Beaux-arts du verre et de la céramique

La vengeance est un plat - Impression numérique en édition limitée sur assiette en céramique, réalisée par le célèbre artiste de rue graffeur Luke Chueh. Né à Philadelphie, mais ayant grandi à Fresno, Luke Chueh (prononcé THU) a étudié le graphisme à l'Université polytechnique d'État de Californie à San Luis Obispo, où il a obtenu une licence en art et design. Il a ensuite été embauché par la société Ernie Ball, en tant que graphiste-illustrateur interne, et a créé plusieurs designs primés. Ses travaux ont été publiés dans les annuaires de design de Communication Arts et de Print Magazine.

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30 Perceptions d'un Tigre - 23 Gold Original Fait Main et Peint à la Main en Céramique Haute Température avec Lustre Or Blanc Sculpture Œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti moderne Violeta Hernandez. Sculpture originale en céramique de 2022. Dimensions : 14,5 x 14,5 x 9,5 cm. Signée. Type : Figurine en céramique haute température, faite et peinte à la main, avec un lustre en or blanc. Sortie : 17 janvier 2022. 30 Perceptions d'un Tigre – Sculpture en céramique dorée de 23 cm par Violeta Hernández, dans la catégorie Street Pop Art et Graffiti. « 30 Perceptions d'un Tigre – 23 Or » est une sculpture en céramique originale créée par l'artiste mexicaine contemporaine Violeta Hernández. Lancée le 17 janvier 2022, cette œuvre constitue une exploration singulière de la forme et de l'émotion à travers une céramique entièrement façonnée et peinte à la main. Mesurant 14,5 x 14,5 x 9,5 cm, la pièce est cuite à haute température pour une durabilité optimale, puis recouverte d'un lustre en or blanc, un détail luxueux qui sublime sa surface de reflets scintillants. La figure d'Hernández incarne un félin féroce et expressif, le dos arqué et les crocs apparents traduisant un état émotionnel intense, entre défense et défi. À la fois animal et icône, cette figure mêle totem sacré et attitude urbaine, s'inscrivant ainsi dans le langage visuel du Street Pop Art et du graffiti. La pratique céramique et le symbolisme émotionnel de Violeta Hernández Reconnue pour son travail en illustration, sérigraphie et sculpture, Violeta Hernández insuffle à ses céramiques la même intensité délibérée qu'à ses estampes. « 30 Perceptions d'un Tigre – 23 Or » révèle son talent pour exprimer tension et vulnérabilité au sein d'un objet compact et tactile. Chaque tigre de la série est sculpté et peint à la main, ce qui garantit son caractère unique. Le visage de la sculpture est particulièrement saisissant : une expression stylisée et menaçante reflète la férocité intérieure que les humains portent en eux, mais qu'ils expriment rarement. La surface de la figurine est recouverte de textures peintes à la main qui évoquent les marques de l'animal, tout en suggérant des coups de pinceau, des griffures et des traces d'usure urbaine, symbolisant la résilience et la ténacité propres à l'identité moderne. L'éclat de l'or blanc ajoute de la profondeur et un contraste visuel aux tons gris et noirs, insufflant à l'œuvre une lueur de force divine. La céramique comme forme de rébellion dans l'art urbain pop et le graffiti Cette sculpture n'est pas qu'un simple objet décoratif : elle réinvente radicalement la céramique dans le contexte du pop art urbain et du graffiti. Traditionnellement perçue comme un artisanat, la céramique, sous la direction d'Hernández, devient un vecteur de protestation et de transformation. Petite mais puissante, cette sculpture bouleverse les attentes liées à la céramique et au street art, occupant un espace liminal entre la galerie et la rue. Sa taille invite à l'observation attentive, tandis que sa posture et son expression dégagent une présence affirmée. En intégrant un lustre en or blanc – matériau associé à l'opulence et aux reliques spirituelles – Hernández transcende la taille modeste de l'objet, lui conférant à la fois statut d'artefact et de message. La texture de l'argile, l'intensité de la forme et la finition lustrée contribuent à son empreinte de relique urbaine contemporaine. 30 perceptions d'un tigre – 23 L'or comme déclaration culturelle À travers cette œuvre, Violeta Hernández repousse les frontières du street art et du graffiti. Si le graffiti a historiquement investi les murs et la sérigraphie s'est épanouie sur les affiches, cette sculpture oriente le débat vers la sculpture et le rituel. Elle suggère que les états émotionnels, les instincts animaux et les enjeux identitaires peuvent être préservés dans la forme, et non seulement dans l'image. Le tigre menaçant devient un avatar de résilience et de confrontation, à la fois compact et résolu. Signée par l'artiste et éditée en édition originale limitée, « 30 Perceptions of a Tiger – 23 Gold » témoigne de l'engagement d'Hernández à intégrer l'émotion, la mythologie et le processus artistique en de puissants symboles de la vie contemporaine. L'œuvre se veut plus qu'un simple objet de collection : une déclaration sculpturale de férocité, de survie et de rébellion créative.

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Sculpture Popcorn Bowie en techniques mixtes par Yusuke Hanai x Netflix, édition limitée, œuvre d'art moderne pop graffiti street art. Édition limitée numérotée et estampillée de 500 exemplaires (2023). Sculpture, figurine, dimensions : 2 x 7,3 cm, bol : 8,27 x 8,27 cm. Neuve en boîte. Synthèse artistique entre culture pop et art urbain : Popcorn Bowie de Yusuke Hanai x Netflix Dans le paysage du graffiti pop et du street art contemporain, « Popcorn Bowie », sculpture en techniques mixtes réalisée par Yusuke Hanai en collaboration avec Netflix, s'impose comme une œuvre majeure. Créée en 2023, cette œuvre témoigne du talent de l'artiste et propose un commentaire culturel qui fait le lien entre le monde du divertissement et celui des beaux-arts. Numérotée et estampillée, cette figurine au design unique est éditée à 500 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection. De dimensions compactes (5 x 18,5 cm), elle est présentée dans un bol de 21 x 21 cm, neuve dans son emballage d'origine. Yusuke Hanai, artiste japonais reconnu pour son style singulier puisant son inspiration dans l'esthétique traditionnelle japonaise et la culture surf internationale, a insufflé à « Popcorn Bowie » un caractère à la fois ludique et profond. Cette œuvre est un hommage à l'ère du street art, où convergent la spontanéité du graffiti et la fascination du pop art pour la culture de masse. La sculpture rend hommage à la figure emblématique de David Bowie, un sujet tout indiqué pour une œuvre qui cherche à incarner l'esprit du pop art, avec son dialogue constant avec la culture populaire et les célébrités. La posture décontractée du personnage, associée à la présence d'un bol de pop-corn, suggère un moment de détente et de divertissement, thèmes fréquemment explorés dans le travail de Hanai. Le titre de l'œuvre, « Popcorn Bowie », évoque un sentiment de plaisir décontracté tout en faisant référence à cette icône musicale légendaire, connue pour sa personnalité transformatrice et anticonformiste. Cette dualité est au cœur du street art : la rencontre quotidienne de l'extraordinaire et du banal, ponctuée d'étincelles de génie. Matérialité et signification dans Popcorn Bowie : un artefact contemporain Sur le plan matériel, « Popcorn Bowie » est une symphonie de matériaux variés, illustrant la tradition du pop art urbain qui consiste à utiliser une diversité de matériaux pour créer des œuvres aux multiples facettes. La nature mixte de la sculpture – incluant probablement des éléments tels que la résine, la peinture et peut-être des substances plus insolites – fait écho au principe du graffiti, qui utilise tous les matériaux disponibles pour communiquer avec le public. Chaque sculpture, faisant partie d'une série limitée, porte la marque de l'exclusivité et constitue une pièce tangible de la vision de Hanai, estampillée et numérotée pour garantir son authenticité et sa valeur de collection. Le récit que raconte « Popcorn Bowie » est un reflet de notre époque : une œuvre moderne puisant dans diverses facettes de la vie contemporaine. La collaboration avec Netflix, géant du divertissement, met en lumière la rencontre entre les racines underground du pop art et les phénomènes culturels grand public. Ce partenariat témoigne de l'évolution du pop art urbain et du graffiti, où les mouvements contre-culturels dialoguent désormais ouvertement avec les entreprises, marquant ainsi un nouveau chapitre dans l'histoire de cet art. Implications culturelles de la collaboration de Yusuke Hanai avec Netflix Les implications culturelles d'une telle collaboration sont immenses. « Popcorn Bowie » de Yusuke Hanai devient un objet de plaisir visuel et un témoin de son époque. Elle symbolise la disparition des frontières entre les différentes disciplines artistiques et la reconnaissance croissante du pop art urbain dans le contexte plus large de la production culturelle. Le lien de la sculpture avec Netflix – une plateforme qui a révolutionné la manière dont les histoires sont racontées et consommées – confère à l'œuvre une pertinence contemporaine, en faisant un artefact moderne à la fois œuvre d'art et commentaire culturel. En somme, « Popcorn Bowie » est plus qu'une sculpture ; c'est un sujet de conversation qui invite à réfléchir à la nature de l'art, du divertissement et des espaces qui les séparent. Œuvre en édition limitée, elle représente la vision unique de l'artiste et capture l'esprit de l'époque de sa création. Les collectionneurs et les admirateurs d'art urbain pop et de graffiti trouveront dans « Popcorn Bowie » une convergence de fantaisie et de profondeur, une caractéristique du parcours artistique de Yusuke Hanai et un exemple vibrant de l'évolution continue de l'art inspiré de la rue.

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Baccarat Black 200% Be@rbrick Crystal Glass Art Toy by Medicom Designer Luxury Limited Edition Artwork Collectable Art Figure. 2021 Baccarat x Bearbrick Medicom Jouet d'art en cristal de verre noir Taille 200% Neuf dans sa boîte. Kawaii envahit la planète Baccarat ! Collaboration entre Baccarat et Medicom Toy Le Be@rbrick Baccarat Black 200% est un emblème du partenariat novateur entre le savoir-faire de Baccarat en cristal et l'influence de Medicom Toy dans le secteur des jouets de collection. Sortie en 2021, cette pièce symbolise la fusion entre le luxe haut de gamme et la culture pop urbaine, et s'adresse aux collectionneurs et passionnés de ces deux univers. Conception et savoir-faire Illustrant l'essence du luxe sous une forme ludique, la transformation de Be@rbrick par Baccarat met en lumière le savoir-faire méticuleux de la cristallerie française. Les dimensions et la qualité artisanale de cette pièce témoignent de l'engagement de Baccarat envers l'excellence, alliant la silhouette familière du jouet au luxe du cristal au plomb. Importance artistique Le parcours artistique de la Be@rbrick, à travers l'interprétation de Baccarat, la place au cœur du Street Pop Art. Cette pièce incarne l'esprit du mouvement, alliant l'accessibilité et le charme du street art à la grandeur de l'artisanat de luxe. Le voyage de Be@rbrick dans le luxe Élevant un symbole de la culture pop au rang d'objet d'art luxueux, le Be@rbrick de Baccarat incarne l'esprit d'aventure de cette collaboration. L'ours en cristal noir, iconique par sa forme, explore désormais un nouvel univers, bousculant les codes du luxe et du street art. Valeur de collection et exclusivité Le caractère exclusif de l'édition limitée du Baccarat Black 200% Be@rbrick en fait une pièce de collection très recherchée. Elle incarne l'essence du luxe et du design contemporains et fait le lien entre les univers traditionnellement distincts des objets d'art et des jouets de créateurs. Impact culturel Cette pièce de collection est bien plus qu'un simple objet esthétique et matériel ; elle incarne une évolution culturelle, une fusion où le luxe rencontre le pop art urbain. Le Baccarat Be@rbrick symbolise cette forme d'art en pleine mutation, une pièce de collection qui trouve un écho auprès d'un public et dans des contextes variés. Avec cette création, Baccarat et Medicom Toy ont réalisé bien plus qu'un simple jouet d'art : ils ont façonné une icône culturelle à l'avant-garde du pop art urbain et du graffiti.

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J'ai demandé une impression numérique pigmentaire en édition limitée « Scrambled » sur une assiette en céramique, œuvre du célèbre artiste de rue graffeur Luke Chueh. La vengeance est un plat de collection - Né à Philadelphie, mais ayant grandi à Fresno, Luke Chueh (prononcé THU) a étudié le graphisme à l'Université polytechnique d'État de Californie à San Luis Obispo, où il a obtenu une licence en art et design. Il a ensuite travaillé pour la société Ernie Ball en tant que designer/illustrateur interne, créant plusieurs designs primés et figurant dans les annuaires de design de Communication Arts et Print Magazine.

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Assiette en céramique Doraemon Exhibition Tokyo, édition limitée, impression pigmentaire d'archives, œuvre du célèbre artiste Takashi Murakami TM/KK. Assiette de collection en édition limitée 2017, format 9 pouces L'intersection de la culture traditionnelle et de la culture populaire chez Takashi Murakami Takashi Murakami, artiste de renom dont l'œuvre brouille constamment les frontières entre beaux-arts et culture populaire, a créé pour l'exposition Doraemon à Tokyo une pièce qui capture l'essence même de cette fusion. Cette assiette en céramique de 23 cm, en édition limitée, arbore le style caractéristique de Murakami, qui intègre souvent des personnages d'anime et de manga aux couleurs vives dans des formats artistiques traditionnels. Éléments artistiques et influence culturelle L'œuvre de Murakami sur l'assiette de l'exposition Doraemon est une estampe pigmentaire d'archive qui transpose l'énergie du pop art urbain sur la céramique. Cette œuvre se distingue par la fusion des personnages de la célèbre série japonaise « Doraemon » avec les motifs floraux caractéristiques de Murakami. Les personnages se détachent sur un fond floral foisonnant, créant un motif complexe et captivant qui illustre l'exploration par Murakami de la société japonaise contemporaine et de la culture otaku, inscrite dans la continuité des pratiques artistiques historiques. Le style unique de Murakami et le monde de l'art La démarche de Murakami repose souvent sur un dialogue entre différents éléments culturels, mêlant les techniques artistiques traditionnelles japonaises à l'attrait populaire des animés et des mangas. Sa méthode s'appuie sur le concept de « Superflat », qu'il a forgé pour décrire le commentaire culturel présent dans ses œuvres. Ce style est manifeste dans la planche de l'exposition Doraemon, où l'aplatissement du plan pictural et la juxtaposition des personnages suggèrent une réflexion plus profonde sur l'influence de la culture populaire dans nos vies. Le pop art, le street art et leur confluence En intégrant des éléments de pop art et de graffiti à la conception de son assiette en céramique, Murakami contribue au débat actuel sur la légitimité et l'importance de la culture populaire dans le monde de l'art. Il enrichit la perception des personnages animés en les inscrivant dans le contexte de l'art contemporain, remettant en question les idées reçues sur la valeur et la signification du pop art et du street art. La collection et l'impact mondial de Murakami L'assiette de l'exposition Doraemon est une œuvre d'art et un objet de collection qui a suscité l'intérêt des collectionneurs et amateurs d'art du monde entier. La capacité de Murakami à brouiller les frontières entre art et marchandise a rendu ses œuvres très recherchées, et des pièces comme l'assiette Doraemon continuent de façonner le paysage de la collection d'art contemporain. À travers ces objets de collection, Murakami a marqué de son empreinte la culture artistique mondiale, influençant de nouvelles générations d'artistes et de collectionneurs. Cette assiette de l'exposition Doraemon de Takashi Murakami témoigne du pouvoir transformateur de la culture pop dans le monde de l'art et de sa capacité à créer de nouveaux dialogues et une meilleure compréhension entre différents médiums et contextes culturels.

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Plateau en céramique Akira Syringe, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Plateau/assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, dimensions 11,25 x 4,25 pouces, objet d'art de collection. Plateau en céramique Supreme AKIRA pour seringues : un classique culte revisité en porcelaine Le plateau en céramique Supreme AKIRA Seringue est un véritable objet culturel, fusionnant l'énergie brute du pop art urbain et la précision des illustrations manga. Sortie très attendue dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée incarne l'esprit avant-gardiste de la marque Supreme tout en rendant hommage au manga japonais culte AKIRA. Façonné avec précision, ce plateau en céramique blanche témoigne de l'influence durable de la série et de l'ingénieuse adaptabilité de l'esthétique streetwear de Supreme. Mesurant 28,6 cm sur 10,8 cm, le plateau est une toile qui donne vie à l'univers noir et blanc saisissant du néo-Tokyo d'AKIRA. Il présente une scène intense, directement tirée du manga, où Kaneda et Tetsuo, dans un moment de tension extrême, reçoivent une injection. Cette scène est un moment charnière de la série AKIRA et un aperçu de la narration complexe et pleine d'action qui captive les fans depuis des décennies. L'art de la céramique rencontre la narration graphique emblématique La synergie entre l'identité visuelle de Supreme et le graphisme d'AKIRA sur le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe illustre parfaitement comment le pop art urbain peut fusionner avec d'autres médias pour créer une œuvre à la fois inédite et familière. L'intégration subtile du nom de Supreme sur la seringue révèle une interaction ingénieuse entre identité de marque et imagerie narrative. Ce détail, bien que mineur, souligne la nature collaborative de la pièce et symbolise la fusion d'univers que les fans de Supreme et d'AKIRA apprécieront. Sous le plateau se trouve le logo iconique de Supreme, une signature qui atteste de l'authenticité de l'objet et le rattache à la lignée des précédents articles de collection de la marque. Cet emblème, juxtaposé au dessin manga, fait le lien entre l'esprit du temps du streetwear moderne et l'art classique du manga japonais. La présence du logo est un gage de qualité et un symbole qui trouve un écho auprès des collectionneurs conscients de la valeur des éditions limitées de pop art urbain. Impact et valeur de collection du plateau à seringues Supreme AKIRA Le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe est bien plus qu'un simple objet décoratif ; c'est un morceau d'histoire de la pop culture, moulé dans la céramique. Le choix d'immortaliser cette scène de manga sur un plateau de haute qualité témoigne d'une compréhension fine de la mentalité du collectionneur : ce n'est pas seulement l'objet qui a de la valeur, mais la convergence de l'art, du récit et de la marque qui en fait un trésor. En tant que pièce de collection, le plateau attire le regard, devenant un point de convergence qui suscite des discussions sur le street art, ses liens avec d'autres formes d'expression et la nature même des objets de collection contemporains. Dans le street art et le graffiti, des objets comme le plateau Supreme AKIRA Syringe soulignent le potentiel des objets du quotidien à devenir des supports pour la narration et l'expression artistique. La représentation saisissante de Kaneda et Tetsuo est un récit visuel figé dans la porcelaine, conférant au plateau un dynamisme souvent associé à l'immédiateté du street art et à la vitalité transgressive du graffiti. Pourtant, la permanence du matériau céramique et le charme intemporel de l'histoire d'AKIRA élèvent ce plateau au-delà de sa simple fonction, confirmant son statut d'œuvre d'art convoitée. Une fusion de formes artistiques pour le collectionneur contemporain Collectionneurs et amateurs de manga et de streetwear trouveront dans le plateau en céramique Supreme AKIRA l'objet qui incarne l'essence même de ces deux univers. La fusion harmonieuse du style urbain et percutant de Supreme et des visuels saisissants d'AKIRA fait de ce plateau une pièce emblématique pour les collectionneurs. À la fois fonctionnel et pratique, il invite à la contemplation en tant qu'œuvre d'art. Le plateau en céramique Supreme AKIRA témoigne de la puissance de la collaboration entre marques et artistes et reflète l'état actuel du street art et du graffiti : un domaine en constante évolution, toujours surprenant et résolument audacieux.

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Assiette en céramique Akira Pill, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, format 10x10, objet d'art de collection. Présentation de l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill : une convergence entre le pop art urbain et le design de collection L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill est une pièce unique dans l'univers du design de collection et du pop art urbain. Lancée dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée illustre à merveille l'alliance harmonieuse entre objet utilitaire et œuvre d'art. La collaboration entre Supreme et le manga AKIRA dépasse le simple cadre commercial pour donner naissance à un objet de collection célébrant l'esthétique de la culture urbaine et du graphisme japonais. Plus qu'une simple assiette, l'assiette Supreme AKIRA Pill est une véritable toile qui met en lumière la rencontre fascinante entre l'audace de Supreme et le style graphique saisissant d'AKIRA. Fabriquée en céramique de haute qualité, elle allie durabilité et esthétique, se prêtant aussi bien à un usage quotidien qu'à la décoration. L'illustration, représentant un personnage en pleine action, avalant une pilule, est réalisée dans un noir et blanc contrasté, insufflant à cet objet statique le dynamisme et l'énergie brute des planches du manga original. L'image est accompagnée de la phrase « ILS SONT COMME DES BONBONS ! », ajoutant une dimension narrative et intrigante à l'œuvre. L'esprit de cette collaboration est palpable dans cet objet d'art unique. L'œuvre présentée capture l'essence de la série AKIRA, tandis que l'intégration du logo Supreme la replace dans l'univers de la mode urbaine haut de gamme. Le choix de modifier le logo Supreme et de l'apposer sur la pilule témoigne du talent de la marque pour intégrer harmonieusement des références à la culture populaire dans ses produits. Cette technique séduit non seulement les fans du manga, mais aussi les adeptes de la marque Supreme, dont l'identité est subtilement tissée dans le récit. Le dessous de la plaque fait partie intégrante de l'œuvre, arborant le logo Supreme Box classique dans ses couleurs vives d'origine. Ce détail, signature de la marque, est un clin d'œil à ses racines dans les cultures du skateboard et du streetwear, et constitue un gage d'authenticité pour les collectionneurs. L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill est une œuvre d'art pop et graffiti de rue. L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill témoigne de l'évolution du street art et du graffiti. Elle incarne l'essence même de l'art contemporain : à la fois fonctionnelle et provocatrice, profondément ancrée dans la culture underground. Bien plus qu'un simple produit dérivé, cette assiette est un fragment de l'histoire du street art, immortalisé dans une céramique émaillée. Son design reflète les points communs du street art et du graffiti : spontanéité, audace et provocation. Pourtant, il est sublimé par le prisme du pop art, qui transforme l'objet du quotidien en une œuvre extraordinaire. Cette collaboration symbolise la manière dont le street art brouille les frontières entre art commercial et art savant, invitant à une réflexion sur la valeur et la signification de l'art dans les objets du quotidien. En tant qu'œuvre d'art, l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill prolonge l'héritage de son inspiration manga vers de nouveaux horizons. Elle représente concrètement l'impact culturel de la série AKIRA sur l'univers du roman graphique et, plus largement, sur la culture pop. Pour Supreme, cette assiette vient enrichir sa collection d'objets à la fois contemporains et intemporels, des pièces qui captent l'air du temps tout en conservant un caractère exclusif et un potentiel de collection. Dans le domaine du street art et du graffiti, des objets comme l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill remettent en question les conceptions traditionnelles de l'art. Ils insufflent à nos intérieurs la vitalité et l'audace du street art, en fusionnant avec la fonctionnalité des objets du quotidien. Plus qu'un simple plat pratique, cette assiette est un objet de conversation, un commentaire culturel et une œuvre d'art à collectionner, incarnant à la perfection l'esprit novateur et transformateur du street art.

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À manipuler avec précaution. AJ1c, figurine de collection en résine, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Mr Flower Fantastic. Le pot Handle With Care AJ1c est un pot décoratif spécialement conçu pour la culture de plantes à fleurs et de succulentes. Chaque pot est fabriqué en résine translucide moulée, laissant passer la lumière. Le Handle With Care AJ1c comprend un étui de protection sur mesure avec mousse découpée, des instructions de plantation trilingues (anglais, français et japonais) et un certificat d'authenticité signé à la main par M. Flower Fantastic. * Plante non incluse Outre ses sculptures réalisées à partir de baskets, Mr. Flower Fantastic a collaboré avec diverses marques et entreprises pour créer des installations et des scénographies événementielles. Son travail a été présenté dans des expositions d'art, des galeries et autres lieux de rencontre, et a séduit les passionnés de baskets, les amateurs d'art et les férus d'art floral.

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Tasse et pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 3x10, logo BMW sur une grande tasse fine contenant des pinceaux ayant servi à peindre des couleurs vives. Tasses et pinceaux par Joshua Vides : Commentaire artisanal sur l’art urbain pop et le graffiti « Cup & Brushes » est une sculpture en céramique originale de Joshua Vides, créée en 2023. Peinte et sculptée à la main, cette pièce unique fait partie de sa série « Shattered Dreams ». Haute de 25 cm et large de 7,5 cm, elle est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente un gobelet de peintre stylisé, rempli de pinceaux trempés dans différentes couleurs. L'objet est orné d'un logo BMW déformé, rendu avec le trait noir et blanc caractéristique de Vides et son aspect imparfait, presque caricatural. Il en résulte une fusion satirique entre image de marque et réalisme d'atelier, réalisée sous une forme statique en céramique, mais qui résonne de l'énergie vibrante et subversive du street art et du graffiti. La sculpture frappe d'emblée, apparaissant comme un objet du quotidien figé dans le temps. Le gobelet haut et fin imite un récipient standard en plastique ou en verre, typique de l'atelier d'un artiste, ici transposé dans la céramique. À l'intérieur, cinq pinceaux, chacun trempé dans une couleur primaire différente, émergent, leurs angles et leurs pointes variant, comme figés en pleine utilisation. Des éclaboussures de peinture ornent les manches des pinceaux, évoquant des actions, des mouvements et une présence humaine passés. Le logo BMW, volontairement imprécis, semble dessiné d'une main irrégulière, suggérant une critique ou une pointe d'humour plutôt qu'une admiration. Vides métamorphose le symbolisme des entreprises en une texture malléable, déstabilisant son autorité ostentatoire en le réinsérant dans l'environnement brut du travail créatif. Tension matérielle et commentaire visuel Joshua Vides est connu pour sa capacité à distordre la réalité à travers des formes sculpturales aux allures d'esquisses, aplatissant des objets tridimensionnels en représentations caricaturales. Dans « Cup & Brushes », cette illusion visuelle est secondaire par rapport à la texture et au concept. Les surfaces en céramique brillante sont rehaussées de coulures, de taches et de coups de pinceau, célébrant le désordre de la création tout en pointant du doigt la culture de l'image lisse qui occulte souvent le travail. En peignant le logo d'une voiture de luxe sur une tasse utilitaire servant à nettoyer les pinceaux, Vides crée un contraste saisissant entre aspiration et effort, entre fantasme consumériste et réalité créative. Ce type de subversion visuelle est au cœur du Street Pop Art et du graffiti. Vides utilise la matérialité de la sculpture pour interroger la valeur perçue de la marque par rapport au processus. Les pinceaux, outils souvent négligés dans la création du spectacle, deviennent le spectacle lui-même. La tasse, humble et fonctionnelle, devient alors un piédestal pour la critique. En figeant une scène d'atelier dans la céramique, Vides invite les spectateurs à s'interroger sur ce qui est glorifié et ce qui est caché derrière un design soigné et une image de marque mondiale. Joshua Vides et le langage de la ligne en trois dimensions Joshua Vides est reconnu internationalement pour ses transformations monochromes, dans un style bande dessinée, d'objets du quotidien, d'environnements et de collaborations de mode. Si nombre de ses installations utilisent des lignes nettes et des contrastes marqués pour simuler la bidimensionnalité, « Cup & Brushes » met en avant la texture, la couleur et le volume. Cette œuvre marque une évolution significative dans sa pratique : il ne se contente plus de contours plats, mais construit une critique émotionnelle et culturelle à travers l'objet et la forme. La série « Shattered Dreams », dont est issue cette sculpture, explore en continu l'interaction entre ambition, identité, finalité artistique, capitalisme et fidélité à la marque. L'emblème BMW, déformé et placé négligemment, symbolise les thèmes plus larges de la consommation et du rêve de réussite. La sculpture suggère que derrière chaque marque prestigieuse se cache un assemblage désordonné de pinceaux : utilisés, trempés, tachés et réutilisés dans une quête d'expression créative. Tasses et pinceaux : protestation statique et hommage artistique Cup & Brushes est bien plus qu'une nature morte rendant hommage aux outils : c'est un poème sculptural sur le travail invisible qui sous-tend la culture visuelle. L'œuvre invite le spectateur à regarder au-delà du logo, au-delà de l'espace épuré de la galerie, pour pénétrer dans l'atelier de l'artiste, où les objets ne sont sacrés que lorsqu'ils sont signés, ni valorisés tant qu'ils ne sont pas vendus. Joshua Vides fait émerger cette tension, la capturant dans la céramique et la scellant dans l'esthétique du Street Pop Art et du graffiti. Cette sculpture nous rappelle que même le luxe naît du labeur, et que chaque coup de pinceau recèle une histoire digne d'être sculptée.

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Plateau Super Sport Camaro Supreme, édition limitée, assiette de collection en porcelaine et verre d'art, œuvre d'art de l'artiste de rue OG Lady Pink. Plateau Lady Pink/Supreme 2021 - Camaro Super Sport - Boutique - Supreme. Plateau en porcelaine avec motif imprimé et logo imprimé au dos. 15 x 18 cm

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Coffret en cristal Supreme Halama - Édition limitée rouge - Objet d'art en verre créé par le légendaire souffleur de verre Supreme x Halama. Boîte en cristal taillée et polie à la main (2021). 5,5 cm x 14,5 cm x 10 cm. Fabriquée exclusivement pour Supreme.

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« La vengeance est un plat » - Impression numérique en édition limitée sur assiette en céramique, réalisée par le célèbre artiste de rue graffeur Luke Chueh. Né à Philadelphie, mais ayant grandi à Fresno, Luke Chueh (prononcé THU) a étudié le graphisme à l'Université polytechnique d'État de Californie à San Luis Obispo, où il a obtenu une licence en art et design. Il a ensuite été embauché par la société Ernie Ball, en tant que graphiste-illustrateur interne, et a créé plusieurs designs primés. Ses travaux ont été publiés dans les annuaires de design de Communication Arts et de Print Magazine.

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Boule à neige astronaute en édition limitée, en verre et résine, objet de collection artistique créé par l'artiste de rue Billionaire Boys Club. Boule à neige « Astronaute » 2020 par Billionaire Boys Club, 2020. Dimensions : 21 x 19,5 x 22,9 cm (boîte). Boule à neige en verre avec socle en résine brossée. Édition limitée. Neuve en boîte. Exploration de la nouveauté de la « boule à neige astronaute » du Billionaire Boys Club La « Boule à neige Astronaute » est une pièce de collection résolument moderne, alliant l'esprit d'aventure de la marque Billionaire Boys Club (BBC) au charme nostalgique des boules à neige traditionnelles. Sortie en 2020, cette édition limitée s'impose comme une œuvre majeure du pop art et du street art, créée par une marque qui a opéré une transition fluide du streetwear à l'art urbain. La boule à neige présente un écrin en verre finement travaillé sur un socle en résine brossée, abritant une figurine d'astronaute détaillée, fidèle à la prédilection de BBC pour les motifs spatiaux. D'une hauteur d'environ 20 cm, et avec un emballage d'origine de 21 x 19,5 x 23 cm, cette pièce de collection ne manquera pas d'attirer tous les regards. La « Boule à neige Astronaute » fusionne le côté ludique d'un jouet avec la sophistication d'une sculpture, créant une pièce unique qui séduira les collectionneurs de jouets d'art et les amateurs de pop art et de graffiti. L'astronaute à l'intérieur de la boule à neige fait écho au logo de la BBC et aux thèmes plus larges de l'exploration et de l'innovation. Emprisonné dans la boule à neige, il devient un symbole d'émerveillement et d'exploration, plongeant l'imagination du spectateur dans un monde de flocons tourbillonnants. S'éloignant des toiles ou des fresques murales traditionnelles associées au street art, cette œuvre reflète l'approche novatrice de la marque en matière d'art et de design. Dans le contexte plus large du pop art et du graffiti, la « Boule à neige Astronaute » de Billionaire Boys Club témoigne de l'évolution constante des objets de collection artistiques. Elle nous rappelle que l'influence du street art peut transcender les espaces bidimensionnels et s'intégrer aux objets tridimensionnels qui nous entourent au quotidien. La « Boule à neige Astronaute » célèbre la vision artistique de la BBC et contribue à l'univers du pop graffiti, un monde en perpétuelle réinvention. Son édition limitée en fait une pièce recherchée par les amateurs de la fusion entre l'art contemporain et l'esthétique de la culture urbaine. Le fait qu'elle soit neuve dans sa boîte d'origine renforce son attrait pour les collectionneurs, garantissant ainsi la préservation de sa valeur artistique et de son statut d'objet emblématique issu de la gamme variée de produits Billionaire Boys Club. Cette boule à neige illustre parfaitement comment le street art a étendu son influence, s'imposant dans divers domaines et trouvant de nouvelles façons d'exprimer son esprit créatif et rebelle.

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« La vengeance est un plat » - Impression numérique en édition limitée sur assiette en céramique, réalisée par le célèbre artiste de rue graffeur Luke Chueh. Né à Philadelphie, mais ayant grandi à Fresno, Luke Chueh (prononcé THU) a étudié le graphisme à l'Université polytechnique d'État de Californie à San Luis Obispo, où il a obtenu une licence en art et design. Il a ensuite été embauché par la société Ernie Ball, en tant que graphiste-illustrateur interne, et a créé plusieurs designs primés. Ses travaux ont été publiés dans les annuaires de design de Communication Arts et de Print Magazine.

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Ensemble d'assiettes en céramique Kaws x NGV - Édition limitée grise et blanche. Œuvre d'art réalisée à l'encre par le célèbre artiste de rue Kaws x NGV. 2019 Kaws - Brian Donnelly Édition épuisée Taille 6 pouces Art de collection Ensemble de 4 assiettes - Gris/Gris/Blanc Présenté avec boîte, aucun problème. Fusion d'art fonctionnel et de culture urbaine : ensemble d'assiettes en céramique KAWS x NGV Le service d'assiettes en céramique KAWS x NGV gris et blanc est une collection exquise qui allie la fonctionnalité des objets du quotidien au dynamisme du street art. Fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur KAWS, alias Brian Donnelly, et la National Gallery of Victoria (NGV), cette édition limitée, désormais épuisée, met en lumière la polyvalence et l'étendue du pop art urbain. Chaque assiette arbore les motifs et personnages emblématiques de KAWS, déclinés dans une palette sophistiquée de gris et blanc qui souligne la finesse des motifs et les références culturelles qui imprègnent l'œuvre. Cette collaboration témoigne du rayonnement du street art, qui s'affranchit des supports traditionnels et des environnements urbains pour investir la décoration intérieure et l'art fonctionnel. Chaque assiette, un cercle de 15 cm de diamètre, est une véritable toile qui permet à l'art de KAWS de s'intégrer pleinement à notre quotidien, insufflant l'énergie brute de la rue à l'élégance de notre table. KAWS x NGV : Une fusion d'expressions artistiques La collaboration entre KAWS et la NGV pour ce service d'assiettes en céramique représente une fusion d'expressions artistiques qui remet en question les frontières traditionnelles entre art et design commercial. Présenté dans un coffret immaculé, le service est en parfait état, garantissant ainsi la préservation du talent de KAWS sous une forme à la fois pratique et esthétique. La palette de gris et de blanc souligne le contraste et la profondeur des créations de KAWS, faisant de chaque assiette une œuvre d'art à part entière tout en contribuant à l'harmonie visuelle de l'ensemble. En transformant l'assiette du quotidien en un support pour le pop art urbain, KAWS et la NGV ont élevé le statut de l'art graffiti, l'inscrivant dans la catégorie des objets d'art de collection. Ce service séduira les collectionneurs d'art, les amateurs de l'œuvre de KAWS et tous ceux qui apprécient le lien entre art et vie, où chaque repas devient une invitation à la découverte de l'art contemporain. L'art de collection dans les objets du quotidien : la signification de l'exposition KAWS x NGV Le coffret d'assiettes en céramique KAWS x NGV est une pièce de collection majeure, notamment dans le domaine du street art et du graffiti. La rareté de cette édition épuisée renforce son attrait et en fait un objet très recherché. Au-delà de sa rareté, le design du coffret témoigne de l'influence constante de KAWS sur la perception du street art, le propulsant des marges de la culture urbaine au cœur de l'innovation artistique. Chaque assiette, ornée d'un motif détaillé à l'encre sur céramique, incarne l'essence du parcours créatif de KAWS, de ses débuts comme graffeur à son statut de figure emblématique de l'art contemporain. Dans toute sa splendeur grise et blanche, le coffret d'assiettes en céramique KAWS x NGV célèbre le potentiel créatif du street art, démontrant sa capacité à transcender les frontières et à s'intégrer pleinement au récit culturel.

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Joshua Vides X CC Cone, sculpture de cône de signalisation en céramique en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste de rue et de graffiti Joshua Vides. Édition limitée 2021 à 100 exemplaires - Hauteur : 24 cm x Base : 15 cm. Exclusivité ComplexCon. Joshua Vides, figure incontournable de l'art contemporain, s'est imposé comme un artiste visuel unique, capable de fusionner avec brio pop art, street art et graffiti. Reconnu pour son style monochrome distinctif, il crée avec aisance une expérience immersive qui abolit la frontière entre les mondes bidimensionnel et tridimensionnel. Sa dernière création, « Joshua Vides X CC Cone Art Object Sculpture », est une œuvre d'art qui s'inspire d'objets du quotidien. Vides les métamorphose en merveilles artistiques qui captivent le public, transformant l'ordinaire en extraordinaire. Le CC Cone ne fait pas exception. Cet objet d'art est, par essence, une réinterprétation du modeste cône de signalisation, mais sa transformation est tout simplement révolutionnaire. La technique singulière de Vides consiste à souligner les objets de traits noirs épais sur un fond blanc immaculé, imitant l'aspect d'un croquis ou d'une bande dessinée. Le CC Cone est orné de ce style distinctif, insufflant une nouvelle vie à un objet souvent négligé. La sobriété du design en noir et blanc, alliée à la simplicité quotidienne du cône de signalisation, crée un contraste saisissant qui illustre le paradoxe fondamental de l'œuvre de Vides : simplicité du design, complexité de la perception. À l'image de son travail, le CC Cone est aussi une réflexion sur la vie moderne, la société de consommation et le paysage urbain. Cette sculpture représente un point de rencontre entre l'art et la vie, invitant le spectateur à porter un regard neuf sur le monde qui l'entoure. La fusion du pop art, du street art et du graffiti dans cette sculpture souligne sa vitalité, repoussant les limites de ces trois genres tout en les fusionnant en une entité harmonieuse. La « Sculpture Joshua Vides X CC Cone » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire, un défi, et un témoignage du talent inégalé de Vides pour transformer le banal en art extraordinaire. La sculpture nous rappelle avec force la frontière floue entre l'art et la vie, célébrant la beauté et la complexité souvent insoupçonnées des objets du quotidien.

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Presse-papier Madison Avenue, objet d'art en édition limitée, œuvre de collection créée par l'artiste de graffiti urbain Bape. 2021 1G72-182-195 / Transparent / F Madison Ave New York City Presse-papier Objet d'art

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Toilettes pour femmes chez Art And Design Supreme Tray, assiette de collection en porcelaine et verre d'art en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue OG Lady Pink. Plateau Lady Pink/Supreme 2021 - Espace Femmes chez Art & Design - Supreme. Plateau en porcelaine avec motif et logo imprimés au dos. 15 x 18 cm.

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Sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée, par Daniel Arsham. Édition limitée. Œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture en quartz sélénite signée, édition limitée à 500 exemplaires (2020). Dimensions : 3,58 x 5,35 x 12,21 cm. Représente une Porsche 911 Turbo 930 blanche ornée de cristaux de quartz érodés stylisés. État impeccable. Présentée dans sa boîte d'origine. Sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée, par Daniel Arsham La sculpture en quartz sélénite « Porsche 911 Turbo 930 érodée » de Daniel Arsham, sortie en 2020, est une pièce de collection d'une précision remarquable, fusionnant design industriel, beaux-arts et esthétique de la dégradation liée au temps. Cette œuvre sculpturale en édition limitée explore en trois dimensions la fascination d'Arsham pour l'archéologie fictive et les vestiges du futur. Produite à 500 exemplaires, chaque pièce mesure 9,1 x 13,6 x 31 cm et est moulée en quartz sélénite. La sculpture réinterprète l'emblématique Porsche 911 Turbo 930 comme si elle avait été mise au jour après des décennies d'érosion naturelle, mêlant ingénierie mécanique et formations minérales organiques dans une forme hybride saisissante et contemplative. Une fusion entre design et art conceptuel La série de véhicules érodés de Daniel Arsham est devenue emblématique de son œuvre, symbolisant la rencontre entre la réussite humaine et le passage du temps. La Porsche 911 Turbo, symbole intemporel de précision et de performance, devient le réceptacle du langage visuel spéculatif d'Arsham. Cette sculpture capture un instant de transformation : la carrosserie immaculée du véhicule est fracturée et partiellement recouverte de dépôts cristallins stylisés. Réalisée en quartz sélénite, la forme du véhicule est à la fois préservée et érodée, évoquant les thèmes de la mémoire, de la perte et de la permanence. La finition blanc mat du quartz contraste magnifiquement avec les excroissances cristallines incrustées, qui semblent perforer la surface du véhicule de l'intérieur. Ces érosions imitent les processus géologiques naturels, mais sont stylisées pour correspondre à l'approche caractéristique d'Arsham en matière de décomposition et de ruine. L'effet est à la fois futuriste et ancestral, faisant de la sculpture une relique d'un monde où la culture humaine et la nature dialoguent sans cesse. Intégrité de l'édition et valeur de collection Chaque sculpture de cette édition limitée à 500 exemplaires est signée individuellement par Daniel Arsham et présentée dans un coffret orné du logo de son atelier. Le coffret lui-même devient un prolongement de l'œuvre, grâce à une typographie réfléchissante et un graphisme audacieux qui renforcent le concept. Accompagnée d'un certificat d'authenticité, cette pièce s'inscrit dans la démarche plus large d'Arsham, qui explore des objets de design de collection brouillant la frontière entre art et artefact. La sculpture, à la fois petite et imposante, peut être exposée seule ou intégrée à une collection d'art. Elle trouve naturellement sa place dans les intérieurs contemporains, les collections muséales et les galeries, tout en séduisant les passionnés d'automobile et de design. La texture du quartz, alliée à un savoir-faire artisanal minutieux, confère à chaque pièce un caractère unique, tant par sa finition que par ses détails. Art urbain pop et graffiti à travers le prisme de la sculpture L'artiste américain Daniel Arsham travaille à la croisée de la sculpture, de l'architecture et de l'iconographie pop. Bien qu'il ne soit pas graffeur au sens traditionnel du terme, son œuvre est profondément imprégnée de l'esthétique et de l'énergie de l'art urbain, notamment à travers ses collaborations avec des artistes de rue et son utilisation de formes emblématiques de la culture. La sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée illustre parfaitement cette philosophie : réinventer un artefact culturel comme une œuvre intemporelle, transformée par les forces de l'entropie et de l'imagination. S'inscrivant dans la continuité du Street Pop Art et du graffiti, elle invite le spectateur à repenser ce qui est préservé et ce qui est oublié dans le flux du temps.

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Baccarat Clear 200% Be@rbrick, figurine d'art en cristal par Medicom Designer, édition limitée de luxe. 2021 Baccarat x Bearbrick Medicom - Objet de collection en cristal transparent, taille 200%, neuf en boîte. Le kawaii envahit la planète Baccarat ! Fusion de l'artisanat et de la culture pop Le Be@rbrick 2021 en cristal transparent représente une rencontre unique entre le savoir-faire traditionnel français en cristal et l'esthétique de la pop culture contemporaine. Cette pièce célèbre de manière tangible le métissage entre le luxe intemporel de Baccarat, la célèbre maison de cristal française, et l'expression créative contemporaine de Medicom Toy, acteur japonais majeur du marché des jouets design. Avec le Be@rbrick en cristal transparent, Baccarat insuffle à ses créations l'esprit des jouets d'art de collection, démontrant ainsi sa capacité à s'approprier les tendances du design moderne tout en restant fidèle à son héritage d'excellence artisanale. Fabriquée à la main en France, cette figurine en cristal au plomb transparent incarne l'essence même du Be@rbrick, conservant la forme emblématique de l'ours tout en reflétant une nouvelle lumière grâce à sa pureté cristalline. Le Be@rbrick dans le monde du pop art urbain En adoptant la forme d'un ours – symbole souvent associé à la chaleur et au réconfort –, le Be@rbrick transparent de Baccarat transcende ses origines ludiques pour devenir une œuvre d'art sophistiquée. Objet emblématique du Street Pop Art et du graffiti, il incarne un univers où la fantaisie et le raffinement coexistent harmonieusement. Édition limitée, le Be@rbrick en cristal transparent de Baccarat n'est pas un simple jouet, mais un véritable joyau pour les collectionneurs. Sa création en 2021 marque un tournant dans l'art et le design, où les frontières entre les différentes formes d'expression s'estompent et où les objets de collection comme celui-ci acquièrent une valeur inestimable sur le marché de l'art. Attrait culturel et esthétique Le Be@rbrick en cristal transparent de Baccarat est bien plus qu'une fusion de luxe et d'art urbain : c'est une réflexion sur l'évolution de l'art et des objets de collection à l'ère moderne. Il témoigne des changements survenus dans la consommation et l'appréciation de l'art, où des pièces autrefois considérées comme informelles ou non traditionnelles sont désormais célébrées et convoitées dans les cercles les plus huppés. Ce Be@rbrick transparent symbolise l'adaptabilité et la créativité, une pièce phare de l'innovation dans le Street Pop Art et le graffiti, capturant l'essence d'une génération qui vénère à la fois le savoir-faire ancestral et la liberté artistique contemporaine.

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Madison Avenue Baby Milo Blanc-Noir Édition Limitée Objet d'Art de Collection Œuvre d'Art de l'artiste de graffiti de rue Bape- A Bathing Ape. 2021 2G72-182-049 / Blanc / F Madison Ave New York City Assiette décorée d'un petit singe Milo

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Le Chevalier - Chambre de l'Enfer Édition Limitée, Chambre à Encens en Porcelaine, Œuvre d'art de collection par l'artiste de graffiti de rue Rob Bowyer. 2021 Chambre à encens en porcelaine de 10 pouces, édition limitée « Tuez-les tous » Fabriqué principalement en porcelaine et reproduisant fidèlement l'œuvre « Kill Them All » de Rob Bowyer, voici Le Chevalier (Chambre de l'Enfer). Le Chevalier (Chambre de l'Enfer) est une pièce d'art fonctionnelle. Ce brûleur d'encens en porcelaine peinte brillante présente une palette de couleurs sobres et une base amovible pour un nettoyage facile. Des ouvertures astucieusement placées permettent à la fumée de s'échapper de sa silhouette imposante, accentuant l'aspect éthéré du Chevalier (Chambre de l'Enfer). Ne pas toucher le brûleur pendant son utilisation, car sa surface est chaude et peut provoquer des brûlures. Ne pas utiliser plus de deux cônes d'encens à la fois.*

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Presse-papier tête de singe Madison Avenue, édition limitée, objet d'art de collection, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Bape - A Bathing Ape. 2021 1G72-182-051 / Argent / F Madison Ave New York City Presse-papier en forme de tête de singe représentant la Statue de la Liberté, objet d'art

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Madison Avenue Baby Milo Vert-Noir, œuvre d'art en édition limitée de l'artiste de graffiti urbain Bape. 2021 2G72-182-049 / Vert / F Madison Ave New York City Assiette avec objet d'art représentant un bébé singe Milo

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SS001 Sculpture de chaussure Adidas Yeezy en céramique édition limitée or rose, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Ceeze. Lancée en 2019, notre sculpture de sneaker SS001 a connu un succès fulgurant dès sa sortie. Il s'agit d'une réplique en céramique de deux pièces d'une Adidas Yeezy, fidèle à la pointure 43 (9,5 US). Le dessus de la sculpture est amovible et révèle une bougie chauffe-plat non parfumée. Chaque sculpture est livrée avec quatre bougies, au choix de l'utilisateur.

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Pot de fleurs Bodega Rose Bape STA en édition limitée, sculpture en Jesmonite, œuvre d'art du légendaire artiste de rue de graffiti Bape - A Bathing Ape. 2021 1G23-182-947 / Ivoire / F BAPE STA SILHOUETTE POT DE POT COULÉ EN JESMONITE. FABRIQUÉ À LA MAIN AU JAPON Plante non incluse.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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SS001 Sculpture de chaussure Adidas Yeezy en céramique, édition limitée en étain, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Ceeze. Sculpture de sneaker Yeezy édition limitée SS001 2019 Exploration de la forme et de la fonction dans l'art La sculpture en céramique SS001 Pewter, édition limitée Adidas Yeezy, représente une fusion audacieuse entre art urbain, graffiti et haute couture. Créée par l'artiste légendaire Ceeze en 2019, cette œuvre unique transcende les frontières traditionnelles de l'art urbain en intégrant des éléments utilitaires, mode et sculpture. Reprenant la pointure 43 (9,5 US) d'une chaussure homme, cette sculpture en céramique moulée capture non seulement le design iconique de l'Adidas Yeezy, mais lui confère également une fonctionnalité accrue grâce à son dessus amovible et son emplacement pour une bougie chauffe-plat, ajoutant ainsi une dimension interactive inattendue. Dans le domaine de l'art urbain, la sculpture SS001 Pewter de Ceeze est une œuvre exemplaire qui illustre l'innovation de l'artiste dans la fusion d'objets du quotidien et d'œuvres d'art. Moulée en céramique, matériau traditionnellement associé aux beaux-arts plutôt qu'à l'art urbain, la sculpture témoigne de la capacité de Ceeze à naviguer et à fusionner différents univers artistiques. La finition étain offre une esthétique élégante et moderne qui complète à merveille le design contemporain de la Yeezy. Parallèlement, l'intégration d'un compartiment dissimulé pour une bougie chauffe-plat transforme la sculpture, d'objet purement décoratif, en une œuvre fonctionnelle et interactive. Cet aspect interactif, caractéristique du pop art urbain, invite le spectateur à une approche tactile et sensorielle de l'œuvre. Le sommet amovible de la sculpture encourage une participation active. À l'inverse, les bougies chauffe-plat non parfumées qui accompagnent chaque sculpture suggèrent une dimension rituelle à l'art, permettant une expérience personnelle à la fois contemplative et cérémonielle. Signification culturelle de la sculpture Yeezy La basket Adidas Yeezy est devenue une icône de la mode et de la culture pop, symbolisant la fusion entre haute couture et streetwear. Le choix de Ceeze d'immortaliser ce modèle en céramique interroge le statut de la Yeezy, qui dépasse celui de simple chaussure pour devenir un véritable artefact culturel. Ce faisant, l'artiste élève la basket au rang d'œuvre d'art, invitant le spectateur à repenser la valeur et la signification que nous accordons aux objets de consommation de masse. Dans le contexte du street art, cette œuvre témoigne du pouvoir transformateur du graffiti et des artistes de rue dans la recontextualisation des objets de la culture populaire. La finition en étain de la sculpture, évoquant le travail du métal traditionnel, confère une dimension intemporelle à cette basket pourtant résolument moderne, suggérant un héritage qui perdurera au-delà des tendances éphémères. Commentaire artistique sur le matérialisme La sculpture SS001 Pewter Yeezy de Ceeze offre une critique subtile du matérialisme dans la société contemporaine. La culture sneaker, souvent critiquée pour son consumérisme et son marché axé sur le buzz, est ici figée dans le temps, incitant à réfléchir à la nature éphémère du désir et à la quête permanente de sens à travers les objets matériels. En intégrant la fonctionnalité d'une bougie chauffe-plat, la sculpture invite à trouver chaleur et lumière dans le simple geste d'allumer une bougie – un contraste saisissant avec l'univers souvent ostentatoire et ostentatoire de la collection de sneakers. Le caractère limité de l'édition SS001 Pewter reflète l'exclusivité souvent recherchée dans la culture sneaker. Pourtant, elle subvertit ce concept en proposant une œuvre d'art conçue pour être utilisée, et non seulement exposée. L'intégration de quatre bougies dans chaque sculpture souligne ce point, offrant de multiples possibilités d'utilisation. La sculpture en céramique et étain SS001 de Ceeze, représentant une chaussure Adidas Yeezy, est une œuvre marquante qui incarne l'esprit du street art et du graffiti. Elle fusionne utilitaire et esthétique, culture et commentaire, mode et beaux-arts. Remettant en question les normes du street art, elle illustre avec éclat le potentiel novateur de ce mouvement artistique. À travers cette sculpture, Ceeze continue d'inspirer et de provoquer, confirmant son statut d'artiste de rue graffeur de talent qui ose redéfinir les paramètres du pop art moderne.

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Carreau Colombe Géométrique - Série Black Dream Editions, édition limitée, impression d'art pigmentaire d'archives sur carreau avec base en liège, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Shepard Fairey. Colombe géométrique (noire) Shepard Fairey Édition limitée à 225 exemplaires + 25 épreuves d'artiste Impression numérique sur carreau. Carreau avec base en liège Signature et numérotation laser 15 × 15 cm 5,9 × 5,9 po 2021 « La série Dream Editions invite les artistes à puiser au plus profond de leur imagination pour créer des œuvres dont ils ont toujours rêvé, mais qu'ils n'avaient jamais eu l'occasion de réaliser jusqu'à présent. Cette initiative novatrice et révolutionnaire repousse les limites de leur créativité, témoignant du savoir-faire acquis par ce secteur. Au fil des ans, Underdogs a développé d'innombrables éditions limitées et pièces uniques, explorant une grande variété de supports, de formes, de matériaux et de procédés. » - Underdogs

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Achetez Joshua Vides X CC Cone édition limitée en céramique Traffic Cone Sculpture Artwork par le légendaire artiste de rue Joshua Vides. Édition limitée 2021 de 100 - 9,5" de haut x 6" de base. dans ComplexCon Exclusive

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POPek - Sculpture en porcelaine en édition limitée représentant une chambre à encens, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Whatshisname. Édition limitée 2021 de 2,74 m (9 pieds) de haut, par Whatshisname. Jamais utilisée. La porcelaine peinte à la finition brillante met en valeur les courbes élégantes du POPek. Des ouvertures judicieusement placées permettent à la fumée de s'échapper de cette pièce unique, conférant à ce POPek une atmosphère hors du commun. Le POPek (Brûleur d'encens) est doté d'une base amovible pour un nettoyage facile. Le POPek (Brûleur d'encens) est la première pièce en porcelaine de l'univers POPIKI.

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SS002 Onyx Édition Limitée Sculpture de Chaussure Nike Air Jordan 1 en Céramique, œuvre d'art de l'artiste de rue urbain Ceeze. Sculpture personnalisée Air Jordan 1 Air Jordan 1 - Boîte et Chaussure - Édition 2021. Inspirée de l'une des chaussures Nike les plus emblématiques, cette sculpture en céramique est un véritable objet de décoration. Réalisée à partir d'une chaussure pointure 38 (7 US), elle est dotée d'une bougie intégrée à l'ouverture pour une ambiance chaleureuse. Moulée à haute température, elle est recouverte d'une peinture métallisée résistante aux rayures, fixée à chaud.

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Papier buvard Out The Window, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Michael Polakowski, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Carreau Colombe Géométrique - Série Blue Dream Editions, édition limitée, impression d'art pigmentaire d'archives sur carreau avec base en liège, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Shepard Fairey. Colombe géométrique (bleue) Shepard Fairey Édition limitée à 225 exemplaires + 25 épreuves d'artiste Impression numérique sur carreau. Carreau avec base en liège Signature et numérotation laser 15 × 15 cm 5,9 × 5,9 po 2021 « La série Dream Editions invite les artistes à puiser au plus profond de leur imagination pour créer des œuvres dont ils ont toujours rêvé, mais qu'ils n'avaient jamais eu l'occasion de réaliser jusqu'à présent. Cette initiative novatrice et révolutionnaire repousse les limites de leur créativité, témoignant du savoir-faire acquis par ce secteur. Au fil des ans, Underdogs a développé d'innombrables éditions limitées et pièces uniques, explorant une grande variété de supports, de formes, de matériaux et de procédés. » - Underdogs

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Assiette Madison Avenue Baby Milo - Objet d'art de collection en édition limitée noire, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti urbain Bape. 2021 2G72-182-049 / Noir / F Madison Ave New York City Assiette avec objet d'art représentant un bébé singe Milo

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Mug à peindre avec pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 4x7, mug noir et blanc mat avec marqueur, crayon et stylo, statue. Mug à peindre avec pinceaux par Joshua Vides : Illusion sculpturale dans l’art urbain pop et graffiti « Paint Mug With Brushes » est une sculpture originale en céramique peinte à la main, réalisée en 2023 par Joshua Vides, artiste de graffiti et innovateur visuel. Créée dans le cadre de sa série « Shattered Dreams », cette œuvre unique mesure 10 x 18 cm et est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente une tasse à café blanche, stylisée dans le style graphique noir et blanc caractéristique de Vides, remplie d'outils de création hyper-stylisés : un crayon jaune, un feutre et un stylo noir. La sculpture capture une scène d'atelier sous une forme physique, utilisant des matériaux artisanaux pour simuler des objets généralement jetables, éphémères et négligés. Ce qui rend cette pièce si particulière, c'est non seulement sa précision visuelle, mais aussi sa subversion conceptuelle : transformer un objet utilitaire en un emblème sculptural de la pratique artistique et une parodie culturelle dans le contexte du street art et du graffiti. La tasse est ornée d'un motif en demi-teintes audacieux, façon bande dessinée, et d'une bulle de dialogue où l'on peut lire « MATTE BLACK », en lettres capitales stylisées qui font référence à l'esthétique du pop art et de la publicité des années 80. Les coulures noires sur le bord de la tasse sont minutieusement peintes pour imiter de véritables débordements d'encre, mais elles sont figées dans l'émail. Chaque outil à l'intérieur de la tasse est fixé de manière permanente, transformant ainsi des instruments de dessin du quotidien en éléments d'une illusion travaillée. Les surfaces sont couvertes d'éclaboussures et de marques d'usure, évoquant l'énergie brute d'un atelier en activité, tout en étant entièrement sculptées et scellées dans la céramique. Vides joue avec la texture, le contraste et les associations culturelles, créant une sculpture à la fois ludique et dérangeante. Transformation matérielle et geste statique Joshua Vides est surtout connu pour transformer des objets et des environnements réels en représentations audacieuses en noir et blanc, évoquant des croquis ou des celluloïds d'animation anciens. « Paint Mug With Brushes » s'inscrit dans cette démarche, mais à une échelle compacte et intimiste. La tasse et son contenu simulent les artefacts du travail créatif, tout en les réinterprétant comme des objets permanents. Cette transformation de l'éphémère en objet de collection souligne la tension entre processus et présentation, thèmes centraux de l'œuvre sculpturale de Vides. Le motif en demi-teintes et les éléments de bande dessinée font un clin d'œil aux traditions du pop art, tout en étant réinterprétés à travers le prisme du graffiti. Les outils à l'intérieur de la tasse sont exagérés en taille et en forme, créant une légère distorsion qui apporte humour et stylisation à l'œuvre. Bien que chaque élément semble familier, leur présentation collective en fait une réflexion visuelle sur la répétition, l'effort et la valeur du processus créatif. Joshua Vides et le langage de la culture des objets urbains Vides est devenu une figure majeure du dialogue entre les beaux-arts, la mode et la culture graffiti, reconnu pour son esthétique épurée et la cohérence de ses thématiques. Sa série « Shattered Dreams » prolonge son exploration du travail artistique et de l'identité commerciale, intégrant une critique au sein de formes d'une simplicité trompeuse. « Paint Mug With Brushes » transpose cette réflexion à une échelle domestique et personnelle. La surface en céramique, habituellement associée à l'artisanat utilitaire, est ici réinterprétée comme un médium sculptural au service de la métaphore visuelle. Cette sculpture ne s'attache pas à la fonction, mais au sens, à ce que signifie créer et aux outils que nous utilisons pour y parvenir. La bulle de dialogue contenant l'inscription « MATTE BLACK » fonctionne également comme un code culturel, faisant référence à la fois à l'esthétique littérale de la sculpture et à l'obsession contemporaine pour le marketing et le raffinement des éditions limitées. Entre les mains de Vides, la tasse n'est pas qu'un simple récipient, mais un commentaire sur le goût, les tendances et l'expression artistique. Elle reflète un mélange d'ironie de bande dessinée, de pratiques urbaines et de conceptualisme pop qui définit le Street Pop Art et le Graffiti dans toute leur intensité. Mug à peindre avec pinceaux comme icône du processus et symbole personnel Cette sculpture est plus qu'un objet : elle symbolise l'univers intérieur et extérieur de l'artiste, où les outils deviennent des trophées et les marques d'usage, des éléments stylistiques. « Paint Mug With Brushes » célèbre visuellement l'imperfection, le processus créatif et la persévérance. Elle immortalise une scène familière et paisible – le pot à crayons de l'artiste – et la rend permanente, sublime et empreinte de satire. Joshua Vides transforme le banal en iconographie, puisant dans le même instinct qui anime le street art : marquer ses outils, laisser une trace, raconter une histoire par des traits audacieux. Dans l'univers plus vaste du street art et du graffiti, « Paint Mug With Brushes » se dresse comme un autel miniature dédié à la créativité. À la fois épurée et brute, ludique et chargée de sens, sculptée et esquissée, elle fige l'instant où l'art prend naissance – le geste de saisir le stylo, le trempage du pinceau – offrant une performance statique d'énergie créatrice. À la fois relique d'atelier et artefact culturel, son message est simple mais puissant : même les plus petits outils peuvent porter une voix forte.

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