œuvre de Buff Monster. « Melty Misfit Eye Drip » de Buff Monster est une contribution unique au monde de l'art de collection. Cette série de 2022, limitée à 75 exemplaires signés, transforme la bombe de peinture du quotidien en une œuvre d'art. Chaque bombe est minutieusement ornée à la main, combinant sérigraphie et peinture aérosol, ce qui garantit l'unicité de chaque pièce. Le choix du rose vif et du vert par l'artiste reflète sa palette de couleurs emblématique, souvent inspirée par les saveurs et l'esprit de la crème glacée – un motif récurrent dans son œuvre. L'aspect fondant du dessin de l'œil donne l'impression de peinture qui dégouline, un clin d'œil à la fluidité et à la nature transformatrice de l'art du graffiti. Savoir-faire et présentation Le savoir-faire exceptionnel déployé dans la création de « Melty Misfit Eye Drip » transparaît dans la précision de la sérigraphie et les finitions soignées réalisées à la main qui donnent vie à chaque pièce. L'engagement de Buff Monster envers la qualité est encore souligné par la boîte sérigraphiée qui accompagne chaque canette, créant ainsi un ensemble harmonieux. La boîte, reprenant le design de la canette, protège non seulement l'œuvre d'art, mais ajoute également une touche esthétique, devenant ainsi partie intégrante de la présentation. Ce souci du détail est la marque de fabrique de Buff Monster et séduit les collectionneurs qui apprécient les œuvres d'art visuellement saisissantes et réalisées avec minutie. L'impact culturel de Buff Monster Buff Monster est depuis longtemps une figure emblématique du street art, ses œuvres étant présentes dans des villes du monde entier. Sa contribution au pop art urbain est considérable, grâce à un langage visuel immédiatement reconnaissable et souvent imité. La série « Melty Misfit Eye Drip » continue d'influencer la culture, mêlant l'énergie subversive du graffiti à la sophistication des beaux-arts. Ses œuvres sont souvent perçues comme une célébration de la nature éphémère du street art, tout en remettant en question l'idée que cet art soit jetable ou temporaire. À l'instar de nombre de ses créations, cette œuvre fait le lien entre la galerie et la rue, invitant un public plus large à découvrir et apprécier cet art. La collectionnabilité et le marché de l'art Le caractère exclusif de l'édition limitée de « Melty Misfit Eye Drip », associé à la réputation de Buff Monster dans le monde de l'art, contribue à l'attrait et à la valeur de collection de cette œuvre. Les œuvres de Buff Monster sont reconnues pour leur intérêt en tant qu'investissement, prenant de la valeur avec le temps, à l'image de l'intérêt croissant du marché de l'art pour le street art et le graffiti. La signature de l'artiste sur chaque pièce atteste de son authenticité, et le tirage limité renforce sa valeur pour les collectionneurs. La fabrication artisanale de chaque pièce et son coffret sérigraphié témoignent de l'engagement de l'artiste à créer des œuvres intemporelles, tant par leur style que par leur contenu. La sculpture « Melty Misfit Eye Drip » de Buff Monster, réalisée à partir d'une bombe de peinture HPM, incarne la rencontre entre la spontanéité du street art et le souci du détail du monde des beaux-arts. Elle confirme le statut de l'artiste comme figure majeure et novatrice de la culture pop contemporaine et du street art. Grâce à son esthétique singulière et à son approche novatrice de son médium, Buff Monster continue de repousser les limites et de remettre en question la perception de ce que peut être l'art du graffiti, faisant de ses œuvres une composante importante du paysage artistique contemporain.

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Kupuna Maka, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts blanc brillant 310 g/m² par Carl FK Pao, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette estampe est une reproduction d'une peinture originale de ma plus récente exposition solo qui s'est tenue en novembre à la galerie Mahoa d'Honolulu. Maka est un mot hawaïen aux nombreuses significations, mais il est plus connu pour désigner les yeux d'un visage. »

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Sérigraphie Pixel Icons par Buff Monster, épreuve d'artiste, impression artisanale sur papier beaux-arts coton 250 g/m², édition limitée, art pop urbain et graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 80 exemplaires (2023). Œuvre d'art de format 18x24 représentant le monstre classique Melty Misfit One Eyed Ice Cream Drippy Monster en style pixel. Sérigraphie Pixel Icons par Buff Monster – Édition limitée Pop Street Artwork & Graffiti Buff Monster, figure emblématique du street art et du graffiti, repousse les limites de la créativité avec « Pixel Icons », une sérigraphie artisanale qui réinterprète son esthétique Melty Misfit à travers un prisme pixélisé. Cette œuvre en édition limitée, imprimée sur papier beaux-arts 250 g/m² en coton, est signée et numérotée à seulement 80 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. L'estampe de 45,7 x 61 cm met en scène le monstre borgne et dégoulinant classique de Buff Monster, mais au lieu de lignes fluides et organiques, la composition est rendue dans un style rétro 8 bits pixélisé. La transformation de son personnage fondant, évoquant une glace, en un format d'inspiration numérique témoigne de la capacité de Buff Monster à fusionner nostalgie et street art contemporain. L'utilisation de vert pastel, de rose et de turquoise crée un contraste visuel saisissant, renforçant le caractère ludique et surréaliste de l'œuvre. La technique de sérigraphie artisanale garantit à chaque estampe une texture et une vivacité que les reproductions numériques ne peuvent égaler. Buff Monster et son influence sur le street art, le pop art et le graffiti Né à Hawaï et désormais installé à New York, Buff Monster s'est imposé comme une figure majeure du street art pop et du graffiti. Son œuvre se distingue par sa palette de couleurs vives, ses personnages aux allures de dessins animés et ses fortes influences japonaises, heavy metal et jeux vidéo rétro. Il s'est fait connaître grâce au graffiti et au collage d'affiches au début des années 2000, où ses fresques et affiches aux couleurs acidulées ont rapidement attiré l'attention. Au fil des ans, Buff Monster a étendu son champ d'action artistique au-delà de la rue, en exposant dans des galeries, en collaborant avec de grandes marques et en créant des œuvres d'art de collection. Malgré ces évolutions, il conserve l'énergie rebelle et l'esprit DIY qui ont marqué ses débuts. Son travail fait le lien entre la culture graffiti, les beaux-arts et le design commercial, prouvant que le street art pop et le graffiti peuvent s'épanouir sur de multiples plateformes sans rien perdre de leur authenticité. Pixel Icons – La fusion de l'esthétique des jeux vidéo classiques et du street art Pixel Icons réinterprète le personnage emblématique Melty Misfit de Buff Monster à travers le langage visuel des premiers jeux vidéo. Les contours nets et les coulures pixélisées créent une juxtaposition unique entre formes organiques en fusion et esthétique numérique rigide. Cette réinterprétation témoigne non seulement de l'adaptabilité de Buff Monster en tant qu'artiste, mais souligne également l'influence durable de la culture rétrogaming sur le street art et le graffiti contemporains. Les tons pastel vibrants, les contours épais et les textures pixélisées confèrent à l'œuvre une qualité singulière, presque erratique. Ce choix esthétique renforce les thèmes de la nostalgie et de la transformation, établissant un parallèle entre l'évolution des médias numériques et le paysage en perpétuelle mutation du graffiti et du street art. Le caractère exclusif de cette édition limitée en fait non seulement une œuvre visuelle saisissante, mais aussi une pièce de collection précieuse pour les amateurs d'art contemporain. L'impact culturel de l'œuvre de Buff Monster L'art de Buff Monster continue de façonner et d'inspirer le paysage contemporain du street art et du graffiti. Son talent pour fusionner des éléments de la culture pop, du graffiti et des beaux-arts a consolidé sa réputation de pionnier dans ce milieu. Son attachement aux éditions artisanales sérigraphiées confère à chaque œuvre une qualité tangible et tactile souvent absente des reproductions numériques. « Pixel Icons » illustre parfaitement son approche novatrice, mêlant techniques de street art, surréalisme pop et influences du jeu vidéo rétro au sein d'une composition unique et cohérente. Cette estampe nous rappelle que le street art et le graffiti sont en constante évolution, embrassant de nouvelles formes tout en restant fidèles à leurs origines rebelles et ludiques. Qu'elle soit exposée en galerie, dans une collection privée ou dans l'espace urbain, l'œuvre de Buff Monster continue de bousculer les perceptions et de célébrer le dynamisme de l'art contemporain.

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Estampe giclée « Candy » de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 2014 (25 exemplaires). Dimensions de l'œuvre : 11,75 x 16,25 pouces. Jeune femme blonde tatouée et colorée, pensive. Exploration de la fusion entre féminité et art urbain pop dans l'estampe giclée Candy de Bec Winnel Bec Winnel est une figure incontournable de l'art contemporain, notamment du Street Pop Art et du graffiti. Cette artiste australienne est reconnue pour son approche méticuleuse et délicate du portrait, qui allie le dessin traditionnel à des thèmes contemporains et à l'esthétique du street art. Parmi ses œuvres phares figure « Candy Giclee Print », une édition limitée illustrant son style unique, fruit de la fusion de ces influences artistiques. Tirée à seulement 25 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée à la main par l'artiste, ce qui en fait un objet de collection très prisé des amateurs de Street Pop Art. L'attrait de l'art en édition limitée L'estampe « Candy Giclée » mesure 29,8 x 41,3 cm, un format à la fois intime et imposant. Le choix d'un papier d'art de qualité supérieure pour son impression renforce son charme et lui confère une dimension tactile qui sublime l'expérience visuelle. Les tirages en édition limitée comme celui-ci offrent un sentiment d'exclusivité et d'investissement, garantissant à quelques privilégiés seulement l'accès à cette œuvre d'art. La rareté de l'édition suscite souvent une appréciation plus profonde et un lien plus intime avec l'œuvre, lien encore renforcé par la signature de l'artiste. Symbolisme et style dans l'impression giclée Candy L'œuvre est un portrait saisissant d'une jeune femme blonde tatouée, plongée dans ses pensées. Les couleurs sont vibrantes et les motifs des tatouages ​​évoquent l'art du graffiti. Ce mélange de styles parvient avec une grande efficacité à exprimer la personnalité et la vie intérieure du sujet. Les tatouages, que l'on pourrait considérer comme une forme d'art urbain, ornent sa peau comme une toile, suggérant une histoire personnelle et intime. L'expression pensive du sujet invite le spectateur à contempler ses pensées et ses émotions, ainsi que la signification culturelle du tatouage comme forme d'expression de soi et d'affirmation identitaire. Impact du street art pop et des graffitis Le pop art et le graffiti sont depuis longtemps à l'avant-garde du défi aux frontières traditionnelles du monde de l'art. Ils insufflent la vitalité de la culture urbaine dans les espaces généralement plus conventionnels des galeries. L'œuvre « Candy Giclee Print » de Bec Winnel illustre la fusion du délicat et de l'audacieux, du privé et du public, du contrôlé et du libre. Elle témoigne du pouvoir de l'art inspiré de la rue à infiltrer et enrichir le discours artistique dominant, tout en conservant son caractère subversif et authentique. Dans le contexte plus large de l'histoire de l'art, des œuvres comme « Candy Giclee Print » constituent d'importants artefacts culturels qui reflètent leur époque et les mentalités sociales. Elles soulignent également l'importance du street art dans les débats contemporains sur l'art et sa place dans la société. L'œuvre de Winnel, avec sa précision et sa profondeur émotionnelle, démontre que le street art peut être un médium aussi puissant et profond que n'importe quelle forme d'art traditionnelle, capable de transmettre des thèmes complexes et de toucher profondément les spectateurs. Par son travail, Bec Winnel contribue à la reconnaissance croissante du Street Pop Art comme une forme d'expression artistique légitime et essentielle. Ses œuvres ne se contentent pas d'orner les murs de leurs acquéreurs ; elles s'inscrivent dans la conscience collective d'une société qui prend de plus en plus conscience de la frontière floue entre art savant et art urbain, entre galerie et ruelle. L'estampe « Candy Giclee Print » de Winnel n'est pas seulement une belle œuvre d'art ; c'est un vecteur de dialogue culturel, un fragment de vie contemporaine et le reflet de l'évolution du paysage artistique et de l'expression.

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East Meets West - Sculpture de jouet d'art en vinyle orange en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste pop moderne Ron English - POPaganda x MINDstyle. Édition limitée 2017, format 4 pouces, neuve en boîte, estampillée/imprimée Boîte non ouverte, neuve

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Estampe Stagger en édition limitée, imprimée à la main en deux couleurs sur papier d'art classique lisse blanc naturel Neenah 13,5 PT, par Smithe, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Estampe signée 2022, impression typographique bicolore sur papier d'art Neenah Natural White Smooth Classic Crest 13,5 pt. Format : 50,8 x 53,3 cm. Sortie : 17 janvier 2022. Tirage : 35 exemplaires.

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« Des yeux comme ceux-là », œuvre d'art originale et unique, collage de peinture à la bombe aérosol, technique mixte, sur toile tendue, par l'artiste pop Indie184 - Soraya Marquez. Peinture originale unique signée de 2017, format 35,5 x 48 pouces. Toile non doublée.

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Connexions Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre d'art de Maria Smith inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Ne jamais dire jamais ! Édition limitée, sérigraphie artisanale 12 couleurs sur papier beaux-arts par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020), format 24 x 18 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis, ayant notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie OG Icons par Buff Monster, épreuve d'artiste, impression sérigraphique tirée à la main sur papier d'art en coton 250 g/m², édition limitée, art pop urbain et graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 80 exemplaires (2023), format 18x24, représentant le monstre classique Melty Misfit One Eyed Ice Cream Drippy Monster. Sérigraphie OG Icons par Buff Monster – Édition limitée Pop Street Artwork & Graffiti Buff Monster confirme sa place de choix dans le monde du street art et du graffiti avec « OG Icons », une sérigraphie artisanale qui sublime son personnage fétiche, Melty Misfit, dans un style épuré et audacieux. Cette estampe de 45,7 x 61 cm, imprimée sur papier beaux-arts 250 g/m² en coton, fait partie d'une édition limitée numérotée et signée à seulement 80 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. La composition met en scène le monstre borgne et dégoulinant, figure récurrente de l'univers artistique de Buff Monster, animé par des encres turquoise, rose et noire vibrantes. Cette estampe capture l'essence même du style visuel inimitable de Buff Monster. Les contours nets et précis, les aplats de couleur et la composition parfaitement équilibrée en font une œuvre marquante de street art et de graffiti. Les courbes douces et les coulures ludiques conservent l'effet de fusion qui caractérise le travail de Buff Monster depuis des années, avec une exécution raffinée, presque inspirée du graphisme. Le procédé de sérigraphie artisanale assure une riche saturation des couleurs, conférant à l'œuvre une présence tactile et affirmée. Buff Monster et l'évolution du street art pop et du graffiti Né à Hawaï et désormais installé à New York, Buff Monster a consacré des décennies à développer une identité visuelle unique, fusionnant graffiti, culture pop et esthétique des beaux-arts. Son œuvre est fortement influencée par la culture kawaii japonaise, les dessins animés vintage et l'esprit rebelle du graffiti. Ce qui a débuté comme une pratique urbaine s'est transformé en une véritable carrière artistique, explorant les fresques murales, les objets de collection et les estampes en édition limitée. À ses débuts, Buff Monster collait ses personnages emblématiques sur les murs des villes, créant ainsi une présence vibrante et reconnaissable dans le paysage urbain. Son passage aux beaux-arts et à la sérigraphie artisanale a permis à son travail de toucher un public plus large, tout en conservant l'énergie et l'attitude qui ont fait de lui une figure incontournable du street art et du graffiti. Son art reste résolument coloré, ludique et irrévérencieux, assurant sa pertinence aussi bien dans le milieu artistique underground que mainstream. Icônes OG – La représentation la plus pure de l'esthétique Melty Misfit OG Icons marque un retour aux éléments fondamentaux qui rendent le travail de Buff Monster si distinctif. L'œil cyclopéen surdimensionné du personnage est le point focal, dégageant une curiosité fantasque. Les textures dégoulinantes, le sourire carnassier exagéré et la palette de couleurs contrastées donnent vie au personnage tout en conservant une exécution nette et minimaliste. Contrairement à certaines œuvres plus complexes ou texturées de Buff Monster, cette estampe privilégie les lignes épurées et les aplats de couleurs audacieux, ce qui en fait une pièce maîtresse immédiate. Le contraste entre le rose et le turquoise vibrants et les contours noirs profonds crée une impression de profondeur et de mouvement, malgré la simplicité des formes. Cette œuvre représente la synthèse des origines graffiti de Buff Monster et de son évolution vers une forme d'art plus raffinée et recherchée. C'est une célébration de l'esthétique Melty Misfit dans sa forme la plus aboutie, un incontournable pour les amateurs de Street Pop Art et de graffiti. L'impact durable de l'œuvre de Buff Monster sur l'art contemporain Buff Monster n'a cessé de repousser les limites du Street Pop Art et du graffiti, prouvant que ce genre peut s'épanouir dans des espaces variés sans rien perdre de son authenticité. Son influence dépasse les murs des galeries, façonnant les interactions entre l'art contemporain et la culture populaire. L'utilisation de la sérigraphie artisanale confère à chaque œuvre un caractère unique et unique, la distinguant des reproductions numériques. « OG Icons » témoigne de la capacité de Buff Monster à allier précision et fantaisie, créant un art à la fois nostalgique et novateur. Cette sérigraphie en édition limitée est un vibrant rappel de la vitalité du Street Pop Art et du graffiti, qui embrasse de nouveaux formats tout en restant fidèle à ses origines rebelles et dynamiques. Qu'elle soit exposée en galerie, dans une collection privée ou en milieu urbain, l'œuvre de Buff Monster demeure un élément essentiel de la culture visuelle contemporaine.

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Another Dusk - Duo Pop Street Artwork, édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste moderne Alex Garant. Édition limitée 2022 signée 12x18 à 25 exemplaires, finition mate et variante duo gaufrée « Another Dusk » d'Alex Garant : une vision du pop art urbain « Another Dusk » d'Alex Garant est une incarnation fascinante du Street Pop Art contemporain. Ce genre combine l'énergie brute du street art et du graffiti avec l'imagerie audacieuse caractéristique du pop art. Cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art de haute qualité, capture l'essence de l'approche unique de Garant en matière d'art moderne, où les frontières traditionnelles entre culture populaire et culture savante sont non seulement floues, mais aussi profondément imbriquées et redéfinies. Sortie en 2022, « Another Dusk » témoigne de la maîtrise de Garant en matière d'effets visuels et de profondeur émotionnelle. Limitée à seulement 25 exemplaires, chaque pièce est méticuleusement signée par l'artiste, ajoutant une touche personnelle précieuse pour les collectionneurs et les amateurs de pop art inspiré du street art. Ses dimensions de 30 x 45,7 cm offrent une expérience visuelle intime, tandis que la finition mate et la variante en relief de l'impression accentuent le jeu de textures de l'œuvre. Le sujet, représenté dans le style caractéristique de Garant, résonne d'une duplicité troublante, invitant les spectateurs à regarder au-delà des apparences et à s'intéresser aux couches de sens sous-jacentes. La signature artistique d'Alex Garant dans « Another Dusk » Le talent d'Alex Garant s'exprime avec éclat dans « Another Dusk ». Surnommée la « Reine des Yeux Doubles », Garant crée souvent des œuvres mettant en scène des sujets aux yeux ou traits du visage multiples, interrogeant la perception du spectateur et évoquant un sentiment de mouvement et de fluidité. Cette œuvre ne fait pas exception ; elle présente un portrait à la fois familier et troublant, une signature de son travail. La duplication de l'image crée un effet hypnotique, un écho visuel symbolisant les multiples facettes de l'identité et la complexité des émotions humaines. Le procédé d'impression giclée d'« Another Dusk » garantit une reproduction d'une qualité exceptionnelle, capturant les subtiles nuances de couleurs et les détails caractéristiques des peintures originales de Garant. Cette technique, associée à l'approche singulière de l'artiste en matière de portrait, inscrit résolument l'œuvre dans le discours du pop art et du street art contemporains. L'œuvre de Garant est plus qu'une simple déclaration visuelle ; c'est un dialogue avec le spectateur, l'invitant à une réflexion silencieuse sur la nature du regard et de l'expérience d'être vu. Résonance culturelle de « Another Dusk » dans le street art pop et le graffiti « Another Dusk » trouve un écho profond dans le contexte culturel du Street Pop Art et du graffiti. L'utilisation par Garant des techniques et de l'esthétique du street art au sein d'une œuvre d'art contemporain illustre la nature évolutive du pop art. C'est un hommage direct aux graffeurs qui, depuis longtemps, investissent l'espace public pour exprimer leurs visions artistiques, remettant souvent en question les normes et les attentes de la société. Dans cette édition limitée, Garant canalise ce même esprit de rébellion et de subversion, transformant un portrait classique en une œuvre à la fois énigmatique et accessible. De plus, le titre de l'œuvre, « Another Dusk », suggère les thèmes de la transition et de la réflexion. Les heures du crépuscule, souvent propices à l'introspection, sont parfaitement saisies dans la dualité de l'expression du portrait. L'œuvre de Garant invite le spectateur à contempler les moments de transition de la vie, le jeu de la lumière et de l'ombre, et la nature multiforme de l'être. « Another Dusk » n'est pas seulement une œuvre d'art ; c'est une exploration visuelle des états transitoires qui définissent l'expérience humaine. Dans le paysage de l'art moderne, « Another Du » d'Alex Garant illustre avec brio comment le street art, le pop art et le graffiti peuvent atteindre de nouveaux sommets. Par son utilisation novatrice de la double image et la résonance émotionnelle de ses sujets, Garant invite le spectateur à une approche plus profonde de l'art. Cette édition limitée, imprimée en giclée, est une affirmation audacieuse de l'artiste, capturant la beauté éphémère du crépuscule et la dualité de l'âme humaine. Avec son format intimiste, sa finition mate et ses détails en relief, « Another Du » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un sujet de conversation qui continue d'éclairer le visage en constante évolution de l'art contemporain.

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Sérigraphie Wetland Powers de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop. Édition limitée signée et numérotée de 550 exemplaires (2023). Sérigraphie au format 18 x 24 pouces. Cette publication de Wetland Powers examine les répercussions d'une Cour suprême largement sous l'influence des grandes compagnies pétrolières. Le gouvernement est censé œuvrer pour le bien commun. Pourtant, les juges conservateurs de la Cour suprême actuelle ont privilégié les intérêts des grandes compagnies pétrolières et des riches propriétaires fonciers au détriment de l'accès à une eau potable saine pour tous. Le concept de « biens communs » – des ressources comme l'air et l'eau qui n'appartiennent à personne et qui doivent être protégées pour le bien de tous – semble échapper à nombre de personnes dans le monde des affaires et au gouvernement. Il nous appartient, en tant qu'électeurs, d'élire des représentants qui placent les besoins des citoyens au premier plan. La composition de la Cour suprême est un élément essentiel à prendre en compte lors de l'élection présidentielle, puisque c'est le président en exercice qui nomme les juges de la Cour suprême. – Shepard Fairey – OBEY « Wetland Powers » de Shepard Fairey : une déclaration dans le domaine du pop art urbain Dans le domaine du street art, Shepard Fairey est une figure d'une influence considérable ; son œuvre est souvent imprégnée de messages socio-politiques forts. La sérigraphie « Wetland Powers » de Shepard Fairey, alias OBEY, illustre parfaitement son engagement à fusionner art et militantisme. Sortie en 2023, cette édition limitée, tirée à la main sur un papier d'art crème moucheté, est bien plus qu'une image saisissante : elle ouvre la voie à un débat essentiel sur la justice environnementale et la gouvernance. Analyse de « Wetland Powers » de Shepard Fairey L'œuvre, de format 45,7 x 61 cm, fait partie d'une édition limitée à 550 exemplaires signés et numérotés. Fidèle à son style, Fairey y associe une esthétique audacieuse à un message qui invite le spectateur à réfléchir à l'impact des décisions politiques sur l'environnement. L'image représente une figure féminine dont les éléments suggèrent un lien avec la nature et sa protection. Le travail de Fairey est reconnu pour la richesse de son langage visuel ; chaque élément a une signification symbolique, et « Wetland Powers » ne fait pas exception. Plaidoyer environnemental par l'art Dans « Pouvoirs relatifs aux zones humides », Fairey aborde la question controversée des droits fonciers face à la protection de l'environnement, en soulignant notamment le rôle de la Cour suprême dans le destin des zones humides américaines. Cette estampe commente les décisions de la Cour que Fairey perçoit comme privilégiant les intérêts des entreprises au détriment de la santé environnementale publique. À travers cette œuvre, Fairey exprime sa conviction de la nécessité de préserver les biens communs – l'air, l'eau et la terre – pour le bien de tous. La résonance culturelle de l'œuvre de Fairey L'art de Shepard Fairey a toujours trouvé un écho auprès d'un large public, et sa campagne Obey est devenue un véritable phénomène culturel. Avec « Wetland Powers », Fairey continue de puiser dans la conscience collective, utilisant son art comme tribune pour défendre la responsabilité écologique et sociale. L'œuvre souligne le pouvoir du street art à transcender la toile et à devenir un vecteur de changement, incitant les citoyens à réfléchir à leur rôle d'électeurs et à élire des dirigeants qui placent le bien-être de tous au premier plan. « Wetland Powers » témoigne du rôle durable de Shepard Fairey en tant qu'artiste à l'avant-garde du street art et du graffiti. Sa capacité à aborder des problématiques mondiales urgentes à travers des images percutantes confirme son statut d'artiste engagé à la croisée de l'art et du militantisme. Tirage en édition limitée, « Wetland Powers » illustre le talent artistique de Fairey et incarne l'esprit du street art comme forme de débat public actif.

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Melty Misfit Eye Drip - Sculpture en bombe de peinture HPM violette/bleue ornée, œuvre d'art de l'artiste moderne emblématique de la culture pop Buff Monster. 22022 Édition limitée signée de 75 HPM Sérigraphie et peinture en aérosol HPM embelli à la main Chaque pièce est unique dans une boîte sérigraphiée, présentée avec la boîte. Le processus créatif de Buff Monster La sculpture « Melty Misfit Eye Drip », réalisée à partir d'une bombe de peinture HPM violette et bleue, est une œuvre vibrante et stimulante de Buff Monster, artiste emblématique de la pop culture contemporaine. Reconnu pour son style unique, caractérisé par une palette de teintes pastel et un mélange original d'influences issues du street art, du graffiti et de la culture japonaise, Buff Monster crée des œuvres immédiatement reconnaissables. Cette création, faisant partie d'une édition limitée et signée de 75 exemplaires, témoigne de la vision créative de l'artiste et de l'esprit novateur du street art. « Melty Misfit Eye Drip », une œuvre de Buff Monster aux teintes violettes et bleues, est entièrement réalisée à la main et repousse les limites traditionnelles du street art. Chaque bombe est minutieusement peinte à la bombe et sérigraphiée à la main, garantissant ainsi l'unicité de chaque pièce de la série. Le dévouement de l'artiste à son art transparaît dans la finesse et la précision des sérigraphies. Le choix des teintes violettes et bleues pour cette série évoque le mystique et le fantastique, deux éléments récurrents dans son travail. Symbolisme dans « Melty Misfit Eye Drip » L'image de l'œil qui fond est un thème récurrent dans l'œuvre de Buff Monster, symbolisant la nature fluide et changeante de la vie et de la perception. Ce motif dégoulinant rappelle les horloges fondues des peintures surréalistes de Salvador Dalí, suggérant une distorsion du temps et de la réalité. Dans l'art du graffiti, ce motif fait écho à la nature éphémère du paysage urbain, où l'art se crée et se recrée sans cesse. Résonance culturelle et potentiel de collection La série « Melty Misfit Eye Drip » s'inscrit pleinement dans l'esprit DIY (Do It Yourself) du street art, où les artistes maîtrisent la production et la diffusion de leurs œuvres. L'inclusion d'un coffret sérigraphié avec chaque sculpture réalisée à partir d'une bombe de peinture souligne l'approche globale de Buff Monster, qui prend en compte l'œuvre elle-même, sa présentation et sa conservation. Ce coffret remplit une double fonction, à la fois pratique et esthétique : il renforce la valeur de collection de l'œuvre et confirme son statut d'œuvre d'art majeure au sein du pop art urbain. L'influence de Buff Monster sur l'art moderne Buff Monster a profondément marqué la scène artistique contemporaine, notamment dans les domaines du street art et du graffiti. Ses œuvres se caractérisent par une utilisation audacieuse de la couleur, des thèmes à la fois ludiques et provocateurs, et une fusion harmonieuse des techniques du street art et des pratiques artistiques conventionnelles. La sculpture « Melty Misfit Eye Drip » en HPM violet/bleu illustre parfaitement la manière dont Buff Monster continue d'innover dans son médium, repoussant les limites du possible en matière d'objets d'art de collection. Cette œuvre, réalisée à partir d'une bombe de peinture HPM violet/bleu, est une pièce de collection qui capture l'essence même du street art et du graffiti. Chaque pièce, ornée à la main, exprime de manière unique la vision artistique de Buff Monster, incarnant le pouvoir transformateur de l'art et sa capacité à questionner et redéfinir les normes culturelles. Cette série témoigne de la maîtrise de son médium par l'artiste et de son rôle majeur dans l'évolution de l'art moderne.

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Ailurophile Glow SuperJanky Édition Limitée Superplastic Janky Vinyl Art Toy Collectible Artwork by Modern Design Artist Junko Mizuno. Figurine SuperJanky Janky Superplastic en vinyle, neuve en boîte, phosphorescente, édition limitée 2021. Cette figurine de 20 cm (8 pouces) est une création de la légendaire mangaka Junko Mizuno, inspirée de son personnage « Azure Ailurophile ».

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Sérigraphie modulaire par Add Fuel x Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts crème moucheté, œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artist. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. L'art de Diogo Machado, alias ADD FUEL, fonctionne à plusieurs niveaux, au sens propre comme au figuré. Ses œuvres maîtrisent l'esthétique des carreaux traditionnels portugais tout en y intégrant subrepticement ses propres illustrations de personnages ludiques. Ces deux styles, en apparence si différents, se fondent avec une telle élégance que la découverte de l'étrangeté au sein de cette harmonie est à la fois surprenante et réjouissante. Les déchirures, réelles ou simulées, qu'ADD FUEL incorpore à son art sont bien plus qu'un simple clin d'œil au papier, matériau omniprésent du street art contemporain : elles constituent également une dissonance visuelle provocatrice, puisque les carreaux ne se déchirent pas. Malgré l'incongruité entre carreaux et déchirures, les compositions visuellement séduisantes d'ADD FUEL évoquent le temps qui passe et une histoire derrière chaque couche. – Shepard Fairey – OBEY Modulaire par Add Fuel x Shepard Fairey – Obey Collaborative Silkart, œuvre d'art urbain pop art et graffiti Modular est une sérigraphie collaborative de 2022, créée par l'artiste portugais Diogo Machado, alias Add Fuel, et l'artiste américain Shepard Fairey, fondateur d'OBEY. Tirée à la main sur papier d'art Speckletone couleur crème et éditée à 500 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 45,7 x 61 cm illustre la synergie entre patrimoine ornemental et résistance visuelle contemporaine. La sérigraphie superpose des motifs traditionnels d'azulejos, emblématiques du travail d'Add Fuel, à l'iconographie et à l'équilibre compositionnel propres à Fairey. Des déchirures de papier simulées traversent les couches, révélant des juxtapositions dynamiques de motifs classiques, d'abstraction pop moderne et d'un mandala floral central imprégné de la vision politique de Fairey. L'œuvre vibre de tonalités bleues, rouges et blanches, faisant écho aux thèmes de la beauté et de la subversion qui sont au cœur de leur vocabulaire visuel commun. Motifs de carreaux, illusion et histoire stratifiée L'approche d'Add Fuel vis-à-vis des carreaux traditionnels portugais est à la fois respectueuse et subversive. En réinterprétant l'élégance symétrique des motifs céramiques par des figures inattendues et des éléments graphiques, il modernise un art séculaire tout en y insufflant un humour conceptuel et une profondeur narrative. Dans Modular, de fausses déchirures tranchent la précision des carreaux pour révéler des motifs sous-jacents, imitant la superposition usée que l'on trouve souvent en milieu urbain. Ces déchirures constituent des contradictions visuelles – les carreaux ne se déchirent pas – et pourtant, elles ancrent l'œuvre dans la réalité matérielle des affiches de rue, des collages et des prospectus. L'effet suggère une histoire qui se déploie à travers le temps, où les esthétiques se construisent, se grattent et se réassemblent pour créer une histoire vivante. Cette illusion invite le spectateur à remettre en question ses propres conceptions de la permanence, de la tradition et de l'identité. L'intégration et l'influence urbaine de Shepard Fairey L'influence caractéristique de Shepard Fairey se mêle à la structure modulaire de l'œuvre grâce à l'intégration d'une symbolique géométrique audacieuse et de points focaux centraux aux tons rouges. Connu pour sa campagne OBEY Giant et l'affiche Hope pour Barack Obama, Fairey apporte à cette collaboration un sens graphique aiguisé. Sa présence dans Modular, sans être dominante, s'intègre harmonieusement, permettant ainsi au dialogue entre son langage visuel engagé et la fluidité ornementale d'Add Fuel de se déployer pleinement. La composition témoigne de l'attachement de Fairey à la superposition, à la répétition et aux formes symboliques du pouvoir, contribuant à la profondeur conceptuelle de l'œuvre sans pour autant éclipser le support décoratif. Il s'agit d'une fusion rare entre art urbain et création de motifs historiques, emblématique de la volonté de Fairey de préserver le message au sein de la forme. Savoir-faire et concept dans l'art urbain pop et le graffiti Cette sérigraphie a été réalisée avec une méticulosité extrême, grâce à la superposition de plusieurs couches d'encre sur papier Speckletone. Ce choix, qui fait écho aux origines urbaines des deux artistes, confère à l'œuvre finale une qualité digne des galeries d'art. La tension formelle qui caractérise « Modular », entre ornementation classique et symbolisme pop, en fait un exemple emblématique du street art et du graffiti contemporains. Elle reflète une esthétique en constante évolution, où la collaboration enrichit le sens et où le passé culturel n'est pas figé dans le silence, mais animé par l'intervention visuelle. Pour les collectionneurs et les spectateurs, « Modular » offre une expérience tactile et symbolique : une estampe qui conjugue avec brio la précision de la tradition et l'urgence du présent. Elle témoigne du pouvoir transformateur de la surface, du récit et de la subversion.

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Œuvre d'art surréaliste « Éveil », impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2012. Dimensions de l'œuvre : 5,5 x 5,5 pouces. Impression originale

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Machine à sous Iron Pueo Édition Limitée 7 Couleurs Papier Coventry Rag 290 g/m² sur papier Cougar Fine Art 130 lb par Bask & Meggs, artiste de rue, art pop moderne. « Je suis vraiment bluffé par le talent de Tony de Serio Press en matière de gravure. Je sais que Meggs a aussi beaucoup travaillé pour préparer cette image à la reproduction. Je dois avouer qu'avec ma méthode de travail traditionnelle, j'ai dû confier ce processus complexe à des experts. Et franchement, ils ont fait un travail incroyable ! Ces tirages sont absolument magnifiques. Le niveau de détail et la précision sont époustouflants. Je ne peux imaginer meilleure façon de commémorer la fresque Iron Pueo que nous avons réalisée. » – Bask « J'étais vraiment enthousiaste à l'idée de peindre cette fresque et très fière du résultat final. Je suis donc ravie que les maîtres de Serio Press aient réalisé un travail aussi exceptionnel sur cette sérigraphie ! J'adore la sérigraphie et celle-ci est l'une des plus complexes techniquement auxquelles j'ai participé. Je peux vous assurer qu'elle est encore plus impressionnante en vrai qu'en photo. La texture des encres superposées, imprimées à la main sur le papier chiffon, avec ces sept couleurs, donne à cette œuvre une intensité comparable à celle de notre fresque originale à Hawaï ! » - Meggs

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Impression giclée en édition limitée « Dead Meat » sur papier beaux-arts 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Casey Weldon. « Chacune de ces pièces a été créée à l'acrylique sur un panneau de bouleau de 40 x 40 cm. En 2008, j'ai réalisé une dizaine de petites coiffes, chacune ornée d'objets insolites, à la fois ornementaux et cérémoniels. J'aimais l'idée d'utiliser l'art de la coiffe pour mettre en valeur les objets et les idées que nous vénérons dans la société moderne. Après avoir abandonné ce projet pendant des années, j'y suis revenue l'an dernier avec l'intention de le développer, mais d'une manière plus complexe, voire ambiguë. Le jeu de mots est volontaire. Ces pièces ont été créées en novembre 2012 pour l'exposition collective « Second Sight » du collectif Prisma à la galerie Trifecta de Las Vegas. » – Casey Weldon

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Après la tempête, impression d'art giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 24x30, 2019

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Sérigraphie Black Sabbath Silver Black Crescent par Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 125 exemplaires, 2013. Œuvre d'art 18x24, sérigraphie représentant le groupe de musique metal rock 'n' roll Black Sabbath avec Ozzy Osbourne. Black Sabbath est l'un de mes groupes préférés depuis 25 ans. J'ai eu la chance de rencontrer Jack Osbourne grâce à mon ami Big Dave en 2000. Ma relation avec Jack et Big Dave a donné lieu à plusieurs projets formidables avec Ozzy et Sabbath. Un de mes plus grands moments d'admiration a eu lieu lorsque Dave m'a emmené en coulisses pour rencontrer les membres de Sabbath à l'Ozzfest en 2004, et que le bassiste et parolier Geezer Butler portait un t-shirt Obey ! Sabbath est toujours un groupe phénoménal en concert, et je suis incroyablement honoré de réaliser ma deuxième affiche pour la tournée Sabbath/Obey (la première datant de 2005). Sabbath a récemment sorti un excellent album intitulé « 13 » (produit par Rick Rubin) et est actuellement en tournée pour le promouvoir. - Shepard Fairey - OBEY. L'interprétation de l'héritage de Black Sabbath par Shepard Fairey En 2013, inspiré par l'influence de Black Sabbath sur sa vie et son art, Fairey a créé une sérigraphie en édition limitée pour commémorer la tournée américaine du groupe. Cette édition signée et numérotée, limitée à 125 exemplaires et de format 45,7 x 61 cm, est devenue un emblème de l'impact durable de Black Sabbath sur le rock et une pièce de collection emblématique du street art. L'œuvre, tirée à la main sur un papier beaux-arts crème moucheté, reprend les symboles iconiques de Black Sabbath, tels que la croix et le disque ailé, ainsi que la signature de Fairey, qui inclut souvent des éléments comme l'étoile et l'œil stylisé. La fusion du street art et de la musique se manifeste fréquemment dans les affiches de concerts, un médium que Shepard Fairey, célèbre pour sa marque OBEY, maîtrise à la perfection grâce à un style distinctif qui résonne profondément dans la culture pop. Son travail pour le groupe de metal rock emblématique Black Sabbath, et notamment la sérigraphie représentant un croissant argenté et noir, incarne l'essence même de l'héritage de l'artiste et du groupe. L'importance de l'œuvre de Fairey pour Black Sabbath réside dans sa capacité à fusionner l'expérience auditive de la musique et la stimulation visuelle de l'art. Cette sérigraphie ne se contente pas de représenter le groupe ; elle évoque l'esprit rebelle de leur musique, les thèmes sombres et mystiques qu'ils explorent, et le mouvement culturel qu'ils ont initié au sein du heavy metal. Les signatures artistiques de Fairey, comme le mot « obey », confèrent à l'œuvre un sentiment d'autorité et de provocation qui fait écho à l'éthique du groupe. Collectionnabilité et influence dans le monde de l'art L'anecdote de Fairey sur sa rencontre avec le groupe et sa découverte de Geezer Butler portant un t-shirt OBEY témoigne de l'influence réciproque entre l'artiste et le musicien. Elle souligne comment le street art et la musique se rejoignent souvent, les artistes influençant les musiciens et vice versa. Cette sérigraphie célèbre le retour du groupe avec l'album « 13 » et rend hommage à la relation historique entre l'artiste et Black Sabbath. C'est ce récit qui confère à l'œuvre une dimension personnelle, en faisant une déclaration profonde à la croisée de la pop culture et du street art. En tant qu'objet de collection, la sérigraphie Black Sabbath de Shepard Fairey se situe au carrefour des souvenirs musicaux et des beaux-arts. Sa rareté et la réputation de son créateur rehaussent sa valeur, non seulement financière, mais aussi culturelle. Collectionneurs et fans recherchent ces pièces pour leur attrait esthétique et leur capacité à immortaliser un moment historique, une période où musique et street art s'entremêlent pour créer une représentation tangible d'une époque musicale. Dans le vaste univers du street art et du graffiti, l'estampe Black Sabbath de Shepard Fairey illustre le potentiel du genre à transcender la rue pour accéder au monde de l'art contemporain et des objets de collection. Cette œuvre, par la finesse de son design et ses profondes références culturelles, témoigne du pouvoir de l'art visuel à célébrer et immortaliser l'esprit de la musique.

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Pochoir Cold Tenderness, papier cartonné découpé au laser à la feuille d'or, par Snik. Œuvre d'art encadrée unique, réalisée par un artiste pop art de rue. Œuvre originale signée à la feuille d'or sur papier cartonné découpé au laser, 2019. Dimensions : 13,75 x 20 pouces (encadrée : 16 x 23 pouces). Cold Tenderness de Snik – Fragile et précision avec feuille d'or dans l'art urbain pop et graffiti « Cold Tenderness » est une œuvre originale de 2019 du duo britannique Snik, spécialisée dans le pochoir. Minutieusement réalisée à la feuille d'or sur un carton noir découpé au laser, cette pièce unique mesure 35 x 51 cm (encadrée à 41 x 58 cm). Elle illustre à merveille l'équilibre caractéristique des artistes entre maîtrise et émotion, savoir-faire et atmosphère. Le portrait d'une femme, rendu par d'innombrables incisions diagonales fines, scintille d'une subtilité et d'une élégance discrètes. Au gré de la lumière qui caresse la surface métallique, son regard apparaît et disparaît, révélant la tension entre permanence et éphémère. S'inscrivant dans le champ plus vaste du street art et du graffiti, « Cold Tenderness » se présente comme une exploration poétique de la fragilité des surfaces. Elle utilise des matériaux luxueux et des procédés industriels pour interroger la vulnérabilité, la mémoire et l'identité. Découpe laser artisanale et feuille d'or : une émotion Ce qui distingue cette œuvre, c'est la précision de sa construction. Snik a utilisé la découpe laser pour créer un réseau complexe de lignes au pochoir, chaque trait étant soigneusement étudié pour offrir des variations de tons et de profondeur d'ombre. Sur cette grille, des feuilles d'or ont été appliquées, créant une surface qui se transforme selon la lumière et le point de vue du spectateur. Cette technique métamorphose le carton en un écran réfléchissant où le portrait oscille entre image et abstraction. Alors que le street art est généralement rapide, brut et éphémère, cette œuvre est méthodique, réfléchie et d'une grande durabilité. La feuille d'or lui confère à la fois opulence et une impression de vétusté – fragile au toucher, toujours au bord de la dégradation. Ce paradoxe renforce la dimension émotionnelle de « Cold Tenderness », en faisant une contribution majeure au Street Pop Art et au graffiti. Le Visage et le Vide Au cœur de la composition se trouve la figure féminine, son visage se fondant doucement dans l'ombre. Le fond est absent. Le champ d'un noir profond, à la fois silence et espace, crée un vide qui encadre le regard introspectif du personnage. Chaque ligne de coupe, chaque trait doré, est significatif ; le visage n'est ni peint ni esquissé, mais gravé par l'absence. Le sujet apparaît non comme une actrice, mais comme une témoin – observant sans explication, présente sans certitude. Cette approche épurée du portrait met l'accent non sur le récit, mais sur la présence. Dans le langage du street art et du graffiti, cette réduction amplifie le sens, permettant aux petits gestes et aux subtiles variations de devenir le cœur émotionnel. Snik et l'alchimie du silence « Cold Tenderness » est emblématique de l'évolution de Snik, artistes qui ont redéfini le pochoir comme un outil de révolte silencieuse et d'affirmation poétique. En fusionnant artisanat et précision numérique, méthodes industrielles et sujets organiques, ils explorent sans cesse l'espace liminal entre design et émotion. Le choix de la feuille d'or dans cette œuvre n'est pas décoratif, il est symbolique. Il évoque la valeur, l'érosion, le temps et la façon dont la lumière peut à la fois révéler et dissimuler. Cette œuvre n'est pas ostentatoire, mais elle est profonde. Elle exige un regard attentif, une réflexion lente et une immersion patiente. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, rares sont les œuvres qui communiquent la fragilité et la discipline avec autant de délicatesse. « Cold Tenderness » n'offre pas de réponses faciles, seulement la lueur d'une présence et la vérité poignante que la beauté, comme la mémoire, peut être à la fois solide et éphémère.

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« Salvage Can 3 », peinture originale sur bombe de peinture, sculpture technique mixte, œuvre d'art du légendaire artiste de rue et graffeur Eddie Colla. Œuvre originale signée de 2018, réalisée à la peinture acrylique en aérosol (technique mixte), format 3 x 8 pouces. « J’ai réalisé cette série de bombes en Chine en 2018. J’attendais de recevoir du matériel pour commencer à travailler sur des pièces plus grandes. La résidence où j’étais conservait toutes ses bombes aérosol vides. J’ai donc commencé à créer ces petites pièces à partir de ces bombes usagées. Ce n’était pas prémédité ; j’avais simplement beaucoup de temps libre en attendant l’arrivée de mes matériaux, alors j’ai travaillé avec ce que j’avais sous la main. Chaque bombe est signée et datée au fond. » – Eddie Colla. La philosophie créative d'Eddie Colla « Salvage Can 3 » d'Eddie Colla est une sculpture saisissante, réalisée en techniques mixtes, qui illustre le caractère novateur du street art et du graffiti. Créée en 2018 lors d'une résidence en Chine, cette œuvre représente une fusion unique de spontanéité et de réflexion, caractéristique de la démarche artistique de Colla. Utilisant des bombes de peinture usagées comme support, Colla a transformé ces objets en œuvres d'art stimulantes, chacune signée et datée, témoignant de son style unique et de son regard sur les problématiques contemporaines. Dans la série « Salvage Can », Eddie Colla a su tirer parti de l'imprévu qui a émaillé son processus créatif pour produire une série reflétant un principe fondamental du street art : la capacité à créer avec n'importe quel matériau. « Salvage Can 3 » manifeste l'ingéniosité et l'agilité artistique de Colla. Cette série exprime l'essence même de l'improvisation dans le street art, Colla réutilisant les bombes de peinture récupérées lors de sa résidence pour créer des pièces qui témoignent du pouvoir transformateur de l'art. Expression artistique dans « Salvage Can 3 » Le langage visuel de « Salvage Can 3 » transmet un récit poignant. La figure représentée sur la canette, partiellement dissimulée par ce qui semble être un masque, invite le spectateur à s'interroger sur les thèmes de l'identité, de la dissimulation et de la condition humaine dans le monde moderne. L'utilisation de la peinture en aérosol et de l'acrylique, médiums traditionnels du graffiti, sur un support non conventionnel met en lumière la maîtrise des techniques mixtes de Colla et sa capacité à repousser les limites du pop art urbain. Impact culturel de l'œuvre d'Eddie Colla Eddie Colla n'est pas seulement un artiste de rue, mais un observateur culturel dont les œuvres trouvent un écho auprès d'un public international. « Salvage Can 3 », à l'instar des autres œuvres de la série, est bien plus qu'un objet d'intérêt visuel ; c'est un commentaire sur notre époque et une expression d'individualité au sein de récits collectifs. L'œuvre de Colla est reconnue pour son analyse critique des thèmes socio-politiques, et cette pièce ne fait pas exception. Véritable artefact culturel, elle invite le spectateur à s'interroger et à réfléchir, incarnant l'esprit de rébellion qui caractérise souvent l'art du graffiti. Importance sur le marché de l'art Le caractère exceptionnel de « Salvage Can 3 » tient à son histoire unique et à la réputation d'Eddie Colla, légende du graffiti. Chaque exemplaire est unique, marqué de la main et de la signature de Colla, et porte en lui l'histoire de sa création, ce qui en fait une pièce convoitée par les collectionneurs d'art urbain. Ces œuvres occupent une place particulière sur le marché de l'art, faisant le lien entre les fresques éphémères et les objets de collection. « Salvage Can 3 » n'est pas qu'une simple sculpture en techniques mixtes ; elle s'inscrit dans l'histoire du pop art urbain et son évolution sur la scène artistique contemporaine. « Salvage Can 3 » reflète profondément la capacité d'Eddie Colla à capturer l'essence du pop art urbain et du graffiti dans un seul objet. Par son utilisation novatrice des matériaux et sa narration visuelle poignante, Colla continue d'influencer et de définir le genre du street art. Cette œuvre témoigne du pouvoir de l'art de s'adapter et de prospérer, même dans des lieux et sous des formes inattendus, trouvant un écho auprès d'un public universel et confirmant le statut de Colla comme figure incontournable du monde de l'art.

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Œuvre d'art angélique, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces.

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Vingt-et-une sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 12 couleurs, sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec revêtement UV, par Sheefy McFly, un artiste rare et célèbre du street art et du pop art. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Sérigraphie 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec vernis UV. Dimensions de l'œuvre : 43,5 x 54 cm. Avec « Twenty, Twenty-One », Sheefy McFly poursuit son exploration de l'énergie vibrante de la rue à travers le pop art, présentant une sérigraphie en édition limitée, vibrante de vie et de couleurs. Cette œuvre, à l'instar de ses contemporaines, utilise une palette de douze couleurs appliquées à la main sur un papier Coventry Rag de 320 g/m² et est sublimée par un vernis UV qui la protège tout en lui conférant une dimension tactile. L'œuvre, aux dimensions imposantes de 43,5 x 54 pouces (110,5 x 137 cm), fait partie d'une édition exclusive de 150 exemplaires signés et numérotés, renforçant ainsi son attrait auprès des collectionneurs et des amateurs de street art et de pop art. Sheefy McFly, reconnu pour son esthétique audacieuse et colorée, crée des images à l'impact immédiat, puisant dans la spontanéité et l'authenticité de la tradition du street art. « Twenty, Twenty-One » ne fait pas exception : véritable symphonie de formes et de couleurs, elle captive le regard et ne peut rester indifférente. La superposition complexe de couleurs et de formes évoque l'effervescence des rues et la nature changeante des espaces urbains, témoignant du talent de l'artiste pour traduire l'énergie cinétique de la ville en formes statiques empreintes de mouvement. Cette estampe est un artefact culturel qui transcende la simple expression artistique ; elle capture un moment précis, l'année 2021, à travers le prisme du langage visuel singulier de McFly. Cette année, marquée par des bouleversements et des changements à l'échelle mondiale, est interprétée et immortalisée par le regard de l'artiste, offrant une perspective qui relève autant du témoignage historique que de la création artistique. La superposition et la juxtaposition des couleurs évoquent une impression de complexité et de profondeur, reflétant la richesse des expériences vécues durant l'année qu'elle représente. Avec « Twenty, Twenty-One », Sheefy McFly confirme son talent en créant une œuvre d'art qui constitue un vibrant témoignage de notre époque. Cette œuvre d'art est non seulement un spectacle visuel vibrant, mais aussi l'incarnation de l'essence de 2021, vue à travers le prisme du street art et du pop art, confirmant le statut de McFly comme un artiste important et influent.

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Muse #564 Œuvre d'art Giclée en édition limitée sur papier 330 G/M2 par l'artiste de graffiti de la culture pop Conrad Roset.

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Portrait à pois holographique, sérigraphie en édition limitée 14 couleurs sur carton holographique Lava 10 pt par Sheefy McFly - Tashif Turner. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie 14 couleurs sur carton holographique Lava 10 pt. Format : 45,7 x 61 cm. Sortie : 30 septembre 2021. Tirage : 30 exemplaires.

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Sérigraphie Euphoria Black Error de Buff Monster, une œuvre d'art en édition limitée peinte à la main sur papier d'art. 2021 Estampillée « Erreur » - Sérigraphie unique de 45,7 x 61 cm représentant une glace Melty Misfit en train de fondre. L'artiste a considéré cette œuvre comme une erreur d'impression due à des variations de couleur du fond. Non signée. Une exploration ludique d'images à la fois douces et subversives L'estampe sérigraphique « Euphoria Black Error » de Buff Monster capture l'enthousiasme de l'artiste pour les couleurs vives, les créatures aux allures de dessins animés et les formes fondantes qui sont devenues sa signature. Cette édition peinte à la main, réalisée sur papier d'art en 2021, se distingue du tirage original par un changement de couleur de fond survenu lors de l'impression. Buff Monster a considéré cela comme une erreur et l'a estampillée en conséquence, laissant l'œuvre non signée mais très prisée des amateurs de Street Pop Art et de graffiti. Le joyeux chaos des formes de glaces fondantes évoque une fantaisie légère, tandis que la palette de couleurs – avec ses coulures noires et ses tourbillons vibrants – amplifie l'énergie urbaine. Les admirateurs du travail de Buff Monster remarquent souvent comment cette ambiance joyeuse dissimule des thèmes plus profonds comme la transformation, les plaisirs éphémères et la fluidité de la culture pop moderne. Reconnu depuis longtemps pour sa fusion de motifs insouciants et enfantins avec une sensibilité urbaine affirmée, Buff Monster a développé un style qui se prête parfaitement à la sérigraphie. Dans cette œuvre, des créatures difformes et fondantes occupent le devant de la scène, insufflant à la composition un mouvement fluide, les formes se fondant les unes dans les autres. Les superpositions noires créent des contrastes saisissants avec les tourbillons de tons pastel, rose vif et citronnés. Chaque visage cyclopéen exprime une personnalité caricaturale, étrangement attachante malgré les coulures. Sur un fond qui n'était pas prévu pour la version finale, ces figures espiègles deviennent encore plus fascinantes, suggérant le caractère imprévisible de la création artistique. Inspirations pour le street art, le pop art et le graffiti L'estampe sérigraphique Euphoria Black Error s'inspire largement des traditions issues de l'art urbain. Le choix de Buff Monster, fait de superpositions de textures, de contours marqués et d'éléments ludiques et irrévérencieux, l'inscrit dans le dialogue permanent entre le street art, le pop art et le graffiti. Si l'image conserve la netteté d'une sérigraphie, elle fait clairement référence à l'énergie spontanée des fresques murales, où les couleurs vives et les coulures de bombes aérosol explorent des territoires plus bruts. Les formes de glaces fondantes suggèrent une fusion entre l'innocence et la subversion, reflétant la manière dont le street art mêle souvent icônes pop et sous-entendus rebelles. Les spectateurs reconnaîtront peut-être des clins d'œil humoristiques à des logos de marques ou à des emballages de bonbons de leur enfance, revisités et déformés d'une façon propre à l'univers imaginaire de Buff Monster. Une variante rare prisée des collectionneurs Le changement de couleur de fond distingue cette pièce de l'édition prévue, en faisant un objet de collection unique. Les amateurs d'art qui suivent Buff Monster apprécient le caractère imprévisible du procédé de sérigraphie, reconnaissant que de petites erreurs peuvent révéler des trésors inattendus. Ce sentiment de rareté séduit les collectionneurs en quête d'une œuvre plus personnelle qu'une pièce courante. Le tampon d'erreur ajoute une touche de mystère, confirmant son statut de déviation involontaire. Malgré l'absence de signature, la palette de couleurs distinctive et les personnages captivants témoignent de la patte indéniable de l'artiste. Ces variations de teinte font ressortir des contours inédits et modifient l'atmosphère, rappelant aux spectateurs que même de faibles variations d'impression peuvent transformer radicalement l'énergie d'une composition. Poursuivre l'héritage d'une esthétique urbaine dynamique Cette œuvre confirme le statut de Buff Monster comme créateur à la fois ludique et talentueux, toujours prêt à célébrer des visuels insolites et des détournements humoristiques de motifs familiers. Le tourbillon de glace et les créatures à l'œil unique invitent le public à s'abandonner à la fantaisie et à la malice, tout en abordant des thèmes plus larges comme la société de consommation et les plaisirs éphémères. Un sentiment de positivité sous-jacent se dégage souvent des pigments vifs et des personnages dynamiques, ajoutant une touche de fantaisie à cet art d'inspiration urbaine. La synergie entre les couleurs pop, l'esthétique née de l'imperfection et les formes comiques souligne l'esprit du Street Pop Art et du Graffiti : un mouvement fondé sur l'expérimentation, la superposition de messages et la célébration des résultats inattendus. L'estampe sérigraphique Euphoria Black Error illustre comment un léger défaut d'impression peut se transformer en une œuvre extraordinaire, portant la signature indémodable de Buff Monster : un optimisme sucré et un design accrocheur.

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Figurine de robot en bombe de peinture Silver East Coast Legends 5oz Canbot Canz Pop Graffiti Art Toy par Crash - John Matos x Czee13 Édition limitée. Édition limitée 2023 à 100 exemplaires, neuve en boîte, format 3 x 5,5, robot graffiti Crash argenté, canette de peinture aérosol Canbot 5 oz, jouet d'art. Crash's Canbot : Un hommage à l'esprit du graffiti Le Canbot Silver East Coast Legends est une figurine d'art en édition limitée qui capture l'esprit et l'histoire du graffiti à travers sa conception. Fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur John « Crash » Matos et l'artiste Czee13, cette pièce de collection fusionne l'énergie rebelle du street art et l'esthétique du pop art. Sortie en 2023, cette série était limitée à 100 exemplaires, chaque pièce étant une figurine de robot neuve dans sa boîte, inspirée d'une bombe de peinture, l'outil emblématique du graffeur. Avec sa finition métallique brillante, le Canbot incarne le caractère industriel et provocateur du graffiti. Son design rend hommage à Crash, pionnier de la scène graffiti de la Côte Est, dont le tag « CRASH » est inscrit sur le dessus de la bombe. Le robot prend la forme d'une bombe de peinture personnifiée, avec un bouchon en guise de tête et un corps orné du graffiti iconique de Matos. Cette figurine d'art ne se contente pas de représenter une figure statique, mais symbolise le mouvement et la fluidité du graffiti. Matos et Czee13 : Un pont entre le street art et la culture des objets de collection John Matos, plus connu sous le nom de Crash, a joué un rôle déterminant dans l'ascension du graffiti des rues aux galeries d'art. Sa collaboration avec Czee13 sur le Canbot renforce encore le lien entre le street art et le monde des objets de collection. Le Canbot n'est pas qu'un simple objet d'art ; c'est une véritable œuvre de pop art urbain, fusionnant le marché des objets de collection et l'esprit du street art. Le design unique de chaque Canbot témoigne de l'individualité et de la créativité qui définissent le graffiti. Cette série prolonge l'histoire du street art dans les intérieurs et les espaces personnels des collectionneurs, leur offrant une interaction privilégiée avec un morceau d'histoire de la culture populaire. Avec son design épuré et sa valeur historique, le Canbot est une œuvre d'art fonctionnelle, incarnant l'essence même de l'impact du street art sur la culture contemporaine et son influence durable sur divers médiums artistiques. Le Canbot comme œuvre marquante dans l'art du graffiti Le Canbot Silver East Coast Legends est bien plus qu'un simple hommage ; c'est une œuvre marquante qui témoigne de la pérennité et de l'évolution du graffiti. Cette série en édition limitée met en lumière le parcours transformateur du street art, des marges de l'espace public aux vitrines des collectionneurs. Chaque Canbot argenté, avec sa finition brillante et son design détaillé, porte en lui l'histoire du graffiti : son passé, son présent vibrant et son avenir prometteur. Plus largement, le Canbot de Crash et Czee13 est la manifestation concrète des dialogues que suscitent le street art et le graffiti : des conversations sur l'art, l'accessibilité, la culture et leurs intersections dans notre monde moderne. À travers cette œuvre, les artistes invitent les spectateurs à réfléchir à la valeur intrinsèque du street art, au-delà des murs, dans le quotidien, offrant un lien tangible avec le pouls des rues et l'art qui les anime.

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Science Mage, tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives sur papier d'archivage 100 % coton, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 12 po x 10 po, bordure blanche de 1 po incluse. Imprimé sur papier Innova Smooth Cotton 315 g/m², blanc pur, 100 % coton – signé et numéroté.

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