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Tirage d'art sur papier buvard EpiPen « Trip A Stitch In Time » par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Stitch de Ben Frost et la rébellion des ordonnances L'œuvre « Trip A Stitch In Time EpiPen Blotter Paper Archival Print » de Ben Frost, une estampe pigmentaire en édition limitée sur papier buvard perforé, publiée en 2025, poursuit la critique acerbe de l'artiste de rue australien à l'égard du consumérisme, du marketing pharmaceutique et de la récupération de la culture populaire. Dans cette œuvre, l'extraterrestre Stitch, personnage de dessin animé, est représenté dans une crise de frénésie, superposé à un emballage d'EpiPen. Reconnu pour ses collisions visuelles sans concession, Ben Frost utilise l'énergie brute du graffiti et l'esthétique de la bande dessinée pour livrer une satire mordante du marketing de la dépendance médicale, tout en transformant des personnages d'enfance familiers en symboles d'un chaos hyperactif. Quand le pop art urbain rencontre l'anxiété liée aux médicaments Ce qui distingue cette œuvre dans la catégorie Street Pop Art et Graffiti, c'est son honnêteté brutale, tant sur le plan esthétique que dans son message. L'association d'un Stitch hyperactif et de la typographie stérile d'un médicament sur ordonnance crée une dissonance visuelle immédiate. Les dents acérées, les yeux exorbités et la main griffue de Stitch expriment un excès d'émotions, en contradiction flagrante avec le design contrôlé et impersonnel de l'étiquette de l'EpiPen derrière lui. Cette juxtaposition agit comme une métaphore de l'épuisement culturel, de la médication de l'identité et de la marchandisation de l'enfance et de la santé. L'utilisation par Frost de buvards, un support historiquement associé au LSD, renforce la tonalité psychédélique et ajoute une dimension supplémentaire à la réflexion sur l'évasion sociale par les pilules, le plaisir ou la nostalgie. La perforation comme support et message L'estampe est réalisée sur une feuille buvard perforée de 19 x 19 cm, perforée à la main par Zane Kesey, fils de Ken Kesey, figure emblématique du mouvement psychédélique. Ce détail inscrit l'œuvre dans un débat historique plus large autour de la conscience, de l'art et de la rébellion. Dans ce format, l'œuvre devient un objet de consommation métaphorique, suggérant l'idée de déconstruire les récits aseptisés pour révéler des vérités fragmentées. Les perforations font également écho à l'éphémère du street art, à sa nature même de division, de destruction ou de partage. Le médium est autant un message qu'une image, Frost exploitant chaque centimètre carré du support pour une narration critique. Le pouvoir de la mutation satirique dans la culture urbaine Le style visuel de Ben Frost repose souvent sur la mutation, l'appropriation et la critique, et « Trip A Stitch In Time » se distingue par son commentaire frénétique sur la surstimulation, la distorsion identitaire et la dépendance aux médicaments. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre dépasse la simple parodie du monde médical : elle dénonce l'équilibre artificiel que la société tente d'imposer par le biais des pilules, des marques et des personnages réinterprétés. Stitch, dans cette réinterprétation chaotique, devient un monstre de la consommation moderne, saisi au moment où il s'affranchit des contraintes des étiquettes médicamenteuses et de la nostalgie des dessins animés pour s'attaquer à quelque chose de bien plus humain : la vérité à travers la folie.

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Chum 22 Pink Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2022. Dimensions : 7,7 x 11,6 x 3,5 pouces. Neuve dans sa boîte. Estampillée/imprimée. Pied représentant Pink KAWS Chum, un ami proche, debout, les mains sur les hanches. Par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Neuf dans sa boîte. À la croisée de l'art contemporain et de la rue, l'extraordinaire « Chum 22 Art Toy », imaginée par l'illustre Kaws, alias Brian Donnelly, est une sculpture en vinyle unique, sortie en 2022. Elle met en valeur les détails complexes et les motifs iconiques caractéristiques de l'œuvre de l'artiste. Avec ses couleurs vibrantes et son design inspiré de l'esthétique urbaine, cette pièce impressionnante mesure 19,5 x 29,5 x 8,9 cm, prouvant que l'art peut être à la fois compact et percutant. Issu du street art et du graffiti, Kaws a toujours su transcender les frontières traditionnelles de l'art. Son « Chum 22 Art Toy » ne fait pas exception. Elle incarne l'essence même de son art, à travers la figure de « Chum », un ami proche de l'artiste, posant avec assurance, les mains sur les hanches. Cette posture symbolise un esprit de rébellion, un clin d'œil à l'éthique contre-culturelle prônée par le street art. De plus, le souci du détail est manifeste, notamment dans le pied de la figurine, estampé ou imprimé, témoignant de l'engagement de Kaws envers l'authenticité et l'originalité. Fraîchement sortie de l'atelier et encore dans son emballage d'origine, cette œuvre d'art en édition limitée, déjà épuisée, est une pièce de collection prisée des amateurs. Elle illustre comment le street art, souvent perçu comme éphémère, peut être immortalisé et célébré sous des formes tangibles. À travers de telles créations, Kaws continue de bousculer les idées reçues, incitant la société à reconnaître et à apprécier la valeur artistique inhérente à la culture urbaine.

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Fêtes et potins 18 Peinture originale technique mixte Encre sérigraphique HPM, acrylique et peinture en aérosol sur papier beaux-arts 250 g/m² par Greg Gossel Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Édition limitée HPM de 2015, signée et numérotée à 24 exemplaires. Œuvre d'art ornée, format 18x18. « Il s'agit d'une série de 24 œuvres en éditions variées sur papier et de 6 panneaux de bois originaux, inspirées d'une grande toile de 2,40 m x 2,40 m que j'ai créée en décembre dernier lors de l'événement de peinture en direct organisé par la Heineken House à SCOPE Miami Beach. Chaque pièce de la série est différente de la précédente. Le processus a débuté par une série de couches sérigraphiées spontanées, suivies d'éléments plus planifiés, créant ainsi une juxtaposition fascinante de structure et de chaos tout au long de la série. » – Greg Gossel

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Sérigraphie originale unique Absolute Ali à la peinture en aérosol HPM par Mr. Brainwash - Thierry Guetta. Sérigraphie technique mixte sur papier d'art à bords frangés. Édition limitée. Œuvre d'art pop de rue. Œuvre originale unique, signée et encadrée sur mesure avec certificat d'authenticité, réalisée en 2017. Peinture acrylique et aérosol, technique mixte, embellie à la main. Dimensions : 48,5 x 35,5 cm. Le célèbre boxeur Muhammad Ali lève les bras en signe de victoire. L'œuvre est ornée de nombreuses touches de peinture à l'aérosol et de peinture à la main. Cadre doré orné sur mesure, dimensions : 57 x 45 cm. Évolution et impact de l'art pop urbain et graffiti de Mr. Brainwash L'énergie vibrante et irrévérencieuse du Street Pop Art et du Graffiti a radicalement transformé le paysage visuel de la culture urbaine. Ces formes d'expression artistique, profondément enracinées dans les contre-cultures subversives du passé, ont désormais accédé au panthéon de l'art contemporain grâce aux œuvres de visionnaires comme Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash. Son approche artistique unique, qui combine des éléments du street art et du pop art, donne naissance à des créations non seulement visuellement saisissantes, mais aussi riches en commentaires culturels. Mr. Brainwash a fait une entrée fracassante sur la scène artistique avec son mélange novateur de sensibilité street art et d'esthétique pop art. Son travail intègre souvent des figures iconiques et des motifs familiers, les réinterprétant dans l'univers brut et spontané du street art. Son œuvre « Absolute Ali » de 2017 témoigne avec force de ce style. Utilisant la sérigraphie et des embellissements à la main à la bombe et à la peinture acrylique, Mr. Brainwash crée une texture multicouche qui reflète la complexité de l'icône culturelle qu'elle représente : le légendaire boxeur Muhammad Ali. « Absolute Ali » - Un chef-d'œuvre de techniques mixtes « Absolute Ali » est un exemple saisissant du talent de Mr. Brainwash. Cette œuvre est une sérigraphie en édition limitée, réalisée en technique mixte sur papier d'art, représentant le champion poids lourd Muhammad Ali. Elle capture l'instant triomphal d'Ali levant les bras en signe de victoire, immortalisant l'émotion et la puissance de cette légende du sport. Par l'application d'éclaboussures de couleurs vibrantes et dynamiques, l'œuvre est imprégnée d'un mouvement et d'un dynamisme caractéristiques du style de boxe d'Ali et de la démarche artistique de Mr. Brainwash. Bien plus qu'un simple portrait, cette œuvre est une célébration du triomphe, de la diversité et de la force indomptable de la volonté humaine, incarnée par Ali. Le fond de la composition est un véritable collage d'images et de couleurs, chaque couche de peinture et chaque élément sérigraphié s'appuyant sur le précédent pour créer une riche tapisserie de stimuli visuels. L'œuvre est un régal pour les sens : les éclaboussures de peinture, appliquées à la main, ajoutent non seulement de la texture, mais créent également une énergie presque palpable qui émane de la toile. Le rôle du street art et du graffiti dans l'art contemporain Des œuvres comme « Absolute Ali » illustrent parfaitement comment le Street Pop Art et le graffiti ont repoussé les limites de l'art traditionnel. Elles reflètent l'esprit du temps, incarnant la voix, les luttes et les victoires de la rue. En intégrant ces œuvres aux galeries et au monde des beaux-arts, des artistes comme Mr. Brainwash remettent en question les idées reçues sur ce que peut être l'art et à qui il s'adresse. Cette démocratisation de l'art a engendré un monde artistique plus inclusif et diversifié, où la frontière entre art savant et culture urbaine s'estompe. Le caractère limité de l'édition « Absolute Ali », associé à ses finitions réalisées à la main, garantit que chaque exemplaire est un trésor unique, reflet de la vision de Mr. Brainwash. Son cadre doré orné, réalisé sur mesure, renforce son attrait, juxtaposant les connotations luxueuses traditionnelles de l'or et l'essence brute et authentique du street art. Pour les collectionneurs, posséder une œuvre comme « Absolute Ali » représente bien plus qu'un simple investissement artistique ; « Absolute Ali » est un investissement dans l'histoire culturelle, un instantané de l'époque où le street art a émergé et a redéfini le monde de l'art. Bien plus qu'une simple œuvre d'art, c'est un artefact culturel qui incarne l'essence même du street art et du graffiti. Par la fusion de la sérigraphie et de la peinture aérosol, Mr. Brainwash a créé une œuvre vibrante de vie, qui capture l'esprit de Muhammad Ali et l'essence du street art. C'est une affirmation audacieuse dans le récit continu de l'histoire de l'art, soulignant la nature évolutive de l'expression artistique et le pouvoir de l'art à saisir l'expérience humaine.

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L'espace n'est que du bruit que vous pouvez voir. Peinture originale technique mixte sur bois par Ellen Rutt, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Petites Victoires est un recueil d'instants. Ces moments, surtout dans la jeunesse, où des actions apparemment insignifiantes prennent des allures de grandes réussites que seul vous pouvez pleinement apprécier : manger des épinards deux fois dans la même journée, penser à utiliser du fil dentaire, rentrer chez soi en voiture sans avoir bu, se lever à l'heure pour le travail après seulement deux heures de sommeil. L'expérience simultanée du banal et du significatif, du trivial et du triomphant. Ces collages en techniques mixtes explorent brièvement ces expériences à travers la couleur, la texture et les motifs. Derrière les compositions géométriques souvent abstraites se cache toujours une intimité sous-jacente. Par une combinaison de techniques artistiques numériques et physiques, mon travail continue d'explorer la relation entre l'art et le design, ainsi que l'influence des ordinateurs sur ma création et ma façon de penser. » – Ellen Rutt

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J'en ai marre de ce faux voyou Dead Prez. Sérigraphie de Mark Drew, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 2019 à 200 exemplaires. Sérigraphie 17x11 de Lucy van Pelt et Pig Pen pensant « J'en ai marre de ce faux scénario de rap RNB de voyou ». Commentaires de Mark Drew sur la pop urbaine à travers Peanuts et Dead Prez L'estampe sérigraphique de Mark Drew, sortie en 2019 et intitulée « I'm Sick Of That Fake Thug », fusionne avec brio la culture musicale et l'imagerie nostalgique des dessins animés. Connu pour ses remixes originaux des personnages de Peanuts avec des paroles hip-hop classiques, Drew s'inspire de la voix révolutionnaire de Dead Prez pour créer un commentaire percutant sur l'authenticité et la culture urbaine au sein de l'industrie musicale. Cette édition sérigraphique artisanale, limitée à 200 exemplaires signés et numérotés, mesure 43 x 28 cm et utilise un contraste visuel saisissant pour renforcer son message. L'estampe met en scène Lucy van Pelt et Pig Pen, dont les contours noirs se détachent sur un fond jaune et blanc chaleureux. Drew y capture un moment de critique tiré des paroles de Dead Prez, l'ancrant visuellement dans l'innocence de la bande dessinée de Schulz. Juxtaposition stylistique et subversion culturelle L'œuvre se nourrit de la juxtaposition. La familiarité enfantine de Peanuts contraste avec l'un des groupes de hip-hop les plus engagés politiquement et socialement des années 2000. Pig Pen, connu pour son allure débraillée, devient le porte-parole inattendu d'une frustration face aux représentations inauthentiques dans l'industrie du R&B et du rap. Cette contradiction renforce l'engagement du spectateur, l'incitant à repenser sa consommation culturelle. La technique constante de Drew, qui consiste à superposer la simplicité des dessins animés vintage à des textes hip-hop percutants, transforme ses estampes en vecteurs de dialogue culturel. Cette œuvre en particulier utilise ses formes épurées, sérigraphiées, et sa typographie expressive pour délivrer une vérité percutante, dissimulée sous un voile d'humour et de nostalgie. Processus et format limité dans le pop art urbain Réalisée selon la technique traditionnelle de la sérigraphie artisanale, l'œuvre de Drew s'inscrit dans la tradition tactile du street art et du graffiti. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 exemplaires témoigne de l'implication directe de l'artiste et de son attachement à l'authenticité, renforçant paradoxalement la critique même inscrite dans le message de l'estampe. La palette de couleurs maîtrisée (noir, jaune et blanc) confère à l'œuvre un rythme visuel qui soutient la dimension poétique du sujet tout en la rendant accessible grâce à des personnages reconnaissables. Les estampes de Drew ne sont pas des reproductions numériques de masse, mais des œuvres d'art de collection qui préservent l'esprit rebelle du graffiti. Le récit hip-hop en cours de Mark Drew Basé à Tokyo, Mark Drew continue d'enrichir les débats autour du hip-hop, de la nostalgie et du commentaire culturel à travers ses œuvres de street art pop. Sa réinterprétation d'icônes pop américaines emblématiques, replacées dans le contexte de la culture hip-hop mondiale, trouve un écho intergénérationnel. En associant la critique de Dead Prez à des personnages comme Lucy et Pig Pen, Drew rend hommage non seulement à la force des textes et à l'activisme, mais souligne également comment l'art visuel peut amplifier les vérités émotionnelles et sociales véhiculées par la musique. Chaque estampe de cette série possède une valeur artistique indéniable et reflète le dialogue permanent entre art, résistance et authenticité.

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Super Soup - Red Trip, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Denial. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Graffiti Happy V30, impression giclée HPM rehaussée à la main par OG Slick Artwork, édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² à bords frangés, impression rehaussée à la main, artiste de rue graffiti pop. 2025 HPM signé et numéroté, embelli à la main par OG Slick. Impression giclée et peinture aérosol. Édition limitée à 25 exemplaires. Format : 30 x 30 cm. Impression giclée HPM embellie à la main. Les motifs, les coups de pinceau et les couleurs de peinture varient. Chaque HPM est unique. Vous recevrez peut-être un exemplaire différent de celui présenté sur la photo ; le choix est aléatoire. Graffiti Happy V30 par OG Slick : Un emblème subversif du street art pop et du graffiti Graffiti Happy V30 est une estampe giclée HPM rehaussée à la main, créée en 2025 par OG Slick, artiste reconnu du graffiti et du street pop. Limitée à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, chaque tirage de 76 x 76 cm est réalisé sur papier beaux-arts 310 g/m² aux bords frangés et personnalisé avec des éclaboussures de peinture en aérosol, des coups de pinceau et des marques uniques. Si le support giclée préserve l'intégrité de l'image originale, chaque embellissement la transforme en une pièce unique et marquante. Au cœur de l'œuvre se trouve une version mutante de l'emblématique smiley jaune – symbole longtemps associé à l'innocence, à la paix et à la culture pop – ici détourné visuellement par l'expression du graffiti. Cette œuvre, avec sa surface jaune brillante et ses superpositions de bruit visuel, devient un artefact de commentaire, d'ambiance et de contradiction au sein du langage du street pop art et du graffiti. Stratégie visuelle et subversion culturelle L'image centrale de Graffiti Happy V30 est la version d'OG Slick d'un smiley jaune, immédiatement reconnaissable et historiquement lié au marketing, à la culture rave et à l'iconographie du bien-être. Ici, le sourire est volontairement déformé, peint sur une toile jaune vif, l'asymétrie et un trait agressif interrompant la gaieté artificielle. Les yeux joyeux du visage sont perturbés par des griffonnages noirs et des projections de peinture verte – des tags qui brisent le familier et insufflent une spontanéité brute à ce symbole lisse. Les embellissements de Slick, tels que les coulures de peinture, les débordements et les formes géométriques au pochoir, brisent l'illusion de perfection. Le résultat n'est pas une destruction de la joie, mais une réinterprétation, invitant les spectateurs à s'interroger sur la simplicité du bonheur dans un monde chaotique et commercialisé. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, ce type d'intervention visuelle oblige les symboles publics à dialoguer avec l'expression personnelle, la dégradation et la rébellion. La technique et l'esthétique urbaine d'OG Slick OG Slick est une figure légendaire du graffiti à Los Angeles, dont la carrière repose sur l'appropriation et la réinterprétation visuelles. Reconnu pour son approche insufflant une sensibilité urbaine à des images léchées, le travail de Slick oscille entre satire et sincérité. Dans Graffiti Happy V30, il utilise la technique de l'impression giclée pour une clarté visuelle optimale, tout en appliquant directement sur chaque tirage des techniques de graffiti authentiques : projections, masquages ​​et coulures. Le format HPM garantit le caractère unique de chaque exemplaire, marqué par des choix visuels personnels réalisés en atelier. Le choix du smiley par Slick approfondit son dialogue avec l'iconographie pop, questionnant son omniprésence et sa joie de vivre forcée. Les ornements du tirage remettent en cause l'artificialité du bonheur véhiculé par les entreprises et suggèrent un récit alternatif où le bonheur est imparfait, imprévisible et parfois même violemment recouvert de peinture. Impression HPM limitée comme commentaire urbain Graffiti Happy V30 est une édition limitée qui fusionne l'univers des objets de collection haut de gamme avec l'urgence brute de la rue. Chaque estampe de la série présente des marques imprévisibles – superpositions d'éclaboussures de peinture, coups de pinceau anguleux et coulures accidentelles – qui transposent le chaos des murs extérieurs dans la structure d'une œuvre d'art. Le travail artisanal garantit l'authenticité et la puissance visuelle de chaque pièce, choisie aléatoirement pour souligner son caractère unique. Le papier frangé confère à l'œuvre une dimension tactile, renforçant son statut à la fois d'estampe et de sculpture. Dans le contexte plus large du Street Pop Art et du graffiti, cette édition fonctionne non seulement comme un remix visuel, mais aussi comme une provocation, incitant le spectateur à repenser la joie, le marketing et le masque de la civilité à travers le prisme brut du commentaire urbain. L'estampe d'OG Slick ne se contente pas de représenter un sourire ; elle interroge sa sincérité : est-il mérité ou forcé ?

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Estampe d'archives Méduse par Swoon-Caledonia Curry, édition limitée sur papier d'art Hahnemühle 250 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 50 exemplaires (2024), format 13 x 19 pouces, impression pigmentaire d'archives. « Méduse. Je l'ai toujours aimée. Avant même d'en savoir plus sur elle, je la savourais instinctivement comme l'une des rares représentations durables du pouvoir féminin. Mais comme tout symbole qui perdure, son histoire est complexe. Violation, rage, et finalement Pégase naissant de sa tête tranchée. Son nom vient du grec ancien et signifie protecteur. Même dans la mort, quelque chose de triomphant s'éveille en elle. » - Swoon Méduse par Caledonia Curry, œuvre d'art pop art et graffiti de Swoon Street L'estampe d'archives Medusa en édition limitée de 2024, signée Caledonia Curry, alias Swoon, marque une étape importante dans l'évolution du street art et du graffiti. Réalisée sur papier d'art Hahnemühle 250 g/m², cette œuvre de 33 x 48 cm illustre la capacité de Swoon à intégrer des récits mythologiques, émotionnels et sociopolitiques dans un cadre visuel contemporain. Signée et numérotée à seulement 50 exemplaires, cette œuvre allie la dimension artisanale et intime des découpages de papier, héritage de l'artiste, à la permanence de l'impression pigmentaire d'archives de qualité muséale. Méduse, symbole de puissance et de transformation féminines, est non seulement d'une beauté saisissante, mais aussi riche de sens historique et de réinterprétations modernes à travers le regard de Swoon. Symbolisme et forme dans la Méduse de Swoon La figure de Méduse, emblématique de la mythologie grecque, prend une nouvelle dimension grâce au travail de lignes complexe et à la composition à plusieurs niveaux de Swoon. L'œuvre fusionne le portrait illustratif avec un écosystème tourbillonnant de formes botaniques, animales et organiques qui semblent émerger du visage lui-même. Une transition visuelle s'opère entre la solidité et l'abstraction, évoquant une métamorphose. Les éléments hybrides – serpents, plumes et structures anatomiques – servent non seulement de complexité décorative, mais aussi de points de convergence conceptuels, faisant référence à la violation, à la résistance et à la régénération. Cette version de Méduse n'est ni monstrueuse ni victime, mais sculptée en une figure protectrice, réinterprétée pour le public du street art contemporain. La composition originale, collée sur une porte en bois patinée, est fidèlement reproduite dans l'estampe, préservant la texture brute et la charge émotionnelle de l'original. L'approche narrative de Swoon en matière de pop art urbain Caledonia Curry, artiste américaine, est l'une des voix les plus respectées et novatrices du Street Pop Art et du graffiti. Sa pratique artistique mêle de façon unique les techniques traditionnelles de gravure à l'art public et aux installations in situ. L'œuvre « Méduse » s'inscrit dans l'engagement de longue date de Swoon à explorer les rôles des femmes, les traumatismes, l'héritage et la guérison dans l'espace public. Contrairement au graffiti conventionnel, axé sur les lettres et les tags, le travail de Swoon possède une profondeur narrative rarement rencontrée dans l'art urbain. Ses sujets reflètent souvent des voix sous-représentées et des iconographies anciennes réinterprétées à travers le langage de l'activisme moderne. Dans « Méduse », Swoon reconnecte la mythologie antique au discours contemporain sur l'autonomie, la survie et la contestation artistique. L'art de collection dans l'évolution de la gravure inspirée du graffiti Cette édition imprimée contribue à la reconnaissance croissante des œuvres inspirées du graffiti dans le monde de l'art de collection. Swoon milite depuis longtemps pour la création d'éditions d'art abordables qui préservent l'authenticité tout en touchant un public plus large. L'estampe pigmentaire d'archives Medusa confirme non seulement sa pertinence dans les cercles de l'art contemporain, mais sert également d'outil pédagogique, invitant les spectateurs à appréhender le graffiti et le street art non comme du vandalisme, mais comme une force culturelle complexe et évolutive. Édition limitée de 2024, elle fait le lien entre l'univers éphémère des collages et des murs et la permanence des œuvres sur papier haut de gamme, s'imposant comme une pièce maîtresse dans l'œuvre en constante expansion de Swoon.

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Arrow Pulse Fraises et crème Peinture à la main Technique mixte multiple sur panneau de bois découpé au laser prêt à accrocher par Tavar Zawacki (Ci-dessus) Artiste de rue graffiti Art pop moderne. « Le motif Arrow Pulse était l'un des nombreux modèles populaires que j'ai créés pour ma récente exposition solo, Remix, à Détroit. J'ai décidé d'en réaliser une édition plus petite (5 exemplaires) car ce motif est un style de flèche emblématique et très apprécié. J'ai conçu les fichiers de découpe sur mon ordinateur avec Adobe Illustrator, puis je les ai fait découper au laser pour garantir leur perfection et leur harmonie. Une fois les découpes effectuées, j'ai détaché chaque impulsion individuellement et lui ai attribué une couleur spécifique. Le résultat final est une flèche en bois colorée et harmonieusement composée. » – Ci-dessus

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Livre noir, dessin sans titre, peinture originale technique mixte sur papier d'art par l'artiste de rue graffiti Sen2, artiste pop moderne. Dessin signé Sen2 « Sans titre » (2005), extrait d'un carnet noir. Encadré, réalisé au marqueur à l'encre et au crayon, style graffiti. Dimensions : 25,5 x 19 pouces. Livre noir Dessin sans titre par Sen2 Ce dessin sans titre, réalisé en 2005 dans un carnet noir par le célèbre graffeur Sen2, capture un instant brut et précis tiré de ses croquis. Figure emblématique du graffiti originaire du Bronx, l'œuvre est exécutée à l'encre, au feutre et au crayon sur papier à dessin. Elle illustre l'énergie géométrique de l'artiste, sa maîtrise des couleurs et le dynamisme de son trait. Encadrée, elle mesure 65 x 48 cm et restitue l'intensité du dessin à la main et le jeu de lettres en relief qui ont marqué la transition du graffiti du métro aux studios. Du style sauvage au dessin de précision Sen2, né Sandro Figueroa Garcia à Porto Rico, est devenu une figure emblématique du mouvement graffiti new-yorkais des années 1980. Ce dessin, réalisé dans un carnet noir, illustre sa transition des graffitis sur les murs et les trains à la maîtrise de son art au sein d'un atelier. Chaque trait de marqueur et chaque lavis de couleur sont intentionnels, fruits d'années d'expérience avec les aérosols et les surfaces urbaines. La capacité de Sen2 à conserver l'esprit rebelle du wildstyle tout en intégrant une structure architecturale et une clarté visuelle le distingue dans le monde du street art et du graffiti. Superposition de couleurs et tension visuelle La composition est un véritable feu d'artifice de contrastes. Des pastels doux, bleus, jaunes, verts et oranges, se mêlent à d'épaisses ombres noires et à des lignes directionnelles nettes qui suggèrent le mouvement et la profondeur. Ces formes superposées évoquent l'énergie des graffitis du métro, tout en s'ancrant dans la perfection d'un dessin digne d'une galerie. Les flèches, les textures et les angles imbriqués guident le regard du spectateur à travers les différentes strates d'intention : chaque contour est raffiné, chaque motif de remplissage est calculé et pourtant expressif. Le dessin saisit non seulement la forme, mais aussi l'attitude, avec un style qui suggère le mouvement, la maîtrise et une évolution constante. Évolution du langage graffiti en studio L'œuvre sans titre de Sen2 s'inscrit dans un mouvement plus vaste où les carnets noirs deviennent non seulement des outils préparatoires, mais aussi des œuvres à part entière. Le street art et le graffiti débutent souvent par des croquis, et cette pièce témoigne de manière éloquente de ce processus. Elle documente un moment d'imagination avant l'exécution, où les lettres se transforment en armes stylistiques et où le langage visuel de la rue est transcrit dans un support adapté aux galeries. Pour les collectionneurs, cette œuvre offre un aperçu du talent brut et du processus créatif de l'un des pionniers modernes du graffiti, précieusement conservés et désormais encadrés comme un témoignage vivant de l'histoire de l'art.

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Estampe d'archives « The Gang » par Dulk - Antonio Segura Donat, édition limitée sur impression pigmentaire d'archives à bords frangés, art de rue pop graffiti, artiste moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 50 exemplaires (2023) - Format : 9,84 x 12,83 cm - Impression pigmentaire d'art « The Gang » de Dulk : une symphonie de couleurs et de personnages Dulk, pseudonyme artistique d'Antonio Segura Donat, présente « The Gang », une estampe d'archive en édition limitée, témoignant de son talent de conteur et de son imagination débordante. Chaque estampe, numérotée et bordée à la main, fait partie d'une série très exclusive limitée à seulement 50 exemplaires, au format 25 x 32,6 cm. Cette œuvre est une véritable explosion de couleurs, où la passion de Dulk pour la faune sauvage et sa maîtrise des couleurs se conjuguent en une image d'une joie communicative. Détail et savoir-faire dans les estampes d'archives de Dulk Le choix de pigments d'archivage pour « The Gang » garantit que chaque nuance est capturée avec la profondeur et l'intensité voulues par Dulk. Le papier beaux-arts, aux bords frangés à la main, confère une touche organique aux estampes, faisant écho aux thèmes naturels souvent explorés dans l'œuvre de Dulk. La précision du procédé d'impression aux pigments d'archivage s'accorde parfaitement avec la netteté des détails et la texture caractéristiques de Dulk, assurant ainsi une longue durée de vie à cette ménagerie éclectique. Narration visuelle à travers le graffiti pop « The Gang » présente une multitude de créatures, chacune débordante de personnalité, se détachant sur un fond chaleureux et ensoleillé. L'harmonie ludique de la composition témoigne du talent de Dulk pour mêler réalité et fantaisie, créant ainsi un univers à la fois familier et onirique. À l'instar de nombreuses œuvres de street art et de graffiti, « The Gang » recèle un récit qui dépasse la simple attrait visuel, invitant le spectateur à s'interroger sur les relations et les histoires qui s'entremêlent entre les personnages. Le subtil mélange de couleurs pop art et de design incisif propre au street art confère à « The Gang » une place à part dans l'œuvre de Dulk. Son travail séduit non seulement les amateurs de street art contemporain, mais aussi les connaisseurs des beaux-arts. L'estampe, empreinte de modernité, rend hommage aux traditions du street art et de la peinture animalière classique. Chaque estampe de « The Gang » de Dulk reflète son profond attachement au monde naturel et sa réflexion sur l'interdépendance du vivant. Cette pièce en édition limitée est bien plus qu'un objet de collection ; c'est une tranche d'expression artistique moderne qui capture l'esprit vif du pop art urbain et l'essence vibrante de l'art de Dulk.

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Wretched a Condition, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier Cougar Natural 130 lb, par Bernie Wrightson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP 2014 Signée et marquée AP Œuvre d'art en édition limitée, format 20x30 Chaque estampe mesure 20 × 30 cm et est signée par l'artiste lui-même, Bernie Wrightson. Il s'agit d'impressions sérigraphiques réalisées à la main sur papier Cougar Natural épais de 130 lb.

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Sérigraphie artisanale 10 couleurs « Mother » sur papier Tauro Sappi 300 g/m² par l'artiste pop graffiti Flying Fortress. Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Format : 27,5 x 19,5 pouces. Légère bosse sur la marge extrême gauche

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Goonie 038 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale signée de 2013, pièce unique. Encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5 pouces (21,6 x 21,6 cm). Dimensions de l’image : 3 x 3 pouces (7,6 x 7,6 cm). Encadrement et passe-partout réalisés sur mesure par l’artiste. « Goonie 038 » de Naoto Hattori : Une vision d'introspection surréaliste « Goonie 038 » de Naoto Hattori est une œuvre d'une grande profondeur, fruit d'une introspection surréaliste. Ce chef-d'œuvre fusionne avec brio la finesse de l'aquarelle et la richesse de l'imagination surréaliste. Signée et réalisée en 2013, cette peinture originale et unique témoigne de l'engagement d'Hattori envers son art et de sa capacité à susciter l'émotion. Encadrée, l'œuvre, dont le format est de 21,6 x 21,6 cm et qui présente une image de 7,6 x 7,6 cm, est un microcosme de l'univers artistique foisonnant d'Hattori. L'encadrement et le passe-partout, réalisés avec soin par l'artiste, lui confèrent une dimension particulière. Si l'œuvre se distingue du street art et du graffiti par sa forme et sa présentation, elle partage néanmoins un lien intrinsèque avec ces genres par sa capacité à captiver et à transmettre des messages profonds. « Goonie 038 » ne trouvera peut-être pas sa place sur un mur public ni ne clame son existence à travers d'immenses fresques, mais elle impose le regard par son format intimiste et la force expressive de son sujet. Décryptage du symbolisme de « Goonie 038 » Dans « Goonie 038 », Hattori présente une créature inclassable, un être à la croisée d'émotions quasi humaines et de caractéristiques invraisemblables. Cette forme hybride est la signature du style Hattori, où traits familiers s'entremêlent à des éléments extraordinaires. Le travail minutieux à l'aquarelle accentue les textures et les contours du sujet, attirant le regard du spectateur sur la complexité de son expression. Le regard de la créature, empreint d'une lassitude qui contraste avec son apparence surnaturelle, invite à la réflexion sur les expériences partagées qui transcendent les frontières du réel. L'encadrement et le passe-partout sur mesure d'Hattori ne sont pas de simples protections, mais des éléments essentiels à l'impact global de l'œuvre. Le choix d'encadrer l'œuvre souligne l'importance du contexte dans la présentation d'une œuvre d'art. Pour Hattori, le cadre est une porte ouverte, invitant le spectateur à pénétrer dans le monde surréaliste qu'il a créé sur le papier. Elle symbolise le passage de l'esprit de l'artiste au monde du spectateur, permettant à « Goonie 038 » de trouver sa place dans un espace qui honore son caractère unique. « Goonie 038 » de Naoto Hattori est une représentation à la fois petite et puissante de la vision surréaliste de l'artiste, offrant une fenêtre sur un monde qui interpelle et élargit la perception du spectateur. Bien qu'elle occupe un espace différent de celui du street art et du graffiti traditionnels, elle partage le même esprit de rébellion contre l'ordinaire et le même désir de perturber et d'enchanter. À travers « Goonie 038 », Hattori a créé une œuvre qui constitue une contribution majeure à l'art surréaliste, capable de fasciner et de susciter la réflexion avec la même force.

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Portrait souriant - Sculpture en bombe de peinture jaune en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Travaillez bien ensemble - Sculpture en bombe de peinture rouge en édition limitée, œuvre de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Face Invader - Buttons Original Hand-Painted Multiple (HPM) on Wood Cradled Panel ready to hang by Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Je voulais faire quelque chose de spécial pour la série qui coïnciderait avec l'exposition. L'idée m'est venue de ne pas me contenter d'une simple estampe rehaussée à la main, mais de créer une série de pièces peintes à la main. Pas de pochoirs ni de sérigraphies : je souhaitais proposer des pièces authentiquement peintes, accessibles à tous. Malgré mon enthousiasme, il me fallait trouver comment réaliser ce projet dans un délai raisonnable. Sans oublier la difficulté de trouver 10 images que je pourrais reproduire presque à l'identique 20 fois. J'ai également eu l'idée de faire revenir certains visages apparus dans mes œuvres précédentes, des personnages que Detroit m'a inspirés. Je dois ajouter que ce projet a été l'un des plus laborieux que j'aie entrepris. Mon assistant et moi y avons consacré plus de 500 heures. Chaque panneau a été travaillé avec une minutie extrême. » - BASK

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Contact Study 7 Peinture/Dessin original Acrylique et crayon de couleur sur papier Bristol 100 lb par Taylor White Artiste de rue graffiti Art pop moderne. « J'ai commencé à étudier une forme de danse moderne appelée improvisation contact, et cette étude a éveillé en moi une nouvelle curiosité que j'ai pu explorer physiquement dans l'espace, et visuellement sur le papier. Il s'agissait du point de non-retour, du sacrifice de l'ego et de tous ses artifices. « Danser » sur papier a été une véritable révélation et je l'ai abordé avec un enthousiasme renouvelé. J'ai joué avec l'utilisation de couleurs fluorescentes pour donner plus de dynamisme aux images. J'ai pris beaucoup de plaisir à explorer les bleus et les rouges dans cette œuvre, le jeu d'ombre et de lumière, et à utiliser la vivacité et la couleur pour diriger le regard sur les différents plans de la composition. » – Taylor White

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« We Need To Talk », sérigraphie de Gary Taxali, impression manuelle 5 couleurs sur papier d'art Arches blanc, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Sérigraphie de format 25 x 31 cm. Décryptage de la sérigraphie « We Need To Talk » de Gary Taxali « We Need To Talk » de Gary Taxali est une sérigraphie qui capture l'essence du street art et du graffiti. Sortie en édition limitée en 2015, cette estampe témoigne du style unique de Taxali, fusionnant l'ancien et le nouveau, le classique et le contemporain. Ses dimensions généreuses de 63,5 x 78,7 cm en font une pièce maîtresse pour tout collectionneur. Tirée à la main en cinq couleurs sur papier d'art Arches blanc, cette impression est un hommage au savoir-faire de Taxali et à son souci du détail. Le choix du papier Arches, réputé pour sa texture et sa durabilité, garantit la qualité et la longévité de l'estampe. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 50 exemplaires est signé et numéroté par Taxali, soulignant l'exclusivité et l'authenticité de l'œuvre. « We Need To Talk » met en scène une figure centrale simiesque entourée d'éléments graphiques et de texte, dont l'interaction crée un récit ouvert à l'interprétation. Le regard direct du singe, les bulles de dialogue environnantes et les extraits de texte tels que « GUM DROP », « SHUCKS » et « DEAR BOB » suggèrent une conversation à la fois ludique et poignante. L'utilisation de couleurs vives et de contrastes marqués, alliée au style illustratif caractéristique de Taxali, crée un langage visuel qui captive le regard et l'incite à explorer les significations profondes de l'œuvre. Le travail de Taxali reflète souvent des commentaires de société et des expressions personnelles. Dans « We Need To Talk », on pourrait affirmer que la juxtaposition du texte et de l'image invite le spectateur à s'interroger sur la complexité de la communication à l'ère moderne. Les phrases disséminées dans l'œuvre font écho à la cacophonie de messages et d'informations qui nous assaillent quotidiennement. Parallèlement, l'expression émouvante du personnage central sert de point de mire au milieu de ce brouhaha. L'estampe de Taxali se distingue par son interaction avec le spectateur, s'inscrivant dans le contexte plus large du street art et du graffiti. Le street art est connu pour son accessibilité et son caractère souvent agressif. Bien que l'œuvre de Taxali soit conservée dans l'espace plus privé d'une galerie ou d'une collection, elle n'en demeure pas moins imprégnée de l'esprit du street art par la force de son message et son impact visuel. Compte tenu de son édition limitée, cette œuvre est un régal pour les yeux et une pièce de collection. La numérotation et la signature de chaque tirage créent un lien direct entre l'artiste et le collectionneur, une pratique artistique reconnue. L'intégration par Taxali des techniques des beaux-arts et de l'accessibilité du street art illustre l'évolution et la convergence croissante de ces formes artistiques. « We Need To Talk » de Gary Taxali est une œuvre puissante qui combine le style visuel unique de l'artiste avec les qualités interactives et engagées du pop art et du graffiti. Ce tirage témoigne du talent de Taxali et de sa capacité à communiquer des thèmes complexes grâce à la sérigraphie. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain, cette œuvre est bien plus qu'un simple ajout esthétique : elle suscite la réflexion, elle invite à l'interprétation et à la contemplation. Alors que Taxali continue d'influencer le monde de l'art, des œuvres comme « We Need To Talk » constituent des étapes importantes de son parcours artistique, capturant l'esprit de notre époque à travers le prisme du pop art et du street art.

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Échos - Impression sérigraphique artisanale 14 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m² par l'artiste urbain moderne Nafir - Œuvre d'art rare en édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 90 exemplaires. Format : 19,29 x 29,52 cm.

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Contemplation, peinture originale acrylique sur toile, prête à être accrochée, par Mandy Tsung, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2014 sur toile et prête à être accrochée. Dimensions : 20 x 20 pouces (50,8 x 50,8 cm).

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Tripping Devil est un dessin original réalisé à la main sur du papier d'art vieilli, encadré et à bords frangés, par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Dessin original unique au crayon/graphite, signé en 2012. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 5. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. La fusion du street art et du graffiti dans l'œuvre de Naoto Hattori Le croisement entre le pop art urbain et le graffiti donne naissance à une forme d'art vibrante et souvent subversive, qui remet en question l'esthétique traditionnelle, propose un commentaire social et investit l'espace public comme une toile d'expression. « Tripping Devil » de Naoto Hattori illustre parfaitement ce point de convergence artistique, tout en se démarquant des fresques murales classiques réalisées à la bombe. Ce dessin original au crayon et au graphite, datant de 2012, témoigne de la diversité des techniques et des matériaux employés au sein du genre, unissant l'énergie brute du street art à la précision du dessin classique. L'œuvre d'Hattori est délicatement encadrée (21,6 x 21,6 cm), l'image mesurant 7,6 x 12,7 cm. L'artiste a réalisé lui-même le cadre et le passe-partout, soulignant ainsi la touche personnelle et le souci du détail qui caractérisent son travail. Le papier, frangé et vieilli à la main, confère à l'œuvre une texture supplémentaire et une profondeur historique. Ce choix de matériaux est particulièrement significatif, car il confère à l'œuvre une qualité ancienne qui contraste fortement avec la nature généralement éphémère de l'art urbain et du graffiti. L'esthétique unique de Naoto Hattori au sein du pop art urbain L'œuvre de Naoto Hattori se caractérise souvent par un surréalisme onirique, où des créatures fantastiques et des figures métamorphosées interrogent la perception de la réalité par le spectateur. « Tripping Devil » ne fait pas exception. Le dessin représente une créature au visage humain et au corps se transformant en une forme de pieuvre. Ce mélange d'humain et de surréel est une marque de fabrique du style Hattori et témoigne du potentiel transformateur du street art et du graffiti. La palette monochrome et épurée du graphite met en valeur les détails et les ombres complexes qui donnent vie au « Tripping Devil ». Bien que contenue dans un cadre, l'œuvre porte l'esprit du street art, souvent caractérisé par une audacieuse transgression des frontières et une acceptation de l'inconventionnel. La démarche systématique de Hattori dans le dessin fait écho aux techniques réfléchies et minutieuses employées par les artistes de rue et les graffeurs pour créer leurs œuvres, bien qu'à une échelle et avec un médium différents. Naoto Hattori et la collectionnabilité du Street Pop Art Les collectionneurs et amateurs d'art urbain et de graffiti recherchent de plus en plus des œuvres à exposer chez eux, transformant ainsi des spectacles publics en trésors personnels. « Tripping Devil » d'Hattori illustre parfaitement cette tendance, offrant au marché de l'art une pièce unique qui capture l'essence même de l'art urbain sous une forme à la fois collectionnable et idéale pour une exposition privée. La signature de l'artiste est un gage d'authenticité et un lien privilégié entre l'artiste et le collectionneur. L'originalité de « Tripping Devil » est primordiale. Dans un domaine où la production de masse et la reproduction sont monnaie courante, l'engagement d'Hattori à créer une œuvre originale et singulière rehausse sa valeur et son attrait. La minutie avec laquelle l'œuvre est réalisée, associée à sa présentation unique sur papier d'art vieilli, instaure un dialogue entre la nature éphémère de l'art urbain et la pérennité de la collection d'art. La pertinence culturelle de l'art d'Hattori Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, « Tripping Devil » de Hattori se distingue comme une œuvre culturelle emblématique, incarnant l'esprit novateur de ces formes artistiques. Si le street art véhicule souvent des messages sur la culture populaire et les problématiques sociétales, l'œuvre de Hattori explore la psyché, abordant les thèmes de l'identité, de la conscience et de la condition humaine à travers un prisme surréaliste. Bien que non exposée dans l'espace public, cette pièce s'inscrit dans la tradition du street art et du graffiti, visant à susciter la réflexion et à éveiller l'émotion. Ses éléments surréalistes invitent à l'interprétation et à la réflexion, à l'instar des fresques et tags monumentaux qui ornent les environnements urbains. « Tripping Devil » de Hattori nous rappelle que l'essence du street art réside non seulement dans son emplacement, mais aussi dans sa capacité à toucher profondément le public, à remettre en question les perceptions et à encourager une immersion plus intense dans le récit visuel. « Tripping Devil » de Naoto Hattori est un exemple remarquable du potentiel de synergie entre le street art, le graffiti et les techniques de dessin traditionnelles. Cette œuvre témoigne du talent de l'artiste et de la versatilité de l'art urbain. Comme le démontre cette pièce, la valeur du pop art et du graffiti dépasse les murs de la ville et trouve sa place dans les collections d'amateurs d'art qui apprécient le subtil mélange de rébellion, de savoir-faire et de profondeur narrative propre à ces genres.

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Face Invader - Creep Mode Original Hand-Painted Multiple (HPM) on Wood Cradled Panel ready to hang by Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Je voulais faire quelque chose de spécial pour la série qui coïnciderait avec l'exposition. L'idée m'est venue de ne pas me contenter d'une simple estampe rehaussée à la main, mais de créer une série de pièces peintes à la main. Pas de pochoirs ni de sérigraphies : je souhaitais proposer des pièces authentiquement peintes, accessibles à tous. Malgré mon enthousiasme, il me fallait trouver comment réaliser ce projet dans un délai raisonnable. Sans oublier la difficulté de trouver 10 images que je pourrais reproduire presque à l'identique 20 fois. J'ai également eu l'idée de faire revenir certains visages apparus dans mes œuvres précédentes, des personnages que Detroit m'a inspirés. Je dois ajouter que ce projet a été l'un des plus laborieux que j'aie entrepris. Mon assistant et moi y avons consacré plus de 500 heures. Chaque panneau a été travaillé avec une minutie extrême. » - BASK

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Frida La Muerte, œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste moderne de graffiti urbain Brian Viveros. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Impression giclée 40 x 50 cm (16 x 20 pouces). Frida La Muerte (Frida la Mort). Synthèse culturelle dans "Frida La Muerte" Brian Viveros, artiste urbain contemporain de graffiti reconnu pour sa fusion unique de street art et de graffiti, a profondément marqué les esprits avec ses tirages giclée en édition limitée. Parmi ses œuvres les plus acclamées figure le tirage « Frida La Muerte », une pièce qui se distingue non seulement par sa puissance visuelle, mais aussi par sa portée culturelle. Cette œuvre fait partie d'une série limitée, signée et numérotée par Viveros, ce qui souligne sa valeur et son potentiel de collection sur le marché de l'art. Dans « Frida La Muerte », Viveros rend hommage à Frida Kahlo, l'une des figures les plus emblématiques de l'histoire de l'art, tout en insufflant à l'œuvre sa touche d'audace caractéristique. Le tirage présente un portrait évocateur d'une figure rappelant Kahlo, ornée d'une couronne de roses et d'un maquillage de calavera (crâne), traditionnellement associé au Jour des Morts mexicain. La combinaison de ces éléments crée un puissant récit visuel qui unit la vie et la mort, un thème souvent exploré par Kahlo dans son œuvre. L'estampe giclée en édition limitée Cette estampe en édition limitée a été réalisée selon la technique de la giclée, qui consiste à projeter des micro-points d'encre pigmentée sur du papier ou une toile de haute qualité. Cette méthode est réputée pour ses couleurs éclatantes, la netteté de ses détails et sa durabilité, rivalisant avec les procédés d'impression argentiques et gélatino-bromure traditionnels. Mesurant 40 x 50 cm, « Frida La Muerte » offre un format idéal pour une contemplation intime, tout en étant suffisamment imposant pour habiller avec impact n'importe quel mur. Importance artistique et potentiel de collection Avec une édition limitée à seulement 100 exemplaires, « Frida La Muerte » jouit d'un attrait exclusif. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Viveros sont souvent séduits par sa rareté et la touche personnelle de l'artiste : chaque estampe est directement liée à sa vision créative. L'exclusivité de ces estampes les transforme de simples reproductions en objets de collection très recherchés au sein du monde de l'art. L'influence de Viveros sur le pop art urbain moderne L'influence de Viveros sur le paysage du street art et du graffiti est indéniable. Ses œuvres, dont « Frida La Muerte », se caractérisent par leur imagerie audacieuse, leurs détails minutieux et leur profondeur thématique. Ces qualités lui ont valu un public fidèle et ont suscité des débats sur l'évolution du street art et sa place dans le contexte plus large de l'art contemporain. « Frida La Muerte » de Brian Viveros incarne l'essence même du street art et du graffiti, mêlant iconographie culturelle et techniques artistiques modernes pour créer une œuvre unique. Le tirage en édition limitée renforce son attrait, en faisant une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Viveros. En tant qu'artiste, Viveros continue de repousser les limites du street art, bousculant les idées reçues et inspirant une nouvelle génération d'artistes et d'amateurs d'art.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste moderne Natalia Fabia, intitulée « Safari Girl Pile Artwork ». Édition limitée signée 2010 33x26

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Quiccs xSneakerHereos - Banned 1s, œuvre d'art originale et unique en son genre, peinture acrylique sur panneau de toile tendue, par le célèbre artiste de graffiti de rue Eric Pagsanjan. 2019 Quiccs x SneakerHereos - Peinture originale utilisée comme couverture de bande dessinée par Eric Pagsanjan, créée exclusivement pour le week-end du NBA All-Star Game. Acrylique sur panneau de toile tendue. Dimensions : 45,7 cm x 61 cm x 1,9 cm. J'ai un profond respect et une grande admiration pour les artistes qui créent leurs propres vêtements. Grand amateur de sneakers, ma collection personnelle ne cesse de s'agrandir. Alliant ma passion pour les sneakers, les designers qui les conçoivent et les super-héros de bandes dessinées, j'ai créé une série de portraits dédiés aux créateurs que je considère comme exceptionnels. Pour moi, ce sont de véritables super-héros. De véritables « SneakerHeroes ». Peu de chaussures, dans les plus de 30 ans d'histoire de la ligne Air Jordan, sont aussi tristement célèbres que la Air Jordan 1 noire et rouge. Cette sneaker, surnommée la « Jordan 1 interdite », a toujours été un modèle emblématique, de la légende qui entoure sa création à l'engouement suscité par ses rééditions. Voici comment tout a commencé. La légende raconte que Michael Jordan a été condamné à une amende de 5 000 $ par la NBA à chaque fois qu'il portait ces chaussures lors de leur lancement en 1984, car elles enfreignaient le règlement de la ligue concernant les uniformes. Nike a exploité cette situation, créant une campagne publicitaire jouant sur ce fruit défendu. qualité..." - Eric Pagsanjan

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Sculpture Baby Milo en métal chromé par Bape - A Bathing Ape, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture signée 2023, édition limitée, dimensions à déterminer. Sculpture Bape en métal chromé représentant un singe stylisé, inspirée des animes, présentée dans un coffret personnalisé. Bape Play A Bathing, 30e anniversaire. Hommage à une icône du streetwear : la sculpture Baby Milo en métal chromé de Bape La sculpture Baby Milo en métal chromé témoigne avec éclat de l'héritage durable de Bape, également connu sous le nom de A Bathing Ape, dans le domaine du street art et de la culture contemporaine. Créée dans le cadre des célébrations du 30e anniversaire de la marque, cette sculpture en édition limitée incarne la fusion du streetwear et de l'art contemporain, transformant l'emblématique Baby Milo en une pièce de collection. L'utilisation du métal chromé confère à la sculpture une dimension luxueuse et reflète l'influence de la marque sur l'esthétique du street art et de la culture pop. L'importance de Baby Milo dans le pop art et la culture urbaine Baby Milo est depuis longtemps indissociable de Bape, un personnage qui a transcendé son rôle initial de mascotte streetwear pour devenir un emblème de l'expression créative de la marque. Avec sa finition chromée réfléchissante, cette sculpture est une interprétation audacieuse du motif Baby Milo. Elle symbolise le parcours de la marque, des rues de Tokyo à la renommée internationale, marqué par l'adoption des codes du pop art et l'influence de l'énergie brute du graffiti. Le coffret personnalisé qui accompagne la sculpture témoigne du souci du détail de Bape et de son engagement à offrir une expérience de marque immersive. Véritable écrin protecteur, il fait également partie intégrante de l'œuvre, arborant des éléments de marque et de design immédiatement reconnaissables par les fans de Bape. Cet emballage renforce le statut de pièce de collection de la sculpture et souligne le point de rencontre entre utilité et art propre au street art et au graffiti. La sculpture Baby Milo en métal chromé de Bape est un hommage éclatant aux racines street art de la marque et à son évolution en un incontournable de la culture pop. C'est un hommage approprié aux 30 ans de design innovant et d'impact culturel d'A Bathing Ape, offrant aux collectionneurs et aux passionnés un morceau tangible de l'héritage que Bape a façonné dans le monde du street art pop.

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2020. Signée par empreinte digitale et numérotée. Coffret de présentation personnalisé. Cadre mural. Sculpture en bombe de peinture cyan, édition limitée, réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la pop culture Mr Brainwash – Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Guerrier paisible - Bouddha argenté, œuvre d'art pop de rue, impression giclée en édition limitée sur papier photo métallisé épais Hahnumühle 340 g/m² par l'artiste moderne de graffiti urbain Risk Rock. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 20 x 24 pouces. « Guerrier Pacifique Argenté » - Image emblématique du « Guerrier » de Risk avec sa devise « Keep On Keepin On ». Sur papier argenté métallisé. Signée et numérotée à la main. Imprimée chez Risk Rock Studios grâce à notre nouveau partenariat avec Glicee LA. Impression giclée sur papier Hahnemühle Photo Rag métallisé épais 340 g/m². 50,8 x 61 cm. Édition limitée à 25 exemplaires.

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Entre l'homme et Dieu - Édition limitée blanche, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier chiffon blanc Coventry par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Entre l'homme et Dieu (Blanc), 2018. Sérigraphie en couleurs sur papier Coventry Rag, 71,1 x 109,2 cm (feuille). Édition 36/150. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par l'artiste. Légères marques de manipulation sur le bord droit. L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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Yoshinoya PP Épreuve d'impression pigmentaire d'archives, édition limitée , impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab 290 g/m² par l'artiste pop Scott Listfield. Épreuve d'imprimerie PP 2018 Signée et marquée PP Édition limitée Format 14x18 Sortie : 9 novembre « Yoshinoya » de Scott Listfield et sa place dans l'art contemporain L'épreuve d'imprimerie « Yoshinoya » de Scott Listfield, réalisée sur papier pigmentaire d'archive, est une œuvre marquante du paysage du pop art contemporain, du street art et du graffiti. Sortie le 9 novembre 2018, cette estampe en édition limitée, clairement identifiée comme épreuve d'imprimerie et signée par l'artiste. Ce type d'épreuve est généralement conservé à l'écart du tirage principal et sert souvent à vérifier la qualité avant l'impression finale. Les collectionneurs et les amateurs de pop art considèrent les épreuves d'imprimerie comme très recherchées en raison de leur rareté et de l'implication directe de l'artiste dans leur création. Symbolisme dans « Yoshinoya » de Scott Listfield L'œuvre, mesurant 35,5 x 45,7 cm, est imprimée sur du papier beaux-arts Moab de 290 g/m², réputé pour sa qualité supérieure et sa capacité à restituer des couleurs vives et saturées ainsi que des détails d'une grande finesse. « Yoshinoya » met en scène un astronaute, personnage récurrent dans l'œuvre de Listfield, symbolisant l'exploration et l'isolement dans le monde moderne. L'astronaute se tient devant une maison contemporaine, avec un dirigeable publicitaire Yoshinoya flottant en arrière-plan sur un ciel crépusculaire. Cette image est riche en symbolisme, l'astronaute semblant contempler la juxtaposition entre l'immensité de l'espace et l'environnement urbain commercialisé. Exploration des thèmes du pop art dans l'œuvre de Listfield Cette estampe incarne plusieurs thèmes récurrents du pop art urbain et du graffiti : une exploration de la condition humaine, une critique de la société de consommation et l’utilisation d’images familières pour susciter la réflexion. L’astronaute de Listfield est plus qu’un personnage ; il est un avatar pour le spectateur, évoluant dans un monde où le marketing des entreprises s’étend jusqu’aux étoiles. Le cadre résidentiel paisible contraste avec le symbole commercial omniprésent au-dessus, incitant à réfléchir à l’intrusion du marketing dans tous les aspects de la vie. Commentaire technique et culturel Dans sa création « Yoshinoya », Listfield utilise la technique du tirage pigmentaire d'archives, une méthode qui garantit une stabilité d'image et une fidélité des couleurs durables. Cette technique est particulièrement adaptée à la restitution des nuances du ciel crépusculaire et des reflets de la combinaison spatiale. En utilisant un papier beaux-arts, Listfield élève le tirage, traditionnellement associé à la nature éphémère du street art, au rang d'œuvre d'art pérenne. Le tirage pigmentaire d'archives « Yoshinoya » de Scott Listfield est une pièce maîtresse du street art et du graffiti. Il incarne l'essence du pop art par son exploration des symboles commerciaux et culturels, tout en offrant une perspective unique sur le rôle et l'impact de la publicité dans la société moderne. Le tirage en édition limitée, la qualité et la profondeur thématique de cette œuvre en font un incontournable pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain.

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Statue de la Liberté Étoiles - Bleu Rouge Peinture à l'huile originale et unique sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne. Œuvre originale signée sur toile non tendue, datant de 2001. Bon état. Dimensions : 38 x 42 pouces.

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Et puis les choses se sont améliorées - Purple Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Panneaux routiers - Big Boy, édition limitée, sérigraphie embellie à la main sur papier épais par Risk, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie rehaussée à la main sur papier épais - 45,7 x 58,4 cm - Date de création : 2018 - Reprenant le décor désormais emblématique de Risk : plaque d’immatriculation, panneau routier et Bob’s Big Boy. Chaque estampe est rehaussée à la main par l’artiste.

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Noir Flower Woman Red AP Silkscreen Print par Shepard Fairey - OBEY Artist Proof Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Format 18x24 Sérigraphie d'une femme tenant une grande fleur de lotus. « L’estampe Obey Noir Flower Woman s’inspire de l’Art déco et des pochettes d’albums Dark Wave. L’image se prête à plusieurs interprétations. Je la perçois avant tout comme un hommage aux idéalistes qui protègent l’environnement, œuvrent pour la justice et cultivent l’optimisme. Nous sommes tous confrontés à des défis et des hostilités, mais les forces extérieures ne peuvent contrôler notre force intérieure ni notre idéalisme. C’est nous qui le contrôlons ! L’idéalisme mène à l’action. Ceux qui commettent l’injustice comptent sur l’apathie pour rester impunis. Nourrissez votre idéalisme, et vos actions constructives suivront. Une partie des bénéfices de cette estampe sera reversée à Greenpeace afin de soutenir son action pour renforcer la protection de l’environnement et lutter contre le changement climatique. » – Shepard Fairey. L'œuvre « Noir Flower Woman Red AP » de Shepard Fairey témoigne de l'harmonieuse fusion du pop art et du street art, avec un clin d'œil unique à la culture graffiti. Réalisée en sérigraphie artisanale sur papier d'art, cette estampe de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) capture une femme tenant délicatement une fleur de lotus géante. Cette œuvre captivante, initialement publiée en tant qu'épreuve d'artiste en 2022, est une pièce rare non seulement en raison de son tirage limité, mais aussi grâce à la touche personnelle apportée par Fairey à travers sa signature et le sigle distinctif « AP ». Au premier abord, « Obey Noir Flower Woman » semble fortement influencée par l'Art déco et l'esthétique des pochettes d'albums Dark Wave. Pourtant, sous ses apparences visuelles se cache un message profond. Shepard Fairey puise son inspiration chez ces idéalistes qui restent engagés dans la protection de l'environnement, défendent la justice et cultivent un optimisme inébranlable, même face à l'adversité. Son œuvre affirme que les défis extérieurs ne sauraient jamais obscurcir la lumière éclatante de la résilience et de l'idéalisme intérieurs. Loin d'être de simples spectateurs passifs, Fairey invite chacun à puiser dans son idéal pour le transformer en actions concrètes. Ce message résonne d'autant plus fort qu'une partie des bénéfices de la vente de cette estampe est reversée à Greenpeace dans son combat acharné contre le changement climatique et pour une meilleure protection de l'environnement. Cette œuvre de Fairey n'est pas qu'une simple création artistique ; c'est un emblème qui illustre la convergence entre attrait visuel et engagement militant, une caractéristique qui distingue son art des genres pop, street art et graffiti. En s'immergeant dans les détails complexes de « Noir Flower Woman Blue AP », les spectateurs sont invités à réfléchir, à réagir et à agir pour le monde qui les entoure.

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Target Red King #2 HPM SDCC 12 Figurine de collection en vinyle édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Luke Chueh. 2012, signé avec HPM unique, exclusivité San Diego Comic Con 2012 (SDCC). Image et texte dessinés à la main, rehaussés et embellis à la main : « Tirez pour tuer ». Édition limitée à 250 exemplaires (un nombre limité d'exemplaires HPM avec des dessins uniques dessinés à la main sur le mur). Sculpture de 16,5 x 26,7 cm, neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir dessiné à la main avec une cible rouge et un pot de peinture. Target Red King #2 HPM SDCC 12 Figurine en vinyle par Luke Chueh La figurine en vinyle Target Red King #2 HPM SDCC 12 de Luke Chueh se distingue comme l'une des créations les plus marquantes et émouvantes de la catégorie Street Pop Art et Graffiti. Sortie en 2012 en exclusivité pour le Comic-Con de San Diego et produite par Munky King, cette figurine en édition limitée fait partie d'une série plus vaste inspirée de la peinture originale Target de Chueh. Cette version particulière, ornée à la main d'une illustration unique de l'artiste sur le mur de tir, incarne les thèmes profondément introspectifs de Chueh à travers un médium sculptural qui trouve un écho auprès des collectionneurs, des critiques et des amateurs de pop art sombre et conceptuel. Cette figurine s'inscrit dans la continuité de l'exploration par Chueh de la vulnérabilité, de la conscience de soi et de la relation entre le créateur et son sujet. Conception, détails et structure physique Cette figurine de collection mesure 16,5 x 26,7 cm et est réalisée en vinyle avec un socle sculptural en techniques mixtes. Elle représente l'emblématique ours de Chueh, dans une palette minimaliste, peignant une cible concentrique rouge sang sur sa poitrine, devant un mur fissuré criblé de balles. Le décor, orné d'une tête d'ours et d'une couronne dessinées à la main et signées par Luke Chueh, symbolise la vulnérabilité. Cette version, connue sous le nom de Red King n° 2, fait partie d'une sous-édition limitée à 250 exemplaires. Chaque exemplaire est unique, avec des personnalisations réalisées à la main dans un style graffiti sur le socle, faisant de chaque pièce une œuvre d'art peinte à la main. La présence du pinceau et du seau amovibles confère à la figurine une dimension tragique, voilant la frontière entre émancipation et autodestruction. Récit conceptuel et symbolisme « Cible » n'est pas qu'un simple titre ; c'est une affirmation sur l'identité et la visibilité. En peignant la cible sur son propre corps, le personnage devient à la fois artiste et objet, agresseur et victime. Le mur derrière lui, évoquant un décor d'exécution urbaine, intensifie la tension de l'œuvre. Dans cette édition « Roi Rouge », la couronne supplémentaire tracée au-dessus de l'ours ajoute une dimension de souveraineté ou de martyre, élevant le personnage au rang de symbole de sacrifice. Cette dualité est depuis longtemps une marque de fabrique du travail de Luke Chueh, qui mêle des éléments à la fois mignons et tragiques dans un récit pop art surréaliste, reflet de sa réflexion constante sur l'anxiété, la dépression, l'image de soi et les difficultés de l'expression personnelle. L'héritage de l'art urbain contemporain Né aux États-Unis en 1973, Luke Chueh est une figure emblématique du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Son utilisation de personnages simplifiés et iconiques, ainsi que d'une palette de couleurs discrètes, lui permet de transmettre des émotions brutes à travers des lignes épurées et une mise en scène percutante. La collaboration de Munky King avec Chueh sur la série Target représente l'une des transpositions les plus réussies de l'art de personnages, initialement destiné aux galeries d'art, en objets de collection tridimensionnels. Chaque édition, et notamment les variantes rares comme Red King #2, porte en elle la profondeur émotionnelle et la simplicité visuelle que Chueh a cultivées à travers différents médiums. L'exclusivité de cette édition pour le Comic-Con de San Diego (SDCC) ne fait qu'accroître sa rareté et son attrait, la consacrant comme une pièce majeure dans l'histoire de la sculpture de collection moderne.

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Champ - Sculpture en bombe de peinture jaune en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare : bombe de peinture Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art sportive, objet de collection lié à la boxe.

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Un œil pour un nid d'aigle - Peinture originale rouge et bleue réalisée à la main à l'aérosol, acrylique et sérigraphie sur panneau de bois découpé CNC, prêt à être accroché, par Prefab77, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Nous avons toujours adoré le portrait. Notre style actuel mêle le portrait allégorique à un style incisif et rapide, souvent agrémenté de messages secrets, d'appartenances religieuses et d'iconographie pop. Dans cet album, nous avons exploré le style totémique pour véhiculer ces messages et créer une manière visuellement saisissante d'exprimer une idée abstraite ou de transmettre une signification non explicitement énoncée dans le récit. À l'image d'un excellent morceau pop/rock de trois minutes, il peut s'agir d'une fable, d'une histoire ou d'un avertissement ! » - Prefab77

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Sérigraphie grand format Riot Cop de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop. 2009. Signée par Shepard Fairey - OBEY. Édition limitée numérotée à 75 exemplaires. Œuvre grand format (29,25 x 40,5 cm). Sérigraphie. Série rétro 20 ans. Légères marques de manipulation. OBEY de Shepard Fairey : une œuvre marquante du street art pop et du graffiti. « Riot Cop » de Shepard Fairey est une œuvre emblématique qui incarne l'esprit rebelle et le regard critique du street art et du graffiti. Faisant partie de la série OBEY, cette sérigraphie grand format est bien plus qu'une simple déclaration visuelle : elle témoigne de l'évolution du genre sur deux décennies. Réalisée avec précision et soin, « Riot Cop » a été tirée à la main en couleurs sur papier d'art Speckletone couleur crème, un support qui allie la qualité et le souci du détail propres aux beaux-arts au message brut et sans filtre souvent véhiculé par le street art. Sortie en 2009, cette œuvre grand format (75 exemplaires, mesurant 74,3 x 102,9 cm) a été signée et numérotée par Fairey à chacun des 75 exemplaires. Ce geste souligne l'importance accordée à la dimension personnelle et à l'authenticité dans le monde des collectionneurs d'art. L'œuvre a été rééditée pour célébrer le 20e anniversaire du projet OBEY, qui coïncidait avec la rétrospective de Shepard à l'ICA de Boston. Cette série, qui revisite des images de 1998 à 2000, témoigne de la volonté de l'artiste d'affiner ses œuvres précédentes, en remplaçant l'orange emblématique d'OBEY par un or métallisé, conférant ainsi à la série une allure sophistiquée et intemporelle. Impact et signification contextuelle de l'œuvre de Fairey « Riot Cop » est bien plus qu'une simple création esthétique ; c'est un commentaire sur l'autorité, le contrôle et l'usage du pouvoir. L'œuvre de Fairey est profondément ancrée dans le tissu socio-politique de son époque, incitant souvent à la réflexion sur les mécanismes de la société et de la gouvernance. L'utilisation ostentatoire du mot « OBEY » sous l'image d'une figure d'autorité brandissant une matraque invite directement les spectateurs à questionner les structures et les règles qui les régissent. Ce défi au statu quo symbolise la force culturelle que sont devenus le street art et le graffiti, offrant un exutoire à la créativité et un puissant outil de critique sociale et d'activisme. Le parcours de Shepard Fairey, de jeune skateur à artiste reconnu internationalement, reflète l'ascension du street art dans la conscience collective. « Riot Cop » témoigne de l'évolution de Fairey en tant qu'artiste, illustrant son talent pour fusionner l'esthétique du street art avec des messages politiques plus profonds. Le passage de l'orange à l'or métallisé dans la palette de couleurs de la série anniversaire symbolise une transformation visuelle de l'œuvre. Il représente la maturation du message OBEY, qui a su évoluer pour rester pertinent dans un paysage culturel en constante mutation. Valeur de collection et héritage de la série OBEY Œuvre d'art en édition limitée, « Riot Cop » occupe une place unique sur le marché de l'art, séduisant aussi bien les amateurs de street art que les collectionneurs d'art contemporain. Son exclusivité et son message social ont contribué à en faire une pièce très recherchée. L'héritage de la série OBEY de Fairey ne se limite pas aux collectionneurs qui en possèdent une œuvre ; il s'étend à son influence sur les jeunes artistes de rue et au débat qu'elle a suscité sur le rôle de l'art dans la société. La série, à l'image de « Riot Cop », continue d'inspirer une nouvelle génération d'artistes qui perçoivent le paysage urbain comme une toile pour exprimer leurs réflexions sur les problématiques contemporaines. « Riot Cop » de Shepard Fairey, issue de la série OBEY, est une œuvre majeure qui capture l'essence du street art et du graffiti. Elle constitue un véritable artefact culturel, incarnant l'esprit d'un mouvement, la voix d'une époque et la vision d'un artiste qui a su utiliser la sérigraphie avec brio pour bousculer les perceptions et inviter à l'introspection. À travers son œuvre, Fairey continue de démontrer le pouvoir de l'art comme moyen de communication, forme de résistance et catalyseur de changement.

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Breathe Right, peinture originale à l'huile sur lin avec cadre en noyer sur mesure, par David Molesky, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture à l'huile originale signée et encadrée sur mesure, 2014, format 24 x 20 pouces. « Ce tableau fait partie de ma série inspirée par les images médiatiques de la révolution de Kiev. C'est le plus grand des huit tableaux réalisés à ce jour et celui auquel j'ai consacré le plus de temps. J'ai le sentiment que la figure capture l'énergie qui m'a initialement attiré vers ce sujet. Les tableaux de cette série marquent une rupture avec mes peintures figuratives précédentes. Pendant une dizaine d'années, j'ai cherché à représenter le temps universel et j'ai évité les objets fabriqués par l'homme. J'ai abandonné ce dogme. J'aime le fait que le sujet soit à la fois actuel et qu'il contienne des éléments qui semblent appartenir à une autre époque. » – David Molesky

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Impression giclée en édition limitée « Fuck Forever » sur papier Hahnemühle Bamboo 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Jamie Reid. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Dimensions de l'œuvre : 24 x 33,5 pouces. Tiré d'une numérisation d'un collage original réalisé pour une affiche des Sex Pistols utilisée dans le film « The Great Rock 'n Roll Swindle ». Ce tirage a été préparé en 2006 mais n'a jamais été publié.

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Art Rodeo² Estampe principale en sérigraphie de Kunstrasen Tirée à la main 12 couches sur papier d'art satiné Somerset Édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2024. Dimensions de l'œuvre : 23,62 x 23,62 cm. Sérigraphie. Exploration des différentes strates de « Art Rodeo² Main » de Kunstrasen « Art Rodeo² Main », une sérigraphie de Kunstrasen, illustre à merveille la rencontre dynamique entre culture urbaine et beaux-arts. Sortie en 2024, cette estampe artisanale en 12 couches sur papier d'art Somerset Satin témoigne du savoir-faire méticuleux et de l'expression vibrante propres au genre. Chaque exemplaire, signé et numéroté, est tiré à 100 exemplaires seulement, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée (60 x 60 cm). La maîtrise de la sérigraphie par Kunstrasen La maîtrise technique de Kunstrasen s'exprime pleinement dans « Art Rodeo² Main », où la profondeur de l'image est obtenue grâce à douze couches distinctes. Cette technique de superposition, essentielle au procédé de sérigraphie, permet une richesse de couleurs et de détails qui confère à l'œuvre vie et texture. Le papier Somerset Satin, référence en matière d'estampes d'art, sublime les encres éclatantes utilisées, créant ainsi une œuvre qui captive le regard et invite au toucher. Le commentaire culturel du pop art urbain Cette œuvre est un récit du spectacle du monde de l'art, du rodéo de la création et de la critique, mettant en scène des figures à la fois intégrées et détachées du chaos coloré qui les entoure. Ainsi, « Art Rodeo² Main » reflète l'essence même du street art et du graffiti, où l'espace public devient une toile d'expression personnelle et collective. Kunstrasen, figure majeure du street art contemporain, utilise « Art Rodeo² Main » pour explorer le dialogue entre l'artiste et le spectateur, le créateur et le consommateur. La juxtaposition d'éléments graphiques audacieux et de pochoirs complexes en arrière-plan crée une impression de mouvement et d'énergie, symbolisant l'effervescence et la rébellion inhérentes au street art. « Art Rodeo² Main » de Kunstrasen n'est pas une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire sur le monde dynamique du street art. Chaque tirage de cette édition limitée est un instantané de la vision de l'artiste, où les couches de peinture sur le papier reflètent les différentes strates de sens de l'œuvre. C'est une affirmation du pouvoir de l'art à captiver, à interpeller et à communiquer, perpétuant ainsi l'influence du street art sur la culture contemporaine.

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2016 Chiwoo Cheonwang 1 Clay Korea Gold- PF 70 Ultra Cameo | Pièce de collection authentique et rare, certifiée NGC, sous scellé, émise en avant-première. Cette pièce commémorative exceptionnelle en or coréen de 1 exemplaire, émise en 2016 et représentant Chiwoo Cheonwang, constitue un ajout de premier ordre à toute collection numismatique sérieuse. Classée PF 70 Ultra Cameo par NGC, cette pièce de première émission présente un état impeccable, avec un contraste remarquable entre ses éléments dépolis et son champ poli miroir. Elle arbore l'effigie du légendaire Chiwoo Cheonwang coréen, reproduite avec un niveau de détail et un art exceptionnels. Rare pièce de monnaie mondiale sous scellé, elle offre à la fois un attrait esthétique et un potentiel d'investissement pour les collectionneurs à la recherche de pièces internationales authentifiées et de haute qualité. La désignation PF 70 atteste d'une qualité et d'une conservation exceptionnelles, faisant de cette pièce un exemple remarquable de monnaie commémorative moderne.

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Xlarge Gorilla Dcon Cartoon OG 2019 - Figurine en vinyle édition limitée or avec chaîne en métal doré, œuvre d'art de collection créée par l'artiste de graffiti de rue D*Face x Medicom. Jouet d'art en édition limitée 2019 avec pendentif XL en métal véritable et logo, dimensions 6 x 9,5. Emballage d'origine inclus. L'intersection entre culture urbaine et expression artistique s'incarne dans la figurine Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG 2019, une pièce de collection en vinyle en édition limitée. Fruit de la collaboration remarquable de D*Face avec Medicom, elle illustre la synergie entre le street art et le design d'objets de collection haut de gamme. Avec ses dimensions impressionnantes de 15 x 24 cm, cette œuvre d'art ne passe pas inaperçue. D*Face, alias Dean Stockton, s'est imposé comme une figure incontournable du street art. Originaire de Londres, son travail critique souvent les normes sociétales contemporaines, le consumérisme et l'influence de la culture pop, fortement inspirée par la culture streetwear à la fois brute et vibrante de Los Angeles, et plus particulièrement par la marque XLARGE. Cette pièce, agrémentée d'un pendentif en métal véritable orné du logo XL, est bien plus qu'un simple jouet : c'est une fresque portable, un fragment de street art destiné aux collectionneurs. Créée en 2019, cette pièce s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art, où chaque objet est bien plus qu'un simple produit : c'est une histoire, un récit figé dans le temps, reflet de son environnement. L'éclat doré du vinyle et le poids de la chaîne métallique confèrent une touche de luxe tangible à la nature traditionnellement éphémère du street art. Elle capture l'essence du style iconique de D*Face, visible sur les murs du monde entier, des rues animées de Londres aux ruelles ensoleillées de Los Angeles. Les collectionneurs du Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG n'acquièrent pas seulement une œuvre de street art ; ils héritent d'un fragment du dialogue entre culture urbaine et art contemporain. La disponibilité limitée de cette figurine en fait un objet de collection très recherché, séduisant non seulement les fans de D*Face, mais aussi tous ceux qui apprécient le croisement des formes artistiques. Pour ceux qui ont suivi l'ascension du street art vers la notoriété, cet objet de collection est une reconnaissance tangible de sa place légitime au panthéon de l'histoire de l'art.

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Baccarat Black 200% Be@rbrick Crystal Glass Art Toy by Medicom Designer Luxury Limited Edition Artwork Collectable Art Figure. 2021 Baccarat x Bearbrick Medicom Jouet d'art en cristal de verre noir Taille 200% Neuf dans sa boîte. Kawaii envahit la planète Baccarat ! Collaboration entre Baccarat et Medicom Toy Le Be@rbrick Baccarat Black 200% est un emblème du partenariat novateur entre le savoir-faire de Baccarat en cristal et l'influence de Medicom Toy dans le secteur des jouets de collection. Sortie en 2021, cette pièce symbolise la fusion entre le luxe haut de gamme et la culture pop urbaine, et s'adresse aux collectionneurs et passionnés de ces deux univers. Conception et savoir-faire Illustrant l'essence du luxe sous une forme ludique, la transformation de Be@rbrick par Baccarat met en lumière le savoir-faire méticuleux de la cristallerie française. Les dimensions et la qualité artisanale de cette pièce témoignent de l'engagement de Baccarat envers l'excellence, alliant la silhouette familière du jouet au luxe du cristal au plomb. Importance artistique Le parcours artistique de la Be@rbrick, à travers l'interprétation de Baccarat, la place au cœur du Street Pop Art. Cette pièce incarne l'esprit du mouvement, alliant l'accessibilité et le charme du street art à la grandeur de l'artisanat de luxe. Le voyage de Be@rbrick dans le luxe Élevant un symbole de la culture pop au rang d'objet d'art luxueux, le Be@rbrick de Baccarat incarne l'esprit d'aventure de cette collaboration. L'ours en cristal noir, iconique par sa forme, explore désormais un nouvel univers, bousculant les codes du luxe et du street art. Valeur de collection et exclusivité Le caractère exclusif de l'édition limitée du Baccarat Black 200% Be@rbrick en fait une pièce de collection très recherchée. Elle incarne l'essence du luxe et du design contemporains et fait le lien entre les univers traditionnellement distincts des objets d'art et des jouets de créateurs. Impact culturel Cette pièce de collection est bien plus qu'un simple objet esthétique et matériel ; elle incarne une évolution culturelle, une fusion où le luxe rencontre le pop art urbain. Le Baccarat Be@rbrick symbolise cette forme d'art en pleine mutation, une pièce de collection qui trouve un écho auprès d'un public et dans des contextes variés. Avec cette création, Baccarat et Medicom Toy ont réalisé bien plus qu'un simple jouet d'art : ils ont façonné une icône culturelle à l'avant-garde du pop art urbain et du graffiti.

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