Or

Dessin original au marqueur de Saber, avec patch en feuille d'or, sur papier d'art brut vieilli. Œuvre d'art pop urbaine moderne. Dessin original signé au feutre et à la feuille d'or, format 5x6, 2023

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Monkey-Lava, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Joe Ledbetter. Édition limitée 2014 à 100 exemplaires. Format de l'œuvre : 10x8. Affiché dans la boîte « Monkey » s'inspire du tableau original « Good Morning Sunshine » de Joe Ledbetter. Personnage emblématique de l'artiste, Monkey reflète parfaitement notre état d'esprit au réveil, lorsque nous avançons péniblement dans la jungle de la vie. La version LAVA traditionnelle, toujours très appréciée, a été présentée pour la première fois sur notre stand (n° 4851) au Comic-Con de San Diego en 2014. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Jean Michel Basquiat n° 8, figurines d'art urbaines de collection en vinyle BE@RBRICK édition limitée 100 % et 400 % Dans ce huitième opus de la collaboration Jean-Michel Basquiat x Medicom Toy (2021), l'œuvre de Jean-Michel Basquiat est imprimée sur l'ensemble du motif Bearbrick 100 % et 400 %. La technique d'hydrodipping garantit un motif unique. Exploration de la huitième édition de l'héritage de Jean-Michel Basquiat à travers BE@RBRICK La collaboration entre Jean-Michel Basquiat et Medicom Toy se poursuit avec la sortie du coffret BE@RBRICK Jean-Michel Basquiat #8 100% & 400%. Cette collection en édition limitée est le huitième opus d'une série qui fusionne l'art de Basquiat avec le format iconique des figurines BE@RBRICK. Lancée en 2021, cette collection met en valeur l'œuvre dynamique de Basquiat, incarnant son style brut et expressif, devenu incontournable dans les scènes street art et graffiti. Dans cette édition particulière, l'art de Basquiat recouvre l'intégralité du motif BE@RBRICK, transformant les figurines en une toile tridimensionnelle qui révèle toute la force de son langage visuel. La technique d'hydrodipping garantit à chaque figurine un motif unique, reflétant l'authenticité et la singularité de l'art de Basquiat. Ce procédé honore non seulement l'individualité de chaque œuvre, mais reflète également l'essence même du street art, où chaque pièce est unique. L'importance de l'art de Basquiat dans le monde des figurines de collection urbaines L'art de Jean-Michel Basquiat, caractérisé par un mélange audacieux de textes, de motifs abstraits et d'imagerie symbolique, est imprimé sur la surface du BE@RBRICK. Ce jouet a dépassé son contexte initial pour devenir une pièce recherchée dans le milieu de l'art urbain. Cette série de BE@RBRICK symbolise la fusion entre l'underground et le mainstream, l'informel et le prestigieux. Chaque figurine est une rétrospective miniature de l'œuvre de Basquiat, permettant aux collectionneurs et à un nouveau public de découvrir son art sous un format contemporain. Les figurines à l'échelle 100 % et 400 %, neuves dans leur boîte, représentent un aperçu de l'influence de Basquiat sur l'art moderne et le dialogue culturel en général. Ce ne sont pas de simples objets de collection, mais aussi un témoignage de la pertinence intemporelle de la vision de Basquiat. À travers ces figurines d'art, Medicom Toy transpose la sensibilité néo-expressionniste de Basquiat dans l'univers du vinyle, créant ainsi un récit tangible qui continue d'inspirer et de susciter la réflexion au sein des diverses sphères du pop art, du street art et du graffiti. Les collectionneurs de la série Jean-Michel Basquiat #8 BE@RBRICK bénéficient d'un lien concret avec l'esprit de l'œuvre de Basquiat, chaque figurine en vinyle servant de porte d'entrée vers le parcours novateur de l'artiste sur la scène artistique des années 1980. Ces figurines célèbrent l'œuvre de Basquiat et perpétuent son héritage, assurant ainsi que son impact sur le monde de l'art continue de se faire sentir à travers les générations et les frontières culturelles. De cette manière, les BE@RBRICK deviennent plus que de simples objets d'admiration : elles deviennent des éléments clés du débat actuel sur la valeur et l'interprétation de l'art urbain dans la culture contemporaine.

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Lignes dans le sillage #14 Œuvre originale unique réalisée à l'encre et au marqueur sur papier aquarelle beaux-arts par JM Rizzi, artiste populaire de street art et de culture pop. Peinture originale signée à l'encre et au marqueur, 2022, format 18 x 24 pouces « Nous vivons une époque tendue. Les yeux fermés, je me laisse porter par le courant, glissant sur le sillage d'un flux énergique incessant. Cette série d'œuvres sur papier marque une exploration plus poussée des motifs abstraits. L'aluminium d'un avion et l'or royal ondulent et s'entremêlent comme des tourbillons ponctués de pourpre. L'acte final : l'amalgame de teintes métalliques et de fines lignes noires qui interrogent la frontière entre espace positif et négatif. Une interprétation visuelle de la sensation tacite de la propulsion perpétuelle de l'histoire humaine. » – JM Rizzi

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Jeu de dominos dorés, objet d'art créé par Ben Baller, une œuvre d'art pop de collection en édition limitée. Édition limitée 2022 à 2000 exemplaires, jeu de dominos dorés rare, coffret et objet d'art neufs. Réinventer le jeu : le jeu de dominos dorés de Ben Baller comme œuvre d'art. Le jeu de dominos en or de Ben Baller incarne la fusion du luxe et du jeu. Cette édition limitée réinvente le jeu traditionnel à travers le prisme de l'art pop. Seuls 2 000 exemplaires de cette collection rare ont été créés en 2022, chacun témoignant de l'esprit novateur des mouvements artistiques contemporains. Le coffret, véritable œuvre d'art au même titre que les dominos eux-mêmes, arbore le message percutant « THIS IS NOT YOUR PRACTICE LIFE », faisant écho à l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. La transformation d'un jeu classique en objet de collection design reflète la tendance du Street Pop Art à sublimer le quotidien. En intégrant l'or – matériau qui a historiquement symbolisé la richesse et le pouvoir – dans un contexte ludique, Ben Baller invite à une réflexion sur la juxtaposition de la valeur et du divertissement. Ces dominos ne sont pas de simples pièces de jeu, mais de véritables œuvres d'art, chacun offrant d'innombrables combinaisons et possibilités, à l'image de la liberté créative du graffiti. Ce jeu de dominos transcende sa fonction ludique pour entrer dans le domaine de l'art interactif. Conçu pour captiver, il favorise les échanges et offre une expérience tactile enrichissante, tant par son esthétique que par son utilisation. Le coffret doré, neuf, dégage une impression d'exclusivité et suscite l'attente d'un objet encore inconnu. Golden Play : Le jeu de dominos comme symbole de la culture du street art Dans la culture du street art et du graffiti, les symboles et les icônes sont souvent détournés pour remettre en question les perceptions et critiquer les normes sociales. Le jeu de dominos dorés de Ben Baller symbolise la rencontre entre l'art savant et la culture populaire, où le jeu se trouve sublimé dans un objet luxueux. Le jeu devient une toile, reflétant la vision de l'artiste et l'esprit ludique du street art. Il fait également écho à la dimension communautaire du street art : à l'instar des fresques et des tags qui s'intègrent au tissu social du quartier, ce jeu de dominos favorise la convivialité et le partage. Jouer aux dominos est un langage universel, unissant les cultures et les générations, à l'image du street art qui touche un public diversifié. Le logo « BB », signature de la marque Ben Baller, appose sa signature sur cette expérience collective, inscrivant chaque partie dans un récit plus vaste. De plus, ce jeu s'inscrit dans la lignée de l'exploration du consumérisme et de la marchandisation des loisirs propre au mouvement pop art. Il interroge les frontières entre art et objet, entre œuvre d'art et article du quotidien. Ainsi, le jeu de dominos dorés n'est pas qu'un simple objet de jeu, mais témoigne de l'importance culturelle des jeux et de leur rôle dans nos vies. Investissement artistique : Collectionner le jeu de dominos dorés Pour les collectionneurs, le charme du jeu de dominos dorés de Ben Baller réside dans sa double identité : à la fois jeu fonctionnel et œuvre d'art en édition limitée. En tant qu'investissement, il représente la convergence de l'expression artistique et du prestige culturel du design de collection. Ce jeu est emblématique d'une tendance artistique où les frontières entre objets utilitaires et œuvres d'art ne sont pas seulement floues, mais délibérément imbriquées. Son édition limitée à seulement 2 000 exemplaires renforce son statut sur le marché de l'art et des objets de collection. Il devient une pièce recherchée pour sa beauté, son savoir-faire, sa rareté et son potentiel d'appréciation. En tant qu'objet de collection, il raconte une histoire, reflète la vision de l'artiste et immortalise un moment où art et jeu s'harmonisent à la perfection. Le jeu de dominos dorés de Ben Baller est un artefact culturel à la croisée du pop art urbain, du graffiti et du design de luxe. C'est une célébration de l'esprit ludique qui imprègne une grande partie du pop art, une interprétation raffinée d'un jeu intemporel et un hommage à la joie collective des expériences partagées. Ce jeu n'est pas qu'une simple collection de dominos dorés ; c'est un recueil d'art, de jeu et du message universel que la vie, avec tous ses jeux et ses aléas, n'est pas une répétition, mais une scène où s'épanouissent splendeur et spectacle.

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Rolex Designer Drugs PP Printers Proof Skateboard Art Deck par Denial - Daniel Bombardier Limited Edition Archival Print on Wood Skateboard Deck par Street Artwork Graffiti Artist. Épreuve d'imprimeur PP 2018, marquée PP, édition limitée, signée, certificat d'authenticité, œuvre d'art pour skateboard, format 8x31, planche de skateboard ornée du logo Rolex en forme de pilule. La planche de skateboard Rolex Designer Drugs PP Printers Proof témoigne de la fusion entre culture urbaine, art contemporain et image de marque emblématique. Minutieusement conçue par Denial, pseudonyme de l'artiste canadien Daniel Bombardier, cette pièce allie l'esprit subversif du street art et du graffiti au prestige d'une marque de luxe – une juxtaposition récurrente dans le monde du pop art. La capacité de Denial à tisser ces éléments apparemment disparates révèle son sens aigu de la culture, de l'ironie et de la puissance des symboles dans notre société de consommation actuelle. Cette pièce de 2018, portant la mention « PP Printers Proof », atteste de son exclusivité en tant qu'édition limitée. Ces épreuves sont des versions préliminaires de l'œuvre imprimée, offrant un aperçu du processus créatif de l'artiste et garantissant la qualité des tirages finaux. De plus, elle est accompagnée d'un certificat d'authenticité et signée, offrant aux collectionneurs un lien tangible avec Denial lui-même. Mesurant 8 x 31 pouces, cette planche de skateboard est bien plus qu'une simple toile : c'est un symbole de la culture urbaine. Si le choix de cette planche peut paraître inhabituel pour de nombreux artistes traditionnels, il s'inscrit parfaitement dans l'univers du street art et du graffiti, cher à Denial. Au centre de l'œuvre, le logo Rolex est revisité sous la forme d'une pilule. Cette représentation interroge l'obsession de la société pour le luxe et les extrémités auxquelles certains sont prêts à aller pour atteindre ou afficher leur richesse. L'utilisation de la pilule, symbole de solutions rapides et d'euphorie éphémère, soulève des questions sur la nature fugace du luxe et la pression sociale exercée par les marques. Brillante fusion de culture pop, de marques de luxe et de street art, la planche de skateboard « Rolex Designer Drugs » de Denial est bien plus qu'un simple régal pour les yeux. C'est une critique, un dialogue et un témoignage de l'évolution de l'art au XXIe siècle.

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Ne soyez pas un MFR AP Artist Proof Silkscreen Print par Shepard Fairey- OBEY Hand-Tired 5 Color on Cream Speckletone Fine Art Paper Limited Edition Artwork Obey Pop Culture Artist. Épreuve d'artiste AP 2015 signée par Shepard Fairey - OBEY et édition limitée numérotée à 550 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Ne soyez pas un connard. Ne soyez pas un enfoiré ! Respect et justice. L'attrait provocateur de « Don't Be a MFR » de Shepard Fairey L'œuvre « Don't Be a MFR AP » de Shepard Fairey est un exemple audacieux de pop art urbain et de graffiti. Fairey, artiste et provocateur américain né le 15 février 1970, repousse sans cesse les limites de l'art et de l'activisme. Cette œuvre, faisant partie d'une série d'épreuves d'artiste (AP) publiée en 2015, illustre parfaitement la démarche de Fairey qui aborde les thèmes culturels et sociétaux à travers son art. La sérigraphie artisanale en cinq couleurs sur papier crème moucheté reflète l'esthétique singulière de Fairey tout en véhiculant un message fort de respect et de justice. Symbolisme et messages dans « Ne soyez pas un MFR » Le titre de l'œuvre, « Don't Be a MFR » (Ne soyez pas un MFR), interpelle par sa censure intentionnelle, une tactique qui ouvre la voie à une large interprétation et suscite la curiosité. Tirée à 550 exemplaires seulement, chaque pièce mesurant 45,7 x 61 cm, l'œuvre de Fairey résonne de la force de l'autorité et de la gravité d'un message d'intérêt public. L'estampe est ornée des mots « Respect & Justice » (Respect et Justice), un appel à l'action direct, central dans une grande partie de l'œuvre de Fairey. Ce dernier utilise des symboles comme le crâne enveloppé d'une fleur, une dualité qui évoque la juxtaposition de la vie et de la mort, de la croissance et du déclin, renforçant ainsi le message des conséquences de nos actes. La conception générale rappelle les emblèmes et les sceaux, souvent associés à l'autorité et aux institutions, que Fairey détourne pour délivrer son commentaire socio-politique. Le choix de graphismes audacieux et anguleux, combiné à la rondeur du sceau emblématique, illustre la tension entre perturbation et ordre, un thème récurrent du pop art urbain. Impact sur le Street Pop Art et le discours culturel La série « Don't Be a MFR » illustre le potentiel du street art comme vecteur de réflexion et de critique sociale. L'utilisation d'un langage populaire et l'interpellation directe du spectateur témoignent de l'engagement de Fairey à rendre l'art accessible et à interpeller. Chaque estampe de la série, signée par Fairey, atteste de sa conviction que l'art ne doit pas fuir la controverse, mais au contraire la confronter et la remettre en question. Cette œuvre, en particulier, enrichit la riche tradition du graffiti, art qui, historiquement, a servi à communiquer des messages à un large public, souvent en contournant les médias traditionnels et les institutions. L'œuvre de Fairey est une manifestation contemporaine de cette tradition, utilisant l'espace urbain pour susciter une introspection collective sur les questions de respect et de justice. L'œuvre n'est pas seulement un spectacle visuel, mais aussi un catalyseur de dialogue et, idéalement, d'action. Shepard Fairey et la continuité de l'activisme artistique L'œuvre « Don't Be a MFR » de Shepard Fairey s'inscrit dans la continuité de l'héritage artistique et militant de l'artiste. Résidant à Los Angeles, en Californie, Fairey demeure une figure influente, puisant dans la vitalité du pop art urbain pour exprimer son désaccord et mobiliser l'opinion publique. Son travail repose sur la conviction que l'art est un puissant vecteur de changement, capable d'inciter chacun à porter un regard critique sur le monde qui l'entoure. Cette sérigraphie arbore le logo OBEY, élément essentiel de l'identité visuelle de Fairey, qui se veut à la fois un appel et une critique des tendances autoritaires. L'attrait de l'œuvre réside dans sa capacité à être à la fois incisive et réflexive, poussant le spectateur à s'interroger sur son rôle dans le maintien ou la remise en cause de la justice sociale. L'engagement de Fairey à l'intersection de l'art et des enjeux de société conforte sa position d'artiste et d'acteur culturel majeur de notre époque.

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Puissance infinie ! Sérigraphie 4 couleurs en édition limitée, tirée à la main sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Événement The Provocateurs (Chicago) : estampe de Shepard Fairey. Sérigraphie 61 x 91 cm, signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires. Cachet de l'éditeur ART ALLIANCE en bas à gauche. Petrol Unlimited Future with Lung Tonic.

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Grafflex 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Collectable Art Figure par l'artiste Grafflex. Le style unique de Grafflex, avec ses lignes audacieuses et son hommage aux dessins animés de notre enfance, fusionne hip-hop et culture urbaine, rendant son œuvre plus accessible au grand public. Collectionnez le premier volet de la collaboration Grafflex x Medicom Toy avec ce set Bearbrick 100 % + 400 %. Hauteur : 7 cm et 28 cm.

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Shark - Gold, œuvre originale peinte à la main, multiple sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2016​ Signé Édition limitée numérotée HPM estampillée à 7 exemplaires. Œuvre sur bois, format 9,25 x 17 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à en quelque sorte vandaliser ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. »

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Sérigraphie Haiconca Or Jaune Métallique par Fin DAC Tirage à la main 8 couleurs sur papier d'art Somerset 410 g/m² à fond perdu et bordé à la main Édition limitée Œuvre d'art Findac . Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art de format 20 x 31,5 cm. Sérigraphie. Sérigraphie Haiconca Or jaune métallisé par Fin DAC « Haiconca Metallic Yellow Gold » est une sérigraphie magistrale de 2023, signée Fin DAC, artiste renommé du street art pop. Imprimée sur papier d'art Somerset 410 g/m² à bords frangés, sans marges, cette œuvre de 50,8 x 80 cm (20 x 31,5 pouces) fait partie d'une édition strictement limitée à 40 exemplaires signés et numérotés. Réalisée selon un procédé de sérigraphie complexe en 8 couleurs, elle présente un portrait monochrome finement rendu, électrisé par un motif de masque audacieux en or jaune métallique. Cette juxtaposition d'hyperréalisme en niveaux de gris et de couleurs symboliques vibrantes est une signature du langage visuel de Fin DAC et contribue à son exploration constante de la beauté culturelle et du pouvoir féminin. Style et emblèmes culturels distinctifs de Fin DAC Fin DAC, artiste irlandais de renommée internationale, a redéfini le portrait féminin dans le street art et le graffiti grâce à un symbolisme visuel constant et délibéré. ​​Son esthétique signature se caractérise par des femmes masquées, ornées de motifs faciaux colorés évoquant des éléments cérémoniels traditionnels asiatiques, sud-américains ou tribaux. « Haiconca Metallic Yellow Gold » illustre parfaitement cette approche thématique. La femme représentée fixe le spectateur, à la fois digne et sur la défensive, son regard perçant contrastant avec le masque doré qui recouvre le haut de son visage. Son anneau de nez, sa bague texturée et ses ongles vernis contribuent à la narration complexe qui caractérise souvent les sujets de Fin DAC : puissants et introspectifs, parés et pourtant intacts. Processus, matériaux et exécution artistique L'utilisation du papier Somerset 410 g/m² est un choix délibéré, qui accentue la profondeur tactile de l'œuvre et permet au pigment métallique de refléter la lumière en différentes nuances selon l'angle de vue. La sérigraphie artisanale en huit couleurs offre un contrôle et une superposition extrêmes, donnant naissance à une estampe à l'aspect quasi photographique, tout en conservant son authenticité issue du street art. Les bords frangés à la main confèrent à l'estampe une qualité brute et sculpturale, en parfaite adéquation avec la démarche artistique de Fin DAC, qui fait le lien entre la rue et la galerie. Ces détails de production ne sont pas anodins : ils sont essentiels pour comprendre comment le pop art urbain est devenu un art à part entière, prisé des collectionneurs. Pertinence contemporaine de l'art urbain pop et du graffiti Haiconca Metallic Yellow Gold est une œuvre visuellement saisissante qui interroge l'identité, le pouvoir d'agir et la perception. Le masque jaune métallique est à la fois un bouclier et une affirmation, une métaphore visuelle des rôles que les femmes adoptent ou refusent dans la société contemporaine. Le travail de Fin DAC continue de mettre en lumière des femmes d'horizons culturels divers, non pas comme des symboles exotiques, mais comme des individus émancipés qui imposent leur présence dans les paysages urbains et artistiques. Dans le contexte du street art et du graffiti, cette œuvre fait le lien entre le portrait photoréaliste et une iconographie audacieuse, soulignant la place de Fin DAC comme figure incontournable du genre. Tirée à seulement 40 exemplaires, cette édition de 2023 offre aux collectionneurs une œuvre rare et puissante, résolument contemporaine tout en conservant une esthétique et une profondeur émotionnelle intemporelles.

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Œuvre d'art « 9 Lives », impression giclée en édition limitée sur papier lenticulaire holographique, par l'artiste de graffiti de la culture pop Marwan Shahin. Nouvelle collaboration avec Fraktality « 9 Lives » 2020. Tirage d'art lenticulaire holographique en édition limitée à 39 exemplaires. Seulement 39 exemplaires seront produits. 40,6 x 50,8 cm. Livré encadré avec un certificat d'authenticité.

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Prévention des pertes - Édition limitée - Sérigraphie 14 couleurs sur papier Coventry Rag 240 lb à bords frangés à la main par Sever, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L’estampe que nous avons réalisée pour cette œuvre est basée sur la pièce originale et a été finalisée récemment, durant l’été 2014. Je pense que le concept est assez simple. Zorro, un Californien en pleine crise d’identité, prend plaisir à humilier publiquement les autorités et à inspirer le peuple, tout en laissant sa marque sur son passage. J’ai remplacé son épée fidèle par de la peinture Rustoleum empruntée dans cette version modernisée de ce personnage historique. » – Sever

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« Pattern of Corruption Black Gold AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY x Cleon Peterson Artist Proof Hand-Tiled 2 Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste (EA) 2015 Signée et marquée EA Tirage original limité à 150 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18 x 24 cm Image répétée d'un homme tribal avec un couteau ensanglanté et un motif de vigne de lotus Sérigraphie « Cleon Peterson et moi avons récemment collaboré à la réalisation d'une fresque murale dans le quartier de Wynwood à Miami. Satisfaits du résultat, nous avons décidé de créer une série de sérigraphies en édition limitée, inspirées de cette œuvre. Nos travaux respectifs explorent les thèmes récurrents de la fragilité de la société, de la sauvagerie humaine et de la corruption. L'image présente une dichotomie entre son motif floral classique hypnotique et des éléments sinistres qui s'y entremêlent, incitant le spectateur à regarder au-delà des apparences. » – Shepard Fairey « Pattern of Corruption Black Gold » est une œuvre saisissante, fruit de la collaboration entre deux figures emblématiques du street art : Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne OBEY, et Cleon Peterson. Tirage sérigraphique AP, cette pièce met en valeur le travail artisanal, un détail qui résonne particulièrement auprès des amateurs de street art et de pop art. L'art iconique de Shepard Fairey a toujours remis en question les normes sociales, incitant les spectateurs à s'interroger sur les complexités et les contradictions sous-jacentes de la société contemporaine. De même, les représentations chaotiques des interactions humaines par Cleon Peterson nous obligent à nous confronter aux aspects les plus sombres de l'humanité. Cette œuvre a été inspirée par la fresque murale que le duo a réalisée ensemble dans le quartier de Wynwood à Miami, réputé pour sa scène street art dynamique. Le tirage sérigraphique AP révèle avec clarté l'entrelacement harmonieux de leurs styles et messages artistiques. Le détail méticuleux d'un homme tribal brandissant un couteau ensanglanté, juxtaposé au motif de lotus et de vigne, invite à une introspection sur la dualité de la nature humaine. L'association de motifs tribaux et de motifs floraux classiques suggère non seulement un mélange de tradition et de modernité, mais constitue également une mise en garde. La beauté superficielle de l'œuvre peut séduire le spectateur, mais comme l'a mentionné Fairey lui-même, les sous-entendus sinistres nous incitent à approfondir notre compréhension et à questionner cette fascination. Tirée à seulement 150 exemplaires, cette œuvre a acquis une importance particulière auprès des collectionneurs et des amateurs. La sérigraphie bicolore réalisée à la main sur papier d'art témoigne du dévouement des artistes à leur art. « Pattern of Corruption Black Gold » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire poignant sur la fragilité de la société et les thèmes omniprésents de la corruption et de la sauvagerie humaine, thèmes que Fairey et Peterson ont explorés avec constance dans leurs travaux.

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Figurine de collection Qwiky Qwiky signée or et noir Canbot Canz édition limitée, œuvre d'art en vinyle, signée par Czee13 x QUICCS (graffiti de rue). Figurine Canz Art Toy 2020, coloris or et noir « Battle Damaged », signée et autographiée. Édition limitée à 200 exemplaires. Neuve en boîte. Dimensions de l'illustration : 3 x 5,5 pouces. La grande majorité des exemplaires ne sont pas signés. À la croisée du street art et des objets de collection en vinyle : les canettes Qwiky Canbot endommagées par la guerre L'univers du street art et du graffiti a toujours été vibrant et en constante évolution, les artistes cherchant sans cesse de nouveaux supports pour exprimer leur vision unique et se connecter avec le public. Parmi ces supports, les figurines en vinyle se sont imposées comme une forme puissante d'œuvre d'art à collectionner, fusionnant harmonieusement l'esprit du street art et la culture des objets de collection. Un exemple éloquent de cette fusion est le Battle Damaged Qwiky Signed Gold & Black Canbot Canz, une figurine en vinyle de collection en édition limitée, fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur Czee13 et le prolifique créateur QUICCS. Plus qu'un simple jouet, c'est une affirmation, un fragment de la rue accessible aux collectionneurs. Le Battle Damaged Qwiky Canbot Canz se distingue par son coloris unique : un contraste saisissant d'or et de noir. Il symbolise l'usure du temps et de l'expérience qui font le caractère du graffiti. Limitée à 200 exemplaires, cette Canbot Canz est une pièce rare, la grande majorité de la collection n'étant pas signée. Celles qui portent la signature de Czee13 sont donc très recherchées par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. L'essence de la collaboration dans le street art transposée sur vinyle La collaboration entre Czee13 et QUICCS témoigne de l'esprit de collaboration propre au street art. Leur partenariat pour le Qwiky Canbot Canz « Battle Damaged » illustre la fusion de leurs styles : la passion de QUICCS pour l'esthétique mecha et les influences hip-hop se mêle aux visuels organiques et bruts du street art de Czee13. Chaque Canbot Canz raconte une histoire de résilience et de survie dans la jungle urbaine. Mesurant 7,6 x 14 cm, ce Canbot Canz est un concentré d'expression artistique. Il est important de souligner l'importance de son état, qualifié de « battle damaged ». Ce terme fait référence à la narration visuelle propre au street art, où chaque éraflure et chaque trait de peinture irrégulier raconte l'histoire de l'œuvre dans l'espace public. Le design de ce Canbot Canz inclut délibérément des éléments qui imitent ces « dommages », transformant ce qui serait traditionnellement considéré comme des imperfections en marques d'honneur, à l'instar du street art qui résiste à l'épreuve du temps et des intempéries. L'impact culturel des jouets d'art en édition limitée La rareté du Qwiky Canbot Canz « Battle Damaged » renforce son attrait et constitue une stratégie qui reflète la nature éphémère du street art : souvent présent aujourd’hui, disparu demain. Limitée à 200 exemplaires, cette exclusivité crée un sentiment d’urgence et une appréciation plus profonde de l’œuvre, à l’image des graffitis éphémères qui ne durent qu’un instant avant d’être recouverts ou effacés. Cette rareté reflète également les racines underground du street art, où l’accès à certaines œuvres et leur connaissance confèrent un statut social prestigieux. Si la plupart de ces objets de collection ne sont pas signés, ceux qui portent la signature de Czee13 sont particulièrement recherchés. Ils deviennent un lien direct avec l’artiste, comme posséder une œuvre d’art murale signée en format miniature. Cette touche personnelle rend hommage à la tradition des graffeurs qui apposent leur marque et leur tag sur leurs œuvres, faisant de chaque Canbot Canz signé une pièce convoitée par les collectionneurs de street art et de graffiti. Le Canbot Canz comme moyen d'expression du pop art urbain Le Canbot Canz « Battle Damaged Qwiky Signed Gold & Black » de Czee13 et QUICCS transcende le simple statut d'objet de collection d'art urbain contemporain. Il insuffle l'essence même de la culture graffiti dans une forme inédite. Manifestation du dynamisme du street art, cette pièce tangible capture l'esprit de la rue et peut être possédée, exposée et chérie. Pour les collectionneurs, il ne s'agit pas seulement de posséder un vinyle ; il s'agit de détenir un fragment d'histoire du street art, un témoignage de collaboration artistique et un symbole de la culture qu'ils admirent et souhaitent préserver. Ce Canbot Canz est une affirmation, un sujet de conversation et, en définitive, un pont entre l'univers tactile des collectionneurs d'art et le monde souvent éphémère du graffiti.

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Signs - Édition limitée noire, sérigraphie bicolore HPM ornée à la main sur papier aquarelle Fabriano, par un artiste de rue graffiti, art pop moderne protégé par le droit d'auteur. Copyright (XXe siècle) Signs (Black), 2016 Sérigraphie technique mixte en couleurs sur papier aquarelle Fabriano 19-3/4 x 13-3/4 pouces (50,2 x 34,9 cm) (feuille) Éd. 2/13 Signé et numéroté à l'encre le long du bord inférieur.

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Sérigraphie Peace Gold de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée signée et numérotée de 75 exemplaires (2023). Œuvre d'art 16x19, sérigraphie représentant un crâne et son sourire. Le monde de l'art contemporain a vu une fusion saisissante entre les formes artistiques traditionnelles et les influences de l'art urbain et du street art, donnant naissance à des chefs-d'œuvre qui résonnent profondément auprès du public moderne. Parmi les contributeurs les plus remarquables à ce mouvement figure Cleon Peterson, dont les œuvres se distinguent souvent par leurs thèmes sombres, leur esthétique provocatrice et leur imagerie saisissante. « Peace Gold », une sérigraphie, témoigne de la maîtrise de Peterson et de son talent pour fusionner les accents du pop art avec des éléments emblématiques du street art. Cette magnifique pièce a été réalisée avec minutie sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, un matériau reconnu pour sa qualité supérieure et la subtilité qu'il confère aux œuvres. Le choix de ce support par Peterson n'est pas surprenant : il accentue les détails les plus fins, apportant profondeur et dynamisme à l'œuvre. Tirée à seulement 75 exemplaires, chaque sérigraphie est signée et numérotée, gage d'exclusivité et de la touche personnelle de l'artiste. Mesurant 40,6 x 48,3 cm, l'œuvre met principalement en scène un crâne et son sourire évocateur – un motif récurrent dans le street art, représentant divers thèmes tels que la rébellion, la fragilité et le commentaire social. Ces œuvres en édition limitée enrichissent non seulement la collection d'un amateur d'art, mais constituent également un emblème de l'histoire du pop art et du street art. Alors que les influences urbaines continuent d'imprégner les galeries et les espaces d'art traditionnels, des œuvres comme « Peace Gold » de Cleon Peterson réaffirment la puissance narrative que le street art et le pop art apportent au discours artistique mondial.

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Impression d'art en édition limitée, pigments d'archives, sur papier feuille d'or, intitulée « Tristesse/Amour », par un artiste pop (œuvre d'art moderne protégée par le droit d'auteur). Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Dimensions de l'œuvre : 11,69 x 16,54 pouces. « Dans Feeling Sad/Love, Copyright invite le spectateur à réfléchir à ce que devrait être l’amour et à notre perception du chagrin d’amour comme quelque chose de beau. » – Enter Gallery

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Sculpture artistique Silver Bullet 75% Shoeuzi par J-LDN alias Jack London, Uzi en polystone moulé et peint à la main, jouet d'art en édition limitée, œuvre d'art street graffiti pop. Édition limitée Bullet Edition 2024 en or, à 200 exemplaires, avec certificat d'authenticité signé. Neuve en boîte. Sculpture d'art représentant une chaussure à pistolet stylisée Shoeuzi (75 % de la taille réelle), de 12,7 x 17,8 cm, par J-LDN (Jack London). Moulée et peinte à la main en résine de polystone avec système d'assemblage magnétique Shoeuzi Magnafix. Comprend un ensemble de 4 pièces avec gants, un support et une boîte pour chaque sculpture Uzi. Toutes les pièces sont encore dans leur emballage d'origine. Ces sculptures, représentant une chaussure à pistolet Shoeuzi à 75 %, mesurent 12,7 x 17,8 cm et ne manqueront pas de vous impressionner. La déclaration dorée : Shoeuzi Gold Bullet par J-LDN La sculpture artistique Gold Bullet 75% Shoeuzi de J-LDN, plus connu sous le nom de Jack London, est une fusion unique de créativité subversive et de savoir-faire exceptionnel, à la croisée du street art et du graffiti. Sortie en 2024, cette œuvre illustre le talent de l'artiste pour fusionner les symboles de la haute couture avec l'esthétique urbaine brute, offrant une pièce marquante, à la fois stimulante et visuellement captivante. L'art incarné par l'Uzi Cette pièce, une œuvre d'art en résine de pierre, moulée et peinte à la main, reprend la forme distinctive d'un pistolet mitrailleur Uzi, stylisé avec des éléments de basket dans une palette de couleurs dorées. Édition limitée à 200 exemplaires, chaque sculpture est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé, garantissant aux collectionneurs son authenticité et son caractère exclusif. L'assemblage magnétique Shoeuzi Magnafix – un ensemble de quatre pièces comprenant des gants, un support d'exposition et un coffret sur mesure – témoigne du souci du détail et du soin apporté à la présentation, caractéristiques du travail de J-LDN. Chaque sculpture mesure 12,7 x 17,8 cm (75 % de la taille réelle du Shoeuzi), ce qui en fait un ajout compact mais percutant à toute collection d'art contemporain. Ces pièces sont conservées dans leur emballage d'origine scellé, garantissant ainsi leur état impeccable pour les amateurs d'art et les collectionneurs exigeants. Implications culturelles du travail de J-LVN L'œuvre de J-LDN reflète les nuances culturelles et sociales que le street art cherche souvent à explorer. La sculpture « Gold Bullet Shoeuzi » est un commentaire audacieux sur les liens entre violence urbaine et consumérisme, enveloppée dans le luxe de l'or – une couleur souvent associée à la richesse et au statut social. Cette sculpture invite le spectateur à considérer la juxtaposition de la mode de luxe et des dures réalités de la vie dans la rue, utilisant efficacement le langage du street art pour engager un débat plus large sur les valeurs et les inégalités sociales. « Gold Bullet Shoeuzi » illustre également la nature dynamique de l'évolution du street art, où le médium devient partie intégrante du message. En utilisant des matériaux et des méthodes courants dans la création d'objets de collection destinés au grand public, J-LDN inscrit son œuvre dans la culture de consommation qu'elle critique, ajoutant ainsi une dimension supplémentaire à son interprétation. Conclusion : L'impact durable de Gold Bullet Shoeuzi Le Shoeuzi « Gold Bullet » de J-LDN est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui capture l'essence même du street art et du graffiti. Véritable instantané de son époque, il reflète le consumérisme, le matérialisme et la glorification de certains modes de vie, tout en incarnant l'esthétique qu'il critique. La contribution de Jack London au mouvement street art à travers cette œuvre témoigne du pouvoir de l'art comme vecteur de commentaire social et de transformation. La qualité de sa fabrication et son tirage limité garantissent sa pérennité et en font une pièce recherchée par ceux qui apprécient la convergence de l'art, de la culture et du commentaire. Alors que le street art continue de questionner et de façonner le discours artistique contemporain, des œuvres comme les sculptures Shoeuzi de J-LDN demeureront essentielles pour susciter le dialogue et refléter l'évolution des récits de notre société.

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Étiquette autocollante Radioactive III Slap-Up Label, illustration originale de Saber, dessin original au marqueur permanent sur papier d'emballage brillant, autocollant d'avertissement de symbole radioactif par un artiste de graffiti, œuvre d'art de rue moderne. Tag original Slap Up, signé, réalisé en 2022. Gravure au marqueur 4x4 sur étiquette d'avertissement de radioactivité Uline S-13849. En parfait état. Expressions radioactives dans l'art urbain Dans le domaine du street art et du graffiti, la série « Radioactive III Slap-Up Label Sticker » de Saber, alias Ryan Weston Shook, se distingue par sa profonde réflexion sur l'interaction entre danger et créativité. Réalisée en 2020, cette série de dessins originaux au marqueur indélébile, apposés sur les emblématiques autocollants jaunes et noirs d'avertissement de radioactivité, transforme ces symboles de danger en œuvres d'art urbain contemporaines saisissantes. Chaque pièce de 10 x 10 cm, signée du nom de Saber sur l'autocollant Uline S-13849, porte la force de son message par la juxtaposition du symbole de danger universellement connu et du style personnel de l'artiste. Confronter les perceptions avec l'art du tag Le choix du symbole de la radioactivité, signe mondialement reconnu de matières mortelles et de dangers invisibles, est intentionnel et provocateur. Les tags de Saber sur ces autocollants interrogent notre perception du risque et des forces invisibles qui façonnent notre monde. En ornant ces étiquettes d'avertissement de son art, Saber humanise le débat sur les dangers qui nous entourent, visibles et invisibles, tangibles et intangibles. Le fait de taguer ces autocollants est un acte fort, incitant le spectateur à considérer le potentiel de nuisance qui existe non seulement dans le monde physique, mais aussi dans celui des idées et de l'expression. L'héritage artistique de Saber L'artiste américain Saber utilise son art pour provoquer et remettre en question l'ordre établi. Son travail sur les autocollants « Radioactive III » témoigne de sa capacité à transformer les symboles d'avertissement en symboles d'identité et de résistance. Cette série, signée et datée, est un témoignage d'une année marquée par des troubles mondiaux et une réévaluation de ce qui constitue une menace pour notre bien-être collectif. À travers son œuvre, Saber interroge le rôle de l'art dans un monde de plus en plus conscient des dangers auxquels il est confronté, qu'ils soient environnementaux, politiques ou sociaux. Dans chaque pièce, le style caractéristique de Saber – audacieux, affirmé et sans concession – capture l'essence même du street art et sa capacité à dialoguer avec son environnement dans un esprit à la fois critique et porteur d'espoir. Le symbole de la radioactivité, jadis un avertissement saisissant, devient, grâce à l'intervention de Saber, un support d'exploration des frontières de l'art et du pouvoir de la main de l'artiste à transformer notre regard sur le monde. Acteur majeur de la scène graffiti et street art, Saber continue de marquer les esprits par son œuvre, assurant ainsi la pérennité de sa voix et de sa vision, à l'instar des éléments radioactifs dont les toiles qu'il choisit de représenter nous mettent en garde.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie à la feuille d'or Here & Now par Cryptik, édition limitée, œuvre d'art tirée à la main sur papier d'art à feuille d'or, style graffiti de rue moderne, artiste pop. Édition limitée 2024, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « Le passé n'est plus, le futur n'est pas encore là ; il n'y a qu'un seul moment où la vie est possible, et c'est le présent. » ~ Thich Nhat Hanh Dévoilement de « Ici et maintenant » par Cryptik Dans le street art contemporain, « Here & Now » de Cryptik illustre à merveille la rencontre entre ce genre et la philosophie spirituelle. Cette sérigraphie en édition limitée, réalisée sur un luxueux papier d'art doré, porte un message intemporel, sublimé par les paroles profondes du maître zen Thich Nhat Hanh. Seuls 75 exemplaires signés et numérotés ont été produits en 2024, chacun mesurant 45,7 x 61 cm, reflétant une exclusivité à l'image du caractère unique du moment présent qu'elle cherche à saisir. L'esthétique transcendantale de l'art de Cryptik Le style calligraphique distinctif de Cryptik entremêle des motifs orientaux traditionnels à l'immédiateté du street art, créant une méditation visuelle sur la notion de l'éternel « présent ». La feuille d'or sert de plus qu'un simple fond ; c'est un symbole du sacré, souvent utilisé dans l'iconographie religieuse, ici réinterprété pour élever le street art à de nouveaux sommets de révérence et de contemplation. Sérigraphie à la feuille d'or : convergence de la technique et du message La sérigraphie, ou impression au pochoir, est une technique reconnue pour sa capacité à produire des couleurs vives et des lignes nettes, une technique que Cryptik maîtrise à la perfection. Le tirage manuel méticuleux de chaque estampe garantit la précision de chaque détail, des traits délicats de chaque caractère au fond doré chatoyant. « Ici et maintenant » est ainsi bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un pont entre la pratique ancestrale de la pleine conscience et le dynamisme contemporain du street art. La complexité sereine de « Ici et maintenant » captive le regard du spectateur, l'invitant à méditer sur l'interdépendance du temps, de l'existence et de l'art. Dans cette œuvre, Cryptik offre une stimulation visuelle et une porte ouverte à l'introspection, en accord avec l'essence même du street art et du graffiti, qui incitent souvent l'observateur à regarder au-delà des apparences. L'estampe sérigraphique de Cryptik nous rappelle la beauté éphémère du présent, incarnant l'impermanence du street art et la profondeur intemporelle de la pensée spirituelle. À la fois œuvre philosophique et visuelle, « Here & Now » témoigne de la profondeur que peut explorer le street art, unissant le viscéral au sublime. À travers cette œuvre, Cryptik affirme que les vérités les plus profondes se trouvent souvent à la vue de tous, tissées dans le tissu même de notre environnement quotidien.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Rodrigo Rod Luff. Rodrigo Rod Luff - « Spark », estampe d'art en édition limitée (50 exemplaires seulement), signée et numérotée par l'artiste, format 14" x 17".

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Autocollant « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker Original Tag Art by Saber Original Permanent Marker Art Sticker Arrow Sticker by Graffiti Artist Modern Street Artwork. Tag original de graffiti signé Slap Up, 4x6, réalisé au marqueur et apposé sur une étiquette autocollante « Flèche vers le haut » du service postal (2020). Le tag exact peut légèrement différer de l'image. Styles et symbolisme caractéristiques du mouvement graffiti Le street art et le graffiti sont devenus des langages visuels majeurs de la culture urbaine, véhiculant souvent des messages forts de contestation sociale et politique. Dans ce contexte, l'œuvre originale de l'artiste graffeur américain Saber, et plus précisément son autocollant « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker », illustre parfaitement la rencontre dynamique entre matériaux du quotidien et expression artistique. Figure influente de la scène graffiti, Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, a bâti une carrière remarquable qui s'étend bien au-delà de la rue pour investir les galeries d'art. Son œuvre « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker » témoigne de l'énergie brute et de la spontanéité du street art. Utilisant un autocollant fléché brillant comme support, Saber transforme un objet utilitaire banal en une œuvre d'art vibrante. Le choix du matériau n'est pas anodin ; il s'inscrit dans la tradition du graffiti qui consiste à s'approprier l'espace public et les objets pour exprimer sa personnalité. La flèche, symbole habituel de direction et d'intention, est ici détournée pour attirer l'attention sur les surfaces négligées des environnements urbains, devenues le domaine du graffeur. L'utilisation audacieuse de l'orange et les traits assurés du marqueur créent un contraste saisissant, renforçant l'impact visuel de l'œuvre. Les lignes gestuelles de Saber, superposées et imbriquées, défient la simplicité de la fonction première de l'autocollant. Ce jeu de couleurs et de formes est caractéristique du Street Pop Art, où la vitalité de la culture populaire est distillée en fragments visuels qui captivent le regard. L'année 2020, date de création de cette œuvre, a vu une renaissance du graffiti, reflétant une période de bouleversements sociaux et la recherche de nouveaux moyens d'expression. « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker » de Saber s'inscrit dans l'esprit historique du graffiti comme forme de résistance et d'affirmation identitaire. En signant l'œuvre, l'artiste en revendique la propriété et l'authenticité, une revendication audacieuse dans le monde souvent anonyme du street art. L'art du graffiti, longtemps perçu comme du vandalisme, a acquis une reconnaissance internationale, brouillant les frontières entre art savant et culture urbaine. L'œuvre de Saber, à l'instar de celle de ses prédécesseurs et contemporains, remet en question les idées reçues sur ce qui constitue l'art et sur qui est considéré comme un artiste. La permanence du marqueur sur l'autocollant fléché brillant symbolise l'impact durable de la culture graffiti, une marque indélébile dans l'histoire de l'art contemporain. L'autocollant « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker » de Saber est bien plus qu'une simple œuvre originale au marqueur indélébile. Il reflète l'héritage américain de l'artiste, offre un instantané de l'année 2020 et constitue une affirmation audacieuse au sein du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Figure incontournable du graffiti, Saber continue d'inspirer et de provoquer, faisant de son art une composante essentielle du paysage urbain, au même titre que les rues elles-mêmes.

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Achetez The Crawler - Black Limited Edition Hand Pulled 2-Color Screenprint Print on 290gsm Arches Rag Paper with Deckled Edges by Cleon Peterson graffiti street artist modern pop art. Les tirages de Cleon Peterson sont une édition de 150. Réalisés en juin 2017, ils sont signés et numérotés par l'artiste. Format : 20 x 26,75 pouces (50,8 x 66 cm). Le monde de Cleon Peterson est plein de cruauté sans merci, de débauche chaotique et d'une lutte sans fin pour renverser le pouvoir et l'oppression. Ses compositions simples impliquent des connotations complexes et une critique troublante de la privation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. En regardant son travail, on peut facilement comprendre que l'artiste ne prône pas la violence, qu'il arme au contraire dans la lutte contre l'apathie.

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ABC Camo Shark - Gold 100% & 400% Bape BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection. Bape x Bearbrick Medicom Collectible 2022, taille 400%, neuf en boîte Dans l'univers dynamique de la culture urbaine contemporaine, rares sont les collaborations qui marquent autant les esprits que l'union entre Bape et Bearbrick Medicom. Avec la sortie du Bape BE@RBRICK ABC Camo Shark-Gold 100% & 400% en 2022, les deux marques confortent leur position de pionnières influentes dans le design et l'art inspirés du street art. Cette figurine en vinyle, en édition limitée et d'un or éclatant, capture l'essence même de l'influence transformatrice du street art sur l'esthétique du design moderne. Reprenant le motif camouflage ABC emblématique de Bape, associé à la tête de requin distinctive, elle devient un symbole des motifs urbains qui ont imprégné la rue et le monde de la mode. Sa finition dorée scintillante sublime son attrait visuel et affirme avec audace le côté luxueux de la culture urbaine. Si beaucoup perçoivent le street art, le pop art ou le graffiti comme des mouvements de contre-culture, des œuvres comme ce Bearbrick témoignent de leur intégration dans l'art contemporain et de leur influence indéniable sur l'évolution du design. Ces objets de collection sont bien plus que de simples jouets. Ils incarnent la fusion harmonieuse entre mode, design et art, et célèbrent l'énergie et la créativité des espaces urbains. Cette pièce, présentée dans un écrin immaculé et agrandie à 400 %, deviendra une acquisition précieuse pour les passionnés de culture urbaine et les amateurs d'art. Elle témoigne de la manière dont le street art continue de questionner, de redéfinir et d'inspirer les tendances du design contemporain.

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Œuvre d'art de collection en vinyle, édition limitée peinte à la main, inspirée du Canbot argenté rétro, par Czee13, graffeur de rue. Édition HPM 2021 signée et peinte à la main (limitée à 20 exemplaires). Canbot Canz couleur rouille, peint à la main par Czee13. Inspiré du robot argenté original, voici votre chance de posséder un morceau d'histoire du Canbot Canz, peint par son créateur, et arborant l'un des designs les plus recherchés ! Neuf dans sa boîte

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Ram of the Dead, sérigraphie en édition limitée, imprimée à la main, à l'encre métallique dorée sur papier d'art noir, par Ernesto Yerena et Philip Lumbang. Rare œuvre de street art d'un artiste pop célèbre. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires Œuvre d'art 10x8

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Estampe d'art en édition limitée Never Safe Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main par l'artiste Olga Esther, légende du street art pop graffiti. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage d'art sur papier Moab Entrada 290 g/m², 50 x 50 cm. Bords frangés à la main. Chaque tirage est signé et numéroté par l'artiste. Imprimé par Static Medium (Los Angeles).

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Œuvre d'art surréaliste « Éveil », impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2012. Dimensions de l'œuvre : 5,5 x 5,5 pouces. Impression originale

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Rooster of the Dead, sérigraphie en édition limitée, imprimée à la main, à l'encre métallique dorée, sur papier d'art noir, par Ernesto Yerena et Philip Lumbang. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires Œuvre d'art 10x8

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Livre d'art biblique GPC NIV par Eric Haze x Good Publishing Company, édition limitée rare, œuvres d'art modernes pop graffiti sur la culture urbaine, référence. Livre relié, édition limitée signée 2021, format 14 x 17 pouces, intitulé « Don't Be Afraid », avec jaquette, neuf sous blister. ISBN-10 : 1736517805 ISBN-13 : 9781736517802 Conçue en collaboration avec le légendaire artiste new-yorkais Eric Haze, cette Bible moderne allie les Écritures intemporelles à une créativité urbaine audacieuse. Reconnu pour avoir façonné l'univers visuel d'une génération – notamment grâce à ses pochettes d'albums pour les Beastie Boys et ses campagnes publicitaires pour des géants de la culture comme Nike, Stüssy et Hurley – Haze appose sa signature inimitable sur cette édition limitée. Produite par Good Publishing Company, soucieuse de durabilité et d'intégrité du design, chaque Bible arbore une couverture Soft Touch d'un rouge carmin éclatant qui ne passe pas inaperçue. À l'intérieur, l'Ancien et le Nouveau Testament sont imprimés sur deux teintes distinctes de papier recyclé issu de sources éthiques, soigneusement sélectionné auprès de partenaires internationaux. Les pages de garde, pressées à la main à l'aide d'outils en laiton sur mesure, confèrent une belle présence à chaque ouverture. Deux rubans gros-grain, teints sur mesure en Italie, ajoutent à la fois fonctionnalité et élégance. Chaque volume est présenté dans un coffret conçu avec soin et signé personnellement par Haze à New York. Son style d'écriture caractéristique orne les pages, faisant de cette Bible un objet de collection fusionnant foi, art et âme débrouillarde. Livre d'art biblique GPC NIV par Eric Haze x Good Publishing Company Le livre d'art biblique GPC NIV est une collaboration remarquable entre le légendaire artiste new-yorkais Eric Haze et la maison d'édition indépendante Good Publishing Company. Publié en 2021 en édition limitée et signée, cet ouvrage relié de 35,5 x 43 cm fusionne le texte sacré et la culture visuelle urbaine. Reconnu pour ses contributions prolifiques au graffiti, au graphisme et à la mode, Haze offre une interprétation inédite de l'un des livres les plus imprimés de l'histoire. Chaque exemplaire est signé personnellement par Haze et arbore sa typographie caractéristique, inspirée du graffiti, faisant de cet ouvrage une référence unique dans le domaine du street art et du graffiti. La couverture rouge vif au toucher doux au toucher présente l'inscription « Sainte Bible » en lettres dorées, dans le style typographique inimitable de Haze, tandis que les pages intérieures reproduisent l'intégralité du texte de l'Ancien et du Nouveau Testament. Quand le design rencontre la dévotion dans la forme urbaine contemporaine Conçu avec un soin particulier apporté au contenu et à la forme, le livre d'art biblique GPC NIV n'est pas une simple réinterprétation des Écritures, mais une véritable réinvention. À l'intérieur, le papier est soigneusement sélectionné en deux tons : l'un pour l'Ancien Testament et l'autre pour le Nouveau, imprimés sur du papier recyclé issu de sources éthiques et provenant de partenaires internationaux. Les pages de garde, pressées à la main à l'aide d'outils en laiton, introduisent chaque section avec une impression de profondeur et de présence, tandis que les deux signets en ruban gros-grain, teints en Italie, apportent une touche à la fois fonctionnelle et raffinée. Le coffret lui-même se déploie avec élégance, révélant les mots « N'ayez pas peur » imprimés en blanc éclatant. Cette présentation fait écho à la tradition de Haze, qui a toujours privilégié les messages percutants dans l'espace public, ici transposés dans un contexte profondément personnel et méditatif. Eric Haze et l'influence du graffiti dans l'édition moderne Eric Haze a émergé dans les années 1970 comme figure pionnière du graffiti new-yorkais. Aux côtés d'artistes contemporains tels que Futura 2000 et Keith Haring, il a repoussé les limites du graffiti, l'inscrivant dans le monde du design. Son identité visuelle a influencé les pochettes d'albums des Beastie Boys et de LL Cool J, les campagnes publicitaires de Nike et Stüssy, ainsi que des logos devenus des icônes de la culture urbaine. Dans ce projet biblique, Haze applique la même éthique du graffiti – clarté, gestuelle, énergie – à un format sacré. Chaque exemplaire signé devient une œuvre d'art vivante, fusionnant étude spirituelle et langage visuel de la rue. Ses lettrages personnalisés pour les titres de chapitres comme celui de Matthieu ne sont pas qu'un simple élément de design : ils prolongent l'influence du graffiti à travers différents médiums. Importance de collection dans l'art urbain pop et le graffiti Cette édition se situe au carrefour de la foi et de la rébellion artistique, ce qui en fait l'une des publications les plus riches conceptuellement de l'histoire récente du Street Pop Art et du graffiti. Alors que les livres d'art traditionnels présentent souvent des reproductions, ce projet transforme le livre lui-même en une œuvre d'art à part entière. Par son mélange unique de contenu religieux, de matériaux luxueux et d'héritage du design urbain, le GPC NIV Bible Art Book captive l'attention d'un large public, des collectionneurs d'art urbain contemporain aux lecteurs spirituels sensibles au design. Il représente un changement culturel où le sacré et le subversif ne s'opposent plus, mais coexistent. Ce n'est pas simplement un livre : c'est un objet sacré réinventé par une icône du graffiti.

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Warm Thoughts - Statue en polystone Golden Touch, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti Death and Milk, artiste pop moderne. Statue Mighty Jaxx en polystone de 20 cm de haut, édition limitée 2021, par Death and Milk. La douce geisha revient dotée d'un don particulier : celui de transformer tout ce qu'elle touche en or. Célèbre pour ce nouveau pouvoir, elle attire tous ceux qui souhaitent devenir son compagnon. Assise au bord du crâne, elle joue avec son pouvoir, trempant son doigt dans la source d'or et le métamorphosant instantanément, tout en réfléchissant à qui sera sa prochaine victime.

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Covid No 19 - Sarcelle Limited Edition Archival Pigment Print sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Sarcelle Covid19 Chanel, désinfectant pour les mains inspiré du virus. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 cm x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Sérigraphie grand format Riot Cop de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop. 2009. Signée par Shepard Fairey - OBEY. Édition limitée numérotée à 75 exemplaires. Œuvre grand format (29,25 x 40,5 cm). Sérigraphie. Série rétro 20 ans. Légères marques de manipulation. OBEY de Shepard Fairey : une œuvre marquante du street art pop et du graffiti. « Riot Cop » de Shepard Fairey est une œuvre emblématique qui incarne l'esprit rebelle et le regard critique du street art et du graffiti. Faisant partie de la série OBEY, cette sérigraphie grand format est bien plus qu'une simple déclaration visuelle : elle témoigne de l'évolution du genre sur deux décennies. Réalisée avec précision et soin, « Riot Cop » a été tirée à la main en couleurs sur papier d'art Speckletone couleur crème, un support qui allie la qualité et le souci du détail propres aux beaux-arts au message brut et sans filtre souvent véhiculé par le street art. Sortie en 2009, cette œuvre grand format (75 exemplaires, mesurant 74,3 x 102,9 cm) a été signée et numérotée par Fairey à chacun des 75 exemplaires. Ce geste souligne l'importance accordée à la dimension personnelle et à l'authenticité dans le monde des collectionneurs d'art. L'œuvre a été rééditée pour célébrer le 20e anniversaire du projet OBEY, qui coïncidait avec la rétrospective de Shepard à l'ICA de Boston. Cette série, qui revisite des images de 1998 à 2000, témoigne de la volonté de l'artiste d'affiner ses œuvres précédentes, en remplaçant l'orange emblématique d'OBEY par un or métallisé, conférant ainsi à la série une allure sophistiquée et intemporelle. Impact et signification contextuelle de l'œuvre de Fairey « Riot Cop » est bien plus qu'une simple création esthétique ; c'est un commentaire sur l'autorité, le contrôle et l'usage du pouvoir. L'œuvre de Fairey est profondément ancrée dans le tissu socio-politique de son époque, incitant souvent à la réflexion sur les mécanismes de la société et de la gouvernance. L'utilisation ostentatoire du mot « OBEY » sous l'image d'une figure d'autorité brandissant une matraque invite directement les spectateurs à questionner les structures et les règles qui les régissent. Ce défi au statu quo symbolise la force culturelle que sont devenus le street art et le graffiti, offrant un exutoire à la créativité et un puissant outil de critique sociale et d'activisme. Le parcours de Shepard Fairey, de jeune skateur à artiste reconnu internationalement, reflète l'ascension du street art dans la conscience collective. « Riot Cop » témoigne de l'évolution de Fairey en tant qu'artiste, illustrant son talent pour fusionner l'esthétique du street art avec des messages politiques plus profonds. Le passage de l'orange à l'or métallisé dans la palette de couleurs de la série anniversaire symbolise une transformation visuelle de l'œuvre. Il représente la maturation du message OBEY, qui a su évoluer pour rester pertinent dans un paysage culturel en constante mutation. Valeur de collection et héritage de la série OBEY Œuvre d'art en édition limitée, « Riot Cop » occupe une place unique sur le marché de l'art, séduisant aussi bien les amateurs de street art que les collectionneurs d'art contemporain. Son exclusivité et son message social ont contribué à en faire une pièce très recherchée. L'héritage de la série OBEY de Fairey ne se limite pas aux collectionneurs qui en possèdent une œuvre ; il s'étend à son influence sur les jeunes artistes de rue et au débat qu'elle a suscité sur le rôle de l'art dans la société. La série, à l'image de « Riot Cop », continue d'inspirer une nouvelle génération d'artistes qui perçoivent le paysage urbain comme une toile pour exprimer leurs réflexions sur les problématiques contemporaines. « Riot Cop » de Shepard Fairey, issue de la série OBEY, est une œuvre majeure qui capture l'essence du street art et du graffiti. Elle constitue un véritable artefact culturel, incarnant l'esprit d'un mouvement, la voix d'une époque et la vision d'un artiste qui a su utiliser la sérigraphie avec brio pour bousculer les perceptions et inviter à l'introspection. À travers son œuvre, Fairey continue de démontrer le pouvoir de l'art comme moyen de communication, forme de résistance et catalyseur de changement.

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Covid No 19 - Bleue, tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Gel hydroalcoolique Chanel Bleue Covid-19 (variante Virus). Tirage pigmentaire d'archives numéroté, signé et estampillé au verso sur papier d'art MOAB 290 g/m², format 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Qui est le roi ? - Impression à chaud bicolore or sur papier noir lisse Neenah Classic Crest 100# par Alexander-John, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Impression à chaud 2 couleurs sur papier Neenah Classic Crest Smooth Epic Black 100# Format : 42 x 61 cm (16,5 x 24 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 30 exemplaires « Cette œuvre invite le collectionneur à une expérience sociale fondée sur la couleur et le choix. Cette estampe peut être accrochée dans les deux sens, symbolisant ainsi l'égalité. Quelles que soient nos différences (représentées par les armes dans cette œuvre), nous sommes tous rois. » – Alexander-John

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Planche Bling Box Logo - Édition limitée or - Illustration de la marque Supreme Planche de skate Supreme FW22 2022 avec placage naturel et couche supérieure noire. Logo imprimé sur le dessous, logo World Famous et logo Box imprimés sur le dessus.

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Sérigraphie en noir et or « The Return » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de Cleon Peterson (2025). Tirage sérigraphique 20x20 représentant un guerrier à cheval brandissant une épée ensanglantée. Sortie en janvier 2025, en pleine période des incendies en Californie. Le Retour Sérigraphie Noir et Or : Un récit saisissant de Cleon Peterson « The Return » de Cleon Peterson est une œuvre saisissante, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti, mêlant minimalisme et narration profonde. Cette sérigraphie en édition limitée, sortie en janvier 2025, est réalisée sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, offrant une profondeur visuelle et tactile unique. Mesurant 50,8 x 50,8 cm, elle arbore le style caractéristique de Peterson, marqué par des contrastes audacieux et des figures graphiques. Représentant un guerrier à cheval, brandissant une épée ensanglantée, l'œuvre aborde les thèmes du conflit, de la domination et de la survie. Publiée durant les incendies de Californie de 2025, elle résonne d'une atmosphère de destruction et de résilience, établissant un parallèle entre les combats personnels et les luttes sociétales de plus grande ampleur. La voix artistique distinctive de Cleon Peterson Cleon Peterson est reconnu pour son style graphique et épuré, mêlant des éléments du pop art à l'intensité de l'esthétique graffiti. Son œuvre explore souvent les thèmes des rapports de force, du chaos et des aspects les plus sombres de la nature humaine. « Le Retour » s'inscrit dans cette tradition, avec la figure centrale d'un guerrier à cheval symbolisant la conquête et la survie. L'utilisation du noir et de l'or confère à l'œuvre une tonalité à la fois majestueuse et inquiétante, accentuant la tension de la scène. La capacité de Peterson à condenser des récits complexes en formes simplifiées crée un impact visuel immédiat tout en invitant à une réflexion plus profonde sur les thèmes abordés. Design et symbolisme dans Le Retour « Le Retour » présente une composition saisissante où la figure centrale du guerrier domine l'espace visuel. Le cheval, rendu dans le minimalisme caractéristique de Peterson, évoque le mouvement et la force, tandis que l'épée ensanglantée rappelle brutalement la violence et ses conséquences. Le fond noir amplifie la teinte dorée de la figure, soulignant sa prééminence et l'isolant dans un espace quasi vide. Cette dualité d'ombre et de lumière symbolise non seulement le conflit, mais aussi la résilience et la survie. L'esthétique dépouillée reflète la violence brute de la lutte, rendant l'œuvre à la fois visuellement saisissante et thématiquement intense. Édition limitée : savoir-faire et contexte Imprimée sur papier d'art haut de gamme Coventry Rag, l'œuvre « The Return » est bordée à la main, ce qui lui confère un aspect artisanal sublimant l'intensité graphique de l'œuvre. Signée et numérotée par Cleon Peterson, cette édition limitée garantit son exclusivité et sa valeur de collection. Sa sortie, coïncidant avec les incendies en Californie, lui confère une résonance particulière, reliant les thèmes de la destruction et de la survie à l'actualité. « The Return » illustre la fusion entre le street art et le graffiti, capturant à la fois l'énergie brute de l'art urbain et les récits universels de conflits et de résilience humaine. Cette œuvre témoigne du talent de Peterson pour allier design minimaliste et narration puissante.

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Eclipse - Édition limitée blanche, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Année 2017, Édition artistique, Tirage officiel limité à 150 exemplaires, Technique : Sérigraphie, Papier : Coventry Rag 250 g/m², Dimensions : 71 x 71 cm, Signature et numérotation L'esthétique des œuvres de Cleon Peterson puise son inspiration dans des influences variées, allant de la céramique grecque antique à la bande dessinée, ce qui se traduit par une monochrome et un symbolisme chromatique fort. Plus précisément, les figures s'alignent sur de multiples lignes droites, créant ainsi l'illusion d'une composition en plusieurs niveaux. La perspective et l'impression de profondeur sont présentes, mais modérées, dans l'art de Peterson et, à l'instar des vases grecs, l'arrière-plan est généralement laissé vide ou légèrement orné.

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Into The Night MMXXI - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, 2 couleurs or/blanc, sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de street art rare et célèbre du pop art. 32 x 32 pouces. Sérigraphie artisanale or et blanc. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires. L'univers de Cleon Peterson est empreint d'une cruauté impitoyable, d'une débauche chaotique et d'une lutte sans fin contre le pouvoir et l'oppression. Ses compositions, d'une apparente simplicité, recèlent des connotations complexes et une critique troublante de la marginalisation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. À la vue de son œuvre, on comprend aisément que l'artiste ne prône pas la violence ; il l'utilise plutôt comme une arme dans sa lutte contre l'apathie.

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Carhartt - Édition limitée orange, bombe de peinture rare, fruit d'une collaboration avec le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN Bombes de peinture en aérosol édition limitée 2008, collaboration entre la marque de vêtements Carhartt et Montana MTN La bombe de peinture Carhartt-Orange en édition limitée représente une rencontre unique entre culture urbaine et image de marque, fruit d'une collaboration entre la célèbre marque de vêtements de travail Carhartt et le fabricant emblématique de peintures pour graffiti Montana MTN. Lancée en 2008, cette bombe de peinture en édition limitée symbolise un croisement qui capture l'essence même du pop art urbain et du graffiti, alliant fonctionnalité et expression artistique. Cette collaboration rend hommage à l'histoire commune du street art et de la marque Carhartt, adoptée par diverses sous-cultures urbaines au fil des ans. Montana MTN, réputée pour ses peintures en aérosol de haute qualité plébiscitées par les graffeurs du monde entier, offre le support idéal à cette union. La couleur Carhartt-Orange elle-même est un vibrant témoignage de la palette reconnaissable de la marque, une teinte qui se distingue sur toutes les surfaces et qui est devenue synonyme de durabilité et de robustesse, caractéristiques des vêtements Carhartt. Le design de cette bombe de peinture est une pièce de collection. Ornée d'éclaboussures de l'emblématique orange Carhartt sur un fond noir élégant, elle reflète l'énergie et le dynamisme du graffiti. Plus qu'un simple outil de création artistique, cet objet témoigne de la collaboration entre deux marques influentes pour célébrer et sublimer l'art urbain. Les éditions limitées comme cette bombe de peinture Carhartt-Orange illustrent la résonance culturelle du pop art et du graffiti. Elles démontrent comment les outils pratiques du street art peuvent se transformer en œuvres d'art de collection, brouillant les frontières entre fonctionnalité et esthétique. Cette fusion met en lumière l'évolution des relations entre culture urbaine et marques commerciales, offrant un récit qui dépasse le simple cadre artistique pour inclure la mode, l'identité et le pouvoir de la collaboration dans le paysage créatif contemporain.

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Affiche de concert en édition limitée pour le Street Weapons Danceright Music Club Event. Impression sérigraphique artisanale 3 couleurs sur papier crème moucheté, réalisée par Matt Goldman (MFG). x Shepard Fairey. De 2006 à 2014, Shepard et moi avons organisé une soirée en club au centre-ville de Los Angeles, appelée Dance Right. Pendant cette période, je créais un flyer chaque semaine, et à partir de ces flyers, j'ai imaginé plusieurs designs qui ont ensuite servi à créer des vêtements pour OBEY Clothing, ainsi qu'une affiche en collaboration avec Shepard et MFG (Matt Goldman). Sortie en 2006. Sérigraphie 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Papier moucheté noir, rouge foncé et or métallisé. Édition limitée à 300 exemplaires, signés et numérotés par Shepard Fairey et Matt Goldman (fabricant). Sorti en 2006

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Casque d'Or Golden Heart Original Metal Boîte aux lettres française Sculpture de boîte aux lettres par C215 - Œuvre de Christian Guémy, artiste de rue graffiti. Sculpture originale en métal, signée et réalisée à la main en 2014. Œuvre unique. Créée en 2014, « Casque d'Or » est une œuvre peinte à la bombe sur une boîte postale recyclée de 119,4 x 30,5 x 30,5 cm (47 x 12 x 12 pouces). La signature et le titre de l'artiste, « C215 / Casque d'Or », sont inscrits sur le dessus. Faisant partie d'une série rendant hommage au cinéma français, cette pièce célèbre le réalisateur Jacques Becker et présente un portrait saisissant de Simone Signoret, l'actrice principale de son film « Casque d'Or » (1952). Sculpture de boîte aux lettres Casque d'Or par C215 – Le cinéma français immortalisé dans le pop art et le graffiti Créée en 2014, Casque d'Or est une sculpture unique, peinte à la main, du célèbre artiste de rue français Christian Guémy, connu internationalement sous le nom de C215. Mesurant 119 x 30 x 30 cm, cette œuvre imposante est réalisée à partir d'une boîte aux lettres métallique française recyclée, transformée en un hommage monumental au cinéma français et au patrimoine urbain. La sculpture présente des portraits lumineux peints à la bombe, notamment une représentation d'une beauté saisissante de l'actrice Simone Signoret, vedette du chef-d'œuvre cinématographique de Jacques Becker, Casque d'Or (1952). Avec ses jaunes vifs et sa patine éclaboussée, la boîte aux lettres conserve sa vocation d'objet public utilitaire, tandis que C215 la réinterprète en un support d'hommage et de mémoire culturelle. L'œuvre est signée et porte l'inscription C215 / Casque d'Or sur le dessus, l'ancrant à la fois comme une expression personnelle et un artefact historique au sein de l'œuvre de l'artiste. C215 et la poétique urbaine de l'objet oublié Né en France, Christian Guémy s'est imposé comme une figure majeure du street art et du graffiti grâce à son utilisation de pochoirs superposés et à ses portraits d'une grande force émotionnelle. Reconnu pour sublimer les éléments urbains du quotidien – portes, boîtiers électriques, murs abandonnés – en espaces de connexion humaine, C215 aborde cette boîte aux lettres sculpturale avec la même ferveur. Ses pochoirs, découpés à la main, révèlent un savoir-faire méticuleux qui allie spontanéité urbaine et maîtrise technique. Dans « Casque d'Or », Guémy met en lumière Simone Signoret, non seulement comme légende du cinéma, mais aussi comme symbole de force et de complexité. Son trait capture son aura cinématographique, tandis que l'installation sur une boîte aux lettres publique évoque le croisement entre identité nationale, communication et nostalgie. C'est une audacieuse réappropriation de l'espace public comme lieu sacré de narration culturelle. La peinture en aérosol comme médium, la boîte aux lettres comme toile La peinture aérosol demeure le médium principal de Casque d'Or, enrichissant le vocabulaire du graffeur tout en l'orientant vers des dimensions sculpturales et archivistiques. Les teintes orange vif et jaune évoquent la couleur classique des boîtes aux lettres françaises, mais sont intensifiées par le style d'application de Guémy : superposées, texturées et patinées. La boîte aux lettres elle-même, avec ses fentes et son lettrage en relief, conserve sa géométrie utilitaire, ancrant l'imagerie fantastique dans l'infrastructure physique. Elle devient sculpture non par son retrait de la rue, mais par sa réinterprétation. Le piédestal la surélève davantage, suggérant une monumentalité sans la détacher de ses racines architecturales. S'inscrivant dans la grande tradition du Street Pop Art et du graffiti, cette transformation incarne le pouvoir du genre à réinterpréter le familier comme réceptacle d'un mythe personnel et collectif. Cinéma, identité et héritage de la culture française à travers l'art urbain Casque d'Or s'inscrit dans une série plus vaste de C215 célébrant les icônes du cinéma français, un projet ancré dans le respect de la culture et l'activisme créatif. En choisissant un symbole de communication publique – la boîte aux lettres – comme fondement de cette œuvre, Guémy souligne l'idée que l'art peut s'exprimer dans la rue avec autant de force que sur grand écran. Le portrait de Signoret porte en lui des strates d'histoire française, de féminité et d'influence médiatique, tandis que son format sculptural le rend à la fois portable et permanent. Cette fusion entre portrait artistique, tradition du graffiti et référence historique place l'œuvre au cœur du Street Pop Art et du graffiti contemporains. Elle n'est pas seulement un hommage à un film, mais aussi un rappel que la ville elle-même est une galerie, ses surfaces attendant de parler, de se souvenir et de se réinventer.

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UMBowl 5 - New York 2014 - Affiche du concert d'Umphreys McGee en édition limitée - Impression sérigraphique artisanale 8 couleurs sur papier d'art par AJ Masthay. Édition Artiste, bord inférieur frangé à la main.

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