Papier beaux-arts Moab Entrada

Action en toutes saisons - Tirages d'art en édition limitée, rehaussés à la main, sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ces One-Rob Provenzano. Action en toutes saisons • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Embellissements uniques supplémentaires à l'aérosol et à l'encre sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) Embelli à la main, signé et numéroté par l'artiste CES dans une édition limitée embellie de 10 exemplaires

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Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bill Barminski, édition limitée, tirages d'art pigmentaires d'archives sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Bill Barminski x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bill Barminski • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Bill Barminski • Édition limitée à 25 exemplaires

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Burn Your Wonder Bra - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée OG sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Burn Your Wonder Bra - OG, Wonder Woman nue, style pop art DC Comics. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition 2021 limitée à 100 exemplaires, 61 x 61 cm, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Brûlez votre Wonder Bra par le déni : une déclaration dans le Street Pop Art « Burn Your Wonder Bra », créée en 2021 par Denial, artiste légendaire de la pop culture et du street art, est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, audacieuse et provocatrice. Tirée à 100 exemplaires, cette édition est méticuleusement réalisée sur papier d'art MOAB 290 g/m², au format 61 x 61 cm (24 x 24 pouces), et numérotée et signée par l'artiste, avec un tampon au verso. Reconnu pour sa fusion de visuels inspirés de la bande dessinée et de thèmes engagés, le travail de Denial remet en question les normes culturelles tout en embrassant l'esthétique du street art et du graffiti. « Burn Your Wonder Bra » est une représentation audacieuse de l'émancipation, de la rébellion et de la liberté d'expression. Wonder Woman réinventée : Pop Art et commentaire culturel L'œuvre « Burn Your Wonder Bra » de Denial propose une réinterprétation de Wonder Woman, l'un des symboles les plus emblématiques de DC Comics et de la culture populaire. Elle allie nostalgie et provocation, présentant l'héroïne dans une pose audacieuse et libérée. Utilisant des rouges, des bleus et des motifs en demi-teintes noires vibrants, évoquant les bandes dessinées des années 1960, Denial canalise avec brio l'esthétique des pionniers du pop art tout en l'infusant de l'énergie brute du graffiti. Le texte en gras en haut, « Burn Your Wonder Bra », est un clin d'œil satirique au mouvement féministe de la fin des années 1960 et 1970, période durant laquelle les femmes rejetaient symboliquement les normes sociales restrictives. En réinterprétant Wonder Woman nue et sans filtre, Denial brise les représentations conventionnelles des héroïnes, incitant à des réflexions sur l'autonomie, les attentes liées au genre et l'émancipation. Cette combinaison de critique sociale et d'iconographie pop témoigne du talent de Denial pour fusionner des messages forts avec des compositions visuellement saisissantes. Le déni : une voix majeure du street art pop et du graffiti L'artiste canadien Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est une figure internationale de l'art contemporain, reconnu pour ses œuvres percutantes et sans concession. Ses créations abordent souvent les thèmes de la société de consommation, du genre, de la politique et de la culture populaire avec un humour incisif et une dimension rebelle. Le travail de Denial fusionne les techniques du graffiti et du street art avec la rigueur des beaux-arts, ce qui lui vaut l'admiration des collectionneurs et des amateurs. « Burn Your Wonder Bra » reflète la voix artistique unique de Denial, où la nostalgie des bandes dessinées se mêle à des thèmes subversifs modernes. Par son utilisation audacieuse de la couleur, du trait et d'un texte soigneusement choisi, Denial invite les spectateurs à questionner les normes sociales tout en célébrant l'individualité et la liberté artistique. Une pièce de collection en édition limitée à l'impact durable « Burn Your Wonder Bra » fait partie d'une édition limitée très recherchée de 100 tirages pigmentaires d'archives, témoignant de l'engagement de Denial envers la qualité et le savoir-faire. Imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², la richesse de sa texture et l'éclat de ses couleurs la distinguent des reproductions pop art traditionnelles. Chaque exemplaire est signé, numéroté et estampillé au verso, ce qui renforce son authenticité et sa valeur en tant qu'œuvre de collection. Cette pièce est un exemple remarquable de street art et de graffiti contemporains, trouvant un écho auprès d'un public sensible à un art qui défie les normes tout en conservant une identité visuelle forte. « Burn Your Wonder Bra » capture la convergence de l'art, de la culture et de la rébellion, confirmant le statut de Denial comme figure majeure du street art contemporain. Elle demeure un puissant message de libération et d'expression, incarnant l'énergie dynamique qui caractérise l'œuvre de Denial.

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The Speeder - Tirage d'art en édition limitée grand format, réalisé à partir de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Adam Fujita, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format 42 x 21 cm. Bordure à la main. Les œuvres récentes d'Adams, de style néon, explorent la protestation et la résistance à travers l'utilisation du street art et d'internet.

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Le jour où le temps s'est arrêté, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art Moab Rag 290 g/m² par Jana Brike, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Le titre du tableau est un véritable paradoxe, bien sûr. Il est lié à ma perception de la réalité en état méditatif. Le thème lui-même s'inspire à la fois de la relation entre une jeune fille et sa tribu, et plus librement du mythe des trois Grâces. Il explore ma conception de la beauté. La beauté est un sentiment. Elle ne se limite pas à la simple apparence. Elle englobe le courage, la sagesse, la force et les imperfections qui font de chacun un être unique. La beauté est un sentiment, et il faut ressentir quelque chose pour la percevoir. La beauté est un cœur qui rayonne, et il faut ouvrir les yeux de son cœur pour la voir. Cette œuvre était sans aucun doute plus ambitieuse que toutes mes précédentes. Plus détaillée. De plus, avant celle-ci, je peignais rarement, voire jamais, plus d'une figure. Mes personnages étaient toujours solitaires, prisonniers de leur propre univers clos. À partir de cette œuvre, les relations entre les personnages de mon travail sont devenues de plus en plus importantes pour moi. » – Jana Brike

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Achetez 30 tirages pigmentaires d'archives HPM embellis à la main en édition limitée sur du papier Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² par Keo X-Men graffiti street artiste pop art moderne. 30 Grand (MF DOOM Tribute) 14 x 24 pouces Orné à la main, signé et numéroté par KEO dans une édition limitée embellie de 25 Une partie des bénéfices a été reversée à la succession de MF DOOM.

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Relik Limited Edition Archival Pigment Fine Art Prints on Moab Entrada Rag Bright 290gsm Fine Art Paper par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Stephanie Buer. Édition limitée signée Relik 2020 (20 exemplaires), format 17x14

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Œuvre unique de l'artiste : The Sucklord Portrait, tirages d'art en édition limitée, pigments d'archivage sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop The Sucklord x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait du Seigneur des Aigles • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par le Seigneur des Aigles • Édition limitée à 25 exemplaires

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Avant l'aube, estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives, sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Alexis Price, légende du street art pop et du graffiti. Édition 2022 signée et numérotée à 12 exemplaires, format 14x17 pouces N° 1 sur 12

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée interdits, sur papier texturé brillant Moab Entrada 300 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Adam J O'Day. Interdit • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive texturé Moab Entrada 300 g/m² • Bords frangés déchirés à la main • 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) • Signé et numéroté à la main par l'artiste Adam J. O'Day • Édition limitée à 23 exemplaires

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Covid No 19 - Rouge Édition Limitée Tirage Pigmentaire d'Archives sur Papier Beaux-Arts MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 19 exemplaires : Rouge Covid19 Chanel, désinfectant pour les mains inspiré du virus. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 cm x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Autoportrait 82 Tirage photo de Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste de rue, de graffiti pop. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 20x16, impression pigmentaire d'archives, autoportrait de Joe Conzo dans sa chambre tenant le magazine American Photographer en 1982. Autoportrait 82, tirage photographique de Joe Conzo Jr. L'autoportrait photographique « 82 » de Joe Conzo Jr. capture un moment profondément personnel et introspectif dans la vie de l'un des photographes urbains les plus emblématiques de New York. Cette œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², est un tirage pigmentaire d'archives saisissant, signé par l'artiste en 2023. La photographie, prise en 1982, montre Joe Conzo lui-même dans un cadre intime, dans sa chambre, tenant un exemplaire du magazine American Photographer. Limitée à seulement cinq exemplaires, cette œuvre d'art de 50 x 40 cm (20 x 16 pouces) résonne à la fois comme un portrait introspectif et comme une contribution au langage visuel du Street Pop Art et du graffiti. Joe Conzo Jr : Documenter la culture de New York Joe Conzo Jr, photographe new-yorkais de renom, est reconnu pour avoir immortalisé des moments clés du développement de la culture urbaine. Souvent considéré comme l'un des premiers photographes à avoir documenté la culture hip-hop à ses débuts, l'œuvre de Conzo transcende la musique et la danse pour inclure la vie, les environnements et les histoires des personnes à l'origine du mouvement. Son art reflète l'énergie du New York des années 1970 et 1980, des murs couverts de graffitis à l'intimité des espaces personnels. « Autoportrait 82 » offre un aperçu de la dimension plus paisible de la vie créative de Conzo. L'image le représente assis sur son lit, vêtu simplement d'un jean et d'un t-shirt. Son expression pensive et le choix de sa lecture – le magazine « American Photographer » – témoignent de son dévouement à l'art photographique et à l'art du récit visuel. La photographie établit un équilibre entre le personnel et le professionnel, illustrant un artiste en pleine évolution et perfectionnement de son art. Lien entre l'autoportrait, le pop art urbain et le graffiti L'autoportrait occupe une place prépondérante dans le monde du street art et du graffiti, permettant aux artistes d'affirmer leur identité et de partager leur récit personnel. Dans « Autoportrait 82 », Conzo utilise l'appareil photo pour se mettre en scène, offrant aux spectateurs un aperçu de l'individu derrière les photographies iconiques qui ont façonné la documentation du hip-hop et de la culture urbaine. Le décor de la pièce, notamment l'affiche de la pièce de Luis Valdez et d'autres détails visuels, enrichit le contexte, ancrant l'image dans un moment culturel et historique précis. Si les graffeurs taguent souvent les murs et créent des fresques murales monumentales comme prolongements de leur personnalité, l'autoportrait de Conzo produit un effet similaire grâce à la photographie. Celle-ci fonctionne comme une étiquette visuelle, une manière de marquer son identité et sa place dans le monde créatif. En se présentant dans son propre récit artistique, Conzo brouille les frontières entre sujet et artiste, créant un pont entre expression personnelle et engagement public. La signification de l'autoportrait 82 dans l'art urbain contemporain Le tirage photographique « Autoportrait 82 » souligne l'importance de l'autoportrait dans le Street Pop Art et le graffiti. Tirage d'art en édition limitée, cette œuvre met en lumière la pertinence intemporelle du travail de Conzo et son lien avec les mouvements artistiques urbains modernes. L'utilisation du papier d'art Moab Entrada garantit la préservation des détails et des textures de la photographie, sublimant l'expérience visuelle et renforçant l'authenticité de l'œuvre. Cette photographie n'est pas seulement un instantané, mais aussi le reflet de l'engagement de l'artiste envers son art et les mouvements culturels qui l'ont influencé. En se mettant en scène, Conzo invite le spectateur à s'interroger sur la relation entre l'artiste et son environnement, instaurant un dialogue qui résonne encore dans le contexte de l'art contemporain. « Autoportrait 82 » illustre avec force comment l'expression de soi peut transcender la sphère personnelle pour enrichir significativement le langage visuel du Street Pop Art et du graffiti.

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Crown - Tirage d'art en édition limitée grand format, réalisé à partir de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Marly Mcfly, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 27 exemplaires. Format : 20x20 pouces.

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Estampe d'art en édition limitée Never Safe Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main par l'artiste Olga Esther, légende du street art pop graffiti. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage d'art sur papier Moab Entrada 290 g/m², 50 x 50 cm. Bords frangés à la main. Chaque tirage est signé et numéroté par l'artiste. Imprimé par Static Medium (Los Angeles).

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Charlotte PP, épreuves d'imprimerie en édition limitée, tirages pigmentaires d'archives sur papier d'art Moab Rag 290 g/m² par Tavar Zawacki - Ci-dessus, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'impression PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x18 Impression pigmentaire d'archives. Exploration de « Charlotte » de Tavar Zawacki – CI-DESSUS : Épreuve d’imprimerie PP en édition limitée Tavar Zawacki, alias ABOVE, a profondément marqué la scène du street art et du graffiti grâce à ses œuvres distinctives, empreintes de géométrie. L'« Épreuve d'imprimeur Charlotte PP, édition limitée, estampe pigmentaire d'archives » en est un parfait exemple, alliant la spontanéité du street art à la précision de la gravure d'art. Réalisée en 2019, cette œuvre célèbre le langage visuel d'ABOVE et est imprimée sur du papier d'art Moab Rag 290 g/m², réputé pour sa durabilité et son exceptionnelle fidélité des couleurs. Le terme « PP », pour « Épreuve d'imprimeur », désigne un exemplaire spécifique d'une édition, traditionnellement conservé par les imprimeurs comme référence de qualité. De nos jours, ces épreuves deviennent souvent des objets de collection recherchés en raison de leur rareté et des informations qu'elles apportent sur le processus de gravure. Le choix d'ABOVE de créer une édition d'épreuves d'imprimeur souligne son souci du détail et son profond respect pour la gravure. La vision artistique et la technique d'ABOVE dans « Charlotte » L'estampe « Charlotte » révèle le talent d'ABOVE pour créer profondeur et illusions d'optique sur une surface plane, incitant le spectateur à une interaction active avec l'œuvre. Cette œuvre de 45,7 x 45,7 cm présente une spirale hypnotique qui attire le regard vers l'intérieur, entourée de formes angulaires et de couleurs vives qui créent une impression de mouvement et de vitalité. Cette estampe illustre le style caractéristique d'ABOVE et témoigne de son exploration constante des possibilités offertes par le street art et le graffiti. Chaque estampe, signée et marquée PP, atteste de l'implication et de l'approbation directes d'ABOVE, offrant aux collectionneurs un lien privilégié avec le processus créatif de l'artiste. Fasciné depuis toujours par l'interaction entre l'art et son public, ABOVE manifeste cet intérêt dans « Charlotte ». L'œuvre exige attention et contemplation, invitant implicitement le spectateur à décrypter ses différentes strates et le symbolisme potentiel de son tourbillon vibrant. Ce niveau d'engagement transforme l'œuvre d'ABOVE, d'une simple décoration murale, en un élément dynamique de l'espace qu'elle occupe. Résonance culturelle des tirages pigmentaires d'archives PP d'ABOVE L'incursion d'ABOVE dans le domaine des tirages pigmentaires d'archives avec « Charlotte » reflète l'évolution du paysage du street art. La permanence offerte par le papier d'archives de haute qualité et les encres pigmentaires garantit la préservation de la vivacité et de la précision de l'œuvre originale, à l'image de l'impact durable que le street art cherche à exercer sur ses supports urbains. Cette transition de l'art urbain éphémère au tirage d'art pérenne permet au dialogue amorcé par l'œuvre originale de se poursuivre et de s'enrichir au sein de la collection. De plus, le caractère limité de l'édition « Charlotte » amplifie sa valeur auprès du monde de l'art, la positionnant comme une pièce majeure de l'œuvre d'ABOVE. Les collectionneurs et les amateurs de pop art et de graffiti recherchent souvent ce type d'éditions limitées pour leur exclusivité et leur engagement intrinsèque en faveur de la préservation et de la célébration du street art. En somme, « Charlotte » de Tavar Zawacki-ABOVE est une confluence d'innovation artistique, de maîtrise technique et d'échange culturel. L'épreuve d'imprimerie PP témoigne du dévouement de l'artiste à son art et de sa compréhension du désir du collectionneur d'établir une relation intime avec l'œuvre qu'il choisit d'intégrer à sa vie. C'est un vibrant hommage à l'esprit du street art, qui capture l'énergie des rues tout en s'inscrivant dans l'histoire du pop art moderne.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Mauvaise Chance » sur papier d'art Moab 290 g/m² par Glenn Barr, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 16,5 x 20 pouces. Portfolio « Crise de personnalité » – Les créatures surréalistes, les spectres et les personnages tragiques de Glenn Barr évoluent dans un univers sordide, imprégné de la crasse et de la brume d'un paysage urbain onirique post-apocalyptique. Son œuvre, inspirée par Detroit, a été qualifiée de pop surréalisme, de pop pluralisme, de lowbrow, de régionalisme, d'art brut, d'art alternatif, ou encore, selon son propre terme, de « B-culturalisme ». Barr puise son inspiration dans les rues de la ville, ainsi que dans les cultures pop et alternatives, insufflant une familiarité à ses multiples réalités parallèles. Avec un clin d'œil à la peinture des maîtres anciens, à l'art pulp et à la bande dessinée, les toiles de Barr fascinent par leur complexité narrative et leur maîtrise technique.

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Œuvre unique de l'artiste : CFYW Portrait, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop CFYW x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait CFYW • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Geoff Hargadon (Cash For Your Warhol) • Édition limitée à 25 exemplaires

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Achetez Smokey Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par Urban Pop Artist Scott Listfield Modern Artwork. 2020 Signé & Numéroté Edition Limitée de 50 Oeuvre Taille 16x23

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Break Free 29, édition limitée, estampes pigmentaires HPM d'archives rehaussées à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives rehaussé à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Format : 61 x 51 cm (24 x 20 pouces) Sortie : 26 juillet 2019 « Break Free » fait partie d’une nouvelle série de peintures explorant l’étrange abstraction des structures artificielles, victimes de l’abandon, de la dégradation et de la démolition, en contraste avec la beauté de leur reconquête par la nature. Tout retournera un jour à la Terre. – Jessica Hess L'ouvrage de Jessica Hess, Break Free 29 : L'architecture de la décrépitude et le langage du graffiti « Break Free 29 » de Jessica Hess est une estampe pigmentaire d'archive rehaussée à la main, mesurant 61 x 51 cm (24 x 20 pouces), publiée en 2019 dans le cadre d'une série documentant l'architecture urbaine abandonnée, envahie par les graffitis et les éléments naturels. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², cette édition limitée illustre la maîtrise de Hess en peinture photoréaliste et son talent pour transformer la ruine urbaine en poésie visuelle. L'image capture un espace intérieur effondré – peut-être un entrepôt ou une friche industrielle – où la nature reprend ses droits et où chaque surface visible est recouverte de tags, de fresques et de pigments patinés. L'œuvre n'est pas une simple célébration du street art. C'est une méditation nuancée sur l'impermanence, la résilience et la transformation. Hess ne stylise ni n'exagère les graffitis ; elle les peint fidèlement, les respectant comme un témoignage authentique de l'empreinte humaine. Les poutres délabrées, les planches de plancher brisées et la charpente apparente du toit contribuent à la complexité visuelle de l'ensemble. Tout dans cette composition est en perpétuel mouvement. La structure se dégrade, et pourtant les surfaces s'animent d'une vie nouvelle. Des plantes vertes percent les fissures. Des éclats de couleurs vives défient le silence. L'effondrement n'est pas une fin, mais une évolution. Le photoréalisme comme préservation des objets éphémères du street pop Le travail de Jessica Hess s'apparente à une forme de préservation visuelle. En recréant minutieusement des ruines recouvertes de graffitis avec un réalisme photographique saisissant, elle immortalise l'art éphémère face au temps, à la destruction et à l'effacement. Dans Break Free 29, aucune surface n'est épargnée : piliers, encadrements de fenêtres, tuyaux et débris sont recouverts de couches superposées de graffitis, d'autocollants et de coulures de peinture. Chaque tag est une voix anonyme, participant à un dialogue visuel plus vaste, tissé au fil du temps. Hess ne retouche ni ne met en scène ces voix. Elle les capture dans toute leur complexité brute. La technique d'embellissement manuel de chaque estampe renforce l'authenticité de l'œuvre. Elle souligne la nature physique du graffiti lui-même : construit par couches, retouches et répétition. Les éléments peints ne se contentent pas de reproduire l'image ; ils la réactivent. L'utilisation d'un réalisme haute fidélité et d'un travail manuel minutieux par Hess fait le lien entre le graffiti et les beaux-arts, sans compromettre aucun des deux. Cela témoigne de son profond respect pour ces lieux et les artistes qui y ont laissé leur empreinte. Entropie, mémoire et réensauvagement de l'espace urbain Break Free 29 contribue au dialogue permanent au sein du Street Pop Art et du graffiti sur la signification de l'espace, de la dégradation et de la notion d'auteur. Hess ne peint pas l'acte de graffiti en mouvement, mais ses conséquences, sa documentation. La structure qu'elle représente n'est plus définie par sa fonction originelle. Elle devient un nouvel environnement façonné par l'effondrement, l'intervention humaine et l'abandon. L'architecture se transforme en une toile accidentelle, et la nature s'y installe lentement, collaboratrice silencieuse. Aucune figure humaine ne se détache au centre de la scène, mais la présence humaine est omniprésente : dans les traits de peinture, dans les tags, dans les strates de messages écrits au fil du temps. Le graffiti ne se contente pas d'orner les ruines ; il leur confère un sens dans leur inoccupation. Le cadrage de cet espace par Hess révèle une beauté alternative, non fondée sur la conception, mais sur la décomposition et la réappropriation. Des plantes poussent à travers le béton. La lumière du soleil filtre à travers le toit effondré. L'œuvre humaine cède, et la terre commence à réécrire l'histoire de la structure. Dans Break Free 29, Jessica Hess présente la ruine non comme une perte, mais comme une transformation. C'est un portrait de l'impermanence peint avec soin et précision, qui nous rappelle que rien n'est véritablement statique : ni les villes, ni l'art, ni la nature. Tout est en mouvement, et tout finit par se libérer.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Une autre épreuve d'imprimerie PP classique de New York, tirage d'archive par Tats Cru x BIO - Wilfredo Feliciano, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 17x17 Pigments d'archivage "Un autre classique new-yorkais" par Tats Cru x BIO : Une tapisserie d'art urbain « Another New York Classic », une épreuve d'artiste signée Tats Cru et BIO (alias Wilfredo Feliciano), est un tirage d'art de qualité archivistique qui capture l'essence du patrimoine graffiti new-yorkais, revisitée à travers le prisme du pop art contemporain. Sortie en 2021, cette œuvre en édition limitée est une pièce emblématique qui met en valeur le style complexe et audacieux devenu la marque de fabrique de Tats Cru, collectif pionnier du graffiti né dans les rues du Bronx. Ce tirage de 43 x 43 cm est réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², choisi pour sa capacité à retenir les pigments denses, garantissant ainsi la vivacité et la précision de chaque ligne, courbe et nuance. Signée et estampillée « PP » par BIO, cette épreuve fait partie d'une série limitée conçue pour les collectionneurs avertis. Chaque exemplaire célèbre la richesse de la culture graffiti que Tats Cru a contribué à façonner. En tant qu'artistes de rue passés des surfaces éphémères des murs de la ville à la permanence du papier d'art, Tats Cru et BIO ont redéfini les frontières entre l'art de rue et l'art de galerie, insufflant à leur travail un niveau de sophistication sans perdre l'énergie brute qui définit le genre. Tats Cru et BIO : Gardiens de l'héritage du graffiti Dans « Another New York Classic », la complexité du graffiti est condensée en une seule image. Cette œuvre est emblématique du rôle de Tats Cru, à la fois gardiens de l'héritage du graffiti et innovateurs au sein de cet art. La contribution de BIO, membre fondateur de Tats Cru, transparaît dans sa maîtrise du trait et de la forme, insufflant à l'œuvre un dynamisme à la fois nostalgique et visionnaire. Plus qu'une simple représentation du street art, cette estampe dialogue avec l'histoire du graffiti, une œuvre marquante qui témoigne de l'évolution de l'expression urbaine. L'utilisation de pigments d'archivage garantit sa pérennité, une qualité essentielle dans le contexte éphémère du graffiti. Le choix d'une édition limitée témoigne d'une quête d'excellence et d'exclusivité, chaque estampe faisant de Tats Cru et de BIO un exemple de leur engagement envers leur art. Importance culturelle et potentiel de collection de « Another New York Classic » « Another New York Classic » est bien plus qu'une simple estampe d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit du mouvement street art new-yorkais. Cette œuvre trouve un écho particulier chez ceux qui ont vu le graffiti passer d'un phénomène underground à une pratique artistique reconnue. Pour les collectionneurs, posséder une édition PP de cette œuvre, c'est s'immerger dans l'histoire, découvrir le récit du parcours du street art à travers le regard de certaines de ses figures les plus influentes. L'estampe d'archive PP « Another New York Classic » de Tats Cru et BIO témoigne de l'impact du street art sur la culture pop moderne. Elle atteste de la puissance du graffiti comme forme d'expression artistique et de son influence durable sur le paysage de l'art contemporain. À travers leur travail, Tats Cru et BIO continuent d'inspirer une nouvelle génération d'artistes et d'amateurs d'art, jetant un pont entre la rue et le monde des beaux-arts et assurant la pérennité de l'héritage du street art et du graffiti.

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APT13A Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art Moab 290 g/m² par Glenn Barr, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 16,5 x 20 pouces. Portfolio « Crise de personnalité » – Les créatures surréalistes, les spectres et les personnages tragiques de Glenn Barr évoluent dans un univers sordide, imprégné de la crasse et de la brume d'un paysage urbain onirique post-apocalyptique. Son œuvre, inspirée par Detroit, a été qualifiée de pop surréalisme, de pop pluralisme, de lowbrow, de régionalisme, d'art brut, d'art alternatif, ou encore, selon son propre terme, de « B-culturalisme ». Barr puise son inspiration dans les rues de la ville, ainsi que dans les cultures pop et alternatives, insufflant une familiarité à ses multiples réalités parallèles. Avec un clin d'œil à la peinture des maîtres anciens, à l'art pulp et à la bande dessinée, les toiles de Barr fascinent par leur complexité narrative et leur maîtrise technique.

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Tirages d'art pigmentaires en édition limitée sur papier Moab Entrada Fine Art 290 g/m² par Marly Mcfly, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 82 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 18 pouces. Je considère mon art comme un mélange de pop art et de street art. Je puise mon inspiration dans mon environnement et j'essaie d'intégrer l'univers en constante évolution de la culture pop à mes œuvres.

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Estampe d'art en édition limitée « The Pride Heart » à pigments d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main, par l'artiste Jenna Morello, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archive sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main. Format : 16 x 20 pouces. « The Pride Heart » de Jenna Morello est une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, capturant l'essence du street art contemporain avec une sensibilité pop art. Incarnant l'esprit vibrant du graffiti, cette édition limitée est une œuvre marquante, vibrante de couleurs et d'une grande profondeur émotionnelle. Limitée à 50 exemplaires signés et numérotés, chaque tirage, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est unique et porte une touche personnelle. La signature de l'artiste authentifie chaque estampe et établit un lien direct entre la créatrice et le collectionneur. Le papier d'art Moab Entrada 290 g/m², choisi par Morello, est réputé pour sa durabilité et sa capacité à retenir des couleurs riches, garantissant ainsi la pérennité des teintes éclatantes de « The Pride Heart ». Les bords frangés à la main ajoutent une touche artisanale, rompant avec la précision mécanique souvent associée à la gravure. Cette technique confère une dimension organique, suggérant l'énergie brute et urbaine caractéristique du street art. L'œuvre est une métaphore visuelle de la passion et de la diversité, représentées par un cœur composé de roses multicolores aux teintes chatoyantes. Une flèche, symbole traditionnel des épreuves et des tribulations de l'amour, transperce le cœur, contrastant les couleurs vives avec sa palette monochrome. Cette juxtaposition illustre la capacité de Morello à fusionner l'iconographie classique avec une touche de modernité, une caractéristique de sa vision artistique. « The Pride Heart » de Jenna Morello témoigne de l'attrait intemporel du street art et de sa capacité à transmettre des messages profonds par l'expression publique. Cette œuvre, qui incarne une affirmation forte au sein du pop art et du graffiti, invite à la réflexion sur les thèmes de l'amour, de la diversité et de la résilience. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les amateurs de cette forme d'art unique.

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Limite de crédit - Bank of Ugh-Merica Tirage d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Limite de crédit - Bank of Ugh-Merica. Œuvre d'art sur le thème de la carte de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition limitée à 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Refus de la Banque d'Ugh-Merica « Credit Limit : Bank of Ugh-Merica » est une puissante estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, créée par Daniel Bombardier, alias Denial, artiste de street art, pop art et culture contemporaine. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette œuvre reflète la critique acerbe que Denial adresse au consumérisme et aux systèmes financiers qui dominent la vie moderne. Imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², cette pièce de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces) combine couleurs vives, références à la culture pop et imagerie satirique pour interroger la perception du spectateur sur la richesse, le crédit et les valeurs sociétales. Chaque estampe est signée, numérotée et estampillée au verso, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée par les amateurs de street art, de pop art et de graffiti. Le commentaire visuel sur le consumérisme Credit Limit : Bank of Ugh-Merica transforme le design emblématique d'une carte de crédit en une critique acerbe du système financier et de la société de consommation américaine. La figure centrale – une femme au visage peint du drapeau américain – symbolise l'attrait et le fardeau du patriotisme, intimement liés à l'identité économique. Son expression exagérée traduit la désillusion, reflétant le poids émotionnel de l'endettement et de la dépendance financière. Le remplacement du logo habituel de la carte de crédit par la version satirique de Denial met en lumière le décalage entre les promesses de prospérité et les réalités des inégalités économiques. Cette œuvre illustre à merveille la capacité du pop art urbain à délivrer un commentaire social pertinent grâce à des codes visuels familiers. L'approche du déni face à l'art de la culture pop moderne L'artiste canadien Daniel Bombardier s'est fait connaître en critiquant la société de consommation, la politique et les normes sociales à travers son art urbain pop et ses graffitis. Son œuvre « Credit Limit : Bank of Ugh-Merica » illustre parfaitement son style caractéristique, alliant des éléments graphiques audacieux à des thèmes qui invitent à la réflexion. En s'appropriant l'imagerie de la carte de crédit – symbole de richesse et de statut social –, « Denial » invite le spectateur à reconsidérer les systèmes qu'il tient pour acquis. Son souci du détail, de l'impression pigmentaire d'archives d'une netteté exceptionnelle au papier d'art MOAB de haute qualité, garantit la clarté et l'impact du message. La pertinence culturelle de la limite de crédit Cette œuvre trouve un écho particulier à une époque où les débats sur les inégalités économiques, l'endettement et les habitudes de consommation sont plus que jamais d'actualité. « Credit Limit : Bank of Ugh-Merica » critique non seulement les structures qui perpétuent les inégalités, mais interroge également l'obsession culturelle pour la richesse matérielle et le pouvoir financier. Son édition limitée renforce son importance et en fait une œuvre à la fois artistique et culturelle. Témoignant de la capacité de Denial à fusionner humour, critique et culture pop en une œuvre cohérente et percutante, elle atteste du pouvoir durable du street art et du graffiti pour remettre en question les normes sociales.

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Coucher de soleil sur les rues 5 et 110 PP, tirage d'archives de Stephanie Buer, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 20x13 Pigments d'archivage « Coucher de soleil sur la 5 et la 110 » de Stephanie Buer : un moment capturé dans le paysage urbain « Sunset On The 5 And The 110 » de Stephanie Buer capture un instant fugace, un instantané où le paysage urbain rencontre la beauté éphémère du crépuscule. Ce tirage d'art, réalisé en 2019, témoigne de l'engagement de Buer à explorer les recoins souvent négligés de la vie citadine. Épreuve d'artiste (EP) sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre fait partie d'une série limitée supervisée et approuvée personnellement par l'artiste. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et marqué « EP », attestant de son authenticité et de sa provenance directe. Mesurant 50,8 x 33 cm, l'œuvre est réalisée avec des pigments d'archivage, préservant ainsi les subtiles variations de lumière et l'éclat des graffitis urbains. Buer est reconnue pour ses représentations détaillées et nuancées d'espaces urbains délabrés et abandonnés, s'intéressant souvent au jeu de textures entre le monde naturel et les constructions humaines. Son œuvre « Sunset On The 5 And The 110 » est emblématique de ce style, car elle dépeint avec minutie la convergence de la nature et du milieu urbain à un instant précis. Cette estampe témoigne de la capacité de Buer à saisir l’essence du street art et du graffiti dans un contexte d’art contemporain, invitant à une réflexion sur la nature éphémère de l’étalement urbain et de l’art qui l’orne. L'interaction de la lumière et de la texture dans l'œuvre de Buer Le souci du détail de Buer transparaît dans le rendu réaliste de la scène. Le contraste entre les silhouettes organiques des collines et la géométrie du béton du viaduc est adouci par les teintes chaudes du coucher de soleil, illustrant le dialogue entre l'environnement bâti et le milieu naturel. Les graffitis, emblématiques du street art, sont représentés non comme un acte de vandalisme, mais comme une composante essentielle du tissu urbain. Cette perspective révèle l'approche de Buer face à ses sujets, où des éléments souvent perçus comme délabrés sont dépeints avec dignité et une beauté intrinsèque. Le choix du papier beaux-arts Moab Entrada témoigne de la qualité et de la longévité de l'estampe. Reconnu pour son toucher exceptionnel et sa capacité à fixer les pigments sans dégradation, ce papier sublime la technique complexe et nuancée de Buer. Les pigments d'archivage utilisés lors de l'impression garantissent une reproduction fidèle des détails les plus subtils, jusqu'à la texture du béton et la lumière déclinante du ciel. Reflets du pop art urbain dans « Sunset On The 5 And The 110 » de Buer L'œuvre de Buer se situe à la croisée du street art et des beaux-arts, intégrant des éléments des deux pour créer une œuvre qui transcende les catégories. « Sunset On The 5 And The 110 » ne se contente pas de documenter une scène ; elle révèle les récits silencieux qui animent les espaces urbains. Les graffitis présents dans l'œuvre rendent hommage aux artistes de rue et reconnaissent les strates d'histoire et d'expression qu'ils apportent au paysage urbain. « Sunset On The 5 And The 110 » de Stephanie Buer est un poignant rappel de la beauté éphémère du paysage urbain. En tant qu'épreuve d'artiste, elle revêt une valeur exceptionnelle pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Buer, offrant un lien tangible avec son processus créatif. Buer sublime le quotidien en le rendant extraordinaire en représentant l'interaction entre la lumière, la texture et la structure, invitant les spectateurs à porter un regard neuf et nuancé sur le monde qui les entoure. Son œuvre continue de trouver un écho dans les sphères du pop art urbain et du graffiti, capturant la magnificence discrète de scènes qui pourraient autrement passer inaperçues.

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Achetez Killer Season - CESpool Hand-Embellished Edition limitée Archival Pigment Print Art sur 290gsm Moab Entrada Rag Bright Paper par l'artiste Ces Contemporary Pop Artwork. 2022 signé et numéroté HPM orné à la main édition limitée de 10 œuvres d'art taille 18 x 24 Killer Season • Impression pigmentaire d'archives autographiée • Embellissements supplémentaires peints à la main sur du papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 GSM • 18 x 24 pouces Embelli à la main, signé et numéroté par l'artiste CES dans une édition embellie limitée de 10

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives de Detroit, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste Jim Darling, légende du street art pop et du graffiti. Tirage pigmentaire d'archive signé, édition 2022, sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Format : 45,7 x 61 cm. Sortie : 3 février 2022. Tirage : 45 exemplaires.

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée « Fed Up » sur papier d'art Moab Entrada, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Courtney Collins. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada. Format : 35,5 x 35,5 cm. Sortie : 7 mai 2021. Tirage : 35 exemplaires.

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Estampe d'art en édition limitée « The Glue Archival Pigment Fine Edition » sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste pop urbain Darien Birks. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 98 exemplaires. Œuvre de 30,5 x 30,5 cm (12 x 12 pouces) représentant Dennis Rodman, joueur de basketball des Chicago Bulls. Impression sportive. « Né au début des années 80, ayant grandi dans les années 90 et étant un passionné de basket, j'ai été naturellement attiré par l'emblématique Michael Jordan et les Chicago Bulls. Cette œuvre s'inspire du documentaire « The Last Dance », qui retrace l'histoire de cette dynastie d'une manière inédite, tout en faisant redécouvrir cette équipe à la génération actuelle. J'ai ressenti le besoin de puiser dans cette nostalgie et de rendre hommage à mes joueurs préférés de la plus belle période de la franchise. » – Darien Birks

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Covid No 19 - Verte Limited Edition Archival Pigment Print on 290gsm MOAB Fine Art Paper by Graffiti Pop Art and Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Gel hydroalcoolique Chanel Verte Covid-19 (variante Virus). Tirage pigmentaire d'archives numéroté, signé et estampillé au verso sur papier d'art MOAB 290 g/m², format 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Sans excuse PP Épreuve d'imprimeur HPM rehaussée à la main Impression d'archives par Eddie Colla Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP HPM Édition limitée embellie Format 18x24 Pigments d'archivage Beaux-Arts « Sans excuse » d'Eddie Colla : une fusion de rébellion artistique et de technique « Without Excuse » d’Eddie Colla incarne l’esprit rebelle du pop art urbain et du graffiti, fusionnant les techniques artistiques traditionnelles et la contestation propre à la culture du street art. Cette épreuve d’artiste (PP) HPM (Hand Painted Multiple), réalisée en 2020 et signée par l’artiste, est une édition limitée reflétant l’approche singulière de Colla en matière d’art moderne. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur papier d’art Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre est un chef-d’œuvre rehaussé à la main, témoignant de l’engagement de Colla à lutter contre la commercialisation de l’espace public. « Without Excuse » illustre la maîtrise de Colla dans l’art de fusionner les beaux-arts et l’expressivité brute du street art, affirmant une position forte tant par son contenu que par son style.

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Estampe d'art en édition limitée Smash Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Adam Caldwell, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 14 x 17 pouces. Smash • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Adam Caldwell • Édition limitée à 20 exemplaires

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Burn Your Wonder Bra - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée OG sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Épreuve d'artiste AP 2021 signée et marquée AP, tirage en édition limitée Burn Your Wonder Bra - OG, Wonder Woman nue DC Comics Pop Art. Brûlez votre Wonder Bra : une déclaration audacieuse de Denial dans le Street Pop Art « Burn Your Wonder Bra » est une superbe estampe d'art en édition limitée, réalisée en 2021 par Denial, artiste reconnu du street art et de la pop culture contemporaine. Reconnu pour son art provocateur et satirique qui repousse les limites, Denial s'est imposé comme une figure influente des mouvements Street Pop Art et Graffiti. Cette œuvre, initialement une épreuve d'artiste (AP) en édition limitée, signée et marquée par l'artiste, est imprimée sur un papier d'art MOAB premium de 290 g/m², ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. Réinterpréter l'imagerie emblématique à travers la culture pop « Burn Your Wonder Bra » rend hommage à la figure classique de Wonder Woman, icône intemporelle de l'histoire de la bande dessinée et de la culture populaire contemporaine. Denial réinterprète ce symbole de force et de féminité avec une touche rebelle et satirique. La composition audacieuse, dans le style des comics, met en scène Wonder Woman dans sa tenue bleue et rouge emblématique, mais avec une représentation impertinente et sans complexe qui remet en question les notions traditionnelles de beauté et de représentation féminine. Cette œuvre reflète le style caractéristique de Denial, mêlant des éléments de l'art de la bande dessinée vintage à un commentaire moderne et engagé. L'inscription « Burn Your Wonder Bra », inscrite en haut de l'œuvre, ajoute une dimension supplémentaire, faisant référence au mouvement féministe des années 1960 et 1970 qui rejetait les attentes de la société envers les femmes. En fusionnant ce contexte historique avec une esthétique pop art, Denial crée un dialogue visuel provocateur sur l'émancipation, la liberté et les rôles de genre dans la société actuelle. L'utilisation de couleurs primaires vives, de contours noirs épais et de techniques d'ombrage en demi-teintes s'inspire des œuvres de Roy Lichtenstein tout en y insufflant la brutalité et l'attitude propres au street art. Le déni : une voix dans l'art pop et graffiti de rue moderne Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est un artiste canadien qui a marqué la scène artistique internationale. Son œuvre est reconnue pour ses visuels audacieux et colorés, ainsi que pour son commentaire incisif sur la société de consommation, la politique et la culture populaire. En créant un art à la fois visuellement saisissant et intellectuellement stimulant, Denial invite les spectateurs à questionner les normes et les valeurs de la société. Son art puise souvent dans la culture graffiti et les traditions du pop art, ce qui explique son écho auprès du public urbain et des collectionneurs. « Burn Your Wonder Bra » illustre la capacité de Denial à réinterpréter des images familières avec un regard critique. L'œuvre met en lumière son talent pour fusionner les techniques des beaux-arts et les influences du street art, produisant un résultat à la fois rebelle et raffiné. L'édition limitée d'épreuves d'artiste de cette estampe renforce sa rareté et son attrait pour les collectionneurs de street art, de pop art et de graffiti. L'impact du slogan « Burn Your Wonder Bra » sur l'art contemporain « Burn Your Wonder Bra » est une œuvre marquante du mouvement Street Pop Art, témoignant du talent unique de Denial pour fusionner la nostalgie des comics avec les thèmes modernes du féminisme, de la liberté et de la résistance. En utilisant Wonder Woman comme symbole, Denial transforme une figure emblématique de la pop culture en une représentation de la libération et de l'expression de soi. Le titre provocateur invite à rejeter les normes obsolètes et à affirmer son individualité, faisant écho aux problématiques sociales contemporaines. Tirage pigmentaire d'archive de haute qualité sur papier d'art MOAB 290 g/m², il garantit sa durabilité et sa richesse, en faisant une pièce de collection précieuse. Cette œuvre souligne la contribution constante de Denial à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti, confirmant son statut d'artiste n'hésitant pas à bousculer les conventions tout en célébrant l'imagerie iconique.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« Don't Stop The Rock », tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier d'art Moab Rag 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ckaweeks. Ckaweeks est l'un des ingrédients qui composent ce creuset culturel qu'est Hawaï. Son art dépeint des images ludiques et parfois humoristiques, inspirées du quotidien. C'est un mélange d'expériences de vie passées, présentes et futures.

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Laid Up - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée rouge sur papier Moab Fine Art Rag 290 g/m² par Freddy Diaz, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Freddy Diaz est un artiste né à Détroit et ayant grandi dans le sud-ouest de la ville. Il réalise des peintures à l'aérographe personnalisées pour des événements d'entreprise, des fêtes d'enfants et des fresques murales de graffiti, à Détroit et dans le monde entier. Initié à l'art dès son plus jeune âge par le graffiti, il est profondément influencé par les trains.

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Charlotte, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art Moab Rag 290 g/m² par Tavar Zawacki - Ci-dessus, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format de l'œuvre : 18x18. Impression pigmentaire d'archives. « Charlotte » de Tavar Zawacki : une fusion contemporaine dans le pop art urbain Tavar Zawacki, alias ABOVE, est une figure emblématique du street art et du graffiti, reconnu pour son utilisation dynamique des couleurs et des formes. L'édition limitée « Charlotte », imprimée sur papier d'art Moab Rag 290 g/m² avec des pigments d'archivage, témoigne de sa capacité à transcender les frontières traditionnelles du street art. Sortie en 2019, cette édition limitée à 25 exemplaires signés et numérotés illustre l'engagement d'ABOVE envers la précision et son recours aux techniques modernes pour élever le graffiti à de nouveaux sommets de sophistication. Avec sa palette de couleurs vibrantes et ses motifs hypnotiques, cette œuvre reflète l'énergie palpitante des environnements urbains souvent mis en scène par le street art. L'utilisation de pigments d'archivage sur papier d'art garantit la préservation de l'intensité des couleurs et de la netteté des lignes, capturant l'immédiateté du graffiti tout en assurant une grande durabilité. Chaque exemplaire de « Charlotte », mesurant 45,7 x 45,7 cm, présente un carré parfait au design complexe qui invite le spectateur à une exploration visuelle de la profondeur et du mouvement. L'exploration de l'identité à travers les imprimés par ABOVE ABOVE est une figure majeure de la scène street art internationale depuis la fin des années 1990, reconnu pour son motif de flèche distinctif et ses œuvres monumentales aux multiples couches. Dans « Charlotte », il délaisse la toile urbaine pour l'estampe d'art, y insufflant la même audace et le même dynamisme qui caractérisent ses fresques. Cette œuvre s'inscrit dans son évolution artistique et témoigne de son exploration de l'identité à travers l'estampe. En signant et numérotant chaque estampe, ABOVE en confirme l'authenticité et personnalise chaque œuvre, créant ainsi un lien plus intime avec les collectionneurs. Le titre « Charlotte » évoque une forme de personnification, suggérant un récit ou une identité sous-jacente aux motifs qui dominent l'espace visuel. Cette forme de pop art urbain invite les spectateurs à s'interroger sur les histoires et les messages qui se cachent derrière l'esthétique captivante de l'œuvre. L'un des traits caractéristiques du travail d'ABOVE est d'engager le public dans un dialogue, suscitant une réflexion sur l'expérience urbaine, les différents niveaux de communication dans l'espace public et l'interaction entre anonymat et notoriété dans le monde du graffiti. La signification culturelle des œuvres d'art graffiti en édition limitée La publication d'estampes en édition limitée comme « Charlotte », s'inscrivant dans les genres du street art et du graffiti, marque une évolution culturelle vers une forme plus durable de ce qui est souvent perçu comme une pratique artistique éphémère. Ces estampes permettent la diffusion du langage visuel du graffiti des rues vers les espaces privés, offrant ainsi à un public plus large la possibilité de découvrir et d'apprécier l'esthétique et les messages culturels uniques de cet art. Le choix d'ABOVE d'utiliser des tirages pigmentaires d'archives sur papier beaux-arts témoigne également d'une tendance au sein du street art à créer des œuvres qui résistent à l'épreuve du temps, tant sur le plan physique que culturel. En employant des matériaux et des techniques d'impression de haute qualité, l'artiste garantit la préservation de la vivacité et de la précision de l'œuvre originale, offrant ainsi un objet précieux qui pourra être conservé et valorisé pendant des générations. « Charlotte » de Tavar Zawacki-ABOVE capture l'essence du street art et du graffiti dans une forme à la fois accessible et exclusive. Cette estampe en édition limitée représente un condensé du parcours artistique d'ABOVE, incarnant l'énergie et l'esprit du street art tout en alliant la précision et la pérennité des beaux-arts. C'est un exemple frappant de la manière dont les artistes de graffiti modernes naviguent à la croisée de la culture urbaine et du monde des beaux-arts, apportant l'essence brute de la rue dans les espaces soigneusement sélectionnés des collectionneurs et amateurs d'art.

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Alice, édition limitée, estampes pigmentaires HPM d'archives rehaussées à la main sur papier Moab Entrada 290 g/m² par Kevin Ledo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives rehaussé à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Format : 45,7 x 45,7 cm (18 x 18 pouces) Sortie : 5 juillet 2021

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Vader Sphinx sur papier d'art Moab Entrada par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ron English - POPaganda. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Tirage pigmentaire couleur sur papier d'art Moab Entrada. Format : 16 x 13 pouces. « Le Sphinx de Dark Vador » est une œuvre exceptionnelle de la collection de Ron English-POPaganda, figure majeure de l'art contemporain, reconnu pour son mélange unique de références à la culture pop et d'esthétique du street art. Dans cette série limitée, English crée un fascinant subtil mélange de symbolisme antique et de mythologie moderne en juxtaposant le visage iconique de Dark Vador à la forme intemporelle du sphinx égyptien. Tirée à 100 exemplaires, chaque estampe est signée et numérotée par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'œuvre mesure 40,6 x 33 cm et est imprimée avec des pigments d'archivage sur papier Moab Entrada Fine Art, un support haut de gamme qui sublime la profondeur et l'éclat des couleurs. Cette estampe instaure un dialogue visuel entre passé et présent, évoquant la puissance et le mystère des deux entités qu'elle représente. Dark Vador, emblème du côté obscur dans l'univers de « Star Wars », est superposé au corps d'un sphinx, traditionnellement perçu comme le gardien des lieux sacrés et du savoir. L'œuvre d'English invite à la contemplation de la fusion de ces symboles puissants, suggérant des parallèles entre la signification culturelle des divinités antiques et celle des personnages de fiction contemporains. À travers ce prisme, l'estampe peut être interprétée comme une réflexion sur la manière dont les récits modernes sont devenus une forme de mythologie et dont des personnages tels que Dark Vador ont acquis un statut mythique dans la culture populaire. L'utilisation de couleurs vives et expressives souligne les thèmes du pouvoir et de l'énigme qui sont au cœur de l'œuvre. La maîtrise par English des techniques du graffiti et du street art est manifeste dans la façon dont l'œuvre capte le regard et suscite la réflexion. Le « Sphinx de Vador » n'est pas simplement une œuvre de pop art ; c'est un artefact du paysage culturel de la société contemporaine, incarnant la fusion du respect de l'histoire et de l'iconographie moderne. En créant de telles œuvres, Ron English-POPoganda consolide son rôle de pont entre le côté subversif du street art et le monde raffiné des beaux-arts, créant des œuvres aussi stimulantes intellectuellement que visuellement saisissantes.

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Tirages d'art pigmentaires en édition limitée sur papier Moab Fine Art par Aaron Nagel, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives 24 x 8,25 pouces sur papier Moab Fine Art. Édition signée et numérotée de 50 exemplaires.

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Achetez Covid No 19- Bleue Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Bleue Covid19 Chanel Hand Sanitizer Virus Variant. Numéroté, signé, tamponné au verso. Édition de 19 tirages pigmentaires d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 GSM Taille 18 "x 24" Dans le monde de Denial, la mémoire est importante, car elle est à la base de son travail, car elle encourage avec nostalgie le public à s'y engager. Du coup, son art est aussi familier qu'inquiétant car il révèle les pans les plus déstabilisants de la société, ceux dont nous sommes dans le « déni ». Peu importe son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins considéré comme une forme de vandalisme.

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Manifest Limited Edition Archival Pigment Fine Art Prints on 290gsm Moab Entrada Fine Art Paper by Melissa A Mitchell, artiste de graffiti, de street art et de pop culture. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Format : 33 x 35,5 cm (13 x 14 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 25 exemplaires

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