Prix ​​moyen

Goonie 038 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale signée de 2013, pièce unique. Encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5 pouces (21,6 x 21,6 cm). Dimensions de l’image : 3 x 3 pouces (7,6 x 7,6 cm). Encadrement et passe-partout réalisés sur mesure par l’artiste. « Goonie 038 » de Naoto Hattori : Une vision d'introspection surréaliste « Goonie 038 » de Naoto Hattori est une œuvre d'une grande profondeur, fruit d'une introspection surréaliste. Ce chef-d'œuvre fusionne avec brio la finesse de l'aquarelle et la richesse de l'imagination surréaliste. Signée et réalisée en 2013, cette peinture originale et unique témoigne de l'engagement d'Hattori envers son art et de sa capacité à susciter l'émotion. Encadrée, l'œuvre, dont le format est de 21,6 x 21,6 cm et qui présente une image de 7,6 x 7,6 cm, est un microcosme de l'univers artistique foisonnant d'Hattori. L'encadrement et le passe-partout, réalisés avec soin par l'artiste, lui confèrent une dimension particulière. Si l'œuvre se distingue du street art et du graffiti par sa forme et sa présentation, elle partage néanmoins un lien intrinsèque avec ces genres par sa capacité à captiver et à transmettre des messages profonds. « Goonie 038 » ne trouvera peut-être pas sa place sur un mur public ni ne clame son existence à travers d'immenses fresques, mais elle impose le regard par son format intimiste et la force expressive de son sujet. Décryptage du symbolisme de « Goonie 038 » Dans « Goonie 038 », Hattori présente une créature inclassable, un être à la croisée d'émotions quasi humaines et de caractéristiques invraisemblables. Cette forme hybride est la signature du style Hattori, où traits familiers s'entremêlent à des éléments extraordinaires. Le travail minutieux à l'aquarelle accentue les textures et les contours du sujet, attirant le regard du spectateur sur la complexité de son expression. Le regard de la créature, empreint d'une lassitude qui contraste avec son apparence surnaturelle, invite à la réflexion sur les expériences partagées qui transcendent les frontières du réel. L'encadrement et le passe-partout sur mesure d'Hattori ne sont pas de simples protections, mais des éléments essentiels à l'impact global de l'œuvre. Le choix d'encadrer l'œuvre souligne l'importance du contexte dans la présentation d'une œuvre d'art. Pour Hattori, le cadre est une porte ouverte, invitant le spectateur à pénétrer dans le monde surréaliste qu'il a créé sur le papier. Elle symbolise le passage de l'esprit de l'artiste au monde du spectateur, permettant à « Goonie 038 » de trouver sa place dans un espace qui honore son caractère unique. « Goonie 038 » de Naoto Hattori est une représentation à la fois petite et puissante de la vision surréaliste de l'artiste, offrant une fenêtre sur un monde qui interpelle et élargit la perception du spectateur. Bien qu'elle occupe un espace différent de celui du street art et du graffiti traditionnels, elle partage le même esprit de rébellion contre l'ordinaire et le même désir de perturber et d'enchanter. À travers « Goonie 038 », Hattori a créé une œuvre qui constitue une contribution majeure à l'art surréaliste, capable de fasciner et de susciter la réflexion avec la même force.

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée Thaw Archival Pigment sur papier photo chiffon ultra lisse par l'artiste Josh Keyes. 2017. Tirage signé, format 20 x 14 pouces, édition limitée à 175 exemplaires. Imprimé sur papier d'archivage pressé à chaud, signé et numéroté.

Lis Plus Moins

Minnie Period 12 Édition limitée, pochoir aérosol HPM 9 couleurs et acrylique sur toile tendue sur châssis, par Jeff Gillette, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2020, réalisée au pochoir, à la peinture acrylique en aérosol, format 20 x 24 pouces. L'œuvre « Minnie Period 12 Hand Stencil Original Canvas » de Jeff Gillette est une pièce majeure du pop art, du street art et du graffiti. Caractérisée par l'utilisation d'images iconiques mêlées à des paysages urbains âpres, elle offre un commentaire percutant sur la société de consommation et le déclin social. Jeff Gillette, artiste américain de renom, est surnommé « l'homme qui détruit Disneyland », car il utilise fréquemment des figures Disney familières et nostalgiques sur des fonds dystopiques. Dans cette œuvre, la figure reconnaissable de Minnie Mouse est manipulée dans un style de pochoir graffiti non conventionnel, soulignant l'essence même du street art à l'état brut. « Period 12 » fait référence aux règles prématurées de Minnie et au numéro de la toile. Gillette imprègne cette œuvre d'un mélange paradoxal d'innocence et de désespoir. Ce contraste critique non seulement notre société saturée de médias, mais invite également les spectateurs à s'interroger sur l'influence des entreprises sur notre conscience culturelle collective. Avec sa représentation sans fard de la tension entre culture populaire et réalité, la toile originale « Minnie Period 12 Hand Stencil » de Jeff Gillette s'impose comme un exemple éloquent d'art pop et urbain contemporain.

Lis Plus Moins

Achetez SKATEBOARD Fine Art Édition Limitée Archival Pigment Print Transfer sur Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck par Street Artwork Graffiti Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Skateboard Artwork Taille XXXX INFO

Lis Plus Moins

Manifest Limited Edition Archival Pigment Fine Art Prints on 290gsm Moab Entrada Fine Art Paper by Melissa A Mitchell, artiste de graffiti, de street art et de pop culture. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Format : 33 x 35,5 cm (13 x 14 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 25 exemplaires

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

TRUST, œuvre d'art en édition limitée, tirage pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts, par Jimmy Law, artiste de graffiti de la culture pop.

Lis Plus Moins

Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Kachamukku - Figurine de collection en vinyle vert et rouge, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition ouverte 2022, hors production, 12,6 x 8 x 6 pouces / 32 x 20,3 x 15,2 cm, neuve en boîte. Kachamukku-Green Red de KAWS : une intersection vibrante entre art et jeu La figurine Kachamukku-Green Red de KAWS est une manifestation saisissante de la vision unique de l'artiste au sein du pop art moderne. Sortie en édition ouverte en 2022, cette figurine de collection en vinyle mesure 32 x 20 x 15 cm, témoignant de l'approche novatrice de KAWS, qui fusionne l'esthétique urbaine et les références à la culture pop. Cette figurine, aux couleurs vibrantes vertes et rouges, est un hybride créatif inspiré de la célèbre série télévisée japonaise Hirake! Ponkikki, mettant en scène Gachapin et Mukku, connus pour leurs pitreries et leur compétition amicale. La figurine Kachamukku se caractérise par le style signature de KAWS : des yeux et des oreilles marqués d'un X formant un motif d'os croisés, un détail devenu emblématique de l'œuvre de l'artiste. Le choix de couleurs de cette édition, qui diffère de la version entièrement noire sortie précédemment, ajoute une touche de vivacité et rend hommage aux teintes originales des personnages qui ont inspiré cette pièce. L'intégration de la culture pop dans le street art : la série Kachamukku de KAWS Avec la figurine Kachamukku-Green Red, KAWS repousse les limites du Street Pop Art et du graffiti. Cette pièce, la cinquième de sa série de 2021, incarne l'essence même de sa philosophie artistique : créer des œuvres ludiques, culturellement pertinentes et visuellement percutantes. S'inspirant de Hirake! Ponkikki, KAWS rend hommage à un pan de la culture pop japonaise et démontre son talent pour fusionner différents éléments artistiques et culturels afin de créer une œuvre inédite et captivante. L'esprit ludique de la figurine Kachamukku, avec sa posture dynamique et ses couleurs vives, traduit l'émerveillement et la joie enfantins inhérents à toutes les créations de KAWS. Elle se dresse comme un phare coloré dans l'univers des figurines de collection, invitant collectionneurs et fans à appréhender l'œuvre autant comme un jouet que comme une sculpture. Cette figurine est à la fois un objet et un récit qui transcende les barrières linguistiques et culturelles. L'impact mondial de l'édition Kachamukku-Green Red de KAWS L'impact mondial de la figurine Kachamukku-Green Red témoigne de la place prépondérante de KAWS dans l'univers des art toys et de son influence sur la perception du street art. Puisant ses racines dans une émission jeunesse japonaise culte, cette édition illustre le langage universel de l'art et sa capacité à relier des cultures diverses grâce à des esthétiques et des thèmes partagés. La figurine Kachamukku-Green Red, avec ses couleurs éclatantes et son design iconique, célèbre la joie et la simplicité des programmes pour enfants, réinterprétées à travers le prisme sophistiqué du street art. Désormais épuisée, la figurine Kachamukku-Green Red est devenue une pièce de collection très recherchée. Sa distribution via KAWSONE l'a rendue accessible à un large public, confirmant ainsi sa place parmi les œuvres majeures de KAWS. Alors que le street art continue de gagner en popularité et en reconnaissance, l'édition Kachamukku-Green Red de KAWS illustre parfaitement l'évolution du genre, faisant le lien entre les origines ludiques du graffiti et les récits complexes de l'art contemporain.

Lis Plus Moins

Dessin original au marqueur et au crayon, réalisé à la main sur papier Bristol par Sechor, artiste de street art graffiti moderne, représentant une pièce de clôture. Dessin original signé, avril 2021, 35,5 x 43 cm, papier Bristol

Lis Plus Moins

Idiocracy AP Artist Proof Limited Edition 4-Color Hand-Pull Silkscreen Print on Fine Art Paper by Shepard Fairey, Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Épreuve d'artiste AP 2016, signée et numérotée, édition limitée à 550 exemplaires, format 18 x 24 pouces, sérigraphie « J'ai toujours pensé que l'art, le divertissement et l'humour étaient les meilleurs vecteurs de critique sociale. J'apprécie donc particulièrement l'utilisation de l'humour dans « Idiocracy » pour rendre la critique sociale plus accessible. Le film est une dénonciation acerbe, mais nécessaire, de la culture et de la politique anti-intellectuelles qui semblent se normaliser de plus en plus. Ce film est une excellente mise en garde, et son ironie est savoureuse : il s'agit d'un divertissement plutôt populaire qui traite des dangers du rejet culturel de tout ce qui est intellectuel ou raffiné. En d'autres termes, le génie du film réside dans sa capacité à toucher le public visé, plutôt que de se contenter de prêcher à l'élite intellectuelle. » - Shepard Fairey - OBEY Idiocracy AP Sérigraphie de Shepard Fairey « Idiocracy » est une sérigraphie d'artiste de 2016, réalisée par Shepard Fairey et créée comme un hommage visuel percutant au film culte du même nom. Tirée à la main en quatre couleurs, cette sérigraphie mesure 45,7 x 61 cm et a été produite en édition limitée à 550 exemplaires, signés et numérotés. Imprimée sur papier d'art, l'œuvre témoigne de l'intérêt constant de Fairey pour l'utilisation de la culture populaire comme vecteur d'un commentaire social et politique incisif. Langage visuel, satire et commentaire culturel La composition emprunte largement à l'esthétique des films de propagande d'antan, avec ses tons rouges, noirs et or éclatants, ses cadrages géométriques affirmés et sa typographie autoritaire. Au centre de l'image trône un robinet déversant des « électrolytes » directement sur un cerveau humain, une métaphore visuelle mordante tirée de la marque fictive du film, « Brawndo ». Des slogans tels que « CE QUE LES CERVEAUX VEULENT ! » et « LE MUTILATEUR INTELLIGENT » renforcent la critique satirique de l'anti-intellectualisme, de la société de consommation et de l'érosion de l'esprit critique. L'utilisation par Fairey d'un symbolisme exacerbé reflète l'humour du film tout en amplifiant son message d'avertissement sur les conséquences de la complaisance culturelle. Shepard Fairey, Idiocracy et l'importance pour les collectionneurs Shepard Fairey a toujours utilisé l'ironie, l'humour et des images reconnaissables pour remettre en question les structures de pouvoir et les tendances culturelles, et Idiocracy s'inscrit pleinement dans cette lignée. En traduisant le message du film en une affiche graphique audacieuse, Fairey fait le lien entre le cinéma, le street art et l'art politique d'une manière à la fois accessible et provocatrice. En tant qu'épreuve d'artiste liée à un film satirique largement cité, cette estampe séduira les collectionneurs d'œuvres OBEY, d'art pop et d'estampes contemporaines engagées. Son mélange d'humour, de critique et d'iconographie classique de Fairey en fait une pièce maîtresse de son œuvre inspirée par la pop culture.

Lis Plus Moins

Sharp Tooth Bear ComplexCon Skateboard Art Deck Set par Takashi Murakami TM/KK Édition limitée Impression d'archives sur planche de skateboard en bois par un artiste de street art et de graffiti. Planche de skateboard édition limitée 2019, illustration format 8x31, neuve et en parfait état, lot de 3. Ensemble de planches de skateboard Sharp Tooth Bear ComplexCon par Takashi Murakami : Icônes pop réinventées dans le style street art et graffiti Le set de planches de skateboard Sharp Tooth Bear ComplexCon de Takashi Murakami est une édition limitée de 2019. Il se compose de trois planches en bois naturel de 8 x 31 pouces, imprimées par transfert pigmentaire d'archives. Distribué par le label TM/KK de Murakami et dévoilé à ComplexCon, ce set présente son personnage emblématique, Mr. DOB, dans une constellation surréaliste et flottante de sphères multicolores et de sourires acérés. L'œuvre, en parfait état, est conçue avec maestria pour s'étendre sur les trois planches, formant une image unifiée vibrante de mouvement et d'espièglerie. Témoignage de la fusion opérée par Murakami entre l'art japonais conceptuel et l'esthétique urbaine subversive, cette édition poursuit son exploration de l'identité visuelle à travers le prisme du Street Pop Art et du graffiti. Mr. DOB, alter ego et figure emblématique de Murakami, est ici présenté sous une forme plus évoluée et chaotique. Plusieurs têtes de Mr. DOB orbitent sur un fond dégradé passant du bleu turquoise au jaune pâle, créant une atmosphère onirique qui contraste avec les dents acérées, semblables à celles d'un requin, et les yeux multicolores psychédéliques incrustés dans chaque sphère. Ces éléments suscitent un sentiment mêlé de célébration ludique et de malaise psychologique. Puisant son inspiration dans l'anime, le manga, le marketing de marque et la dissonance émotionnelle de la culture visuelle contemporaine, l'icône aux dents pointues de Murakami devient à la fois personnage et critique. La précision de ses lignes et la distorsion quasi-cartoonesque transforment chaque tête flottante en un réceptacle symbolique de la surstimulation et de la fragmentation culturelle de notre époque. Quand la culture skate rencontre le surréalisme pop en édition limitée Le choix de Takashi Murakami de présenter cette œuvre sous forme de planches de skateboard est délibéré. ​​Les planches de skate se situent depuis longtemps à la croisée de la fonctionnalité et de la rébellion. Dans le Street Pop Art et le graffiti, le skateboard est plus qu'un simple outil : c'est un symbole d'expression personnelle, de subversion et de la tension entre mouvement et impact visuel. En transposant son personnage le plus emblématique sur un support issu de la culture underground, Murakami ouvre de nouvelles perspectives d'accessibilité et de force d'expression. L'ensemble Sharp Tooth Bear préserve l'authenticité tactile de la rue tout en s'affirmant comme un objet d'art de luxe. La verticalité incurvée des planches donne l'impression que les sphères flottent en apesanteur, soulignant le détachement et la surveillance souvent associés aux personnages de Murakami. Chaque panneau conserve ses détails tout en contribuant à l'ensemble, créant une composition murale qui fait le lien entre l'art contemporain et le graffiti des skate shops. La qualité de production – pigments d'archivage haute fidélité sur bois – préserve l'intégrité de l'image et renforce son statut d'objet de collection. Ces terrasses sont conçues pour durer, mais elles sont issues d'une culture qui valorise l'éphémère. La mutation des caractères comme langage dans le système visuel de Murakami L'utilisation récurrente de Mr. DOB dans l'œuvre de Murakami symbolise la transformation, l'identité commerciale et la saturation visuelle. Dans le jeu de cartes Sharp Tooth Bear, l'expression du personnage se déforme en de multiples formes : yeux exorbités, motifs tourbillonnants et mâchoires acérées créent une impression de multiplicité et d'instabilité. Ceci reflète un thème plus large du Street Pop Art et du graffiti, où les personnages deviennent des signatures, des avatars et des mythologies qui évoluent dans l'espace public. À l'instar des tags de graffiti, ces personnages agissent comme une carte de visite, mais Murakami les amplifie grâce à la théorie des couleurs, l'harmonie de la composition et la dualité émotionnelle. Des têtes flottantes, souriantes ou grimaçantes, occupent l'espace liminal entre joie et chaos. Leur apparence éclatante masque le grotesque, créant un paradoxe central à l'expérience de la culture pop moderne. Ces figures flottent dans le vide, déconnectées et pourtant expressives, à l'image du paysage médiatique fracturé que Murakami interroge si fréquemment. Les jeux de cartes racontent une histoire de mutation culturelle et de saturation psychologique à travers la ligne, la couleur et la répétition. Les planches de skate de Takashi Murakami en tant qu'icônes culturelles contemporaines Takashi Murakami, né au Japon en 1962, continue de repousser les limites du street art et du graffiti. Ses planches de skate, présentées à la ComplexCon, étendent les frontières du médium, insufflant à l'art une puissance brute et urbaine. Le set Sharp Tooth Bear est une introduction à la philosophie Superflat de Murakami, où la profondeur est comprimée et le sens visuel décuplé. Avec cette sortie de 2019, Murakami confirme que des personnages comme Mr. DOB ne sont pas de simples artifices visuels, mais des outils sophistiqués pour explorer l'artificiel, l'émotionnel et le psychédélique dans un monde saturé d'images. Ces planches ne sont pas de simples objets de collection : elles symbolisent la capacité de l'art visuel à muter, à s'élever et à mordre, tout en conservant un sourire. Elles sont les échos picturaux de la conscience pop, figés dans le mouvement, façonnés avec intention, couleur et une dentition acérée.

Lis Plus Moins

Greaper, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par Sket-One, artiste de street art. Greaper est la faucheuse des âmes des bombes de peinture vides, et elle est là pour les collectionneurs. » Il a ajouté : « En tant que graffeur, je voulais simplement mélanger la peinture en aérosol avec quelque chose d'amusant et de sombre. » Avec une édition limitée à 777 exemplaires dans le monde, la figurine en vinyle « Greaper » est un objet de collection incontournable.

Lis Plus Moins

Peinture originale de nature Pasca sur papier aquarelle par Jon Burgerman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Dessin original sur papier de l'artiste Jon Burgerman, 2014. Dimensions : 9 x 12 pouces. « Jon Burgerman crée des gribouillis néo-primitifs vibrants, mêlant formes et couleurs. Il a intégré ses personnages monstrueux dans des compositions où des formes caricaturales s'empilent les unes sur les autres, créant une masse d'énergie explosive. D'une productivité intense, il a propulsé l'obsession des personnages de la fin des années 90 vers une direction bien plus intéressante et percutante. Imaginez Walt Disney devant un monument inca sous l'influence de la mescaline. » – Francesca Gavin, rédactrice en chef de la section Arts visuels de Dazed & Confused et auteure de Street Renegades et 100 New Artists, publiés chez Laurence King.

Lis Plus Moins

Un équilibre délicieux. Aquarelle originale de Bwana Spoons. Œuvre unique sur papier d'art vélin à bords francs, par un artiste pop art de rue. Aquarelle originale signée, datant de 2006. Dimensions : 5,5 x 7,5 pouces. Un équilibre délicieux par Bwana Spoons – Un équilibre ludique dans l'art pop urbain et le graffiti « Un équilibre délicieux » est une aquarelle originale de 2006, réalisée par Bwana Spoons sur papier d'art vergé de 14 x 19 cm. Reconnu pour ses personnages fantaisistes, ses palettes de couleurs éclatantes et son univers d'une grande richesse imaginative, Bwana Spoons insuffle à cette composition compacte et pleine de charme son style unique, mêlant innocence, étrangeté et abstraction narrative. On y voit un personnage fantastique – mi-humanoïde, mi-créature – jonglant avec une assiette sur sa tête, chevauchant une tortue stylisée ou interagissant avec elle. Entourée de motifs floraux tourbillonnants, de lavis de couleurs fluides et de textures de pinceau denses, la scène devient une métaphore de la sérénité au milieu du chaos. Elle évoque un calme intérieur tout en débordant d'énergie. Œuvre à part entière, s'inscrivant dans le genre du Street Pop Art et du Graffiti, elle témoigne de l'engagement de Bwana Spoons envers la narration fantastique à travers des formes picturales accessibles. Caractère, geste et mouvement symbolique Au centre de « A Delightful Balance », la figure aux membres exagérés, aux traits stylisés et aux lignes expressives mêle la logique du dessin animé à un mouvement surréaliste. Ses bras tendus et ses jambes levées suggèrent à la fois l'acrobatie et un instant de suspension. Son large sourire, son nez bleu vif et sa chevelure verte tourbillonnante accentuent la fantaisie générale, faisant de la figure un protagoniste visuel d'une histoire muette. La tortue à ses pieds ancre l'œuvre dans un mouvement lent et une énergie sereine, renforçant le thème de l'équilibre. L'approche de Bwana Spoons en matière de conception de personnages est non linéaire et ludique, refusant l'anatomie conventionnelle au profit de formes fluides et chargées d'émotion. Dans le domaine du street art et du graffiti, ces personnages fonctionnent comme des reflets émotionnels, canalisant l'énergie par l'abstraction visuelle. La technique de l'aquarelle et le monde artisanal L'aquarelle de Bwana Spoons se caractérise par une texture riche, des couches superposées et une grande finesse. Loin des lavis délicats ou d'un minimalisme translucide, son approche privilégie les collisions de couleurs, les coups de pinceau épais et les dégradés vibrants. Dans « A Delightful Balance », les roses, les verts, les bleus et les tons terreux se fondent harmonieusement, créant un arrière-plan évoquant un décor naturel onirique sans pour autant tomber dans le réalisme. L'utilisation de couleurs opaques par endroits repousse les limites du médium, suggérant les superpositions caractéristiques des peintures murales ou de la sérigraphie. Les bords déchirés à la main du papier vergé soulignent l'échelle intimiste et le caractère artisanal de l'œuvre. Chaque élément de l'image vibre de mouvement, insufflant la vie même à l'immobilité. Dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, cette peinture est l'expression miniature d'une imagination débordante. Cuillères Bwana et la célébration du design émotionnel « Un équilibre délicieux » illustre la capacité de Bwana Spoons à insuffler douceur, étrangeté et narration à chacun de ses coups de pinceau. Son œuvre ne cherche ni à critiquer ni à confronter ; elle offre évasion, humour et introspection à parts égales. En créant d'étranges créatures en parfaite harmonie avec leur environnement, Spoons invite le spectateur à faire une pause, à observer et à renouer avec une forme de joie visuelle souvent absente de la culture urbaine contemporaine. L'équilibre qu'il explore n'est pas seulement littéral ; il est à la fois émotionnel et visuel. Figure emblématique du Street Pop Art et du graffiti, Bwana Spoons continue d'ouvrir une fenêtre sur des univers à la fois personnels et universels. Cette œuvre nous rappelle que l'art peut être à la fois doux et extatique, que cet équilibre, bien que fugace, mérite toujours d'être immortalisé.

Lis Plus Moins

Ce que vous avez tenu ne vous a jamais appartenu. Tirage giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

Lis Plus Moins

This Land Is Your Land AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY Artist Proof Hand-Tired Screen Print on Speckletone Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Art Artwork. Épreuve d'artiste AP 2012 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Format 18x24 Sérigraphie d'une œuvre inspirée de la musique de Neil Young : Homme, montagnes, barbelés et la phrase « Défense d'entrer, cette terre est ma terre » Cette terre est votre terre AP Sérigraphie de Shepard Fairey « This Land Is Your Land » est une sérigraphie d'artiste (épreuve d'artiste) de 2012 de Shepard Fairey, artiste américain connu pour son projet OBEY et son rôle dans l'essor du street art, du pop art et du graffiti contemporains. Tirée à la main sur papier d'art moucheté, cette sérigraphie a été signée et estampillée « Épreuve d'artiste » (EA) lors du tirage original. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette édition se distingue de l'édition standard par sa rareté et son lien direct avec la pratique artistique de Fairey. L'image représente une figure masculine solennelle se détachant sur un paysage montagneux, traversé de barbelés horizontaux, accompagné du texte provocateur « No Trespassing This Land Is My Land » (Défense d'entrer). L'œuvre puise son inspiration conceptuelle dans la musique folk et contestataire américaine, notamment dans les thèmes associés à Neil Young, tout en les réinterprétant dans le langage visuel caractéristique de Fairey. Imagerie, typographie et symbolisme politique La figure centrale est réalisée dans le style graphique caractéristique de Fairey, mêlant contrastes marqués et textures superposées qui évoquent à la fois les traditions de la sérigraphie et les surfaces urbaines patinées par le temps. Les montagnes à l'arrière-plan symbolisent le patrimoine naturel et l'identité nationale, tandis que les barbelés qui traversent la composition instaurent une tension, une restriction et une exclusion. La typographie audacieuse ancre le message, transformant une formule patriotique familière en une affirmation de conflit plutôt que d'unité. En faisant passer le sentiment d'une terre partagée à celui d'un territoire contesté, Fairey met en lumière les contradictions inhérentes aux récits américains concernant la propriété, les frontières et l'accès. La palette rouge, blanche et bleue renforce la dimension politique, faisant référence au symbolisme national tout en critiquant la manière dont ces symboles sont utilisés. Contexte culturel et pertinence durable Créée durant une période de vifs débats autour de l'aménagement du territoire, de la propriété privée et des libertés individuelles, « This Land Is Your Land » témoigne de l'engagement constant de Shepard Fairey envers les structures de pouvoir et la justice sociale. Cette œuvre s'inscrit dans sa pratique artistique plus large, qui consiste à utiliser le street art et le graffiti pour susciter le dialogue plutôt que pour apaiser. En mêlant des références culturelles inspirées par la musique à des barrières visuelles telles que des barbelés, Fairey souligne combien les idéaux de liberté et d'égalité sont souvent bridés par les politiques publiques, l'économie et l'idéologie. Le statut d'épreuve d'artiste renforce l'importance de cette œuvre, la positionnant à la fois comme un objet de collection et une déclaration culturelle percutante. Dans l'œuvre de Fairey, cette estampe demeure un exemple éloquent de la manière dont l'art graphique peut constituer une forme de protestation visuelle, ancrée dans le symbolisme historique tout en abordant les réalités contemporaines.

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archivage fumés, sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste pop urbain Scott Listfield. Œuvre d'art moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 50 exemplaires. Format de l'œuvre : 16 x 23 pouces. #50 sur 50

Lis Plus Moins

Œuvre d'art Rabbit House, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de propagande Ron English - POPaganda. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Format : 32 x 27 pouces. « Rabbit House » est une œuvre captivante de Ron English-POPoganda, artiste reconnu pour sa contribution au mouvement de l'art propagandiste, qui critique la culture contemporaine en fusionnant art savant et art populaire. Cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art de qualité, met en lumière le talent d'English pour juxtaposer le surréalisme à une palette hyper-saturée, créant une œuvre à la fois un régal pour les yeux et un commentaire profond sur le consumérisme et l'emprise des entreprises sur la société américaine. Réalisée en 2013 et mesurant 81 x 69 cm, cette œuvre appartient à une série très exclusive, limitée à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. « Rabbit House » d'English plonge le spectateur dans une scène vibrante, presque psychédélique, mêlant des éléments de paysages fantastiques à des personnages et des motifs familiers mais déformés. Ce tableau saisissant est peuplé de créatures mutantes et de jouets, exprimant la fusion caractéristique de l'artiste entre réalité et absurde. Les créatures de la scène, aux proportions exagérées et aux couleurs chatoyantes, incarnent le regard critique d'English sur les effets pernicieux du capitalisme sur la nature et l'innocence de l'enfance. La minutie et la profondeur de l'œuvre plongent le spectateur dans un espace tridimensionnel à la fois irréel et étrangement familier, faisant écho à l'intrusion du fantastique dans le quotidien, omniprésente dans notre environnement saturé de publicité. Ron English-POPoganda utilise la technique d'impression giclée, reconnue pour sa reproduction fidèle des couleurs et des détails, garantissant une netteté exceptionnelle à chaque élément, des surfaces réfléchissantes aux textures complexes de la faune et de la flore. En créant une série limitée d'estampes, English inscrit son œuvre dans l'esprit du street art, où l'exclusivité et l'accessibilité sont primordiales. À l'instar des fresques éphémères des artistes de rue, « Rabbit House » occupe une place transitoire dans le monde de l'art. Sa disponibilité limitée confère à l'œuvre un caractère éphémère, contrastant avec la pérennité du papier sur lequel elle est imprimée. L'œuvre d'English est un subtil mélange de critique et d'hommage à la culture populaire, offrant une immersion totale tout en incitant à une réflexion introspective sur le monde qui nous entoure. Plus qu'une simple affirmation, cette œuvre est un véritable point de départ pour le dialogue, captivant le spectateur par la richesse de ses significations et la profondeur de son récit visuel.

Lis Plus Moins

Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Electric Boogaloo sur papier d'art Moab Rag 290 g/m² par Malt Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Pour chaque processus, je pars toujours d’un concept ou d’une idée de base, mais j’apprécie vraiment le chemin de l’inconnu, travailler sans restrictions. Je commence par une idée ou une esquisse sommaire, puis je crée un fond. À partir de là, je me laisse guider par le pinceau ou la bombe aérosol. » – Malt.

Lis Plus Moins

Sérigraphie APOPHENIA par Add Fuel, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art Astropack 320 g/m², édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Dimensions de l'œuvre : 19,69 x 27,56 pouces. Sérigraphie. Sérigraphie APOPHENIA par Add Fuel APOPHENIA d'Add Fuel est un chef-d'œuvre de décodage visuel, superposant tradition ornementale et sémiotique urbaine pour créer un exemple saisissant de street art et de graffiti. Sortie en 2023 en sérigraphie artisanale, cette impression six couleurs sur papier d'art Astropack 320 g/m² mesure 50 x 70 cm et est signée et numérotée (tirage limité à 100 exemplaires). Fidèle au style caractéristique d'Add Fuel, cette œuvre bouscule les attentes en déconstruisant l'esthétique du carrelage et en révélant des récits subversifs sous-jacents. L'ornementation traditionnelle rencontre l'expression urbaine Add Fuel, de son vrai nom Diogo Machado, artiste plasticien portugais, est internationalement reconnu pour sa transformation des motifs d'azulejos en compositions contemporaines puisant dans le graffiti, la bande dessinée et l'art numérique. APOPHENIA porte bien son nom, invitant le spectateur à déceler des motifs significatifs au sein d'un chaos stratifié. À travers des déchirures stratégiques dans la façade en céramique bleue et blanche, Add Fuel révèle une vision multidimensionnelle de la culture urbaine. Chaque couche sous le masque décoratif dévoile des éléments de graffiti, des yeux caricaturaux, des polices de caractères inspirées des bombes aérosol et des références à un vandalisme ludique. Ces ruptures deviennent des métaphores de la mise à nu, levant le voile sur la manière dont les identités historiques s'entrechoquent ou fusionnent avec la réinvention urbaine. Cette technique reflète la tension visuelle au cœur de l'évolution du pop art : révérence et rébellion, passé et présent. Les motifs ornementaux des carreaux sont imprimés avec une précision sérigraphique impeccable, soulignant symétrie et répétition. Mais ces motifs sont brutalement interrompus par des déchirures irrégulières et des inscriptions graffiti incrustées, insufflant une dimension de défi à la formalité. La superposition comme commentaire culturel L'estampe se lit comme un palimpseste superposé d'histoire, de patrimoine et de rébellion. Add Fuel utilise l'azulejo non seulement comme motif, mais aussi comme symbole culturel : une représentation de l'histoire coloniale, de l'expression religieuse et de l'identité architecturale des régions lusophones. En insérant des yeux de dessin animé abstraits, des lettres graffiti façon bulles et des touches pop roses en filigrane, il interroge la question de savoir qui écrit l'héritage culturel et qui le redessine. L'insert rose en haut à droite, imitant une sérigraphie montée sur un mur carrelé, pointe vers le cadre institutionnel, le commerce et la marchandisation croissante de l'esthétique urbaine. Chaque section d'APOPHENIA apparaît comme exposée chirurgicalement, volontairement perturbatrice et d'une pureté graphique absolue. L'effet produit est une exploration de ce qui se produit lorsque l'expression underground transparaît à travers un vernis décoratif, lorsque l'expérience vécue de la rue insiste pour être vue à travers des surfaces dignes d'un musée. La précision de la gravure rencontre l'interruption urbaine Imprimée avec six couches méticuleuses, APOPHENIA transcende la simple reproduction de l'esthétique des murs de rue grâce à un savoir-faire exceptionnel. Le papier beaux-arts Astropack 320 g/m² absorbe les couleurs avec profondeur et éclat, tout en faisant ressortir la précision des effets de déchirure et des joints des carreaux. La sérigraphie confère à chaque motif – de la géométrie imbriquée des azulejos aux éclaboussures de graffiti plus libres – une netteté graphique remarquable, simulant la superposition et la profondeur. Plus qu'une illusion visuelle, c'est le travail artisanal de l'impression incarné. APOPHENIA d'Add Fuel est à la fois un hommage et une provocation, une tradition et une rupture. Elle s'inscrit pleinement dans le contexte du pop art urbain contemporain, non pas en empruntant l'esthétique du graffiti, mais en fusionnant avec la même minutie le carreau et le tag. C'est une réflexion visuelle sur l'identité, la culture et l'érosion et la persistance simultanées de l'expression publique.

Lis Plus Moins

Canbot Canz 76 - Gunmetal Black OG Canbot Canz Limited Edition Vinyl Art Toy Collectible Artwork by street graffiti Dragon76 x Czee13. 2022 Martian Toys x Dragon76 x Czee13 x Clutter Canbot Canz 76 : Gunmetal Black OG par Dragon76 Le célèbre samouraï de Dragon76 se pare des Canz de Canbot ! Figurine en vinyle de 14 cm de haut qui fait vraiment du bruit ! Édition limitée à 200 exemplaires. Coloris exclusif Martian Toys. Produit par Clutter Studios.

Lis Plus Moins

Promeneur de chiens sadique - Sérigraphie en édition limitée rouge bicolore tirée à la main sur papier d'art fin Speckletone par Shepard Fairey, artiste rare de street art OBEY Pop Artwork. Sérigraphie signée et numérotée 2021 « Sadique promeneur de chien (rouge) » 61 x 84 cm (24 x 33 pouces) Édition limitée à 450 exemplaires 15 novembre 2021 J'ai créé plusieurs images au fil des ans abordant la question des violences policières, et je pense que l'humour et l'absurde permettent de rendre ce sujet grave plus accessible. L'histoire des chiens policiers utilisés contre les manifestants pour les droits civiques est marquée par la violence, ce qui contraste fortement avec l'image idyllique des propriétaires de chiens blancs qui chouchoutent leurs animaux et font appel à des promeneurs. Certains d'entre nous n'ont jamais à se soucier de la fréquence des abus de pouvoir commis par la police dans les communautés non blanches et défavorisées. Cette image du « Promeneur de chiens sadique » nous invite à prendre conscience de cette dualité. – Shepard

Lis Plus Moins

« Salt with a Deadly Pepper », une œuvre d'art en édition limitée, imprimée avec des pigments d'archivage sur papier buvard perforé, par Skel, inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

Lis Plus Moins

Sweat à capuche Astro Boy - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Faile x Deluxx Fluxx x ToyQube. En collaboration avec le sweat à capuche FAILE x Deluxx Fluxx x ToyQube Astro Boy, l'emblématique Astro Boy prend vie dans l'univers sonore et visuel du club Deluxx Fluxx, grâce à une luminescence UV noire. Il porte un sweat à capuche et une veste de survêtement personnalisés. Célébrant l'esthétique du célèbre club Deluxx Fluxx de Detroit, cette figurine en édition limitée à 500 exemplaires mesure 25 cm de haut.

Lis Plus Moins

Optimus Prime Transformers - Bleu/Rouge 200% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection Art. Collectionnez les figurines Bearbrick transformables avec le Bearbrick x Transformers Optimus Prime 200%. Cette figurine met en scène Optimus Prime de Transformers sous forme de Bearbrick. Le Bearbrick se transforme pour révéler la silhouette emblématique d'Optimus Prime. La figurine Bearbrick x Transformers Optimus Prime 200% est sortie en 2014.

Lis Plus Moins

Outils de méfait criminel : Les canettes IV - Édition Krylon, tirage pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Roger Gastman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette estampe est le quatrième volet de ma récente série intitulée « Outils de la malice » et a été créée spécialement pour les collectionneurs de 1xRun. Je possède une immense collection de bombes de peinture et de marqueurs vintage que je rassemble depuis des années. Cette collection est entièrement composée de bombes Krylon. Chaque fois que des gens viennent chez moi, peu importe qui ils sont, ils veulent toujours me poser des questions sur ma collection de bombes, de marqueurs et autres objets, et les prendre en photo. Avec le « graffiti » et le « street art » qui deviennent des expressions à la mode, et l'art abordable qui se démocratise grâce à des sites comme 1xRun, c'est amusant de se souvenir des outils qui ont rendu tout cela possible. » – Roger Gastman

Lis Plus Moins

Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

Lis Plus Moins

Knockout 11 Édition Limitée 1 Couleur Sérigraphie Manipulée à la Main Acrylique, Peinture en Aérosol et Collage sur Papier 250 g/m² par Greg Gossel Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Édition limitée HPM de 2015, signée et numérotée à 18 exemplaires. Œuvre d'art ornée, format 18 x 22 pouces. « La série Knockout! est en quelque sorte le pendant de ma série Superficial! sortie l'année dernière. Elle représente l'autre face de la médaille du personnage agressif et bagarreur de l'édition précédente, que je perçois comme une métaphore des hauts et des bas de la vie quotidienne. Quant au processus créatif lui-même, cette série est l'une de mes créations les plus complexes. Chaque pièce a été réalisée à partir d'une couche de pages de bandes dessinées vintage collées, créant ainsi une texture de base unique. Les pièces ont ensuite été poncées, effilées à la main, puis recouvertes de diverses couches sérigraphiées, de lavis acryliques et de textures peintes à la bombe, conférant à la série une surface très riche et complexe. Ce processus laborieux imite la superposition et la dégradation des anciennes enseignes et publicités de rue, et rend chaque estampe de la série totalement unique. » - Greg Gossel

Lis Plus Moins

MC Action MC Supersized Édition Limitée Figurine d'Art en Résine de Collection Œuvre d'Art de l'artiste de graffiti de rue Ron English- POPaganda. Figurine en résine de 9,5 cm (3,75 pouces), moulée et peinte à la main, sous blister. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée.

Lis Plus Moins

Optimus Prime Transformers - L'Âge de l'Extinction 200% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection. Bearbrick s'est associé à Transformers pour créer la figurine Bearbrick x Transformers Optimus Prime (Version L'Âge de l'Extinction) à 200 %. Cette figurine représente la silhouette de l'ours Bearbrick sous les traits d'Optimus Prime, tiré du film Transformers : L'Âge de l'Extinction (2014). Le Bearbrick peut être transformé pour révéler Optimus Prime dissimulé en dessous. La figurine Bearbrick x Transformers Optimus Prime (Version L'Âge de l'Extinction) à 200 % est sortie en 2015.

Lis Plus Moins

Obey Long Playing AP Dance Floor Riot Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY Artist Proof Hand-Pull 1-Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste AP 2011, signée et marquée AP, édition limitée, format 13x13 Bien avant de connaître les galeries d'art ou même le street art, j'étais fasciné par les pochettes d'albums, ne serait-ce que parce qu'elles représentaient visuellement la musique des disques que j'adorais. Les pochettes d'albums évoquaient une association euphorique avec l'écoute. La plupart de mes premiers t-shirts faits maison étaient des pochoirs inspirés des pochettes d'albums punk… J'ai beau adorer l'art et essayer de me convaincre de son importance dans la société, force est de constater que la musique est bien plus captivante et touche bien plus profondément les cœurs et les esprits… Mais je suis un populiste et je vois les choses ainsi : même si je ne joue pas d'instrument, je vais m'éclater ! Avec mon art, j'essaie de capturer cette même énergie et cet esprit qui rendent la musique si puissante et démocratique. REVOLUTIONS est un hommage à toute la musique et aux œuvres d'art qui m'ont inspiré au fil des ans. – Shepard Fairey Obey Long Playing AP de Shepard Fairey : une fusion de musique et de pop art urbain L'épreuve d'artiste sérigraphique « Obey Long Playing » de Shepard Fairey est un vibrant hommage à l'influence intemporelle de la musique sur la culture visuelle. Créée en 2011, cette épreuve d'artiste en édition limitée mesure 33 x 33 cm et est tirée à la main en sérigraphie monochrome sur papier beaux-arts. Signée et estampillée « Épreuve d'artiste » par Fairey, elle fait partie de sa série « Revolutions », qui célèbre la rencontre entre musique et art. Par son design monochrome audacieux, cette œuvre capture le charme intemporel des disques vinyles et l'héritage culturel qu'ils représentent. Le visuel met en avant un disque vinyle stylisé, encadré d'un motif ornemental. La typographie audacieuse « Obey Long Playing Records » évoque l'esthétique des pochettes d'albums vintage, mêlant nostalgie et sensibilité pop art urbaine contemporaine de Fairey. Les détails complexes de la bordure contrastent avec l'image centrale minimaliste, créant une composition à la fois visuellement dynamique et conceptuellement riche. Cette œuvre témoigne du lien profond qui unit Fairey à la musique, véritable moteur de son art, et souligne l'énergie et l'accessibilité partagées entre musique et art urbain. La musique comme inspiration visuelle et culturelle Le lien de Shepard Fairey avec la musique est profond et influence une grande partie de son œuvre, notamment « Obey Long Playing ». Ayant grandi au cœur de la scène punk rock, Fairey a puisé son inspiration dans l'éthique du « fait maison » et l'esprit rebelle de ce genre musical. Cette influence transparaît dans ses graphismes audacieux et son utilisation de pochoirs, techniques issues de la tradition du graffiti. Dans cette œuvre, Fairey canalise l'énergie et la démocratie de la musique en une forme visuelle, célébrant sa capacité à unir les peuples et à transcender les frontières. Le disque vinyle mis en avant dans le visuel symbolise un âge d'or de la musique, où les albums physiques et leurs pochettes jouaient un rôle crucial dans la définition de l'identité d'un artiste. Le choix de Fairey de privilégier cet objet culturel témoigne de son admiration pour le lien tangible qui unit la musique à son public. L'estampe rend hommage à l'art du design d'albums et à sa capacité à susciter des émotions fortes, à l'image de la musique qu'il représente. L'art de la sérigraphie Obey Long Playing témoigne de la maîtrise de Shepard Fairey en matière de sérigraphie. Chaque tirage est réalisé à la main avec une précision méticuleuse, garantissant une qualité et une exactitude exceptionnelles. La conception monochrome permet des contrastes saisissants et des détails d'une grande netteté, mettant en valeur la finesse de la bordure décorative et la pureté des lignes de la typographie centrale. Imprimée sur papier beaux-arts, l'œuvre bénéficie d'une finition raffinée qui renforce son impact visuel et sa durabilité. L'appellation « Épreuve d'artiste » confère à cette œuvre une rareté et une exclusivité particulières, désignant souvent les premières versions d'une estampe utilisées pour peaufiner le dessin. L'attachement de Fairey à la sérigraphie témoigne de son attachement aux traditions du graffiti et du street art, où le pochoir et l'impression manuelle sont essentiels. Ce choix de technique souligne d'autant plus le caractère tactile et authentique qui caractérise l'œuvre de Fairey. Shepard Fairey : Une voix du pop art urbain et du graffiti Shepard Fairey, artiste et activiste américain, est devenu une figure emblématique du street art et du graffiti. Reconnu pour ses créations iconiques qui mêlent commentaire culturel et esthétique audacieuse, Fairey puise souvent son inspiration dans sa passion pour la musique, notamment le punk et le hip-hop. L'œuvre « Obey Long Playing » illustre parfaitement ce lien, célébrant à la fois l'importance culturelle de la musique et reflétant son influence sur l'art de Fairey. À travers sa série Revolutions, Fairey explore la relation symbiotique entre musique et art visuel, créant des œuvres qui touchent plusieurs générations. Obey Long Playing se distingue comme un vibrant hommage à l'héritage du vinyle, mêlant nostalgie et techniques artistiques modernes. La capacité de Fairey à capturer l'énergie et l'esprit de la musique sous une forme visuelle confirme son statut de figure majeure du street art et du graffiti contemporains.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Holiday Japan - Figurine de collection en vinyle marron en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti Kaws et Brian Donnelly. Sculpture artistique en vinyle, édition limitée 2019, motif « Fêtes du Japon », couleur marron. Œuvre d'art en vinyle coulé, estampillée au dos. Édition limitée « Tous droits réservés », Hong Kong. État quasi neuf. Emballage d'origine. Reflets des récits urbains : l'édition Holiday Japan-Brown de KAWS « Holiday Japan-Brown » de KAWS est une figurine en vinyle en édition limitée, fusionnant l'énergie brute du street art et l'esthétique raffinée des sculptures d'art. Sortie en 2019, cette pièce en vinyle moulé et peint fait partie d'une série plus vaste retraçant le parcours de l'artiste à travers différents paysages culturels. Mesurant 10 x 23 x 9 cm, chaque figurine est estampillée au dos, gage d'authenticité, et éditée par AllRightsReserved (Hong Kong), ce qui renforce son statut d'objet de collection recherché. L'édition « Holiday Japan-Brown » de KAWS, figure emblématique du street art, incarne la sérénité et la contemplation souvent absentes du tumulte de la vie urbaine. Cette sculpture en vinyle représente un Companion au repos, figure récurrente dans l'œuvre de KAWS, illustrant le mélange unique de formes abstraites et de profondeur émotionnelle qui caractérise son approche du pop art moderne. KAWS et le point de rencontre entre l'art jouet et la sculpture contemporaine La figurine Holiday Japan-Brown de KAWS brouille les frontières entre jouet et sculpture contemporaine, conférant à l'objet de collection une certaine sophistication. Cette pièce témoigne du talent artistique de KAWS et offre une réflexion sur la culture du collectionnisme qui s'est développée autour de ces figurines. Le Companion, avec ses yeux louches et ses traits exagérés, est plus qu'un personnage : c'est une icône du pop art urbain, illustrant l'intégration du graffiti dans la culture populaire. Sa teinte brune, évoquant la terre et les éléments naturels, contraste avec l'environnement urbain souvent vibrant d'où émerge le street art. En choisissant cette couleur, KAWS crée un effet d'ancrage, apportant une touche de sérénité aux espaces des collectionneurs. L'édition Holiday Japan-Brown, avec sa posture décontractée et sa couleur apaisante, invite à la contemplation, un luxe précieux dans le monde trépidant dont elle s'inspire. Impact culturel de l'œuvre Holiday Japan-Brown de KAWS dans le monde de l'art La sortie de la sculpture en vinyle Holiday Japan-Brown de KAWS a profondément influencé la perception du street art dans le monde de l'art contemporain. Cette œuvre symbolise l'évolution du street art, passant de fresques urbaines éphémères à des objets d'art convoités, occupant une place de choix dans les collections publiques et privées. La figurine Companion est devenue un trait d'union entre différents publics, séduisant collectionneurs, amateurs de culture pop et grand public. Alors que le street art continue de gagner en reconnaissance et en valeur, l'œuvre de KAWS, et plus particulièrement l'édition Holiday Japan-Brown, témoigne de la valeur artistique et de la pertinence culturelle du genre. Cette figurine est une incarnation physique du parcours du street art. Elle en capture l'esprit sous une forme tangible et collectionnable, et résonne profondément avec les thèmes de la connexion et de l'humanité, au cœur de l'œuvre de KAWS. À travers de telles créations, KAWS confirme son rôle d'artiste incontournable dans le dialogue entre le street art et le graffiti, jetant un pont entre la subculture et le monde de l'art contemporain.

Lis Plus Moins

Chaz Bojorquez MOCA Art dans la rue Œuvre d'art en bombe de peinture noire par Montana MTN Édition limitée Artiste Peinture Crossover Graffiti Art de rue. 2011 Signé, imprimé Chaz Bojorquez MOCA Couleur noire Édition limitée à 500 exemplaires Bombe de peinture avec boîte personnalisée Objet Œuvre d'art Taille 3x8 Montagne du Montana Rempli de peinture. Bombe de peinture MOCA Chaz Bojórquez par Montana MTN La bombe de peinture en édition limitée Chaz Bojórquez MOCA Art in the Streets de Montana Colors est un vibrant hommage à l'un des pionniers les plus respectés de la culture graffiti de la côte ouest américaine. Lancée en 2011 à l'occasion de l'exposition emblématique MOCA Art in the Streets, cette pièce rare fusionne l'importance historique du style calligraphique Cholo de Bojórquez avec l'héritage influent de la gamme de bombes design de Montana MTN. Cette édition limitée à 500 exemplaires présente une reproduction imprimée de la silhouette squelettique et du style distinctifs de Bojórquez, superposés à des textures urbaines brutes. Chaque bombe, remplie de peinture noire, est présentée dans un coffret imprimé personnalisé, à la fois objet de collection et réflexion sur la dualité entre objet utilitaire et œuvre d'art. L'héritage de Chaz Bojórquez dans le street art pop et le graffiti Né et élevé à Los Angeles, Chaz Bojórquez a développé un graffiti profondément personnel et ancré dans sa culture, puisant son inspiration dans l'écriture cholo, un style calligraphique issu des gangs de l'est de Los Angeles. En introduisant cette esthétique dans le monde des beaux-arts, Bojórquez a remis en question les hiérarchies établies et a légitimé le lettrage urbain comme une forme d'art à part entière. Ses œuvres intègrent souvent des crânes, des motifs gothiques et des lettres stylisées qui reflètent les luttes, les histoires et les codes spirituels de sa communauté. Son influence a contribué à élever la culture visuelle de la rue à une reconnaissance institutionnelle, et sa participation à l'exposition « Art in the Streets » du MOCA a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain, lorsque les musées ont ouvertement célébré le graffiti. Montana MTN et le format d'objet du Street Pop Art Montana Colors, fabricant européen légendaire de peintures aérosol, soutient depuis longtemps les graffeurs grâce à des produits spécialisés et des collaborations exclusives. Leurs bombes de peinture artistiques en édition limitée brouillent les frontières entre outil et sculpture de collection, embrassant le langage corporel du graffiti comme un nouveau médium artistique. En invitant des artistes comme Chaz Bojórquez à concevoir ces bombes, Montana MTN reconnaît la valeur culturelle du graffiti originel tout en invitant un public plus large à l'apprécier. Ces bombes ne sont pas de simples contenants de peinture, mais de véritables œuvres d'art représentant l'évolution de l'expression urbaine. La surface imprimée personnalisée, la forme iconique et le contenu fonctionnel font de chaque édition un hybride unique de tradition, de marque et de subversion. Chaz Bojórquez et l'héritage de l'art dans la rue L'exposition « Art in the Streets » du MOCA de 2011, organisée par Jeffrey Deitch, a fait découvrir l'œuvre de Bojórquez à un public international. Sa contribution s'est distinguée par sa profondeur historique et son authenticité, ancrant le récit de l'exposition dans les racines souvent méconnues du graffiti de la côte ouest américaine. La bombe aérosol créée en collaboration avec Montana MTN pour l'occasion capture cet esprit. Elle arbore un crâne monochrome orné d'un motif de fedora et de textures murales brutes, évoquant l'une de ses fresques murales les plus emblématiques. En transformant ce motif en une bombe aérosol fonctionnelle, le projet réinterprète les éléments traditionnels du graffiti en une œuvre d'art commémorative et portable. Cette pièce représente non seulement l'héritage de Bojórquez, mais aussi le message plus profond du graffiti comme expression d'identité, de résistance et de maîtrise du design au sein du Street Pop Art et du graffiti.

Lis Plus Moins

Poêle en fonte Supreme Lodge 10,25" - Édition limitée - Objet d'art design - Œuvre de collection S22 Supreme a lancé cette poêle en fonte Supreme Lodge de 25 cm (10 pouces), ainsi que plusieurs autres nouveaux accessoires, dans le cadre de sa première livraison printemps/été 2022. Cette poêle en fonte a un diamètre de 26 cm (10,25 pouces) et le logo Supreme est embossé sur le fond. Affiché

Lis Plus Moins

Luna Fox Nighttime, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Ernesto Yerena Montejano, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 4 couleurs signée, 2015. Format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Édition limitée à 300 exemplaires.

Lis Plus Moins

Ixtli Édition Limitée Impression Manufacturière 3 Couleurs sur Papier Beaux-Arts Classique Crest Blanc Naturel Lisse 13,5 PT par Saner, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Estampe signée 2022, imprimée en typographie 3 couleurs sur papier d'art Neenah Natural White Smooth Classic Crest 13,5 PT. Format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Sortie : 17 janvier 2022.

Lis Plus Moins

Figurine de collection SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One en vinyle édition limitée, style street art, Gardenia Green Édition limitée 2021 Affiché dans la boîte Embout, capuchon amovible et ce cliquetis original, le tout recouvert d'un vert électrique.

Lis Plus Moins

Separated - Figurine de collection en vinyle noir, édition ouverte, œuvre d'art de l'artiste de graffiti Kaws. Édition ouverte 2021 épuisée, format 7 pouces (17,8 cm) de hauteur, vinyle noir, dimensions : 20 × 16 × 18 cm (7,87 × 6,3 × 7,9 × 100 pouces). À la croisée des émotions et du street art : « Separated » de KAWS en noir Dans l'univers foisonnant du street art contemporain, « Separated » est une œuvre saisissante de KAWS, artiste graffeur influent. Cette figurine de collection en vinyle noir, en édition ouverte et sortie en 2021, révèle une profondeur émotionnelle rarement égalée dans le genre. Haute de 18 cm, elle capture un moment de solitude poignante, avec le personnage emblématique Companion dans une posture vulnérable, assis, le visage enfoui dans ses mains. Cette œuvre, désormais épuisée et de ce fait de plus en plus rare, témoigne de la capacité de KAWS à transcender les frontières entre objets d'art produits en masse et art contemporain. Elle se veut une métaphore visuelle de notre époque, capturant le sentiment collectif d'isolement qui imprègne la conscience collective. Cette pièce de collection incarne la lutte intérieure silencieuse, un thème profondément ancré dans la psyché humaine. C'est une œuvre marquante du street art et du graffiti. KAWS : Un maître de la mélancolie moderne KAWS, alias Brian Donnelly, est reconnu depuis longtemps pour son sens aigu de l'air du temps. Avec « Separated in black », il démontre une fois de plus son talent pour fusionner l'accessibilité du street art et la dimension contemplative des beaux-arts. Le noir profond de la figure accentue sa silhouette, conférant à l'œuvre une aura de sophistication et de gravité. La sobriété de cette couleur souligne l'introspection et la tristesse inhérentes à la pose, invitant le spectateur à réfléchir à ses propres expériences de séparation ou de contemplation. « Separated » n'est pas qu'un objet esthétique ; c'est une œuvre narrative qui raconte les combats silencieux que nous menons, ces moments d'introspection ressentis mais souvent invisibles. KAWS a capturé une expérience universelle, l'a distillée en une forme singulière et, ce faisant, a créé une pièce de collection d'une grande profondeur. Collectionnabilité et commentaire culturel En tant qu'objet de collection, « Separated » est très prisé pour son esthétique, sa force émotionnelle et son commentaire sur l'art urbain et la culture pop. Chaque exemplaire, bien qu'uniforme dans sa production, est unique aux yeux du collectionneur, et représente un symbole significatif de l'époque de sa création. La texture du vinyle, l'impact visuel de sa forme et la résonance émotionnelle de sa pose contribuent à son statut d'incontournable pour les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de KAWS. Cette œuvre est un récit en trois dimensions, une sculpture qui raconte des expériences humaines universelles telles que la mélancolie, la contemplation et le besoin de connexion. Elle est une réflexion sur l'état de la société contemporaine, un commentaire à la fois personnel et public, à l'image de l'art urbain lui-même. « Séparés » comme miroir de l'âme « Separated » en noir est bien plus qu'une simple pièce de collection ; c'est un miroir de l'âme, le reflet de notre époque et des émotions qui nous animent. Dans l'univers du street art et du graffiti, KAWS continue d'ouvrir la voie avec une vision à la fois introspective et révolutionnaire. Cette œuvre, en particulier, se dresse comme un phare de l'art moderne. Ce collector est promis à un bel avenir, témoignant durablement de l'héritage artistique de KAWS et de la sensibilité de notre temps.

Lis Plus Moins

Tirage sérigraphique en édition limitée bicolore, tiré à la main, du film « Invasion Los Angeles 2 », sur papier d'art fin à motifs mouchetés, par l'artiste Shepard Fairey x Mondo. Sérigraphie signée et numérotée de 2011, « They Live 2 », 2011. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Édition limitée à 500 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Projection du film « They Live » à l'Alamo Drafthouse d'Austin, Texas, le 9 juin 2011. Voici votre Dieu, obéissez à votre dictateur. Légère bosse dans le coin inférieur gauche.

Lis Plus Moins

Achetez Post No Bills - Untitled Original One of a Kind Spray Paint & Stencil Painting Artwork on Stretched Canvas by Popular Street Art Pop Culture Artist Seen UA. 2018 Signé Original Peinture Taille 18x24 Craquelure partout. Toile non doublée.

Lis Plus Moins

Summer of Love - Impression d'art en édition limitée sur papier buvard perforé, avec pigments d'archivage, par Bob Masse, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 11,4 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

Lis Plus Moins

Rooster of the Dead, sérigraphie en édition limitée, imprimée à la main, à l'encre métallique dorée, sur papier d'art noir, par Ernesto Yerena et Philip Lumbang. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires Œuvre d'art 10x8

Lis Plus Moins

Figurine de collection Ghostbusters Stay Puft Marshmallow Man 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet. 2022 Medicom Toy. Le monstre géant en guimauve de Ghostbusters atteint des sommets avec le set Bearbrick Stay Puft Marshmallow Man White Chrome 100 % + 400 % de Medicom Toy ! Grâce à sa finition chromée blanche, votre collection Bearbrick aura une allure ultra-brillante et luxueuse ! Hauteur : 7 cm et 28 cm.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Kuma OG Chase Flocked Amarillo Verde The Prisoner Drug Bear Kickstarter Art Toy par Luke Chueh Édition Limitée Vinyle Œuvre d'art de collection par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017 à 62 exemplaires, avec emballage en coton, pochette et tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou pharmaceutique. Édition floquée exclusive Kickstarter ultra rare. Kuma OG Chase Flocked Amarillo Verde The Prisoner par Luke Chueh : Pièce de collection ultra rare et chargée d'émotion, un véritable chef-d'œuvre du street art pop et du graffiti. Kuma OG Chase Flocked Amarillo Verde The Prisoner est une figurine d'art en vinyle ultra rare de Luke Chueh, sortie en 2017 en exclusivité sur Kickstarter. Limitée à seulement 62 exemplaires, cette édition spéciale est une version floquée de la figurine Kuma OG Amarillo Verde, ce qui en fait l'une des variantes les plus recherchées de la série The Prisoner. Emballée dans un emballage vert translucide rappelant une ordonnance, avec étiquette imprimée, intérieur en coton et pochette de protection, la figurine évoque à la fois l'esthétique et les implications de l'enfermement médical. The Prisoner, initialement inspiré d'une peinture poignante de Chueh, explore l'emprisonnement psychologique, physique et médicamenteux. Réalisée avec un flocage vert à la texture mousseuse, la surface douce et tactile de l'ours contraste fortement avec sa pose sombre : les bras enlacés autour des genoux, assis et émotionnellement replié sur lui-même. Ce contraste souligne le décalage entre la douceur extérieure et la souffrance intérieure, une caractéristique du Street Pop Art et du graffiti. Le flocage comme texture pour le traumatisme et l'ironie visuelle Ce qui distingue cette édition, c'est le flocage : une texture veloutée qui confère une douceur singulière à une œuvre par ailleurs chargée d'émotion. Cette surface tactile transforme l'objet en quelque chose de presque réconfortant au toucher, même s'il représente visuellement la douleur, la dépendance et l'enfermement. La couleur de la figurine, un vert Amarillo Verde éclatant, fait écho à l'esthétique des dispensaires de cannabis médical, évoquant subtilement d'autres formes d'évasion chimique. L'étiquette sur le contenant indique qu'il s'agit de la variété Kuma OG, un clin d'œil fictif à la fois à la culture du cannabis et au débat actuel autour de l'automédication. En plaçant l'ours dans un tube étiqueté comme un produit et une variété, Chueh utilise l'humour et des métaphores visuelles percutantes pour analyser la marchandisation du traumatisme et de la souffrance émotionnelle. Ces significations multiples, véhiculées par des formes sculpturales minimalistes et un emballage astucieux, inscrivent cette œuvre sans conteste dans le panthéon du Street Pop Art et du graffiti. La révolution discrète de Luke Chueh dans le domaine des jouets d'art design Luke Chueh, artiste basé à Los Angeles et reconnu pour ses personnages au design distinctif et son art narratif empreint d'émotion, a redéfini le rôle des jouets design dans l'art contemporain. Son œuvre puise largement dans son expérience personnelle des troubles mentaux, de l'identité culturelle et des conflits psychologiques. La figurine d'ours de la série « The Prisoner » est un motif emblématique que Chueh utilise pour exprimer des émotions brutes et inexprimées. Par sa posture et son expression minimaliste, l'ours devient l'incarnation de la fragilité que l'on endure souvent en silence. Cette version floquée ajoute une dimension supplémentaire d'ironie et de profondeur, transformant un récit émotionnel douloureux en un objet doux et apparemment câlin. La fusion opérée par Chueh entre design de jouet, sculpture et réalisme émotionnel continue d'influencer le mouvement du Street Pop Art et du graffiti, prouvant que la vulnérabilité peut être exprimée à travers les formes les plus petites et les plus trompeusement simples. Exclusivité et importance culturelle de Kickstarter Produite à seulement 62 exemplaires, l'édition Kuma OG Chase Flocked Amarillo Verde possède une valeur culturelle et de collection exceptionnelle. Sa sortie via Kickstarter associe directement l'œuvre au soutien des fans et collectionneurs qui partagent le message profond de la série The Prisoner. L'emballage, inspiré des ordonnances, est bien plus qu'une simple protection : il fait partie intégrante du récit, symbolisant le contrôle institutionnel, la normalisation pharmaceutique et le désespoir silencieux de la douleur gérée chimiquement. Cette édition n'est pas qu'un objet de décoration ; c'est une véritable prise de position. Elle représente le point de rencontre entre santé mentale, culture des médicaments et esthétique consumériste dans la société moderne. Dans le cadre du Street Pop Art et du graffiti, les éditions limitées de Luke Chueh deviennent de véritables monuments miniatures à la complexité émotionnelle de l'expérience humaine : des œuvres d'art dont la signification est aussi forte que leur présence culturelle.

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins