Maison et décoration

Œuvre d'art Vacancy, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Meagan Magpie Rodgers. 80 tirages giclée 12”x20” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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Sérigraphie Four-Four Biggie AP de Mark Drew, épreuve d'artiste, sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts, édition limitée, œuvre d'art pop, street art et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2013 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre : 11,42 x 16,54 La fusion du hip-hop et de la bande dessinée dans la sérigraphie de Mark Drew La sérigraphie « Four-Four Biggie » de Mark Drew illustre à merveille le mélange fascinant de culture urbaine et d'esthétique pop art. Cette épreuve d'artiste, tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure, est un exemple saisissant du travail en édition limitée de Drew, qui fusionne avec brio des images iconiques de comics américains classiques et des paroles de morceaux hip-hop emblématiques des années 90. Signée par Drew et datée de 2013, cette pièce est un objet de collection très recherché dans le domaine du pop art urbain et du graffiti. Tirée en édition limitée, elle mesure 29 x 42 cm. Dans cette œuvre, Drew reprend une citation de « Kick in the Door » de The Notorious B.I.G., la juxtaposant à l'innocence d'un personnage de dessin animé. Ce contraste saisissant est emblématique de son style, qui explore souvent le lien entre la nostalgie des images de l'enfance et les thèmes plus adultes de la culture hip-hop. Il en résulte une œuvre complexe qui aborde les thèmes de la mémoire, de l'identité culturelle et du passage du temps. Importance artistique de la sérigraphie dans le street pop art La sérigraphie, technique ancestrale du pop art et du street art, est reconnue pour sa capacité à reproduire des couleurs éclatantes et des graphismes nets. L'utilisation de cette technique par Drew pour « Four-Four Biggie » permet d'obtenir la précision et la clarté nécessaires pour allier la force des paroles hip-hop à la simplicité de la bande dessinée. Le tirage manuel de chaque exemplaire garantit son unicité, ajoutant une touche personnelle recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Les épreuves d'artiste, comme celle créée par Drew pour « Four-Four Biggie », sont traditionnellement les premiers tirages issus d'un nouvel écran, utilisés pour vérifier la qualité de l'impression avant le lancement de l'édition complète. Souvent conservées par les artistes, elles sont plus rares et plus précieuses que les tirages de l'édition finale. La mention « AP » sur ce tirage indique son statut d'épreuve, et la signature de Mark Drew en certifie l'authenticité, augmentant ainsi la valeur et l'attrait de l'œuvre. L'influence de l'œuvre de Mark Drew sur l'art contemporain L'influence de Mark Drew sur la scène artistique contemporaine est manifeste dans la résonance de son œuvre auprès du public. Sa capacité à puiser dans divers éléments de la culture urbaine et à les synthétiser en une création inédite et captivante le place parmi les innovateurs du domaine. L'estampe « Four-Four Biggie » témoigne de sa vision créative, où passé et présent se rencontrent pour créer un dialogue toujours aussi pertinent aujourd'hui qu'à l'époque de la création des paroles. L'attrait de l'œuvre de Drew réside dans son accessibilité et sa profondeur. Les images familières captivent le regard et invitent à explorer la signification de la juxtaposition du texte et de l'image. Cette caractéristique de l'art de Drew s'inscrit dans les objectifs plus larges du Street Pop Art et du graffiti : engager le public dans un dialogue visuel à la fois divertissant et stimulant. À travers des œuvres comme « Four-Four Biggie », Drew continue de contribuer à cette forme d'art dynamique et en constante évolution.

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UnReal Estate - Catbus - Glow Followed Édition limitée phosphorescente 4 couleurs imprimée à la main sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chat, bus, voiture, animal, maison, ballon, ciel, étoiles, nuit, enfants, phosphorescent, arbre, Mon voisin Totoro, anime, asiatique, Japon, Totoro, immobilier, télévision, bâtiment

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Sérigraphie Wicker Park Chicago par Ian Ferguson - Hydeon 1 couleur, édition limitée tirée à la main sur papier beaux-arts, art urbain rare, artiste pop célèbre. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, 2013. Œuvre de format 16x20, série « Neighborhood Art » par Ian Ferguson. Sérigraphie Wicker Park par Ian Ferguson – Hydeon La sérigraphie Wicker Park d'Ian Ferguson, alias Hydeon, offre une représentation saisissante de l'un des quartiers les plus emblématiques de Chicago. Cette sérigraphie monochrome, tirée à la main en édition limitée (2013), mesurant 40 x 50 cm, capture la vitalité architecturale et culturelle de Wicker Park à travers une composition complexe et surréaliste. Appartenant à la série « Neighborhood Art » de Ferguson, cette œuvre mêle des paysages urbains détaillés à des éléments de street art et de graffiti, proposant une exploration visuelle captivante de la ville. La complexité architecturale de Wicker Park Wicker Park est depuis longtemps réputé pour son architecture historique, sa communauté créative et diversifiée et ses rues animées, autant d'éléments finement retranscrits dans l'œuvre de Ferguson. Son trait précis fait ressortir les ornements des bâtiments anciens de Chicago, des brownstones et des façades de magasins, créant un paysage urbain complexe et vibrant d'histoire. La ligne bleue du métro aérien Damen occupe une place centrale dans la composition, traversant visuellement l'estampe et soulignant la connexion bien connue du quartier avec le reste de Chicago. La capacité de Ferguson à fusionner perspective et échelle donne naissance à un collage architectural qui défie l'espace linéaire traditionnel. Les bâtiments semblent se courber, les rues convergent selon des angles surprenants et la typographie de « Wicker Park » s'intègre harmonieusement à la structure de l'estampe. Ce style rappelle les gravures urbaines classiques, mais l'interprétation de Ferguson y intègre des éléments surréalistes qui confèrent au quartier une atmosphère à la fois familière et onirique. Références culturelles et symbolisme Au-delà de son architecture, Wicker Park possède une riche identité culturelle ancrée dans sa musique, son art et son ambiance de rue, et Ferguson fait écho à ces aspects à travers divers motifs visuels. La présence d'un vélo, de voitures anciennes et d'enseignes classiques évoque l'histoire du quartier et l'évolution de ses sous-cultures. Le choix de Ferguson d'inclure l'enseigne du Rainbow Club souligne l'importance des commerces locaux dans le développement du paysage créatif de Wicker Park. L'imagerie comprend également des nuages ​​flottants, une profondeur accentuée et des éléments urbains superposés, conférant à l'œuvre une dimension onirique. Le choix du noir et blanc met en valeur la richesse des détails et crée un effet intemporel, donnant à l'œuvre l'allure d'un document d'archives témoignant de l'énergie du quartier. La démarche de Ferguson met en lumière à la fois la réalité et la légende de Wicker Park, en faisant une représentation symbolique de la créativité urbaine. L'influence d'Ian Ferguson sur le street art pop et le graffiti La série « Neighborhood Art » d'Ian Ferguson l'inscrit pleinement dans le mouvement du street art et du graffiti, utilisant la sérigraphie pour réinterpréter les paysages visuels des grands espaces urbains. Contrairement au street art mural traditionnel, l'œuvre de Ferguson transpose ces récits urbains en estampes d'art en édition limitée, permettant aux collectionneurs d'appréhender ses interprétations de manière plus intime. Son travail trouve un écho auprès des amateurs d'illustration architecturale et de surréalisme urbain, car il transforme des paysages urbains familiers en compositions dynamiques, empreintes de mouvement et de narration. L'estampe sérigraphiée « Wicker Park » rend hommage au quartier et explore l'évolution des villes, ce qui en fait une pièce majeure de la pratique artistique de Ferguson. Cette estampe est une véritable déclaration d'amour visuelle à l'un des quartiers les plus emblématiques de Chicago, préservant son essence culturelle grâce à une œuvre d'art d'une grande précision et d'une minutie exceptionnelle.

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Achetez Yoshinoya Archival Pigment Fine Art Edition limitée Archival Pigment Print sur 290gsm Moab Fine Art Paper par l'artiste pop Scott Listfield. 2018 Signé & numéroté édition limitée de 50 oeuvre taille 14 x 18 Tirage pigmentaire d'archivage sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Taille : 14 x 18 pouces Sortie : 09 novembre 2018 Série de : 50

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Lampman, sculpture lumineuse, objet d'art de Joan Cornellà, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Édition limitée 2024 à 300 exemplaires. Lampe sculpturale rare alimentée par piles. Dimensions : 6 x 9,8 cm. Explorer le monde fascinant des objets du pop art L'univers du Pop Art a toujours suscité l'intrigue et la fascination, avec des objets qui brouillent souvent les frontières entre expression artistique et utilité quotidienne. Parmi ces pièces captivantes, on trouve la lampe-sculpture « Lampman », un objet d'art conçu par le célèbre artiste espagnol Joan Cornellà. Cette pièce de collection en édition limitée allie la fonctionnalité d'une lampe au plaisir esthétique d'une sculpture, créant ainsi un objet à la fois pratique et d'une fantaisie surréaliste. L'art satirique unique de Joan Cornellà L'œuvre de Joan Cornellà est reconnue pour sa représentation colorée et souvent troublante des interactions sociales contemporaines, rendue dans son style inimitable, à la fois net et joyeux. « Lampman » poursuit cette exploration thématique, capturant l'absurdité et l'étrangeté de l'existence moderne. Sortie en 2024, cette œuvre d'art rare est une édition limitée à seulement 300 exemplaires, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les admirateurs de Cornellà. Mesurant 15 x 25 cm, il s'agit d'une lampe-sculpture compacte, alimentée par piles, conçue pour s'intégrer dans divers espaces, de l'intimité d'un bureau à l'espace plus public d'une galerie. « Lampman » n'est pas qu'une simple lampe ; c'est une œuvre engagée, qui invite le spectateur à repenser les frontières entre art et design, forme et fonction, divertissement et critique. À travers ce travail, Cornellà continue de repousser les limites du Street Pop Art et du graffiti, explorant comment ces formes peuvent s'étendre au-delà des toiles et des murs traditionnels pour devenir des objets tridimensionnels qui habitent nos espaces quotidiens. Le « Lampiste » : une fusion entre l'art et la vie quotidienne La sculpture-lampe « Lampman » témoigne du talent exceptionnel de Joan Cornellà pour métamorphoser le banal en extraordinaire. Ses couleurs vives et son design audacieux font écho à l'esprit du Pop Art et du graffiti, où les objets du quotidien deviennent le support de l'expression créative. La lampe, caractérisée par sa silhouette singulière, la tête ornée d'un abat-jour et arborant un sourire serein, invite à la réflexion sur le jeu entre la lumière qu'elle diffuse et son expression ombrée. Cette œuvre symbolise un mouvement où l'art ne se limite plus aux murs des galeries ni aux façades des bâtiments, mais s'intègre aux objets de notre quotidien. « Lampman » de Cornellà fait office de pont, faisant entrer l'art dans nos espaces de vie et permettant un contact intime et constant avec la créativité. Le caractère à la fois ludique et provocateur de l'œuvre incarne l'essence même du Pop Art. Cette forme d'art est accessible, universelle et profondément ancrée dans la culture contemporaine. Le caractère de collection des créations de Cornellà Le caractère de collection de la sculpture lumineuse « Lampman » de Joan Cornellà témoigne de la convergence entre le marché de l'art et la satisfaction personnelle de posséder une œuvre d'art à la fois fonctionnelle et précieuse. L'édition limitée à 300 exemplaires confère à cette pièce un caractère exclusif et recherché auprès des collectionneurs et amateurs d'art. Artiste contemporain, Cornellà comprend parfaitement l'importance de créer une œuvre qui résonne à plusieurs niveaux : objet de plaisir esthétique, objet fonctionnel et pièce de collection de valeur. Avec « Lampman », Cornellà démontre une fois de plus son savoir-faire, capable de concrétiser l'imagination de l'artiste. Cette sculpture lumineuse n'est pas seulement un objet à contempler, mais à vivre ; sa lumière symbolise l'illumination que l'art apporte à nos vies. Figure active et influente du monde de l'art, Joan Cornellà continue d'explorer et d'élargir les possibilités du Street Pop Art et du graffiti, créant des œuvres à la fois familières et provocatrices, pratiques et exceptionnelles.

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Tirages d'art en édition limitée Land's End, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier beaux-arts par Marjorie Ball, artiste de graffiti, de street art et de culture pop.

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« Clouded House », édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Jon Smith, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirages pigmentaires HPM d'archives en édition limitée, embellis à la main, sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée signée 2020 « Fixer-Upper » • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Embellissements uniques à la peinture sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm. Embellie à la main, signée et numérotée par l'artiste Jessica Hess. Édition limitée à 5 exemplaires.

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Midnight Manor - Épreuve d'artiste AP, œuvre pop en édition limitée, sérigraphie 5 couleurs sur papier beaux-arts par l'artiste moderne Nate Duval. Épreuve d'artiste (EA) 2014 Signée et marquée EA Édition limitée Format 12x18

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Sérigraphie Home Sick Copper HPM Collage par MCXT - Monica Canilao x Xara Thustra sur papier d'art Coventry Rag teinté à la main de 290 g/m² et papier métallisé, œuvre d'art pop street art en édition limitée. Sérigraphie signée et numérotée 2015, collage et fil, ornée HPM. Édition limitée n° 1, première d'une série de 30. Format 12 x 24 pouces sur papier Coventry Rag 290 g/m² teinté à la main. Papier métallisé épais cousu au bas de chaque estampe. Léger défaut en bas à gauche, côté marge. N° 1 « Home Sick Copper HPM Collage Silkscreen Print », une sérigraphie de MCXT, fruit d’une collaboration entre Monica Canilao et Xara Thustra, témoigne du dialogue riche et complexe qui unit le Street Pop Art et le graffiti. Cette œuvre en édition limitée, réalisée avec minutie sur papier d’art Coventry Rag teinté à la main et ornée d’une feuille métallique cousue au verso, illustre la convergence des différentes disciplines artistiques qui caractérisent le travail de ces artistes contemporaines. Savoir-faire dans « Home Sick Copper HPM » Le savoir-faire déployé dans « Home Sick Copper HPM » est immédiatement perceptible. Le choix du papier Coventry Rag 290 g/m² comme support témoigne de l'attachement des artistes à la qualité et à la durabilité. Ce papier épais, réputé pour son absorption de l'encre et sa capacité à préserver la richesse des couleurs, offre un fond luxueux aux sérigraphies et aux collages qui ornent sa surface. La coloration manuelle du papier confère à chaque tirage une qualité tactile unique, garantissant ainsi le caractère unique de chaque exemplaire de l'édition. L'ajout de papier métallisé épais, cousu plutôt que collé, est un clin d'œil aux techniques artisanales traditionnelles. Cette technique de couture du papier est une manifestation physique des thèmes du foyer et du lien social qui sont au cœur de l'œuvre. Le fil devient une métaphore des liens qui nous unissent aux lieux et aux personnes, tandis que la couture est un geste profondément personnel, presque intime, qui imprègne l'œuvre d'un sentiment de soin et d'attention. Esthétique et symbolisme Esthétiquement, « Home Sick Copper HPM » est une symphonie visuelle de symboles et de formes qui dansent sur le papier. Les éléments architecturaux, évoquant des structures fantastiques, émergent de l'estampe comme des monuments à l'imagination et à la mémoire. L'inclusion d'yeux, d'étoiles et d'autres icônes confère une dimension mystique à la composition, suggérant un récit à la fois personnel et archétypal. Le langage symbolique employé par Canilao et Thustra invite à l'interprétation, incitant le spectateur à réfléchir à la notion de foyer : ce que signifie être enraciné, ce que signifie être déconnecté, et le désir universel d'appartenance. En ce sens, l'œuvre transcende sa forme matérielle pour devenir un réceptacle d'expériences humaines partagées, à l'instar des plus belles œuvres de street art et de graffiti, qui servent souvent de miroir aux pensées et aux sentiments du spectateur. Reflets de l'art urbain pop et du graffiti « Home Sick Copper HPM » reflète l'esprit du Street Pop Art et du graffiti par son accessibilité et son mélange de techniques artistiques savantes et populaires. Le tirage limité n'altère en rien son accessibilité ; au contraire, il en valorise chaque exemplaire comme pièce de collection, tout en incarnant l'esprit démocratique du street art. L'œuvre mêle les pratiques artistiques conventionnelles à la culture rebelle et DIY du street art, créant un pont entre la galerie et le paysage urbain. La collaboration entre Monica Canilao et Xara Thustra célèbre l'esprit de collaboration souvent présent dans la culture du street art. En unissant leurs forces, les artistes combinent leurs visions et leurs compétences uniques pour créer une œuvre qu'aucune n'aurait pu réaliser seule. Ce partenariat et l'œuvre qui en résulte témoignent avec force du potentiel collaboratif du monde de l'art, faisant écho à la dimension communautaire des projets de street art. « Home Sick Copper HPM Collage Silkscreen Print » de MCXT est une pièce remarquable qui captive l'imagination et touche le cœur. Elle témoigne du pouvoir de la collaboration et de l'attrait intemporel d'un art qui relie l'intime à l'universel. En tant qu'objet d'art, il suscite la conversation, constitue une œuvre marquante et est réalisé avec amour, portant la marque indéniable d'artistes profondément engagés dans leur art et leur message.

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Diffuseur Vénus, sculpture en plâtre blanc de Takeru Amano, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Édition limitée 2021 à 500 exemplaires. Sculpture/statue. Dimensions : 3 x 7 x 2 pouces. Diffuseur Venus de Takeru Amano – Minimalisme sculptural dans l'art urbain pop et graffiti La sculpture en plâtre blanc « Vénus Diffuseur » de l'artiste japonais Takeru Amano, éditée à 500 exemplaires en 2021, fusionne l'iconographie classique et le minimalisme épuré du street art et du graffiti contemporains. Mesurant 7,6 x 17,8 x 5,1 cm, cette sculpture de petit format est réalisée en plâtre blanc mat et présente la silhouette féminine stylisée emblématique d'Amano, enchâssée dans un bloc angulaire. La figure s'inspire des représentations classiques de Vénus, déesse de l'amour et de la beauté, mais est réinterprétée à travers le prisme de la simplification et du raffinement culturel propres à Amano. Les traits simplifiés du visage, la chevelure fluide et les courbes douces sont enveloppés d'un motif de pierre irrégulière évoquant l'émergence, la tension et la transformation. À la fois sculpture et diffuseur de parfum, elle unit la sensualité de la matière à l'atmosphère invisible qu'elle diffuse. Takeru Amano et la transformation de Vénus dans l'esthétique contemporaine Né à Tokyo en 1977, Takeru Amano est reconnu pour son art de fusionner l'élégance sobre de la tradition japonaise avec le langage graphique audacieux de la culture pop contemporaine. Sa réinterprétation de Vénus s'attache moins à la mythologie qu'à l'iconographie : dépouillée de toute narration explicite, elle n'en est pas moins riche de sens. Le Diffuseur Vénus revisite la sculpture classique à travers un prisme respectueux de la symétrie et de la sérénité, tout en privilégiant l'abstraction et la neutralité émotionnelle. À l'opposé des gestes expressifs des représentations historiques, la Vénus d'Amano est calme, introspective et silencieuse. Cette retenue inscrit l'œuvre dans le nouveau contexte du Street Pop Art et du Graffiti, où les objets ne sont plus seulement décoratifs ou monumentaux, mais porteurs de sens, contextuels et d'une exécution minimaliste. Matière, forme et intimité de l'échelle Façonné en plâtre blanc, le diffuseur Venus arbore une surface mate qui sublime sa pureté tactile et visuelle. Ce matériau reflète le goût d'Amano pour une absence totale d'interférences chromatiques, laissant ainsi la forme elle-même dominer le regard. Les dimensions modestes de la sculpture renforcent son impact : elle n'est pas conçue pour intimider, mais pour inviter à la proximité et à la contemplation. La rupture visuelle créée par la géométrie irrégulière de la base et des côtés contraste avec les courbes fluides de la figure, suggérant une métaphore de la beauté révélée par la contrainte. Signée et produite en édition limitée à 500 exemplaires, cette pièce de collection fait le lien entre sculpture et intimité domestique, illustrant comment le street art et le graffiti s'affranchissent désormais des murs et des toiles pour investir nos espaces de vie. Sculpture pop urbaine en tant qu'objet et aura Le diffuseur Venus est à la fois esthétique et fonctionnel, conçu pour contenir et diffuser un parfum dans le cadre d'une collaboration avec le projet Either Scent of Art. Cette fusion entre art et utilité confirme l'évolution du Street Pop Art et du graffiti vers une expérience sensorielle unique. En transformant Vénus en un objet multidimensionnel – à la fois déesse, design et élément d'ambiance –, Amano démontre comment le pop art a transcendé la simple reproduction pour atteindre des formes évoquant la permanence, le rituel et la contemplation. Son emballage signature et griffé élève l'œuvre au rang d'objet de collection d'art contemporain, tout en préservant son accessibilité symbolique et sa taille idéale. Le diffuseur Venus de Takeru Amano incarne l'élégance moderne à l'état pur, où mythologie, sculpture et parfum convergent en un objet à la fois poétique et précis.

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Estampe d'art en édition limitée, pigment d'archivage, sur papier beaux-arts, par l'artiste Jolene Lai. Édition limitée à 40 exemplaires (2018) - Tirage d'art 14x18 pouces sur papier 290 g/m² - Signé et numéroté à la main

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archivage, sur papier beaux-arts par l'artiste Jolene Lai. Édition limitée à 40 exemplaires (2018) - Tirage d'art 14x18 pouces sur papier 290 g/m² - Signé et numéroté à la main

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« Don't Stop The Rock », tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier d'art Moab Rag 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ckaweeks. Ckaweeks est l'un des ingrédients qui composent ce creuset culturel qu'est Hawaï. Son art dépeint des images ludiques et parfois humoristiques, inspirées du quotidien. C'est un mélange d'expériences de vie passées, présentes et futures.

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Tomadachi AP Artist Proof Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 290gsm Moab Entrada Paper by Artist Jolene Lai. Épreuve d'artiste (EA) 2018 Signée et marquée EA Édition limitée Tirage pigmentaire d'archives Format 16x20 L'intersection des récits urbains dans « Tomadachi » de Jolene Lai (épreuve d'artiste) L'épreuve d'artiste « Tomadachi » de Jolene Lai incarne la fusion du pop art urbain et du graffiti, plongeant le spectateur dans un récit révélateur de l'expérience urbaine. Cette édition limitée, imprimée sur papier Moab Entrada premium 290 g/m² avec des pigments d'archives, est une pièce de collection rare. Estampillée AP (Épreuve d'Artiste) et signée par Lai en 2018, cette édition se distingue des séries limitées classiques, traditionnellement réservées à l'usage personnel de l'artiste ou à une distribution privée auprès de collectionneurs et de galeries. « Tomadachi » offre une fenêtre sur les moments de solitude qui ponctuent l'effervescence de la vie citadine. L'œuvre, de format 40,6 x 50,8 cm, est à la fois intimiste et porteuse d'une vision d'ensemble du paysage urbain, incarnant l'essence même du pop art urbain et du graffiti à travers son récit visuel. La scène – représentant une silhouette solitaire assise à côté d'un ours en peluche géant à un arrêt de bus – saisit un moment poignant et surréaliste au cœur de la tranquillité nocturne de la ville. Ce mélange de l'intime et du public, de l'imaginaire et du réel, confère à l'œuvre de Lai une dimension particulière au sein du genre. Capturer le pouls de la rue sous forme d'œuvre d'art L'œuvre « Tomadachi » de Jolene Lai témoigne de sa capacité à s'approprier le langage visuel de la rue et à le transposer en art contemporain. Le choix du papier Moab Entrada pour cette estampe souligne la qualité d'archivage de l'œuvre. Il rehausse l'éclat de la palette de couleurs, qui évoque l'audace du graffiti et le charme du pop art. L'œuvre de Lai n'est pas une simple image statique, mais un récit dynamique qui invite à l'interprétation et à la réflexion personnelle, une caractéristique des œuvres de street art et de graffiti les plus marquantes. La mention « Épreuve d'artiste » pour cette estampe lui confère une exclusivité particulière ; il s'agit généralement d'un tirage en nombre limité précédant l'édition principale. Les collectionneurs et les amateurs d'art recherchent ces épreuves pour leur rareté et leur fidélité à la vision originale de l'artiste. Dans le contexte de « Tomadachi » de Lai, la série d'épreuves d'artiste devient un témoignage du processus créatif de l'artiste, offrant un aperçu de ses réflexions et de ses ajustements artistiques. L'héritage et l'influence du « Tomadachi » dans l'art contemporain L'héritage de « Tomadachi » dans le street art et le graffiti est incontestable, grâce à sa force narrative et à son impact visuel. En tant qu'épreuve d'artiste, elle occupe une place particulière dans le parcours de Jolene Lai, offrant une compréhension plus profonde de son cheminement artistique. Cette estampe fait le lien entre la scène underground et le mainstream, trouvant sa place aussi bien dans une ruelle de street art que dans une galerie d'art. « Tomadachi » de Jolene Lai est bien plus qu'une simple estampe : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit de la vie urbaine et les paysages émotionnels qui la définissent. Cette œuvre continue de susciter l'admiration et les discussions parmi les collectionneurs, les critiques et les amateurs de street art et de graffiti, confirmant ainsi la place de Lai comme une artiste contemporaine majeure, dotée d'un regard aiguisé sur les récits qui émergent du chaos bétonné de la vie citadine.

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Nolan - Room For Rent, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier beaux-arts, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Mike Ellis.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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TGIF V 20 Tirage d'archives par Dave Pollot Édition limitée sur toile PH neutre 17 mil Art de rue pop graffiti Œuvre d'art moderne d'artiste. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 57 exemplaires (2023), format 16 x 20 pouces, impression pigmentaire d'archives sur toile, représentant Jason du film d'horreur Vendredi 13 dans un marais. TGIF V 20 : Tirage d'archives par Dave Pollot L'estampe d'archive TGIF V 20 de Dave Pollot, sortie en 2023, est une fusion unique de références à la culture pop, de techniques des beaux-arts et d'esthétique du street art. Cette œuvre en édition limitée, signée et numérotée par Pollot, fait partie d'une série de seulement 57 exemplaires. Il s'agit d'une impression pigmentaire d'archive de 40,6 x 50,8 cm sur toile de 0,43 mm d'épaisseur, à pH neutre, garantissant sa longévité et sa résistance à la décoloration. L'œuvre met en scène le personnage emblématique de Jason Voorhees, tiré de la franchise cinématographique d'horreur Vendredi 13, dans un décor de marais serein, presque bucolique, mêlant ainsi les univers du cinéma d'horreur et de la peinture de paysage classique. Quand la culture pop rencontre les beaux-arts dans TGIF V 20 Dave Pollot est connu pour sa réinterprétation ingénieuse de l'art traditionnel, intégrant souvent des icônes de la culture pop et des éléments des médias contemporains dans des décors classiques ou idylliques. TGIF V 20 illustre parfaitement cette approche : Pollot y associe la figure menaçante de Jason Voorhees à un paysage champêtre paisible. Sur cette estampe, Jason se dresse, sinistre, dans un marais, son masque de hockey iconique reflétant la lumière d'un coucher de soleil lointain, tandis qu'une petite maison se niche à l'arrière-plan, apparemment indifférente à la terreur qui rôde à proximité. La capacité de Pollot à juxtaposer ces deux univers – l'horreur de Vendredi 13 et la quiétude d'une campagne idyllique – crée un sentiment de malaise et d'humour noir. Le spectateur est amené à contempler l'absurdité de Jason, figure de violence et de peur, évoluant sereinement dans un tel environnement. Cette contradiction ludique est une caractéristique du street art, où des symboles familiers sont recontextualisés de manière surprenante et souvent ironique. En plaçant Jason dans ce contexte inattendu, Pollot remet en question notre perception du personnage et du lieu, nous incitant à les voir sous un jour nouveau. L'influence du graffiti et du pop art urbain L'œuvre de Pollot, bien qu'ancrée dans les techniques traditionnelles des beaux-arts, est fortement influencée par l'esthétique et l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Le pop art urbain est connu pour son utilisation audacieuse de la couleur, son intégration de la culture populaire et sa capacité à brouiller les frontières entre art savant et art populaire. Dans TGIF V 20, Pollot réunit ces éléments, utilisant Jason comme symbole de la culture de masse pour bouleverser les conventions de la peinture de paysage classique. La texture et la richesse de la toile, ainsi que la palette de couleurs vibrantes et équilibrées, renforcent l'impact visuel de l'œuvre. La scène, qui pourrait autrement ressembler à un paysage typique du XIXe siècle, est transformée par la présence de Jason. L'influence du graffiti et du street art se manifeste dans la manière dont Pollot insuffle une dimension urbaine et contemporaine au traditionnel. Jason, figure issue du cinéma d'horreur des années 1980, devient un intrus moderne dans un cadre intemporel, à l'image du graffiti qui perturbe souvent l'esthétique de l'environnement urbain en y introduisant des éléments nouveaux, souvent controversés. De plus, le fait que cette estampe soit numérotée à la main et en édition limitée souligne l'individualité et l'exclusivité souvent associées au street art. À l'instar des graffeurs qui signent leurs œuvres, Pollot signe et numérote chaque estampe, garantissant ainsi que chaque pièce est unique. Cela rejoint également la philosophie du street art, selon laquelle l'art est à la fois public et personnel, accessible et unique. Le contraste entre l'horreur et la beauté pastorale Au cœur de TGIF V 20 réside le contraste saisissant entre le genre horrifique et la quiétude du paysage naturel. Jason, habituellement vu traquant ses victimes dans des forêts sombres ou des campements déserts, est ici placé dans un décor qui évoque chaleur et nostalgie. Le chalet en arrière-plan, baigné par la douce lueur du soleil couchant, crée une atmosphère réconfortante qui s'oppose frontalement à l'imagerie violente souvent associée à Jason. Cette juxtaposition accentue le malaise, le spectateur s'interrogeant sur la présence d'une telle figure dans un lieu aussi paisible. Le titre de l'œuvre, TGIF V 20, joue également sur ce contraste. Si le vendredi 13 est synonyme de malchance et d'horreur, l'expression « TGIF » évoque généralement un sentiment de soulagement et l'anticipation d'un week-end de détente. Pollot utilise cette dualité pour brouiller davantage les frontières entre peur et réconfort, humour et horreur. Cette superposition de significations est caractéristique du street art, où de multiples interprétations peuvent coexister, incitant le spectateur à interagir avec l'œuvre à différents niveaux. Le choix de Pollot de représenter Jason dans un marais, plutôt que dans un décor d'horreur plus conventionnel, confère à l'œuvre une complexité supplémentaire. Les marais sont souvent associés à la décrépitude, au mystère et aux dangers cachés, ce qui en fait un cadre idéal pour la figure sombre et menaçante de Jason. Parallèlement, la manière dont Pollot rend la scène — avec des coups de pinceau doux, des tons chauds et une impression générale de calme — rend le marais presque accueillant. Cette tension entre beauté et menace est essentielle à l'attrait de l'œuvre, car elle invite le spectateur à s'interroger sur ce qui se cache sous la surface. L'approche moderne de Dave Pollot en matière d'art et de culture pop La démarche artistique de Dave Pollot s'ancre dans la fusion de l'art classique et de la culture populaire, une technique devenue emblématique du street art contemporain. Sa formation en techniques picturales classiques lui permet d'exécuter ses œuvres avec précision. Parallèlement, l'intégration d'icônes culturelles familières confère à ses créations une accessibilité et une pertinence nouvelles pour le public d'aujourd'hui. TGIF V 20 s'inscrit dans cette tradition, Pollot transposant l'univers du film d'horreur dans le cadre raffiné de la peinture de paysage. Symbole de peur et de violence, Jason Voorhees s'intègre au monde naturel sous la plume de Pollot, suggérant que même les aspects les plus terrifiants de notre imagination ont leur place dans le paysage culturel. En plaçant Jason dans un décor si serein et pittoresque, Pollot nous invite à repenser nos conceptions du beau et de l'effrayant. Cette fusion des univers est au cœur du street art, où le familier et l'inattendu se rencontrent pour créer une œuvre inédite. TGIF V 20 de Dave Pollot illustre avec force comment le street art contemporain peut enrichir et remettre en question notre perception de l'art et de la culture populaire. Grâce à son humour, ses contrastes et sa technique artistique affûtée, Pollot crée une œuvre visuellement saisissante et stimulante, offrant un regard neuf sur une figure emblématique du cinéma d'horreur.

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Sérigraphie Humboldt Park Chicago par Ian Ferguson- Hydeon, édition limitée 1 couleur tirée à la main sur papier beaux-arts, art de rue rare, artiste pop célèbre. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, 2013. Œuvre de format 16x20, série « Neighborhood Art » par Ian Ferguson. Sérigraphie « Humboldt Park » par Ian Ferguson – Hydeon La sérigraphie « Humboldt Park » d'Ian Ferguson, alias Hydeon, est une œuvre magistrale de la série « Neighborhood Art », illustrant à merveille la narration complexe et riche qui caractérise l'artiste. Cette sérigraphie monochrome, réalisée à la main, est une édition limitée signée et numérotée de 2013, mesurant 40,6 x 50,8 cm sur papier d'art. Elle offre une vision unique d'Humboldt Park, l'un des quartiers les plus importants de Chicago sur le plan historique et culturel. L'œuvre de Ferguson mêle précision architecturale et paysages urbains surréalistes, capturant le dynamisme, l'énergie et la riche histoire de la communauté à travers une composition foisonnante de détails et d'éléments symboliques. L'essence architecturale et culturelle du parc Humboldt Le style d'illustration de Ferguson est profondément ancré dans le dessin architectural, et cette œuvre ne fait pas exception. Les bâtiments ornés, les façades historiques et les rues animées de Humboldt Park sont dessinés avec une grande précision, reflétant la diversité des influences du quartier. L'œuvre rassemble une variété de motifs visuels, notamment des immeubles en briques typiques de Chicago, des voitures anciennes, des vélos et des éléments du paysage urbain qui définissent le caractère du quartier. L'utilisation du noir et blanc accentue la complexité structurelle de l'illustration, permettant à chaque trait de raconter une histoire. Au-delà de sa richesse architecturale, Humboldt Park est largement reconnu pour son histoire culturelle, en particulier son lien fort avec l'héritage portoricain et les influences latino-américaines. Ferguson rend hommage à cette identité en intégrant des images telles qu'un musicien mariachi, des éléments de symbolisme portoricain et des clins d'œil à la contribution de longue date de la communauté au street art et au graffiti de Chicago. L'œuvre mêle ces éléments culturels à son cadre urbain, créant un instantané saisissant d'un quartier vibrant et résilient. Surréalisme et symbolisme dans l'œuvre d'art L'une des caractéristiques marquantes de l'œuvre de Ferguson est l'interaction entre réalisme et surréalisme. Dans cette estampe, des structures en apparence familières sont réinterprétées de façon onirique : l'architecture flotte parmi les nuages, les bâtiments se fondent les uns dans les autres et les perspectives se transforment avec fluidité au sein de la composition. Le lagon de Humboldt Park, point focal de l'œuvre, est dessiné avec des reflets qui ajoutent profondeur et mouvement. Parallèlement, des créatures mythiques, semblables à des griffons, apparaissent dans le ciel, renforçant le sentiment de mystère et d'émerveillement, signature du travail de Ferguson. L'estampe comprend également des éléments qui évoquent le présent et le passé du quartier : ses food trucks, ses enseignes vintage, ses parcs publics et l'animation de ses rues. Ces détails enrichissent la perception, permettant au spectateur d'explorer différentes facettes de l'identité de Humboldt Park. La capacité de Ferguson à insuffler une dimension narrative à ses illustrations élève cette œuvre au-delà de la simple documentation ; elle devient une expérience, une représentation visuelle d'un environnement urbain vivant et vibrant. L'influence de Hydeon sur le street art, le pop art et le graffiti La série « Neighborhood Art » d'Ian Ferguson l'a imposé comme une figure majeure du street art et du graffiti, proposant une alternative à la fresque murale traditionnelle grâce à la sérigraphie artisanale qui lui permet de créer des récits urbains d'une grande précision. Contrairement au street art de grande envergure, souvent caractérisé par des couleurs vives et des traits larges, la méthode de Ferguson privilégie un travail de lignes complexe et une narration par superposition. Cette approche s'inscrit dans la continuité de la documentation historique des espaces urbains, à l'instar des premiers cartographes qui ont dressé les cartes des paysages urbains, tout en y apportant une touche artistique contemporaine. À travers cette série, Ferguson capture l'âme des quartiers de Chicago, les transformant en compositions surréalistes et poétiques qui trouvent un écho auprès des habitants et des collectionneurs d'art. La sérigraphie de Humboldt Park rend hommage à la résilience, à l'histoire et à l'énergie artistique du quartier, préservant son identité culturelle grâce à une œuvre artisanale en édition limitée qui continue de susciter l'admiration au sein de la communauté du street art et du graffiti.

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Portrait de canapé Simpsons, impression d'archives par Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art de rue, œuvre d'art moderne. Tirage signé et numéroté 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 10x8, encre pigmentaire d'archivage, beaux-arts, représentant la famille Simpson (Marge, Lisa, Bart, Homer, Maggie, le chien et le chat) dans un style glitch, assis SUR leur canapé comme dans le célèbre gag du générique. Le monde de l'art contemporain a vu converger divers genres, le pop art, le street art et le graffiti occupant une place prépondérante ces dernières décennies. Parmi les nombreuses œuvres qui illustrent cette convergence figure « Couch Portrait Simpsons Archival Print » du célèbre artiste Adam Lister. Cette œuvre en édition limitée est une fusion fascinante de techniques modernes et d'images iconiques, imprimée sur un papier d'art mat pressé à chaud de qualité supérieure (300 g/m²). L'œuvre de Lister n'est pas une simple interprétation d'une image mondialement connue ; c'est une exploration profonde des nuances de la culture populaire et une réinvention d'éléments visuels familiers à travers un regard neuf. S'inspirant du gag culte du générique des « Simpson », où la famille animée composée de Marge, Lisa, Bart, Homer, Maggie et leurs animaux de compagnie s'installent sur le canapé du salon dans une multitude de situations comiques, Lister recrée la scène dans un style « glitch » distinctif. Ce choix stylistique peut être perçu comme le reflet de l'ère numérique, une réflexion sur les interruptions et les « bugs » de notre vie moderne, et peut-être un clin d'œil aux imperfections qui nous définissent en tant qu'êtres humains. Ce qui distingue encore davantage cette œuvre, c'est son exclusivité. Créée en 2023, chaque estampe est méticuleusement signée et numérotée par Adam Lister, soulignant ainsi son statut d'édition limitée à seulement 50 exemplaires. D'un format confortable de 25 x 20 cm, cette estampe d'art pigmentaire d'archives garantit une longévité et une qualité visuelle irréprochables. Pour les amateurs d'art moderne à la croisée de la culture pop, cette estampe n'est pas seulement un objet de collection, mais un témoignage de l'évolution constante du discours artistique à l'ère de la saturation médiatique. L'estampe d'archives « Portrait sur canapé des Simpsons » nous rappelle le pouvoir de la réinterprétation, repoussant les limites de la forme et du fond.

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Emma & Jameel - Room For Rent, tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives sur papier beaux-arts, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Mike Ellis.

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So Long Ramshackle Security, tirages d'art giclée en édition limitée sur papier photo d'archivage, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. Tirage 12" x 12" avec bordure blanche de 1/2" imprimé sur papier Hahnemühle Photo Rag 308 g/m², signé et numéroté.

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Rowhouse - Tirage manuel - Sérigraphie ovale 24 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par l'artiste pop de rue Pose - Jordan Nickel - Édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format : 18 x 30 cm, ovale, bords frangés à la main. « Rowhouse », une œuvre d'art d'une précision remarquable signée Pose, de son vrai nom Jordan Nickel, artiste pop street art de renom, témoigne du subtil mélange de pop art, de street art et de graffiti. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est le fruit d'un travail artisanal méticuleux. Grâce à une technique d'impression sérigraphique ovale 24 couleurs réalisée à la main, la vivacité et la profondeur de chaque teinte prennent vie sur le papier Mohawk Superfine UltraWhite. Ce choix de papier n'est pas anodin : le Mohawk Superfine est réputé pour sa capacité à restituer la richesse des détails, offrant ainsi le support idéal à l'explosion de couleurs et de détails qui caractérise le travail de Pose. En observant l'œuvre de plus près, on est frappé par la richesse des éléments urbains, juxtaposés à des motifs et des dessins abstraits et colorés, emblématiques du street art et du pop art. Chaque recoin de « Rowhouse » raconte une histoire, offrant une fenêtre ouverte sur la vie urbaine, son chaos, sa beauté et son énergie brute. La forme ovale unique de cette œuvre, accentuée par un bord frangé à la main, lui confère un charme à la fois rustique et contemporain. Sortie en 2022, « Rowhouse » n'est pas une simple œuvre d'art ; c'est un chef-d'œuvre en édition limitée. Avec seulement 75 exemplaires disponibles, chacun signé et numéroté par Pose lui-même, elle est devenue une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art. Ses dimensions, un ovale de 18 x 30 cm, lui permettent d'attirer tous les regards tout en s'adaptant à différents espaces. « Rowhouse » de Pose est une illustration parfaite de l'évolution du street art et du pop art, mêlant techniques traditionnelles et esthétique moderne, ce qui en fait une pièce incontournable pour ceux qui apprécient le subtil équilibre entre tradition et modernité dans l'art.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre d'art Rabbit House, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de propagande Ron English - POPaganda. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Format : 32 x 27 pouces. « Rabbit House » est une œuvre captivante de Ron English-POPoganda, artiste reconnu pour sa contribution au mouvement de l'art propagandiste, qui critique la culture contemporaine en fusionnant art savant et art populaire. Cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art de qualité, met en lumière le talent d'English pour juxtaposer le surréalisme à une palette hyper-saturée, créant une œuvre à la fois un régal pour les yeux et un commentaire profond sur le consumérisme et l'emprise des entreprises sur la société américaine. Réalisée en 2013 et mesurant 81 x 69 cm, cette œuvre appartient à une série très exclusive, limitée à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. « Rabbit House » d'English plonge le spectateur dans une scène vibrante, presque psychédélique, mêlant des éléments de paysages fantastiques à des personnages et des motifs familiers mais déformés. Ce tableau saisissant est peuplé de créatures mutantes et de jouets, exprimant la fusion caractéristique de l'artiste entre réalité et absurde. Les créatures de la scène, aux proportions exagérées et aux couleurs chatoyantes, incarnent le regard critique d'English sur les effets pernicieux du capitalisme sur la nature et l'innocence de l'enfance. La minutie et la profondeur de l'œuvre plongent le spectateur dans un espace tridimensionnel à la fois irréel et étrangement familier, faisant écho à l'intrusion du fantastique dans le quotidien, omniprésente dans notre environnement saturé de publicité. Ron English-POPoganda utilise la technique d'impression giclée, reconnue pour sa reproduction fidèle des couleurs et des détails, garantissant une netteté exceptionnelle à chaque élément, des surfaces réfléchissantes aux textures complexes de la faune et de la flore. En créant une série limitée d'estampes, English inscrit son œuvre dans l'esprit du street art, où l'exclusivité et l'accessibilité sont primordiales. À l'instar des fresques éphémères des artistes de rue, « Rabbit House » occupe une place transitoire dans le monde de l'art. Sa disponibilité limitée confère à l'œuvre un caractère éphémère, contrastant avec la pérennité du papier sur lequel elle est imprimée. L'œuvre d'English est un subtil mélange de critique et d'hommage à la culture populaire, offrant une immersion totale tout en incitant à une réflexion introspective sur le monde qui nous entoure. Plus qu'une simple affirmation, cette œuvre est un véritable point de départ pour le dialogue, captivant le spectateur par la richesse de ses significations et la profondeur de son récit visuel.

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Tapis Death Adder, édition limitée, objet d'art de créateur, œuvre d'art de collection par les artistes punk Mishka NYC - МИШКА. Tapis Death Adder 33x35, objet d'art en édition limitée 2021 par Mishka NYC- МИШКА. Tapis Death Adder : un point de rencontre entre l'art punk et la décoration intérieure En 2021, la marque emblématique de streetwear Mishka NYC, également connue sous le nom de МИШКА, a étendu son influence artistique au domaine de la décoration intérieure avec la sortie du tapis Death Adder. Cet objet d'art en édition limitée mesure 84 x 89 cm et arbore le motif Death Adder, emblème de la marque et symbole de son esprit audacieux et rebelle. Confectionné avec un souci du détail exceptionnel, ce tapis est à la fois un élément de décoration pratique et une pièce de collection inspirée de l'art punk. Mishka NYC : Brouiller les frontières entre mode et art fonctionnel Mishka NYC est depuis longtemps reconnue pour sa contribution au streetwear, fusionnant avec brio l'esthétique punk rock, le graffiti et le pop art urbain. Avec la création du tapis Death Adder, la marque franchit une nouvelle étape, transformant son langage graphique distinctif en un véritable objet d'art. Les bords cousus du tapis garantissent sa durabilité, tandis que sa texture douce et moelleuse offre une dimension tactile qui contraste avec son design visuel audacieux. Cette incursion dans la décoration intérieure témoigne de l'engagement de Mishka NYC à repousser les limites de l'art et du design traditionnels. En métamorphosant un objet utilitaire en un support d'expression, le tapis Death Adder bouscule les conventions artistiques, insufflant l'esprit punk dans nos espaces de vie. Le tapis Death Adder : un symbole de sous-culture dans la décoration intérieure Le tapis Death Adder incarne l'esprit du street art et du graffiti, traduisant l'énergie brute de la rue en une forme à la fois accessible et fonctionnelle. Véritable pièce maîtresse, il s'intègre parfaitement à n'importe quelle pièce, bureau ou même repaire, comme le suggère la marque avec humour. C'est ici que la nature rebelle et souvent underground de l'art punk trouve sa place dans un environnement plus domestique, offrant une juxtaposition saisissante et intrigante. La capacité de Mishka NYC à créer des objets d'art qui conservent leur crédibilité subculturelle tout en s'intégrant à la décoration grand public souligne l'évolution de l'art punk et sa place dans la culture contemporaine. Le tapis Death Adder, par essence, célèbre cette évolution, témoignant de l'influence durable de l'esthétique punk et de la versatilité du street art. Le tapis Death Adder de Mishka NYC représente l'expansion continue du street art vers de nouveaux horizons. Ce tapis illustre comment l'art peut transcender les supports traditionnels, offrant de nouvelles façons d'appréhender les messages rebelles et stimulants qui caractérisent l'art punk. Véritable œuvre d'art de collection, il occupe une place de choix parmi les fans et les collectionneurs, symbole de l'héritage durable de Mishka NYC dans le monde de l'art et du design.

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Les Nouvelles Aventures de Sabrina #2 Édition Limitée Sérigraphie 4 Couleurs Tirée à la Main sur Papier Beaux-Arts par Francesco Francavilla Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne.

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Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier beaux-arts, réalisés par Keith Greiman, artiste de graffiti, de street art et de culture pop, et présentant « Dan the Man ».

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La vie sur Terre n'est qu'un éclair de pensée. Sérigraphie en édition limitée, imprimée à la main, sur papier d'art de qualité supérieure, par Russell Moore. Rare œuvre de street art d'un artiste pop célèbre. Sérigraphie 6 couleurs 18″ x 24″ avec encre phosphorescente et encre métallique semi-transparente, ainsi qu'un dégradé divisé.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie artisanale en 4 couleurs de la série ICON Springfield Limited Edition sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Hommage à la maison, la voiture et la cabane dans l'arbre des Simpson. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Wicker Park Chicago 1 couleur Tirage sérigraphique en édition limitée réalisé à la main sur papier d'art par Ian Ferguson-Hydeon Rare Street Art Artiste Pop Art Célèbre. Épreuve d'artiste (EA) 2013, signée et marquée. Édition limitée « Wicker Park » par Ian Ferguson. Sérigraphie une couleur. Format : 40,6 cm x 50,8 cm. Wicker Park, Chicago, Illinois. Sérigraphie « Wicker Park » par Ian Ferguson. Collection « Art de quartier ». Sérigraphie Wicker Park par Ian Ferguson – Hydeon Wicker Park est une saisissante sérigraphie monochrome réalisée à la main par Ian Ferguson, alias Hydeon, figure emblématique du street art et du graffiti. Cette épreuve d'artiste signée et numérotée, datant de 2013, est une pièce rare et très recherchée, éditée en édition limitée. Elle capture l'énergie et le caractère architectural de Wicker Park, quartier vibrant de Chicago, dans l'Illinois. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette composition complexe met en valeur le style illustratif caractéristique de Ferguson, mêlant narration urbaine, précision du trait et détails des paysages urbains. Cette œuvre illustre la capacité de Hydeon à fusionner des éléments historiques, architecturaux et surréalistes en une expérience visuelle cohérente. La sérigraphie présente des éléments des rues emblématiques de Wicker Park : enseignes vintage, bâtiments historiques et le métro aérien iconique, le tout tissé ensemble dans une perspective élaborée et superposée. L'esthétique noir et blanc souligne la finesse du travail et confère à l'œuvre une dimension intemporelle, faisant d'elle à la fois un hommage au quartier et un exemple remarquable d'art urbain contemporain. La complexité architecturale de Wicker Park La fascination d'Ian Ferguson pour l'architecture urbaine transparaît dans la richesse des détails et la composition en strates de Wicker Park. Cette estampe rassemble divers éléments caractéristiques du quartier : façades de magasins d'époque, immeubles résidentiels historiques et le métro aérien qui le traverse. Son approche de l'illustration architecturale est loin d'être conventionnelle ; plutôt que de reproduire fidèlement la scène, il la reconstruit dans une composition imaginative, presque onirique, qui capture l'essence même du lieu. La profondeur et la perspective de cette œuvre invitent à un voyage visuel à travers Wicker Park, guidant le regard du spectateur des rues animées jusqu'aux voies ferrées aériennes. Les structures déformées et exagérées donnent une impression de mouvement, comme si la ville elle-même était vivante et en perpétuelle évolution. Ce rendu dynamique est la marque de fabrique du style de Hydeon, qui transforme des bâtiments statiques en composantes vibrantes et expressives du paysage urbain. Symbolisme et vie urbaine quotidienne Au-delà de son aspect architectural, Wicker Park intègre également une imagerie symbolique qui reflète le quotidien du quartier. Un vélo, moyen de transport courant dans les milieux créatifs de Chicago, occupe une place de choix au premier plan, renforçant la réputation du quartier comme foyer d'artistes, de musiciens et de penseurs indépendants. Un cornet de glace ajoute une touche ludique, évoquant la nostalgie et la culture locale. Ces détails contribuent à personnaliser la scène, capturant l'identité à la fois physique et culturelle de Wicker Park. En intégrant des éléments de la vie quotidienne, Ferguson crée une œuvre immersive et accessible. L'inclusion de panneaux de signalisation, de voitures et de textures urbaines éparses renforce encore l'authenticité de la scène. Le choix de représenter ces détails dans une seule couleur concentre l'attention sur la composition et le trait, permettant au spectateur d'apprécier le travail de l'artiste sans distraction. L'influence artistique de Hydeon sur le street art, le pop art et le graffiti Le travail d'Ian Ferguson, alias Hydeon, se distingue dans le paysage du street art et du graffiti par son attachement à des compositions complexes dessinées à la main et à des scènes urbaines narratives. Wicker Park illustre son talent pour capturer l'âme d'un lieu tout en conservant une perspective artistique unique. Contrairement au graffiti traditionnel, qui privilégie souvent les couleurs vives et la rapidité, son travail adopte une approche plus méticuleuse, rappelant les gravures anciennes et les croquis architecturaux. L'œuvre de Hydeon repousse sans cesse les limites du street art et du graffiti, mêlant techniques d'illustration classiques et thèmes urbains contemporains. Wicker Park n'est pas seulement la représentation d'un quartier ; c'est une célébration de sa culture, de son histoire et de son esprit artistique. Cette estampe demeure un exemple remarquable de la fusion entre illustration détaillée et narration urbaine, laissant une empreinte indélébile dans l'univers en constante évolution du street art.

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4 Éléments du Hip Hop PP Épreuve d'Imprimeur Tirage d'Archives par BG183 Édition Limitée Tirage sur Papier Beaux-Arts Œuvre d'Artiste Pop Moderne. Épreuve d'imprimerie PP signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 13x20 Pigments d'archivage L'importance des quatre éléments du hip-hop dans l'art urbain pop et le graffiti La culture hip-hop a marqué son empreinte grâce à sa musique et à ses expressions visuelles vibrantes, notamment dans le street art et le graffiti. L'estampe d'archive « Les 4 Éléments du Hip Hop » de BG183 est une édition limitée qui capture l'essence de ce mouvement influent. Les estampes en édition limitée comme celle-ci, en particulier celles signées et estampillées « Épreuve d'Imprimeur » (EI), revêtent une grande valeur dans le monde de l'art contemporain. Elles sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés désireux de posséder un morceau d'histoire du hip-hop. Cette estampe d'archive est un véritable trésor d'iconographie hip-hop, saisissant les quatre éléments fondateurs de cette culture : le DJing, le MCing, le breakdance et le graffiti. Chaque élément est représenté avec minutie, témoignant de la profonde compréhension et du respect de l'artiste pour le hip-hop. Les platines du DJ, le micro du MC, les chaussures dynamiques du breakdancer et les bombes de peinture aux couleurs vives sont autant de symboles qui expriment l'influence majeure du hip-hop sur le street art et le graffiti. Ces tirages d'art de haute qualité sont réalisés avec des pigments de qualité supérieure sur papier beaux-arts, garantissant ainsi leur longévité et la fidélité de leurs couleurs. Leur format, généralement de 33 x 51 cm environ, en fait une pièce de collection idéale, pouvant être exposée dans divers contextes, d'un atelier privé à une exposition publique. L'utilisation de pigments d'archivage souligne la volonté de préserver l'œuvre pour les générations futures, témoignant de l'influence durable de la culture hip-hop. Le point de rencontre entre le pop art et le hip-hop dans le graffiti L'influence du hip-hop doit être équilibrée dans le street art et le graffiti. Autrefois perçu comme une forme de vandalisme, le graffiti est devenu un moyen d'expression et de narration urbaine respecté, en grande partie grâce au hip-hop. L'œuvre de BG183 illustre cette transformation, témoignant de l'élévation du graffiti au rang de forme d'art à part entière. Cette pièce, en particulier, représente de façon saisissante la manière dont le pop art a intégré et réinterprété le langage visuel du hip-hop pour toucher un public plus large. Les éléments visuels empruntés au hip-hop se mêlent aux couleurs vives, aux lignes audacieuses et à la sensibilité graphique caractéristiques du pop art. Cette fusion crée un genre artistique unique – le street art – qui fait écho à l'esprit rebelle du hip-hop tout en embrassant l'attrait populaire de la culture pop. L'estampe de BG183 est une toile vibrante où ces deux univers se rencontrent, créant un dialogue visuel qui interroge les origines de la culture urbaine et sa place actuelle dans la culture dominante. La valeur de telles estampes dépasse leur simple attrait esthétique ; Ce sont des artefacts culturels témoignant de l'évolution du hip-hop. Le hip-hop a connu un parcours remarquable, passant de sous-culture à phénomène mondial, à l'image des couches de peinture et d'encre qui caractérisent l'art du graffiti. La mention « PP » indique que cette estampe fait partie d'un sous-ensemble particulier de l'édition, généralement réservé à l'artiste et à ses proches, ce qui renforce son exclusivité et sa valeur auprès des collectionneurs. Valeur de collection et impact culturel des œuvres d'art inspirées du hip-hop L'attrait des œuvres de street art et de graffiti inspirées du hip-hop réside dans leur capacité unique à immortaliser un moment de l'histoire culturelle. Des estampes comme « 4 Elements of Hip Hop » de BG183 sont bien plus que de simples objets décoratifs ; elles sont des instantanés d'un mouvement qui a marqué des générations. Collectionneurs et fans de hip-hop sont attirés par ces œuvres pour leur impact visuel, leur authenticité et leur importance historique. Ces estampes en édition limitée font le lien entre les débuts difficiles du hip-hop dans la rue et son statut actuel de force culturelle majeure. Elles sont souvent produites en quantités limitées afin de préserver leur valeur et leur caractère unique, notamment les épreuves d'artiste. Posséder une épreuve d'artiste, c'est posséder un exemplaire du tirage initial, souvent plus intimement lié à la vision originale de l'artiste. L'estampe d'archive « 4 Elements of Hip Hop » de BG183 incarne l'énergie vibrante du hip-hop et son empreinte indélébile sur le street art et le graffiti. En tant qu'œuvre d'art moderne, elle se situe au carrefour du passé et du présent, offrant un récit visuel à la fois intemporel et actuel. Entre les mains des collectionneurs, ces estampes ne sont pas seulement des acquisitions esthétiques, mais aussi les témoins de l'histoire en constante évolution du hip-hop et de son influence profonde sur l'art et la culture contemporains.

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Up Pop, œuvre d'art moderne du film, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste graffiti moderne Pixar Raid71. Tirage officiel Pixar 2022, édition giclée 18 x 24, signée et numérotée à la main.

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Tapis Spectrum Keep Watch, édition limitée, objet d'art design, œuvre de collection par les artistes punk Mishka NYC - МИШКА. Tapis Spectrum Keep Watch 35x35, édition limitée 2021, objet d'art par Mishka NYC - МИШКА. Légèrement utilisé, en excellent état. Tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC Dans le paysage du design contemporain où l'esprit punk rencontre le confort douillet, le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC affirme une position audacieuse. Lancé en édition limitée en 2021, cet objet d'art fusionne fonctionnalité et art d'inspiration punk, insufflant une touche vibrante de pop art urbain dans les espaces privés. Un ajout dynamique à l'arsenal artistique de Mishka NYC Le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC témoigne de l'engagement de la marque envers un art qui transcende la mode conventionnelle. Mesurant 89 x 89 cm, ce tapis arbore le motif iconique de l'œil « Keep Watch », réinterprété dans un spectre de couleurs vives qui rayonnent vers l'extérieur. Plus qu'un simple tapis fonctionnel, c'est une véritable œuvre d'art qui incarne l'esprit des origines street art de Mishka. Sa confection soignée, avec ses bords cousus, garantit sa durabilité, tandis que sa texture douce et moelleuse invite au toucher, offrant une expérience interactive souvent absente des œuvres d'art traditionnelles. Il en résulte une pièce de collection non seulement visuellement captivante, mais aussi conçue pour résister à l'épreuve du temps et de l'usage. Intégrer le street art dans la vie quotidienne L'œil Keep Watch est un symbole récurrent dans l'univers visuel de Mishka NYC, représentant un regard vigilant omniprésent dans l'histoire de la marque. Avec le tapis Spectrum Keep Watch, ce symbole se métamorphose en un spectacle aux couleurs de l'arc-en-ciel, incarnant le dynamisme et la diversité inhérents au pop art urbain et au graffiti. C'est une pièce qui attire le regard, qu'elle soit placée dans un salon, un bureau ou même un « donjon », comme le suggère la marque avec humour. En mêlant la dimension subversive du graffiti aux jeux de couleurs du pop art, Mishka NYC transforme le simple tapis en une expression de l'individualité. C'est affirmer que l'art ne se limite pas aux murs ou aux galeries, mais fait partie intégrante de notre quotidien. Le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC illustre comment l'art punk continue d'influencer et d'imprégner divers aspects de la culture de consommation, de la mode à la décoration intérieure. Il célèbre les racines de la marque dans les rues de New York et son évolution en une force artistique aux multiples facettes. Pièce en édition limitée, elle apporte non seulement une valeur esthétique à n'importe quel espace, mais constitue également une œuvre d'art de collection qui capture l'esprit de l'art inspiré par la rue.

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Œuvre d'art Windmill Root Village, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Nicole Gustafsson.

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Impression risographique Sing Songs HPM par MCXT - Monica Canilao x Xara Thustra - Impression risographique bicolore sur papier beaux-arts - Édition limitée - Œuvre d'art pop de rue. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée , avec détails holographiques et découpe HPM. Format : 14 x 8,5 pouces. Innovation artistique et technique L'estampe risographique « Sing Songs HPM », fruit de la collaboration créative MCXT (Monica Canilao et Xara Thustra), est une œuvre marquante du street art et du graffiti. Cette impression risographique bicolore sur papier beaux-arts allie la spontanéité du street art à la précision du pop art, créant ainsi une œuvre en édition limitée, à la fois exclusive et expressive. La technique d'impression risographique utilisée se distingue par son approche écologique et sa capacité à produire des couleurs vibrantes et saturées, évoquant la sérigraphie, mais avec une texture et une profondeur uniques. La série « Sing Songs », limitée à 30 exemplaires signés et numérotés, présente des détails holographiques et des découpes, ajoutant une dimension tactile et visuelle rarement vue dans les estampes. Ces embellissements rehaussent non seulement l'attrait de l'œuvre, mais font également écho à la démarche artisanale du street art, où la texture et la matérialité sont essentielles à son impact. Résonance culturelle et esthétique Avec ses dimensions de 35,5 x 21,5 cm, chaque pièce de cette série captive le regard par sa taille et la complexité de ses éléments. Le choix de l'impression risographique souligne le lien de l'œuvre avec les mouvements alternatifs et la culture underground, les imprimantes risographiques étant depuis longtemps l'outil de prédilection des fanzines et des publications indépendantes grâce à leur rapport coût-efficacité et leur aspect artisanal. L'estampe « Sing Songs », avec son jeu de seulement deux couleurs, démontre comment les approches minimalistes peuvent engendrer des expériences visuelles complexes, un thème récurrent dans le street art et le pop art. La dualité du pop art de rue à l'époque moderne La collaboration entre Canilao et Thustra pour la série d'estampes « Sing Songs » est un jeu de contrastes et d'harmonies. Le goût de Canilao pour les motifs inspirés de l'art populaire et les détails minutieux fait écho à l'inclination de Thustra pour des expressions graphiques audacieuses. Cette dualité reflète le mouvement plus large du pop art urbain, qui allie souvent une expression personnelle nuancée à un commentaire accessible et complet. Symbolisme et narration dans l'art visuel « Sing Songs » propose un récit ouvert à l'interprétation, à l'instar du street art qui investit l'espace public, invitant les passants à s'interroger sur son imagerie et son symbolisme. L'intégration d'éléments découpés suggère une transgression des conventions ou un aperçu d'une autre dimension, caractéristique du caractère subversif du street art. Chaque élément visuel choisi par les artistes engage le spectateur dans un dialogue, une histoire se déployant au sein même du papier. L'estampe « Sing Songs HPM Risograph Print » témoigne de la vision créative de MCXT et de la force de la collaboration au sein de la scène du street art et du graffiti. L'utilisation de l'impression risographique, associée au tirage limité, garantit que chaque exemplaire demeure une pièce unique, un instantané de l'expression collective des artistes au moment de sa création. Cette œuvre célèbre l'ingéniosité et l'esprit du street art, se manifestant comme une pièce de collection qui renferme l'essence même d'un mouvement culturel.

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Impression giclée Inspiration Wave par Matt Gondek, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art en coton 255 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 500 exemplaires (2023). Œuvre d'art de 40x30 pouces représentant un squelette assis devant une maison explosant d'iconographie culte et pop culture. Décryptage de « Inspiration Wave » de Matt Gondek « Inspiration Wave » de Matt Gondek s'impose comme une œuvre marquante dans le paysage du street art et du graffiti, transposant son motif de déconstruction emblématique dans l'univers des estampes en édition limitée. Cette pièce de 2023 est une impression giclée sur papier d'art 255 g/m² en coton, éditée à 500 exemplaires signés et numérotés. Mesurant 101,6 x 76,2 cm, l'œuvre représente un squelette assis dans une maison, entouré de manière explosive d'icônes cultes et issues de la culture pop. Expression artistique dans « Vague d'inspiration » L'œuvre saisit avec éclat l'essence même de l'approche de Gondek en matière de pop art. Il déconstruit des figures familières de la culture populaire, les recontextualisant dans des compositions à la fois chaotiques et méticuleusement structurées. Le squelette, souvent symbole de mortalité, est juxtaposé à la destruction de personnages vivants et animés, reflétant peut-être la nature éphémère de la culture populaire elle-même. Savoir-faire technique et symbolisme L'œuvre « Vague d'inspiration » de Gondek témoigne de sa maîtrise technique de l'impression d'art et incarne le symbolisme profond souvent associé au pop art urbain. L'impression giclée est un gage de qualité et de durabilité, garantissant la préservation de l'éclat des couleurs acryliques et de la netteté des lignes. Résonance culturelle de l'œuvre de Gondek L'œuvre de Gondek trouve un écho auprès du public moderne en réinterprétant des éléments nostalgiques avec une touche contemporaine. Ses créations deviennent un artefact culturel témoignant de l'influence du pop art et du street art dans la société actuelle, faisant de Gondek une figure incontournable de ces mouvements artistiques.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Œuvre d'art Misty Moss Gorge, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Nicole Gustafsson.

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Midnight Manor - AP Cream Artist Proof Pop Artwork Limited Edition 5 Color Silkscreen Print on Fine Art Paper by Modern Artist Nate Duval. Épreuve d'artiste (EA) 2014 Signée et marquée EA Édition limitée Format 11,5 x 18 Papier crème

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« Coucher de soleil au moulin », œuvre d'art en édition limitée (impression giclée) sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Nicole Gustafsson.

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Impression d'art en édition limitée Yoshinoya Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par l'artiste pop Scott Listfield. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Format : 14 x 18 pouces. Sortie : 9 novembre. La vision créative derrière « Yoshinoya » par Scott Listfield « Yoshinoya » de Scott Listfield illustre avec force l'évolution du pop art à l'ère numérique, mêlant l'esthétique du street art à la précision de la gravure d'art. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, réalisé sur papier d'art Moab 290 g/m², capture le motif emblématique de l'artiste : un astronaute se détachant sur un paysage parsemé de références à la culture pop et d'iconographie commerciale. Créée en 2018, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par Listfield, soulignant ainsi la valeur de l'exclusivité dans le monde de l'art. Analyse des influences du pop art et du street art L'astronaute de « Yoshinoya » est une figure emblématique de l'exploration, non pas spatiale, mais du monde contemporain, reflétant l'exploration thématique, propre au genre, de l'aliénation et de la quête de sens au sein d'un paysage saturé de messages publicitaires. La juxtaposition de cette figure venue d'un autre monde sur fond de bâtiment moderniste et de dirigeable publicitaire critique subtilement l'influence omniprésente du consumérisme. Cette imagerie fait écho à l'essence même du pop art urbain et du graffiti, où le public est confronté à des messages percutants, intégrés au tissu même de l'environnement quotidien. Technique et médium : valoriser l'art urbain Le choix du support par Listfield, l'impression pigmentaire d'archives, établit un lien entre la nature éphémère du street art et la permanence recherchée par les collectionneurs d'art. Le papier beaux-arts Moab, réputé pour sa durabilité et sa fidélité des couleurs, garantit la préservation des teintes vives et des détails complexes de « Yoshinoya », capturant la beauté fugace du street art dans une forme qui résiste à l'épreuve du temps. Le format 35,5 x 45,7 cm de l'œuvre en fait une pièce à la fois intime et percutante, adaptée à divers espaces, des collections privées aux expositions publiques. En résumé, « Yoshinoya » de Scott Listfield est une œuvre qui invite à la réflexion et reflète le regard critique de l'artiste sur les paysages culturels de la société, mêlant l'immédiateté du pop art urbain à l'impact durable des pratiques artistiques conventionnelles. Cette édition limitée témoigne de l'évolution du pop art, qui embrasse de nouvelles techniques et de nouveaux supports pour perpétuer la tradition consistant à interpeller le spectateur et à susciter le dialogue par l'art visuel.

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