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Le Marchand d'oursins - Sérigraphie artisanale 18 couleurs Lava sur papier beaux-arts holographique Lava Foil par l'artiste Lauren YS, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 60 exemplaires, signée et numérotée, 2022, format 36 x 24 pouces (91,4 x 61 cm).

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Sérigraphie artisanale en édition limitée « Travel To Paint », une couleur, sur papier French Pop-Tone Sweet Tooth de 140 lb, par Nychos, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre d'art en édition limitée, signée et numérotée, format 18x24 , n° 2016 Rabbit Eye Movement est fier d'annoncer la première à San Francisco du documentaire de Nychos, « The Deepest Depths of the Burrow ». Réalisé par Christian Fischer, ce documentaire offre un regard inédit sur l'univers en constante évolution de Nychos. Illustrateur, artiste urbain et graffeur, Nychos s'est fait connaître il y a 10 ans avec son concept de street art, RABBIT EYE MOVEMENT (REM). L'emblème du mouvement est un lapin blanc, qui se reproduit depuis et apparaît dans les rues du monde entier depuis une décennie.

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Où est mon esprit ? Impression d'art en édition limitée sur papier buvard perforé, réalisée par Richey Beckett dans le style pop culture LSD. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Où est mon esprit ? par Richey Beckett : L'art du buvard et le fil conducteur psychédélique dans le pop art et le graffiti. « Where Is My Mind? » est une estampe pigmentaire d'archives de 19 x 19 cm sur papier buvard perforé, réalisée par l'illustrateur gallois Richey Beckett et publiée le 19 avril 2021. Cette œuvre en édition limitée est signée, numérotée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Perforée à la main par Zane Kesey, fils de Ken Kesey et héritier d'une tradition culturelle intimement liée à l'exploration psychédélique, cette édition rend hommage à une riche histoire visuelle et contre-culturelle. Grâce au travail minutieux de Beckett à l'encre et à son imagerie symbolique, l'œuvre s'impose comme une contribution essentielle à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti. La composition s'articule autour du visage serein d'une femme, entouré de cheveux fluides et de détails floraux ornementaux, rendus avec un subtil équilibre de couleurs hallucinogènes et de traits fins. Le mélange de violets, de rouges, de verts et d'or évoque l'univers visuel altéré de l'expérience psychédélique. Le choix du papier buvard s'inscrit directement dans la tradition culturelle de l'art lié à la distribution de LSD, rattachant cette œuvre non seulement à la scène artistique underground des années 1960, mais aussi à une rébellion plus large contre les normes esthétiques et politiques. La précision caractéristique de Beckett et son respect pour les motifs anciens confèrent à cette pièce une dimension sacrée, tout en célébrant le chaos, les états oniriques et l'ouverture émotionnelle. La narration visuelle enracinée dans la culture de l'imprimé psychédélique « Où est mon esprit ? » témoigne de la capacité de Beckett à fusionner élégance visuelle et résonance symbolique. Les yeux clos et l'expression sereine du personnage central suggèrent un voyage intérieur, une déconnexion du monde physique et une immersion dans un espace psychologique ou métaphysique. Ce moment de dissolution silencieuse fait écho à l'expérience associée aux substances psychédéliques et à leur capacité à distordre ou amplifier la perception humaine. En imprimant l'œuvre sur du papier buvard, Beckett réactive un format qui a longtemps servi à la fois de support pour le LSD et de forme d'art destinée à transporter le spectateur. Ce faisant, il contribue à la préservation et à la réinterprétation d'un langage visuel souvent exclu de l'histoire de l'art traditionnelle, mais fondamental pour l'esthétique du street art et du graffiti. Cette œuvre dépasse largement le simple aspect visuel. Son support invite le spectateur à se souvenir ou à imaginer l'acte tactile et spirituel de transformation. De même que le graffiti métamorphose les façades délaissées en panneaux d'expression pour la contestation culturelle, le papier buvard transforme une substance éphémère en un artefact permanent. L'œuvre de Beckett, tout en étant raffinée et complexe, porte cette même éthique de transformation et de confrontation. Densité symbolique et format comme rébellion Le symbolisme de « Where Is My Mind? » est complexe. La figure détendue semble presque en apesanteur, flottant dans une tapisserie de formes organiques et d'éclats dorés. Ces ornements évoquent un symbolisme botanique, faisant peut-être référence aux origines naturelles des psychédéliques et à leur usage cérémoniel dans les cultures anciennes. Le choix de créer une composition aussi détaillée et méditative sur du papier buvard est à la fois un acte de respect et de subversion. Il élève un objet jetable et interdit au rang d'œuvre d'art à part entière, sans pour autant en altérer les racines. À l'instar de nombreuses œuvres de street art et de graffiti, l'œuvre explore la dualité : entre contrôle et lâcher-prise, structure et chaos, tradition et rébellion. « Where Is My Mind? » utilise l'encre, la couleur et le médium pour transformer le simple fait de regarder une œuvre en une expérience immersive. L'œuvre n'est pas passive. Elle invite le spectateur à ralentir, à examiner les détails et à réfléchir. Dans un monde saturé d'images produites en masse et de distractions numériques, Beckett offre une expérience tactile et intentionnelle. C’est cette approche qui trouve un écho si profond auprès des collectionneurs, des amateurs d’art psychédélique et des défenseurs des formes d’art qui existent en dehors du cadre académique. L'influence de Richey Beckett sur le pop art psychédélique contemporain Richey Beckett, artiste installé au Pays de Galles, continue de façonner l'esthétique de l'art alternatif en fusionnant la maîtrise traditionnelle du dessin à la plume et à l'encre avec des formats et des thèmes qui remettent en question les normes artistiques conventionnelles. Ses œuvres sur papier buvard – notamment cette édition de 2021 – illustrent parfaitement la maturité du Street Pop Art et du graffiti, tout en préservant leur caractère subversif. Ces pièces en édition limitée opèrent à plusieurs niveaux : objets de collection haut de gamme, outils de préservation culturelle et récits visuels méditatifs. La collaboration avec Zane Kesey enrichit la portée culturelle de l'œuvre, l'ancrant dans un héritage qui s'étend sur des décennies de résistance visuelle et d'éveil des consciences. « Where Is My Mind? » rappelle aux spectateurs que les frontières de l'art ne sont pas dictées par la toile ou les murs d'une galerie, mais par l'intention, le format et la résonance émotionnelle. Les œuvres sur papier buvard de Beckett témoignent d'une rébellion artistique ancestrale, modernisée par le savoir-faire, la couleur et la conscience.

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Attention ! Peinture originale technique mixte, graffiti, pop art moderne sur véritable panneau de rue en métal, par Chris RWK. Panneau de rue original signé, technique mixte acrylique et peinture aérosol, 2022 Ce recours à l'intertextualité procure également au spectateur une forme de réconfort ou de familiarité. Les œuvres de Chris révèlent souvent des réflexions quotidiennes et des personnes que l'on croiserait dans la rue sans même s'y attarder.

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Papier buvard ST en édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Richey Beckett, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. ST par Richey Beckett : L’art du buvard et l’évolution du street art et du graffiti ST est une estampe pigmentaire d'archives de 19 x 19 cm sur papier buvard perforé, créée par l'artiste gallois Richey Beckett et publiée le 19 avril 2021. Cette édition limitée est signée, numérotée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Chaque feuille a été perforée à la main par Zane Kesey, figure emblématique de la perpétuation de la culture artistique psychédélique. Le support d'impression lui-même joue un rôle central dans l'identité de l'œuvre : le papier buvard constitue à la fois un lien physique avec la sous-culture LSD des années 1960 et un symbole contemporain de résistance, d'introspection et d'état de conscience modifié. ST de Beckett n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un fragment de mémoire culturelle rendu avec la précision stylistique de la tradition de l'encre et la philosophie visuelle psychédélique moderne. L'œuvre présente le portrait délicat d'une femme le regard tourné vers le ciel, entourée de cercles dorés rayonnants, de fonds rouges fluides et de touches turquoise. Son visage est rendu selon la technique pointilliste emblématique de Beckett, créant profondeur et résonance émotionnelle grâce à une densité de traits soigneusement maîtrisée. Son regard levé suggère l'expansion, la transformation ou la communion avec l'invisible. Des volutes de marbrures dorées et des glyphes célestes ponctuent l'arrière-plan, évoquant des thèmes cosmiques et une perception altérée. La vivacité de la palette — notamment les rouges vifs et le cyan lumineux — évoque les distorsions optiques associées aux expériences psychédéliques. Ce lien est renforcé par l'utilisation de buvards perforés, matériau historiquement employé pour transporter des doses de LSD et élever le récit visuel au rang de rituel participatif. Réinventer la contre-culture à travers l'artisanat artistique L'œuvre ST de Richey Beckett établit un lien visuel et conceptuel entre le mouvement psychédélique originel et le discours actuel du Street Pop Art et du graffiti. En utilisant du papier buvard, Beckett inscrit cette estampe dans un cadre culturel qui résiste à la marchandisation tout en exigeant une interaction profonde. L'œuvre invite le spectateur à considérer l'estampe non comme un simple objet décoratif, mais comme un artefact psychologique. Ce lien avec la rébellion, les états de conscience modifiés et l'éveil collectif fait écho aux principes qui sous-tendent les mouvements modernes du street art et du graffiti, où murs, objets et surfaces deviennent des vecteurs de messages urgents et d'expériences transformatrices. ST appartient à une collection qui recontextualise les techniques d'impression traditionnelles pour un public contemporain en les appliquant à des supports non conventionnels, liés à une histoire de contestation et d'éveil des consciences. L'utilisation de tels supports remet en question les conceptions traditionnelles de l'art. De même qu'une fresque murale peut exprimer une vérité sur un mur de la ville ou qu'un autocollant sur une vitre de métro peut refléter une identité culturelle, les estampes de Beckett sur papier buvard communiquent avec force à travers un support autrefois considéré comme jetable. Son travail de marquage complexe et maîtrisé reflète la précision et la passion que l'on retrouve dans le travail au pochoir, l'art à la bombe et les inscriptions manuscrites que l'on voit en milieu urbain. Le pouvoir symbolique du regard et de l'estampe La figure centrale de ST offre bien plus qu'un simple point focal esthétique. Son expression contemplative et son regard levé symbolisent une quête de sens, de vision ou d'évasion. Ce motif émotionnel, associé à des éléments graphiques d'inspiration cosmique, invite le spectateur à s'interroger sur le cheminement intérieur que représente l'œuvre. L'estampe agit comme un portail vers un espace intérieur, une surface méditative qui invite à l'introspection et à l'émerveillement. Cette résonance personnelle est une caractéristique essentielle du Street Pop Art et du graffiti, qui ont toujours cherché à s'adresser à l'expérience individuelle et collective, affranchie des barrières institutionnelles. La capacité de Beckett à harmoniser la précision des détails avec l'intensité symbolique fait de ST un exemple remarquable d'art contemporain d'inspiration psychédélique. L'œuvre se situe au carrefour du rituel, de la nostalgie et de la rébellion visuelle. Par une technique rigoureuse et un profond respect pour les matériaux historiques, Beckett revitalise le buvard, le transformant en bien plus qu'une simple curiosité ou une référence à la culture des drogues. Il le métamorphose en une surface contemplative où convergent art, mémoire et états de conscience modifiés. L'influence de Richey Beckett sur le psychédélisme pop contemporain Né au Pays de Galles, Richey Beckett continue de créer des œuvres qui redéfinissent les liens entre l'illustration classique et l'iconographie contre-culturelle. Ses éditions sur papier buvard, dont ST, repoussent les frontières du Street Pop Art et du graffiti en insufflant un symbolisme psychédélique à des matériaux qui évoquent un riche héritage de contestation créative. Grâce à la collaboration de Zane Kesey et à l'utilisation de l'impression pigmentaire d'archives, chaque pièce est empreinte d'authenticité et de force symbolique. ST incarne la capacité de l'art à transcender les générations, les mouvements et les expériences sensorielles. Elle relie l'acte de contemplation au rituel et à la réflexion, à l'instar des premières fresques murales qui unissaient les communautés par le biais d'images partagées. L'œuvre de Beckett préserve l'esthétique de la protestation, du mysticisme et de la beauté à travers un format qui servait autrefois de vecteur à une perception élargie. Avec ST, le spectateur ne se contente pas de regarder une image, mais participe à une lignée d'éveil artistique rendue tangible par le savoir-faire et le concept.

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Nouvelle chaussure Hebru Brantley Forum MID RT Taille 6,5, édition limitée rare, illustration de collection par Hebru Brantley x Adidas. Hebru Brantley Forum MID RT, édition limitée 2022 (épuisée), pointure 6,5, chaussures de skate, tennis et baskets neuves dans leur boîte d'origine. Coloris : noir, olive et blanc. Jamais portées, avec boîte et breloque. Bien plus que du cuir et des lacets, ces Adidas Originals x Hebru Brantley Forum incarnent un héritage. Poursuivant notre mission commune de susciter des échanges inspirants autour de l'émancipation en mettant à l'honneur les héros, la créativité et l'art noirs, nous sommes déterminés à défendre avec conviction nos valeurs. À chaque fois que vous enfilerez ces Adidas Originals x Hebru Brantley Forum, vous vous souviendrez de rester fidèle à vous-même et à vos aspirations. Les personnages d'Hebru (Frogboy et Rocket) contribuent à raconter cette histoire tout en nous encourageant à donner le meilleur de nous-mêmes. Une interprétation personnalisée du logo Trèfle, dessinée à la main par Brantley, orne la semelle extérieure et se dissimule dans la semelle intérieure. - Adidas x Hebru Brantley. Hebru Brantley x Adidas : La rencontre entre la sneaker et le pop art urbain La Hebru Brantley Forum MID RT en pointure 6,5 est une fusion remarquable entre la culture sneaker et le pop art urbain. Elle est emblématique d'une ère naissante où la chaussure transcende sa fonction utilitaire pour devenir un support d'expression artistique. Sortie en 2022, cette sneaker rare en édition limitée est une pièce de collection qui incarne l'esprit de collaboration entre l'artiste de renom Hebru Brantley et la marque de sportswear iconique Adidas. La sneaker, entièrement noire avec des touches de vert olive et de blanc nuage, est bien plus qu'un simple accessoire de mode : c'est une œuvre d'art à porter qui résume l'éthique d'Hebru Brantley et l'esprit d'innovation d'Adidas. Cette collaboration va au-delà de l'esthétique, insufflant à la chaussure un message d'émancipation et d'héritage. Les personnages distinctifs de Brantley, Frogboy et Rocket, ne sont pas de simples éléments décoratifs, mais font partie intégrante de l'histoire que racontent ces chaussures : celle de la célébration des héros noirs, de la créativité et de l'art. Ces baskets arborent le message « Ten Toes Down » (les dix orteils au sol) pour défendre ses convictions, un appel à rester inébranlable face à l'adversité. Ce message trouve un écho profond dans le contexte du pop art urbain et du graffiti, qui sont depuis longtemps des moyens d'expression sociale et personnelle. Détails artistiques et symbolisme dans le design des baskets d'Hebru Brantley Chaque détail de la Hebru Brantley Forum MID RT taille 6,5 est méticuleusement travaillé, reflétant le style unique de l'artiste, puisant son inspiration dans diverses influences culturelles, notamment la bande dessinée, l'anime japonais et l'esthétique du street art. L'utilisation audacieuse de la couleur et le design des personnages témoignent de la capacité de Brantley à raconter des histoires à travers son art, abordant des thèmes universels qui inspirent et suscitent la réflexion. Ces sneakers arborent une interprétation personnalisée et dessinée à la main par Brantley du logo Adidas Trefoil, une signature unique qui renforce leur valeur de collection. Elles deviennent ainsi une pièce forte qui invite celui ou celle qui les porte à rester fidèle à lui-même et à ses aspirations, faisant écho aux messages inspirants souvent présents dans l'œuvre de Brantley. L'intégration de l'art de Brantley dans un produit grand public comme une sneaker Adidas est un clin d'œil à la reconnaissance croissante du street art et à sa capacité à s'intégrer à différents aspects de la culture de consommation. La valeur de collection et l'impact culturel des baskets Adidas d'Hebru Brantley L'édition limitée des sneakers Hebru Brantley Forum MID RT taille 6,5 en fait des pièces de collection très recherchées par les amateurs de sneakers et les collectionneurs d'art. La convergence du streetwear et de l'art a donné naissance à une nouvelle dimension de la collection, où la valeur repose à la fois sur le mérite artistique et l'exclusivité du produit. Ces sneakers, neuves et épuisées, incarnent un moment de la culture contemporaine où les frontières entre mode, art et identité personnelle s'estompent. L'impact culturel de cette collaboration est considérable, témoignant d'une évolution dans la manière dont l'art est consommé et apprécié. Le pop art et le graffiti, traditionnellement présents sur les murs et dans les galeries, trouvent un nouveau mode d'expression qui se déploie littéralement à travers le monde. La collaboration d'Hebru Brantley avec Adidas célèbre ce mouvement, rend hommage au dynamisme du street art et à son influence durable sur la culture contemporaine. L'héritage de la basket Forum MID RT de Hebru Brantley L'héritage de la basket Forum MID RT d'Hebru Brantley pour Adidas se mesurera à son attrait durable auprès de celles et ceux qui recherchent du sens dans leurs vêtements. Cette basket est un symbole de collaboration artistique, inspirant de futurs partenariats qui rapprochent les différentes industries créatives. L'implication de Brantley dans ce projet illustre le potentiel du street art à transcender les frontières traditionnelles, encourageant le dialogue et l'expression à travers des supports qui font partie intégrante de notre quotidien. La Hebru Brantley Forum MID RT en pointure 6,5 n'est pas qu'une simple chaussure : c'est un véritable objet culturel qui incarne la rencontre dynamique entre le street art, la mode et l'émancipation sociale. Grâce à cette collaboration, Hebru Brantley et Adidas ont créé bien plus qu'une simple basket : ils ont bâti une plateforme de narration, d'émancipation et d'expression artistique en phase avec l'air du temps.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Spy vs Spy, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier Astro Smoked Sea Salt, par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste (AP) de 40 exemplaires. Inspirés par les innombrables affrontements inventifs entre l'Espion Noir et l'Espion Blanc, nous avons imaginé une bataille épique entre les deux, s'affrontant à bord de leurs Spybots personnalisés. Cette sérigraphie géante bicolore de 91,4 x 61 cm est imprimée sur papier Astro Smoked Sea Salt.

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« Salt with a Deadly Pepper », une œuvre d'art en édition limitée, imprimée avec des pigments d'archivage sur papier buvard perforé, par Skel, inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Portrait à pois - Prints Select, sérigraphie en édition limitée 14 couleurs tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par Sheefy McFly - Tashif Turner, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie multicolore sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² Format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) Sortie : 30 septembre 2021 Tirage : 25 exemplaires

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Sérigraphie « Chinese Soldier 2 TP Test Print » de Shepard Fairey - OBEY, impression manuelle 1 couleur sur papier d'art fin, édition limitée, artiste Obey Pop Culture. Épreuve d'artiste TP AP, 2006, non signée. Expérimentation du procédé de l'atelier de Shepard Fairey. Monotype noir et blanc, non signé, sans marques. Format : 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm). Sérigraphie. Déchirures, pliures et froissements sur les marges. Exemplaire de travail. Pliure en bas à droite. L'œuvre « Chinese Soldier 2 TP Test Print » de Shepard Fairey est une pièce saisissante qui illustre la convergence entre art urbain et commentaire politique, deux éléments caractéristiques de son travail. Figure emblématique du pop art et du graffiti, Fairey est reconnu depuis longtemps pour sa capacité à susciter la réflexion et à alimenter le débat public grâce à son art. Cette sérigraphie est une épreuve de 2006, fruit des expérimentations de l'artiste avec les techniques d'impression. Tirée à la main et composée de cinq couleurs sur un papier d'art fin, cette œuvre en édition limitée porte la signature visuelle de la série « Obey » de Fairey, qui met en lumière les thèmes de la propagande, du contrôle et de l'obéissance sociale. L'estampe, représentant un soldat chinois avec une fleur dépassant du canon de son fusil, invite le spectateur à s'interroger sur la juxtaposition de la puissance militaire et de la paix – une dichotomie souvent explorée dans l'art et la littérature antimilitaristes. Le caractère brut et imparfait de cette épreuve d'essai renforce son authenticité et en fait une pièce de collection unique, d'autant plus qu'il s'agit d'une impression monochrome noire, non signée et sans aucune marque. L'absence de signature est particulièrement significative, car elle témoigne de l'essence même du street art, où le message prime souvent sur l'identité de l'artiste. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette épreuve de grande taille offre une expérience visuelle immersive qui attire le regard sur les contrastes saisissants et l'imagerie percutante, caractéristiques de l'œuvre de Fairey. L'influence de Fairey sur le street art dépasse le cadre de son travail visuel ; ses méthodes et son approche ont inspiré de nombreux artistes à considérer le paysage urbain comme une toile d'expression et de transformation. Ses épreuves d'essai, telles que « Chinese Soldier 2 », offrent un aperçu de son processus créatif et permettent de comprendre l'expérimentation qui sous-tend ses œuvres finales. Cette œuvre, bien qu'étant une épreuve d'essai, se distingue par la puissance de son message et son esthétique, incarnant l'énergie et l'esprit de contestation de la culture street art.

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Le jouet de collection en vinyle Lil' Qwiky Canbot Canz Limited Edition 94 Lil' Qwiky, œuvre d'art de rue par Czee13 x QUICCS. Édition limitée 2021 de 140 g (5,5 pouces) à 299 exemplaires, neuve en boîte Les canettes Lil' Qwiky Canbot de 1994 : un symbole du street art sous forme d'objet de collection Le Canbot Canz « 94 Lil' Qwiky » est un symbole saisissant de la rencontre dynamique entre la culture des objets de collection et le street art. Cette figurine en vinyle en édition limitée, fruit de la collaboration entre les artistes de rue Czee13 et QUICCS, capture l'essence même du pop art et du graffiti sous une forme tangible. Sortie en 2021, chaque pièce de cette série limitée à 299 exemplaires illustre un mélange d'esthétique urbaine et de culture des objets de collection. D'une hauteur de 14 cm (5,5 pouces), cette figurine fait référence à la bombe aérosol classique de 148 ml (5 onces), outil indispensable du graffeur. La série Canbot Canz célèbre l'omniprésence de la bombe aérosol dans la communauté graffiti, la transformant d'un simple récipient de peinture en une icône de rébellion et d'identité artistiques. Cette édition particulière, le « 94 Lil' Qwiky », est neuve dans sa boîte d'origine, conservant ainsi l'état impeccable tant recherché par les collectionneurs. Il est prêt à rejoindre le panthéon des objets de collection d'art urbain. Le nombre 94 revêt une signification particulière dans l'univers du graffiti, souvent associé à la marque d'une peinture en aérosol populaire utilisée par les artistes de rue. En l'intégrant au nom et au design, Czee13 et QUICCS rendent hommage à l'histoire et à la culture du street art, reconnaissant l'importance de ce médium et de ses outils. Avec ses détails et finitions artisanaux, cette figurine en vinyle témoigne du savoir-faire et de la créativité qui animent la communauté du street art. En créant le 94 Lil' Qwiky Canbot Canz, les artistes font le lien entre la rue et la maison, permettant aux passionnés de posséder un fragment de l'esprit du street art. C'est une célébration de cet art, traduite en un objet 3D porteur d'une profonde signification culturelle et d'une passion artistique intense. Alors que le street art continue de gagner en reconnaissance et en légitimité au sein du monde de l'art en général, The 94 Lil' Qwiky Canbot Canz témoigne des origines et de l'essence de ce mouvement, ainsi que de l'évolution constante du graffiti en tant que forme d'art et phénomène culturel.

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Bollywood Sugar In Blue - Silver Limited Edition, sérigraphie artisanale sur nacre et impression pigmentaire d'archives sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Handiedan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L’œuvre originale, un collage sur porcelaine vintage intitulé « Bollywood Sugar in Blue », a été présentée dans le cadre de l’exposition collective « Ephemeral » du magazine Beautiful Bizarre, à la galerie Modern Eden de San Francisco en septembre 2018. La riche couleur indigo, entre le violet et le bleu. Le troisième œil. L’intuition. La connaissance spirituelle. La femme. L’épanouissement. La vie. La fleur de vie. L’entrelacement. L’énergie fluide. La Terre Mère. La particule. L’orbite. L’univers. La fractale. Un cercle d’énergie infini. Tout est énergie. » – Handiedan

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Mona Ape Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier Velvet Rag 300 g/m² par l'artiste moderne de graffiti urbain SSUR- Ruslan Karablin. Édition limitée signée de 50 exemplaires, édition 2022. Dimensions de l'œuvre : 20,87 x 30,32 pouces. Gestion du pliage jusqu'à la zone centrale de l'image

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Winter breeAnne We the Future Tirage à la main sur papier d'art crème moucheté, édition limitée, œuvre d'art d'un artiste de la culture pop. Édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Œuvre d'art au format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Winter BreeAnne incarne une nouvelle génération de leadership et d'activisme, à travers la campagne « We the Future », magnifiquement immortalisée dans une sérigraphie en édition limitée réalisée par une artiste pop culture de renom. Lancée en 2018, cette œuvre signée et numérotée est bien plus qu'une simple création visuelle : c'est un message d'émancipation et un appel à l'engagement citoyen. Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, l'œuvre mesure 45,7 x 61 cm, affirmant une présence aussi forte et stimulante que le message qu'elle véhicule. Cette édition limitée à 450 exemplaires fusionne l'esthétique du street art et l'influence culturelle du pop art. Le choix de l'artiste d'utiliser la technique artisanale de la sérigraphie, une méthode ancestrale, confère à l'œuvre une authenticité et un savoir-faire exceptionnels, rendant hommage aux pratiques traditionnelles dans un contexte contemporain. L'image de Winter BreeAnne est une iconographie saisissante, symbolisant les efforts inlassables des jeunes activistes qui, loin de se contenter de prendre la parole, mènent la lutte pour un véritable changement. Élément du pop art et du street art, cette œuvre porte en elle un esprit de rébellion et de transformation. L'inscription « Future Voter » (Électrice de demain) sur le t-shirt de BreeAnne n'est pas une simple désignation, mais une affirmation de l'influence grandissante d'une génération prête à affirmer son pouvoir par l'engagement civique. L'appel à « Voulez voter ! » (Le pouvoir aux urnes) amplifie ce message, renforçant l'idée que chaque individu a un rôle à jouer dans la construction de l'avenir. Ce sentiment est au cœur même de l'éthique du pop art : un reflet des enjeux contemporains et un miroir des valeurs, des espoirs et des rêves de la société. L'artiste à l'origine de cette œuvre est reconnu pour sa capacité à saisir l'esprit du temps, combinant propagande, portrait et message politique pour créer un art qui transcende la toile et s'intègre au débat public. L'utilisation de couleurs vibrantes, de lignes audacieuses et de poses saisissantes fait écho à l'énergie des fresques murales du street art, véritables phares de l'expression communautaire et témoins du pouvoir de l'art public à inspirer et à mobiliser. L'affiche « We the Future » ​​est bien plus qu'un simple objet décoratif ; c'est un artefact culturel qui capture l'essence d'un mouvement, donnant voix à la jeunesse et réaffirmant l'importance de la participation au processus démocratique. Elle est une source d'inspiration pour le spectateur, lui rappelant l'influence de la jeune génération et le dynamisme constant du progrès qu'elle insuffle à la vie politique.

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Kuma Kush The Prisoner Cannabis Drug Bear Art Toy par Luke Chueh, œuvre d'art en vinyle en édition limitée, réalisée par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017 à 300 exemplaires, accompagnée d'un emballage en coton, d'un sac et d'un tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) est un problème de santé mentale qui peut se développer après avoir vécu ou été témoin d'un événement potentiellement mortel tel qu'un combat, une catastrophe naturelle, un accident de voiture ou une agression sexuelle. Par ailleurs, la dépendance aux médicaments sur ordonnance comme le Percocet a engendré de nombreux problèmes d'addiction. Kuma Kush The Prisoner de Luke Chueh : Cannabis et captivité émotionnelle dans l’art urbain pop et le graffiti Kuma Kush The Prisoner est une figurine en vinyle en édition limitée, créée par l'artiste Luke Chueh, basé à Los Angeles, en 2017. Produite à 300 exemplaires, chaque figurine est présentée dans un emballage vert translucide, semblable à une ordonnance, accompagnée d'un sachet en coton et d'une étiquette imprimée imitant les emballages des dispensaires de cannabis. Cette pièce de collection fait partie de la série The Prisoner de Chueh, qui transpose sa peinture originale en vinyle tridimensionnel. La figurine représente un ours assis, les pattes croisées, les bras enlacés autour des genoux et la tête baissée, dans une posture de sevrage silencieux. Cette édition vert turquoise, surnommée Kuma Kush, déplace le regard sur le cannabis comme mécanisme d'adaptation, invitant à réfléchir aux implications psychologiques des médecines alternatives et de la dépendance affective. Profondément ancrée dans le langage et le symbolisme du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre transforme une figurine d'apparence mignonne en une sculpture émotionnelle profondément évocatrice. Couleur, forme et emballage comme commentaire social Le choix d'un tube en plastique vert, traditionnellement associé au stockage du cannabis, transforme l'ours en une métaphore de l'évasion, de l'automédication et de la quête d'apaisement face à la souffrance psychologique. Le nom de la variété, Kuma Kush, joue sur la culture populaire et le vocabulaire médical, mêlant une apparence ludique à une gravité sous-jacente. La figurine d'ours de Chueh, d'un vert menthe profond, est statique et introspective, prisonnière à la fois de sa posture et de l'enfermement symbolique du contenant. L'esthétique est épurée, minimaliste et chargée d'émotion. Cette retenue visuelle est essentielle à l'impact de l'œuvre : Chueh utilise le silence et l'immobilité pour exprimer une profonde réflexion. L'ours n'est pas une mascotte, mais un réceptacle, représentant le fardeau émotionnel que beaucoup portent en silence. En plaçant le jouet dans un emballage à connotation médicale, Chueh fait du contenant une extension de l'œuvre, transformant la présentation de l'objet en un outil narratif cohérent avec la nature provocatrice du Street Pop Art et du graffiti. Luke Chueh et l'art de l'exposition émotionnelle Luke Chueh s'est imposé comme une figure majeure de l'art pop et urbain contemporain grâce à son exploration des thèmes de la santé mentale, de l'addiction et de la vulnérabilité. Ses figures d'ours emblématiques sont devenues des symboles universels de la lutte, conçues pour susciter l'empathie sans avoir recours aux mots. Dans Kuma Kush The Prisoner, Chueh intègre la culture du cannabis à son récit sur la répression émotionnelle et la dépendance. Il ne s'agit ni d'une célébration ni d'une condamnation du cannabis, mais d'une observation sur la façon dont les individus se tournent vers les substances – légales ou non – pour faire face aux traumatismes, à l'anxiété et au syndrome de stress post-traumatique. La démarche de Chueh n'est ni cynique ni idéalisée. Elle se situe dans la zone grise où se croisent émotion, mécanismes d'adaptation et survie, plaçant ainsi son œuvre à l'avant-garde du street art et du graffiti qui abordent les problématiques sociales par le biais d'un design à forte résonance émotionnelle. La série Prisoner comme objet d'art et reflet culturel La figurine Kuma Kush « The Prisoner » est à la fois un objet de collection et une œuvre engagée. Tirée à seulement 300 exemplaires, elle est rare et porteuse d'un message fort. Malgré sa petite taille, elle transmet un message qui dépasse largement ses dimensions. Elle trouve sa place non seulement dans les vitrines, mais aussi dans l'esprit de ceux qui la contemplent, devenant une présence discrète et réconfortante pour ceux qui traversent des moments difficiles. Par une forme minimaliste et un symbolisme chargé d'émotion, Luke Chueh transforme cette figurine en vinyle en une véritable sculpture psychologique. S'inscrivant dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti, la série « The Prisoner » – et cette édition Kuma Kush en particulier – démontre comment l'art visuel peut aborder des vérités difficiles sur les médicaments, les traumatismes et la vulnérabilité humaine sans sacrifier la simplicité esthétique ni la clarté émotionnelle.

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Sérigraphie « The Astonishing Light Split Fountain Print » de Cryptik, édition limitée, œuvre d'art tirée à la main sur papier d'art en coton, style graffiti pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format : 18 x 24 pouces. Encre fluorescente réactive aux UV. Texte abstrait cryptique, gravure en dégradé. L'œuvre « The Astonishing Light Serigraph Split Fountain Print » de Cryptik témoigne de l'évolution constante du street art et du graffiti, et marque durablement le pop art. De loin, l'œuvre vibre de couleurs éclatantes ; à mesure qu'on s'approche, les abstractions textuelles complexes prennent vie, créant une danse d'encre fluorescente réactive aux UV sur la toile. Le savoir-faire méticuleux est évident dans la technique artisanale utilisée sur papier d'art en coton, révélant la profondeur et la superposition caractéristiques du style de Cryptik. Ce chef-d'œuvre en édition limitée, signé et numéroté, est limité à seulement 100 exemplaires, soulignant son exclusivité dans l'art contemporain. Avec ses dimensions de 45,7 x 61 cm, il est suffisamment grand pour captiver le regard tout en étant assez intime pour l'entraîner dans le labyrinthe de textes énigmatiques qui le composent. Cette œuvre ne se contente pas de s'illuminer à la lumière naturelle ; elle s'anime sous les rayons ultraviolets, dévoilant ses fascinantes propriétés fluorescentes. Artiste pop et street art contemporain, Cryptik repousse sans cesse les limites de l'art, et « The Astonishing Light » ne fait pas exception. Cette œuvre fait le lien entre l'esthétique des textes sacrés anciens et le graffiti moderne, invitant le spectateur à en déchiffrer les significations cachées. Si le pop art s'appuie souvent sur une imagerie familière, le street art et le graffiti y introduisent une énergie urbaine brute, que Cryptik fusionne avec brio dans cette sérigraphie. Plus qu'un simple reflet de l'art contemporain, cette pièce le questionne et le redéfinit, incitant les amateurs d'art à explorer plus en profondeur l'interaction complexe du texte, de la couleur et de la forme.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Protégez votre grill Naughty by Nature AP Sérigraphie de Mark Drew Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop et graffiti de rue. Épreuve d'artiste AP 2018, signée et marquée AP, édition limitée, dimensions : 11,73 x 16,5 pouces. Exploration des récits urbains dans la sérigraphie de Mark Drew « Guard Your Grill Naughty by Nature » ​​est une sérigraphie saisissante de l'artiste Mark Drew, qui capture l'énergie brute et l'esprit de la culture urbaine. Tirage d'artiste de 2018, cette sérigraphie artisanale sur papier d'art de qualité supérieure fait partie d'une édition limitée qui illustre la fusion entre art urbain, graffiti et culture pop. L'œuvre, de 29,8 x 41,9 cm, est signée par l'artiste et porte la mention AP, attestant de son statut d'épreuve rare et précieuse au sein de l'édition. Cette pièce témoigne de la maîtrise de Drew dans l'art de combiner textes et images pour créer une œuvre aussi évocatrice qu'esthétiquement marquante. Son titre, « Guard Your Grill », fait référence à une chanson du groupe hip-hop Naughty by Nature, suggérant un thème de vigilance et de résilience. Le travail de Drew explore souvent le lexique du hip-hop, transposant son langage dans un format visuel qui trouve un écho auprès d'un large public. L'association de ces paroles à des images rappelant les bandes dessinées classiques témoigne de l'approche caractéristique de l'artiste en matière de Street Pop Art et de graffiti, où il transcende les fossés générationnels et culturels pour offrir un commentaire sur la société contemporaine. Le processus artistique et l'impact culturel de Mark Drew La démarche artistique de Mark Drew repose sur un équilibre subtil entre techniques artisanales et exploration thématique de la culture urbaine et pop. La sérigraphie, procédé de prédilection des artistes urbains et pop pour sa capacité à produire des lignes nettes et éclatantes, permet à Drew de créer des œuvres à la fois modernes et intemporelles. L'épreuve d'artiste de « Guard Your Grill » souligne la méticulosité de sa pratique ; ces épreuves sont généralement réalisées avant le tirage principal afin de garantir la qualité de l'impression et sont souvent conservées par les artistes eux-mêmes ou vendues comme objets de collection. L'intégration par Drew des paroles de hip-hop dans son travail dépasse le simple hommage au genre ; elle devient un vecteur de commentaire culturel. En sélectionnant des expressions issues de la culture hip-hop et en les intégrant à des motifs visuels de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, Drew instaure un dialogue entre passé et présent, culture élitiste et culture populaire, courant dominant et marginal. Ce dialogue est une caractéristique essentielle du Street Pop Art, où l'interaction de différents éléments culturels peut mener à une compréhension plus profonde des enjeux abordés. L'impact culturel de l'œuvre de Drew est considérable. En immortalisant le langage du hip-hop à travers l'art visuel, il préserve et honore l'importance culturelle de ce genre musical tout en enrichissant le débat qui l'entoure. Ses œuvres, comme « Guard Your Grill », sont de véritables artefacts culturels qui capturent l'esprit de leur époque et offrent aux générations futures une perspective unique pour comprendre le contexte historique du mouvement hip-hop des années 90. Grâce à son art, Drew continue d'enrichir la riche palette du street art et du graffiti, garantissant ainsi sa pertinence et son accessibilité à un public diversifié et international.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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MC Supersized - Wood 2021 Designer Con Édition Limitée Figurine de Collection en Vinyle Art Art par Ron Ron English, artiste de street art - POPaganda X SFBI Version bois MC Super Sized. Cette figurine était une exclusivité de la Designer Con de cette année. Si vous n'avez pas pu y assister, voici votre chance de vous procurer cette variante et de l'ajouter à votre collection. Hauteur : 20 cm.

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« Where It Falls », estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives sur papier pressé à chaud par l'artiste Chris Austin, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 32 x 17 pouces.

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Daft Punk - Tron Metallic Gold, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts par Ron Guyatt, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre inspirée du célèbre groupe Daft Punk. Galerie Gauntlet – Exposition « Daft Punk Deux ». L'affiche regorge de clins d'œil au groupe Daft Punk. On y retrouve des références aux sound systems, aux stations de mixage, aux pyramides figurant sur les albums de Daft Punk, aux données numériques, à l'énergie, et bien plus encore !

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« Le Retour », sérigraphie noire de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de Cleon Peterson (2025). Tirage sérigraphique 20x20 représentant un guerrier à cheval brandissant une épée ensanglantée. Sortie en janvier 2025, en pleine période des incendies en Californie. Le Retour, sérigraphie noire : le commentaire audacieux de Cleon Peterson sur le pouvoir L'estampe sérigraphique « The Return Black » de Cleon Peterson est une œuvre visuellement saisissante qui incarne l'exploration par l'artiste des thèmes du pouvoir, du conflit et de la lutte humaine. Créée en 2025 et imprimée sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, cette œuvre de 50 x 50 cm témoigne de la maîtrise de Peterson dans l'art de raconter des histoires avec une sobriété et un minimalisme saisissants. La composition représente un guerrier à cheval, brandissant une épée ensanglantée, le tout réalisé à l'encre noire sur fond blanc. Cette œuvre en édition limitée, signée et numérotée par l'artiste, a été publiée pendant les incendies de Californie de janvier 2025, conférant une résonance particulièrement poignante à ses thèmes de destruction et de survie. Style et thèmes emblématiques de Cleon Peterson Cleon Peterson est réputé pour son approche graphique et monochrome, utilisant des contrastes saisissants pour créer des visuels percutants. « The Return Black » illustre parfaitement son style distinctif, où des formes audacieuses et épurées portent des récits complexes. La figure centrale – un guerrier musclé et sans visage – symbolise les thèmes de la conquête, du chaos et de la résilience, suscitant à la fois admiration et malaise. L’œuvre de Peterson explore souvent les aspects les plus sombres de la nature humaine, et cette pièce ne fait pas exception. L’association de l’imposant guerrier à l’élégance du cheval crée une dichotomie qui reflète la tension entre puissance et vulnérabilité, un thème récurrent dans son travail. Design et symbolisme dans Le Retour du Noir La conception de « The Return Black » est une étude de contrastes : l’encre noire profonde impose sa présence sur le fond blanc immaculé. L’épée levée du guerrier, dégoulinante de sang, attire le regard et souligne les thèmes de la violence et de la domination. Le cheval, rendu dans le style minimaliste caractéristique de Peterson, ajoute mouvement et grandeur à la composition, tandis que sa position traduit à la fois force et soumission. Les bords frangés à la main du papier beaux-arts confèrent à l’œuvre une qualité artisanale, ancrant son esthétique contemporaine dans le savoir-faire traditionnel. Cette juxtaposition reflète la tension narrative de l’œuvre, où triomphe et tourment coexistent. Contexte et collection Sortie en janvier 2025, en pleine période des incendies en Californie, « The Return Black » acquiert une résonance particulière, abordant les thèmes de la destruction et de la résilience face à l'adversité. Cette estampe en édition limitée, signée et numérotée par Peterson, est un objet de grande valeur pour les collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti. La sérigraphie lui confère une qualité tactile riche, renforçant son impact visuel. À la fois reflet des luttes sociétales contemporaines et commentaire intemporel sur la condition humaine, « The Return Black » enrichit considérablement l'œuvre de Peterson et captive les amateurs d'art contemporain.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Papel 25 3-Color Hand-Tited Limited Edition Silkscreen Print on 330gsm Somerset Radiant White Paper by Tavar Zawacki- Above Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. 2022 Signé et numéroté TAVAR ZAWACKI PAPEL 25 (ÉDITION), 2022 Sérigraphie 3 couleurs sur papier Somerset Radiant White 330 g/m² 70 x 70 cm 27 1/2 x 27 1/2 po Tirage limité à 50 exemplaires

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No Sleep Till Brooklyn 39 - Édition limitée sérigraphiée à la main en 4 couleurs orange vif sur papier d'art par Tim Oliveira, artiste pop art célèbre et rare. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs varient d'un tirage à l'autre. 76 couleurs et variantes de sérigraphie différentes dans une seule édition. Signée et numérotée, avec date tamponnée au dos. Le nom de ce tirage a une double signification pour moi. J'ai décidé de le sortir le 5 août en hommage à la légende des Beastie Boys, MCA (Adam Yauch), à l'occasion de son anniversaire. Enfant, presque tous les jours après l'école, je prenais mon ballon de basket et filais au parc ou au club de jeunes pour quelques parties improvisées. La plupart du temps, j'écoutais les Beastie Boys sur mon walkman pendant le trajet. Ils ont toujours été une grande influence pour moi. Par ailleurs, je ne dormirai pas tant que je n'aurai pas suffisamment d'œuvres pour une exposition solo à Brooklyn. Ce ne sera peut-être pas pour tout de suite, mais je continuerai à jongler entre ma vie de famille, un travail stable et mon art, quitte à passer de nombreuses nuits blanches… - Tim Oliveira

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MC Supersized Camo - Seoul Limited Edition Vinyl Art Toy Collectible Artwork by street graffiti artist Ron English- POPaganda x Mindstyle. 2021 Ron English - POPaganda x Mindstyle présente MC Supersized Camo. Chaque figurine représente une ville chinoise différente et arbore une tenue militaire camouflage. Hauteur : 20 cm. Signée à la main par Ron. Livrée avec une casquette et une carte. La figurine MC Supersized Camo - Seoul Limited Edition en vinyle est une véritable œuvre d'art, fruit de la fusion entre le pop art urbain et le graffiti. Cette pièce de collection haute en couleur, fruit d'une collaboration entre le célèbre artiste de rue Ron English-POPAganda et la marque de figurines Mindstyle, célèbre l'esprit dynamique de Séoul. Mesurant 20 cm, cette figurine est un ajout remarquable à la collection de Ron English-POPAganda, chaque figurine représentant une ville chinoise différente à travers son motif camouflage unique. L'édition Séoul capture l'essence même de la ville avec un camouflage aussi vivant et éclectique que ses rues. La figurine MC Supersized emblématique de Ron English-POPAganda est ici réinventée, arborant un camouflage aux couleurs éclatantes, reflet de la modernité de Séoul et de ses valeurs traditionnelles. Un clin d'œil subtil au paysage urbain de Séoul, où l'ancien et le nouveau coexistent en harmonie. Signée à la main par Ron English-POPaganda, chaque pièce de cette série limitée porte l'empreinte de l'artiste et offre un lien tangible avec son processus créatif. Le chapeau et la carte qui l'accompagnent ne sont pas de simples accessoires, mais font partie intégrante du récit que chaque figurine raconte, l'ancrant dans l'esprit de la ville qu'elle représente. L'œuvre de Ron English-POPaganda critique souvent la société de consommation et l'omniprésence des géants du numérique, utilisant l'humour et la provocation pour susciter la réflexion. La série MC Supersized Camo s'inscrit dans la continuité de ce dialogue, où le camouflage devient une métaphore de l'infiltration du consumérisme dans la société. L'édition limitée Séoul est une pièce de collection à la croisée de l'art et du commentaire social, incarnant le mélange unique d'influences traditionnelles et pop culture qui caractérise le street art et le graffiti. Collectionneurs et amateurs d'art trouveront dans cette œuvre une déclaration audacieuse qui capture l'énergie de Séoul à travers le prisme de l'art résolument coloré et exubérant de Ron English-POPaganda.

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Œuvre d'art Daydream, impression giclée en édition limitée sur papier d'art coton, par Charmaine Olivia, artiste de graffiti pop culture. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Édition limitée à 50 exemplaires sur papier coton d'archivage, format 8 pouces sur 24 pouces, signée et numérotée par l'artiste.

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Matthew 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Collectable Art Figure par Medicom Toy x Bridge Ship House. Le personnage Matthew de Bridge Ship House (2021) est bien connu des fans de Medicom Toy. Apparu initialement dans la série Vinyl Artist Gacha, Matthew est désormais disponible en figurine Bearbrick ! Il mesure 7 cm et 28 cm de haut.

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« Social Distancing Simpsons Archival Pigment Fine Edition Limited Edition Print on 310gsm Bauhaus Cotton Rag Paper » de l'artiste Ben Frost, Street Pop Art Graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 40 exemplaires, 2020. Format de l'œuvre : 12 x 12 pouces. Ben Frost (né en 1975), « Distanciation sociale », 2020. Impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Cotton Rag Stock, 12 x 12 pouces (30,5 x 30,5 cm) (feuille). L'édition limitée à 40 exemplaires est signée et numérotée au crayon sur le bord inférieur et publiée par l'artiste. À la croisée de la culture pop et du commentaire social L'estampe d'art « Social Distancing Simpsons » de Ben Frost, réalisée à partir de pigments d'archives, est une analyse percutante de la société contemporaine à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Cette édition limitée, numérotée et signée, reflète l'approche unique et souvent controversée de Frost, qui mêle icônes de la culture populaire et messages subversifs. Créée en 2020, « Social Distancing Simpsons » est une œuvre saisissante qui se déroule dans le contexte d'une pandémie mondiale, à une époque où la distanciation sociale est devenue omniprésente. En intégrant un personnage familier des « Simpson », Frost touche à la conscience collective et commente l'impact des changements sociétaux sur la culture populaire. Le choix de l'impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Cotton Rag Stock, un matériau de haute qualité, garantit la préservation de l'éclat de l'œuvre et la précision de ses détails. La juxtaposition de l'image d'un personnage des Simpson avec une étiquette pharmaceutique illustre le style de Frost, qui consiste souvent à fusionner des éléments disparates pour créer une œuvre visuelle à la fois dérangeante et stimulante. Cette estampe de 12 x 12 pouces est un carré parfait qui capture l'essence du propos artistique de Frost : une critique du consumérisme, de la santé mentale et de l'industrie pharmaceutique. Le style signature de Ben Frost L'œuvre de Frost se caractérise par sa volonté inflexible de confronter et de remettre en question les vérités dérangeantes de la vie moderne. Dans « Social Distancing Simpsons », la collision entre l'univers du dessin animé et la dure réalité des médicaments parle à une génération qui trouve du réconfort dans la nostalgie tout en luttant contre les angoisses contemporaines. Tirée à seulement 40 exemplaires, cette œuvre devient une pièce de collection, un instantané d'une époque marquée par l'isolement et la quête de lien social. Reflets du pop art et du graffiti urbains L'art de Frost reflète le pop art urbain et le graffiti par sa franchise et son langage visuel immédiat et accessible. L'intégration de l'esthétique du street art dans des estampes d'art brouille les frontières entre l'art savant et les expressions plus démocratiques en milieu urbain. « Social Distancing Simpsons » témoigne du pouvoir de ce genre à communiquer au-delà des mots, offrant une critique visuelle à la fois universelle et profondément personnelle. En résumé, « Social Distancing Simpsons » de Ben Frost est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire sur notre époque, un miroir tendu aux complexités et contradictions de la vie contemporaine. Par son habile mélange de références à la culture pop et de commentaires sociaux incisifs, Frost s'impose comme une voix majeure du pop art urbain et du graffiti. Cette œuvre, en particulier, constitue un poignant rappel de l'année 2020, capturant l'essence d'une période qui a marqué la société à jamais.

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Pochoir Heist Eyes HPM, peinture en aérosol, sérigraphie par Prefab77, peint à la main, multiple sur papier d'art Somerset 300 g/m², graffiti unique, artiste de rue, pop art moderne. Édition 2023 signée et numérotée à 60 exemplaires. Œuvre unique au pochoir peinte à la main à la bombe aérosol, format 15x22, sérigraphie d'un gros plan des yeux d'une femme avec des figures de la culture pop. Pochoir Prefab77 Heist Eyes HPM Peinture en aérosol Sérigraphie « Heist Eyes » est une œuvre multiple peinte à la main en 2023 par Prefab77, artiste britannique reconnu pour sa fusion audacieuse d'attitude punk, de références à la pop culture et de collages graphiques superposés, créant ainsi une œuvre de street art et de graffiti saisissante. Imprimée en sérigraphie avec des éléments à la peinture aérosol au pochoir sur papier d'art Somerset 300 g/m², cette édition de 60 exemplaires mesure environ 38 x 56 cm et est signée et numérotée. La composition s'articule autour d'un gros plan saisissant sur les yeux d'une femme, rendus en noir et blanc contrasté, encadrés par une typographie fragmentée, des motifs géométriques et une iconographie culturelle. Ce regard devient le point d'ancrage d'un champ visuel chaotique composé de titres déchirés, de figures stylisées et de motifs anguleux qui évoquent l'affiche vintage réinterprétée à travers le langage urbain contemporain. Fragmentation de la culture pop et rébellion graphique Prefab77 s'est forgé une réputation en intégrant des références à la musique, au cinéma et à l'imagerie contre-culturelle dans des compositions rigoureusement construites, à la fois nostalgiques et provocatrices. Dans Heist Eyes, les yeux centraux fonctionnent à la fois comme observateur et observé, renforçant les thèmes de la surveillance, du spectacle et de l'identité. Les éléments environnants comprennent des caractères gras, des fragments de texte collés et des clins d'œil stylistiques reconnaissables aux graphismes punk britanniques classiques. Le jeu de roses pastel, de tons or feutrés, de noir et de bleus doux insuffle du dynamisme sans éclipser le point focal central. Cette fragmentation en couches est caractéristique du Street Pop Art et du graffiti, où l'appropriation et la recontextualisation transforment des images familières en quelque chose de nouveau et d'intense. Techniques et matériaux multiples peints à la main En tant qu'estampe HPM (Hand Painted Multiple), chaque exemplaire présente des embellissements uniques à la peinture aérosol, superposés à la base sérigraphiée structurée. Cette approche fait le lien entre la gravure en atelier et l'immédiateté de l'art urbain. Les accents de peinture aérosol au pochoir introduisent de subtiles variations de texture et de répartition des couleurs, garantissant ainsi l'unicité de chaque œuvre de l'édition. Le papier Somerset offre une surface d'archivage durable qui rehausse la netteté des lignes sérigraphiées tout en absorbant les applications de peinture aérosol avec profondeur et caractère. Au sein du Street Pop Art et du Graffiti, Heist Eyes s'impose comme un exemple à la fois raffiné et rebelle de la convergence du pochoir, de l'esthétique du collage et de l'iconographie pop en une estampe contemporaine visuellement affirmée.

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Mona Lisa - Découvrir le paradis des fous, sculpture en vinyle et PVC en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop art moderne Straveling Muzeum . 2022 17.24 ZCWO et Straveling Muzeum 15x217.4 Présenté avec boîte Mona Lisa - Découverte par Fools Paradise et Straveling Muzeum : Une nouvelle vision du street art pop et du graffiti « Mona Lisa - Discovering » est une sculpture en vinyle et PVC en édition limitée, une œuvre d'art révolutionnaire née de la collaboration entre Fools Paradise et Straveling Muzeum, en partenariat avec ZCWO. Sortie en 2022, cette sculpture réinterprète le chef-d'œuvre intemporel de Léonard de Vinci avec une touche de modernité audacieuse et ludique. Mesurant 43,8 cm, elle est présentée dans un coffret soigné qui renforce son statut d'objet de collection. Cette réinterprétation fusionne le classique et le contemporain, insufflant à la Joconde une énergie vibrante puisant son inspiration dans la culture pop moderne, l'animation et la science-fiction, et s'intégrant parfaitement à l'univers en constante évolution du street art et du graffiti. Innovation artistique et excellence technique à l'origine de la Joconde - À la découverte de Le design de Mona Lisa - Discovering présente un effet de superposition mécanique qui découpe la figure en douze segments distincts, évoquant une technologie futuriste tout en préservant l'élégance historique du portrait original. Ces sections révèlent une double identité, fusionnant le visage serein et familier de la Joconde traditionnelle avec une version colorée et caricaturale, inspirée des précédents designs de boîtes surprises de ZCWO. Le contraste saisissant entre les segments réalistes et le noyau animé et ludique interroge les notions d'authenticité, de valeur et de transformation dans l'art. Cette présentation en couches rend également un hommage subtil au film Total Recall, faisant référence à la scène inoubliable des identités dissimulées et des couches cachées, en parfaite adéquation avec l'esprit subversif du Street Pop Art et du Graffiti. Le rôle de Fools Paradise et de Straveling Museum dans l'art de la culture pop contemporaine Fools Paradise, réputé pour ses objets d'art avant-gardistes et ses réinterprétations d'icônes culturelles, a collaboré avec Straveling Muzeum pour créer une œuvre qui capture l'essence même de l'admiration pour l'art classique et de sa réinterprétation pop. En fusionnant vinyle et PVC en une sculpture unique et détaillée, ils mettent en valeur à la fois le côté ludique et le savoir-faire qui caractérisent l'art de collection moderne. Leur capacité à intégrer harmonieusement des références aux beaux-arts classiques et à l'imagerie pop contemporaine est au cœur même du Street Pop Art et du graffiti, où l'art traditionnel est réinventé à travers le prisme de médiums accessibles et populaires. Ce projet ne se limite pas à la nostalgie ou à un simple hommage ; il contribue activement à redéfinir le regard que la société porte sur les œuvres d'art historiques à l'ère du numérique et de la production de masse. L'impact culturel et l'attrait de la Joconde pour les collectionneurs - À la découverte de « Mona Lisa - Discovering » est bien plus qu'un hommage ludique ; c'est une affirmation de la pertinence intemporelle de l'art classique réinterprété à travers le langage dynamique du street art, du pop art et du graffiti. L'alliance d'un sujet universel et de techniques visuelles contemporaines en fait une pièce incontournable pour les collectionneurs sensibles à l'innovation et au commentaire culturel. Le souci du détail, de la superposition segmentée à la qualité des matériaux (vinyle et PVC), transforme cette sculpture, d'une simple curiosité, en une œuvre d'art à part entière. Présentée dans son coffret, elle fusionne histoire de l'art, culture urbaine et innovation pop, confirmant l'idée que même les icônes les plus vénérées peuvent être revisitées et présentées à un nouveau public grâce à des collaborations audacieuses et créatives.

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Affiche de concert en édition limitée Cybertronic Spree 2019 - Sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier métallisé - Œuvre d'art sur papier beaux-arts par Tim Doyle pour le groupe The Cybertronic Spree, Transformers. Petit pli à l'extrême gauche, dans le coin inférieur extérieur de l'image.

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C'est enfin terminé ! Impression à la peinture en aérosol au pochoir HPM par Denial - Daniel Bombardier. Plusieurs œuvres peintes à la main sur bois encadré, prêtes à être accrochées. Artiste de rue graffiti unique, art pop moderne. Édition 2020 signée et numérotée à 20 exemplaires. Œuvre d'art unique à la peinture au pochoir HPM, format 11x15 sur bois encadré, prête à être accrochée. C'est enfin terminé ! Pochoir HPM à la bombe de peinture par Denial – Art urbain pop et graffiti Denial, alias Daniel Bombardier, présente « It's Finally Over », une œuvre multiple saisissante peinte à la main, fusionnant culture pop, nostalgie et commentaire politique. Créée en 2020, cette édition signée et numérotée à 20 exemplaires est réalisée à la peinture aérosol au pochoir sur un support en bois de 28 x 38 cm, ce qui en fait une pièce maîtresse audacieuse, prête à être accrochée. Reconnu pour sa fusion de l'esthétique pop art classique et de l'énergie brute du street art, Denial repousse sans cesse les limites en réinterprétant des codes visuels familiers de manière provocatrice et stimulante. La composition met en scène une figure féminine, dans le style des bandes dessinées, le visage déformé par l'émotion, des larmes ruisselant sur ses joues. Réalisée dans une palette de couleurs restreinte mais très contrastée, elle semble plongée dans le désespoir. La bulle de dialogue au-dessus de sa tête proclame « It's Finally Over », renforçant le sentiment dramatique. Cependant, l'arrière-plan rompt avec la scène pop art romantique traditionnelle, la remplaçant par une atmosphère chaotique et incandescente, marquée par une cascade de bombes. Ce contraste visuel entre la douleur personnelle et la destruction à grande échelle transforme l'œuvre, initialement inspirée de la bande dessinée, en une critique politique et sociale complexe. La symbolique derrière « C'est enfin terminé » La capacité de Denial à réinterpréter l'imagerie du pop art en critiques contemporaines est manifeste dans « It's Finally Over ». La femme en pleurs, motif souvent associé aux bandes dessinées romantiques du milieu du XXe siècle, est une représentation familière du chagrin d'amour, du désir ou de la perte personnelle. Cependant, Denial subvertit ce récit en la plaçant sur un fond de destruction guerrière, remettant en question la perception du spectateur quant à la véritable nature du deuil. L'expression « It's Finally Over » peut être interprétée de multiples façons, contribuant à la complexité de l'œuvre. Elle pourrait faire référence à la fin d'une relation personnelle, à l'effondrement des idéaux de la société, voire à la destruction causée par les conflits politiques et militaires. L'inclusion de bombes qui tombent imprègne directement l'œuvre des thèmes de la guerre, de la violence et du poids des événements historiques, en faisant une puissante métaphore visuelle de la convergence des luttes personnelles et mondiales. Les roses et les rouges vifs des cheveux et des lèvres de la femme contrastent fortement avec les éléments plus sombres et menaçants de l'arrière-plan, créant un effet visuel saisissant qui renforce l'intensité émotionnelle de l'œuvre. L'utilisation par Denial de techniques pop art, telles que les points de demi-teintes et les contours noirs épais, renforce encore le lien visuel avec les illustrations de bandes dessinées classiques tout en conservant l'énergie rebelle du street art. L'approche unique de Denial en matière d'art urbain pop et de graffiti L'œuvre de Denial remet constamment en question la société de consommation, la propagande politique et les discours médiatiques. En utilisant l'esthétique familière de la bande dessinée et en la réinterprétant dans une critique contemporaine, il invite le spectateur à s'interroger sur les thèmes de la manipulation, de la désillusion et des troubles sociaux. « It's Finally Over » illustre sa capacité à mêler humour, nostalgie et commentaire social incisif d'une manière à la fois visuellement captivante et intellectuellement stimulante. Sa technique au pochoir lui confère une grande précision tout en préservant l'énergie brute du graffiti. L'utilisation de peinture en aérosol et d'éléments peints à la main garantit l'unicité de chaque pièce de cette édition, renforçant ainsi son attrait pour les collectionneurs. Le choix de peindre sur bois encadré plutôt que sur toile ou papier confère une profondeur supplémentaire à l'œuvre, la faisant s'apparenter davantage à un objet de culture urbaine qu'à une estampe d'art traditionnelle. L'alliance, chez Denial, de l'esthétique épurée et soignée du pop art et de la nature rebelle du street art assure à son œuvre une accessibilité et une dimension subversive indéniables. Sa capacité à manipuler des images iconiques et à les réinterpréter dans des contextes modernes témoigne de son talent à la fois d'artiste et de critique culturel. L'impact de « C'est enfin fini » dans l'art urbain contemporain « It's Finally Over » reflète les angoisses modernes, explorant les thèmes de la guerre, des bouleversements émotionnels et du poids des cycles historiques. En s'appropriant une image communément associée à la romance et en l'imprégnant d'un récit plus profond et plus sinistre, Denial oblige le spectateur à repenser l'intersection du désespoir personnel et politique. L'œuvre invite le public à réfléchir au véritable sens du mot « fin », que ce soit dans les relations, les systèmes politiques ou l'état du monde en général. Figure majeure de l'art urbain contemporain, Denial continue de créer des œuvres qui résonnent à de multiples niveaux. Sa capacité à transformer les références à la culture populaire en déclarations de résistance, de critique et d'introspection consolide sa place dans le monde en constante évolution du street art et du graffiti. « It's Finally Over » est un exemple frappant de sa vision artistique, garantissant que son message perdure bien après le premier regard, suscitant la discussion et la réflexion chez ceux qui la contemplent.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre d'art respirienne, impression d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. L'illustration de la nouvelle « Breatharian » de Callan Wink a été publiée dans le magazine New Yorker. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Sculpture en polystone « No More Amore », édition limitée, œuvre de l'artiste Abell Octovan, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. Spécial Saint-Valentin 2022 : Cupidon en a assez des couples parfaits. Lassé de la commercialisation de la Saint-Valentin, lassé des lamentations des cœurs brisés, lassé d'entendre les gens supplier pour revenir à leur ex. Le romantisme est mort, l'amour se résume désormais à des objets. Entouré de cœurs brisés, il se repose et décoche sa flèche rouge. Inspirée des sculptures grecques classiques, l'œuvre « No More Amore » présente un effet marbré lisse. L'arc et la flèche, ainsi que la phrase « Jusqu'à ce que l'amour nous sépare », sont mis en valeur par le rouge, symbolisant le chagrin d'amour inévitable.

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« Baby Shot Me Down », édition limitée, sérigraphie HPM rehaussée à la main sur papier vélin fin, par l'artiste Eelus, art pop moderne. 2016 Eelus Baby Shot Me Down Sérigraphie variante en couleurs, finition main, sur papier vélin 69,9 x 49,8 cm (feuille) Édition 6/20 Signée, numérotée et datée au crayon en bas de la feuille Publiée par Spoke Art, San Francisco

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Sérigraphie artisanale bicolore en édition limitée « Filthy » sur papier d'archivage 100 % coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

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Et puis les choses se sont améliorées - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Hate » sur papier beaux-arts 330 g/m² par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 24x24. Variante « Hate ». Et puis les choses se sont améliorées – Édition Haine par Denial dans l'art pop et graffiti de rue Et puis les choses se sont améliorées – Hate est une estampe pigmentaire d'archive, saisissante et chargée d'émotion, créée en 2021 par Denial, artiste canadien de graffiti et de pop art, de son vrai nom Daniel Bombardier. Tirée en édition limitée à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre mesure 61 x 61 cm et est imprimée sur un papier d'art de qualité musée de 330 g/m². Reconnu pour ses visuels provocateurs et son esthétique audacieuse, ancrée dans la critique de la société de consommation, Denial utilise le langage visuel de la bande dessinée pour explorer la complexité psychologique à travers une iconographie pop accessible. Dans cette variante de Hate, la palette de couleurs est réduite à des nuances de gris, remplaçant la chaleur et l'éclat des autres versions par une neutralité glaçante. Le texte descriptif, en gris acier, donne le ton émotionnel, tandis que la figure féminine centrale – rendue uniquement en noir, blanc et gris clair – exprime une angoisse silencieuse, saisie en pleine réflexion ou au lendemain d'un bouleversement émotionnel. La distinction esthétique et émotionnelle de la variante haineuse Cette version de l'œuvre emblématique de Denial ne se limite pas à un simple changement de couleur ; il s'agit d'un réajustement délibéré du ton et du message. La palette de gris évoque le détachement, la froideur et l'engourdissement, suggérant un état psychologique consécutif à un traumatisme ou à un effondrement émotionnel. Le visage de la femme, inspiré des héroïnes de bandes dessinées pop du milieu du XXe siècle, paraît figé et dépourvu de chaleur – un contraste intentionnel qui traduit la répression émotionnelle plutôt que la catharsis. La légende « Et puis les choses se sont améliorées », interprétée à travers le prisme de l'édition Hate, devient profondément ironique. Elle peut suggérer une répression, une colère ou une résignation masquées par une façade de guérison. Le visage sans larmes, le regard fuyant et l'absence de couleurs saturées transforment l'image en une réflexion sur le silence et la distance qui suivent souvent une forte tension personnelle ou sociale. Le commentaire du déni à travers le minimalisme dans l'art urbain pop et le graffiti Depuis longtemps, Denial utilise l'esthétique des médias de masse pour dénoncer la propagande, la manipulation émotionnelle et les illusions véhiculées par les messages commerciaux et culturels. Dans cette variante intitulée « Hate », il réduit l'image à sa structure essentielle pour exposer une contradiction émotionnelle. La netteté du trait, les textures de points Ben-Day et les ombrages monochromes renforcent les racines graphiques de son style, tandis que la sobriété de l'exécution invite le spectateur à se concentrer sur le ton et la posture plutôt que sur la couleur. La participation de Denial à l'exposition « Street Pop Art & Graffiti Artwork » comprend des interventions murales et des tirages d'art en édition limitée. Chaque format reflète sa mission principale : perturber la perception et susciter la réflexion grâce à des procédés visuels empruntés à la publicité et à la culture populaire. Cette œuvre, bien que plus sobre dans sa palette, est l'une des plus chargées en tension émotionnelle. Elle capture l'essence même du déni – non seulement le pseudonyme de l'artiste, mais aussi le comportement humain – où les sentiments sont enfouis sous des déclarations publiques. Qualité de fabrication et valeur de collection de l'édition Hate Imprimée avec des encres pigmentaires sur un papier beaux-arts sans acide de 330 g/m², l'édition Hate est conçue pour préserver à la fois son intégrité visuelle et sa longévité. La texture du papier permet aux nuances de gris d'atteindre des variations subtiles, tandis que la précision de l'impression met en valeur chaque ligne et chaque demi-teinte. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste, attestant de sa valeur en tant que pièce de collection au sein de l'œuvre plus vaste de Denial. Le choix de proposer cette variante en édition limitée à 25 exemplaires renforce son exclusivité et sa pertinence, notamment pour les collectionneurs sensibles aux récits émotionnels du pop art. Véritable manifeste du Street Pop Art et du graffiti, l'édition Hate nous rappelle que même les images les plus audacieuses peuvent véhiculer des messages discrets et latents. Elle témoigne visuellement de ces moments où le monde prétend que tout va mieux, mais où le corps et le visage, eux, n'oublient rien.

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Œuvre d'art Alien Crossing, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Scott Listfield .

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Fanion Tupac 1 couleur, édition limitée, sérigraphie 1 couleur sur feutre avec franges, œuvre d'art de tapisserie par l'artiste de graffiti Mike Giant Art. MIKE GIANT, Fanion Tupac, 2021. Sérigraphie une couleur sur feutre avec franges, 45,7 x 60,9 cm (18 x 24 po). Édition limitée à 50 exemplaires, avec certificat d'authenticité signé. Le tatoueur de renommée mondiale Mike Giant a perfectionné son art au Nouveau-Mexique en s'imprégnant constamment de graffiti, de heavy metal, de punk rock, de BMX, de skateboard et de hip-hop. Ses œuvres en noir et blanc sillonnent désormais le monde sous forme de tatouages, de peintures, de photographies, d'estampes d'art, de vêtements streetwear et bien plus encore.

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Buste masqué ABCNT - Édition limitée blanc ivoire, rare sculpture en résine solide coulée à la main, œuvre d'art de l'artiste de rue et artiste pop moderne ABCNT. Édition 2020 signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 5x6. Livré dans une boîte peinte à la main, signée et numérotée. Édition BCNT Blanc Ivoire 15 cm. Sculpture en résine massive coulée à la main. Édition limitée à 25 exemplaires. Boîte décorée au pochoir par l'artiste ABCNT, signée et numérotée.

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KET RIS - Oxide Red Édition Limitée Rare Bombe de Peinture en Aérosol Illustration Croisement du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Ket est un artiste de graffiti, commissaire d'exposition et photographe actif. Il a récemment été commissaire d'expositions de graffiti et de street art à la Fondation Cartier à Paris, à la PowerHouse Arena à Brooklyn, au 55DSL à New York, au Hip Hop Theatre Festival de l'Université de New York et au MOCA à Los Angeles. Il a exposé ses œuvres dans le monde entier, notamment à Melbourne, Port-au-Prince, Copenhague et Lima, au Pérou.

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Figurine de collection SuperKranky Set édition limitée Ramona Red Artist Proof, en vinyle, style street art, par Sket-One. Épreuve d'artiste AP 2022, édition limitée à 10 exemplaires signés et numérotés. Pièces personnalisées Super Kranky en superplastique Jankey, fabriquées à la main par Sket One. Décorées à la main avec un effet de peinture et 7 mini-bombes aérosol. Ces pièces comprennent : des éclaboussures de peinture personnalisées (chaque pièce est unique), un décor en résine 3D représentant une flaque d’eau, une bombe de peinture Kranky en résine mate et un bouchon signé et numéroté.

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En cas d'urgence, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par des artistes de la culture pop moderne chez Rip N Dip. Édition limitée 2022, 29,2 x 7,6 x 27,9 cm. Figurine « En cas d'urgence ». Porte en plastique transparent avec seringue remplie de Nerm et marteau. Poignées latérales.

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