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Train 21, sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de Lush, artiste de rue et artiste pop moderne spécialisée dans le graffiti. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (14 x 3 pouces). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. Exploration de « Train 21 » de Lush : une convergence entre le modélisme et l'art du graffiti L'œuvre « Train 21 » de l'artiste de rue Lush représente une rencontre unique entre le modélisme ferroviaire et le street art, insufflant à l'univers méticuleux des trains à l'échelle HO l'énergie vibrante et spontanée du graffiti. Créée en 2014, cette pièce se distingue comme une œuvre originale à l'acrylique sur un wagon de marchandises miniature, représentant une forme de pop art urbain rarement vue dans l'environnement urbain habituel des graffeurs. Lush, artiste qui se décrit lui-même avec franchise comme un « graffeur international arrogant », ce qui révèle son approche irrévérencieuse de son art et de la perception du public, apporte avec « Train 21 » son goût pour l'originalité au domaine plutôt conservateur du modélisme ferroviaire. L'art du graffiti de Lush à l'échelle miniature L'œuvre « Train 21 » témoigne du talent de Lush pour adapter l'échelle et la finesse de son art urbain aux proportions minuscules d'un wagon de train miniature. Mesurant seulement 35,5 x 7,5 cm, cette œuvre condense l'essence du graffiti – traditionnellement associé à de grands espaces – dans la forme compacte et maîtrisée d'un train miniature, objet de collection prisé. Cette fusion entre un art urbain traditionnel et un loisir suburbain remet en question les idées reçues sur les supports que peut occuper l'art urbain. Le style caractéristique de Lush, fait de tags audacieux et de peintures vives réalisées à la volée, trouve un nouveau support sur les flancs du wagon, insufflant l'esprit rebelle de l'art urbain dans l'univers précis et souvent immaculé des passionnés de trains miniatures. Valeur de collection et importance culturelle de « Train 21 » Œuvre originale signée par Lush, « Train 21 » occupe une place de choix dans le milieu du street art et auprès des collectionneurs d'œuvres uniques. Le graffiti peint sur le wagon miniature à l'échelle HO transforme la pièce, d'un simple objet de collection, en une œuvre engagée, un récit sur la fusion d'univers disparates. À travers de telles créations, Lush s'est forgé une réputation, non seulement comme artiste de rue, mais aussi comme artiste pop contemporain qui ose redéfinir les frontières de son genre. La signature de l'artiste confirme le statut d'œuvre d'art de « Train 21 », lui conférant authenticité et valeur aux yeux des collectionneurs et des amateurs d'art. « Train 21 » est plus qu'une maquette ; c'est un microcosme du parcours artistique de Lush, incarnant son approche audacieuse du street art et du graffiti dans l'espace miniature d'un wagon de train.

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« Into The Forest », une œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile tendue sur châssis, par la célèbre artiste de graffiti de rue Mandy Tsung. 2013. Acrylique originale sur toile de Mandy Tsung, 12 x 9 pouces.

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Face Yachting 84 Œuvre d'art originale et unique, peinture à l'huile et techniques mixtes sur panneau de masonite, par le célèbre artiste impressionniste moderne Peter Keil. Peinture originale signée de Peter Keil, datant de 1984, mesurant 24 x 12 pouces (61 x 30,5 cm), représentant un grand visage et des bateaux sur le lac. Le visage d'enfant de Peter Keil en 1984 : une fusion entre l'expressionnisme et le pop art urbain « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil illustre avec éclat la rencontre entre les techniques impressionnistes modernes et l'esprit du street art et du graffiti. Cette œuvre originale, une peinture à l'huile sur carton, mesure 30 x 40 cm et révèle le style singulier de Keil, souvent reconnu pour son approche spontanée et audacieuse de l'art moderne. Représentant un visage d'enfant géant, le tableau capture l'innocence et l'expressivité propres à l'enfance, à travers le prisme du style impressionniste et vibrant de Keil. Caractéristique des œuvres originales de Peter Keil, cette pièce présente quelques écaillures de peinture sur la joue, conséquence naturelle de la technique de l'empâtement et de la fragilité du carton. Ces écaillures n'altèrent en rien l'impact de l'œuvre ; au contraire, elles enrichissent son récit, reflétant le passage du temps et l'histoire tactile du processus créatif de Keil. Cet élément de texture, fréquent dans les œuvres originales de Keil, souligne l'émotion brute et sans filtre qu'il cherche à capturer chez ses sujets. Interprétation du langage artistique de Keil dans Child's Face '84 Interpréter « Visage d'enfant '84 » de Keil exige de comprendre son langage artistique, qui fusionne les formes abstraites de l'impressionnisme avec les couleurs vibrantes et l'immédiateté émotionnelle du street art. Le portrait qu'il dresse dépasse la simple représentation des traits d'un enfant ; il explore le caractère et les émotions transmis par des formes exagérées et une riche palette de couleurs. Les grands yeux lumineux dominent la composition, véritables fenêtres sur l'âme de l'enfant, et font écho à la profondeur de l'expérience humaine que Keil cherche à explorer à travers son art. Le choix du carton comme support témoigne de la volonté de Keil de combler le fossé entre les beaux-arts conventionnels et les matériaux plus accessibles et quotidiens souvent utilisés dans le street art, le pop art et le graffiti. Ce choix non conventionnel reflète une démocratisation de l'art, thème central du street art, qui vise à rendre l'art accessible et compréhensible par un large public. En utilisant le carton, Keil remet en question les normes artistiques traditionnelles et s'inscrit dans une forme d'expression artistique ancrée dans les réalités de la vie urbaine. L'influence durable de l'approche de Keil en matière de portrait L'influence durable de l'approche de Peter Keil en matière de portrait est manifeste dans « Visage d'enfant '84 ». Son œuvre, souvent rattachée à l'impressionnisme moderne, trouve un écho dans un large éventail de formes artistiques, notamment le pop art urbain et le graffiti. La contribution de Keil à ces genres réside dans sa capacité à insuffler à la peinture de portrait traditionnelle une immédiateté et une authenticité brute, caractéristiques de l'art urbain. Ce tableau, avec ses contours audacieux et ses couleurs éclatantes, témoigne de l'esprit novateur de Keil et de son impact sur l'art contemporain. De plus, la vivacité de l'œuvre, une signature de Keil, souligne le potentiel expressif du pop art urbain et du graffiti. « Visage d'enfant '84 » illustre comment ces genres peuvent transmettre des récits émotionnels complexes, remettant en question l'idée reçue selon laquelle le street art se limite au commentaire public ou à la critique sociale. Le portrait de Keil est une célébration de l'individualité et de l'esprit humain, capturées dans le regard d'un enfant et exprimées par la peinture. « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil est une œuvre majeure qui illustre la rencontre entre l'impressionnisme moderne et l'univers dynamique du street art et du graffiti. La spontanéité de son exécution, l'éclat de ses couleurs et la richesse de ses textures contribuent à son attrait intemporel et à son statut de témoignage éloquent de la vision artistique de Keil. Portant les marques de sa création, cette œuvre continue de fasciner et d'inspirer, offrant un aperçu de la profondeur et de la diversité de son travail.

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Panneau de sortie double face, œuvre d'art en techniques mixtes sur panneau de signalisation MTA, réalisée par l'artiste de culture pop urbaine Cope2. Né en 1968 à New York sous le nom de Fernando Carlo Jr., Cope 2 a exposé ses œuvres lors d'expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger. Artiste autodidacte et figure légendaire du graffiti, il contribue depuis plus de 30 ans à la culture urbaine. Comptant parmi les graffeurs les plus prolifiques de New York, il a commencé à taguer son nom dans le South Bronx en 1978. Il a développé son style dans le métro et les rues du Bronx, créant des œuvres de graffiti tout au long des années 1980 et 1990 et acquérant une reconnaissance internationale pour son style unique. Au début du nouveau millénaire, Cope2 abordait une nouvelle étape de sa carrière, se concentrant de plus en plus sur sa place dans le milieu artistique des galeries et des musées. Bien qu'il ait commencé à travailler sur toile bien avant les années 2000, c'est à cette époque qu'il a opéré un tournant décisif en acceptant d'exposer systématiquement en intérieur. Que l'on considère le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme un acte de vandalisme irresponsable, une chose est sûre : ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public jusqu'aux plus grandes galeries du monde.

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Montagne Changbai - Figurine noire en vinyle, sculpture de collection, œuvre d'art de l'artiste moderne et populaire Kaws. Édition ouverte 2022, épuisée. Taille : 21,6 cm (8,5 pouces). Estampillée/imprimée. Présentée dans sa boîte. La figurine « Montagne Changbai des Fêtes » de KAWS représente une figurine noire assise avec une figurine plus petite sur les genoux. Hauteur : 21,6 cm (8,5 pouces). KAWS' Holiday Changbai Mountain-Black : une étude du pop art urbain contemporain La figurine « Holiday Changbai Mountain-Black » de KAWS est une sculpture en vinyle qui capture l'essence du pop art moderne grâce à son esthétique minimaliste et sa forte charge émotionnelle. Sortie en édition ouverte en 2022, cette pièce très recherchée a rapidement été épuisée et est désormais considérée comme un objet de collection introuvable. Haute de 21,5 cm, la sculpture représente l'emblématique Black, compagnon de KAWS, assis et tenant dans ses bras un compagnon plus petit, exprimant ainsi un sentiment de protection et de tendresse. Cette sculpture de collection est une représentation par excellence de la capacité unique de KAWS à exprimer les émotions humaines à travers des formes simplifiées et stylisées, caractéristiques du street art et du graffiti. La finition noire monochrome accentue les contours et les ombres des personnages, soulignant leur présence volumétrique. Chaque figurine est estampillée ou imprimée, garantissant son authenticité et son lien avec l'œuvre prolifique de KAWS. Signification culturelle de l'œuvre de KAWS, Holiday Changbai Mountain-Black, dans le discours sur l'art La portée culturelle de « Holiday Changbai Mountain-Black » de KAWS dépasse son statut d'objet de collection ; elle constitue un commentaire poignant sur la nature des relations et de l'attention portée aux autres. La conception de l'œuvre fait écho aux racines urbaines du street art, où figures et personnages servent souvent de porte-voix à la voix de l'artiste ou à ses réflexions sur la société. Dans cette pièce, l'interaction entre les deux compagnons forme un récit silencieux, ouvert à l'interprétation mais évocateur de liens familiaux ou communautaires, thèmes récurrents dans le street art et le pop art. Cet objet de collection témoigne également de la tendance croissante à intégrer l'esthétique du street art dans la vie quotidienne, abolissant la frontière entre les galeries d'art et les espaces privés. Présentée dans sa boîte, la figurine « Holiday Changbai Mountain-Black » n'est pas seulement une sculpture, mais un véritable objet de décoration, une manifestation concrète de la fusion entre art et style de vie que KAWS maîtrise à la perfection. Sa sortie et son succès immédiat soulignent la forte demande pour des objets d'art alliant collection et expression artistique. L'influence de l'œuvre de KAWS sur la perception du street pop art La sculpture « Holiday Changbai Mountain-Black » de KAWS symbolise l'impact du street art sur la perception de l'art contemporain. En transposant le langage visuel du graffiti et du street art en formes tridimensionnelles, KAWS a contribué à hisser l'art urbain au rang de phénomène international. Plus qu'une simple figure, cette sculpture reflète l'évolution subtile du street art, passé d'une dimension subversive à une forme d'art reconnue et influente. Leurs yeux barrés, symboles immédiatement reconnaissables du mouvement pop art urbain, incarnent l'anonymat et l'universalité de l'expérience urbaine. Cette édition ouverte, rapidement épuisée, témoigne de la convergence de l'art, du commerce et de la culture. Elle illustre comment l'accessibilité du street art n'en diminue en rien la valeur ni l'importance dans le monde de l'art. L'œuvre de KAWS, et notamment cette sculpture, continue de repousser les limites du pop art urbain et du graffiti, confirmant ainsi sa place parmi les classiques de l'art contemporain.

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Mossiae - Bourgogne - Sérigraphie artisanale 24 couleurs sur papier satiné Somerset 330 g/m² par l'artiste pop graffiti Fin DAC - Œuvre d'art de rue rare en édition limitée Findac . Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 24,8031 x 33,8583 cm « Mossiae - Bourgogne » de Fin DAC : Une symphonie en sérigraphie L'œuvre « Mossiae - Burgundy » de Fin DAC illustre la transition du street art pop vers les beaux-arts grâce à un procédé d'impression sérigraphique méticuleux. Cette sérigraphie artisanale en 24 couleurs sur papier Somerset Satin 330 g/m² est une pièce rare dans l'œuvre de l'artiste, incarnant la rencontre entre le dynamisme brut du street art et la précision de la production artistique haut de gamme. Limitée à 150 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par Fin DAC, attestant de son exclusivité et de l'implication directe de l'artiste dans sa création. Comprendre la nuance artistique de Fin DAC dans « Mossiae - Bourgogne » L'œuvre, mesurant 63 x 86 cm, illustre l'esthétique singulière de Fin DAC, qu'il nomme « Esthétique Urbaine ». Dans « Mossiae - Bourgogne », le sujet est une figure féminine à l'allure presque éthérée, se détachant sur un fond bordeaux profond. Le visage est marqué par le style caractéristique de Fin DAC : des lignes nettes et précises, et une touche de couleur vibrante autour des yeux, qui font office à la fois de masque et de fenêtre sur l'âme. Ce motif visuel est un clin d'œil à ses influences classiques du portrait, avec une touche contemporaine qui capture l'essence même du pop art graffiti. Impact culturel et réception de l'œuvre « Mossiae-Bourgogne » du CAD de Fin L'influence de Fin DAC sur le street art pop est manifeste dans des œuvres telles que « Mossiae - Burgundy », très recherchées par les collectionneurs et les amateurs. Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple création visuelle : c'est un véritable artefact culturel qui capture l'esprit du street art contemporain. L'accueil réservé à cette œuvre témoigne de la reconnaissance et de la valorisation croissantes de l'art inspiré du graffiti au sein des collections d'art. La vision de l'artiste en tirages en édition limitée Le choix de la sérigraphie pour « Mossiae - Burgundy » est délibéré, permettant à Fin DAC d'explorer le jeu des textures et des couleurs sur papier, un médium qui préserve l'essence tactile du street art. Le tirage limité de cette estampe garantit à chaque exemplaire une place unique dans le parcours artistique de Fin DAC, tout en offrant au collectionneur un lien tangible avec sa vision. En somme, « Mossiae - Burgundy » témoigne de la maîtrise de son médium par Fin DAC et de sa capacité à communiquer des récits profonds à travers le langage visuel du pop art urbain. Son œuvre, à la croisée de l'expression spontanée et de la sophistication des galeries, fait de lui une figure incontournable de l'art contemporain.

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Space Invaders 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Medicom Toy Figurine de Collection Art. 2021 1000% Jeu vidéo rétro Taito Bearbrick

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Hirst Dots - Sculpture en bombe de peinture rouge en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare, œuvre du maître Mr Brainwash – Thierry Guetta, en édition limitée, peinte à la bombe.

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La vie est belle - Sculpture en résine coulée, peinte et revêtue thermiquement, édition limitée 2015, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée , 2015. Dimensions de l'œuvre : 8,75 x 5,5 pouces. Tirage limité à 100 exemplaires. Signés, numérotés et datés à la main. Découvrez la réédition spéciale de la sculpture « La vie est belle ». Réalisée en résine coulée résistante, elle est revêtue d'un film thermique décliné dans huit couleurs emblématiques de Mr. Brainwash. Chaque sculpture sera signée, numérotée et datée par l'artiste. Très léger éclat de peinture au verso.

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Incognito - Sérigraphie en édition limitée, 20 couleurs, tirée à la main, sur papier 100 % coton blanc éclatant, par Tavar Zawacki - Œuvre rare de street art d'un artiste pop célèbre. Format du papier : 84 cm de large x 116 cm de haut (33 pouces de large x 45,5 pouces de haut). Papier Somerset 330 g/m², sans acide, blanc éclatant, 100 % coton. Tous les tirages ont des bords frangés à la main. CARACTÉRISTIQUES DE L’IMPRESSION : Incognito a été imprimé au studio Mother Drucker Print Studio à Berlin. Incognito est une impression sérigraphique traditionnelle en quadrichromie (CMJN). Le motif comporte plus de 20 couleurs différentes. Tous les tirages sont signés, datés, gaufrés et tamponnés au verso.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une trajectoire vers le bas sur du papier d'art Speckletone crème par l'artiste Shepard Fairey en édition limitée Pop Art. 2019 Signé & numéroté édition limitée de 500 oeuvre taille 24 x 24 "Downward Trajectory est l'une des nombreuses nouvelles œuvres présentées dans mon spectacle du 30e anniversaire à Los Angeles," Facing the Giant: Three Decades of Dissent and New Works ", -Shepard Fairey Le travail de Shepard Fairey est hautement politique et social, non seulement parce qu'il y incorpore des politiciens et des slogans, mais surtout parce que l'artiste s'intéresse avant tout à approcher le plus de gens possible, en exposant son travail dans les couvertures des livres, que nous lisons , dans les albums de musique, que nous écoutons, et sur les murs des rues, où nous nous promenons. "Si je place l'art dans un lieu audacieux, c'est plus émouvant pour le spectateur et cela démontre ma conviction.", dit-il. Après tout, Fairey, dans de nombreux cas, exprime directement ses opinions sur la politique et la société, chaque fois qu'il en a l'occasion. Par exemple, à la suite de l'affiche "Hope", il a commenté ce qui suit : "Obama a traversé une période vraiment difficile, mais il y a eu beaucoup de choses sur lesquelles il a fait des compromis auxquelles je ne m'attendais pas. Je veux dire, les drones et l'espionnage domestique sont les dernières choses que j'aurais pensé [qu'il soutiendrait] ». L'aspect politique de son travail peut également être vu sous le spectre de l'activisme et de l'activité humanitaire de Fairey. Beaucoup de ses œuvres ont été créées dans le cadre de campagnes militantes ou ont été vendues pour soutenir des causes liées aux arts, aux droits des animaux, à la pauvreté, à la recherche médicale, à l'environnement, etc. L'artiste ne s'identifie cependant pas comme militant : « Les gens me demandent si je suis un militant, et ma réponse est non. Je suis un artiste avec un point de vue, mais je veux faire ma part pour compléter les causes militantes auxquelles je crois. Je me sens chanceux d'être en contact avec des gens qui trouvent mes images utiles et qui aident à les diffuser.

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Achat TITRE Multiple peint à la main original (HPM) sur panneau en bois bercé prêt à accrocher par ARTISTE graffiti street artiste pop art moderne. INFO

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Nasty Nas - Cut The Record Original One of Kind Mixed Media on Laser Cut Wood Panel With Industrial Resin Painting Artwork by Popular Street Graffiti Artist Tavar Zawacki (Ci-dessus). Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Dimensions : 22 x 22 pouces (56 x 56 cm). Sortie : 6 mai 2016. Cut the Record (Nas), 2014. Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Diamètre : 22 pouces (55,9 cm). Édition 1/1. Signée au verso. La série « Cut The Record » a été créée exclusivement pour cette sortie et faisait partie de ma plus récente exposition, Remix. C'était une série très personnelle, car j'ai sélectionné dix de mes musiciens préférés à représenter et à remixer. Ces dix musiciens font partie de mes favoris, des artistes que j'écoute quotidiennement. Pour mon exposition, j'ai quelque peu détourné le sens du terme « remix » pour l'adapter à l'échange et à l'échantillonnage de différentes gravures sur bois, similaires mais présentes sur les œuvres. Chacun des dix musiciens sélectionnés pour la série « Cut The Record » a soit vu sa musique remixée, soit réalisé ses propres remixes. Depuis la sortie de l'album Illmatic en 1994, je crois que je ne me suis pas arrêté une semaine sans l'écouter. C'est l'un de mes albums préférés.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Silver 100% & 400% Bape BE@RBRICK Limited Edition Medicom Vinyl Artwork Toy Collectable Art Figure by Bape- A Bathing Ape. 2022 A Bathing Ape BAPE x Hajime Sorayama Bearbrick de collection rare , neuf en boîte

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Goonie 041 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle miniature originale et unique, signée en 2013. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5 pouces (21,6 x 21,6 cm). Dimensions de l’image : 3 x 3 pouces (7,6 x 7,6 cm). Encadrement et passe-partout réalisés sur mesure par l’artiste. « Goonie 041 » de Naoto Hattori et l'essence du surréalisme dans l'art « Goonie 041 », une aquarelle originale de l'artiste surréaliste Naoto Hattori, incarne à merveille l'équilibre subtil entre réalisme et fantaisie qui définit le surréalisme. Cette œuvre unique, réalisée en 2013, témoigne avec brio du talent d'Hattori pour transporter le spectateur dans un univers qui défie les conventions. L'œuvre, mesurant 7,6 x 7,6 cm et encadrée dans un cadre sur mesure de 21,6 x 21,6 cm, est signée avec soin par l'artiste. Le choix d'Hattori de réaliser lui-même l'encadrement et le passe-partout confère à l'œuvre une dimension intime, personnalisant davantage l'expérience de contemplation. Bien que n'entrant généralement pas dans les catégories traditionnelles du street art et du graffiti, « Goonie 041 » résonne du même esprit de liberté et d'expression qui caractérise ces formes d'art. L'œuvre d'Hattori explore souvent l'inconscient, mêlant des éléments du monde onirique à la réalité. L'aquarelle encadrée présente une image qui, bien que de petite taille, est riche en imagination, invitant l'observateur dans un royaume où les règles du monde physique sont déformées et remodelées par la vision de l'artiste. Signification artistique de « Goonie 041 » dans l'art contemporain L'importance de « Goonie 041 » sur la scène artistique contemporaine réside dans la juxtaposition de la technique méticuleuse de l'aquarelle et du caractère imprévisible d'un sujet surréaliste. La maîtrise du pinceau d'Hattori donne vie aux textures et aux nuances de la figure, offrant un contraste saisissant avec les éléments surréalistes qui caractérisent son œuvre. La composition, centrée dans un cadre carré, attire le regard sur la figure surréaliste, incitant le spectateur à s'interroger sur le récit qu'elle recèle. L'œuvre d'Hattori, dont « Goonie 041 », contribue à un débat plus large sur le croisement des formes artistiques et sur la manière dont les artistes peuvent communiquer des idées complexes à travers divers médiums. L'intégration de la peinture dans un cadre traditionnel n'altère en rien son lien avec les expressions plus éphémères et publiques du street art. Au contraire, elle souligne la capacité de l'art surréaliste à s'épanouir dans une multitude de contextes et de formats. En conclusion, « Goonie 041 » de Naoto Hattori est un bel exemple de surréalisme contemporain, puisant ses racines dans le pop art urbain et le graffiti. L’œuvre témoigne du lien profond qui unit l’artiste à un récit artistique plus vaste, explorant les domaines du surréalisme et de l’inconscient. À travers « Goonie 041 », Hattori nous invite à explorer les possibilités infinies de l’imagination, remettant en question nos perceptions et nous encourageant à voir au-delà du monde visible.

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599 tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Ferrari sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Spray Happiness - Édition limitée rouge, sérigraphie artisanale 3 couleurs avec embellissements à la peinture acrylique sur papier d'art frangé à la main par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue graffiti, pop art moderne. 2018 Édition limitée signée et numérotée à 75 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 30 x 22,5 Sérigraphie 3 couleurs et éclaboussures de peinture à la main sur papier d'art d'archive déchiré à la main, 57,2 x 76,2 cm (30 x 22 po), édition de 75 exemplaires.

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Diaspora Ono Peinture originale Émail et acrylique sur plexiglas par Askew One Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2015 Peinture originale signée , format 20 x 14 pouces, encadrée sur mesure En avril/mai 2014, j'ai passé environ six semaines à Los Angeles à réaliser ces peintures pour mon exposition personnelle à la galerie Known. Je vivais et travaillais au-dessus du magasin TSL, m'efforçant de produire suffisamment d'œuvres pour remplir l'espace, une tâche plutôt ardue. Les pièces elles-mêmes sont une combinaison de portraits peints dans ce que je qualifierais de style caractéristique, ainsi qu'une série de petites œuvres abstraites qui symbolisent l'idée de migration à travers le Pacifique, d'un point de vue à la fois historique et contemporain. Le modèle pour les portraits était mon amie Sereima, alias Stelly, qui vit à Sydney et est d'origine fidjienne. Pour moi, elle représente vraiment le visage changeant du Pacifique à bien des égards. Suite au succès de mon exposition à Sydney, « The Evolving Face », je voulais m'éloigner des poses figées des portraits précédents et apporter plus de personnalité et d'exubérance, et Sereima était parfaite car elle incarne parfaitement ces valeurs. » – Askew Diaspora Ono Peinture originale par Askew One Diaspora Ono est une œuvre originale saisissante, créée en 2015 par Askew One, artiste renommé du graffiti et du Street Pop Art. Réalisée à l'émail et à l'acrylique sur plexiglas, cette pièce illustre la capacité d'Askew One à fusionner formes abstraites et palettes de couleurs audacieuses avec des récits profondément significatifs. Encadrée sur mesure et mesurant 20 x 14 pouces (51 x 35,5 cm), la peinture témoigne de l'aptitude de l'artiste à explorer les thèmes de l'identité culturelle et de la migration à travers son regard artistique unique. Le contexte et l'inspiration derrière Diaspora Ono Diaspora Ono faisait partie d'un ensemble d'œuvres plus vaste créé par Askew One lors de son séjour à Los Angeles, en préparation de son exposition personnelle à la Known Gallery. Cette pièce reflète les thèmes explorés tout au long de l'exposition, notamment le concept de migration à travers le Pacifique. Askew One se penche sur les mouvements historiques et contemporains de personnes et d'idées, créant des métaphores visuelles qui rendent compte de la complexité des échanges culturels. Cette série, qui comprenait des œuvres abstraites et des portraits, mettait en scène des modèles comme Sereima, une amie de l'artiste et incarnation de l'identité pacifique contemporaine. Ses origines fidjiennes et sa présence dynamique ont été des influences majeures, incitant Askew One à s'éloigner du portrait traditionnel et à capturer l'énergie, l'exubérance et la transformation. Diaspora Ono, bien qu'abstraite, porte cet esprit de migration et d'évolution à travers ses couleurs vibrantes et ses superpositions complexes. Le style artistique d'Askew One L'œuvre d'Askew One est reconnue pour sa fusion d'influences graffiti et de sensibilité artistique, et Diaspora Ono ne fait pas exception. L'utilisation d'émail et d'acrylique sur plexiglas crée une surface lisse et réfléchissante qui amplifie l'éclat des couleurs. Les lignes audacieuses, les motifs dynamiques et les détails texturés évoquent le mouvement des vagues, des vents et des échanges culturels qui caractérisent la diaspora du Pacifique. La composition circulaire de la peinture attire le regard du spectateur vers l'intérieur, symbolisant un cycle continu de migration et de connexion. L'approche singulière d'Askew One en matière de Street Pop Art se manifeste dans l'interaction entre abstraction et signification. En combinant l'énergie brute du graffiti à une esthétique moderne et raffinée, l'artiste sublime le médium tout en restant fidèle à ses racines urbaines. Diaspora Ono illustre sa capacité à transformer des matériaux du quotidien en puissants outils narratifs, établissant un pont entre l'intime et l'universel. L'importance de Diaspora Ono dans le Street Pop Art Diaspora Ono est une œuvre majeure du mouvement Street Pop Art, car elle met en lumière le rôle de l'art urbain face aux enjeux mondiaux et culturels. Par son abstraction et ses couleurs vibrantes, la peinture capture la fluidité et la complexité de l'identité dans un monde façonné par les migrations. Elle reflète le lien profond d'Askew One avec son héritage du Pacifique tout en s'inscrivant dans des débats plus larges sur les échanges et les transformations culturelles. Cette œuvre originale, qui fait partie d'une série marquante créée à un moment charnière de la carrière d'Askew One, témoigne de la polyvalence de l'artiste et de sa volonté de repousser les limites du graffiti et du Street Pop Art. Diaspora Ono est non seulement une célébration visuelle du mouvement et de l'identité, mais aussi un puissant rappel de l'interconnexion des personnes et des lieux. Elle demeure une pièce incontournable pour les collectionneurs et les amateurs d'art urbain contemporain.

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Swamp 13 HPM Peinture acrylique Sérigraphie par Maya Hayuk Impression 4 couleurs sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. 2013, peinture acrylique HPM, signée et numérotée, édition limitée à 40 exemplaires, embellie. Dimensions : 14,96 x 21,65 pouces. Swamp 13 de Maya Hayuk – Sérigraphie à la peinture acrylique HPM, style street art pop et graffiti. Swamp 13 est une œuvre multiple vibrante et immersive de 2013, peinte à la main par Maya Hayuk. Réalisée à l'acrylique et à la sérigraphie sur papier d'art, elle est éditée à 40 exemplaires. Mesurant 38 x 55 cm, cette œuvre fusionne la couleur, la texture et la géométrie, caractéristiques de l'artiste, pour créer une expérience visuelle riche et complexe. Chaque estampe a été rehaussée à la main, garantissant ainsi son caractère unique. Avec sa fusion de dégradés néon, de formes noires épaisses et d'éclaboussures picturales, Swamp 13 illustre parfaitement la capacité de Hayuk à allier symétrie maîtrisée et liberté gestuelle. L'œuvre devient une méditation psychédélique sur la couleur, l'espace et la forme – résolument abstraite, mais aussi profondément émotionnelle et précise. La couleur comme énergie psychédélique et signal urbain Dans Swamp 13, l'utilisation de la couleur par Maya Hayuk n'est pas purement décorative : elle agit comme une force énergique. Des éclats de rose fluo, d'orange éclatant, de bleu électrique et de vert acide jaillissent de formes noires épaisses, créant une tension subtile entre saturation et structure. Ces choix chromatiques font référence à la signalisation routière, à la culture rave, aux broderies folkloriques traditionnelles et à l'expressionnisme à la bombe. La palette fluorescente n'est pas un clin d'œil aux tendances, mais une affirmation délibérée de l'hypervisibilité : une volonté de susciter joie, urgence et une vibration spirituelle par le biais du pigment. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, cette stratégie visuelle fonctionne comme un son : elle vibre à travers la surface et le temps, invitant les spectateurs à ressentir autant qu'ils voient. Multiples peints à la main : fusion du contrôle et du chaos Chaque exemplaire de Swamp 13 a été rehaussé à la main par Maya Hayuk, qui a ajouté des couches de peinture acrylique à la base sérigraphiée en quadrichromie. Cet hybride de répétition mécanique et d'originalité picturale reflète la tension entre reproductibilité et individualité qui caractérise à la fois le pop art et le graffiti. Les éléments sérigraphiés forment une grille structurelle, ancrant l'œuvre dans des silhouettes géométriques audacieuses. Les superpositions acryliques débordent de ces lignes : coulures, éclaboussures et gestes reflètent le processus intuitif et rituel au cœur du travail mural de Hayuk. Le résultat final est une œuvre qui porte le poids du processus, et pas seulement de l'image. Chaque estampe est animée d'un mouvement, évoluant de l'uniformité à la présence grâce à une construction par étapes. La symétrie caractéristique et le respect de la rue de Maya Hayuk Swamp 13 n'est pas qu'une simple œuvre d'art : c'est le reflet de la philosophie de Maya Hayuk. Sa conviction que l'équilibre visuel peut être une force apaisante, que l'abstraction peut véhiculer un récit et que la couleur peut transcender les genres transparaît profondément dans cette composition. Bien que n'étant pas ancrée dans le lettrage graffiti traditionnel, Swamp 13 s'inscrit pleinement dans le Street Pop Art et le graffiti par sa méthodologie, son attitude et son audace. Elle fait écho au chaos stratifié des murs de la ville, à la répétition méditative des motifs folkloriques et à la résonance émotionnelle des aplats de couleur pure. Hayuk ne cherche pas à imiter le graffiti ; elle s'inspire de son ADN, traduisant son énergie en symphonies chromatiques structurées d'une puissance vibrante. Swamp 13 est une œuvre vibrante et intrépide d'une artiste qui continue de redéfinir les possibilités de l'expression contemporaine puisant ses racines dans la rue.

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Tirage d'art en édition limitée, pigment d'archivage, représentant l'ours Rihanna de l'année, réalisé par l'artiste King Saladeen, légende du street art pop et du graffiti. 2021 Signé - Titre : Rihanna Bear Of The Year Look - Dimensions : 56 x 71 cm - Édition limitée à 250 exemplaires, signés et numérotés par King Saladeen

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Cadre mural - Sculpture en bombe de peinture blanche, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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La Signora Capo HPM Édition Limitée Sérigraphie HPM Embellie à la Main sur Papier Beaux-Arts Bordé à la Main par Dain Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Édition signée de 28 exemplaires (2022) - 61 x 91 cm - Chaque exemplaire est une sérigraphie monochrome sur papier beaux-arts à bords frangés de 61 x 91 cm. Entièrement rehaussées à la main par l'artiste, ces estampes sont uniques. Tirées à seulement 28 exemplaires, elles sont extrêmement rares. Figure parmi les artistes de rue les plus influents de New York, DAIN mêle le langage visuel du graffiti à des collages de portraits anciens de stars hollywoodiennes. Naviguant entre les genres et travaillant souvent sur une même œuvre entre la rue et l'atelier, DAIN combine le collage d'affiches, la sérigraphie, la peinture aérosol, le collage et l'acrylique.

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Flèches embellies inconnues 2015 Édition limitée Impression sérigraphique HPM embellie à la main, peinture, peinture en aérosol, pochoir sur papier beaux-arts par Tavar Zawacki - Artiste de rue graffiti ci-dessus Art pop moderne. Je ne me souviens plus du nom de cette œuvre, si vous le connaissez, merci de me contacter.

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I See Static Blue AP Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Couleur tirée à la main sur papier d'art crème moucheté Édition limitée Œuvre d'art Obey Pop Culture Épreuve d'artiste. Épreuve d'artiste (AP) 2016 signée par Shepard Fairey - OBEY et marquée AP. Édition limitée. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. « Statique, c'est tout ce que je vois. Augmentez la paix. » Je vois du bleu statique AP par Shepard Fairey L'épreuve d'artiste sérigraphique « I See Static Blue » (2016) de Shepard Fairey illustre la tension entre distorsion et perception dans l'art urbain, le pop art et le graffiti contemporains. Réalisée avec une précision magistrale sur papier d'art Speckletone couleur crème, signée et marquée AP par l'artiste, cette sérigraphie artisanale de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) instaure un dialogue visuel énigmatique entre l'influence des médias et la quête de paix. L'utilisation par Fairey d'une géométrie rigoureuse, de motifs d'interférence verticaux et de superpositions symboliques invite le spectateur à une confrontation hypnotique avec le bruit sensoriel et la propagande. Langage visuel ancré dans le pouvoir et la critique des médias Dans « I See Static Blue », le lexique visuel de Fairey fusionne perturbation optique et clarté idéologique. Le texte « Static Is All That I See » apparaît incrusté dans un champ de lignes bleues rayonnantes, imitant visuellement les parasites d'un téléviseur analogique et évoquant métaphoriquement le brouillard mental engendré par le flux incessant de messages et la surveillance. Des visages, fragmentés par des lignes de distorsion, bordent l'axe central, suggérant la fragmentation de l'identité à l'ère de l'information. En dessous, un œil omniscient plane, orné d'un crâne en son centre, soulignant les thèmes du contrôle, de la mortalité et du regard omniprésent de l'autorité médiatique. L'œuvre met en lumière la saturation d'images qui, à la fois, anesthésient et captivent l'attention, offrant un commentaire sur la surcharge cognitive et l'endoctrinement idéologique. Art urbain pop et graffiti comme message et médium L'œuvre de Fairey se situe au carrefour de la rébellion et du raffinement, où l'esthétique urbaine est sublimée par une rigueur graphique. « I See Static Blue » puise son inspiration dans les fréquences visuelles de l'ère psychédélique et les fusionne avec la rigidité structurelle de l'art de propagande. Shepard Fairey, né aux États-Unis en 1970, demeure l'une des figures les plus engagées politiquement du street art et du graffiti. Il utilise la répétition, des palettes de couleurs restreintes et des symboles iconographiques pour déconstruire les discours des entreprises et des gouvernements. La présence du mot « Obey » sous l'œil rappelle sa campagne de subversion originelle, transformant la publicité en art et l'instruction en satire. Le message visuel n'est jamais passif : il interpelle. Couleur, symbolisme et format d'épreuve d'artiste Réalisée dans des tons froids de bleu cobalt, de pourpre sourd et de crème, cette estampe dégage une gravité psychologique plus intense que nombre d'œuvres politiquement engagées de Fairey. La symétrie et l'équilibre suggèrent une dualité, mais l'effet visuel saisissant du dessin désoriente et interpelle. Cette édition d'artiste (EA) revêt une valeur supplémentaire, non seulement en tant qu'œuvre de Shepard Fairey, mais aussi en tant que variante limitée, méticuleusement signée et marquée à la main. L'alliance de lignes acérées et d'une complexité symbolique confère à l'œuvre une dimension à la fois esthétique et intellectuelle, témoignant de la pertinence constante de Fairey qui utilise la structure visuelle du street art et du graffiti pour exprimer sa réflexion et résister.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Mon Cœur et mon Âme, une peinture acrylique originale de Raid71, une œuvre d'art sur toile réalisée par un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée de 2023, format 24x48 , représentant Mickey Mouse stylisé avec des tatouages ​​Disney et Star Wars sur toute la surface. La tapisserie culturelle de l'art original de Raid71 Raid71, reconnu pour son style visuel saisissant et imaginatif, affirme sa présence avec « My Heart and Soul ». Le format de la toile, 61 x 122 cm, offre à l'artiste un vaste espace pour explorer la profondeur et la complexité de la transformation du personnage. L'utilisation de l'acrylique permet à Raid71 de superposer et de texturer l'œuvre, lui conférant une dimension qui donne vie aux tatouages. Ces derniers sont bien plus que de simples ornements ; ils racontent des histoires imbriquées, faisant référence aux univers riches de Disney et de Star Wars, qui ont profondément marqué la culture populaire. Dans cette peinture, l'artiste explore les notions d'identité et d'héritage : comment les personnages et les histoires de notre enfance restent ancrés en nous, à l'instar d'une encre indélébile sur la peau. La juxtaposition d'un personnage traditionnellement sage orné de tatouages ​​généralement associés à un mode de vie alternatif interroge la perception du spectateur et l'invite à établir des liens avec l'image. Le street art et le graffiti ont toujours été un moyen pour les artistes de fusionner des éléments emblématiques de la culture populaire avec l'énergie brute et intense de la rue. « My Heart and Soul », une peinture acrylique originale de Raid71, illustre cette synthèse en réinterprétant Mickey Mouse, personnage universellement apprécié, à travers une mosaïque de tatouages ​​inspirés de Disney et de Star Wars. Cette œuvre originale, signée par l'artiste et datée de 2023, témoigne de la manière dont le street art et l'iconographie de la pop culture peuvent se rencontrer de façon aussi vibrante qu'inattendue. Importance de l'acrylique dans le street art pop et le graffiti La peinture acrylique est un médium particulièrement adapté aux besoins expressifs du street art et du graffiti. Sa polyvalence et son séchage rapide permettent à des artistes comme Raid71 de travailler spontanément, une approche souvent essentielle dans le milieu du street art. L'acrylique offre également la durabilité nécessaire aux œuvres destinées à des environnements variés, des galeries aux collections privées. Dans « My Heart and Soul », Raid71 utilise l'acrylique pour créer des textures et des superpositions qui imitent l'aspect et le toucher des tatouages ​​sur la peau, une prouesse qui exige à la fois talent et une connaissance intime du médium. Il en résulte une œuvre qui s'impose non seulement comme une peinture, mais aussi comme l'incarnation de la maîtrise technique et de la vision créative de l'artiste. La place de Raid71 au panthéon du street art pop et du graffiti Des artistes comme Raid71 redéfinissent le paysage du street art et du graffiti, prouvant que ce genre ne se limite pas aux fresques murales ou aux œuvres éphémères. En transposant l'esprit du street art sur la toile, ils créent des œuvres qui s'intègrent à un contexte artistique plus traditionnel, tout en conservant la dimension subversive et l'immédiateté propres à cet art. « My Heart and Soul » témoigne de cette évolution, démontrant comment le street art peut être à la fois accessible et sophistiqué. Cette peinture affirme que des personnages comme Mickey Mouse, que certains pourraient considérer comme de simples divertissements pour enfants, recèlent une signification plus profonde et peuvent devenir de puissants symboles lorsqu'ils sont réinterprétés à travers le prisme du street art. Valeur de collection et attrait durable des œuvres originales Les œuvres originales de street art et de graffiti occupent une place de choix dans le cœur des collectionneurs. « My Heart and Soul », pièce unique, possède une valeur intrinsèque qui dépasse son attrait visuel. La signature de l'artiste renforce son authenticité et crée un lien direct entre l'artiste et le collectionneur. Collectionneurs et amateurs sont attirés par l'originalité et la touche personnelle de ces œuvres. Dans un monde où les reproductions et les estampes abondent, une œuvre originale est une création singulière qui capture un moment du parcours artistique de l'artiste. La peinture de Raid71, avec ses détails minutieux et ses références culturelles, n'est pas seulement une œuvre d'art ; c'est un morceau d'histoire, un instantané de la convergence actuelle entre culture pop et street art. En résumé, « My Heart and Soul » de Raid71 célèbre le street art et le graffiti, un genre qui repousse sans cesse les limites et remet en question notre perception de l'art et de la culture. À travers la peinture acrylique sur toile, Raid71 nous invite à réfléchir à nos liens avec les icônes de notre enfance et les récits qui façonnent notre monde. Cette œuvre est une représentation audacieuse du potentiel créatif à la croisée du street art et de la culture pop, un potentiel que Raid71 exploite avec talent et vision.

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Sérigraphie Florence Aubenas par Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat Tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure Édition limitée Œuvre d'art pop et de rue. 2008. Signée par Shepard Fairey et Blek le Rat. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Shepard Fairey x Blek le Rat Florence Aubenas Sérigraphie 2008 La sérigraphie Florence Aubenas de 2008 est le fruit d'une collaboration exceptionnelle entre l'artiste de rue américain Shepard Fairey, alias OBEY, et le pionnier français du pochoir, Blek le Rat. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie artisanale a été produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés. Chaque exemplaire porte la signature des deux artistes, témoignant ainsi de son importance en tant que dialogue intergénérationnel au sein du Street Pop Art et du graffiti. Le sujet, la journaliste française Florence Aubenas, a été enlevée et retenue en otage en Irak en 2005, faisant de cette œuvre un puissant symbole de résilience et du rôle de l'art dans la mise en lumière des enjeux liés aux droits humains. Imagerie et symbolisme Cette estampe fusionne le style graphique et engagé de Shepard Fairey avec la technique classique du pochoir de Blek le Rat. Sur fond de place Saint-Michel à Paris, l'œuvre intègre photographie et pochoir pour créer une composition urbaine riche et nuancée. Aubenas y est représentée debout, sereine, sa silhouette se détachant en un pochoir noir intense sur le mur de pierre, évoquant les interventions de Blek le Rat dans l'espace public. Ce contraste avec la précision du décor urbain capturée par la sérigraphie de Fairey crée une tension entre la permanence de l'architecture historique et l'urgence des luttes politiques contemporaines. Le placement de la figure sous le panneau de signalisation ancre l'œuvre dans le contexte parisien, tout en symbolisant la portée universelle de son histoire. Collaboration entre icônes Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est considéré comme l'un des fondateurs du graffiti au pochoir, ayant influencé des générations d'artistes de rue à travers le monde, dont Banksy. Shepard Fairey, né à Charleston, en Caroline du Sud, en 1970, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à des œuvres engagées, comme l'affiche « Hope » de Barack Obama. Leur collaboration sur « Florence Aubenas » a réuni deux approches distinctes mais complémentaires : l'engagement de Blek envers la puissance de l'image directe au pochoir dans l'espace public et l'activisme de Fairey, guidé par le graphisme. Il en résulte une œuvre qui résonne à la fois comme un manifeste politique et comme un jalon dans l'histoire du street art. Résonance politique et héritage artistique Cette sérigraphie souligne comment l'art peut devenir un outil de sensibilisation et d'engagement. En immortalisant Florence Aubenas dans leur langage visuel, Fairey et Blek le Rat mettent en lumière les risques encourus par les journalistes travaillant dans les zones de conflit et l'importance de la liberté d'expression. Tirée en édition limitée, signée par les deux artistes et riche de sa thématique, cette sérigraphie de Florence Aubenas est considérée comme une pièce de collection majeure, non seulement pour les admirateurs de Shepard Fairey et Blek le Rat, mais aussi pour tous ceux qui reconnaissent l'importance d'un art socialement engagé. Elle demeure un exemple frappant de la manière dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour aborder des réalités politiques urgentes.

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Gravity of Youth, sérigraphie de Lee Eelus, imprimée à la main en 18 couleurs sur papier d'art satiné 410 g/m², édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2023 (nombre d'exemplaires à déterminer) - Sérigraphie de 20,87 x 29,53 cm Le génie artistique de « La gravité de la jeunesse » de Lee Eelus « Gravity of Youth » de Lee Eelus témoigne de la remarquable synergie entre les techniques de sérigraphie et le street art pop. Cette sérigraphie artisanale en 18 couleurs, imprimée sur un papier d'art satiné 410 g/m², est une œuvre d'art en édition limitée, soulignant le savoir-faire méticuleux et la palette vibrante caractéristiques du travail d'Eelus. Mesurant 53 x 75 cm, cette pièce, signée et numérotée par l'artiste, est une édition de 2023, ce qui renforce son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Maîtrise technique et attrait esthétique La complexité technique de « Gravity of Youth » est remarquable : ses 18 couleurs distinctes exigent précision et savoir-faire pour obtenir l’effet désiré. La superposition des couleurs en sérigraphie est un processus minutieux qui requiert une grande expertise, ce qui transparaît dans l’exécution impeccable de cette œuvre. Le choix du papier beaux-arts satiné comme support accentue encore l’éclat des couleurs, conférant à l’œuvre un lustre luxueux qui captive le regard et invite à une observation plus attentive. Composition visuelle et symbolisme Visuellement, « Gravity of Youth » capture l’essence du pop art par son utilisation audacieuse de la couleur et des éléments graphiques, tout en intégrant la spontanéité et la liberté propres au street art. L’image présente une figure assise devant un fond d’arches multicolores qui convergent vers un espace sombre et étoilé, suggérant une contemplation du cosmos et de notre place en son sein. Cette juxtaposition du vif et du vide crée un récit saisissant sur la jeunesse et ses interrogations sur l’infini. Pertinence et impact culturels Dans le contexte culturel, l'œuvre d'Eelus s'inscrit dans l'esprit du street art et du graffiti, mouvements qui ont historiquement donné voix aux expériences urbaines et aux perspectives de la jeunesse. « Gravity of Youth », avec sa composition dynamique et son thème introspectif, fait écho à ces sentiments, offrant un commentaire visuel sur l'importance de la jeunesse et de la vitalité dans un monde riche et profond. La signification de « la gravité de la jeunesse » Au panthéon du street art contemporain, « Gravity of Youth » s'impose comme une œuvre majeure, incarnant l'essence même du genre et révélant le talent de Lee Eelus en tant que graveur et artiste. Cette sérigraphie en édition limitée marque non seulement un tournant dans la carrière d'Eelus, mais constitue également un exemple inspirant du potentiel du street art et du graffiti à transcender les frontières traditionnelles et à toucher un public plus large et plus profond.

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Attrape-rêves - Sérigraphie en édition limitée 17 couleurs sur papier satiné Somerset 410 g/m² par Lee Eelus, artiste de street pop art. Œuvre d'art signée en édition limitée 2022, format 27,55 x 27,55

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Diffuseur Vénus, sculpture en plâtre blanc de Takeru Amano, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Édition limitée 2021 à 500 exemplaires. Sculpture/statue. Dimensions : 3 x 7 x 2 pouces. Diffuseur Venus de Takeru Amano – Minimalisme sculptural dans l'art urbain pop et graffiti La sculpture en plâtre blanc « Vénus Diffuseur » de l'artiste japonais Takeru Amano, éditée à 500 exemplaires en 2021, fusionne l'iconographie classique et le minimalisme épuré du street art et du graffiti contemporains. Mesurant 7,6 x 17,8 x 5,1 cm, cette sculpture de petit format est réalisée en plâtre blanc mat et présente la silhouette féminine stylisée emblématique d'Amano, enchâssée dans un bloc angulaire. La figure s'inspire des représentations classiques de Vénus, déesse de l'amour et de la beauté, mais est réinterprétée à travers le prisme de la simplification et du raffinement culturel propres à Amano. Les traits simplifiés du visage, la chevelure fluide et les courbes douces sont enveloppés d'un motif de pierre irrégulière évoquant l'émergence, la tension et la transformation. À la fois sculpture et diffuseur de parfum, elle unit la sensualité de la matière à l'atmosphère invisible qu'elle diffuse. Takeru Amano et la transformation de Vénus dans l'esthétique contemporaine Né à Tokyo en 1977, Takeru Amano est reconnu pour son art de fusionner l'élégance sobre de la tradition japonaise avec le langage graphique audacieux de la culture pop contemporaine. Sa réinterprétation de Vénus s'attache moins à la mythologie qu'à l'iconographie : dépouillée de toute narration explicite, elle n'en est pas moins riche de sens. Le Diffuseur Vénus revisite la sculpture classique à travers un prisme respectueux de la symétrie et de la sérénité, tout en privilégiant l'abstraction et la neutralité émotionnelle. À l'opposé des gestes expressifs des représentations historiques, la Vénus d'Amano est calme, introspective et silencieuse. Cette retenue inscrit l'œuvre dans le nouveau contexte du Street Pop Art et du Graffiti, où les objets ne sont plus seulement décoratifs ou monumentaux, mais porteurs de sens, contextuels et d'une exécution minimaliste. Matière, forme et intimité de l'échelle Façonné en plâtre blanc, le diffuseur Venus arbore une surface mate qui sublime sa pureté tactile et visuelle. Ce matériau reflète le goût d'Amano pour une absence totale d'interférences chromatiques, laissant ainsi la forme elle-même dominer le regard. Les dimensions modestes de la sculpture renforcent son impact : elle n'est pas conçue pour intimider, mais pour inviter à la proximité et à la contemplation. La rupture visuelle créée par la géométrie irrégulière de la base et des côtés contraste avec les courbes fluides de la figure, suggérant une métaphore de la beauté révélée par la contrainte. Signée et produite en édition limitée à 500 exemplaires, cette pièce de collection fait le lien entre sculpture et intimité domestique, illustrant comment le street art et le graffiti s'affranchissent désormais des murs et des toiles pour investir nos espaces de vie. Sculpture pop urbaine en tant qu'objet et aura Le diffuseur Venus est à la fois esthétique et fonctionnel, conçu pour contenir et diffuser un parfum dans le cadre d'une collaboration avec le projet Either Scent of Art. Cette fusion entre art et utilité confirme l'évolution du Street Pop Art et du graffiti vers une expérience sensorielle unique. En transformant Vénus en un objet multidimensionnel – à la fois déesse, design et élément d'ambiance –, Amano démontre comment le pop art a transcendé la simple reproduction pour atteindre des formes évoquant la permanence, le rituel et la contemplation. Son emballage signature et griffé élève l'œuvre au rang d'objet de collection d'art contemporain, tout en préservant son accessibilité symbolique et sa taille idéale. Le diffuseur Venus de Takeru Amano incarne l'élégance moderne à l'état pur, où mythologie, sculpture et parfum convergent en un objet à la fois poétique et précis.

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SSUR Varsity 400% BE@RBRICK Figurine d'art en vinyle édition limitée, objet de collection urbain par SSUR Ruslan Karablin La marque russe Karablin, SSUR, se réinvente avec un Bearbrick géant à l'échelle 400 %. Ce Bearbrick arbore des imprimés SSUR sur le devant, le dos et les manches, rappelant l'emblématique veste universitaire SSUR NY Dog. Il mesure 28 cm de haut.

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Fragment n° 2 What The Hell Peinture originale technique mixte de Ryan Thomas Monahan Œuvre unique sur panneau de bois fixé au cadre Art urbain 3D Artiste pop. Peinture originale signée, réalisée en 2022, représentant une bouche d'égout à New York (technique mixte 3D superposée). Dimensions : 11,25 x 9,25 pouces (encadrée). Fragment n° 2 : « What The Hell » de Ryan Thomas Monahan – La mémoire urbaine comme sculpture dans l’art de rue, le pop art et le graffiti Fragment n° 2 : « What The Hell » est une œuvre originale de 2022, réalisée en techniques mixtes par l'artiste américain Ryan Thomas Monahan. Créée sur un panneau de bois et présentée encadrée au format 28,6 x 23,5 cm, cette pièce unique capture une vue hyperréaliste de New York au niveau de la rue. On y retrouve une plaque d'égout sculptée, des débris alimentaires, des panneaux de signalisation déchirés et un emballage de repas à emporter écrasé, rendus avec une minutie extrême. Fragment physique de cette rue imaginaire, elle constitue un paysage émotionnel figé dans le temps. Les textures sont superposées par des techniques de modelage 3D et de sculpture, formant un diorama tactile d'une scène de trottoir oubliée. Signée par l'artiste, cette œuvre s'inscrit dans la démarche plus large de Monahan, qui consiste à construire des micro-environnements interrogeant la société de consommation, l'éphémère et le langage de la dégradation urbaine. Réalisme miniature et débris émotionnels L'art de Ryan Thomas Monahan puise sa source dans le souvenir – à travers les objets, les déchets, les surfaces que la plupart des gens négligent. Dans Fragment #2 : What The Hell, Monahan construit un récit par le biais de la disposition, de l'imperfection et d'un réalisme méticuleux. La plaque d'égout partiellement visible, gravée de MADE IN NYC, ancre l'œuvre dans une géographie spécifique tout en permettant au spectateur de se connecter à une scène de rue universelle. Des vestiges épars, comme la boîte de plats chinois à emporter et l'étiquette WET FLOOR déchirée, ajoutent à la fois de l'humour et de la rudesse, évoquant un espace qui semble habité, foulé aux pieds et négligé. Ces éléments ne sont pas simplement décoratifs ; ils fonctionnent comme des repères émotionnels, ancrant l'œuvre dans la mémoire et l'identité. Le titre de l'œuvre reflète la confusion et le désordre qui caractérisent l'espace public, suggérant un moment de désarroi ou d'absurdité inhérent au quotidien. Construction, texture et intimité dimensionnelle Cette œuvre se déploie en trois dimensions. Réalisée sur un panneau de bois à partir de matériaux mixtes, elle intègre des textures réalistes évoquant l'asphalte, le métal, le carton et la saleté. Les éléments 3D, subtils et discrets, suggèrent la profondeur tout en préservant l'illusion d'une surface plane vue de loin. Ce jeu d'optique, signature de Monahan, invite le spectateur à une interaction physique et mentale avec l'échelle et la structure de l'œuvre. Encadrée de noir, elle est exposée avec la solennité des beaux-arts, tout en conservant dans les moindres détails son ancrage dans le réel. Les matériaux sont superposés, collés et manipulés pour brouiller la frontière entre sculpture et peinture, entre mémoire et documentation. Ryan Thomas Monahan et la poétique matérielle de la ville Dans l'univers du street art et du graffiti, Ryan Thomas Monahan occupe une place à part. Son œuvre ne s'impose ni par la couleur ni par l'ampleur, mais murmure plutôt par le détail, la dégradation et la résonance. Fragment #2 : What The Hell n'est pas un monument, mais un souvenir – une tranche de réalité oubliée, soudainement mise en lumière. Elle reflète les vestiges de la culture, la poésie des déchets et la persistance du lieu. Monahan rappelle aux spectateurs que la beauté se cache dans les plus infimes fragments et que les histoires de la rue ne s'écrivent pas seulement dans les fresques et les tags, mais aussi dans les miettes, les taches et les panneaux qui jalonnent chaque coin de rue. Cette œuvre n'est pas seulement une création artistique – c'est une sculpture d'expérience vécue, préservée à échelle humaine pour ceux qui acceptent de baisser les yeux et d'y prêter attention.

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Arches Original One of a Kind Mixed-Tech Mixed Paint Painting Artwork on Canvas by Popular Street Graffiti Artist Sechor. 2021 Œuvre signée, technique mixte, sur toile non tendue de 18 x 24 pouces

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Frank Sinatra 1998 à l'Université Hofstra. Affiche de concert en édition limitée, signée à la main par l'artiste, imprimée sur papier d'art par LeRoy Neiman. Frank Sinatra à Hofstra en 1998. Affiche signée par Leroy Neiman. Description : Artiste : LeRoy Neiman, américain (1921-2012) Titre : Frank Sinatra - La Conférence Année : 1998 Support : Affiche, signée à l'encre Dimensions de l'image : 79 x 50 cm Dimensions du cadre : 114 x 85 cm Notes : Pop Art, Art musical, Nom de l'artiste : LeRoy Neiman Support : Affiche, signée à l'encre Circa : 1998 Hempstead, New York

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Vierges - Sérigraphie artisanale en édition limitée bicolore blanche sur papier Coventry Rag par Cleon Peterson, artiste pop art célèbre et rare. Vierges (Blanc), 2017. Sérigraphie en couleurs sur papier Coventry Rag, 71,1 x 71,1 cm (feuille). Édition 131/175. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par l'artiste. L'esthétique des œuvres de Cleon Peterson puise son inspiration dans des influences variées, allant de la céramique grecque antique à la bande dessinée, ce qui se traduit par une monochrome et un symbolisme chromatique fort. Plus précisément, les figures s'alignent sur de multiples lignes droites, créant ainsi l'illusion d'une composition en plusieurs niveaux. La perspective et l'impression de profondeur sont présentes, mais modérées, dans l'art de Peterson et, à l'instar des vases grecs, l'arrière-plan est généralement laissé vide ou légèrement orné.

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Supergirl - No Trains Running, œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture acrylique en aérosol sur un panneau du métro de New York, par le célèbre artiste de graffiti de rue RD-357. Peinture de Supergirl, super-héroïne de DC Comics, sur un véritable panneau d'affichage du métro new-yorkais/manhattanais. Modifications de service prévues, circulation interrompue du 14 au 17 janvier 2011.

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A Bathing Ape 28e anniversaire 400% - Figurine de collection BE@RBRICK rose en édition limitée, par Bape - A Bathing Ape x Medicom #3 2021 Medicom x A Bathing Ape Bape Neuf en boîte

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Queen In Blood Diamonds, sérigraphie négative de Jamie Reid, tirée à la main sur papier d'art vélin, édition limitée. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 250 exemplaires. Sérigraphie 17 x 24,5 cm représentant Élisabeth II, reine d'Angleterre, dans un style démoniaque, avec l'inscription « God Save Great Britain ». Édition spéciale brocante. Reine des diamants de sang : Sérigraphie négative de Jamie Reid La sérigraphie « The Queen In Blood Diamonds » de Jamie Reid, réalisée en 2020, est une œuvre provocatrice et stimulante, véritable illustration du street art pop. Mesurant 43 x 62 cm, cette édition limitée présente une représentation audacieuse de la reine Elizabeth II, teintée de noirceur, sur laquelle est superposé le message « God Save Great Britain ». Reid, artiste britannique reconnu pour sa contribution au mouvement punk, notamment grâce à sa collaboration avec les Sex Pistols, poursuit avec cette estampe saisissante son approche rebelle et engagée. Tirée à 250 exemplaires signés et numérotés, cette pièce illustre parfaitement la fusion entre symboles iconiques et commentaire social, caractéristique du street art et du graffiti. La Reine et l'iconographie du pouvoir dans le pop art urbain Dans cette sérigraphie, Reid s'attaque à l'une des figures les plus emblématiques de l'histoire britannique moderne : la reine Élisabeth II. La reine symbolise depuis longtemps la puissance, l'empire et la tradition britanniques. Pourtant, la représentation qu'en fait Reid est loin d'être un portrait respectueux. Au contraire, le visage de la reine est rendu dans un style presque démoniaque et grotesque, les tons rouge foncé et noirs accentuant la dimension sinistre de l'œuvre. L'expression « diamants de sang » dans le titre évoque la controverse historique entourant l'implication de l'Empire britannique dans l'exploitation des ressources coloniales, souvent au prix de vies humaines. L'œuvre de Reid critique ici la complicité de la monarchie dans ces injustices. La phrase « God Save Great Britain » contraste fortement avec la révérence habituellement témoignée à la monarchie britannique. Elle évoque le slogan controversé « God Save the Queen », que Jamie Reid avait déjà détourné dans ses travaux antérieurs avec les Sex Pistols. L'utilisation de lettres découpées, à la manière de lettres de rançon, dans cette estampe crée une atmosphère de rupture, une technique courante dans le pop art urbain et le graffiti. Cette approche invite le spectateur à remettre en question les récits établis de l'identité nationale, du pouvoir et de la loyauté envers la couronne. Sérigraphie artisanale : un processus de rébellion Le processus de création de cette œuvre en édition limitée s'inscrit pleinement dans l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Chaque tirage de cette série est réalisé à la main sur papier vélin d'art, ce qui rend chaque exemplaire unique. Cette technique artisanale confère à l'œuvre une authenticité et une spontanéité remarquables. Dans un monde de plus en plus dominé par la production de masse, les tirages artisanaux préservent un sentiment d'individualité et de savoir-faire, à l'instar des fresques murales et des graffitis qui ornent les milieux urbains. L'expérience de Reid en graphisme et son engagement politique influencent les choix esthétiques de ce tirage. La sérigraphie permet d'obtenir des aplats de couleur vifs, caractéristiques du pop art. Parallèlement, la texture brute du tirage, avec son aspect vieilli, fait écho à la nature éphémère du graffiti. Les éclaboussures rouge foncé en arrière-plan évoquent le sang, renforçant ainsi le message d'exploitation et de violence impériales. Le contraste entre l'aspect lisse, presque brillant, du visage de la reine et l'arrière-plan chaotique et granuleux symbolise la disparité entre l'image soignée de la royauté et les dures réalités de l'histoire. Art urbain punk, pop et politique L'engagement de Jamie Reid dans le mouvement punk est essentiel pour comprendre la dimension politique et subversive de cette œuvre. À la fin des années 1970, ses créations pour les Sex Pistols, dont la pochette iconique de « God Save the Queen », utilisaient des techniques de collage, une typographie inspirée des demandes de rançon et des images détournées de symboles britanniques pour protester contre l'ordre établi. « The Queen In Blood Diamonds » s'inscrit dans cette tradition de subversion punk, où l'art devient une forme de résistance et de provocation. Cette estampe incarne également les caractéristiques du street art et du graffiti, notamment leur utilisation agressive de symboles publics et reconnaissables. Figure emblématique de l'establishment, la reine devient une cible de critiques. À l'instar du street art et du graffiti, qui réapproprient souvent l'espace public, cette estampe cherche à se réapproprier les symboles culturels pour questionner et démanteler le statu quo. L'utilisation de la reine par Reid invite ainsi les spectateurs à repenser leurs conceptions de l'autorité et de la tradition, tout comme les graffeurs contestent les espaces aseptisés des villes modernes. Le style démoniaque avec lequel Reid représente le visage de la reine s'inscrit dans la tradition de la satire grotesque de l'art britannique, qui remonte à des artistes comme William Hogarth. En déformant les traits de l'un des visages les plus reconnaissables au monde, Reid la transforme d'un symbole de stabilité et de continuité en un symbole de corruption et de violence conspirationniste. Les éclaboussures de rouge vif évoquent la violence du bain de sang, tandis que l'expression ricanante ajoute une dimension d'ironie troublante à l'œuvre. Édition limitée et importance de la sortie de 2020 Cette édition limitée à 250 exemplaires a été produite en 2020, année marquée par d'importants bouleversements sociaux et politiques à travers le monde. Dans le contexte de la pandémie mondiale, de la montée des manifestations contre le racisme systémique et de l'examen approfondi des injustices historiques, « Queen In Blood Diamonds » s'impose comme un puissant manifeste sur la nécessité d'affronter les vérités dérangeantes de l'histoire et du pouvoir. L'année 2020 a également vu la reprise des débats sur l'héritage du colonialisme, nombreux étant ceux qui réclament une plus grande responsabilisation et des réparations pour les crimes commis au nom de l'empire. La décision de Reid de produire cette œuvre en cette période de turbulences confère une urgence supplémentaire à son message. En publiant cette estampe en 2020, Reid s'assure que les thèmes de l'exploitation, du pouvoir et de la résistance restent plus que jamais d'actualité. Dans ce contexte, la reine n'est pas seulement une figure historique, mais aussi un symbole des structures d'autorité persistantes qui continuent de façonner notre monde actuel. Comme pour une grande partie du travail de Reid, cette œuvre n'est pas seulement une création artistique, mais un appel à l'action, une protestation visuelle qui interpelle le public. « Queen In Blood Diamonds » de Jamie Reid est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti. L'œuvre mêle l'iconique au grotesque, utilisant la figure de la reine Élisabeth II pour critiquer l'héritage de l'impérialisme britannique et les injustices qui en découlent encore aujourd'hui. Grâce à sa technique de sérigraphie artisanale, à l'audace de ses couleurs et à son imagerie engagée, cette estampe s'impose à la fois comme une œuvre d'art et un acte de résistance.

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Kikkosket Shoeuzi 75% Sculpture d'art Uzi en polystone moulée et peinte à la main, en édition limitée, œuvre de l'artiste Sket, célèbre pour ses peintures de rue pop et graffiti. Édition Kikkoman 2021 limitée à 200 exemplaires, format 75 % (7,5 pouces). Chaque sculpture Uzi est livrée en quatre parties (assemblage magnétique Shoeuzi Magnafix), avec boîte, socle et gants. Moulée et peinte à la main en résine de polystone. Neuve en boîte. L'artiste international SketOne collabore avec by j-ldn pour présenter le KIKKOSKET 75% Shoeuzi, un ensemble à la fois délicieux et complexe. Fabriqué artisanalement en polyrésine transparente teintée en brun pour imiter l'aspect d'un liquide, cet ensemble comprend également des baguettes et un support pour tapis à sushi.

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Def Syntax - Bleu Jaune I Sérigraphie en édition limitée, ornée à la main, sur papier beaux-arts, par l'artiste Defer. Œuvre d'art pop contemporaine. 2022 Signée et numérotée HPM Technique mixte embellie à la main Édition limitée de 1 Œuvre d'art Taille 22x30 Estampillée par BEYOND THE STREETS 1 sur 1. « Def Syntax rend hommage aux racines anciennes de la typographie et au caractère intemporel des styles manuscrits. » – DEFER « Def Syntax - Blue Yellow I » est un vibrant hommage à l'évolution et aux subtilités de la typographie, conçu avec art par le célèbre artiste Defer. Figure incontournable du pop art, du street art et du graffiti, Defer entremêle avec brio respect de l'histoire et esthétique contemporaine, créant une œuvre qui touche autant les amateurs d'art que les historiens. Dans cette sérigraphie en édition limitée, rehaussée à la main sur papier d'art, la symphonie de bleus et de jaunes se fond harmonieusement avec la myriade dynamique de caractères et de symboles. Chaque trait, chaque nuance, témoigne du profond respect de Defer pour les racines ancestrales de la typographie. Le fond immersif, d'apparence chaotique au premier abord, est méthodiquement juxtaposé à une représentation verte et audacieuse d'une créature évoquant les mythologies anciennes. Ce jeu intentionnel entre l'ancien et le nouveau, le chaos et la structure, témoigne de la profonde compréhension de l'équilibre dont l'artiste fait preuve. Datée de 2022, cette œuvre représente une incarnation unique du parcours artistique de Defer. Il s'agit d'une édition limitée, réalisée en techniques mixtes et rehaussée à la main. Attestation de son authenticité et de sa valeur, elle est minutieusement estampillée par BEYOND THE STREETS, témoignant de son expertise dans le domaine de l'art contemporain. Tirée d'un seul exemplaire, son exclusivité lui confère un attrait supplémentaire, en faisant une pièce convoitée par les collectionneurs. Comme l'artiste l'a déclaré lui-même : « Def Syntax rend hommage aux racines anciennes de la typographie et à la nature intemporelle des styles manuscrits. » Cette affirmation résume l'essence même de l'œuvre, faisant le lien entre savoir-faire traditionnel et interprétations modernes. Pour tout amateur de pop art, de street art ou de graffiti, « Def Syntax - Blue Yellow I » est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un témoignage de la vitalité de l'expression humaine.

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« My Mary », une sérigraphie en édition limitée bicolore tirée à la main sur papier beaux-arts, par Mark Dean Veca, artiste de street art rare et célèbre du pop art.

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Épreuves d'impression UltraS PP en édition limitée, tirages pigmentaires d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par David Molesky, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'imprimerie PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x20 « Ce tableau est le chef-d'œuvre de ma série inspirée des images médiatiques de la révolution de Kiev. C'est le plus grand des huit et celui auquel j'ai consacré le plus de temps. La figure capture l'énergie qui m'a d'abord attiré vers ce sujet. Les tableaux de cette série marquent une rupture avec mes précédentes œuvres figuratives. Ces dix dernières années, j'ai cherché à représenter le temps universel et à éviter les objets artificiels. J'ai abandonné ce dogme. J'aime le fait que le sujet soit actuel et contienne des éléments qui semblent appartenir à une autre époque. Par exemple, la doudoune vintage et la palette de couleurs évoquent un peu les vieux films. » – David Molesky. La convergence de la révolution et de l'art dans « UltraS » de David Molesky L'« Épreuve d'impression UltraS PP » de David Molesky se distingue comme une œuvre majeure qui capture l'essence du Street Pop Art et du graffiti, tout en s'ancrant profondément dans le contexte historique de la révolution de Kyiv. Tirage pigmentaire d'archive sur papier beaux-arts 310 g/m², cette pièce revêt une grande valeur, tant par la qualité de ses matériaux que par la profondeur de son contenu thématique. Ce tirage en édition limitée, marqué et signé par Molesky lui-même, mesure 61 x 51 cm, offrant un support de choix à la vision de l'artiste. Avec « UltraS », le parcours artistique de Molesky à travers la représentation universelle du temps et de l'espace prend un tournant décisif. L'œuvre abandonne son refus antérieur des éléments temporels et artificiels pour plonger au cœur de l'actualité, offrant un portrait brut et saisissant de l'esprit humain en temps de conflit. La série « UltraS », et plus particulièrement ce tirage, s'éloigne des peintures figuratives précédentes de Molesky, explorant un territoire plus dynamique et narratif. L'œuvre est une fusion du passé et du présent, un dialogue visuel entre l'histoire dont elle s'inspire et le médium contemporain de son expression. L'épreuve d'imprimerie, unique en son genre, est un précurseur du tirage final en édition limitée, portant l'empreinte et la signature de l'artiste. Les marques et la signature apposées sur chaque épreuve d'imprimerie confirment son authenticité et son exclusivité, en faisant une pièce de collection très prisée des amateurs de pop art moderne. Dans « UltraS », Molesky atteint un équilibre saisissant entre l'immobilité et le mouvement. L'image de la silhouette solitaire, se détachant sur un fond de chaos incandescent, capture un instant d'action intense et de profonde quiétude. Cette figure, vêtue d'une doudoune vintage, est un point d'ancrage anachronique, plongeant le spectateur dans un espace liminal où le temps converge. La palette de couleurs de l'épreuve, évoquant les teintes des vieux films, confère à la scène une dimension historique et une gravité particulières. L'évolution artistique de David Molesky à travers « UltraS » L'œuvre « UltraS » n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un document historique et un commentaire visuel, capturant l'enthousiasme et l'esprit de la rue. En adoptant des éléments du graffiti, Molesky insuffle à l'œuvre une authenticité et une force généralement réservées aux créations les plus marquantes du street art. L'inscription « UltraS » griffonnée sur le flanc du véhicule en flammes est un clin d'œil à la tradition du graffiti, une signature qui affirme à la fois sa présence et sa résistance. Cette épreuve d'artiste d'« UltraS » témoigne de la maturité artistique de Molesky. Elle illustre sa volonté de s'engager dans le présent, de le documenter et d'y réfléchir à travers son art. La série révèle une progression narrative claire dans son travail, embrassant l'époque actuelle avec toutes ses complexités et ses contradictions. L'impact d'« UltraS » réside dans sa capacité à transcender les frontières temporelles qui définissent souvent le street art. L'estampe de Molesky est à la fois un instantané d'un événement unique et une exploration plus large de la condition humaine face aux bouleversements de la société. Cette œuvre résonne avec l'urgence du présent tout en capturant les échos du passé. Pour le monde de l'art, « UltraS » représente une contribution majeure au discours du street art et du graffiti. Elle invite à la contemplation, parle à l'âme du spectateur et nous incite à réfléchir au rôle de l'art dans la construction de notre perception des événements historiques. « UltraS » de David Molesky n'est pas qu'une simple œuvre à contempler ; c'est une expérience à vivre, un dialogue à engager et une réflexion sur notre monde.

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Turk Street AP 01 Peinture originale à la bombe aérosol sur papier d'art Coventry Rag par Apexer, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Quand je peins dans la rue, j'aime m'amuser. J'expérimente sans cesse de nouvelles idées qui en engendrent d'autres. Pour cette toile, je voulais deux styles de remplissage radicalement différents. La partie supérieure est un remplissage classique, comme je l'ai fait, tandis que dans la partie inférieure, je joue avec différents effets chromés. C'était un plaisir de peindre en plein cœur de San Francisco. Cette œuvre fait partie intégrante de mon vocabulaire artistique. Celle-ci porte le nom d'Apex et je peignais dans le style Super Burner, mais je cherchais surtout à repousser les limites de la couleur et du style. » - Apexer

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Fusion psychédélique - 03 Peinture originale à la main, plusieurs techniques mixtes de peinture en aérosol et d'encre sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée par Tavar Zawacki (ci-dessus), artiste de rue graffiti, art pop moderne. La série Psychédélique a été créée en lien avec ma récente exposition solo Remix. Chaque pièce de cette série a été conçue en mettant l'accent sur un contraste visuel saisissant. Elle s'apparente à l'Op art (art optique), qui provoque un véritable trip visuel. Cet effet altère la perception, comme sous l'effet de drogues psychédéliques. Certains motifs Psychédéliques ont été présentés dans Remix, tandis que d'autres ont été créés spécifiquement pour cette série. Le motif « Sunset Strip », en particulier, a été réalisé avec plus de complexité pour mon exposition Remix. Cette exposition consistait à intervertir et à remplacer différents motifs découpés d'un même dessin, dans différentes couleurs, pour obtenir l'œuvre finale. La série Psychédélique produit un effet similaire, mais dans un style plus épuré, en bloquant les couleurs et en laissant apparaître l'espace négatif.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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