Médias mixtes

Œuvre originale unique de Mur, peinture à la bombe et acrylique sur toile tendue, par un artiste populaire de street art et de culture pop (droits d'auteur réservés). Peinture originale encadrée et signée de 2000, dimensions 32 x 40 pouces. Dimensions encadrées : 41,5 x 33,5 pouces

Lis Plus Moins

Étude de fil de fer barbelé près du centre-ville de Los Angeles. Peinture acrylique originale en technique mixte, réalisée à la bombe aérosol par Saber. Œuvre unique sur feuille de carton d'archivage gaufrée par un artiste pop art de rue. Peinture originale signée, technique mixte, acrylique en aérosol, 2023, format 7,5 x 5 pouces. « ÉTUDE AU FIL DE RASOIR PRÈS DU CENTRE-VILLE DE LOS ANGELES. Je réalise de petites études de scènes nocturnes de Los Angeles. Il s'agit d'une série d'originaux peints à la main. Technique mixte sur papier cartonné gaufré de qualité archive. Format : 19 cm x 12,5 cm. Signé et numéroté. Tirage très limité ; chaque série est produite en très petit nombre. » – Saber. Immersion en milieu urbain : l'étude de Saber sur les barbelés près du centre-ville de Los Angeles « Étude de barbelés près du centre-ville de Los Angeles » de Saber est une saisissante œuvre originale, réalisée en technique mixte, qui offre un aperçu à la fois brut et magnifique du paysage urbain de Los Angeles. Cette œuvre de 2023, signée par l'artiste, est une pièce unique, minutieusement créée sur une feuille de carton gaufré de 19 x 12,5 cm. Saber, figure emblématique de la scène pop art urbaine, capture l'essence du centre-ville de Los Angeles grâce à une technique expressive et brute, mêlant peinture aérosol et acrylique, et révélant le caractère de la ville sous son voile nocturne. Cette série d'originaux peints à la main par Saber est bien plus qu'une simple représentation des attributs physiques de la ville ; c'est une immersion profonde dans l'âme de l'environnement urbain. La technique mixte sur le carton gaufré accentue le contraste de texture entre la dureté des barbelés et la qualité éthérée de la ligne d'horizon nocturne. L'utilisation de la peinture aérosol, médium emblématique du street art, confère à l'œuvre une authenticité et une résonance avec l'énergie spontanée du graffiti. Le choix de Saber de se concentrer sur des scènes nocturnes de Los Angeles témoigne de son intention d'explorer les thèmes de l'isolement, des frontières et de la liberté. Le fil barbelé, symbole souvent associé à la division et à l'enfermement, se détache sur le fond d'une ville réputée pour sa créativité et ses rêves sans limites. Cette juxtaposition invite à la réflexion sur les barrières – physiques et métaphoriques – qui définissent les espaces urbains et les vies qui les habitent. « Étude de fil barbelé près du centre-ville de Los Angeles » fait partie d'une série minimaliste qui souligne l'exclusivité et le caractère de collection des œuvres de Saber. Chaque pièce de la série est numérotée, ce qui indique sa place dans un récit plus vaste que Saber construit à travers ces explorations visuelles. Les collectionneurs d'art urbain et de graffiti trouveront dans ces œuvres une convergence entre l'authenticité brute de la rue et la sophistication artistique délicate. Le travail de Saber constitue un exemple éloquent du potentiel de l'art urbain à transcender ses origines et à devenir une forme puissante d'art contemporain. La capacité de l'artiste à exprimer la complexité de l'expérience urbaine par le jeu des médiums, des textures et des couleurs témoigne de sa maîtrise du genre. Ses peintures ne sont pas de simples objets d'art, mais des fenêtres ouvertes sur la psyché urbaine, reflétant l'esprit vibrant et parfois chaotique de la vie citadine. La série « Near Down Town LA Razor Wire Study » incarne l'évolution du graffiti vers une forme d'art urbain pop qui interpelle, captive et fascine. Elle alimente le débat actuel sur la valeur de l'art urbain au sein du canon artistique et sa capacité à saisir et commenter l'essence de l'existence urbaine contemporaine. À travers ses représentations intimes et viscérales de Los Angeles, Saber confirme son statut de figure majeure de l'art urbain pop, influençant notre perception et notre interaction avec les paysages urbains qui nous entourent.

Lis Plus Moins

Paire de chaussures de skate Chuck Taylor pour homme, taille 12, sans boîte, par Converse x Andy Warhol, édition limitée, objet d'art rare, vêtement, œuvre d'art de collection. Converse Chuck Taylor Andy Warhol Banana Fruit, édition limitée 2015/épuisée, pointure 46 (US 12 US), neuves, sans boîte ni étiquette, jamais portées. Découvrez la fusion iconique de l'art et du style classique avec la Converse Chuck Taylor Andy Warhol Banana Low Top. Confectionnée avec une élégante tige en cuir noir qui épouse parfaitement la silhouette intemporelle de la Chuck Taylor Low Top, cette chaussure arbore un motif banane jaune éclatant, inspiré du légendaire album du Velvet Underground. Pièce maîtresse de toute collection, cette Converse basse allie le charme du pop art à l'élégance intemporelle des sneakers. Converse x Andy Warhol : La Chuck Taylor banane comme artefact culturel La Converse Chuck Taylor Andy Warhol Banana Low Top est une véritable pièce de collection, fusionnant l'art iconique d'Andy Warhol et le design intemporel de la chaussure de skate emblématique de Converse. Sortie en 2015, cette sneaker en édition limitée (pointure 46) est devenue un objet rare et recherché pour son design unique et son importance historique. Bien que vendue sans boîte, la présence des étiquettes et l'état impeccable des chaussures, jamais portées, garantissent leur valeur. Ces sneakers incarnent l'intégration parfaite du Pop Art dans la mode contemporaine, transformant un objet du quotidien en une œuvre d'art. L'influence de Warhol sur la culture pop et l'art est indéniable, et son imprimé banane iconique – créé pour la pochette d'un album du Velvet Underground – est devenu synonyme de son exploration du consumérisme et de l'expression artistique. La collaboration de Converse avec la Fondation Andy Warhol a donné vie à cette image saisissante sur une toile au sens propre comme au figuré, créant une basket qui est autant une œuvre d'art à porter qu'une affirmation de style. La collaboration Converse x Warhol : un point de rencontre entre l'art et le streetwear La collaboration entre Converse et Andy Warhol représente un point de rencontre majeur entre l'art et le streetwear, incarnant l'esprit du pop art et du graffiti. Le motif audacieux de banane jaune contrastant avec le cuir noir de la basket captive le regard, invitant à la contemplation, à l'instar d'une œuvre de street art provocatrice. Ces baskets brouillent les frontières entre utilité et art, illustrant comment un design fonctionnel peut servir de support à l'expression artistique. Si les collaborations artistiques sont fréquentes dans le monde du streetwear, les Converse x Andy Warhol Banana Chuck Taylor occupent une place à part. Bien plus que de simples produits dérivés, elles rendent hommage à l'héritage d'un artiste qui a révolutionné l'art moderne. Leur édition limitée leur confère un statut d'objets d'art rares, et même sans leur emballage d'origine, elles dégagent une aura d'exclusivité et le prestige de l'esthétique novatrice de Warhol. L'impact durable de la collaboration Converse x Andy Warhol sur la mode de collection L'impact durable des baskets Converse x Andy Warhol Banana Chuck Taylor sur la mode de collection est multiple. Elles représentent non seulement une affirmation audacieuse dans le monde du design de baskets, mais elles illustrent également le potentiel des articles de mode à devenir des supports pour les beaux-arts. En tant qu'objets de collection, ces baskets touchent au cœur de la culture pop et trouvent un écho auprès de ceux qui apprécient la convergence entre le monde de l'art et celui de la mode urbaine. Les collectionneurs de ces baskets sont souvent attirés par le récit qu'elles incarnent : une histoire de collaboration intersectorielle, un témoignage de l'influence durable d'une icône du pop art et un morceau d'histoire de la mode qui capture un moment où les frontières entre art et commerce se sont estompées de manière inédite et passionnante. Les baskets Converse x Andy Warhol ne sont pas de simples chaussures ; ce sont des artefacts qui racontent comment l'art peut s'infiltrer et sublimer les objets de notre quotidien. La basket Banana Chuck Taylor pour homme, pointure 46 (US 12 US), issue de la collaboration entre Converse et Andy Warhol, témoigne du pouvoir de la collaboration artistique et symbolise les synergies entre le pop art, le street art et la mode contemporaine. Éditées en édition limitée, elles constituent des objets d'art rares, séduisant un large public de collectionneurs et d'amateurs qui apprécient le croisement de l'art, de l'histoire et du style.

Lis Plus Moins

Achetez Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Handmade & Painted Art Toy Collectible Artwork par les artistes pop Nugg Life NY. Hommage aux plantes sur le thème du cannabis/marijuana avec des accents colorés peints à la main. Mini Nug mesure environ 2,5 à 3 pouces de haut et est fait à la main, peint et assemblé avec un conteneur de livraison NYC. Tirage limité à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins

Une Rose Rouge - Édition Limitée 2 Couleurs Sérigraphie Manipulée à la Main Technique Mixte Peinture au Spray sur Papier Aquarelle Fabriano 300 g/m² par Copyright Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « L'année dernière, j'ai fait une exposition qui a débuté le jour de la Saint-Valentin et qui s'intitulait « Une rose rouge pour toujours ». C'est une vieille phrase tirée d'un tatouage de Sailor Jerry. J'aime toujours revisiter et réinterpréter mes archives visuelles personnelles. Cette image est une réinterprétation d'une œuvre beaucoup plus grande que j'ai peinte il y a quelques années. Je me demande souvent : si mes peintures étaient des chansons, à quoi ressembleraient-elles ? Il m'arrive souvent d'écouter une chanson qui m'inspire une idée de tableau. Il suffit d'une phrase, ou parfois d'une émotion profonde que j'essaie de retranscrire en image, comme un musicien le ferait dans une chanson. » - Copyright

Lis Plus Moins

Pop Bart - Bartman 4 couleurs, sérigraphie artisanale en édition limitée, technique mixte, sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m², par un artiste de street art célèbre et reconnu, spécialiste du pop art. Sérigraphies techniques mixtes sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m² Format : 35 cm x 50 cm (13,7 x 19,6 pouces) Sortie : 4 octobre 2021 Tirage : 7

Lis Plus Moins

Nasty Nas - Cut The Record Original One of Kind Mixed Media on Laser Cut Wood Panel With Industrial Resin Painting Artwork by Popular Street Graffiti Artist Tavar Zawacki (Ci-dessus). Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Dimensions : 22 x 22 pouces (56 x 56 cm). Sortie : 6 mai 2016. Cut the Record (Nas), 2014. Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Diamètre : 22 pouces (55,9 cm). Édition 1/1. Signée au verso. La série « Cut The Record » a été créée exclusivement pour cette sortie et faisait partie de ma plus récente exposition, Remix. C'était une série très personnelle, car j'ai sélectionné dix de mes musiciens préférés à représenter et à remixer. Ces dix musiciens font partie de mes favoris, des artistes que j'écoute quotidiennement. Pour mon exposition, j'ai quelque peu détourné le sens du terme « remix » pour l'adapter à l'échange et à l'échantillonnage de différentes gravures sur bois, similaires mais présentes sur les œuvres. Chacun des dix musiciens sélectionnés pour la série « Cut The Record » a soit vu sa musique remixée, soit réalisé ses propres remixes. Depuis la sortie de l'album Illmatic en 1994, je crois que je ne me suis pas arrêté une semaine sans l'écouter. C'est l'un de mes albums préférés.

Lis Plus Moins

Impression giclée HPM embellie à la main Happy OG San F30 par OG Slick Artwork, édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² à bords frangés, impression embellie à la main, artiste graffiti pop de rue. 2025 HPM signé et numéroté, embelli à la main par OG Slick. Impression giclée et peinture aérosol. Édition limitée à 25 exemplaires. Format : 30 x 30 cm. Impression giclée HPM embellie à la main. Les motifs, les coups de pinceau et les couleurs de peinture varient. Chaque HPM est unique. Vous recevrez peut-être un exemplaire différent de celui présenté sur la photo ; le choix est aléatoire. Happy OG San F30 par OG Slick : Autocollant Bomb Rebellion dans Street Pop Art & Graffiti Artwork Happy OG San F30 est une estampe giclée rehaussée à la main, créée en 2025 par OG Slick, figure emblématique du graffiti de la côte ouest américaine. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette impression de 76 x 76 cm est réalisée sur un papier d'art 310 g/m² à grain frangé et embellie individuellement à la main à l'aide de peinture en aérosol, d'éclaboussures et de pochoirs. Chaque exemplaire est signé, numéroté et modifié de façon unique, faisant de chaque pièce un objet de collection exceptionnel. L'image est centrée sur le personnage emblématique d'OG Slick, un visage souriant avec un cache-œil, entouré d'un mur recouvert d'autocollants : logos, tags et caractères japonais se superposent dans une répétition chaotique. L'arrière-plan, vibrant d'énergie et de contrastes, transpose l'énergie du street art dans l'espace d'exposition, ancrant ainsi cette œuvre dans le champ du street art et du graffiti. Identité graffiti et surcharge urbaine Au cœur de Happy OG San F30 se trouve une illusion tridimensionnelle du visage souriant, mascotte de Slick, se détachant sur un fond saturé d'autocollants et de logos. Le visage du personnage, à la fois malicieux et iconique – jaune vif, œil bandé et souriant –, est incrusté dans une surface recouverte de tags OG Slick répétés, de mains gantées, de caractères japonais et de graphismes de type portrait. Ces éléments, souvent collés sur les murs des villes, se transforment en une mosaïque visuelle d'empreintes culturelles. Chaque pièce de cette édition présente des variations dans les ornements : certaines sont recouvertes de coulures de correcteur blanc, d'autres sont griffées de textures graffiti et de touches de couleur. Ce caractère aléatoire intentionnel fait écho à l'imprévisibilité de la rue et à la nature performative du tag, du remixage et de la réécriture de l'espace public. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, l'identité est stratifiée et questionnée, et cette œuvre le capture par la répétition et la distorsion de marques autoréférentielles. Le mélange signature d'humour et de rébellion d'OG Slick OG Slick, artiste installé à Los Angeles et originaire d'Hawaï, fusionne depuis des décennies la technique du graffiti et la critique de la culture pop. Son œuvre a toujours su équilibrer une iconographie ludique – comme ses figures récurrentes de gant et de smiley – avec une rébellion brute. Dans Happy OG San F30, Slick s'attaque à la commercialisation du graffiti lui-même, le présentant comme un art à part entière sans compromettre la violence brute qui fait sa force. L'esthétique du sticker-bombing évoque la culture des fanzines DIY, le graphisme punk et le tag urbain. Elle crée une toile à la fois claustrophobique et rythmée qui imite les surfaces urbaines réelles, superposées au fil du temps. Le cache-œil sur le smiley insuffle une attitude et une défiance à ce qui pourrait autrement paraître nostalgique ou naïf. C'est une déclaration : ce n'est pas simplement du bonheur, c'est un chaos assumé. Estampe en édition limitée comme objet urbain et geste subversif Imprimée en haute résolution par impression giclée et rehaussée à la main par pulvérisation et polissage, chaque exemplaire de Happy OG San F30 offre une expérience tactile unique, à la croisée des beaux-arts et de la créativité underground. Les bords frangés et le papier de qualité archive confèrent à l'estampe une dimension artistique particulière, tandis que les embellissements la rendent instable, immédiate et vivante. L'aléatoire des pulvérisations, des superpositions et des polissages sur l'ensemble de l'édition reflète l'éphémère nature du graffiti : aucun mur n'est immuable, aucun tag n'est sacré. OG Slick invite les collectionneurs à plonger dans un instant de chaos urbain figé sur papier, où les symboles de rébellion se réinventent en icônes esthétiques. S'inscrivant dans le courant du Street Pop Art et du Graffiti, cette estampe fait office à la fois d'artefact et d'œuvre d'art, marquant la rencontre entre la subculture et la lumière des projecteurs et transformant la profusion visuelle en une création permanente, belle et subversive.

Lis Plus Moins

Peinture en aérosol originale USPS Priority et marqueur permanent, étiquette Slap-Up, dessin artistique par l'artiste de graffiti Tru Shark Toof, œuvre d'art de rue moderne. Dessin graffiti original signé de 2015, réalisé à la peinture aérosol et aux marqueurs techniques mixtes, format 4,75 x 3,5 pouces. Étiquette d'art graffiti Slap Up 4,75x3,5, peinture en aérosol et marqueur, taguée sur une étiquette USPS.

Lis Plus Moins

Bleached Deck Fine Art Limited Edition Mixed Media Archival Pigment Transfer & Screen Print on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Pushead. 2021 Grand format signé et daté sur le bord avant 8,875 x 32 Transfert en bas et sérigraphie Grenouille à 2 têtes

Lis Plus Moins

Achetez Moonrock Shrine - Moonrock Edition Part 2 Original One of a Kind Handmade & Painted Mini Nuggs Art Toy Collectible Artwork by Cannabis Artists Nug Life NY. 2022 Oeuvre originale signée de sculpture sur la marijuana en médias mixtes. "Les sanctuaires des yeux lapidés existent partout dans Nugglife. Des jungles, des océans, du nord profond aux vastes déserts de Kief, d'anciennes pyramides sont cachées avec deux Eye Nuggs. Ces sanctuaires aident à rassembler les fumeurs, les cultivateurs et les nugmads. De la recherche de connaissances à juste prendre une pause cigarette, de grandes merveilles doivent venir à ceux qui prennent le temps de les apprécier. Ils ne s'ouvrent qu'à ceux qui croient vraiment. La rumeur circule dans la ville que ces anciennes reliques ont été utilisées par les extraterrestres pour communiquer avec d'autres mondes. Chacun est sculpté à partir de zéro, avec des caractéristiques en résine. Les plantes sont fabriquées à la main à partir de fil et d'argile. Tout est peint à la main et trempé dans notre mélange Kief signature. 4 x 3,5 x 3 pouces et est livré dans une boîte "- Nugg Life NY

Lis Plus Moins

Rue de Londres avec bus, édition limitée, sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

Lis Plus Moins

La Fin de la Fin - Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée à 20 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 24 x 36 pouces. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial La mini-série « The End of the End » de Denial : Amour, apocalypse et satire dans l’art urbain pop et le graffiti. « The End of the End Mini » est une œuvre multiple peinte à la main de 2020, réalisée par l'artiste canadien Denial, reconnu pour sa fusion de satire, d'iconographie et d'humour subversif. Créée dans le cadre de la série « True Facts Mini Multiple », cette pièce mesure 61 x 91 cm et est imprimée sur un panneau encadré de bois, prête à être accrochée. Chaque exemplaire de la série est une œuvre HPM (Hand Painted Multiple) originale, offrant un travail de pinceau et des embellissements uniques sur un fond imprimé uniforme. Limitée à 20 exemplaires signés et numérotés, l'œuvre représente un couple en silhouette, enlacé dans une étreinte romantique à l'intérieur d'une voiture, tandis qu'ils observent un champignon atomique exploser au loin. La scène se termine par une légende manuscrite stylisée qui dit simplement « The End », suggérant une finalité avec un mélange de tragédie et d'humour. Cette juxtaposition à l'humour noir est une marque de fabrique du travail de Denial, parfaitement ancrée dans l'univers visuel du Street Pop Art et du graffiti. Romance nucléaire et catastrophe comique L'imagerie de la mini-série « The End of the End » joue avec le style rétro des dessins animés et les angoisses de la Guerre froide, juxtaposant des symboles de romance juvénile – voitures anciennes, panoramas pittoresques, silhouettes de amoureux – à l'icône de l'anéantissement global : le champignon atomique. L'explosion, rendue dans des tons orange et jaune vifs, contraste avec le ciel bleu et l'horizon verdoyant, créant une palette étrangement joyeuse pour une scène d'extinction planétaire. Le couple reste indifférent, absorbé par son amour, suggérant soit un détachement total, soit une forme de défi ironique. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, de telles associations révèlent les contradictions des récits culturels, où romance et violence sont souvent vendues de concert. « Denial » utilise ce mariage absurde non pas pour promouvoir le nihilisme, mais pour susciter une réflexion sur la façon dont la société banalise les catastrophes à travers les médias et les mythes. Détails du matériau et format de collection Chaque panneau est peint sur un châssis en bois, offrant une dimension et une présence qui dépassent le cadre d'une simple impression. Les bords sont noircis pour créer un effet encadré, conférant à l'œuvre une qualité d'objet idéale pour les installations d'art contemporain comme pour les collections privées. L'image de base est sérigraphiée dans des tons graphiques nets, mais chaque édition est traitée de manière unique par des applications manuelles de peinture, des coulures, des bavures et des marques qui la personnalisent. Ainsi, chaque version de « The End of the End Mini » est une œuvre d'art singulière malgré son motif commun. L'édition limitée à 20 exemplaires renforce son attrait auprès des collectionneurs de pop art et de street art, où l'originalité et la rareté alimentent un intérêt durable. Le rôle du déni dans l'expression satirique contemporaine Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est un artiste de Windsor, en Ontario, dont l'œuvre critique la société de consommation, l'absurdité sociale et la manipulation médiatique à travers un langage visuel puisant ses racines dans le graphisme propagandiste et l'esthétique urbaine. Fort d'une expérience en graffiti et en détournement de panneaux publicitaires, Denial transforme des formats familiers – bandes dessinées, publicités, affiches politiques – en énigmes visuelles complexes. L'œuvre « The End of the End Mini » s'inscrit dans ce récit continu, utilisant l'humour et l'horreur pour illustrer les contradictions humaines. Loin d'encourager le désespoir, l'œuvre met plutôt en lumière la banalisation ridicule du désastre dans l'imagerie populaire. C'est un instant figé dans un déni sublime, où intimité et destruction fusionnent sous un ciel bleu, incitant les spectateurs à rire, à s'exclamer et à repenser ce qu'ils célèbrent et ce qu'ils ignorent. Dans le lexique du street art et du graffiti, c'est une carte postale d'un futur absurde déguisé en présent.

Lis Plus Moins

Arrow Pulse Spring, œuvre originale peinte à la main, technique mixte multiple sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Tavar Zawacki - Artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Le motif Arrow Pulse était l'un des nombreux modèles populaires que j'ai créés pour ma récente exposition solo, Remix, à Détroit. J'ai décidé d'en réaliser une édition plus petite (5 exemplaires) car ce motif est un style de flèche emblématique et très apprécié. J'ai conçu les fichiers de découpe sur mon ordinateur avec Adobe Illustrator, puis je les ai fait découper au laser pour garantir leur perfection et leur harmonie. Une fois les découpes effectuées, j'ai détaché chaque impulsion individuellement et lui ai attribué une couleur spécifique. Le résultat final est une flèche en bois colorée et harmonieusement composée. » – Ci-dessus

Lis Plus Moins

Travaillez bien ensemble - Sculpture en bombe de peinture cyan en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

Lis Plus Moins

Remio Study- 04 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture en aérosol, acrylique sur papier beaux-arts, par le célèbre artiste de graffiti de rue Remio. Technique mixte sur papier beaux-arts. Format : 54 x 50 pouces. Sortie : 31 janvier 2020. Tirage : 1 exemplaire. Massif

Lis Plus Moins

Cadres de croissance interne - Sculpture originale orange en résine et fleurs, technique mixte, œuvre de l'artiste de rue Jenna Morello, œuvre pop moderne. Pilule d'art originale encadrée et signée, pièce unique de 2021 Pilule de croissance interne encadrée individuellement. Moulée à partir d'éléments naturels, elle mesure 12,7 x 9,5 x 5,1 cm. Encadrement de qualité muséale, signée.

Lis Plus Moins

Pete Rose/Colorful Magazine - Collage unique orné à la main des Reds, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de Pete Rose/Colorful Magazine - Reds

Lis Plus Moins

Ligne 2 7 Avenue OTboys - Silver Sign Art Mixed Media sur panneau de signalisation MTA Peinture Œuvre d'art de l'artiste de culture pop de rue Cope2. Né en 1968 à New York sous le nom de Fernando Carlo Jr., Cope 2 a exposé ses œuvres lors d'expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger. Artiste autodidacte et figure légendaire du graffiti, il contribue depuis plus de 30 ans à la culture urbaine. Comptant parmi les graffeurs les plus prolifiques de New York, il a commencé à taguer son nom dans le South Bronx en 1978. Il a développé son style dans le métro et les rues du Bronx, créant des œuvres de graffiti tout au long des années 1980 et 1990 et acquérant une reconnaissance internationale pour son style unique. Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

Lis Plus Moins

Œuvre originale unique de Lady Shiva, technique mixte (peinture et marqueurs), réalisée sur papier d'art artisanal à bords frangés par la célèbre artiste de graffiti de rue Lady Pink. Illustration originale signée et datée de 2019, réalisée aux marqueurs de peinture sur papier frangé fait main. Format : 6 x 18 pouces. Lady Shiva de Lady Pink : La mythologie rencontre la résistance dans le pop art urbain « Lady Shiva », une œuvre de Lady Pink créée en 2019 à l'aide de techniques mixtes et de marqueurs sur papier d'art artisanal à la texture irrégulière, fusionne la mythologie aztèque avec le symbolisme du graffiti et la résistance sociale. Mesurant 15 x 45 cm, cette pièce unique illustre son engagement constant pour l'émancipation féminine et la réappropriation culturelle à travers le langage du Street Pop Art et du graffiti. La figure centrale est une femme vibrante, quasi divine, dotée de six bras, ornée de crânes, de symboles de paix et de marques faciales audacieuses. Elle tient des bombes de peinture et des chaînes, une référence directe aux outils et aux luttes du mouvement graffiti. La composition mêle iconographie traditionnelle et énergie cartoonesque, puisant son inspiration dans l'art mésoaméricain et la rébellion visuelle contemporaine. La figure de la déesse centrale fait référence à la divinité hindoue Shiva, puissant symbole de destruction et de transformation, ici réinterprétée à travers le prisme de la culture urbaine. Son expression est féroce, provocante et jubilatoire. Elle est entourée de serpents, d'oiseaux et de symboles ornementaux dessinés dans une palette de roses, de violets et de verts saturés – un choix esthétique qui reflète l'histoire de Lady Pink, qui a défié les récits dominés par les hommes dans le graffiti en s'appropriant son espace avec des couleurs et des formes assumées. Allégorie visuelle du pouvoir, de la culture et de la résistance Le récit se déploie avec des contrastes saisissants et un symbolisme riche. D'un côté, un policier grotesque au visage de porc, menotté à la déesse, serre une bombe de peinture comme s'il l'avait confisquée ou qu'il était incompris. De l'autre, des figures mythiques – parées de colliers de crânes et de serpents – se rallient à la cause de la déesse. Le design des personnages est ludique, mais le message est sans équivoque. Lady Pink utilise l'humour et la caricature pour exposer les cycles de surveillance, d'effacement culturel et de contrôle systémique. Les chaînes et les poings serrés transforment l'œuvre en une allégorie de l'émancipation – où l'art, l'identité et l'héritage deviennent des instruments de résistance. Il ne s'agit pas d'une représentation passive de la rébellion – elle est active, dynamique et festive. La déesse manie le graffiti comme une arme de réinvention. Ses yeux, ourlés d'épais cils, laissent couler des larmes stylisées qui évoquent à la fois la tristesse et la force. Son sourire, aux dents acérées, interpelle le spectateur. Cette hybridité émotionnelle – la férocité mêlée à la joie – est au cœur du style de Lady Pink. Elle construit une mythologie visuelle où mémoire culturelle et rébellion contemporaine se rencontrent au carrefour du genre, de l'histoire et de la peinture. L'iconographie du graffiti repensée à travers une vision féministe Lady Pink, née Sandra Fabara en Équateur et ayant grandi à New York, est une figure pionnière du graffiti depuis les années 1980. Son œuvre fusionne avec constance l'énergie de la rue et des récits personnels et politiques, notamment d'un point de vue féministe. « Lady Shiva » témoigne de son rôle dans la transformation du graffiti en un espace d'inclusion et de critique culturelle. Plutôt que d'adhérer aux conventions hyper-masculines du tag et du bombing, elle intègre des motifs anciens, des illustrations de personnages et du symbolisme pour livrer un commentaire social plus profond. Dans « Lady Shiva », l'association du papier fait main, des traits épais de marqueur et du sujet mythologique s'accorde avec la nature tactile et éphémère du graffiti. Les bords non polis, les textures de pinceau visibles et les aplats de couleurs vives évoquent l'immédiateté des murs de la rue et des carnets de croquis. Cette physicalité renvoie aux racines du médium : accessible, brut et profondément personnel. L'œuvre refuse le lisse au profit de la présence, conférant à la déesse une qualité brute et vivante. À travers Lady Shiva, Lady Pink ne se contente pas de créer une déesse ; elle forge une arme narrative. L’œuvre se mue en une déclaration murale miniature, tissant un lien entre puissance spirituelle, art ancestral et résistance vécue par les femmes artistes qui revendiquent l’espace public. C’est un sortilège visuel lancé à la bombe et au marqueur, invoquant la transformation dans le langage du Street Pop Art et du graffiti.

Lis Plus Moins

Austin Rommie/ Bear Stitch - Collage unique des Yankees, orné à la main et réalisé en techniques mixtes sur une carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de : Austin Rommie/Bear Stitch - Yankees

Lis Plus Moins

Solar Synthany VI Œuvre originale unique en son genre, technique mixte sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m², réalisée par l'artiste pop moderne populaire Grabster. Œuvre originale signée de 2022, dimensions : 14,875 x 19,9375 pouces. « “Solar Synthany” est un voyage onirique et nostalgique à travers un univers diversifié et infini. Inspiré par sa fascination d’enfance pour l’espace, Grabster superpose peinture aérosol et acrylique à l’aide de pinceaux, de marqueurs et d’éponges pour recréer l’aspect de terrains vierges et d’atmosphères alternatives. Partageant la fierté de ses racines tropicales et un désir d’explorer, de conquérir et d’étendre son territoire, Grabster interroge l’horizon et ce qui reste à découvrir à travers cette série hors du commun. » – Grabster

Lis Plus Moins

Ty Cobb/ Dapper Thinking - Tigers Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de Ty Cobb/Dapper Thinking - Tigers

Lis Plus Moins

Florid Cosmos, collage découpé à la main, impression giclée en édition limitée sur papier chiffon coton 315 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan. Estampe d'art giclée sur papier coton 315 g/m², gravure sur papier chiffon, 42 x 53,5 cm (16,5 x 21 pouces), signée et numérotée, cachet à la cire chaude, édition limitée à 33 exemplaires (2021).

Lis Plus Moins

Sérigraphie acrylique HPM peinte de l'icône Green Mister Melty par Buff Monster Screen Print sur papier cartonné d'art de qualité supérieure, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, en acrylique HPM, ornée de coulures et peinte à la main. Format : 9x12 pouces. Icône Green Mister Melty peinte sur acrylique HPM, sérigraphie par Buff Monster L'estampe sérigraphique acrylique HPM « Green Mister Melty Icon » de Buff Monster capture l'énergie du street art et du graffiti contemporains. Sortie en 2023 dans une édition limitée numérotée à seulement 50 exemplaires, cette œuvre se distingue par son design saisissant et sa technique hybride, alliant la précision de la sérigraphie à des embellissements bruts peints à la main. Buff Monster continue de brouiller les frontières entre design de collection et beaux-arts en proposant des formats accessibles et des personnalisations minutieuses. Chaque estampe de 23 x 30 cm est retouchée individuellement par l'artiste, faisant de chaque exemplaire une pièce unique qui ravira les yeux. Une icône de personnage transformée en toile Cette estampe met en scène le personnage emblématique de Mister Melty, créé par Buff Monster, réinventé dans une composition centrale audacieuse. Un œil unique et surdimensionné capte le regard depuis le centre de la page, encadré d'épaisses bordures noires qui donnent l'impression d'un emoji numérique expressif devenu réalité. La surface gluante du personnage est accentuée par des traînées, des éclaboussures et d'épaisses coulures de peinture acrylique blanche et verte, créant un effet à mi-chemin entre le dessin animé d'horreur et le rêve psychédélique collant. Les marques peintes à la main sur chaque estampe ajoutent du mouvement, de la variété et une touche d'imperfection humaine à un modèle basé sur la répétition graphique, conférant à chaque estampe un aspect spontané et authentique malgré son fond uniforme. Fusion de la sérigraphie et des finitions acryliques réalisées à la main Réalisée sur un papier beaux-arts cartonné, la sérigraphie offre une application audacieuse et uniforme des couleurs, avec des noirs profonds qui définissent le contour caractéristique de Mister Melty. Sur ce motif structuré, Buff Monster a appliqué d'épaisses coulures et éclaboussures peintes à la main dans une palette fluorescente, conférant à l'œuvre une qualité tactile et presque sculpturale. Cette modification peinte à la main, appelée HPM (Hand-Painted Multiple), élève l'œuvre au-delà de la sérigraphie traditionnelle et l'inscrit dans le domaine de l'art contemporain individualisé. Chaque exemplaire de cette édition est unique, ce qui renforce l'esprit du street art, qui privilégie l'éphémère et l'expression à la reproduction. L'univers artistique et l'influence urbaine de Buff Monster Buff Monster, artiste américain, est reconnu pour son langage visuel unique, fusionnant l'esthétique pop des années 80 et les techniques du street art. Son univers est peuplé de monstres fondants, de couleurs néon, de motifs de glaces et d'un grotesque ludique. Mister Melty, figure récurrente de ses œuvres, incarne son approche du design centré sur les personnages, teintée de surréalisme. Cette édition verte particulière illustre la propension de Buff Monster à explorer de nouvelles palettes de couleurs et de nouveaux contextes pour des icônes familières, garantissant ainsi la cohérence et l'expérimentation de son travail. Intégrée à sa série de 2023, cette estampe HPM de Mister Melty vert poursuit son exploration de l'iconographie des personnages, tout en sublimant sa valeur artistique par une texture réalisée à la main et des coulures spontanées qui font écho à la sensibilité brute du graffiti. Pour les collectionneurs de street art, de pop art et de graffiti, cette estampe est à la fois un hommage à l'identité visuelle de Buff Monster et une occasion rare d'acquérir une œuvre unique sous forme d'estampe.

Lis Plus Moins

Fred Toliver/Clone Trooper Bomb Squad - Phillies - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB avec un style pop art inspiré de : Fred Toliver/Clone Trooper Bomb Squad - Phillies

Lis Plus Moins

Jack Frost - Mini Nug Édition Stoned Eye, édition limitée, jouet d'art de collection fait main et peint par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Édition limitée 2021 à 15 exemplaires. Hommage à la plante de cannabis/marijuana, orné de détails colorés peints à la main. Chaque mini-pépite mesure environ 6 à 7,5 cm de haut et est entièrement réalisée à la main, peinte et assemblée. Livrée dans un emballage new-yorkais. Édition limitée signée et numérotée. C'est la saison, espèce de petit animal ! Jack Frost est là pour t'illuminer et te plonger dans l'ambiance des fêtes. De son aspect givré à sa fumée dense, quelques bouffées suffiront à te mettre de bonne humeur. Rassure-toi, il ne te tuera pas comme dans les films d'horreur, il est plutôt du genre doux et amusant, te déconnectant complètement comme si tu jouais avec Frosty en personne. Chaque Mini Nug mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement faite à la main. Cette version est entièrement sculptée à la main et est livrée avec un bocal opaque de petites têtes :). Le tout est présenté dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Édition limitée à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins

Romance secrète 13 HPM Œuvre unique en son genre, technique mixte, sérigraphie, acrylique, collage et peinture en aérosol, sur papier beaux-arts, par l'artiste pop moderne Greg Gossel. Œuvre d'art unique HPM, signée et numérotée, édition limitée à 15 exemplaires (2022). Format : 30,5 x 30,5 cm. Technique mixte, sérigraphie. Édition limitée à 15 exemplaires.

Lis Plus Moins

Découvrez ici la peinture au pochoir et collage original de Pipsqueak ! Une œuvre unique sur toile tendue, réalisée par un artiste pop art de rue. Peinture originale signée, technique mixte (pochoir, collage et peinture aérosol), 2021. Dimensions : 17,5 x 17,5 cm. Check by Pipsqueak Was Here!!! – Pochoirs de défi et textures trouvées dans l'art pop urbain et le graffiti « Check » est une œuvre originale de 2021, technique mixte, réalisée par le duo d'artistes de rue néerlandais Pipsqueak Was Here!!!. Créée à l'aide de pochoirs, de peinture aérosol et de collages sur toile tendue, cette pièce de 44,5 x 44,5 cm, signée par les artistes, illustre de façon saisissante la superposition de récits urbains, ancrés dans une texture brute et des juxtapositions symboliques. Au centre, un portrait au pochoir, solennel et précis, représente une jeune fille au regard direct et presque provocateur. Autour d'elle, des fragments de publicités vintage, d'étiquettes d'avertissement de produits chimiques, d'imprimés déchirés et d'éléments abstraits peints sont collés. L'œuvre fusionne le langage de la prudence, de l'enfance et de la mémoire consumériste en un champ poétique urbain dense et cohérent, emblématique de la pratique de Pipsqueak Was Here!!! au sein du Street Pop Art et du Graffiti. Le portrait comme conscience et confrontation La jeune fille au centre de Check n'est pas passive. Son expression est grave, ancrée dans la réalité et d'une subtile provocation. Rendue par des pochoirs noirs et couleur chair d'une grande netteté, sa présence contraste avec le brouhaha chaotique de l'arrière-plan, offrant au spectateur un point d'ancrage émotionnel. Cette figure, comme beaucoup d'autres dans l'œuvre de l'artiste, revêt une importance symbolique : la jeunesse dans un monde déjà marqué par le danger et la contradiction. Derrière elle, l'image d'une publicité classique pour un taxi jaune et une étiquette d'avertissement « Marchandises dangereuses diverses » créent une ironie visuelle saisissante. Le collage environnant dépasse la simple esthétique ; il devient un commentaire. Dans le contexte plus large du Street Pop Art et du Graffiti, ce portrait se fait l'écho d'une voix qui remet en question les systèmes avec une détermination tranquille plutôt qu'avec des slogans criés. Construction de collages et composition d'objets trouvés Fidèle aux racines esthétiques du street art, Check intègre un langage visuel trouvé à travers ses collages superposés. On y observe une fusion de mémoire urbaine et de supports oubliés : typographies usées, titres de journaux délavés, symboles codés chimiquement et superposition de peintures à la bombe et de pochoirs. Ces textures imitent les murs des villes, où affiches et panneaux publicitaires sont constamment arrachés, recouverts de peinture ou tagués. Les artistes utilisent ces matériaux pour créer un champ narratif, un dialogue entre sécurité et danger, visibilité et effacement. Cette méthode de collage tactile renforce le lien entre la surface et le récit, garantissant que chaque élément de l’œuvre contribue non seulement à l’intérêt visuel, mais aussi à la résonance historique. Elle capture l’énergie de déclin et de renouveau, au cœur de l’esprit du street art et du graffiti. Pipsqueak était là !!! et la logique de la protestation visuelle Avec « Check, Pipsqueak Was Here!!! », Pipsqueak continue d'affiner son équilibre unique entre élégance visuelle et urgence urbaine. L'œuvre rayonne de sens par le contraste : l'innocence de l'enfance face à un monde saturé d'avertissements et de publicités. Le titre lui-même suggère la confrontation, la vérification, voire la perturbation. Chaque choix de composition témoigne de la puissance, de l'emplacement et de la perception. Cette peinture ne se limite pas à la forme ou à la beauté ; elle est un message inscrit dans l'image. Artistes de rue, pop art et graffiti, le duo reste attentif à la vulnérabilité environnementale, sociale et humaine, faisant de chaque œuvre une forme de protestation visuelle à travers le collage, la bombe de peinture et les symboles. « Check » nous rappelle avec force que l'art, dans l'espace public comme privé, a le pouvoir de révéler des vérités, de susciter l'empathie et de porter la résistance grâce à l'iconographie quotidienne de nos environnements partagés.

Lis Plus Moins

Hello There Orange Original Spray Paint Art Can by Atomik Sculpture Drawing Artwork by Iconic Pop Culture Modern Artist. Peinture originale signée au marqueur magique Atomik orange, représentant un visage souriant, réalisée à partir d'une bombe de peinture recyclée (3 x 8 pouces). Bonjour, bombe de peinture orange originale Atomik L'œuvre « Hello There Orange Original Spray Paint Art Can » d'Atomik est une pièce unique de street art pop et de graffiti qui illustre l'engagement de l'artiste à transformer des objets ordinaires en expressions personnelles de son identité. Créée en 2025 et signée par l'artiste, cette œuvre est dessinée directement sur une bombe de peinture recyclée à l'aide d'un marqueur. On y retrouve le visage orange souriant emblématique, devenu la signature visuelle d'Atomik. Avec ses traits noirs audacieux sur une bombe Montana usagée, l'œuvre fusionne l'énergie brute des matériaux du graffiti avec l'immédiateté intimiste d'une illustration dessinée à la main. Le visage orange, immédiatement reconnaissable, apparaît avec ses grands yeux expressifs et son sourire malicieux, incarnant l'esprit de son héritage street art à Miami. Réapproprier les outils d'expression en tant qu'objets d'art Les bombes de peinture sont un élément incontournable de la culture graffiti et du street art. Elles sont des outils de résistance, de liberté et d'expression personnelle. La décision d'Atomik de transformer une bombe de peinture en support artistique reflète une philosophie plus profonde propre au Street Pop Art et au graffiti. Plutôt que de jeter le support une fois vide, il se le réapproprie, métamorphosant l'objet fonctionnel en pièce de collection. L'œuvre qui en résulte rend hommage au processus tactile du graffiti et constitue une rébellion contre les conceptions traditionnelles des beaux-arts. Chaque bosse, chaque rayure, chaque étiquette d'avertissement sur la bombe devient partie intégrante de l'esthétique finale, ancrant le personnage orange dans la réalité vécue de la création artistique urbaine. Cette pratique préserve non seulement un pan de l'histoire du graffiti, mais le réinterprète en un objet à part entière, digne d'admiration et de discussion. L'orange souriante et l'identité de Miami L'orange souriante trouve son origine dans la réaction personnelle d'Atomik à la démolition du stade Orange Bowl de Miami, un emblème de la fierté civique. Atomik a réinterprété l'orange comme un personnage de graffiti rendant hommage à la Floride tout en affirmant une identité unique. Au fil des ans, elle est apparue sur des trains de marchandises, des bâtiments abandonnés et des fresques murales, devenant l'un des personnages les plus reconnaissables du graffiti contemporain. Sur cette bombe de peinture, l'orange se détache sur un fond de petits caractères, d'avertissements et de symboles de danger. Cette juxtaposition de textes réglementaires et d'un personnage indomptable illustre la tension entre contrôle et liberté, légalité et expression. Elle reflète également la réflexion constante de l'artiste sur la réappropriation de l'espace et des matériaux pour la narration culturelle. Le graffiti comme sculpture et commentaire de collection Cette bombe aérosol recyclée, dessinée à la main, est une œuvre à la fois visuelle et sculpturale. Sa forme cylindrique lui confère une dimension tridimensionnelle, offrant aux spectateurs la possibilité d'observer l'évolution du street art lorsqu'il s'inscrit dans un format plus permanent et collectionnable. Contrairement aux toiles traditionnelles ou aux impressions numériques, l'utilisation de la bombe aérosol établit un lien physique et conceptuel entre le spectateur et le processus du graffiti. La signature d'Atomik sur le socle authentifie l'œuvre, l'ancrant dans sa lignée artistique et sa pratique. Alors que le street art et le graffiti repoussent sans cesse les limites, des œuvres comme « Hello There Orange Spray Can » se distinguent, démontrant qu'un objet autrefois mis au rebut peut devenir une pièce maîtresse entre les mains d'un artiste talentueux.

Lis Plus Moins

1 • 12 • 5 • 24 Peinture originale technique mixte sur toile par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2017, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol sur toile prête à accrocher, format 18 x 24 pouces. « À travers cela, nous sommes restés inébranlables, alors que notre défi était de renverser le destin. Mais cette possibilité s'est évanouie, n'est-ce pas ? Nous avons enduré ensemble, et souvent seuls, pour nous tous, pour demain et pour hier, pour ce qui aurait pu être et pour ce qui est, pour ce qui est et pour ce qui pourrait bien être, de peur de nous oublier et de nous servir de nos souvenirs, de nos échecs et de notre résilience, quand se tenir debout était tout ce qui comptait. » - Eddie 1 • 12 • 5 • 24 Peinture originale technique mixte sur toile par Eddie Colla 1 • 12 • 5 • 24 est une puissante œuvre originale sur toile, réalisée en technique mixte par l'artiste de rue Eddie Colla. Créée en 2017, cette œuvre signée mesure 45,7 x 61 cm et est exécutée à l'acrylique et à la bombe aérosol. Elle incarne l'énergie brute et la narration complexe qui caractérisent le Street Pop Art et le graffiti. L'œuvre présente un portrait saisissant d'un individu masqué, rendu dans des tons de noir et de sépia très contrastés, avec des textures et des effets d'usure qui évoquent les thèmes de la résilience, de la rébellion et de la survie. Eddie Colla est reconnu pour sa capacité à saisir la charge psychologique et émotionnelle des luttes contemporaines à travers son art. Ses personnages, souvent masqués ou vêtus d'équipements de protection, reflètent les thèmes de l'identité, de la résistance et des troubles sociaux. Les bords dentelés et la surface patinée de cette œuvre renforcent son esthétique industrielle et urbaine, lui conférant l'apparence d'un fragment d'une histoire plus vaste et méconnue. Ce tableau n'est pas qu'un simple portrait : c'est un récit encapsulé dans la texture, le symbole et la forme, invitant le spectateur à réfléchir aux implications profondes de la persévérance, de la résistance et de la mémoire. Eddie Colla et son influence sur le street art, le pop art et le graffiti Eddie Colla est un artiste de rue et peintre contemporain américain dont l'œuvre explore fréquemment les thèmes de la dégradation urbaine, de la désobéissance civile et de la persévérance existentielle. Son art est profondément influencé par la culture graffiti, l'esthétique punk et les récits dystopiques, et met souvent en scène des personnages masqués évoluant dans des environnements hostiles ou incertains. À travers son travail, Colla aborde les questions de liberté individuelle, de contrôle gouvernemental et des luttes des communautés marginalisées. 1 • 12 • 5 • 24 illustre parfaitement son langage visuel caractéristique : des personnages à l’identité floue, des textures superposées imitant des surfaces vieillies ou dégradées, et une numérotation ou une inscription cryptique suggérant des messages codés ou des histoires cachées. Son utilisation du pochoir et de la peinture en aérosol, combinée à des éléments peints à la main, fait le lien entre les beaux-arts et la culture urbaine, renforçant l’esprit éphémère et rebelle du graffiti. Cette œuvre est une représentation saisissante de son exploration continue des thèmes de la survie et de la mémoire, constituant à la fois une affirmation esthétique et une réflexion culturelle. Le symbolisme et la puissance esthétique de 1 • 12 • 5 • 24 La figure masquée de ce tableau se dresse comme un puissant emblème de protection et de contestation. Son regard, partiellement voilé mais intensément expressif, invite le spectateur à la contemplation : à quoi le sujet est-il confronté ? Quelles épreuves a-t-il endurées ? Le fond texturé et rugueux, ainsi que la palette de couleurs sourdes, amplifient le sentiment d’histoire qui imprègne l’œuvre, comme si le tableau lui-même avait été témoin de conflits invisibles et d’histoires tues. La présence de la numérotation énigmatique, 1 • 12 • 5 • 24, invite à l’interprétation, suggérant des thèmes tels que des messages codés, des dates importantes, ou une référence abstraite au temps et à la mémoire. Les surfaces texturées et vieillies de Colla reflètent la fugacité des paysages urbains et des expériences humaines. Les œillets dans la toile accentuent l'esthétique industrielle, renforçant l'idée qu'il ne s'agit pas simplement d'une œuvre d'art, mais d'une relique – un artefact d'un moment de résistance ou d'un futur imaginaire où la survie est un acte de défi. La capacité de l'œuvre à susciter l'émotion tout en préservant une part de mystère en fait un ajout fascinant au discours sur le street art et le graffiti. Collectionnabilité et impact culturel de l'œuvre d'Eddie Colla L'œuvre d'Eddie Colla a acquis une reconnaissance considérable dans le milieu de l'art urbain contemporain, ses pièces étant exposées dans des galeries et des installations publiques du monde entier. Son talent pour transposer la culture de la rue en art contemporain a rendu ses créations très recherchées par les amateurs de graffiti moderne et d'art dystopique. Cette œuvre originale, réalisée en techniques mixtes, possède une valeur unique car elle capture l'essence même de son style et de ses thèmes de prédilection. L'œuvre « 1 • 12 • 5 • 24 » témoigne de la résilience de l'expression humaine face à l'adversité. Elle trouve un écho auprès d'un public sensible à l'art à la fois visuellement saisissant et conceptuellement profond. L'alliance de détails peints à la main, de pochoirs et d'éléments industriels en fait une œuvre singulière dans le travail de Colla, soulignant l'importance de l'art comme moyen de résistance, de mémoire et de critique sociale.

Lis Plus Moins

Tour d'eau de Tom Fruin, Brooklyn, NYC. Édition limitée, sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tampon 2020 au verso HPM avec encres métalliques Bobby Hill (né en 1973) est un artiste plasticien new-yorkais qui a débuté sa carrière comme illustrateur. Il s'est mis à la peinture sur toile en 2008, après son retour aux États-Unis d'un premier voyage à l'étranger. Ses toiles récentes mêlent des affiches publicitaires new-yorkaises déchirées à des éléments d'expressionnisme abstrait, d'imagerie pop et de graffiti, pour créer ce qu'il appelle « The Bhillboards Collection ».

Lis Plus Moins

Œuvre d'art Street Shatter Art en résine époxy et bois, technique mixte, sur rue, signée et encadrée, sculpture/peinture de l'artiste de la culture pop urbaine Sechor. Œuvre signée de 2021, format 20x20, prête à accrocher. Sculpture murale originale encadrée, technique mixte, réalisée en époxy mélangé à des copeaux de bois sur un véritable panneau de signalisation « Ne pas entrer », dans un cadre fait main, prête à être accrochée.

Lis Plus Moins

Smile - Sculpture en bombe de peinture cyan en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

Lis Plus Moins

Dommages collatéraux Peinture originale Technique mixte Peinture aérosol Acrylique sur papier épais par Risk Graffiti Street Artiste Pop Art moderne. Dommages collatéraux, 2018 - Possédez une œuvre originale à risque ! Original (peinture aérosol, acrylique sur papier épais) Taille : 22 x 30 pouces Date de création : 2018 Œuvre originale – Chaque pièce est unique, signée à la main.

Lis Plus Moins

Sac à dos style messager Reporter Cold Crush Brothers Art Mode par Kothai x Joe Conzo Jr Objet d'art vestimentaire Œuvre d'art Article de collection. Sacoche Kothai Messenger, édition limitée 1995 (épuisée). Vêtement de créateur, art et mode. Neuf avec étiquette, vintage, jamais porté. Photo vintage du groupe de hip-hop rap Cold Crush Brothers par Joe Conzo Jr. RB86N 3700536404958. Dimensions : 35,5 x 26,5 x 6,5 cm. Bandoulière : 76 cm. Provenant de la collection personnelle de Joe Conzo. Sacoche bandoulière Cold Crush Brothers Le sac bandoulière Reporter Cold Crush Brothers est une fusion rare et remarquable de mode, d'art et de culture hip-hop. Conçu par Kothai en collaboration avec le célèbre photographe Joe Conzo Jr., ce modèle en édition limitée illustre la rencontre entre le street art, le pop art et le graffiti, le tout dans un objet à porter. Le sac arbore une saisissante photographie en noir et blanc des légendaires Cold Crush Brothers, prise par Conzo, reconnu pour avoir documenté les débuts du mouvement hip-hop. Lancé en 1995 et désormais épuisé, ce sac est à la fois un accessoire de mode et une pièce de collection. Photographies emblématiques des Cold Crush Brothers et de Joe Conzo Jr. Les Cold Crush Brothers sont un groupe fondateur de l'histoire du hip-hop, incarnant l'énergie et la créativité des débuts du genre. Leur influence dépasse le cadre musical, façonnant le paysage culturel et artistique du Bronx à la fin des années 1970 et dans les années 1980. Joe Conzo Jr., souvent considéré comme le premier photographe du hip-hop, a immortalisé l'essence de cette époque à travers son objectif. Son travail, dont l'image orne ce sac, capture l'esprit de résilience et d'expression qui a défini le mouvement. La photographie transpose le charisme du groupe et l'énergie vibrante du hip-hop dans un accessoire de mode accessible au quotidien. Le design et la valeur de collection du sac messager Kothai Conçu par Kothai, ce sac arbore un design élégant de type messager et un extérieur en similicuir résistant. Ses dimensions (35,5 x 26,5 x 6,5 cm) et sa bandoulière ajustable de 76 cm le rendent à la fois pratique et stylé. La photographie en noir et blanc de Joe Conzo Jr. orne le devant, transformant le sac en une véritable œuvre d'art urbain. Fruit de la collaboration entre Kothai et Conzo, ce sac fusionne les codes visuels et musicaux du hip-hop avec le design contemporain. Neuf, dans sa boîte d'origine avec étiquettes, il n'a jamais été porté. Ce sac est rare, car il fait partie d'une édition limitée désormais épuisée. L'héritage de l'art dans la mode et la culture urbaine Bien plus qu'un simple accessoire, ce sac célèbre la culture hip-hop et son influence sur le street art et le graffiti. Orné d'une image emblématique issue du portfolio de Joe Conzo Jr., il rend hommage aux racines de l'art urbain et aux pionniers qui ont marqué toute une génération. Son édition limitée et sa qualité de fabrication exceptionnelle en font une pièce de collection très recherchée par les passionnés de hip-hop, de mode et d'art contemporain. Fruit de la collaboration entre Kothai et Joe Conzo Jr., ce sac messager illustre parfaitement comment la mode peut devenir un support d'expression artistique, faisant de cette sacoche un objet culturel intemporel.

Lis Plus Moins

Carnet de croquis personnel original Black Book Graffiti par Stay High 149 - Wayne Roberts. Style street art moderne, tags, gribouillis, dessins, peintures et réflexions artistiques. STAYHIGH149 x Carnet noir de 2003, signé et tagué. Techniques mixtes : marqueur, peinture aérosol, acrylique, autocollant, graffiti. Format 21,6 x 27,9 cm. Bon état, quelques traces d'usure et quelques pages manquantes. Ce carnet noir unique a appartenu au légendaire STAYHIGH149, véritable icône de l'histoire du graffiti. Bien plus qu'un simple carnet de croquis, c'est un artefact culturel digne des collections muséales. À l'intérieur, vous découvrirez plus de 130 pages remplies de tags et d'œuvres authentiques et bruts, non seulement de STAYHIGH149, mais aussi de son proche collaborateur Dead Leg et de figures influentes comme TRACY 168, entre autres. Ce carnet noir regorge d'histoire visuelle. La quatrième de couverture est également ornée, offrant un aperçu complet de l'art underground d'une époque. Livre noir historique de la légende du graffiti STAYHIGH149 Ce carnet de croquis original est une pièce d'une rareté et d'une importance culturelle exceptionnelles, directement liée à Wayne Roberts, alias STAYHIGH149. Figure emblématique des débuts du graffiti new-yorkais, STAYHIGH149 a marqué le mouvement de son empreinte indélébile grâce à son tag iconique « smoker » et à ses lettres stylisées. Ce carnet noir n'est pas un simple recueil de pages : c'est un objet digne d'un musée, révélant l'âme de la culture graffiti des années 1970 et 1980 à travers le regard de ses pionniers. Signé et annoté de bout en bout, il a été activement utilisé au début des années 2000, constituant une véritable capsule temporelle visuelle de la créativité, de la fraternité et de l'énergie brute de la rue. Pages taguées à la main de l'école originelle du graffiti Ce carnet noir, de format 21,6 x 27,9 cm, renferme plus de 130 pages de tags, de throw-ups, de personnages et de croquis bruts, chacun recouvert de feutres, de peinture en aérosol, d'autocollants et de techniques mixtes. Certaines pages sont raturées ou usées, témoignant du temps qui passe et de l'usage fréquent qu'en ont fait l'artiste et son entourage. On y retrouve la présence de Dead Leg, collaborateur de confiance de STAYHIGH149, ainsi que des œuvres et des dédicaces d'autres figures emblématiques comme TRACY 168. Ces créations ne sont pas mises en scène : brutes, spontanées et pleines de style, elles comptent parmi les œuvres de street art et de graffiti les plus authentiques qui nous soient parvenues. Certaines pages sont saturées de couleurs, tandis que d'autres présentent des traits rapides et des dessins de personnages iconiques. Condition physique et intégrité artistique Ce carnet noir unique en son genre porte les marques de son utilisation : certaines pages sont manquantes, beaucoup sont usées sur les bords et quelques-unes présentent des traces de feutre. Pourtant, cela ne fait que renforcer son authenticité en tant qu'outil et compagnon de l'une des figures les plus visionnaires du graffiti. La couverture est richement ornée d'encre et de peinture, et le dos arbore des phrases comme « La Voix du Ghetto », un message qui s'inscrit pleinement dans l'héritage de Wayne Roberts. À l'intérieur, le mélange de lettres bulles, de tags classiques et de dessins stylisés représente des décennies de tradition artistique urbaine, transposées des rames de métro et des murs de la ville sur une toile personnelle. Héritage immortalisé par l'art urbain pop et le graffiti Ce livre noir n'est ni une reproduction ni une rétrospective. C'est une archive vivante de l'histoire du graffiti, créée par celles et ceux qui ont bâti cette culture depuis ses origines. STAYHIGH149 demeure une figure emblématique du graffiti, et cet ouvrage reflète la camaraderie, l'influence et la détermination sans faille qui ont marqué toute une époque. Il illustre avec force comment le street art et le graffiti ont dépassé les frontières des rues pour devenir une forme d'expression contemporaine reconnue. Ce livre noir offre une occasion unique de découvrir le monde de l'art underground tel qu'il était : personnel, authentique et immortel.

Lis Plus Moins

Melty Misfit Eye Drip - Sculpture en bombe de peinture HPM violette/bleue ornée, œuvre d'art de l'artiste moderne emblématique de la culture pop Buff Monster. 2 2022 Édition limitée signée de 75 HPM Sérigraphie et peinture en aérosol HPM embelli à la main Chaque HPM est unique dans une boîte sérigraphiée, présentée avec la boîte. Le processus créatif de Buff Monster La sculpture « Melty Misfit Eye Drip », réalisée à partir d'une bombe de peinture HPM violette et bleue, est une œuvre vibrante et stimulante de Buff Monster, artiste emblématique de la pop culture contemporaine. Reconnu pour son style unique, caractérisé par une palette de teintes pastel et un mélange original d'influences issues du street art, du graffiti et de la culture japonaise, Buff Monster crée des œuvres immédiatement reconnaissables. Cette création, faisant partie d'une édition limitée et signée de 75 exemplaires, témoigne de la vision créative de l'artiste et de l'esprit novateur du street art. « Melty Misfit Eye Drip », une œuvre de Buff Monster aux teintes violettes et bleues, est entièrement réalisée à la main et repousse les limites traditionnelles du street art. Chaque bombe est minutieusement peinte à la bombe et sérigraphiée à la main, garantissant ainsi l'unicité de chaque pièce de la série. Le dévouement de l'artiste à son art transparaît dans la finesse et la précision des sérigraphies. Le choix des teintes violettes et bleues pour cette série évoque un sentiment de mysticisme et de fantastique, deux éléments souvent présents dans son œuvre. Symbolisme dans « Melty Misfit Eye Drip » L'image de l'œil qui fond est un thème récurrent dans l'œuvre de Buff Monster, symbolisant la nature fluide et changeante de la vie et de la perception. Ce motif dégoulinant rappelle les horloges fondues des peintures surréalistes de Salvador Dalí, suggérant une distorsion du temps et de la réalité. Dans l'art du graffiti, ce motif fait écho à la nature éphémère du paysage urbain, où l'art se crée et se recrée sans cesse. Résonance culturelle et potentiel de collection La série « Melty Misfit Eye Drip » s'inscrit pleinement dans l'esprit DIY (Do It Yourself) du street art, où les artistes maîtrisent la production et la diffusion de leurs œuvres. L'inclusion d'un coffret sérigraphié avec chaque sculpture réalisée à partir d'une bombe de peinture souligne l'approche globale de Buff Monster, qui prend en compte l'œuvre elle-même, sa présentation et sa conservation. Ce coffret remplit une double fonction, à la fois pratique et esthétique : il renforce la valeur de collection de l'œuvre et confirme son statut d'œuvre d'art majeure au sein du pop art urbain. L'influence de Buff Monster sur l'art moderne Buff Monster a profondément marqué la scène artistique contemporaine, notamment dans les domaines du street art et du graffiti. Ses œuvres se caractérisent par une utilisation audacieuse de la couleur, des thèmes à la fois ludiques et provocateurs, et une fusion harmonieuse des techniques du street art et des pratiques artistiques conventionnelles. La sculpture « Melty Misfit Eye Drip » en HPM violet/bleu illustre parfaitement la manière dont Buff Monster continue d'innover dans son médium, repoussant les limites du possible en matière d'objets d'art de collection. Cette œuvre, réalisée à partir d'une bombe de peinture HPM violet/bleu, est une pièce de collection qui capture l'essence même du street art et du graffiti. Chaque pièce, ornée à la main, exprime de manière unique la vision artistique de Buff Monster, incarnant le pouvoir transformateur de l'art et sa capacité à questionner et redéfinir les normes culturelles. Cette série témoigne de la maîtrise de son médium par l'artiste et de son rôle majeur dans l'évolution de l'art moderne.

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Œuvre originale unique de 1987, réalisée à la peinture en aérosol et à partir d'objets récupérés sur bois recyclé par le célèbre artiste de graffiti de rue Eddie Colla. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2019 avec des éléments de récupération. Dimensions : 34 x 34 cm. « 1987 » 86 x 86 cm (34 x 34 pouces) Technique mixte sur bois 2019 Signé et titré au dos

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Nouvelle chaussure Hebru Brantley Forum MID RT Taille 6,5, édition limitée rare, illustration de collection par Hebru Brantley x Adidas. Hebru Brantley Forum MID RT, édition limitée 2022 (épuisée), pointure 6,5, chaussures de skate, tennis et baskets neuves dans leur boîte d'origine. Coloris : noir, olive et blanc. Jamais portées, avec boîte et breloque. Bien plus que du cuir et des lacets, ces Adidas Originals x Hebru Brantley Forum incarnent un héritage. Poursuivant notre mission commune de susciter des échanges inspirants autour de l'émancipation en mettant à l'honneur les héros, la créativité et l'art noirs, nous sommes déterminés à défendre avec conviction nos valeurs. À chaque fois que vous enfilerez ces Adidas Originals x Hebru Brantley Forum, vous vous souviendrez de rester fidèle à vous-même et à vos aspirations. Les personnages d'Hebru (Frogboy et Rocket) contribuent à raconter cette histoire tout en nous encourageant à donner le meilleur de nous-mêmes. Une interprétation personnalisée du logo Trèfle, dessinée à la main par Brantley, orne la semelle extérieure et se dissimule dans la semelle intérieure. - Adidas x Hebru Brantley. Hebru Brantley x Adidas : La rencontre entre la sneaker et le pop art urbain La Hebru Brantley Forum MID RT en pointure 6,5 est une fusion remarquable entre la culture sneaker et le pop art urbain. Elle est emblématique d'une ère naissante où la chaussure transcende sa fonction utilitaire pour devenir un support d'expression artistique. Sortie en 2022, cette sneaker rare en édition limitée est une pièce de collection qui incarne l'esprit de collaboration entre l'artiste de renom Hebru Brantley et la marque de sportswear iconique Adidas. La sneaker, entièrement noire avec des touches de vert olive et de blanc nuage, est bien plus qu'un simple accessoire de mode : c'est une œuvre d'art à porter qui résume l'éthique d'Hebru Brantley et l'esprit d'innovation d'Adidas. Cette collaboration va au-delà de l'esthétique, insufflant à la chaussure un message d'émancipation et d'héritage. Les personnages distinctifs de Brantley, Frogboy et Rocket, ne sont pas de simples éléments décoratifs, mais font partie intégrante de l'histoire que racontent ces chaussures : celle de la célébration des héros noirs, de la créativité et de l'art. Ces baskets arborent le message « Ten Toes Down » (les dix orteils au sol) pour défendre ses convictions, un appel à rester inébranlable face à l'adversité. Ce message trouve un écho profond dans le contexte du pop art urbain et du graffiti, qui sont depuis longtemps des moyens d'expression sociale et personnelle. Détails artistiques et symbolisme dans le design des baskets d'Hebru Brantley Chaque détail de la Hebru Brantley Forum MID RT taille 6,5 est méticuleusement travaillé, reflétant le style unique de l'artiste, puisant son inspiration dans diverses influences culturelles, notamment la bande dessinée, l'anime japonais et l'esthétique du street art. L'utilisation audacieuse de la couleur et le design des personnages témoignent de la capacité de Brantley à raconter des histoires à travers son art, abordant des thèmes universels qui inspirent et suscitent la réflexion. Ces sneakers arborent une interprétation personnalisée et dessinée à la main par Brantley du logo Adidas Trefoil, une signature unique qui renforce leur valeur de collection. Elles deviennent ainsi une pièce forte qui invite celui ou celle qui les porte à rester fidèle à lui-même et à ses aspirations, faisant écho aux messages inspirants souvent présents dans l'œuvre de Brantley. L'intégration de l'art de Brantley dans un produit grand public comme une sneaker Adidas est un clin d'œil à la reconnaissance croissante du street art et à sa capacité à s'intégrer à différents aspects de la culture de consommation. La valeur de collection et l'impact culturel des baskets Adidas d'Hebru Brantley L'édition limitée des sneakers Hebru Brantley Forum MID RT taille 6,5 en fait des pièces de collection très recherchées par les amateurs de sneakers et les collectionneurs d'art. La convergence du streetwear et de l'art a donné naissance à une nouvelle dimension de la collection, où la valeur repose à la fois sur le mérite artistique et l'exclusivité du produit. Ces sneakers, neuves et épuisées, incarnent un moment de la culture contemporaine où les frontières entre mode, art et identité personnelle s'estompent. L'impact culturel de cette collaboration est considérable, témoignant d'une évolution dans la manière dont l'art est consommé et apprécié. Le pop art et le graffiti, traditionnellement présents sur les murs et dans les galeries, trouvent un nouveau mode d'expression qui se déploie littéralement à travers le monde. La collaboration d'Hebru Brantley avec Adidas célèbre ce mouvement, rend hommage au dynamisme du street art et à son influence durable sur la culture contemporaine. L'héritage de la basket Forum MID RT de Hebru Brantley L'héritage de la basket Forum MID RT d'Hebru Brantley pour Adidas se mesurera à son attrait durable auprès de celles et ceux qui recherchent du sens dans leurs vêtements. Cette basket est un symbole de collaboration artistique, inspirant de futurs partenariats qui rapprochent les différentes industries créatives. L'implication de Brantley dans ce projet illustre le potentiel du street art à transcender les frontières traditionnelles, encourageant le dialogue et l'expression à travers des supports qui font partie intégrante de notre quotidien. La Hebru Brantley Forum MID RT en pointure 6,5 n'est pas qu'une simple chaussure : c'est un véritable objet culturel qui incarne la rencontre dynamique entre le street art, la mode et l'émancipation sociale. Grâce à cette collaboration, Hebru Brantley et Adidas ont créé bien plus qu'une simple basket : ils ont bâti une plateforme de narration, d'émancipation et d'expression artistique en phase avec l'air du temps.

Lis Plus Moins

Be Faithful, peinture originale réalisée à la bombe aérosol et à la peinture acrylique sur bois de récupération par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2014, réalisée à la bombe aérosol et technique mixte, format 16,25 x 22 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à en quelque sorte vandaliser ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. » - Shark Toof

Lis Plus Moins

Œuvre d'art unique et originale perdue, réalisée à la peinture en aérosol sur toile par Canbot Canz, artiste de street art et de pop culture Czee13. Peinture originale signée, technique mixte, à la bombe aérosol, 24 x 20 pouces (61 x 51 cm).

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Peinture originale Hardcore Energy au marqueur aérosol par Optimo NYC. Œuvre unique sur papier d'art de qualité supérieure. Art urbain, artiste pop. Peinture originale signée, réalisée au feutre et à la peinture aérosol en 2022. Format : 7 x 9 pouces. Hardcore Energy par Optimo NYC – Œuvre originale à la bombe et au marqueur, dans le style pop art et graffiti urbain. Hardcore Energy est une œuvre originale de 2022, une peinture technique mixte de 18 x 23 cm (7 x 9 pouces) réalisée par Optimo NYC à l'aide de peinture aérosol et de marqueurs sur papier beaux-arts. Cette pièce unique distille l'essence de la présence urbaine et du rythme visuel dans une composition compacte, brute et stylisée. La figure centrale est dessinée avec une élégance minimaliste : des lignes de marqueur nettes et fluides esquissent une silhouette sans visage, coiffée d'un haut-de-forme et vêtue d'un manteau. L'inscription Hardcore Energy est inscrite en lettres capitales sur le torse, servant à la fois de message et de point d'ancrage visuel. Le fond vibre d'un tourbillon de peinture aérosol rouge, blanche, bleue et noire, appliquée par couches successives évoquant la brume d'aérosol, les reflets de la lumière et la poussière brute d'un graffiti nocturne. Le contraste entre la douce brume de la peinture et la forme rigide de l'encre noire capture la dualité au cœur du graffiti : énergie chaotique et maîtrise stylisée. Identité visuelle et travail sur les personnages emblématiques Le personnage emblématique d'Optimo NYC, souvent présent dans ses œuvres de rue et ses créations artistiques, revient ici dans un trait raffiné. Le haut-de-forme, les épaules anguleuses et la silhouette allongée sont immédiatement reconnaissables et iconiques, évoquant l'iconographie du street art new-yorkais du milieu des années 1980 tout en affirmant une présence visuelle intemporelle. Cette figure paraît à la fois détachée et imposante, anonyme et pourtant mémorable – un symbole de style et de personnalité. L'inscription manuscrite « Hardcore Energy » sur sa poitrine n'est pas un titre, mais une pulsation, vibrant de l'esprit de la rue et de l'élan de la tradition graffiti new-yorkaise. Le petit triangle sous l'inscription suggère un code, emblématique de la manière dont le graffiti recèle souvent des significations multiples, dissimulées à la vue de tous. Technique de pulvérisation et abstraction urbaine Le fond à la peinture en aérosol dégage une élégance brute, avec des dégradés nuageux et des projections directionnelles qui ancrent la figure dans l'atmosphère. Des nuances rouges et violettes tourbillonnent derrière des blancs poudrés et doux, tandis que des mouchetures noires et argentées ancrent la composition à sa base. Cette superposition est plus qu'un simple élément décoratif : elle reproduit la texture de la ville, la saleté de l'asphalte et les traces de peinture sur les murs polis et les surfaces métalliques. Optimo NYC fusionne ces textures dans un format compact, permettant au spectateur de s'immerger dans un univers de mouvement et d'ambiance dans un espace de 18 x 23 cm. La composition n'est jamais statique ; elle vibre d'un mouvement résiduel et du souvenir de l'action. L'attitude new-yorkaise dans le street art pop et le graffiti « Hardcore Energy » n'est pas un slogan, c'est une philosophie. Dans cette œuvre, elle définit le ton, la composition et l'identité visuelle d'Optimo NYC. Pièce originale signée par un artiste profondément ancré dans la culture graffiti, cette œuvre se situe au croisement du geste brut et d'une iconographie stylisée. Le format papier serré amplifie son intensité au lieu de la limiter, transformant chaque centimètre en un champ de tension entre abstraction et symbolisme. Pour les collectionneurs et les amateurs de Street Pop Art et de graffiti, cette pièce offre bien plus qu'une simple image : un instantané de la vitesse, de l'attitude et de l'énergie codée de cette culture. C'est un objet visuel authentique, nourri par le rythme brut de la rue et l'instinct aiguisé de l'artiste.

Lis Plus Moins

Rock NYC Édition Limitée Estampe Technique Mixte HPM Rehaussée à la Main sur Papier Épais 200lb par Bobby Hill, Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Sérigraphie technique mixte signée et rehaussée à la main sur papier épais 200 lb. Format : 23 x 15 cm. Sortie : 16 janvier 2020. Tirage : 12 exemplaires.

Lis Plus Moins

Champ - Sculpture en bombe de peinture jaune en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare : bombe de peinture Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art sportive, objet de collection lié à la boxe.

Lis Plus Moins