Industrie et production industrielle

Quarantaine liée au coronavirus : œuvre originale et multi-tags, réalisée au marqueur/dessin sur une étiquette d'avertissement par la légende du graffiti Saber, artiste de rue urbain. Marqueur signé 2020 Original Coronavirus Quarantine Jaune Biohazard Slap Up Graffiti Art Tag 7x5 Multi Tagged on High Visibility Virus Covid-19 Warning Label Rouge, Violet et Argent Marqueur. Faire face à une crise mondiale grâce au pop art urbain L'œuvre originale de Saber, « Coronavirus Quarantine », réalisée au marqueur et recouverte de multiples tags, capture l'esprit d'une époque dominée par la pandémie. Signée et datant de 2020, cette œuvre est bien plus qu'un simple graffiti : c'est un document historique qui immortalise un moment où le monde était aux prises avec le défi sans précédent de la COVID-19. Saber, figure influente de la scène graffiti, s'empare d'une étiquette jaune fluo de risque biologique, symbole désormais omniprésent du virus, et la transforme en une toile. Ses dimensions, 18 x 13 cm, peuvent paraître modestes, mais son impact est immense. Par l'utilisation de tags vibrants et chaotiques qui se superposent à l'avertissement clair « Coronavirus Quarantine », Saber détourne le message alarmiste de l'étiquette, invitant à une réflexion sur la nature de la pandémie qui dépasse la simple peur et la prudence. Cette œuvre constitue un commentaire profond sur les enjeux mondiaux durant la crise de la COVID-19. Les tags de l'artiste de graffiti détournent l'usage des étiquettes d'avertissement, objets censés signaler un danger et inciter à l'obéissance. Ces tags, souvent perçus comme un acte de rébellion dans l'espace public, remettent ici en question le discours dominant sur la pandémie en conférant une dimension individuelle et humaine à l'étiquette d'avertissement, par nature impersonnelle et clinique. L'impact de l'art de Saber dans le contexte du pop art urbain Dans le contexte du street art, l'œuvre « Coronavirus Quarantine » de Saber se distingue comme un reflet poignant de notre époque. Le street art a toujours eu cette capacité unique à interpeller son public de manière directe et urgente. Ici, l'œuvre exprime visuellement l'angoisse collective, la confusion et la résilience vécues pendant les périodes de confinement. La juxtaposition de tags de graffiti formels, presque anarchiques, dans l'œuvre de Saber témoigne de la nature incontrôlée de la réaction du public face à la pandémie : ordre et désordre, obéissance et rébellion. L'année 2020 restera marquée par ses bouleversements majeurs en matière de santé, d'économie et de société à l'échelle mondiale. Dans ce contexte, le street art et les graffitis comme celui de Saber deviennent des symboles de résistance et des témoignages de la résilience humaine. L'étiquette « risque biologique », autrefois simple panneau fonctionnel, est recontextualisée en une œuvre d'art qui provoque, interroge et perdure, à l'image de l'esprit humain face aux épreuves de la pandémie. Saber, l'artiste américain à l'origine de cette œuvre marquante, a une fois de plus prouvé pourquoi il est considéré comme une légende du graffiti. Sa capacité à capter l'air du temps et à le traduire en un art à la fois provocateur et introspectif garantit la pertinence et la résonance de son travail, non seulement au sein de la communauté du street art, mais aussi auprès de ceux qui découvrent son art dans ces mêmes espaces publics si profondément transformés par la pandémie de coronavirus.

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Estampe de vandalisme sur panneau de bois encadrée, prête à être accrochée, par Johnny Rodriguez (KMNDZ), artiste de street art, graffiti moderne et pop. Rien de nouveau sous le soleil, estampe d'archives sur panneau de bois de Johnny Rodriguez (KMNDZ) 11 x 14 po (20,32 x 25,4 cm) Tirage d'art sur bois de bouleau durable de 19 mm (3/4 po), finition blanc éclatant. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main. Édition spéciale pour Designer Con 2014.

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Quantités limitées. Étiquette autocollante Slap-Up Label. Illustration originale de Saber. Dessin original à la peinture aérosol sur autocollant brillant du drapeau américain par un artiste de graffiti. Œuvre d'art de rue moderne. 2020 Signé par Tag Original Slap Up Graffiti Art 10x7 Peinture en aérosol orange néon et peinture acrylique Étiquette sur autocollant Quantités limitées. Style et médiums emblématiques de Saber La notion d'exclusivité et de rareté renforce souvent l'attrait d'une œuvre d'art, un concept que le street art et le graffiti incarnent avec une ferveur particulière. Dans ce domaine d'expression artistique, l'autocollant original « Limited Quantities » de Saber illustre parfaitement cette rareté et ce désir. Cette pièce témoigne du style unique de l'artiste, où le paysage urbain devient la toile de ses déclarations audacieuses et de ses ruptures visuelles. Saber, dont le vrai nom est respecté dans le milieu du street art, choisit un objet du quotidien – un autocollant brillant représentant le drapeau américain – et le transforme en un vecteur d'expression artistique. Mesurant 25 x 18 cm, l'œuvre utilise de la peinture aérosol orange fluo et de l'acrylique, une combinaison que Saber emploie pour créer un impact visuel saisissant. Cette pièce originale de 2020 est signée du tag de l'artiste, gage d'authenticité dans le monde du graffiti. L'œuvre de Saber instaure un dialogue entre elle et le spectateur. C'est une conversation suscitée par les couleurs éclatantes et l'application vigoureuse, presque agressive, de l'autocollant qui traverse le texte « Quantités limitées ». L'utilisation d'un autocollant collé à la hâte souligne la nature subversive du street art : rapide, inattendue et souvent éphémère. Ce mode de création artistique s'accorde avec le concept d'éditions limitées ; tout comme l'autocollant est apposé en un clin d'œil, il peut être retiré ou recouvert tout aussi rapidement, son existence étant aussi éphémère que la quantité qu'il indique. La résonance culturelle des quantités limitées dans l'art urbain moderne Dans la culture du street art et du graffiti, l'expression « Quantités limitées » est lourde de sens. Elle n'indique pas seulement la disponibilité des œuvres, mais symbolise aussi la nature éphémère du genre. Le street art est souvent à la merci des éléments, des services de nettoyage ou même d'autres artistes qui peuvent recouvrir une œuvre dans cette galerie urbaine en perpétuelle évolution. Ainsi, l'existence de chaque œuvre est intrinsèquement limitée, un instant d'expression fugace capturé avant d'être altéré ou effacé. L'œuvre de Saber est un marqueur à la fois littéral et figuratif de notre époque. À une ère où la société de consommation engendre souvent la production de masse et la reproduction, on observe une appréciation croissante pour ce qui est rare et unique. Avec son tag exclusif et sa peinture aérosol vibrante sur un autocollant brillant, cette œuvre devient un objet de collection, une véritable chasse au trésor pour les amateurs de street art comme pour les simples curieux. La couleur orange fluo, souvent associée à la prudence et à une forte visibilité, joue un double rôle dans cette œuvre : elle capte l'attention, garantissant que le message et l'art ne puissent être ignorés. Simultanément, l'œuvre satirise la notion de prudence en suggérant que le contenu, les « Quantités Limitées » de l'art urbain authentique, mérite respect et attention. Saber, artiste américain, a contribué à la scène de l'art urbain et a façonné le débat autour de la valeur et de la signification du street art. À l'instar de l'autocollant « Quantités Limitées », ses œuvres reflètent un commentaire social sur l'état de l'art, le consumérisme et les enjeux politiques de l'espace et de la visibilité. Elles sont des symboles de résistance, de créativité et de l'esprit indomptable du mouvement street art. L'autocollant « Quantités Limitées » de Saber est bien plus qu'une simple œuvre de graffiti ; il exprime la nature éphémère mais percutante du street art. Il est l'emblème de la rareté qui accompagne souvent la véritable créativité et l'originalité dans le bouillonnement d'idées qu'est le paysage urbain moderne. Avec chaque œuvre, Saber ne se contente pas de marquer le monde physique de son empreinte, mais il imprègne également la conscience collective d'une culture qui continue de rechercher les expressions rares, uniques et authentiques de l'expérience humaine.

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Union Pacific Chilled Express Original One of Kind Peinture Acrylique sur Bois Encadré Vieilli Cloué par le Populaire Artiste de Graffiti de Rue Lyric One. Panneau de bois original peint à la main, signé et prêt à accrocher, réalisé à la peinture acrylique avec des rivets en relief réalistes. Dimensions : 24 x 36 pouces. Sortie : 15 août 2019. Capturer l'essence du mouvement éphémère dans l'art urbain « Union Pacific Chilled Express » est une saisissante peinture acrylique originale du célèbre graffeur Lyric One. Réalisée en 2019 sur un panneau de bois vieilli et clouté, orné de rivets en relief réalistes et mesurant 61 x 91 cm, cette œuvre incarne la fusion du pop art urbain et du graffiti. Elle évoque le dynamisme et l'activité commerciale qui animent le monde ferroviaire, rendant hommage à la nature éphémère du fret et de l'art. Récits industriels dans l'œuvre de Lyric One L'exploration artistique du monde des transports et de l'industrie par Lyric One se cristallise dans cette œuvre majeure. Le sujet – un wagon frigorifique de l'Union Pacific, utilisé pour le transport de denrées périssables sur de longues distances – est une source d'inspiration inhabituelle pour les artistes. Pourtant, Lyric One sublime cet objet industriel du quotidien en une véritable œuvre d'art, capturant avec minutie les textures et les surfaces qui racontent une histoire de voyage, de commerce et d'écoulement du temps. L'œuvre, signée et prête à être accrochée, a été dévoilée le 15 août 2019. Elle témoigne de la capacité de l'artiste à transposer l'esprit du pop art urbain sur différents supports. Le choix du bois vieilli et le souci du détail, comme les rivets en relief, évoquent les textures des environnements urbains. Ces rivets ajoutent une dimension tactile à l'œuvre et font écho à la nature industrielle du transport ferroviaire – chacun pouvant symboliser les innombrables connexions et jonctions qui jalonnent les réseaux ferroviaires. Symbolisme et esthétique dans l'art du graffiti Dans « Union Pacific Chilled Express », le contraste entre la fonction pratique du service de transport frigorifique et l'expression vibrante du graffiti est saisissant. Les lettres bleu glacier, audacieuses, se détachant sur le fond blanc immaculé, captivent le regard et plongent le spectateur dans un univers où l'industrie et l'art se rencontrent. Les motifs de flocons de neige symbolisent non seulement la réfrigération, mais ajoutent aussi une touche de fragilité, un clin d'œil subtil à l'impermanence, thème récurrent dans le street art et le monde du commerce. L'œuvre de Lyric One témoigne du dynamisme du pop art urbain. À chaque coup de pinceau sur le bois, l'artiste donne vie au bourdonnement des voies ferrées, au froid des soutes à marchandises et à l'omniprésence de l'industrie dans notre quotidien. L'œuvre n'est pas une simple pièce statique à admirer ; elle participe activement au débat sur le rôle de l'industrie dans la société et l'influence omniprésente du commerce sur notre culture visuelle. Cette œuvre de Lyric One nous rappelle que le pop art urbain et le graffiti ne se limitent pas aux murs et aux ruelles, mais constituent des formes d'expression dynamiques capables de transformer n'importe quelle surface en un récit. « Union Pacific Chilled Express » célèbre cette polyvalence et le talent des artistes de rue pour saisir l'essence du mouvement, de l'activité économique et de la nature éphémère de la vie dans leurs créations.

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Tropic-Ana 16 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier Orange Plike 330 g/m² par Tim Conlon, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée 2022 signée et numérotée à 75 exemplaires. Œuvre d'art de 24x24 pouces représentant le logo orange Tropicana en gros plan d'un wagon, d'un camion ou d'un conteneur maritime. Tim Conlon, artiste reconnu pour son influence majeure sur le street art et le pop art, présente « Tropic-Ana », une sérigraphie artisanale d'une rare finesse, réalisée en 16 couleurs. Imprimée avec une qualité exceptionnelle sur papier Orange Plike 330 g/m², cette œuvre rayonne de couleurs vibrantes et de détails minutieux, signature de l'artiste. Mesurant 61 x 61 cm, elle ne passe pas inaperçue. Tirée à seulement 75 exemplaires, chaque estampe aux bords frangés est signée par l'artiste, ajoutant une touche d'authenticité précieuse pour les collectionneurs et les amateurs. Cette pièce s'inscrit pleinement dans la lignée de la célèbre série « Blank Canvas » de Conlon. Plus précisément, elle s'inspire de sa peinture originale « Blank Canvas #115 - TPIX ». Cette série illustre à merveille le talent de Conlon pour fusionner avec brio les techniques de la peinture aérosol, la typographie complexe, l'abstraction et le trompe-l'œil. Avec « Tropic-Ana », Conlon offre aux spectateurs une perspective intime, presque amplifiée, de la culture des peintures sur les trains de marchandises, un sous-domaine de niche mais profondément expressif du street art. Son approche novatrice, qui mêle les styles picturaux traditionnels à l'énergie brute du graffiti, fait de « Tropic-Ana » bien plus qu'une simple estampe : une véritable toile narrative. Cette collaboration avec BEYOND THE STREETS renforce l'importance de l'œuvre, l'édition estampée portant le gaufrage distinctif de l'organisation, gage de son approbation et de son association avec l'une des figures les plus influentes du monde de l'art contemporain. « Tropic-Ana » témoigne non seulement du talent artistique de Conlon, mais aussi de l'évolution et du dynamisme du street art et du pop art. Signée Tim Conlon, Tropic-Ana, 2022. Sérigraphie 16 couleurs sur papier Orange Plike 330 g/m², bords frangés, 61 x 61 cm. Édition limitée à 75 exemplaires. Signature directe de l'artiste. Estampillée BEYOND THE STREETS. Inspirée de sa peinture originale Blank Canvas #115 - TPIX, issue de sa prolifique série Blank Canvas, BEYOND THE STREETS est fier de présenter une édition rare de cette œuvre du peintre et graffeur emblématique Tim Conlon. Combinant peinture aérosol, typographie, abstraction picturale et trompe-l'œil, Conlon crée des tableaux grand format en gros plan, offrant un aperçu saisissant de l'art et de la culture du graffiti sur trains de marchandises.

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Guano Factory - Hohokum, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Richard Hogg, artiste de rue de la contre-culture. Estampe originale de la série d'illustrations du jeu vidéo Hohokum de Richard Hogg.

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Tirage d'art en édition limitée CN Rail Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Stephanie Buer, légende du street art pop graffiti. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté sur papier Moab Fine Art 290 g/m² à bords frangés à la main. Format : 47 x 35,5 cm. Sortie : 13 mars 2020 « Cette œuvre est un dessin que j'ai réalisé à partir d'images prises lors de mes explorations de l'usine Packard il y a des années. C'était avant le rachat et la rénovation de l'usine, à l'époque où je vivais à Détroit et où je la fréquentais régulièrement. Ce lieu est très cher à mon cœur et a joué un rôle déterminant dans mes débuts en tant qu'artiste. » – Stephanie Buer

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Estampe d'art en édition limitée Continental Motors Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Stephanie Buer, légende du street art pop graffiti. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté 2019 sur papier Moab Fine Art 290 g/m². Format : 61 x 30,5 cm. Sortie : 30 novembre 2019. Tirage : 50 exemplaires. « Ce tableau est un portrait de l'usine Continental Motors à East Detroit. J'explore Detroit depuis 17 ans et c'était la toute première fois que je visitais cette usine. J'adore le fait qu'il y ait toujours de nouveaux endroits à découvrir dans cette ville. Continental Motors est la plus grande toile que j'aie jamais réalisée ; l'original mesure 1,50 m de long. Le bâtiment et la neige étaient tellement magnifiques que je voulais vraiment créer une image qui capture tout cela. » – Stephanie Buer

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Factory Stacks - Endless Power - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare, artiste pop OBEY. 2022. Signée par Shepard Fairey. Numérotée. 45,7 x 61 cm. Sérigraphie sur papier Speckletone épais couleur crème. Édition numérotée de 350 exemplaires. Ces images de « Cheminées d'usine » allient la puissance austère et angulaire de l'architecture industrielle à des éléments graphiques qui interrogent ce que nous promouvons et acceptons en tant que société, même lorsque cela est destructeur. Les industries des énergies fossiles disposent d'un pouvoir économique considérable, mais nous savons désormais que non seulement ces ressources sont limitées, mais que leur utilisation est catastrophique pour le climat et, par conséquent, pour les écosystèmes qui soutiennent la vie sur notre planète. Malheureusement, en raison du pouvoir politique de ces industries et de l'apathie du public face au changement climatique, les gouvernements subventionnent les industries des énergies fossiles à hauteur de milliards, alors même qu'elles nuisent à l'environnement. Le gouvernement est au service des citoyens ; le choix nous appartient donc. Soutenons-nous le pouvoir illimité des riches multinationales des énergies fossiles ? Ou des politiques qui placent la Terre et la planète au-dessus des profits ? Je vous invite à lire « Tout peut changer » de Naomi Klein pour mieux comprendre le conflit entre les intérêts économiques et le changement climatique. Une partie des recettes de la vente de cette estampe sera reversée à Greenpeace pour lutter contre le changement climatique. Merci de votre soutien. – Shepard Factory Stacks – Endless Power Sérigraphie de Shepard Fairey Factory Stacks – Endless Power est une sérigraphie audacieuse en six couleurs, créée en 2022 par Shepard Fairey, figure emblématique du street art et du graffiti. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette édition limitée, signée et numérotée à 350 exemplaires, est imprimée sur un papier épais Speckletone couleur crème et incarne l'esthétique caractéristique de Fairey : une fusion entre composition de style propagandiste, message socio-politique et précision graphique. Elle s'inscrit dans la continuité de sa série Factory Stacks, une campagne visuelle visant à dénoncer les déséquilibres environnementaux et systémiques, notamment ceux liés à l'industrie des énergies fossiles. Le langage visuel de la domination industrielle Cette œuvre présente deux cheminées d'usine jumelles, crachant d'épais panaches de fumée qui se courbent en arcs géométriques sur un fond fracturé. La composition, à la fois imposante et élégante, est réalisée dans la palette caractéristique de Fairey : rouge, bleu, crème et noir, rehaussés de touches d'or et de gris. Dans le coin supérieur, des symboles graphiques tels que des billets de banque et des figures d'autorité en uniforme accompagnent le texte « Endless Power », établissant un lien visuel entre la dépendance aux énergies fossiles et le contrôle exercé par l'État et les entreprises. En dessous, des flammes lèchent la base de la structure, symbolisant une destruction masquée par le progrès. L'imagerie stylisée et les silhouettes audacieuses évoquent les affiches politiques rétro, transformant l'usine en une icône de l'ambition industrielle débridée. Le titre « Endless Power » est d'une ironie mordante. Il dénonce l'illusion d'une consommation d'énergie illimitée permise par les énergies fossiles, tout en faisant référence à la structure du pouvoir politique qui soutient ce système destructeur. Fairey utilise la métaphore visuelle de la pollution et du feu non seulement comme des signaux d'alarme environnementaux, mais aussi comme des emblèmes du refus du capitalisme de s'orienter vers le développement durable. La gravure d'art comme forme de protestation de rue Cette édition, tirée à la main et sérigraphiée, témoigne de la maîtrise technique de Fairey dans la superposition de lignes nettes et de couleurs vibrantes. La matérialité de la sérigraphie – chaque couche appliquée avec intention – fait écho à la conviction de l'artiste en l'action directe. Le papier Speckletone utilisé confère texture et densité à l'œuvre, renforçant sa présence physique et son lien avec les affiches de protestation d'antan. Graveur ancré dans la tradition du street art, Fairey privilégie la reproductibilité sans sacrifier l'unicité. Ses sérigraphies sont à la fois des œuvres d'art et des outils de communication de masse. « Factory Stacks – Endless Power » ne recourt pas à l'abstraction. Elle impose la clarté, rendant sa critique environnementale visuellement immédiate et émotionnellement percutante. Commentaire politique à travers une esthétique inspirée du graffiti L'œuvre de Fairey se situe constamment à la frontière entre les beaux-arts et le graffiti, et cette pièce ne fait pas exception. En intégrant des symboles de nationalisme, d'argent et de cheminées d'usine, il amalgame le pouvoir des entreprises et la dégradation de l'environnement dans un même langage visuel. S'inscrivant dans la philosophie plus large de la campagne OBEY Giant, l'œuvre invite les spectateurs à questionner la légitimité de l'autorité, du capitalisme et de la consommation. En bas à gauche, Fairey a intégré le numéro de l'édition et sa signature, renforçant ainsi son statut d'objet de collection. Pourtant, contrairement à l'art traditionnel des galeries, cette œuvre a été conçue pour dialoguer avec le public. Une partie des recettes de cette vente a été reversée à Greenpeace, soulignant l'engagement de l'artiste en faveur de l'activisme par l'art. « Factory Stacks – Endless Power » n'est pas une lamentation, mais une revendication visuelle. Elle rappelle aux spectateurs que le pouvoir, qu'il soit politique ou industriel, n'est pas infini, à moins que l'on ne le permette. À travers le format audacieux du Street Pop Art et du graffiti, Shepard Fairey transforme un paysage industriel sinistre en un champ de bataille d'idées, incitant à l'action avant que la situation ne devienne irréversible.

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Break Free 29, édition limitée, estampes pigmentaires HPM d'archives rehaussées à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives rehaussé à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Format : 61 x 51 cm (24 x 20 pouces) Sortie : 26 juillet 2019 « Break Free » fait partie d’une nouvelle série de peintures explorant l’étrange abstraction des structures artificielles, victimes de l’abandon, de la dégradation et de la démolition, en contraste avec la beauté de leur reconquête par la nature. Tout retournera un jour à la Terre. – Jessica Hess L'ouvrage de Jessica Hess, Break Free 29 : L'architecture de la décrépitude et le langage du graffiti « Break Free 29 » de Jessica Hess est une estampe pigmentaire d'archive rehaussée à la main, mesurant 61 x 51 cm (24 x 20 pouces), publiée en 2019 dans le cadre d'une série documentant l'architecture urbaine abandonnée, envahie par les graffitis et les éléments naturels. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², cette édition limitée illustre la maîtrise de Hess en peinture photoréaliste et son talent pour transformer la ruine urbaine en poésie visuelle. L'image capture un espace intérieur effondré – peut-être un entrepôt ou une friche industrielle – où la nature reprend ses droits et où chaque surface visible est recouverte de tags, de fresques et de pigments patinés. L'œuvre n'est pas une simple célébration du street art. C'est une méditation nuancée sur l'impermanence, la résilience et la transformation. Hess ne stylise ni n'exagère les graffitis ; elle les peint fidèlement, les respectant comme un témoignage authentique de l'empreinte humaine. Les poutres délabrées, les planches de plancher brisées et la charpente apparente du toit contribuent à la complexité visuelle de l'ensemble. Tout dans cette composition est en perpétuel mouvement. La structure se dégrade, et pourtant les surfaces s'animent d'une vie nouvelle. Des plantes vertes percent les fissures. Des éclats de couleurs vives défient le silence. L'effondrement n'est pas une fin, mais une évolution. Le photoréalisme comme préservation des objets éphémères du street pop Le travail de Jessica Hess s'apparente à une forme de préservation visuelle. En recréant minutieusement des ruines recouvertes de graffitis avec un réalisme photographique saisissant, elle immortalise l'art éphémère face au temps, à la destruction et à l'effacement. Dans Break Free 29, aucune surface n'est épargnée : piliers, encadrements de fenêtres, tuyaux et débris sont recouverts de couches superposées de graffitis, d'autocollants et de coulures de peinture. Chaque tag est une voix anonyme, participant à un dialogue visuel plus vaste, tissé au fil du temps. Hess ne retouche ni ne met en scène ces voix. Elle les capture dans toute leur complexité brute. La technique d'embellissement manuel de chaque estampe renforce l'authenticité de l'œuvre. Elle souligne la nature physique du graffiti lui-même : construit par couches, retouches et répétition. Les éléments peints ne se contentent pas de reproduire l'image ; ils la réactivent. L'utilisation d'un réalisme haute fidélité et d'un travail manuel minutieux par Hess fait le lien entre le graffiti et les beaux-arts, sans compromettre aucun des deux. Cela témoigne de son profond respect pour ces lieux et les artistes qui y ont laissé leur empreinte. Entropie, mémoire et réensauvagement de l'espace urbain Break Free 29 contribue au dialogue permanent au sein du Street Pop Art et du graffiti sur la signification de l'espace, de la dégradation et de la notion d'auteur. Hess ne peint pas l'acte de graffiti en mouvement, mais ses conséquences, sa documentation. La structure qu'elle représente n'est plus définie par sa fonction originelle. Elle devient un nouvel environnement façonné par l'effondrement, l'intervention humaine et l'abandon. L'architecture se transforme en une toile accidentelle, et la nature s'y installe lentement, collaboratrice silencieuse. Aucune figure humaine ne se détache au centre de la scène, mais la présence humaine est omniprésente : dans les traits de peinture, dans les tags, dans les strates de messages écrits au fil du temps. Le graffiti ne se contente pas d'orner les ruines ; il leur confère un sens dans leur inoccupation. Le cadrage de cet espace par Hess révèle une beauté alternative, non fondée sur la conception, mais sur la décomposition et la réappropriation. Des plantes poussent à travers le béton. La lumière du soleil filtre à travers le toit effondré. L'œuvre humaine cède, et la terre commence à réécrire l'histoire de la structure. Dans Break Free 29, Jessica Hess présente la ruine non comme une perte, mais comme une transformation. C'est un portrait de l'impermanence peint avec soin et précision, qui nous rappelle que rien n'est véritablement statique : ni les villes, ni l'art, ni la nature. Tout est en mouvement, et tout finit par se libérer.

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Thalassa Braddock, Pennsylvanie, 2012. Impression giclée par Swoon-Caledonia Curry. Œuvre d'art en édition limitée sur papier chiffon épais de qualité supérieure. Artiste de rue graffiti pop. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Caledonia Curry Street Pop Art : Thalassa Braddock, Pennsylvanie, 2012. Impression giclée par Swoon. « Thalassa Braddock Pennsylvania 2012 » est une puissante estampe giclée de l'artiste américaine Caledonia Curry, alias Swoon, figure majeure du street art et du graffiti. Cette œuvre, photographiée à partir d'une fresque murale monumentale collée sur le mur d'un bâtiment en briques délabré à Braddock, en Pennsylvanie, a été publiée en 2016 en édition limitée, signée et numérotée, à 175 exemplaires. Imprimée au format 48 x 33 cm sur un papier chiffon épais de qualité beaux-arts, elle fait partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », qui archive des interventions in situ en format collector, tout en préservant la matérialité et l'esprit des installations de rue. Thalassa de Swoon comme présence mythique et politique La figure de Thalassa dans cette œuvre est emblématique de la pratique de Swoon, qui mêle souvent allégorie mythologique et commentaire sur le monde réel. Représentée par des lignes fluides, des textures complexes et un regard radieux tourné vers le ciel, elle émerge d'une surface fracturée, incarnant une forme divine de transformation et de force. Braddock, ville industrielle de Pennsylvanie marquée par une histoire de difficultés économiques, était un lieu en phase avec les projets à vocation sociale de Caledonia Curry. Dans ce contexte, Thalassa est devenue un symbole de renaissance et de conscience environnementale. Créée à l'origine comme une installation monumentale au Musée d'art de La Nouvelle-Orléans, la figure de Thalassa acquiert ici une nouvelle résonance en se fondant avec un mur portant les stigmates de l'abandon, du déclin et de la résilience. Braddock et le contexte social de l'œuvre d'art de Caledonia Curry Depuis longtemps, Caledonia Curry intègre l'art socialement engagé à sa pratique, et sa collaboration avec Braddock s'est étendue à des projets communautaires allant au-delà des fresques murales. Cette estampe immortalise l'un de ces moments visuels clés où l'art métamorphose l'espace et insuffle une nouvelle signification à des structures délaissées. La brique apparente et la peinture défraîchie du bâtiment contrastent avec l'énergie luxuriante de la figure, dont les vêtements aux allures de tentacules s'enroulent en spirale vers le bas, fusionnant le langage visuel classique et l'urgence de la culture urbaine. L'œuvre comprend également des motifs rouges sérigraphiés qui remplissent les espaces des fenêtres, renforçant l'esthétique artisanale et superposée qui caractérise les œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon. Ces choix environnementaux et compositionnels offrent une vision globale de la manière dont Curry réinvente les environnements urbains en supports pour la narration visuelle. Collection d'estampes de la série Swoon Street et préservation des œuvres éphémères L'édition giclée 2016 de l'œuvre « Thalassa Braddock Pennsylvania » offre aux collectionneurs l'opportunité de préserver un fragment éphémère de l'histoire de l'art public. Faisant partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », cette estampe représente une période charnière où les collages de Curry, disséminés dans des villes comme New York, Philadelphie et Braddock, ont acquis une renommée internationale grâce à leur capacité à fusionner savoir-faire, compassion et conscience politique. Imprimée avec une fidélité des couleurs et une précision exceptionnelles, cette édition limitée rend hommage au site original tout en élargissant l'accès à son œuvre à un public plus large. Caledonia Curry continue d'influencer non seulement le langage visuel du street art et du graffiti, mais aussi le rôle des artistes dans la construction d'un discours social porteur de sens.

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Étiquette d'expédition haute visibilité avec marquage original, peinture/dessin au marqueur, par la légende du graffiti Saber, artiste de rue urbain. 2020 Marqueur Signé Collection Quarantine Slap Up Graffiti Art Tag 6.5x3 Tagué sur Virus Covid Quarantine Étiquette d'avertissement orange fluo haute visibilité.

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Factory Stacks - Earth First - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey - Œuvre d'art de rue rare OBEY Pop Artwork Artiste. 2022. Signée par Shepard Fairey. Numérotée. 45,7 x 61 cm. Sérigraphie sur papier Speckletone épais couleur crème. Édition numérotée de 350 exemplaires. Ces images de « Cheminées d'usine » allient la puissance austère et angulaire de l'architecture industrielle à des éléments graphiques qui interrogent ce que nous promouvons et acceptons en tant que société, même lorsque cela est destructeur. Les industries des énergies fossiles disposent d'un pouvoir économique considérable, mais nous savons désormais que non seulement ces ressources sont limitées, mais que leur utilisation est catastrophique pour le climat et, par conséquent, pour les écosystèmes qui soutiennent la vie sur notre planète. Malheureusement, en raison du pouvoir politique de ces industries et de l'apathie du public face au changement climatique, les gouvernements subventionnent les industries des énergies fossiles à hauteur de milliards, alors même qu'elles nuisent à l'environnement. Le gouvernement est au service des citoyens ; le choix nous appartient donc. Soutenons-nous le pouvoir illimité des riches multinationales des énergies fossiles ? Ou des politiques qui placent la Terre et la planète au-dessus des profits ? Je vous invite à lire « Tout peut changer » de Naomi Klein pour mieux comprendre le conflit entre les intérêts économiques et le changement climatique. Une partie des recettes de la vente de cette estampe sera reversée à Greenpeace pour lutter contre le changement climatique. Merci de votre soutien. – Shepard Factory Stacks – Earth First Sérigraphie de Shepard Fairey Factory Stacks – Earth First est une sérigraphie artisanale en six couleurs, créée en 2022 par le célèbre artiste américain Shepard Fairey. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art épais Speckletone couleur crème, cette édition limitée, signée et numérotée à 350 exemplaires, fusionne l'énergie politique du graffiti avec la précision et la maîtrise de la sérigraphie moderne. Cette œuvre s'inscrit dans la démarche artistique engagée de Fairey pour l'activisme environnemental et contribue au débat plus large sur le rôle de l'industrie, du pouvoir et de la responsabilité publique dans les politiques climatiques. La puissance industrielle comme métaphore graphique L'estampe représente une usine aux deux cheminées d'où s'échappent d'épaisses volutes de fumée, sur un fond fragmenté et stylisé rouge, jaune et bleu – couleurs associées à l'urgence, au feu et à l'avertissement. Le bâtiment, imposant, est rendu par des lignes vectorielles nettes et des formes à fort contraste, tandis que des éléments géométriques et des motifs culturels, tels que des symboles monétaires, des flammes et des symboles architecturaux, flottent en arrière-plan. Le contraste visuel saisissant entre la rigidité des structures industrielles et le chaos organique de la fumée et du feu souligne l'affrontement entre progrès mécanisé et fragilité écologique. Cette image critique la dépendance mondiale aux énergies fossiles et la priorité accordée au profit au détriment de la durabilité environnementale. Shepard Fairey est connu pour intégrer du sens à des visuels rigoureusement structurés ; ici, il utilise la dimension monumentale des cheminées comme métaphore des systèmes de pouvoir profondément enracinés. L'arrière-plan de l'estampe comprend des références à la monnaie et à des textures de propagande, accentuant ainsi la complicité de l'économie institutionnelle dans la destruction de l'environnement. La sérigraphie comme artisanat politique La maîtrise technique de Fairey en sérigraphie artisanale transparaît dans la netteté du trait, la palette audacieuse et l'équilibre entre textures et aplats de couleur. Le papier moucheté de l'œuvre accentue son aspect artisanal, lui conférant la présence d'une affiche de protestation tout en conservant le raffinement d'une œuvre de street art de collection. Le procédé à six couleurs permet une superposition vibrante et un jeu subtil de lumière et de formes, la palette rouge et noire insufflant un sentiment d'urgence et de confrontation. En combinant le langage visuel du design commercial aux méthodes des beaux-arts, Fairey perpétue son engagement en créant des œuvres politiquement engagées, accessibles, reproductibles et ancrées dans l'activisme visuel. Cette pièce s'inscrit dans l'esthétique plus large de son projet OBEY, qui puise dans le punk, le graffiti et la propagande socialiste pour susciter le débat public. L'art comme déclaration environnementale Factory Stacks – Earth First n'est pas qu'une simple œuvre visuelle ; c'est un outil militant concret. Une partie des bénéfices de cette édition a été reversée à Greenpeace, soutenant ainsi des campagnes mondiales de lutte contre le changement climatique. Fairey invite les spectateurs à réfléchir à l'inertie systémique, à la cupidité des entreprises et à l'incapacité des gouvernements à abandonner les pratiques destructrices pour l'environnement. Sa recommandation du livre de Naomi Klein, « Tout peut changer », apporte un fondement intellectuel supplémentaire au message de l'estampe, inscrivant l'œuvre dans la lignée des réflexions contemporaines sur la justice environnementale. Cette sérigraphie illustre la puissance du street art et du graffiti, à la fois comme forme de protestation et comme appel à l'action. En fusionnant esthétique et militantisme, Shepard Fairey transforme l'imagerie industrielle en une revendication de responsabilité écologique et humaine.

Lis Plus Moins

Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main « Trajectoire descendante » sur papier beaux-arts Cream Speckletone, par l'artiste Shepard Fairey, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format : 24x24 pouces. « Downward Trajectory est l'une des nombreuses œuvres inédites présentées dans le cadre de mon exposition du 30e anniversaire à Los Angeles, intitulée « Face au géant : trois décennies de dissidence et de nouvelles œuvres » – Shepard Fairey L'œuvre de Shepard Fairey est profondément politique et sociale, non seulement parce qu'il y intègre des personnalités politiques et des slogans, mais surtout parce que l'artiste cherche avant tout à toucher un public aussi large que possible, en exposant son travail sur les couvertures des livres que nous lisons, sur les pochettes des albums que nous écoutons et sur les murs des rues que nous empruntons. « Si je place mon œuvre dans un endroit audacieux, elle touche davantage le spectateur et témoigne de mes convictions », explique-t-il. En effet, Fairey exprime souvent sans détour ses opinions politiques et sociales dès qu'il en a l'occasion. Par exemple, après la diffusion de l'affiche « Hope », il a déclaré : « Obama a traversé une période très difficile, mais il a fait beaucoup de compromis sur lesquels je ne m'y attendais pas. Je veux dire, les drones et l'espionnage intérieur sont les dernières choses que j'aurais imaginées [qu'il soutiendrait]. » La dimension politique de son œuvre se manifeste également dans l'activisme et l'engagement humanitaire de Fairey. Nombre de ses créations ont été réalisées dans le cadre de campagnes militantes ou vendues au profit de causes liées aux arts, à la cause animale, à la lutte contre la pauvreté, à la recherche médicale, à l'environnement, etc. L'artiste ne se considère pourtant pas comme un militant : « On me demande souvent si je suis un militant, et je réponds non. Je suis un artiste qui a un point de vue, mais je souhaite contribuer aux causes qui me tiennent à cœur. J'ai la chance d'être en contact avec des personnes qui trouvent mes images utiles et qui m'aident à les diffuser. »

Lis Plus Moins

Mom Can Do It, sérigraphie 14 couleurs par Mr Brainwash - Thierry Guetta, tirée à la main sur papier d'art frangé, édition limitée. Édition limitée 2025, signée et numérotée, à 82 exemplaires. Sérigraphie 22x30. Mr Brainwash rend hommage à la force des femmes avec une nouvelle estampe audacieuse : « Maman peut le faire ». Mettant en scène la légendaire Rosie la Riveteuse, cette œuvre réinterprète l’icône des années 1940 comme un symbole intemporel de résilience. Qu’il s’agisse de votre mère, de votre partenaire, d’une amie ou de vous-même, son esprit vit en chacune de nous. Sortie spéciale Fête des Mères. N’abandonnez jamais. Poursuivez vos rêves. Mr Brainwash célèbre le pouvoir féminin avec Mom Can Do It Mr Brainwash, de son vrai nom Thierry Guetta, originaire de France, continue de fusionner nostalgie visuelle et messages culturels percutants dans sa dernière sérigraphie intitulée « Mom Can Do It ». Cette édition limitée, tirée à la main, rend hommage aux femmes en revisitant Rosie la Riveteuse, icône de l'émancipation des années 1940. Imprimée sur papier d'art à bords frangés, cette édition 2025 est limitée à 82 exemplaires signés et numérotés, mesurant chacun 56 x 76 cm. Elle combine la sérigraphie à des superpositions d'images et à des messages expressifs inspirés du graffiti, révélant ainsi le langage visuel unique de l'artiste. Rosie réinventée à travers le street art pop et le graffiti Dans cette œuvre, Mr Brainwash réinterprète Rosie la Riveteuse, non seulement comme icône du travail en temps de guerre, mais aussi comme une voix culturelle intemporelle qui continue d'inspirer les femmes d'aujourd'hui. Ses manches retroussées et sa pose déterminée sont mises en valeur par les slogans colorés qui l'entourent : « Suis tes rêves », « N'abandonne jamais » et « La vie est belle », autant de messages récurrents dans l'œuvre de Mr Brainwash. La palette de couleurs rose vif, bleu et jaune attire le regard et contraste avec le foulard rouge à pois et la chemise bleu vif de Rosie. La superposition de tags, d'affirmations et d'éléments visuels urbains confère à la figure une signification contemporaine, ancrant ce motif vintage dans le paysage culturel actuel. L'héritage de la culture pop dans l'expression urbaine contemporaine La capacité de Thierry Guetta à réinterpréter l'iconographie pop et les techniques de l'art urbain a maintenu son œuvre à l'avant-garde du Street Pop Art et du graffiti. « Mom Can Do It » fait le lien entre les époques, utilisant l'Amérique vintage comme cadre pour aborder les valeurs sociales actuelles. L'œuvre élève Rosie au-delà de l'histoire, soulignant son rôle dans les débats contemporains sur la résilience, l'identité et l'émancipation féminine. Le tatouage « Love » sur son bras fait écho aux thèmes récurrents de compassion et de force intérieure chez « Mr Brainwash », amplifiés par ses éléments audacieux réalisés à la bombe et son énergie visuelle. Estampe en édition limitée à l'impact social durable Chaque édition de « Mom Can Do It » témoigne de la persévérance des femmes fortes à travers les générations. Cette édition 2025 incarne non seulement la fusion dynamique, propre à Mr Brainwash, de l'esthétique publicitaire classique et de la culture urbaine, mais invite également les spectateurs à réfléchir à leur propre force et à leur individualité. Signée et numérotée par l'artiste, cette sérigraphie est à la fois une pièce de collection vibrante et un message fort, soulignant la pertinence continue du Street Pop Art et du graffiti dans le dialogue sur l'émancipation culturelle.

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Sérigraphie artisanale 5 couleurs « Domino Sugar » sur papier beaux-arts, par l'artiste Nate Duval, édition limitée, œuvre d'art pop. Édition limitée à 90 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 18 x 12 pouces.

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Monstres et Cie, œuvre d'art moderne pop du film, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne graffiti Pixar Raid71. Estampe officielle Pixar 2022 Monstres et Cie, impression giclée 18 x 24, signée et numérotée à la main

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Cette étiquette autocollante orange fluo Biohazard est une œuvre d'art originale de Saber, réalisée à la peinture acrylique par un artiste de graffiti moderne. Tag original signé de 2020, style graffiti, 15 x 15 cm, peinture acrylique, apposé sur une étiquette autocollante de risque biologique médical. Symbole de risque biologique orange fluo haute visibilité, étiquette Uline n° S-20794. Exploration de la fusion entre le pop art urbain et le graffiti Dans le paysage dynamique de la culture visuelle contemporaine, le street art et le graffiti s'imposent comme des formes d'expression puissantes, capturant le rythme et les émotions brutes de la vie urbaine. Parmi les figures emblématiques de ce genre figure le célèbre graffeur Saber, reconnu pour ses contributions marquantes au paysage du street art. L'œuvre ici analysée illustre parfaitement son ingéniosité : une pièce de 15 x 15 cm réalisée à l'acrylique ou au marqueur, apposée sur une étiquette de risque biologique médicale, ornée d'un symbole de risque biologique orange fluo haute visibilité de la marque Uline n° S-20794. Esthétique distinctive des tags de Saber Le dessin original de Saber, réalisé au marqueur indélébile sur une étiquette autocollante brillante, présente un paradoxe visuel saisissant. L'orange fluo du symbole de risque biologique évoque la prudence, généralement associée aux substances dangereuses. Contrastant avec les coulures de peinture bleue, apparemment éparpillées au hasard sur la surface, il en résulte une forme de défi délibéré et une tension palpable entre structure et chaos. Cette œuvre, signée et réalisée en 2020, est un graffiti original et percutant qui illustre non seulement le style unique de l'artiste, mais aussi sa capacité à transformer des objets ordinaires en messages forts. Le choix d'une étiquette de risque biologique comme support est une réflexion sur la nature contagieuse de l'art et des idées. Saber s'approprie un symbole de danger et de contamination et le réinterprète dans l'esthétique du pop art urbain. Ce faisant, il invite le spectateur à repenser les connotations des risques biologiques, non seulement au sens physique, mais aussi à travers la métaphore de la contagion artistique dans l'espace public. Impact et signification dans l'art urbain moderne Saber est un artiste américain dont le véritable nom a marqué la scène graffiti autant que les images qu'il crée sur les murs et dans les galeries. Son utilisation d'étiquettes postales comme médium est un clin d'œil aux tactiques de guérilla des débuts du street art, où les messages percutants et rapides étaient essentiels, et où les matériaux étaient souvent recyclés ou issus de la récupération. Cet art du sticker, souvent appelé « slap-up », est une forme de street art appliquée rapidement, ou « slapped up », sur une surface dans l'espace public. Il permet une communication éphémère mais affirmée, reflétant le rythme effréné et la nature souvent impermanente de la vie urbaine. L'œuvre, aux couleurs néon orange et bleu, transcende sa simplicité, devenant la toile de fond d'un discours plus large sur la visibilité, la légalité et la permanence de l'art. En tant que forme de street pop art, elle conserve l'accessibilité et l'attrait populaire de la culture pop tout en s'ancrant dans les racines plus subversives et contre-culturelles du graffiti. C'est dans cette dualité que réside sa force. C'est à la fois une déclaration audacieuse et un murmure subliminal, une présence constante dans la rue, aussi vite effacée qu'observée. Dans le contexte du graffiti, l'autocollant « risque biologique » de Saber devient un artefact urbain, témoignant de la capacité de l'artiste à capter l'attention et à communiquer par le biais de symboles et de couleurs. Avec ses teintes saturées et ses coulures délibérées, l'œuvre vibre au rythme de la rue et résonne des voix qui s'y font entendre. Elle marque un espace physique et immortalise un instant, incarnant l'essence même du street art pop : sa capacité à saisir le pouls de la vie urbaine contemporaine. Le jeu subtil des couleurs, des symboles et des médiums illustre le potentiel novateur du street art pop. L'œuvre de Saber rompt la monotonie des environnements urbains, offrant aux passants un moment de contemplation esthétique au cœur du béton de la ville. Dans le street art moderne, de telles interventions ne sont pas de simples éléments décoratifs ; elles constituent des récits essentiels qui expriment l'identité et les courants sous-jacents du dialogue culturel d'une ville. À travers des œuvres comme celle-ci, Saber et ses contemporains continuent d'influencer la trajectoire du street art, assurant son évolution et sa pertinence. Ils nous rappellent que la rue demeure un puissant espace d'expression artistique, où les voix des marginalisés et l'esprit de rébellion trouvent leur langage visuel. L'autocollant orange fluo de Saber n'est pas qu'une simple marque à l'acrylique ou au feutre ; c'est une affirmation, un défi, et un vibrant écho de l'énergie qui anime le cœur de la ville.

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