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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Endian Redux PP Sérigraphie Giclée par Fin DAC Printers Épreuve Sérigraphie 12 Couleurs Tirée à la Main sur Papier d'Art Vernis Somerset 330 g/m² Édition Limitée Pop Street Artwork & Graffiti. Épreuve d'imprimeur PP Findac 2021 Signée et marquée PP Tirage limité Taille de l'œuvre 24,61x34,65 Impression giclée à gauche Sérigraphie à droite. Technique et composition d'Endian Redux PP « Endian Redux PP », une sérigraphie giclée de l'artiste renommé Fin DAC, illustre la fusion harmonieuse des techniques traditionnelles et contemporaines, s'imposant comme une œuvre marquante dans le domaine de l'art urbain pop en édition limitée. Cette pièce, intitulée « Épreuve d'imprimeur » (PP) et faisant partie d'une édition limitée, révèle le style caractéristique de Fin DAC : un mélange de photoréalisme et d'éléments graphiques inspirés du graffiti. L'œuvre juxtapose une impression giclée à gauche et une sérigraphie à droite, chacune apportant sa texture et son impact visuel distincts. La technique giclée, reconnue pour sa reproduction de haute précision, permet une représentation photoréaliste du sujet. Parallèlement, la sérigraphie, clin d'œil aux racines street art de l'artiste, insuffle des couleurs vives et des éléments graphiques, créant un contraste dynamique au sein de la même œuvre. Cette sérigraphie artisanale en 12 couleurs sur vernis est superposée à un papier d'art Somerset de 330 g/m², choisi pour sa capacité à retenir des couleurs éclatantes et des détails complexes, garantissant ainsi que chaque nuance de l'œuvre d'art soit capturée avec clarté. Pertinence culturelle dans l'art contemporain « Endian Redux PP » reflète l’exploration par l’artiste des thèmes de l’identité et de la féminité, fréquemment abordés dans son œuvre. Le sujet de l’estampe, une femme au regard évocateur ornée de motifs évoquant des tatouages, illustre la rencontre entre beauté traditionnelle et esthétique moderne. L’utilisation du vernis confère à l’œuvre une dimension texturée et joue avec la lumière et les reflets, invitant le spectateur à l’appréhender sous de multiples angles. Influence artistique de Fin DAC Fin DAC s'est forgé une solide réputation en créant des œuvres qui transcendent les frontières conventionnelles du street art et du graffiti. Son approche de la sérigraphie, souvent caractérisée par un mélange unique de pochoirs et de techniques à main levée, donne naissance à des œuvres d'une grande minutie, empreintes de spontanéité. « Endian Redux PP », qui combine giclée et sérigraphie, illustre la volonté de l'artiste de repousser les limites de ces médiums, offrant aux collectionneurs une pièce qui n'est pas qu'une simple estampe : un véritable témoignage du potentiel de la sérigraphie comme art à part entière. Importance des épreuves d'imprimeur dans les collections d'art L'appellation « Épreuve d'imprimeur » indique une rareté et une exclusivité très recherchées par les collectionneurs. Ces épreuves sont généralement les premiers tirages sortis de presse et servent à vérifier la qualité de l'impression avant la production de l'édition complète. De ce fait, elles sont souvent considérées comme les plus prisées des collectionneurs en raison de leur place dans le processus d'impression et de leur nombre limité. Le choix de Fin DAC de signer et de marquer ces épreuves authentifie davantage leur statut d'œuvres d'art en édition limitée. « Endian Redux PP » de Fin DAC est une incarnation saisissante de la capacité du pop art urbain à intégrer les techniques traditionnelles des beaux-arts à l'énergie et à la spontanéité du street art et du graffiti. L'œuvre témoigne avec éclat de l'évolution du pop art, faisant écho aux racines historiques du genre tout en le propulsant vers l'avenir grâce à des méthodes innovantes et une exploration thématique. Elle capture un moment de l'art contemporain où les frontières entre les différentes formes d'art s'estompent et s'entremêlent harmonieusement.

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Tasse et pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 3x10, logo BMW sur une grande tasse fine contenant des pinceaux ayant servi à peindre des couleurs vives. Tasses et pinceaux par Joshua Vides : Commentaire artisanal sur l’art urbain pop et le graffiti « Cup & Brushes » est une sculpture en céramique originale de Joshua Vides, créée en 2023. Peinte et sculptée à la main, cette pièce unique fait partie de sa série « Shattered Dreams ». Haute de 25 cm et large de 7,5 cm, elle est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente un gobelet de peintre stylisé, rempli de pinceaux trempés dans différentes couleurs. L'objet est orné d'un logo BMW déformé, rendu avec le trait noir et blanc caractéristique de Vides et son aspect imparfait, presque caricatural. Il en résulte une fusion satirique entre image de marque et réalisme d'atelier, réalisée sous une forme statique en céramique, mais qui résonne de l'énergie vibrante et subversive du street art et du graffiti. La sculpture frappe d'emblée, apparaissant comme un objet du quotidien figé dans le temps. Le gobelet haut et fin imite un récipient standard en plastique ou en verre, typique de l'atelier d'un artiste, ici transposé dans la céramique. À l'intérieur, cinq pinceaux, chacun trempé dans une couleur primaire différente, émergent, leurs angles et leurs pointes variant, comme figés en pleine utilisation. Des éclaboussures de peinture ornent les manches des pinceaux, évoquant des actions, des mouvements et une présence humaine passés. Le logo BMW, volontairement imprécis, semble dessiné d'une main irrégulière, suggérant une critique ou une pointe d'humour plutôt qu'une admiration. Vides métamorphose le symbolisme des entreprises en une texture malléable, déstabilisant son autorité ostentatoire en le réinsérant dans l'environnement brut du travail créatif. Tension matérielle et commentaire visuel Joshua Vides est connu pour sa capacité à distordre la réalité à travers des formes sculpturales aux allures d'esquisses, aplatissant des objets tridimensionnels en représentations caricaturales. Dans « Cup & Brushes », cette illusion visuelle est secondaire par rapport à la texture et au concept. Les surfaces en céramique brillante sont rehaussées de coulures, de taches et de coups de pinceau, célébrant le désordre de la création tout en pointant du doigt la culture de l'image lisse qui occulte souvent le travail. En peignant le logo d'une voiture de luxe sur une tasse utilitaire servant à nettoyer les pinceaux, Vides crée un contraste saisissant entre aspiration et effort, entre fantasme consumériste et réalité créative. Ce type de subversion visuelle est au cœur du Street Pop Art et du graffiti. Vides utilise la matérialité de la sculpture pour interroger la valeur perçue de la marque par rapport au processus. Les pinceaux, outils souvent négligés dans la création du spectacle, deviennent le spectacle lui-même. La tasse, humble et fonctionnelle, devient alors un piédestal pour la critique. En figeant une scène d'atelier dans la céramique, Vides invite les spectateurs à s'interroger sur ce qui est glorifié et ce qui est caché derrière un design soigné et une image de marque mondiale. Joshua Vides et le langage de la ligne en trois dimensions Joshua Vides est reconnu internationalement pour ses transformations monochromes, dans un style bande dessinée, d'objets du quotidien, d'environnements et de collaborations de mode. Si nombre de ses installations utilisent des lignes nettes et des contrastes marqués pour simuler la bidimensionnalité, « Cup & Brushes » met en avant la texture, la couleur et le volume. Cette œuvre marque une évolution significative dans sa pratique : il ne se contente plus de contours plats, mais construit une critique émotionnelle et culturelle à travers l'objet et la forme. La série « Shattered Dreams », dont est issue cette sculpture, explore en continu l'interaction entre ambition, identité, finalité artistique, capitalisme et fidélité à la marque. L'emblème BMW, déformé et placé négligemment, symbolise les thèmes plus larges de la consommation et du rêve de réussite. La sculpture suggère que derrière chaque marque prestigieuse se cache un assemblage désordonné de pinceaux : utilisés, trempés, tachés et réutilisés dans une quête d'expression créative. Tasses et pinceaux : protestation statique et hommage artistique Cup & Brushes est bien plus qu'une nature morte rendant hommage aux outils : c'est un poème sculptural sur le travail invisible qui sous-tend la culture visuelle. L'œuvre invite le spectateur à regarder au-delà du logo, au-delà de l'espace épuré de la galerie, pour pénétrer dans l'atelier de l'artiste, où les objets ne sont sacrés que lorsqu'ils sont signés, ni valorisés tant qu'ils ne sont pas vendus. Joshua Vides fait émerger cette tension, la capturant dans la céramique et la scellant dans l'esthétique du Street Pop Art et du graffiti. Cette sculpture nous rappelle que même le luxe naît du labeur, et que chaque coup de pinceau recèle une histoire digne d'être sculptée.

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Mug à peindre avec pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 4x7, mug noir et blanc mat avec marqueur, crayon et stylo, statue. Mug à peindre avec pinceaux par Joshua Vides : Illusion sculpturale dans l’art urbain pop et graffiti « Paint Mug With Brushes » est une sculpture originale en céramique peinte à la main, réalisée en 2023 par Joshua Vides, artiste de graffiti et innovateur visuel. Créée dans le cadre de sa série « Shattered Dreams », cette œuvre unique mesure 10 x 18 cm et est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente une tasse à café blanche, stylisée dans le style graphique noir et blanc caractéristique de Vides, remplie d'outils de création hyper-stylisés : un crayon jaune, un feutre et un stylo noir. La sculpture capture une scène d'atelier sous une forme physique, utilisant des matériaux artisanaux pour simuler des objets généralement jetables, éphémères et négligés. Ce qui rend cette pièce si particulière, c'est non seulement sa précision visuelle, mais aussi sa subversion conceptuelle : transformer un objet utilitaire en un emblème sculptural de la pratique artistique et une parodie culturelle dans le contexte du street art et du graffiti. La tasse est ornée d'un motif en demi-teintes audacieux, façon bande dessinée, et d'une bulle de dialogue où l'on peut lire « MATTE BLACK », en lettres capitales stylisées qui font référence à l'esthétique du pop art et de la publicité des années 80. Les coulures noires sur le bord de la tasse sont minutieusement peintes pour imiter de véritables débordements d'encre, mais elles sont figées dans l'émail. Chaque outil à l'intérieur de la tasse est fixé de manière permanente, transformant ainsi des instruments de dessin du quotidien en éléments d'une illusion travaillée. Les surfaces sont couvertes d'éclaboussures et de marques d'usure, évoquant l'énergie brute d'un atelier en activité, tout en étant entièrement sculptées et scellées dans la céramique. Vides joue avec la texture, le contraste et les associations culturelles, créant une sculpture à la fois ludique et dérangeante. Transformation matérielle et geste statique Joshua Vides est surtout connu pour transformer des objets et des environnements réels en représentations audacieuses en noir et blanc, évoquant des croquis ou des celluloïds d'animation anciens. « Paint Mug With Brushes » s'inscrit dans cette démarche, mais à une échelle compacte et intimiste. La tasse et son contenu simulent les artefacts du travail créatif, tout en les réinterprétant comme des objets permanents. Cette transformation de l'éphémère en objet de collection souligne la tension entre processus et présentation, thèmes centraux de l'œuvre sculpturale de Vides. Le motif en demi-teintes et les éléments de bande dessinée font un clin d'œil aux traditions du pop art, tout en étant réinterprétés à travers le prisme du graffiti. Les outils à l'intérieur de la tasse sont exagérés en taille et en forme, créant une légère distorsion qui apporte humour et stylisation à l'œuvre. Bien que chaque élément semble familier, leur présentation collective en fait une réflexion visuelle sur la répétition, l'effort et la valeur du processus créatif. Joshua Vides et le langage de la culture des objets urbains Vides est devenu une figure majeure du dialogue entre les beaux-arts, la mode et la culture graffiti, reconnu pour son esthétique épurée et la cohérence de ses thématiques. Sa série « Shattered Dreams » prolonge son exploration du travail artistique et de l'identité commerciale, intégrant une critique au sein de formes d'une simplicité trompeuse. « Paint Mug With Brushes » transpose cette réflexion à une échelle domestique et personnelle. La surface en céramique, habituellement associée à l'artisanat utilitaire, est ici réinterprétée comme un médium sculptural au service de la métaphore visuelle. Cette sculpture ne s'attache pas à la fonction, mais au sens, à ce que signifie créer et aux outils que nous utilisons pour y parvenir. La bulle de dialogue contenant l'inscription « MATTE BLACK » fonctionne également comme un code culturel, faisant référence à la fois à l'esthétique littérale de la sculpture et à l'obsession contemporaine pour le marketing et le raffinement des éditions limitées. Entre les mains de Vides, la tasse n'est pas qu'un simple récipient, mais un commentaire sur le goût, les tendances et l'expression artistique. Elle reflète un mélange d'ironie de bande dessinée, de pratiques urbaines et de conceptualisme pop qui définit le Street Pop Art et le Graffiti dans toute leur intensité. Mug à peindre avec pinceaux comme icône du processus et symbole personnel Cette sculpture est plus qu'un objet : elle symbolise l'univers intérieur et extérieur de l'artiste, où les outils deviennent des trophées et les marques d'usage, des éléments stylistiques. « Paint Mug With Brushes » célèbre visuellement l'imperfection, le processus créatif et la persévérance. Elle immortalise une scène familière et paisible – le pot à crayons de l'artiste – et la rend permanente, sublime et empreinte de satire. Joshua Vides transforme le banal en iconographie, puisant dans le même instinct qui anime le street art : marquer ses outils, laisser une trace, raconter une histoire par des traits audacieux. Dans l'univers plus vaste du street art et du graffiti, « Paint Mug With Brushes » se dresse comme un autel miniature dédié à la créativité. À la fois épurée et brute, ludique et chargée de sens, sculptée et esquissée, elle fige l'instant où l'art prend naissance – le geste de saisir le stylo, le trempage du pinceau – offrant une performance statique d'énergie créatrice. À la fois relique d'atelier et artefact culturel, son message est simple mais puissant : même les plus petits outils peuvent porter une voix forte.

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Ensemble de sérigraphies Birdsong Project Portfolio par Shepard Fairey OBEY x Artistes divers sur papier d'art, édition limitée. 2023. Chaque exemplaire est signé par l'artiste. Coffret signé par Shepard Fairey et numéroté. Édition limitée à 250 exemplaires. Œuvre sérigraphiée 30,5 x 30,5 cm. Coffret de 20 estampes sérigraphiées issues du portfolio « Birdsong Project », composé de 20 estampes différentes réalisées par divers artistes. Artistes représentés : Brian Calvin, Danny Romeril, Deedee Cheriel, Duke Riley, Eggpicnic, Ernesto Yerena, Faith47, Isobel Harvey, Jim Houser, Joonbug, Kevin Earl Taylor, Keya Tama, Lovehawk, Mark Mothersbaugh, Monica Canilao, Ravi Zupa, Shepard Fairey, Sophie Wake, Tim Biskup et TOMO77. Oiseaux dans l'univers du pop art urbain et du graffiti Les oiseaux, en tant que motifs, possèdent une portée universelle et une signification symbolique qui transcendent les cultures, ce qui en fait un sujet récurrent dans le street art et le graffiti. Ils symbolisent souvent la liberté, la transcendance et la paix, des concepts en accord avec l'esprit libérateur du street art. La représentation des oiseaux dans ce genre peut aller de fresques réalistes célébrant la biodiversité à des icônes stylisées servant de métaphores pour des idéaux sociaux et politiques. La flexibilité de l'imagerie aviaire permet aux artistes de rue et pop d'explorer des thèmes allant de l'écologique au fantastique. En milieu urbain, où le béton étouffe souvent la verdure, la représentation des oiseaux peut être un rappel poignant du monde naturel qui persiste au cœur du paysage urbain. Ils peuvent contraster avec le décor urbain ou s'y intégrer harmonieusement, incarnant la tension et l'équilibre entre le naturel et l'artificiel. Symbolisme et technique dans l'art aviaire Dans le street art et le pop art, les oiseaux peuvent être représentés de multiples façons. Par exemple, une colombe peut symboliser la paix ou, au contraire, aborder les thèmes de la guerre et des violences urbaines. Les techniques artistiques employées varient considérablement : des rendus photoréalistes et élaborés, célébrant la beauté de ces créatures, aux interprétations abstraites et géométriques, réduisant leurs formes à l’essentiel. La diversité des espèces d’oiseaux offre une riche palette aux artistes, leurs couleurs et motifs étant une source d’inspiration inépuisable pour l’expérimentation visuelle. Dans le street art, le pop art et le graffiti, la représentation des oiseaux est à la fois une célébration de la biodiversité et un défi artistique, incitant les artistes à saisir l’essence de ces créatures de manière novatrice. L'impact culturel de l'art sur le thème des oiseaux L'art ornithologique a le potentiel d'avoir un impact culturel significatif, notamment dans le contexte de la sensibilisation à l'environnement et des efforts de conservation. Le street art et le graffiti mettant en scène des oiseaux peuvent attirer l'attention sur le sort des espèces menacées ou sur l'importance des espaces verts urbains. De plus, ces œuvres peuvent contribuer au bien-être esthétique et psychologique des citadins, en leur offrant des moments de beauté et de réflexion au cœur de l'agitation urbaine. La reconnaissance universelle des oiseaux signifie également que l'art aviaire possède un large attrait et peut transcender les barrières linguistiques et culturelles. Cela fait des oiseaux un sujet idéal pour l'art public destiné à impliquer des publics divers et à favoriser un sentiment d'appartenance à la communauté et une appréciation partagée de la nature. Les oiseaux sont un sujet dynamique et multiforme dans le street art et le graffiti, servant de symboles de liberté, d'agents de beauté et de rappels du monde naturel. Leur représentation artistique peut aller du littéral au symbolique, du réaliste à l'abstrait, chaque interprétation offrant une facette différente de sens et de valeur esthétique. Les œuvres représentées sur l'image que vous avez fournie englobent probablement un large éventail de ces approches artistiques, reflétant le riche potentiel de l'imagerie aviaire pour inspirer et susciter la réflexion à travers la toile vibrante du street art et du pop art.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Rowhouse - Tirage manuel - Sérigraphie ovale 24 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par l'artiste pop de rue Pose - Jordan Nickel - Édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format : 18 x 30 cm, ovale, bords frangés à la main. « Rowhouse », une œuvre d'art d'une précision remarquable signée Pose, de son vrai nom Jordan Nickel, artiste pop street art de renom, témoigne du subtil mélange de pop art, de street art et de graffiti. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est le fruit d'un travail artisanal méticuleux. Grâce à une technique d'impression sérigraphique ovale 24 couleurs réalisée à la main, la vivacité et la profondeur de chaque teinte prennent vie sur le papier Mohawk Superfine UltraWhite. Ce choix de papier n'est pas anodin : le Mohawk Superfine est réputé pour sa capacité à restituer la richesse des détails, offrant ainsi le support idéal à l'explosion de couleurs et de détails qui caractérise le travail de Pose. En observant l'œuvre de plus près, on est frappé par la richesse des éléments urbains, juxtaposés à des motifs et des dessins abstraits et colorés, emblématiques du street art et du pop art. Chaque recoin de « Rowhouse » raconte une histoire, offrant une fenêtre ouverte sur la vie urbaine, son chaos, sa beauté et son énergie brute. La forme ovale unique de cette œuvre, accentuée par un bord frangé à la main, lui confère un charme à la fois rustique et contemporain. Sortie en 2022, « Rowhouse » n'est pas une simple œuvre d'art ; c'est un chef-d'œuvre en édition limitée. Avec seulement 75 exemplaires disponibles, chacun signé et numéroté par Pose lui-même, elle est devenue une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art. Ses dimensions, un ovale de 18 x 30 cm, lui permettent d'attirer tous les regards tout en s'adaptant à différents espaces. « Rowhouse » de Pose est une illustration parfaite de l'évolution du street art et du pop art, mêlant techniques traditionnelles et esthétique moderne, ce qui en fait une pièce incontournable pour ceux qui apprécient le subtil équilibre entre tradition et modernité dans l'art.

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Presque l'extase - Série Savage Sacred Young Minds 23 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. FAILE (Américain, fondé en 1999) Titre : ALMOST RAPTURE, 2016 Technique : Sérigraphie sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés Série Savage Sacred Young Minds

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Estampe d'art en édition limitée Couture Archival Pigment Fine Edition sur papier chiffon de coton Moab 290 g/m² par les artistes Faile, légendes du pop art urbain. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 26x24. Signée, estampillée et gaufrée en atelier, Couture est une édition limitée à 300 exemplaires. L'estampe restitue fidèlement chaque détail et la texture picturale, jusqu'aux moindres coulures. Il s'agit d'une somptueuse et vibrante impression pigmentaire d'archives sur papier d'art mat épais. Estampe Couture 66 x 61 cm (26 x 24 pouces) Édition limitée à 300 exemplaires Encre pigmentaire d'archives sur papier chiffon 290 g/m² coton Entrada Signée, estampillée et gaufrée 2022

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West Mash U30 Estampe Giclée HPM Rehaussée à la main par OG Slick Artwork Édition Limitée sur Papier Beaux-Arts Bordé 310 g/m² Estampe Rehaussée à la main Artiste de Rue Graffiti Pop. 2025 HPM signé et numéroté, embelli à la main par OG Slick. Impression giclée et peinture aérosol. Édition limitée à 25 exemplaires. Format : 30 x 30 cm. Impression giclée HPM embellie à la main. Les motifs, les coups de pinceau et les couleurs de peinture varient. Chaque HPM est unique. Vous recevrez peut-être un exemplaire différent de celui présenté sur la photo ; le choix est aléatoire. West Mash U30 par OG Slick : Impression giclée rehaussée à la main, œuvre d'art pop et graffiti urbain West Mash U30 est une estampe giclée rehaussée à la main, créée en 2025 par OG Slick, artiste renommé du graffiti et du street pop. Cette œuvre en édition limitée est tirée à seulement 25 exemplaires, chacun signé, numéroté et personnalisé individuellement par l'artiste. Imprimée sur un papier beaux-arts 310 g/m² à bords frangés et mesurant 76 x 76 cm, cette édition allie la précision de l'impression à une énergie artistique brute. L'estampe giclée de base est enrichie de peinture en aérosol, d'éclaboussures, de coups de pinceau et d'embellissements personnalisés appliqués à la main, garantissant ainsi le caractère unique de chaque pièce. Chaque variante révèle le style caractéristique d'OG Slick, mélange d'iconographie cartoon, d'héritage graffiti et de références culturelles, ancrant l'œuvre dans le langage du street pop et du graffiti. Iconographie, superposition et tension visuelle L'image centrale de West Mash U30 est la main gantée stylisée d'OG Slick, une réinterprétation emblématique de l'animation classique imprégnée de l'attitude de la côte ouest américaine. La main est présentée dans une pose graphique audacieuse, émergeant d'un chaos de fonds jaunes et noirs façon collage, saturés de tags, d'autocollants et de motifs pop. Le nom de Slick est tissé à travers le collage en répétition, entouré d'illustrations façon écran de son geste iconique et de références aux dessins animés. Ce fond superposé crée à la fois du mouvement et du bruit, évoquant un mur de graffitis recouvert d'années de tags et d'affiches. La main blanche au centre, cerclée de noir, émerge de ce fond avec une clarté maîtrisée qui contraste avec la spontanéité des ornements. L'ajout d'éclaboussures de peinture, de coulures et de coups de pinceau uniques transforme chaque impression en une pièce unique, renforçant l'authenticité artisanale attendue du Street Pop Art et du graffiti. Importance culturelle et artistique d'OG Slick OG Slick, né à Hawaï et installé à Los Angeles, est une figure incontournable du graffiti et du street art. Son œuvre explore l'identité, la rébellion et le symbolisme culturel à travers un langage visuel puisant dans l'histoire de l'animation et les traditions du graffiti de la côte ouest américaine. Le motif de la main gantée, maintes fois réinterprété dans son travail, symbolise la présence, le pouvoir et le commentaire culturel. Avec West Mash U30, OG Slick perpétue sa tradition de remixage des archétypes visuels, qu'il imprègne de satire et d'audace. Son utilisation de la technique HPM (multiples peints à la main) brouille les frontières entre estampe et œuvre de rue originale. L'esprit du graffiti, fondé sur l'improvisation et la spontanéité visuelle brute, transparaît dans chaque ornement, offrant à chaque collectionneur une pièce unique. L'estampe en édition limitée comme expression de l'art urbain Chaque exemplaire de West Mash U30 est imprimé en giclée haute fidélité, préservant la netteté et l'intégrité des couleurs du dessin original d'OG Slick. Cependant, la véritable force de cette édition réside dans ses embellissements. Les éclaboussures peintes à la main et les marques personnalisées confèrent à chaque pièce un rythme et une personnalité uniques. Les bords frangés ajoutent une dimension tactile, évoquant la gravure d'art traditionnelle, tandis que le langage visuel reste ancré dans l'esthétique urbaine contemporaine. Tiré à seulement 25 exemplaires, ce tirage garantit la rareté de l'œuvre, et l'attribution aléatoire de chaque HPM ajoute une touche de surprise et d'authenticité. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, cette estampe est bien plus qu'un objet de collection : elle prolonge la pratique murale de l'artiste, adaptée à la galerie et à la collection personnelle sans rien perdre de sa spontanéité ni de son énergie brute.

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Le Parrain, édition limitée, sérigraphie HPM rehaussée à la main sur toile, encadrée par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Prêt à accrocher. Toile montée sur châssis. Technique : Sérigraphie sur toile rehaussée à la main. Titre : Le Parrain. Dimensions : 95,25 x 78,7 cm. Année : 2000. Tirage : 100 exemplaires. Signature : Signée à la main par Kaufman au verso. Il finit par installer son atelier à Los Angeles et, fidèle à son style, engagea plus d'une centaine d'anciens membres de gangs pour l'assister. Durant cette période, il créa un nouveau style, le « Pop Art façon bande dessinée », utilisant des peintures originales de super-héros comme icônes. Il collabora également avec la galerie Martin Lawrence, pour laquelle il réalisa des éditions limitées d'icônes telles que Beethoven et Marilyn Monroe, battant des records de vente pour un artiste débutant.

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Sérigraphie BFF pour la Saint-Valentin par Hijack, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 92 exemplaires (2024). Sérigraphie au format 20x30. Exploration de la fusion entre l'amour et le pop art urbain dans la sérigraphie de la Saint-Valentin de Hijack's BFF L'alliance des émotions et de la vitalité brute du street art prend une forme saisissante dans la sérigraphie « BFF Valentine's Day » de Hijack, une œuvre de graffiti marquante qui s'impose comme une référence dans l'art contemporain. Hijack, l'artiste à l'origine de cette création, est le fils du célèbre street artiste Mr. Brainwash (de son vrai nom Thierry Guetta). Il s'est forgé une place de choix sur la scène de l'art urbain, ses œuvres étant recherchées par les amateurs et collectionneurs du monde entier. La sérigraphie « BFF Valentine's Day » est une œuvre artisanale imprimée sur papier d'art de haute qualité, qui capture l'essence même du street art. La maîtrise de ce médium par Hijack dans cette édition limitée de 2024, composée de seulement 92 exemplaires signés et numérotés par l'artiste, souligne l'exclusivité et la touche personnelle qui sauront séduire les connaisseurs. Mesurant 20 x 30 cm, cette sérigraphie témoigne du dévouement de l'artiste à la qualité et au savoir-faire. Intimité et iconographie : le langage visuel de l'œuvre d'Hijack L'estampe de Hijack captive le regard par son cœur imposant qui palpite en arrière-plan, symbole universel d'amour et d'affection. Le sujet, une silhouette encapuchonnée, est assis, pensif, absorbé par ses pensées, dégageant une aura de solitude introspective. Cette juxtaposition d'un cœur symbolique et audacieux avec une figure solitaire invite le spectateur à réfléchir à la complexité des relations personnelles et à la nature introspective de l'amour lui-même. Ici, le talent de Hijack brille, mêlant l'immédiateté de la rue et la profondeur de l'expérience individuelle. Le choix d'une palette de couleurs restreinte – le rouge affirmé, le jaune ensoleillé et le bleu turquoise apaisant, sur un fond blanc immaculé, ponctué de pois espiègles – fait écho aux œuvres des pionniers du pop art tout en y insufflant l'audace du street art. La superposition méticuleuse des couches et les contrastes marqués, inhérents à la technique de la sérigraphie, soulignent le savoir-faire de l'artiste et rappellent la cacophonie visuelle des fresques murales et des graffitis. Hijack : une voix singulière dans le street pop et le graffiti Né et élevé dans le creuset culturel de Los Angeles, en Californie, Hijack a été profondément marqué par l'héritage du street art, ce qui a considérablement influencé son parcours artistique. L'anonymat qui entoure souvent les artistes de rue confère une aura de mystère à son œuvre, permettant à celle-ci de communiquer directement avec le public. Son style, caractérisé par des lignes audacieuses, des images au pochoir et un commentaire socio-politique, fait le lien entre expression personnelle et art public. Dans la sérigraphie « BFF Valentine's Day », ce dialogue entre sphère privée et sphère publique se manifeste pleinement. L'œuvre n'est pas seulement un régal pour les yeux ; c'est un instantané d'une émotion profondément personnelle et universellement comprise. En représentant une émotion aussi forte à travers le street art, Hijack invite un public plus large à partager la sentimentalité souvent réservée aux représentations plus traditionnelles de la Saint-Valentin. L'œuvre résonne avec l'esprit du graffiti, où l'environnement joue un rôle crucial dans le récit. De même, la sérigraphie de Hijack brouille la frontière entre espace personnel et exposition publique, invitant la spontanéité de la rue dans l'intimité. Cette œuvre se distingue comme un exemple éloquent de la manière dont les artistes contemporains peuvent fusionner les univers si différents du street art et des beaux-arts, créant des pièces à la fois accessibles et profondément évocatrices. La sérigraphie « BFF Valentine's Day » de Hijack est bien plus qu'une simple représentation de l'amour ou un symbole du pop art urbain ; c'est une interaction entre le spectateur et l'artiste. Chaque estampe, de par sa fabrication artisanale, possède des caractéristiques individuelles – de subtiles variations qui la rendent unique, à l'image des histoires d'amour personnelles qu'elle représente. Le tirage limité amplifie ce lien, assurant à chaque pièce une place particulière dans la continuité du pop art urbain et du graffiti. À travers cette œuvre, Hijack nous invite à réfléchir aux résonances personnelles au sein des manifestations publiques de l'amour et du street art. Avec son iconographie audacieuse et son sujet introspectif, l'estampe capture la double essence du pop art urbain : le public et l'intime, le grandiose et le granuleux. C'est une déclaration d'amour visuelle venue des rues, une lettre d'amour écrite dans le langage du graffiti, et une œuvre qui nous rappelle la profondeur émotionnelle que l'on peut trouver sur les supports les plus inattendus.

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Sérigraphie rose « Queen of Love » par Mr Brainwash - Thierry Guetta, imprimée à la main en 10 couleurs sur papier d'art à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires (2024). Œuvre d'art de format 22x22, sérigraphie d'une carte Reine de Cœur avec l'inscription « Forever Yours » en rose sur le devant. Une fusion vibrante d'esthétiques pop L'estampe sérigraphique rose « Queen of Love » de Mr Brainwash, alias Thierry Guetta, revisite avec fantaisie la carte classique de la Reine de Cœur. Créée en 2024 en une édition signée et numérotée de 50 exemplaires, elle mesure 56 x 56 cm et présente une captivante superposition de lettres rose vif : « Forever Yours ». L'œuvre fusionne une imagerie iconique avec des gestes expressifs qui évoquent l'énergie du street art et du graffiti, soulignant le talent de Guetta pour mêler le familier et le provocateur. Cette approche invite le spectateur à une rencontre dynamique entre tradition et style avant-gardiste, capturant l'essence même de la manière dont les images d'inspiration pop peuvent devenir des vecteurs d'expressions personnelles et de commentaires culturels. Le point focal de cette œuvre est la figure immédiatement reconnaissable de la Reine de Cœur, se détachant sur un fond évoquant un emballage cartonné marqué de ruban adhésif « fragile » et de symboles d'avertissement. Cette juxtaposition rend non seulement hommage à un motif intemporel de carte à jouer, mais le questionne également en le plaçant dans l'univers des emballages commerciaux du quotidien. Au centre de la composition, des inscriptions roses à la bombe de peinture flottent au-dessus du visage de la reine, évoquant la texture vibrante d'un véritable graffiti sur une surface inattendue. Tandis que les mots roses parcourent la carte, une dynamique saisissante se dégage : le regard du spectateur oscille rapidement entre les lignes royales de la reine et la spontanéité brute du texte. L'effet global est une tension captivante entre raffinement et rébellion. Fusion des techniques du street art pop et du graffiti Mr Brainwash puise son inspiration dans la culture urbaine, les icônes pop et les compositions inspirées du graffiti pour créer des images à la fois légères et subversives. Cette sérigraphie s'inspire des styles urbains en intégrant des aplats de couleurs vives et une typographie audacieuse. Le texte rose sur la carte à jouer suggère une impression d'immédiateté, comme si la peinture en aérosol venait d'être appliquée. Les lignes nettes du visage de la reine contrastent avec les contours irréguliers du fond, renforçant la tension propre au Street Pop Art et au graffiti, où des éléments graphiques sophistiqués se mêlent à une authenticité brute. En combinant les techniques formelles de la sérigraphie avec l'aléatoire des marques de graffiti, Mr Brainwash met en lumière le potentiel démocratique de l'art public, désormais investi dans des espaces privés. La Reine de Cœur comme symbole de dévotion L'image de la Reine de Cœur évoque l'amour, le pouvoir et le charme. Guetta s'empare de ces thèmes en y inscrivant « forever yours » (À jamais vôtre), enveloppant la figure royale d'une aura de romantisme et de désir. Dans un contexte moderne, les références aux cartes à jouer peuvent suggérer à la fois le risque et la récompense, reflétant la façon dont les relations personnelles impliquent souvent des actes de foi. L'inscription rose apporte une touche à la fois douce et audacieuse, conférant une dimension pop à ce qui pourrait autrement n'être qu'une simple représentation de carte. Cette stratégie souligne comment les symboles universaux peuvent être réinventés par des interventions créatives, renforçant ainsi leur résonance auprès du public contemporain. Un trésor de collection en édition limitée Les amateurs d'art en quête d'expressions pop vibrantes sont séduits par la sérigraphie rose « Queen of Love », qui fusionne avec brio motifs classiques et urbains. Réalisée à la main en dix couleurs, elle préserve les détails les plus subtils tout en offrant des couleurs saturées, conférant à chacune des 50 éditions une intensité unique. Le papier beaux-arts frangé apporte une texture particulière, évoquant le caractère artisanal souvent absent des estampes produites en masse. Cette fabrication soignée fait de cette œuvre une pièce de collection précieuse, témoignant du talent de Guetta pour les créations visuellement saisissantes et percutantes. Qu'on l'apprécie pour son message romantique, sa fusion créative entre le street art, le pop art et le graffiti, ou son commentaire sur la société de consommation à travers des références au packaging, cette œuvre reste une affirmation dynamique sur l'amour et l'art moderne.

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Brûlons tout - Œuvre d'art originale peinte à la main (HPM) 24 x 36, technique mixte, sur panneau en bois encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée signée de 10 exemplaires, HPM, œuvre d'art peinte à la main, format 24x36 « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Jusqu'à ce que la dette nous sépare, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 Œuvre d'art HPM en édition limitée, signée et numérotée, format 24x24 « Mon ami, mon cousin et moi avons réalisé ces œuvres en deux semaines dans mon atelier. Je me suis vraiment concentré sur des formes plus tactiles et animées pour mes supports. Travailler sur des supports non rectangulaires a été passionnant. » – Denial Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Statue de la Liberté Étoiles - Bleu Rouge Peinture à l'huile originale et unique sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne. Œuvre originale signée sur toile non tendue, datant de 2001. Bon état. Dimensions : 38 x 42 pouces.

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Achetez une œuvre d'art de collection VINYLTOY Sculpture en vinyle en édition limitée par Pop Street Artist. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Œuvre d'art originale Word, technique mixte, bois et clôture de construction, sculpture réalisée par l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Skewville. Word, début du XXIe siècle. Bois et plastique. 203,2 x 68,6 x 9,5 cm. Signé à l'encre au verso. 2007 Légères salissures superficielles ; quelques débris organiques dans certains coins.

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Photo d'identité judiciaire de Frank Sinatra - Édition limitée arc-en-ciel, peinture à l'huile rehaussée à la main, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste (AP), non tendue, neuve, directement de l'artiste en 2005

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Estampe sérigraphique en édition limitée, tirée à la main, 24 couleurs, série Eastern Suspenso SSYM, sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé), par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Voici la quatrième estampe de notre série « Esprit sauvage, sacré et jeune », issue de notre exposition éponyme au Brooklyn Museum en 2016. Cette nouvelle œuvre est une magnifique sérigraphie en 24 couleurs, réalisée à partir d'un recadrage de la toile « Eastern Suspenso » présentée lors de l'exposition. « Eastern Suspenso » est imprimée sur un papier épais Coventry Rag 325 g/m² à bords frangés, mesurant 58 x 89 cm. « Eastern Suspenso », 24 couleurs, encre sérigraphique sur papier Coventry Rag 325 g/m², 58 x 89 cm. Tirage limité à 300 exemplaires, signé, estampillé et numéroté. 2016

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Portrait de Marilyn Monroe en édition limitée, peinture à l'huile rehaussée à la main, impression sérigraphique HPM sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état. Rare portrait de Marilyn, cheveux blonds.

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« Love Is In The Air », édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2015, signée et numérotée, à 101 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 22,5 x 30 Mr. Brainwash (MBW), intitulé « L'amour est dans l'air » (2015). Cette sérigraphie d'art en six couleurs, d'environ 57 x 76 cm, est imprimée sur papier frangé. Signée et numérotée (et portant l'empreinte digitale) par l'artiste, elle fait partie d'une édition limitée à 101 exemplaires. Saint-Valentin

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Queen - Blue Original One of a Kind Peinture technique mixte, acrylique, peinture en aérosol sur panneau de bois encadré avec cadre de table personnalisé par le célèbre artiste de street art et de graffiti Greg Gossel. Œuvre originale signée et encadrée, 2017, Greg Gossel, Reine (Bleue), technique mixte sur panneau de bois entoilé, avec cadre sur mesure, 45,7 x 61 cm (18 x 24 po).

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Caravan Chaos Side 4 Panel 11 Peinture originale à la bombe de peinture par Mr Doodle - Sam Cox Œuvre unique sur panneau d'aluminium monté sur contreplaqué par un artiste pop art de rue. 2015 Caravan Chaos Side 4 Panel 11 Original 1 of 2 Numéroté Peinture à la bombe originale sur panneau d'aluminium monté sur contreplaqué Dimensions de l'œuvre : 17,25 x 13,5. Éraflures naturelles en bas à droite ; résidus en bas à droite inhérents au support et aux matériaux utilisés. Monsieur Doodle – Le langage artistique unique de Sam Cox Dans l'univers dynamique du pop art et du street art, des artistes comme Mr. Doodle, alias Sam Cox, se sont forgé une place à part grâce à des styles distinctifs qui brouillent les frontières entre art, gribouillage et graffiti. « Caravan Chaos Side 4 Panel 11 » de Mr. Doodle est une œuvre originale qui illustre parfaitement cette fusion, révélant un langage visuel unique, à la fois ludique et d'une précision méticuleuse. Cette pièce unique, réalisée à la bombe de peinture sur un panneau d'aluminium monté sur contreplaqué, témoigne du talent et de l'originalité de l'artiste. Appliquée directement sur une surface en aluminium, « Caravan Chaos Side 4 Panel 11 » de Mr. Doodle fait partie d'un ensemble d'œuvres plus vaste qui dépeint un monde à la fois chaotique et harmonieux, peuplé de personnages et de symboles entrelacés. Mesurant 43,8 x 34,3 cm, cette œuvre est un tableau vibrant en noir et blanc, débordant de vie et de mouvement. Les éraflures et résidus naturels sont inhérents au support et aux matériaux utilisés, ce qui confère à l'œuvre une authenticité et un caractère brut supplémentaires. Ces imperfections ne sont pas des défauts, mais des éléments essentiels qui contribuent à la narration de l'œuvre. Exploration des détails du chaos des caravanes Les motifs et personnages complexes qui semblent danser sur la toile métallique révèlent la complexité de l'œuvre. Chaque personnage est dessiné avec fantaisie, mais un ordre sous-jacent au chaos suggère un récit ou un instantané d'un univers plus vaste et invisible. Cet instantané est un exemple classique de la façon dont le street art et le pop art peuvent transformer des objets et des matériaux du quotidien en quelque chose d'extraordinaire, une caractéristique de la démarche artistique de Mr Doodle. Le choix des matériaux dans « Caravan Chaos Side 4 Panel 11 » est crucial pour comprendre le travail de Mr Doodle. Le panneau d'aluminium offre une surface lisse qui interagit de manière unique avec la peinture en aérosol, permettant des lignes nettes et un contraste saisissant entre les nuances de noir et de blanc. Montée sur du contreplaqué, l'œuvre bénéficie d'un support robuste, ancrant les gribouillis éthérés dans une réalité physique. L'usure naturelle de l'œuvre suggère qu'elle a vécu au-delà de l'atelier, peut-être même dans les rues, là où l'essence même du graffiti prend racine. L'héritage du chaos de la caravane de M. Doodle Cette œuvre de Mr. Doodle n'est pas seulement un objet d'art isolé, mais un fragment d'une vision plus vaste que l'artiste développe depuis des années. Son style est immédiatement reconnaissable et est devenu synonyme de l'énergie ludique et de la spontanéité que le pop art et le street art s'efforcent d'incarner. « Caravan Chaos Side 4 Panel 11 » est une capture de cette vision, invitant les spectateurs à pénétrer dans l'univers de Mr. Doodle, où l'art se voit et se vit. La contribution de Sam Cox au monde de l'art, à travers son personnage de Mr. Doodle, constitue un chapitre vibrant de l'histoire du pop art et du street art. Ses œuvres, comme « Caravan Chaos Side 4 Panel 11 », sont visuellement stimulantes et nous rappellent le pouvoir de l'art de transformer et de toucher son public à de multiples niveaux. Cette pièce, telle quelle, célèbre la créativité à l'état pur et s'intègre parfaitement à toute collection qui apprécie l'audace et la fantaisie.

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Photographie originale AP Peinture acrylique en aérosol de Martin Whatson, œuvre unique sur toile tendue d'un artiste pop art de rue. Épreuve d'artiste AP 2008, peinture originale signée, réalisée à la main au pochoir, à la peinture en aérosol et à l'acrylique. Dimensions : 30 x 20 cm. Légères éraflures sur le bord droit. Martin Whatson Photographe Œuvres originales AP Street Pop Art et Graffiti Contexte et identité artistique Né en Norvège en 1984, Martin Whatson est internationalement reconnu pour sa capacité à fusionner des pochoirs monochromes détaillés avec l'énergie vibrante du graffiti. Cette approche singulière le place à l'avant-garde du pop art et du graffiti contemporains, séduisant aussi bien les amateurs d'art urbain que les collectionneurs d'art. Sa formation à l'École de communication Westerdals d'Oslo lui a fourni de solides bases en design, mais c'est sa découverte de l'art du pochoir au début des années 2000 qui a véritablement orienté son parcours artistique. Au fil du temps, Whatson a développé un style qui, tout en reflétant ses racines norvégiennes, s'adresse à un public mondial, mêlant la structure du pochoir à l'imprévisibilité du graffiti. À propos du photographe Peinture originale AP L'œuvre *Photographer*, épreuve d'artiste originale (AP) de 2008, est une pièce unique et rare, réalisée à l'aide de techniques artisanales de peinture au pochoir et d'acrylique sur toile tendue. Mesurant 76 x 51 cm, cette toile signée témoigne des débuts de la carrière de Whatson, lorsque son exploration du réalisme au pochoir se mêlait à une abstraction imprégnée de graffiti. La composition représente un photographe monochrome, d'un réalisme saisissant, en pleine action, pointant son appareil vers une explosion d'éclaboussures de peinture orange et jaune vif. Cette juxtaposition entre la figure structurée et minutieusement rendue et l'énergie spontanée de la peinture illustre la philosophie de Whatson : la vie est un équilibre entre contrôle et chaos. Symbolisme et narration visuelle L'œuvre *Photographe* ​​explore les thèmes de l'observation, de la créativité et de la relation entre l'artiste et son sujet. Le photographe, représenté en niveaux de gris, symbolise la concentration, la discipline et la maîtrise technique de la création artistique. À l'inverse, les éclaboussures de couleurs vives sur la toile représentent la créativité brute, la spontanéité et le caractère imprévisible de l'inspiration. L'utilisation de couleurs chaudes comme l'orange et le jaune insuffle de l'énergie et capte le regard, suggérant que la créativité émerge souvent de manière audacieuse et inattendue. L'œuvre invite à réfléchir à la manière dont les moments sont capturés – que ce soit en photographie de rue, en graffiti ou en beaux-arts – et à la façon dont l'acte de regarder est aussi artistique que l'acte de créer. Collectionnabilité et rareté En tant qu'épreuve d'artiste de 2008, cette œuvre de *Photographer* revêt une importance particulière. Les épreuves d'artiste sont généralement produites en nombre extrêmement limité, hors édition principale, réservées à la collection personnelle de l'artiste ou à des éditions spéciales. Le fait qu'il s'agisse d'une œuvre originale réalisée à la main, et non d'une estampe, renforce son attrait auprès des collectionneurs de street art et de graffiti. Sa datation précoce en fait un jalon important de l'évolution stylistique de Whatson, faisant le lien entre ses premières créations au pochoir et les compositions plus saturées de couleurs qui sont devenues sa signature. La place de Martin Whatson dans le pop art urbain Au fil des ans, l'œuvre de Martin Whatson a été exposée dans des galeries, ornée de fresques murales et intégrée à des collections privées du monde entier. Son art capture la tension dynamique entre la rigueur du pochoir et l'esprit débridé de la culture graffiti. Des pièces comme *Photographer* témoignent de sa maîtrise précoce du réalisme technique, tout en annonçant l'explosion de couleurs et de mouvement qui caractérise son œuvre de maturité. Dans le contexte plus large du street art contemporain, Whatson se distingue comme un artiste capable de fusionner la sensibilité des beaux-arts avec l'authenticité brute de l'expression urbaine, créant ainsi des œuvres aussi stimulantes intellectuellement que visuellement saisissantes.

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Invasion Dream Club - Série Savage Sacred Young Minds - Sérigraphie en édition limitée 25 couleurs tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. FAILE (Américain, fondé en 1999) Titre : Invasion Dream Club 2016 Technique : Sérigraphie sur papier d’archivage 100 % coton à bords frangés Série Savage Sacred Young Minds

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Young Until I Die 1 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte (peinture en aérosol, acrylique et pochoir) sur papier Royal Sundance 270 g/m² par le célèbre artiste de graffiti de rue Pez. 2021. Œuvre signée, technique mixte sur papier Royal Sundance 270 g/m², 50 × 70 cm (19,69 × 27,56 pouces), encadrée professionnellement en noir avec passe-partout flottant.

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Shakespeare State II Édition limitée, sérigraphie HPM sur toile rehaussée à la main par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Grand cadre sur mesure. Certificat d'authenticité au verso. Daté de 1996. Sérigraphie sur toile rehaussée à la main. Shakespeare State II. Dimensions : (Cadre) H 129 cm x L 105,4 cm, (Vue) H 110,5 cm x L 87,6 cm. État : Deux petites perforations en bas à droite. À 16 ans, Kaufman fréquentait le Studio 54 et côtoyait les figures de la scène artistique new-yorkaise des années 70. En 1981, il rencontra Andy Warhol, qui exerça une influence considérable sur le jeune homme de 19 ans. Il travailla alors comme assistant de Warhol à la Factory, son atelier, où il réalisait des peintures originales et des sérigraphies. Parallèlement, Kaufman organisait des soirées à thème pour différentes boîtes de nuit, vendait des toiles à des personnalités comme Calvin Klein et Steve Rubell, et concevait même les graphismes de l'émission « Saturday Night Live » sur NBC.

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Couverture de la bande dessinée Joker n° 2, édition limitée, sérigraphie HPM 1 couleur rehaussée d'aquarelle sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2019 Édition limitée signée et numérotée à 25 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 34 x 46 cm. Mr. Brainwash est heureux d'annoncer une nouvelle illustration pour sa série de couvertures de bandes dessinées, mettant cette fois-ci en scène l'un des super-vilains les plus célèbres : le Joker, tiré de la couverture de Batman. Sérigraphie monochrome sur papier d'art d'archive déchiré à la main, rehaussée d'aquarelle. Chaque exemplaire de cette édition est unique et les couleurs peuvent varier. Dimensions : 86 x 117 cm (34 x 46 pouces). Tirage limité à 25 exemplaires.

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