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Bollywood Sugar In Blue - Silver Limited Edition, sérigraphie artisanale sur nacre et impression pigmentaire d'archives sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Handiedan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L’œuvre originale, un collage sur porcelaine vintage intitulé « Bollywood Sugar in Blue », a été présentée dans le cadre de l’exposition collective « Ephemeral » du magazine Beautiful Bizarre, à la galerie Modern Eden de San Francisco en septembre 2018. La riche couleur indigo, entre le violet et le bleu. Le troisième œil. L’intuition. La connaissance spirituelle. La femme. L’épanouissement. La vie. La fleur de vie. L’entrelacement. L’énergie fluide. La Terre Mère. La particule. L’orbite. L’univers. La fractale. Un cercle d’énergie infini. Tout est énergie. » – Handiedan

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Peinture originale d'Homère, aquarelle à l'encre et au pastel sur papier aquarelle, par l'artiste Jon Burgerman, art pop moderne. Aquarelle originale signée de 2014, pièce unique, format 22,5 x 29,5 pouces. « Jon Burgerman crée des gribouillis néo-primitifs vibrants, mêlant formes et couleurs. Il a intégré ses personnages monstrueux dans des compositions où des formes caricaturales s'empilent les unes sur les autres, créant une masse d'énergie explosive. D'une productivité intense, il a propulsé l'obsession des personnages de la fin des années 90 vers une direction bien plus intéressante et percutante. Imaginez Walt Disney devant un monument inca sous l'influence de la mescaline. » – Francesca Gavin, rédactrice en chef de la section Arts visuels de Dazed & Confused et auteure de Street Renegades et 100 New Artists, publiés chez Laurence King.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Gold 100% & 400% Bape BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Collectable Art Figure par Bape - A Bathing Ape. 2022 A Bathing Ape BAPE x Hajime Sorayama Bearbrick de collection rare , neuf en boîte

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Together Brown Companion Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2018, format 6x10x5,5, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, Foot Brown Kaws Companion Friends Hugging par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Lorsqu'on aborde l'évolution du pop art et du street art, on ne peut ignorer l'apport majeur de Brian Donnelly, plus connu sous son pseudonyme de Kaws. Parmi ses nombreuses œuvres emblématiques, la figurine « Together Companion Art Toy » témoigne de sa maîtrise et de son style unique. Sortie en 2018 en édition limitée, cette sculpture en vinyle a rapidement été épuisée, s'imposant comme une pièce de collection très recherchée. Mesurant 15 x 25 x 14 cm, elle dégage une émotion palpable, représentant deux personnages Companion, créations emblématiques de l'artiste, enlacés tendrement. Leur étreinte, symbole d'amitié et d'unité, illustre avec force l'interconnexion souvent présente dans les communautés urbaines où le street art s'épanouit. Chaque détail de la sculpture, jusqu'au pied estampillé ou imprimé, souligne l'engagement de Kaws envers l'authenticité. Conservée dans sa boîte d'origine, cette œuvre d'art est bien plus qu'un simple jouet ; elle reflète la capacité du street art à capturer des émotions humaines brutes. Avec des œuvres comme le « Together Companion Art Toy », Kaws continue de rehausser le street art, garantissant ainsi qu'il demeure un aspect essentiel et respecté du discours artistique au sens large.

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Goonie 034 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale signée de 2013, pièce unique. Encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5 pouces (21,6 x 21,6 cm). Dimensions de l’image : 3 x 3 pouces (7,6 x 7,6 cm). Encadrement et passe-partout réalisés sur mesure par l’artiste. Naviguer entre le surréalisme et le pop art urbain dans Goonie 034 par Naoto Hattori L'œuvre « Goonie 034 » de Naoto Hattori s'impose comme une pièce majeure du street art et du graffiti, malgré ses racines ancrées dans la pratique plus traditionnelle de l'aquarelle. Créée en 2013, cette œuvre originale témoigne de la vision singulière de Hattori, qui brouille les frontières entre la précision de l'aquarelle et la nature souvent spontanée et expressive du street art. Encadrée sur mesure dans un cadre de 21,6 x 21,6 cm, elle présente une image de 7,6 x 7,6 cm dont la représentation surréaliste captive et invite à un dialogue avec l'art urbain sur le support des beaux-arts. Signée et unique en son genre, cette œuvre reflète l'engagement profond de l'artiste, du coup de pinceau au choix minutieux du cadre et du passe-partout. L'implication de Hattori à chaque étape du processus de création et de présentation s'inscrit dans la démarche des artistes de rue, qui suivent généralement leur art de sa conception à son exposition publique finale. Ce dévouement à l'art et au parcours de l'œuvre, de l'atelier au spectateur, s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti, où la patte de l'artiste est perceptible à chaque instant. Si « Goonie 034 » d'Hattori n'adopte pas explicitement le vocabulaire visuel du graffiti, l'œuvre dégage une aura rebelle comparable à la force visuelle de cet art. L'aquarelle, médium souvent perçu comme délicat et réservé aux beaux-arts, est ici poussée à de nouveaux sommets par Hattori, offrant une œuvre qui bouscule les attentes du spectateur et les normes artistiques traditionnelles. Cette subversion, élément central du street art et du pop art, fait de « Goonie 034 » un pont entre les disciplines et invite les amateurs d'art à explorer l'univers vibrant et brut de l'art urbain. L'influence de Naoto Hattori et son interaction avec les formes d'art urbain L'influence de Naoto Hattori sur la scène artistique dépasse largement son imagerie surréaliste. Son œuvre « Goonie 034 » est essentielle au débat sur les interactions entre les différentes formes d'art. Le petit format de cette aquarelle invite à un examen attentif, à l'instar des détails minutieux des pochoirs ou des messages cachés des fresques urbaines. Elle instaure un dialogue entre l'intime et l'immensité, le personnel et le public, une dynamique souvent explorée dans le street art et le graffiti. Le caractère énigmatique de l'œuvre d'Hattori incarne l'imprévisibilité et la richesse des significations propres au street art. Si son support est le papier et ses outils, les pinceaux et les pigments, le sentiment qu'elle transmet est aussi puissant et captivant que n'importe quelle œuvre ornant les murs des villes. « Goonie 034 » est un artefact culturel qui transcende l'espace conventionnel des galeries et résonne avec l'authenticité et le dynamisme du street art. L'exploration de « Goonie 034 » dans le contexte du street art, du pop art et du graffiti souligne la fluidité de l'art et sa capacité à investir de multiples espaces et à toucher des publics variés. L'œuvre d'Hattori nous rappelle les possibilités infinies qui s'offrent aux artistes lorsqu'ils puisent leur inspiration à diverses sources et brouillent les frontières entre les catégories artistiques établies. Elle témoigne de l'évolution constante du street art et du pop art, qui ne cessent de se redéfinir et de réaffirmer leur pertinence dans le paysage en perpétuelle mutation de l'art contemporain.

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« Publiez pas de factures » - Œuvre originale unique sans titre, réalisée à la peinture en aérosol et au pochoir sur toile tendue par un artiste populaire de street art et de culture pop, Seen UA. Peinture originale signée de 2018, format 18x24 Craquelures sur toute la surface. Toile non doublée.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Silver 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine d'Art de Collection Bape - A Bathing Ape. 2022 A Bathing Ape Bearbrick Rare à collectionner , neuf en boîte

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Coffret « The Beautiful Losers » (2004-2010) : Portfolio et catalogue, édition limitée. Ce coffret de collection présente des œuvres légendaires de street art réalisées par des dizaines d'artistes lors des expositions de 2004 à 2010. Véritable trésor pour les amateurs de street art et de pop art, il offre une collection complète qui capture l'esprit de l'exposition iconique « The Beautiful Losers ». Ce coffret en édition limitée témoigne de manière exceptionnelle d'un moment charnière de l'art contemporain et de la créativité brute de la scène street art entre 2004 et 2010. Chaque élément du coffret, numéroté, est en parfait état, garantissant sa valeur en tant qu'objet de collection et pièce d'histoire de l'art. Coffret original The Beautiful Losers Portfolio & Catalog 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Les coffrets « The Beautiful Losers » de Jonathan Levine Projects ( 2004-2010) ont été édités en édition limitée : le coffret Portfolio à moins de 30 exemplaires et le coffret Catalogue à 100 exemplaires. Chaque coffret est présenté dans un coffret en bois numéroté et imprimé sur mesure, apportant une touche de sophistication et de soin à la présentation de ces œuvres. Les dimensions de ces coffrets (66 x 48 x 23 cm) ont été soigneusement étudiées pour accueillir les œuvres de tailles variées et garantir ainsi leur intégrité. Iconoclast a publié ces coffrets à l’occasion de l’exposition itinérante « Beautiful Losers », qui s’est tenue de 2004 à 2010. Cette exposition, ainsi que « Transfer », présentée dans différents lieux entre 2008 et 2010, a mis en lumière le talent émergent et la diversité des expressions artistiques au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'exposition « Beautiful Losers » et ses publications, notamment l'ouvrage « Beautiful Losers : Contemporary Art And Street Culture » paru aux Éditions Iconoclast en 2005, ont joué un rôle déterminant dans la diffusion du dynamisme et de la pertinence du street art et du graffiti auprès d'un public plus large. Le coffret Portfolio, élément essentiel de ces coffrets, est un véritable trésor réunissant 28 des artistes de street art et de graffiti les plus influents. Cette collection comprend des estampes d'artistes renommés tels que KAWS et Shepard Fairey, chacun apportant sa vision et son style uniques. Chaque pièce de ce coffret fait écho aux thèmes et aux expressions artistiques de l'exposition « Beautiful Losers », soulignant ainsi l'importance de cette collection dans l'art contemporain. Le film « The Beautiful Losers » (2008) : À propos de l’exposition d’art Beautiful Losers est un documentaire de 2008 qui explore la vie et l'art d'un collectif d'artistes ayant joué un rôle essentiel dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti depuis les années 1990. Réalisé par Aaron Rose et coréalisé par Joshua Leonard, ce film est une production Sidetrack Films et BlackLake Productions, avec des artistes comme Harmony Korine et Steve « ESPO » Powers. Le film explore l'éthique du « faire soi-même » de ces artistes, dont le travail est imprégné de l'esthétique du skateboard, du graffiti et de genres musicaux underground tels que le punk rock et le hip-hop. Il retrace le parcours de ces artistes, de la culture de rue confidentielle à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art, en détaillant leurs sentiments et convictions personnels lors de leur transition de la création personnelle à la participation à des projets commerciaux d'envergure. Beautiful Losers est bien plus qu'un film ; Ce projet s'inscrit dans un phénomène culturel plus vaste, comprenant un livre d'art éponyme, édité par Christian Strike et Aaron Rose, et une exposition itinérante présentant les artistes et leurs œuvres. Cette exposition sert à la fois de toile de fond et de point central au documentaire, soulignant l'influence considérable de ces artistes et leur pertinence toujours actuelle dans le discours sur l'art contemporain. Sérigraphies, photos, dessins et objets d'art en édition limitée signés par l'artiste 2004-2010 Beautiful Losers, livre d'art contemporain et de culture urbaine, 2004 Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture, anthologie majeure publiée en 2004 par DAP/Iconoclast, est une exploration essentielle d'une sous-culture vibrante qui a transformé l'esthétique de la fin du XXe et du début du XXIe siècle. Cette première édition est un véritable joyau pour les collectionneurs, présentée dans une reliure cartonnée en bon état, sous étui. La couverture en toile rouge est ornée de lettres dorées en relief sur le plat et le dos, témoignant de la richesse des illustrations et des œuvres originales qu'elle renferme. Bien plus qu'un simple recueil, il s'agit d'un récit profond retraçant l'émergence organique et spontanée d'un mouvement culturel. L'ouvrage suit le parcours d'artistes américains, souvent à l'aube de leur vie adulte, animés non par les impératifs du marché, mais par une passion et une créativité pures. Sans formation académique ni connaissance du milieu, ils puisaient leur inspiration dans la rue, influencés par l'énergie brute du skateboard, du graffiti, de la mode urbaine et de la musique indépendante. Des noms comme Shepard Fairey, Mark Gonzales et Spike Jonze figurent parmi les nombreux artistes qui ont puisé dans leurs expériences personnelles pour nourrir leur art, apprenant par la pratique et révolutionnant leurs médiums. « Beautiful Losers » rend hommage à ces artistes et retrace leur histoire, reliant Jean-Michel Basquiat et Keith Haring à des figures plus récentes comme Ryan McGinniss et KAWS. L'ouvrage présente diverses expressions artistiques à travers différents médiums, ainsi que des reproductions de documents d'époque qui incarnent l'esprit de cette période. Il est enrichi par des essais d'auteurs qui ont soutenu avec ferveur ces artistes depuis leurs débuts. Bien plus qu'un simple livre d'art, c'est un témoignage précieux d'un mouvement qui a marqué durablement le monde de l'art, de la mode, de la musique, de la littérature, du cinéma et même du sport. Si l'esprit d'indépendance incarné par ces créateurs a évolué, leur essence même – un esprit de rébellion, d'innovation et d'authenticité – demeure intacte. Beautiful Losers est une célébration de cet esprit indomptable, une invitation à contempler la beauté brute, authentique et réelle. Kaws - Brian Donnelly : Salutations chaleureuses, impression typographique 2005, signée et numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. « Warm Regards », créée en 2005 par KAWS, est une œuvre d'art captivante réalisée en typographie sur papier, mesurant 51 x 41 cm. Cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par l'artiste. Publiée par Iconoclast Editions pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain et de la culture urbaine, cette œuvre met en scène un personnage emblématique du travail de KAWS, reconnaissable à ses yeux barrés et à ses mains et pieds aux proportions exagérées, évoquant un personnage de dessin animé. Cette estampe fait partie d'une série limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté individuellement par l'artiste. Cet ouvrage a été publié par Iconoclast Editions, probablement pour célébrer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Cette exposition, qui s'est tenue de 2004 à 2009, a été un événement majeur mettant en lumière la convergence entre l'art contemporain et la culture urbaine. L'œuvre de KAWS fait souvent le lien entre ces deux univers, alliant une formation en graphisme commercial à une esthétique sophistiquée digne des plus grandes galeries. Ses personnages, généralement issus de la culture populaire, sont représentés dans un style à la fois ludique et critique, reflétant souvent la société de consommation et les émotions humaines. Shepard Fairey - OBEY : Boîte à soupe I Sérigraphie 2005 Signée/Numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. Format : 40,6 x 50,8 cm. « Soup Can 1 » de Shepard Fairey, œuvre emblématique de 2005, est une sérigraphie magistrale sur papier d'archivage sans acide. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires, chacun portant la signature de l'artiste et le numéro d'édition. Iconoclast Editions a édité cette sérigraphie pour commémorer l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009) et célébrer la synergie entre la scène artistique underground et la culture dominante. L'estampe « Soup Can 1 » a figuré dans de nombreuses expositions prestigieuses, dont l'exposition itinérante « Beautiful Losers », « Transfer » à Santander Cultural à Porto Alegre (Brésil) et l'exposition rétrospective « Supply & Demand ». L'œuvre a également été présentée à l'exposition « Transfer », hébergée au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, au Brésil, en 2010. Le travail de Fairey durant cette période est documenté dans de nombreuses publications, notamment la collection « Beautiful Losers » (2005-2009), l'ouvrage « Supply & Demand » publié par Rizzoli en 2009 et l'édition 2010 de « Transfer ». Chacune de ces œuvres offre un éclairage sur le processus créatif de l'artiste et l'impact culturel de son travail. La provenance de « Soup Can 1 » est solidement ancrée dans les archives de Beautiful Losers, ce qui lui assure une place de choix dans l'histoire de la culture urbaine contemporaine et confirme son statut de pièce de collection. Shepard Fairey - OBEY : Sérigraphie sans titre d'Angela Davis, 2005, signée et numérotée Cette puissante sérigraphie de l'artiste influent Shepard Fairey enrichit de façon remarquable son œuvre prestigieuse. De format 20 x 25 cm, cette pièce sans titre fait partie d'une édition exclusive limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé, numéroté et signé par Fairey lui-même, ce qui garantit sa rareté et sa valeur de collection. Fairey, reconnu pour sa capacité à insuffler à l'art un commentaire social, présente un portrait saisissant sur un fond rouge vif qui captive le regard. La silhouette contrastée saisit la force et l'intensité de son sujet, immortalisant un instant d'expression passionnée. L'image, écho visuel du passé, aborde également les thèmes contemporains de l'émancipation et de la résistance. Dans le coin inférieur gauche, l'emblème de Fairey – l'étoile entourée du mot « OBEY » – ancre l'œuvre, l'inscrivant dans son œuvre plus vaste, connue pour inciter les spectateurs à questionner l'autorité et le paysage de la culture visuelle. Cette œuvre témoigne de la pertinence continue de Fairey dans le monde de l'art et de son engagement indéfectible à exprimer des idées à travers son art. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Fairey reconnaîtront le style emblématique de l'artiste, devenu synonyme du mouvement du street art moderne. Henry Chalfant : Lee, Futura, Dondi, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette œuvre captivante, créée par le talentueux Henry Chalfant, célèbre le mouvement du street art et immortalise le travail de trois légendes du graffiti : Lee, Futura et Dondi. Intitulée « Lee Futura Dondi », cette pièce de 2004 est une sérigraphie sur papier d'archivage sans acide, garantissant sa conservation et sa qualité pour les années à venir. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre est suffisamment imposante pour créer un impact visuel fort tout en s'adaptant à différents environnements d'exposition. Le triptyque présente trois rames de métro stylisées et dynamiques, chacune ornée du style distinctif des graffeurs cités. Le panneau supérieur, aux teintes roses et bleues énergiques, met en valeur le lettrage emblématique de Lee, tandis que le panneau central présente l'approche futuriste de Futura, avec des formes abstraites et une palette de tons froids. Le dernier panneau rend hommage au wildstyle classique de Dondi, avec un lettrage audacieux dans des nuances de rose qui tranche avec le fond. L'œuvre de Chalfant n'est pas une simple représentation statique ; Elle traduit le mouvement et le rythme de l'art du métro new-yorkais tel qu'il circulait autrefois dans les rues de la ville. Chaque exemplaire de cette série limitée est signé et numéroté par Chalfant, garantissant son authenticité et son lien avec l'artiste. Cette série a été publiée à l'occasion de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui a mis en lumière les intersections et les influences de l'art urbain au sein de l'art contemporain. Cette estampe est une pièce de collection, non seulement pour sa valeur esthétique et historique, mais aussi parce qu'elle représente l'évolution de l'art urbain, des métros et des murs de la ville jusqu'aux sommets de l'art contemporain. Geoff McFetridge : Kemistry Dessin original avec DVD d'animation 2004 Cette œuvre, créée par Geoff McFetridge, est l'un des 100 dessins originaux qui composent une séquence d'animation complexe. Réalisé avec précision au crayon sur papier Canson, chaque dessin mesure 22,86 x 30,45 centimètres, capturant l'esthétique minimaliste et la fluidité des lignes caractéristiques du travail de McFetridge. Cette œuvre met en scène une silhouette faisant du skateboard, rendue par un trait continu et fluide qui traduit le mouvement et une subtile fantaisie. Un second personnage, curieux, apparaît en retrait, ajoutant une dimension narrative à la composition. En plus de l'œuvre originale, les collectionneurs reçoivent un DVD contenant l'intégralité de la séquence d'animation, offrant un aperçu rare du processus créatif de McFetridge et de la progression de l'animation, des images fixes à une expérience visuelle dynamique. Chaque dessin est signé par l'artiste, une touche personnelle qui garantit son authenticité. Cette acquisition n'est pas seulement l'achat d'une œuvre d'art unique ; c'est une invitation à plonger dans l'univers visionnaire de McFetridge, où le graphisme rencontre la narration cinématographique. Cette combinaison unique de dessin traditionnel et d'animation numérique offre une appréciation multiforme de l'approche novatrice de l'artiste en matière d'art contemporain. Ed Templeton : Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers, photographie de 2004 signée Capturée par l'objectif avisé d'Ed Templeton, cette photographie est une pièce majeure de l'histoire de l'art contemporain, témoignant de l'essence même du mouvement artistique « Beautiful Losers ». L'image présente Chris Johanson, artiste emblématique de l'esprit DIY du street art, lors de la première exposition « Beautiful Losers » à Cincinnati, dans l'Ohio, en 2004. Il s'agit d'un tirage argentique saisissant d'Ed Templeton, représentant Chris Johanson lors de cette exposition inaugurale. La photographie, de format 20 x 25 cm, fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun signé individuellement par Templeton, garantissant son exclusivité et son authenticité. Prise en 2004, cette image est un témoignage intemporel de l'histoire de l'art, documentant un moment charnière dans la convergence de la culture urbaine et de l'art contemporain. Cette photographie est un témoignage visuel et une incarnation de l'esprit de l'exposition, célébrant la rencontre underground du skateboard, du graffiti et du street art avec l'art contemporain. La composition de la photo, spontanée et sans filtre, révèle Johanson, le visage dissimulé par un tissu blanc, une présence énigmatique qui attise la curiosité. Ce choix de présentation fait écho aux thèmes de l'anonymat et du mystère qui imprègnent souvent la culture du street art. Le visage caché de Johanson, orné de lunettes de soleil posées sur le tissu et de sa barbe indomptée qui dépasse, crée un contraste saisissant, visuellement captivant et qui invite à la réflexion. Signée par Ed Templeton, cette photographie offre un lien tangible avec l'instant qu'elle immortalise, plongeant le spectateur au cœur d'un événement charnière de l'histoire du street art et du pop art. La signature de Templeton ajoute une touche d'authenticité et fait de cette œuvre un véritable point de rencontre entre son parcours photographique et le récit artistique de Johanson. « Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers » est une photographie qui transcende son médium, offrant un aperçu de la communauté et de la camaraderie des artistes qui ont marqué toute une génération. Cette œuvre occupera une place de choix pour les collectionneurs et les passionnés du mouvement, incarnant l'énergie brute et spontanée que représentaient les « Beautiful Losers ». Cynthia Connolly : Page de machine à glaçons sans titre, photographie d'Arizona , 1999. Signée et datée. Cette photographie de Cynthia Connolly, sans titre mais capturant avec émotion l'essence de Page, en Arizona, est un tirage argentique magistral qui incarne l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers ». Ce tirage de 10 x 15 cm fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé et signé avec soin par l'artiste, soulignant ainsi son caractère de collection. L'image met en scène une machine à glaçons, symbole à la fois banal et emblématique de l'Amérique du quotidien. Datée du 17 mai 1995, la photographie n'est pas seulement la représentation d'un lieu, mais aussi le témoignage d'une époque. L'annotation manuscrite « Page, Arizona » y ajoute une touche personnelle, évoquant un lieu et ancrant l'œuvre dans son contexte géographique. Le regard photographique de Connolly transforme l'ordinaire en extraordinaire, invitant le spectateur à trouver beauté et récit dans le quotidien. Le contraste saisissant du noir et blanc met en valeur le jeu d'ombre et de lumière, conférant à la machine à glaçons une dimension sculpturale. Cette œuvre est une exploration subtile des formes et des textures, où même l'utilitaire devient un sujet digne de contemplation artistique. Ce tirage est essentiel pour les collectionneurs qui apprécient le croisement entre la photographie documentaire et les beaux-arts. Il témoigne de l'engagement de Connolly à saisir les recoins méconnus des paysages américains, et constitue un ajout exceptionnel à toute collection célébrant la beauté subtile du quotidien au sein de la vaste tapisserie de la culture américaine. Barry McGee : Untitled Ryze 2007, tirage C et photographie étiquetée à la main L'œuvre « Untitled Ryze » de Barry McGee est un pilier du mouvement d'art contemporain, symbolisant la rencontre dynamique entre la culture urbaine et les beaux-arts. Ce tirage C saisissant de 2007, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est une pièce de collection très recherchée, limitée à 200 exemplaires. Chaque exemplaire de la série est signé et numéroté à la main par McGee, un artiste qui appose rarement sa signature sur ses œuvres. L'œuvre a été présentée en parallèle de l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 dans de nombreux musées et galeries à travers le monde. L'image capture l'essence de Ryze, figure légendaire du street art bostonien, et témoigne du talent de McGee pour transposer l'énergie brute du graffiti dans un contexte muséographique raffiné. L'œuvre de McGee dépasse le cadre de la photographie, car « Untitled Ryze » est un élément central de ses installations et assemblages de grande envergure. Ce tableau est un témoignage visuel de l'héritage de l'artiste et un symbole de l'esprit culturel incarné par The Beautiful Losers. Acquise directement auprès d'Iconoclast Editions et des archives de The Beautiful Losers, cette œuvre représente une occasion unique pour les amateurs et les collectionneurs d'acquérir un fragment d'histoire du street art, vu à travers le regard de l'un de ses artistes les plus énigmatiques et les plus célèbres : Barry McGee. Barry McGee : Sans titre Bonjour, je m'appelle... Autocollant original Slap-Up 2005 signé Barry McGee, figure influente du street art et du graffiti, a marqué les esprits par son style et son approche uniques. Son œuvre « Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag » en est un exemple emblématique, mêlant l'énergie brute du street art à l'esthétique raffinée du pop art. Créée en 2005, cette pièce témoigne de la capacité de McGee à transformer des objets et des thèmes du quotidien en expressions artistiques saisissantes. Son parcours artistique a débuté dans la rue, où il a perfectionné son art en réalisant des graffitis sous le pseudonyme de « Twist ». Cette période formatrice a été cruciale pour façonner son style distinctif, caractérisé par un mélange de spontanéité propre au graffiti et d'audace, voire de force visuelle, propre au pop art. Son passage des murs de la rue aux galeries n'a en rien altéré l'authenticité brute de son travail. Au contraire, il lui a offert un nouveau terrain d'expression, lui permettant de toucher un public plus large tout en restant fidèle à ses racines dans la culture urbaine. Terry Richardson : Autoportrait du diable sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie sur papier, réalisée en 2004 et intitulée « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », offre un rendu visuel saisissant. Tirée à 200 exemplaires, elle est signée et numérotée individuellement par l'artiste, conférant à cette œuvre exclusive une dimension personnelle. Sur un fond jaune éclatant, l'artiste pose dans une attitude à la fois espiègle et rebelle. Arborant des cornes de diable et brandissant un trident, il fait un geste malicieux de paix, juxtaposant ainsi des symboles traditionnellement sinistres à une attitude légère. La dominante jaune monochrome de la sérigraphie renforce l'impact visuel de l'œuvre. Cette pièce a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), qui explore les intersections entre culture pop et art urbain et propose une relecture subversive de l'iconographie contemporaine. L'origine de cette œuvre est remarquable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle atteste de son authenticité et de son lien avec un mouvement majeur de l'art moderne. Cet autoportrait est bien plus qu'une simple image ; c'est une œuvre marquante qui capture l'essence d'un esprit culturel, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art. Evan Hecox : Estampe sur bois « Rue de Kyoto », 2004, signée et numérotée « Kyoto Street », une sérigraphie captivante d'Evan Hecox, immortalise un instant figé dans le charme intemporel de l'ancienne capitale japonaise. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande minutie sur papier d'archivage sans acide et mesure 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Hecox lui-même, ce qui en fait une pièce de collection. Cette œuvre a été présentée dans le cadre de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », de 2004 à 2009, et a été exposée dans différents lieux. L'estampe « Rue de Kyoto » a été présentée dans des expositions de renom, notamment « Transfer » au Centre culturel Santander de Porto Alegre, au Brésil, en 2008, et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, en 2010. Dans cette œuvre, Hecox distille l'essence du paysage urbain de Kyoto en contrastes saisissants et en lignes épurées, capturant le jeu dynamique de la lumière et de l'ombre. Des lanternes ornées de caractères kanji ponctuent la scène, diffusant une lueur chaleureuse sur la ruelle. Parallèlement, le réseau complexe de lignes électriques au-dessus ajoute une dimension supplémentaire, suggérant l'énergie vibrante de la ville. La palette audacieuse et le style graphique affirmé de l'œuvre suscitent une certaine nostalgie, invitant le spectateur à contempler l'atmosphère à la fois sereine et animée des rues de Kyoto. Conservée dans les archives de Beautiful Losers, « Rue de Kyoto » n'est pas seulement une estampe, mais une œuvre narrative présentée aux côtés d'autres chefs-d'œuvre contemporains dans les catalogues « Beautiful Losers » et « Transfer ». C'est un témoignage de la capacité d'Hecox à capturer l'âme de l'environnement urbain, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et les admirateurs d'art contemporain ayant un penchant pour l'esthétique urbaine et la profondeur culturelle. Ryan McGinness : Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot, sérigraphie 2004, signée et numérotée Ryan McGinness, « Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot ». Cette œuvre exquise de 2004 est une représentation magistrale de l'iconographie contemporaine, réalisée avec une minutie extrême par sérigraphie sur papier. Chaque estampe mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, garantissant son caractère unique et de collection. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par l'artiste, attestant de son authenticité et de la touche personnelle de McGinness. L'œuvre a été publiée en parallèle de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a mis en lumière l'énergie vibrante et le dynamisme du street art dans le contexte de l'art contemporain. L'œuvre est une symphonie de symboles, un lexique visuel reflétant l'esprit ironique et souvent autodérisoire de la sous-culture hipster. L'utilisation par McGinness d'images iconiques, mêlée de fantaisie et de critique, capture un moment où l'art, la culture et le commentaire social se rencontrent avec une grâce naturelle. Cette œuvre n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un morceau d'histoire culturelle, un miroir de l'esprit du temps du paysage urbain du début des années 2000. Harmony Korine : Sans titre Osama et ET, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre est une sérigraphie captivante d'Harmony Korine, intitulée « Sans titre (Oussama et E.T.) », datant de 2005. Tirée à seulement 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Korine, elle est une véritable pièce de collection. Cette estampe, mesurant 50,8 x 40,6 cm, révèle la vision unique de Korine en juxtaposant deux références culturelles radicalement différentes. L'image représente Oussama ben Laden enlacé avec l'emblématique extraterrestre E.T., personnage du célèbre film de Steven Spielberg. La fusion de ces images constitue une affirmation audacieuse et invite à de multiples interprétations de la convergence de symboles culturels disparates. Le personnage et E.T. sont dessinés avec une linéarité délicate qui contraste avec la gravité du sujet, créant un paradoxe visuel saisissant. Cette sérigraphie a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la rencontre entre le skateboard, le graffiti, la mode urbaine et l'art contemporain. La provenance de cette estampe est irréprochable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle revêt une importance historique et artistique indéniable. Le juxtaposition de figures aussi incongrues invite le spectateur à concilier les émotions et les récits contrastés que chaque personnage incarne. Plus qu’une simple expression visuelle, cette œuvre est un dialogue sur la culture populaire, les personnalités politiques, les personnages de fiction et leur place dans le champ artistique. Les collectionneurs et les amateurs de street art apprécieront la profondeur et le caractère provocateur de cette estampe, qui constitue une pièce de choix pour toute collection d’art contemporain. Larry Clark : Photographie Shorty sans titre, œuvre d'art 1996/2007, signée et numérotée Cette saisissante photographie, intitulée « Sans titre (Shorty) », est une œuvre marquante du célèbre artiste Larry Clark. Réalisée en 1996 et publiée en 2007, elle est imprimée sur papier aquarelle Anjelica et mesure 50,8 x 34,9 cm. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 est signé et numéroté individuellement par Clark lui-même, avec une signature et une date supplémentaires au verso, garantissant son authenticité et sa rareté. Diffusée à l'occasion de la prestigieuse exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), cette photographie provient des Éditions Iconoclast et fait partie intégrante des Archives Beautiful Losers. Figure influente de la photographie et du cinéma depuis plus de cinquante ans, Larry Clark a marqué durablement le monde de la création grâce à des œuvres telles que « Teenage Lust » et « Tulsa », ainsi que des films comme « KIDS » et « Marfa Girl ». La photographie capture l'essence de Lyle Dean « Shorty » Easky, dont l'histoire s'entremêle avec celle de l'artiste et le récit plus large de la culture de la jeunesse américaine. Shorty, d'origine amérindienne, est décédé tragiquement en 2013. Sa vie et sa mort prématurée demeurent un récit poignant, dont les racines plongent dans le même quartier de Tulsa qui a inspiré une grande partie des premières œuvres de Clark – le même lieu que Francis Ford Coppola a choisi pour « Outsiders ». Raymond Pettibon : Soleil sans titre, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre saisissante, sans titre, date de 2005 et est signée par l'artiste renommé Raymond Pettibon, reconnu pour son influence majeure sur l'art et la culture. Il s'agit d'une sérigraphie sur papier, un médium qui permet une restitution vibrante et précise du design dynamique de Pettibon. Mesurant 51 x 41 cm, elle s'adapte à différents espaces et impose sa présence visuelle. Cette création de Pettibon fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, offrant un lien direct avec son processus créatif. L'œuvre présente une explosion de lignes émanant d'un point central, suggérant une énergie explosive ou un phénomène cosmique. L'utilisation du noir, associée à des touches de bleu et de jaune, confère à l'œuvre une impression de profondeur et d'intensité, tandis que le texte manuscrit en haut – « APPLIQUEZ-LE À L'ÉTUDE DES MIROIRS, DES ARCS-EN-CIEL OU DU SOLEIL ! » – invite à la contemplation et ajoute une dimension poétique à l'expérience visuelle. Cette édition a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait le croisement entre l'art underground et la créativité urbaine. L'œuvre de Pettibon témoigne de l'esprit de ce mouvement, incarnant l'énergie brute et l'esthétique audacieuse qui définissent le genre. C'est une pièce de collection, non seulement pour son attrait esthétique, mais aussi pour son importance culturelle dans l'art contemporain. Evan Hecox : Estampe sur bois de Chinatown, New York, 2004, signée et numérotée « Chinatown NYC », une estampe sur bois de 2004 d'Evan Hecox, réalisée sur un délicat papier de riz japonais, retranscrit avec minutie la vitalité urbaine. Chaque estampe de cette série limitée mesure 25,4 x 20,3 cm et fait partie d'une édition numérotée à 100 exemplaires, soulignant ainsi son exclusivité. Chaque pièce est imprimée et signée personnellement par Hecox, témoignant de l'implication directe de l'artiste dans l'expérience du collectionneur. Cette œuvre capture l'essence du quartier chinois animé de New York avec un sens aigu du détail et une approche stylistique singulière. L'utilisation des lignes par Hecox dans la technique de l'estampe sur bois traduit la nature dynamique de la ville en une image statique qui vibre de vie. L'artiste restitue avec maestria la complexité architecturale du paysage urbain, complétée par la présence humaine qui insuffle la vie à la ville. La superposition nuancée de l'estampe, avec son tracé complexe et ses subtiles variations de tons, fait écho à la richesse des expériences vécues en milieu urbain. Reconnu pour son talent à saisir l'essence d'un lieu dans ses œuvres, Hecox présente « Chinatown NYC » comme bien plus qu'une simple représentation visuelle : c'est un récit tissé d'encre et de papier, une histoire rythmée par le paysage urbain. Cette œuvre témoigne du génie artistique de Hecox et rend hommage à la richesse culturelle de Chinatown et à l'histoire en constante évolution de New York. Rostarr- Romon K Yang : Sans titre, Japon, HPM, peinture en aérosol, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Découvrez la fusion de la tradition et de la rébellion avec « Untitled Japan HPM » de Rostarr, une œuvre provocatrice de Romon K Yang datant de 2005. Cette œuvre saisissante, réalisée sur papier (27,94 x 33,02 cm), est un mélange harmonieux de peinture aérosol et de sérigraphie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle témoigne du langage visuel singulier de Rostarr, où les traits calligraphiques rencontrent la spontanéité du street art. Des formes rouges audacieuses structurent la composition ; leurs contours fluides et leurs cercles pleins contrastent fortement avec les éclaboussures brutes et improvisées de peinture aérosol noire. Ce jeu de couleurs et de formes crée une tension dynamique, une symphonie visuelle qui capture l'esprit de l'art contemporain. Chaque exemplaire de « Untitled Japan HPM » est une célébration de l'expression unique, peinte et imprimée à la main, signature audacieuse du style iconique de Rostarr. La rareté de cette œuvre en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs désireux de posséder un fragment d'histoire de l'art qui fait le lien entre tradition et modernité, entre préméditation et spontanéité. « Untitled Japan HPM » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un dialogue culturel qui résonne au rythme de la vie urbaine contemporaine. Rostarr - Romon K Yang : Papillon dans l'ouragan, sérigraphie de 2004 signée et numérotée Embarquez pour un voyage visuel avec « Papillon dans la tempête », une sérigraphie sur papier captivante de l'artiste renommé Rostarr, créée en 2004, année charnière. Cette œuvre illustre l'interaction dynamique entre forme et fluidité. Mesurant 51 x 41 cm, elle fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun portant la signature et le numéro uniques attribués par l'artiste. Fruit d'une exploration artistique audacieuse, « Papillon dans la tempête » a été dévoilée en parallèle de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », célébrant la rencontre entre les mouvements artistiques underground et la culture dominante. L'œuvre présente une profusion de formes et de courbes abstraites, principalement dans des tons de bleu et de jaune, évoquant la grâce chaotique d'un papillon pris dans la tempête. Les couleurs vives tourbillonnent et dansent sur le papier, invitant le spectateur à contempler la relation entre harmonie et chaos. Cette œuvre est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; C'est une œuvre marquante, un fragment d'histoire culturelle, et un témoignage de la maîtrise de l'artiste qui mêle l'énergie brute de la culture urbaine à la sophistication de l'art contemporain. « Butterfly In The Hurricane » est une pièce incontournable pour les connaisseurs et les collectionneurs, promettant de susciter la conversation et de devenir un joyau de toute collection. Craig R Stecyk III : Sans titre, 2004. Photographie sérigraphique HPM unique, signée et numérotée. Œuvre singulière de Craig R. Stecyk III, cette œuvre sans titre de 2004 illustre avec brio la fusion entre art contemporain et culture urbaine. Réalisée avec une méticulosité extrême, elle présente un fond personnalisé peint à l'aérographe, une sérigraphie double face appliquée avec maestria et des accents de crayon sur un papier d'archivage blanc épais et robuste, sans acide, de 50,8 x 40,6 cm. Tirée à 200 exemplaires, chaque pièce est numérotée individuellement et signée par l'artiste, gage de son exclusivité. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et est très prisée au sein des archives Beautiful Losers. Son authenticité et son importance culturelle sont attestées par la provenance de cette pièce, issue des Éditions Iconoclast. Stecyk, figure emblématique du projet Beautiful Losers, a créé une installation qui a captivé le public et suscité un engouement sans précédent. Son œuvre rend hommage aux vibrantes sous-cultures californiennes, puisant son inspiration dans la culture des voitures customisées, le surf et le skateboard, le tout illustré par une documentation photographique exhaustive. Membre fondateur des Dogtown et des Z-Boys, Stecyk transcende la simple création artistique avec ses œuvres : elles sont de véritables témoignages d'un mouvement culturel décadent, transposés sur papier dans une palette qui vibre au rythme de l'énergie et de l'esprit de la rue. Cette pièce est une expression artistique et un artefact culturel qui capture l'essence même des sous-cultures californiennes, immortalisée par le regard visionnaire de Stecyk. Craig R Stecyk III : Épreuve sérigraphique argentique sans titre, signée et numérotée L'œuvre sans titre de Craig R. Stecyk III est une affirmation d'originalité et de défi artistique. Elle fait partie d'une série exclusive de 100 exemplaires, chacun étant un tirage argentique sérigraphié sur papier, mesurant 10,16 x 15,24 centimètres. L'œuvre arbore fièrement le mot « PROOF » en lettres rouges, attestant de son authenticité en tant que tirage photographique original. Le texte en dessous sert à la fois de déclaration et de restriction, soulignant la vocation contractuelle du tirage et interdisant expressément toute reproduction, revente et exposition publique. La signature de l'artiste, apposée avec énergie sur le tirage, renforce cette exclusivité, authentifiant chaque exemplaire et le désignant comme une pièce unique au sein de cette édition limitée. La signature devient partie intégrante de l'œuvre, se fondant dans le message textuel et le fond épuré, garantissant que chaque tirage témoigne de la philosophie artistique unique de Stecyk et de son héritage au sein du monde de l'art. Tobin Yelland : Sérigraphie sans titre d'Andy Roy, 2004, signée et numérotée « Sans titre (Andy Roy) » de Tobin Yelland est une sérigraphie saisissante qui capture l'essence de l'individualité et de la rébellion, caractéristiques de la culture urbaine. Réalisée en 2004, cette œuvre met en scène Andy Roy, figure emblématique du monde du skateboard, connu pour son style brut et son attitude sans compromis. Imprimée sur papier de haute qualité, chaque exemplaire de cette édition limitée mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une série de 200 tirages. Chaque pièce est méticuleusement signée et numérotée par Yelland, garantissant son authenticité et l'inscrivant dans une lignée d'objets de collection très recherchés. L'œuvre a été créée pour l'exposition influente « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009). Cette exposition a joué un rôle déterminant dans la célébration et la reconnaissance de la culture urbaine au sein de la scène artistique contemporaine, en intégrant l'esthétique du skateboard, du graffiti et d'autres formes d'expression artistique dans l'espace des galeries. Issue d'Iconoclast Editions et des archives de Beautiful Losers, « Sans titre (Andy Roy) » est bien plus qu'un portrait : c'est un récit de la contre-culture, un emblème de l'esprit rebelle du street art et un instantané d'un mouvement qui a marqué durablement l'art contemporain. Collectionneurs et amateurs du genre trouveront dans cette sérigraphie une œuvre qui continue de vibrer au rythme et à l'authenticité de la culture urbaine. Tobin Yelland : Skate Smash Window PhotMills signé/numéroté « Skate Smash Window Photo » de Tobin Yelland est une photographie en noir et blanc, brute et dynamique, qui saisit un instant spontané de rébellion juvénile. Prise en 2004, cette image incarne l'esprit de la culture street et skate de l'époque. La photo illustre la spontanéité et l'impulsivité inhérentes à la culture du skateboard, incarnées par l'acte d'une planche de skate fracassant la vitre d'une voiture. Cette photographie a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition célébrait la fusion des sensibilités urbaines et du monde de l'art, intégrant l'authenticité des expériences subculturelles dans le contexte des beaux-arts. Provenant des archives de Beautiful Losers et ayant été acquise par Iconoclast Editions, cette œuvre est bien plus qu'une simple photographie : c'est un récit, une tranche de vie d'une culture souvent méconnue. La capacité de Yelland à saisir un instant aussi brut et authentique crée un lien viscéral avec le spectateur, offrant un aperçu des aspects les plus débridés de la culture jeune. La photo « Skate Smash Window Photo » témoigne de l'époque qu'elle représente, constituant un document historique de la contestation et de l'énergie subversive propres au skateboard. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les passionnés de photographie et de culture urbaine, offrant un regard sans concession sur les moments fondateurs d'un mouvement. Mike Mills : La police est en nous, sérigraphie 2004, signée et numérotée L'œuvre évocatrice de Mike Mills, « The Cops Are Inside Us », constitue une déclaration profonde dans l'art contemporain. Elle utilise la technique brute de la sérigraphie artisanale, combinée au crayon, sur un papier d'archivage blanc doux sans acide. Cette œuvre de 2004 mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires signés et numérotés. Chaque estampe de cette série témoigne du sens aigu de l'observation chez Mills, qui explore l'interaction entre texte et image, créant un récit qui évoque la lutte intérieure et l'introspection sociétale. La teinte rouge intense qui domine l'estampe, s'estompant en une représentation crue et granuleuse dans sa partie inférieure, crée un contraste visuel saisissant, suggérant une dualité inhérente à la condition humaine. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition majeure « Beautiful Losers », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition a mis en lumière l'importance culturelle du street art et son impact sur les pratiques artistiques contemporaines. « The Cops Are Inside Us » reflète l’esprit de son époque et continue de faire écho aux débats sociaux actuels, ce qui en fait une œuvre intemporelle pour les collectionneurs et les amateurs d’art engagé. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers, cette pièce de Mike Mills est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est un commentaire culturel, préservé par la sérigraphie et offrant un aperçu du dialogue complexe entre la société et l’individu. Cheryl Dunn : Sérigraphie signée et numérotée, réalisée en 2004, et photographie signée. « Drafted. » de Cheryl Dunn est une sérigraphie provocatrice qui saisit avec force un instant d'interaction humaine, sur un fond jaune éclatant. Cette création de 2004 mesure 51 x 41 cm et fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son caractère exclusif. L'œuvre présente une scène à fort contraste, avec des silhouettes en contre-jour, l'une assise au sol et les autres semblant en mouvement. Les silhouettes de Dunn créent un récit universel, permettant à chacun d'y projeter ses propres histoires et significations. Le titre « Drafted. » suggère les thèmes de la compulsion et de la résistance, trouvant un écho profond chez le spectateur. Présentée lors de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette œuvre contribue au dialogue entre culture urbaine et beaux-arts. Cette exposition a été une vitrine essentielle pour les artistes influencés par des formes subculturelles telles que le skateboard, le graffiti et le punk. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive et produite par Iconoclast Editions, « drafted. » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'un mouvement. Elle exprime avec force la vision de Dunn et offre un commentaire visuel sur les forces qui façonnent notre société. Les collectionneurs d'art contemporain et les amateurs de culture urbaine y trouveront un mélange captivant d'audace esthétique et de pertinence sociale. Cheryl Dunn : C-4 San Francisco Tenderloin Hallway, estampe giclée 2004, signée et numérotée Cette captivante estampe giclée de Cheryl Dunn transporte le spectateur au cœur vibrant du quartier Tenderloin de San Francisco. Intitulée « C-4 San Francisco Tenderloin Hallway », elle témoigne du regard aiguisé de Dunn sur l'authenticité et la spontanéité, capturant un instant saisissant dans un couloir qui murmure des histoires du tissu urbain de la ville. L'estampe, au format 38 x 25 cm, est méticuleusement numérotée et signée personnellement par Cheryl Dunn, garantissant son authenticité et son lien avec la vision originale de l'artiste. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette édition limitée est une pièce unique et de collection pour les amateurs d'art et les passionnés d'exploration urbaine. Le sujet se tient dans l'étroit couloir, incarnant une sérénité au milieu du chaos potentiel de la ville. Vêtu d'une veste rouge et verte éclatante, ornée d'oreilles d'ours fantaisistes, il apporte une touche d'innocence à cette scène par ailleurs brute. Cette personne tient une bombe de peinture, évoquant une histoire d'art urbain et d'expression. Parallèlement, les poches de sa veste sont intrigantes, remplies d'autres bombes, suggérant peut-être une réflexion de l'artiste sur la jeunesse, la rébellion ou la créativité dans l'espace urbain. L'estampe de Cheryl Dunn offre non seulement un récit visuel, mais invite également à une réflexion sur le pouls culturel de la ville, les histoires inscrites dans ses murs et les personnages hauts en couleur qui la fréquentent. Cette œuvre est plus qu'une photographie : c'est un fragment de l'âme de San Francisco, magnifiquement préservé grâce à une impression giclée de haute qualité. Cynthia Connolly : Machine à glaçons sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée L'œuvre « Sans titre » de Cynthia Connolly, issue de sa série « Machines à glaçons », est une sérigraphie sur papier captivante, mesurant 40,6 x 50,8 cm. Tirée à seulement 200 exemplaires, chaque pièce est signée par l'artiste et numérotée, garantissant son authenticité et sa rareté. Réalisée avec un sens aigu de l'esthétique américaine, cette œuvre est un témoignage poétique des machines à glaçons autrefois omniprésentes dans le paysage américain, aujourd'hui vestiges d'une époque révolue. Le travail de Connolly est reconnu pour sa capacité à saisir ces instants fugaces de la vie américaine, préservant la nostalgie et la valeur culturelle de ces objets du quotidien. L'estampe « Sans titre » a été éditée pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement marquant a permis d'introduire la culture urbaine, avec son authenticité brute, dans l'univers raffiné des galeries d'art, mettant en lumière le travail d'artistes puisant leur inspiration dans l'esthétique de la rue, le skateboard et les courants underground de la culture subversive. Les photographies de Connolly, réputées pour leur simplicité et leur profondeur saisissantes, figurent dans les collections permanentes de musées prestigieux. Cette estampe, appartenant à la série « Ice Machines », témoigne de son engagement à immortaliser des aspects de la vie américaine qui disparaissent peu à peu. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain empreints de nostalgie, « Sans titre » de Connolly est une pièce incontournable. Bien plus qu'une simple sérigraphie, c'est un morceau de patrimoine culturel, une réflexion profonde sur la fugacité du quotidien et une œuvre d'art remarquable d'une photographe et artiste de renom. Geoff McFetridge : L'éclat caché, sérigraphie 2004, signée et numérotée « L'Éclat Caché » de Geoff McFetridge témoigne de la maîtrise de l'artiste en matière de rythme visuel et de narration, sublimée par la sérigraphie. Créée en 2004, cette sérigraphie sur papier mesure 51 x 41 cm, un format qui permet aux motifs complexes et à la palette de bleus saisissante d'envelopper le champ de vision du spectateur. Chaque élément de la mosaïque vibre d'une énergie emblématique du talent graphique de McFetridge. À y regarder de plus près, on discerne la composition méticuleuse de formes abstraites et figuratives. Cette œuvre à motifs est un puzzle visuel sophistiqué où formes géométriques et organiques convergent pour créer une impression de profondeur et de mouvement. La répétition des éléments sert un dessein esthétique et tisse un récit plus profond, évoquant l'interconnexion des individus au sein d'une communauté ou la nature à la fois répétitive et unique des paysages urbains. Signée par l'artiste, cette pièce porte la marque personnelle de McFetridge, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au processus créatif. « The Hidden Radiance » a figuré dans la prestigieuse exposition « The Beautiful Losers Portfolio » à la galerie Agnes B de Los Angeles, au sein d'une collection célébrant la synergie entre l'art contemporain et la culture urbaine. Elle est également mise en avant dans l'ouvrage de référence « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », publié par Edition Iconoclast, qui documente le phénomène culturel que représente cette œuvre. Cette sérigraphie est une pièce décorative essentielle au dialogue entre le pop art urbain et les scènes artistiques dominantes. C'est une pièce de collection qui capture l'essence de l'influence de McFetridge sur le langage visuel de l'art contemporain. Ce langage parle aussi bien à l'amateur d'art averti qu'au passionné de la culture urbaine. Ed Templeton : Femme choquée (sans titre) Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Femme choquée (sans titre) », une œuvre saisissante d'Ed Templeton, révèle toute la puissance expressive de la sérigraphie. Créée en 2004, cette pièce de 40,6 x 50,8 cm fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par Templeton, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Cette sérigraphie témoigne du talent unique de Templeton pour saisir la condition humaine dans ses moments les plus vulnérables et les plus authentiques. L'œuvre représente une femme, son expression de surprise ou de choc, un instant figé dans le temps par la main experte de Templeton. L'utilisation de couleurs vives et contrastées, ainsi que la superposition d'éléments abstraits, confèrent à cette œuvre une dynamique à la fois troublante et fascinante. L'image, empreinte d'immédiateté et d'intimité, caractéristique de la démarche artistique de Templeton, invite le spectateur à se confronter aux émotions inattendues et souvent dérangeantes que manifestent ses sujets. Les coups de pinceau bruts et l'estompage délibéré des détails invitent à explorer les thèmes de l'intimité, de l'émotion et de la dimension voyeuriste de l'art. « Femme choquée sans titre » a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait la rencontre entre les scènes artistiques underground et la reconnaissance du grand public. L'œuvre de Templeton témoigne du pouvoir du pop art urbain à exprimer des expériences humaines profondes, faisant de cette pièce une acquisition précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain. James Jarvis x Amos Toys : Figurine signée Wiggins (The Thin Blue Line) de la série In-Crowd, objet d'art de collection 2004 Il présente « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins », une figurine collector en édition limitée à 100 exemplaires signés (3,5 x 6 pouces), fusionnant l'univers imaginaire de James Jarvis et le plaisir tangible des objets d'art. Créée en collaboration avec Amos Toys, cette figurine représente une synthèse unique entre art, collection et narration. Il s'agit d'une figurine en vinyle de 10 cm (6 pouces) environ, nommée Wiggins, faisant partie d'une série très exclusive limitée à seulement 1 660 exemplaires dans le monde. Wiggins, le petit policier, se tient fièrement dans son uniforme, confectionné avec un souci du détail exceptionnel. Du haut de sa casquette de police classique aux semelles de ses bottes robustes, chaque élément de sa tenue a été soigneusement conçu pour refléter l'essence de son personnage. Il tient une matraque, accessoire qui suggère sa disponibilité à intervenir et à rétablir l'ordre. Pourtant, son visage, orné d'une moustache et d'une expression sévère, suggère une profondeur de personnalité qui dépasse ses fonctions officielles. Chaque figurine est présentée dans un coffret au design soigné, arborant fièrement la signature de James Jarvis, gage d'authenticité et lien direct avec l'artiste. L'emballage est une œuvre d'art à part entière, au même titre que la figurine elle-même. La fenêtre transparente dévoile la silhouette de Wiggins, brouillant la frontière entre jouet et sculpture. Wiggins n'est pas qu'un simple personnage : c'est un conteur à part entière, incarnant la complexité de son métier avec l'humour et la perspicacité caractéristiques de Jarvis. Selon son histoire, lorsqu'il ne patrouille pas les rues, il écrit des poèmes introspectifs, offrant un aperçu de son âme sensible, en contraste avec son image d'autorité. Cette pièce est un incontournable pour les amateurs de street art et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre art et fantaisie. C'est un hommage au charme décalé et à la vision créative qui font la renommée de James Jarvis, faisant de « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins » une pièce exceptionnelle pour toute collection de jouets d'art ou d'œuvres d'art contemporain. ESPO - Steve Powers : Sans titre, Next Door, sérigraphie HPM, 2006, signée et numérotée « Sans titre (Voisin…) » de Steve Powers est une œuvre d'art contemporain exemplaire, mêlant la spontanéité du street art à la sophistication d'une œuvre de galerie. Cette sérigraphie sur papier, mesurant 40,6 x 50,8 cm, fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'une des particularités de cette œuvre réside dans les éléments uniques dessinés à la main par Powers sur chaque tirage, faisant de chaque exemplaire un trésor unique. L'œuvre est imprégnée de l'humour et du langage visuel caractéristiques de Powers, avec des graphismes audacieux et un jeu de mots qui tissent un récit complexe. Publiée à l'occasion de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » , qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette sérigraphie capture l'essence d'un mouvement qui a brouillé les frontières entre art underground et art mainstream. Les éléments variés, de la pièce de puzzle « Inadapté » à la silhouette mélancolique coiffée d'un haut-de-forme, abordent les thèmes de l'identité, des pressions sociales et de la quête existentielle de sens. Issue d'Iconoclast Editions et des archives Beautiful Losers, « Sans titre (À côté...) » de Powers n'est pas une simple œuvre d'art imprimée ; c'est un dialogue avec le spectateur, un commentaire satirique sur la condition humaine et le reflet de la voix singulière de Steve Powers (alias ESPO) dans le monde de l'art. Cette œuvre enrichira toute collection et suscitera la conversation grâce à son imagerie vibrante et au talent narratif unique de l'artiste. ESPO - Steve Powers : Panneaux pratiques pour les personnes que vous connaissez à New York - Impression HPM personnalisée 2006 Steve Powers, alias ESPO, donne vie à l'essence même de la communication urbaine avec son œuvre « Handy Signs for People You Know in New York City » (2006). Cette collection d'autocollants découpés est bien plus qu'un simple objet décoratif : c'est une forme d'expression, incarnant le pouls des rues de New York. Chaque autocollant, une explosion de couleurs et de symboles, mesure 30,8 x 26 cm et est conçu pour capter l'attention et susciter la réflexion. L'œuvre catégorise astucieusement les différents archétypes que l'on peut croiser dans la métropole trépidante : les « CONFUSEURS » (main pointée en bleu), les « ABUSEURS » (pouce baissé en rouge), les « UTILISATEURS » (index pointé en vert) et les « PRODUCTEURS » (poignée de main en noir). Le jaune vif du fond agit comme un mégaphone visuel, amplifiant le message de chaque signe. L'œuvre de Powers est un commentaire sur la dynamique sociale de la vie urbaine, chaque signe étant une représentation concise des interactions complexes qui définissent l'expérience citadine. Présentés sous forme de planche d'autocollants découpés à l'emporte-pièce, imprimés sur papier mat haute pression (HPM), ces autocollants sont conçus pour adhérer à toutes les surfaces, transformant les objets du quotidien en supports d'échange social. « Handy Signs for People You Know in New York City » est une œuvre d'art interactive et un artefact culturel qui reflète le regard aiguisé de l'artiste sur les personnages qui composent le tissu social de la ville. Pour les collectionneurs et les admirateurs du travail de Steve Powers, cette planche d'autocollants offre un mélange unique de graphisme, d'art urbain et de commentaire ironique — autant de caractéristiques du style si particulier de Powers. Jo Jackson : Sérigraphie sans titre, 2004, signée et numérotée, accompagnée d'un livre d'artiste intitulé « States ». « Sans titre » de Jo Jackson (2004) est une sérigraphie sereine qui capture l'essence minimaliste des formes naturelles par la couleur et la forme. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre fait partie d'une série en édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et sa valeur de collection. « States » est un fanzine à feuillets articulés en édition limitée à 100 exemplaires. L'estampe présente un pic glacé et austère se détachant sur un superbe fond bleu, évoquant un sentiment de calme et de contemplation. Le sommet de la montagne est orné d'un flocon de neige unique et détaillé, suggérant la pureté et l'unicité des créations de la nature. En dessous, un champ de points blancs danse sur la base, rappelant une douce chute de neige ou un ciel étoilé. Publiée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), l'œuvre de Jackson reflète la dimension introspective et souvent méditative que peut susciter l'art contemporain. Cette exposition marquante a mis en lumière des artistes puisant leur inspiration dans la culture urbaine, le graffiti, le skateboard et d'autres formes d'art underground. Issue des archives de « Beautiful Losers », cette pièce représente un moment charnière de l'art contemporain où simplicité et symbolisme se rejoignent. Pour les collectionneurs comme pour les amateurs, « Sans titre » de Jackson est bien plus qu'une simple estampe : c'est une œuvre d'une beauté sereine, offrant un instant de réflexion au cœur du tumulte quotidien. Elle témoigne du talent de l'artiste pour condenser des émotions complexes en une image unique et poignante. Thomas Campbell : Peuple de la Pangée, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « People Of Pangea Unite » de Thomas Campbell est une sérigraphie sur papier saisissante qui offre une perspective à la fois poétique et profonde sur l'unité et le monde naturel. Cette œuvre de 2005 fait partie d'une série limitée, signée et numérotée individuellement par l'artiste, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. L'œuvre représente un paysage surréaliste où des figures humaines se fondent dans le tronc d'un arbre, créant une métaphore visuelle de l'interconnexion. Au-dessus, une bulle de dialogue se déploie avec le texte : « WHAT EXACTLY ARE CONSERVATIVES CONSERVING », une question provocatrice invitant les spectateurs à s'interroger sur la responsabilité politique et environnementale. Des touches de couleurs vives ponctuent une palette majoritairement composée de tons terreux, attirant le regard sur cette composition ludique. Publiée pour l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009, l'estampe de Campbell incarne la célébration, par l'exposition, des formes d'art subculturelles et de leur influence sur l'art contemporain. Cet événement culturel majeur a fait entrer l'esprit du skateboard, du graffiti et du street art dans l'espace de la galerie. « People Of Pangea Unite » témoigne de la capacité unique de Campbell à mêler le fantastique à la critique, offrant une œuvre à la fois esthétiquement plaisante et intellectuellement stimulante. Pour les collectionneurs, cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un sujet de conversation qui capture un moment charnière de l'histoire de l'art contemporain, caractérisé par son audace et sa capacité à remettre en question l'ordre établi. Thomas Campbell : Portefeuille personnalisé en édition limitée Paul Frank, fait main, édition limitée 2005, T Moe Still Smoking « Still Smoking » de Thomas Campbell est un portefeuille sur mesure, réalisé à la main, une œuvre d'art fonctionnelle qui allie utilité et dynamisme de la culture urbaine. Créé en 2005, cet objet en édition limitée célèbre le style personnel et la créativité artistique. Orné d'une myriade d'illustrations fantaisistes, signature de l'esthétique de Campbell, le portefeuille arbore un fond bleu clair rehaussé d'images vives et contrastées. Des nuages ​​représentés avec légèreté aux structures stylisées et aux figures oniriques, chaque élément est rendu avec joie et une audace graphique affirmée. Ce portefeuille a été lancé dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement international a marqué un tournant en mettant en lumière la convergence du skateboard, du graffiti et du street art sur la scène artistique contemporaine. Le portefeuille « Still Smoking » de Campbell n'est pas un simple accessoire, mais une pièce de collection qui capture l'essence d'une époque où l'art ne se limitait pas aux galeries, mais se portait sur soi, faisant partie intégrante du quotidien. C'est un hommage à l'esprit des « Beautiful Losers » et un incontournable pour les collectionneurs qui apprécient le mariage de l'art et de la vie de tous les jours. Andy Jenkins : Untitled Hang Unique HPM Print 2005 Signé/Daté Cette œuvre saisissante d'Andy Jenkins fait partie d'une collection unique de 100 tirages jet d'encre, mesurant chacun environ 28 x 23 cm. Sans titre, elle est une véritable symphonie d'éléments visuels, mêlant typographie, graphisme et illustrations dessinées à la main pour créer un récit complexe. Le mot « HANG » y est affiché en lettres surdimensionnées et décalées qui dominent l'espace visuel, sur un fond mêlant avec subtilité des éléments de calendrier et d'écriture manuscrite, évoquant le passage du temps et la fugacité des instants. Une fusée esquissée, placée à côté du texte, ajoute une touche de dynamisme et d'exploration, enrichissant ainsi le récit. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et daté individuellement par Jenkins, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au parcours créatif de l'artiste. Cette œuvre n'est pas seulement une déclaration visuelle, mais aussi un témoignage de l'approche multidisciplinaire de Jenkins, où texte et image s'entremêlent pour interpeller et questionner le spectateur. Andy Jenkins : Cercle sans titre HPM Estampe unique 2005 Signée/Datée L'estampe « Circle Untitled HPM Print » d'Andy Jenkins (2005) est un exemple remarquable d'estampe contemporaine, alliant la simplicité des formes géométriques à la complexité de l'expression individuelle. Cette œuvre, l'une des cent estampes jet d'encre uniques, mesurant chacune environ 28 x 23 cm, témoigne de la maîtrise de Jenkins en matière de forme, de couleur et de composition. Deux cercles noirs imposants dominent l'espace visuel, formant une étude de symétrie et d'équilibre parfaits. Autour de ces figures centrales se dessinent des notes et des gribouillis manuscrits, certains nets, d'autres flous, suggérant le processus créatif de l'artiste ou peut-être des pensées volontairement énigmatiques. L'estampe se détache sur un fond blanc immaculé, qui non seulement accentue l'éclat des cercles noirs et les touches de rouge à l'intérieur de l'un d'eux, mais met également en valeur le texte et le trait subtils, invitant le spectateur à s'approcher. Chaque estampe de cette série est signée et datée par Jenkins, attestant d'une touche personnelle et d'une authenticité souvent recherchées par les collectionneurs et les amateurs d'art. Le tirage limité de ces estampes confère à chacune un caractère unique, tant par sa place au sein de la série que par les légères variations inhérentes à l'impression jet d'encre. « Circle Untitled HPM Print » de Jenkins offre une expérience à la fois visuelle et tactile, le choix du papier et de la technique d'impression contribuant à la présence singulière de l'œuvre. Elle témoigne de la capacité de Jenkins à insuffler profondeur et narration à une esthétique minimaliste, invitant le spectateur à un dialogue silencieux, introspectif et universel. Avec ses lignes épurées et ses détails intrigants, cette pièce est un ajout précieux à toute collection appréciant la rencontre entre design moderne et expression personnelle dans l'art de l'estampe. Andy « Mel Bend » Jenkins : Scribble Scrabble, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est une œuvre fascinante, réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier. Son audace graphique et son jeu subtil avec la typographie captivent le regard. Mesurant 51 x 41 cm, cette pièce fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, numérotés et signés par Jenkins, ce qui garantit son caractère unique et son statut de pièce de collection. La composition met en scène un poing levé, entrelacé de lignes fluides évoquant des rubans, sur un fond de gris doux. Le titre « Scribble Scrabble » y est inscrit en noir et rouge éclatants. La sensibilité graphique de Jenkins, forgée au fil des années en tant que figure incontournable de la culture skateboard, s'y déploie pleinement, fusionnant les codes du street art et une sensibilité artistique raffinée. Présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), « Scribble Scrabble » témoigne de l'intégration de l'esthétique du skateboard dans les espaces d'exposition. Jenkins, artiste aux multiples talents reconnu pour son travail de dessinateur de BD, d'illustrateur et de directeur artistique, a cofondé le magazine Dirt avec Spike Jonze et Mark Lewman au début des années 1990, renforçant ainsi son influence au sein de la culture underground. « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne d'une force créative qui a façonné le langage visuel de la culture du skateboard. Elle occupe une place de choix dans les archives de Beautiful Losers, représentant une époque où les frontières entre culture underground et culture savante étaient floues et harmonieusement entremêlées. Terry Richardson : Lunettes Smilen Broadway, objet d'art, 2004 Cette fascinante œuvre d'art de Terry Richardson, intitulée « Lunettes Smilen Broadway », témoigne de la fusion entre design fonctionnel et expression artistique. Présentée comme une œuvre d'art depuis 2004, cette paire de lunettes noires illustre le style visuel distinctif de Richardson, reconnu pour son audace et sa franchise. Mesurant environ 7,5 x 20 x 7,5 cm, les lunettes incarnent un style affirmé malgré leur format compact. Elles se détachent sur un fond où l'on peut lire « BROADWAY Collection SMILEN EYEWEAR », suggérant un thème où le consumérisme s'entremêle à l'identité personnelle. Les verres en acrylique transparent sont sertis dans une monture noire classique, un choix de couleur au charme intemporel. Ces lunettes ne sont pas de simples accessoires ; ce sont des pièces fortes qui reflètent la personnalité de celui ou celle qui les porte et le regard unique de l'artiste sur les objets du quotidien. Confectionnées avec un souci du détail méticuleux, elles portent les spécifications « STYLE STEVEN COLOR BLACK SIZE 56-16 TEMPLE 145 », attestant de leur caractère unique. Cette œuvre brouille les frontières entre objets utilitaires et pièces de collection, remettant en question les limites de la conception traditionnelle de l'art. L'œuvre de Richardson invite ici le spectateur à contempler le point de rencontre entre culture visuelle, mode et expression personnelle, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection valorisant l'intégration novatrice de l'art dans le quotidien. Ari Marcopoulos : Justin, sérigraphie 2004, signée et numérotée « Justin », une sérigraphie d'Ari Marcopoulos réalisée en 2004 sur papier d'archivage sans acide (50,8 x 40,6 cm), capture un instant de l'art du portrait contemporain. Cette œuvre fait partie d'une série limitée et très recherchée, à seulement 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par Marcopoulos, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Sur un fond rose vif, le portrait de « Justin » est une étude fascinante du caractère et de la forme. Le contraste saisissant entre le fond éclatant et le sujet monochrome confère à la figure une profondeur et une introspection remarquables. L'expression neutre du sujet est rendue avec une esthétique minimaliste, capturant un regard à la fois serein et pénétrant qui semble scruter l'horizon. Cette œuvre a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers », une célébration de l'art qui brouille les frontières entre culture urbaine et art contemporain. Elle reflète l'esprit du mouvement, offrant un instantané brut et authentique de la jeunesse et des contre-cultures. « Justin » n'est pas qu'un simple portrait ; c'est une œuvre marquante, qui interpelle le collectionneur sensible à la convergence de cet art avec l'esprit de son époque. Pièce intemporelle, elle enrichit toute collection d'une beauté esthétique et d'une portée culturelle indéniables. Ari Marcopoulos : « Je pourrais me tromper », livre d'art de l'artiste, 2005 Cette image saisissante est extraite du livre d'art d'Ari Marcopoulos, « I Might Be Wrong », paru en 2005 sous forme de fanzine à tirage limité numéroté de 100 exemplaires. Cette œuvre captivante témoigne du talent de Marcopoulos pour saisir l'essence brute et authentique de la culture urbaine. La photographie, imprimée en offset pour une précision et une netteté exceptionnelles, mesure 20,32 x 12,7 cm, une taille qui invite à une observation attentive et à une interaction personnelle avec le spectateur. Dans ce portrait monochrome, une silhouette se tient devant un mur de briques patiné, son identité dissimulée derrière ce qui semble être un ghetto-blaster doté d'yeux, évoquant un sentiment d'anonymat urbain et de subterfuge artistique. Le ghetto-blaster est un symbole poignant de la musique et des scènes de rue des décennies passées, suggérant un récit qui entremêle expression personnelle et artefacts culturels. Le fond est recouvert d'affiches, dont une annonce pour la galerie Alleged, contextualisant et ancrant l'image dans un milieu culturel précis. Cette édition numérotée, limitée à 100 exemplaires, est un objet de collection offrant un aperçu intime de la vision de l'artiste sur la vie urbaine et l'art. Marcopoulos est reconnu pour son style documentaire qui explore souvent les marges de la culture dominante, et cette image témoigne de sa capacité à révéler la beauté et le sens du quotidien. Les collectionneurs et les amateurs de photographie contemporaine et de street art reconnaîtront la valeur de ce livre d'art comme une référence incontournable du récit dynamique et en constante évolution de la culture urbaine. Todd James : Vivant de plaisir, sérigraphie 2005, signée et numérotée Découvrez « Alive With Pleasure » ​​de Todd James, une remarquable sérigraphie sur papier de 2005, vibrante de l'énergie iconique et du style inimitable de l'artiste. Cette œuvre, mesurant 18 x 13 cm, fait partie d'une édition numérotée exclusive de 100 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare pour les amateurs d'art contemporain. Dans cette œuvre, James poursuit son exploration des thèmes de la joie et de l'exubérance qui imprègnent une grande partie de son travail. La composition met en scène deux figures rendues dans une teinte rose monochrome à la fois saisissante et ludique. Au premier plan, un personnage tient une cigarette ; son expression de bonheur pur, les yeux clos et un large sourire éclatant traduisent un sentiment de contentement et de ravissement. Derrière elle, une seconde figure, partiellement dissimulée, fait écho à ce sentiment, une main sur la bouche fumant, suggérant un rire ou un secret partagé. Le trait de James dans « Alive With Pleasure » ​​est fluide et assuré, avec une exagération presque caricaturale immédiatement reconnaissable comme sa signature. Les personnages sont ornés de détails, comme le motif arc-en-ciel sur la chemise du personnage central, qui ajoute une dimension visuelle intéressante et pourrait être interprété comme un clin d'œil aux thèmes de la diversité et de l'inclusion. Cette sérigraphie n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané de bonheur, une représentation des plaisirs simples de la vie et une célébration des moments qui nous font vibrer. Elle témoigne du talent de Todd James pour capturer l'esprit du pop art urbain et le présenter dans un format qui touche le spectateur au plus profond de lui-même. Pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Todd James, « Alive With Pleasure » ​​est plus qu'une œuvre d'art : c'est une véritable bouffée de joie et une représentation fidèle de l'attrait intemporel de l'artiste. Todd James : Sérigraphie BullieJames 2005 Signée/Numérotée « Bullies », une sérigraphie sur papier réalisée en 2005 par l'artiste renommé Todd James, alias REAS, est un vibrant témoignage de son style unique, profondément ancré dans la culture urbaine et l'esthétique du mouvement. Mesurant 51 x 41 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, garantissant son caractère unique et sa valeur de collection. L'œuvre met en scène quatre personnages aux allures de dessins animés, aux expressions et gestes exagérés qui suggèrent le mouvement et l'interaction. Avec son teint vert et son poing levé, la figure dominante symbolise l'archétype du « tyran », un thème récurrent dans l'œuvre de REAS, qui explore souvent les dynamiques de pouvoir et les rôles sociaux à travers un regard à la fois ludique et critique. Réalisée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », « Bullies » incarne l'énergie et l'esprit du mouvement de la culture urbaine. L'utilisation de couleurs primaires vives et de lignes fluides est caractéristique de la démarche de Todd James, qui mêle des éléments du graffiti à une sensibilité artistique raffinée. Cette œuvre est un régal pour les yeux et contribue de manière significative au dialogue entre le street art et l'art contemporain. Elle fait écho à l'esprit rebelle des scènes underground dont Todd James est issu, tout en reflétant les enjeux de confrontation et de résilience qui caractérisent notre société. « Bullies » illustre parfaitement l'influence de Todd James sur l'évolution du graffiti et du pop art urbain, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Elle incarne la fusion entre la débrouillardise urbaine et la finesse esthétique, une signature du parcours artistique de James et un ajout coloré à toute collection. Wes Humpston : Sérigraphie Bulldog Skates 2004 Signée/Numérotée Avec son mélange saisissant d'images audacieuses et de couleurs vibrantes, l'œuvre « Bulldog Skates » de Wes Humpston est une pièce marquante qui capture l'essence même de la culture skateboard. Créée en 2004, cette œuvre est réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier et mesure 51 x 41 cm. Elle fait partie d'une édition spéciale limitée à 200 exemplaires, chacun numéroté et signé personnellement par l'artiste, établissant ainsi un lien direct entre Humpston et le collectionneur. Cette œuvre a été dévoilée lors de l'exposition acclamée par la critique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la richesse du langage visuel de la culture urbaine et son influence sur l'art contemporain. « Bulldog Skates » est emblématique du style distinctif de Humpston, intégrant des éléments de pop art urbain et de graffiti. L'image centrale – un bouledogue aux yeux flamboyants, enchâssé dans des flammes vertes éclatantes – est bien plus qu'un logo : c'est une icône représentant l'esprit rebelle et la passion ardente des skateurs. Le texte vertical qui borde la figure centrale, évoquant les tags de graffiti, porte le nom « Bulldog Skates », renforçant l'identité de la marque et ses racines dans l'énergie brute et authentique du street art. L'œuvre d'Humpston témoigne de l'authenticité et de la liberté créative qui caractérisent la scène du skate de rue, et trouve un écho auprès des passionnés comme des collectionneurs d'art. « Bulldog Skates » est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'une époque et d'une communauté qui s'épanouit en marge des normes sociales. Glen E Friedman : Mes règles, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie dynamique, « My Rules », de l'artiste renommé Glen E. Friedman, a été réalisée en 2004. Cette œuvre, une représentation audacieuse de l'influence de la culture urbaine sur les arts visuels, mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires dans le monde. Chaque pièce est signée et numérotée individuellement par Friedman, ce qui confère une authentification personnelle à cette pièce de collection. Conçue avec la précision et la vivacité caractéristiques de la sérigraphie, « My Rules » se présente comme un manifeste visuel de l'esprit punk et du skateboard. L'œuvre a été dévoilée dans le cadre de l'exposition emblématique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la rencontre entre le street art et l'espace des galeries d'art. « My Rules » est un emblème de la carrière prolifique de l'artiste, qui documente l'esprit rebelle des sous-cultures de la jeunesse. La sérigraphie est un montage de portraits dynamiques et de séquences en mouvement, centré sur une figure imposante qui exprime le message du titre. La typographie vert citron électrique tranche avec le fond monochrome, affirmant le caractère rebelle de l'œuvre. Plus qu'une simple œuvre d'art, cette pièce est un témoignage historique qui capte l'essence d'un mouvement. Elle incarne la voix d'une génération qui a défié les normes et vécu selon ses propres règles. Acquérir une œuvre de cette édition, c'est investir dans l'art, c'est reconnaître une période charnière de l'art contemporain, où la rue et l'atelier se sont rencontrés, et où Glen E. Friedman a su immortaliser ces instants. Chris Johanson : Sans titre Pourquoi sont-ils si frénétiques ? Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Sans titre : Pourquoi sont-ils si frénétiques ? » de Chris Johanson est une sérigraphie saisissante qui, par son association de texte et d'images, est d'une grande force expressive. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande précision sur un papier d'archivage sans acide, au format 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Johanson. Cette œuvre a été conçue pour l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait les mouvements influents du skate, du graffiti et du street art entre 2004 et 2009. L'œuvre met en scène une figure extraterrestre aux contours minimalistes, porteuse d'un message invitant le spectateur à réfléchir aux phénomènes d'hystérie et de vulnérabilité au sein de la société. Le fond vert vif et audacieux accentue l'urgence et la dimension introspective du texte. L'œuvre de Johanson a voyagé à travers différents lieux dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers ». Elle a ensuite été présentée lors des expositions « Transfer » au Brésil, à la Santander Cultural de Porto Alegre et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera à São Paulo. Son influence et sa portée sont documentées dans les bibliographies « Beautiful Losers » et « Transfer ». Issue des archives de Beautiful Losers, cette œuvre est un témoignage visuel et un instantané historique, incarnant l'esprit d'un mouvement qui brouille les frontières entre galerie et rue. Elle offre aux collectionneurs et aux amateurs une occasion unique d'appréhender une période charnière de l'art contemporain à travers le regard introspectif de Johanson. Chris Johanson : Ensemble de badges numérotés « Love Not War » 2004 « Love Not War » de Chris Johanson est une collection de badges de 10 x 17,78 centimètres qui invite à la réflexion. Présentée en édition limitée à 100 exemplaires, cette série témoigne de l'engagement de Johanson envers les thèmes socio-politiques contemporains, véhiculés par les messages brefs et percutants de chaque badge. Sur un fond jaune éclatant, rehaussé d'un badge vert, ces badges sont de véritables œuvres d'art à porter, incitant à la réflexion et au dialogue. Ils reflètent l'engagement de l'artiste pour la paix, son soutien à l'entrepreneuriat local et sa critique de la société de consommation et de la guerre. Chaque badge est un point de départ pour la conversation, qu'il s'agisse de la défense des droits humains dans le commerce international ou de la promotion de la sérénité intérieure et de l'amour. Cette collection numérotée est à la fois une œuvre d'art et un commentaire historique, capturant l'essence du militantisme et de l'expression personnelle dans de véritables manifestes miniatures. Avec son art, Johanson transforme le port d'un badge en une affirmation de ses convictions et un appel à la prise de conscience sociale. Mark Gonzales et Harmony Korine : « Adulthood », fanzine d'art d'artiste, 1995 « Adulthood » est un fanzine artistique collaboratif poignant, paru en 1995 et réalisé par Mark Gonzales et Harmony Korine, artistes reconnus pour leur influence respective dans les milieux du skateboard et du cinéma. Ce fanzine est un manifeste tangible de la subculture de l'époque, rendu par la photocopie qui lui confère une esthétique brute et authentique. Mesurant environ 20,32 x 12,7 cm, il témoigne de l'esprit DIY qui imprégnait les scènes artistiques underground de l'époque. La couverture présente une image granuleuse et contrastée de quatre jeunes hommes, évoquant le style des portraits du début du XXe siècle tout en exprimant l'attitude rebelle des années 90. Sous l'image, les noms « Mark Gonzales » et « Harmony Korine » affirment avec force cette collaboration, unissant deux forces créatives distinctes autour d'une vision commune. Le titre « ADULTHOOD » s'affiche en lettres dactylographiées, contrastant avec la date « Premier mars 1995 », ancrant l'œuvre dans un moment précis de la création culturelle. Limitée à 100 exemplaires, cette édition est autant un objet de collection qu'un témoignage de l'histoire culturelle, capturant l'esprit d'une génération à l'aube de l'âge adulte, profondément ancrée dans la culture jeune et subversive de l'époque. Chaque fanzine offre un instantané de cette période, un artefact tangible qui incarne l'esprit de collaboration et de créativité qui a fait la renommée de Gonzales et Korine. Cet ouvrage est un incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de la culture skate des années 90, du cinéma indépendant et de l'énergie brute de l'art urbain. Mark Gonzales : Désodorisant Krooked en édition limitée, objet d'art, 2004 Incarnant l'esthétique de la culture skate, Mark Gonzales présente le désodorisant Krooked en édition limitée, un objet d'art vibrant qui allie fonctionnalité et esprit street art. Lancés en 2004 dans le cadre du portfolio Beautiful Losers, ces désodorisants transcendent leur simple usage pratique pour devenir de véritables pièces de collection, reflets de la vision artistique de Gonzales. Chaque désodorisant arbore le caractère ludique et irrévérencieux de la marque de skate Krooked, rendu par des contours graphiques audacieux. Disponible en deux modèles, le premier se pare d'une riche teinte violette, reprenant le motif des yeux Krooked. Le second, à l'opposé, met en avant le caractère emblématique de la marque dans un blanc éclatant sur un fond bleu intense. Ces objets d'art ont été conçus pour l'exposition phare « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a célébré l'esprit DIY (Do It Yourself) dans l'art de 2004 à 2009. La collection puise son inspiration au cœur de la culture urbaine, insufflant aux objets du quotidien une dimension artistique et une rébellion contre les normes établies. Issus d'Iconoclast Editions et de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive, les désodorisants Krooked occupent une place à part dans l'histoire de l'art contemporain. Ils témoignent de l'influence de GGonzales sur les communautés artistiques et de skateboard, et symbolisent la diffusion de l'art underground dans le quotidien à cette époque. Ces pièces en édition limitée sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés, et représentent un moment où la culture urbaine a affirmé avec audace sa place dans le monde de l'art contemporain. Phil Frost : Marqueur rechargeable pour affiche ultra-large personnalisée 2004 Phil Frost présente une fusion unique d'utilité et d'art avec ses marqueurs Superwide et Poster Marker, créés en 2004. Ces marqueurs en plastique rechargeables et personnalisés sont bien plus que de simples outils : ce sont de véritables œuvres d'art, mesurant environ 5 x 12,5 cm, et disponibles en édition limitée à 100 exemplaires chacun. Les marqueurs sont ornés des motifs tribaux distinctifs de Frost, en noir sur un fond orange vif. Ce design est immédiatement reconnaissable pour les connaisseurs de l'œuvre de Frost, réputée pour ses motifs complexes et sa maîtrise du langage visuel primitif et pourtant contemporain. Provenant d'Iconoclast Editions et faisant partie des archives « Beautiful Losers », ces marqueurs incarnent l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Ce projet célébrait la culture DIY et le street art qui ont influencé toute une génération d'artistes. Pour MMills, ces marqueurs constituent un témoignage tangible de l'exposition, incarnant l'essence même de l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain. Ils illustrent une vision où l'objet du quotidien se mue en support, fusionnant forme et fonction dans la fluidité propre au street art. Ces marqueurs sont à la fois des objets fonctionnels et des pièces de collection, qui permettent aux créatifs et aux amateurs d'art de s'approprier le style unique de l'artiste. Mike Mills : L'architecture de la réassurance, mini-livre de 1999 « The Architecture of Reassurance » de Mike Mills est un livre d'artiste captivant, relié, qui prolonge visuellement son court-métrage. Publié en 1999, ce livre de première édition, au format 17,8 x 10,8 cm, est une pièce de collection rare provenant directement des archives de Beautiful Losers. Il offre une riche collection de photographies et d'images extraites du film, qui capturent l'essence du parcours d'une jeune femme à travers les paysages suburbains de Los Angeles. Ces images s'entremêlent pour créer un récit explorant les thèmes de l'isolement urbain, de la quête d'identité et de l'uniformité rassurante, quoique parfois stérile, de l'architecture résidentielle. Le travail de Mills est reconnu pour sa capacité à distiller des observations socioculturelles profondes en visuels minimalistes. « The Architecture of Reassurance » ne fait pas exception, proposant une réflexion pertinente sur nos environnements et leur influence sur nos expériences et nos perceptions. Cette publication intimiste est à la fois un livre et une galerie portable témoignant du talent cinématographique et photographique de MMills. Pour les admirateurs de l'œuvre de MMills et ceux qui s'intéressent aux interactions entre le cinéma, la photographie et la théorie urbaine, cet artiste est un ajout inestimable à leur collection, offrant une pièce tangible de l'esprit de la fin du XXe siècle. Clare Rojas : Peggy Honeywell Faint Humms, édition limitée CD 2004 Cet objet d'art est un CD en édition limitée intitulé « Peggy Honeywell "Faint Humms" », de Clare E. Rojas, une artiste dont le travail explore divers médiums et aborde souvent les thèmes de l'identité et du folklore. Sorti en parallèle de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », ce CD est à la fois un support pour l'art sonore de Rojas et un objet de collection illustrant la rencontre entre musique et arts visuels au sein de la culture urbaine. Le CD est présenté dans un boîtier orange vif, qui souligne l'utilisation audacieuse de la couleur par Rojas dans ses œuvres visuelles. Le boîtier est enveloppé d'une doublure en mousse, assurant la protection du disque et faisant écho au soin généralement apporté à la conservation des objets d'art. Le disque, dont la surface réfléchissante crée un spectre de couleurs, rappelle le style caractéristique de Rojas, qui emploie souvent des teintes vibrantes et contrastées. Cette œuvre offre un lien concret avec l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la diversité des formes d'art issues de la culture urbaine et leur influence sur l'art contemporain. En édition limitée, ce CD est un instantané d'un moment particulier de l'histoire de l'art, incarnant l'esprit créatif d'une époque où les frontières entre les différentes disciplines artistiques s'estompaient pour donner naissance à de nouvelles formes d'expression. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Clare E. Rojas, ainsi que tous ceux qui apprécient l'héritage de la culture urbaine dans l'art, trouveront dans ce CD un ajout précieux à leur collection. Ryan McGinness : Pack d'autocollants personnalisés 2005, signé et numéroté Cette œuvre d'art est un coffret d'autocollants « Multiverse » personnalisé de Ryan McGinness, artiste renommé pour ses représentations graphiques et ses formes organiques. Sorti en 2005, ce coffret fait partie d'une édition spéciale limitée à 100 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par McGinness, indiquant son numéro sur 100. Ses dimensions (12,7 x 12,7 cm) en font un format compact qui incarne l'essence même de la philosophie créative de McGinness. Présenté dans un élégant étui argenté aux reflets métalliques, le coffret dégage une impression d'exclusivité et de modernité. La signature de l'artiste, apposée sur le côté gauche de l'enveloppe, certifie l'originalité de l'œuvre. L'emblème iconique de la couronne, logo de Ryan McGinness Studios, situé à droite, est quant à lui un gage de qualité et d'authenticité. À l'intérieur, le coffret renferme une multitude d'autocollants, autant de fragments du multivers vibrant de McGinness. Bien plus que de simples ornements, ils constituent un véritable témoignage de son savoir-faire. Ce sont des œuvres d'art adhésives, permettant à celui ou celle qui les porte d'emporter avec lui un fragment de l'esthétique McGinness. Ces autocollants constituent une galerie portable, une démocratisation de l'art au cœur de la philosophie de McGinness. Ce pack d'autocollants Multiverse est un objet de collection qui brouille les frontières entre l'art savant et la forme d'art accessible que représentent les autocollants. Pour les admirateurs du travail de Ryan McGinness, ce pack est une occasion unique de posséder un morceau d'histoire de l'art interactif, ludique et profondément ancré dans le langage visuel de la culture contemporaine.

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Achetez Post No Bills - Untitled Original One of a Kind Spray Paint & Stencil Painting Artwork on Stretched Canvas by Popular Street Art Pop Culture Artist Seen UA. 2018 Signé Original Peinture Taille 18x24 Craquelure partout. Toile non doublée.

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Holiday Thailand Grey Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection d'un artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2025, format 7x11, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, représentant Kaws Companion, la mère/le père/l'ami et l'enfant tenant une lune fluorescente phosphorescente GID assis sur une Terre lumineuse, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Holiday Thailand Grey Art Toy par KAWS – Brian Donnelly L'œuvre « Holiday Thailand Grey Art Toy » de KAWS, alias de l'artiste américain Brian Donnelly, se distingue comme une pièce rare et marquante du street art et du graffiti. Sortie en édition limitée en 2025 et désormais épuisée, cette sculpture de collection mesure environ 18 x 28 cm et est livrée neuve dans sa boîte, avec un tampon imprimé sous le socle. Réalisée dans une palette de gris doux, l'œuvre met en scène les personnages emblématiques de la série « Companion » : un adulte assis sur une Terre aux couleurs vives, enlaçant tendrement un enfant. Tous deux tiennent une lune fluorescente phosphorescente à la texture détaillée, symbolisant à la fois l'innocence et l'émerveillement cosmique dans un monde qui valorise de plus en plus la narration émotionnelle dans l'art contemporain du vinyle. Expression émotionnelle par la forme et le symbole Contrairement aux tons vifs souvent utilisés dans les œuvres précédentes de la collection Companion, l'édition grise du jouet d'art Holiday Thailand privilégie la subtilité et la gravité. La figure assise peut être interprétée comme une mère, un père ou un ami bienveillant, créant un moment de connexion paisible avec l'enfant blotti sur ses genoux. La Terre, représentée en bleu et vert vifs, ancre visuellement cette œuvre dans les thèmes de la solidarité et de la responsabilité universelles. La lune scintillante, nichée entre eux, devient un point lumineux partagé, un symbole guide dans l'obscurité, au sens propre comme au figuré. Cette interaction entre les personnages et l'astre transforme la sculpture, d'un simple jouet de collection, en une méditation visuelle sur le soin, la protection et la conscience environnementale. L'influence continue de Brian Donnelly sur le street art pop et le graffiti Brian Donnelly, né à Jersey City, aux États-Unis, a débuté sa carrière en taguant les murs et les abribus, mêlant iconographie de dessins animés et commentaires sociaux incisifs. Son ascension, d'artiste de graffiti à figure emblématique de l'art contemporain international, est marquée par sa capacité à fusionner le langage de la rue avec une grande profondeur émotionnelle. La figure du Companion, immédiatement reconnaissable à ses yeux barrés d'une croix et à ses gants inspirés de Mickey Mouse, est devenue un symbole international de vulnérabilité, de connexion et d'aliénation moderne. Dans l'édition Thailand Grey, Donnelly dépouille la forme de couleurs vives et utilise des tons gris doux pour concentrer l'attention sur le langage corporel et l'intimité émotionnelle de l'œuvre. La position de l'enfant appuyé contre la poitrine de l'adulte crée une pause tendre, souvent absente des œuvres plus satiriques ou dynamiques du Street Pop Art et du graffiti. Un objet de collection très recherché dans le mouvement des figurines d'art en vinyle Chaque édition spéciale Fêtes de KAWS associe le personnage Companion à un lieu géographique ou thématique, et l'édition thaïlandaise ne fait pas exception. Tandis que la version brune et colorée évoque la chaleur, cette version grise offre une esthétique plus introspective. Le globe lumineux peint à la main sous la figurine assise confère à la sculpture une dimension universelle et intemporelle, tout en préservant la dimension personnelle et intérieure des personnages. La lune phosphorescente renforce le caractère interactif et atmosphérique de la sculpture, se transformant sous différents éclairages pour révéler toute sa puissance émotionnelle. Collectionneurs et musées considèrent cette édition comme une référence en matière d'art urbain, pop art et graffiti contemporains sur vinyle. Sa rareté, sa narration forte et la signature de KAWS en font une pièce incontournable pour ceux qui recherchent une œuvre alliant simplicité et profondeur. L'Art Toy gris de la collection Fêtes de Thaïlande n'est pas qu'une simple figurine décorative : c'est une sculpture qui raconte une histoire de connexion humaine et d'espoir cosmique.

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VOLTEQ 20 Inch Limited Edition Dunny Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork by street graffiti Quiccs. Figurine Dunny TEQ63 sur le thème de Voltron, 2022, mesurant 20 pouces de haut, édition limitée à 500 exemplaires. Kidrobot s'associe une nouvelle fois à l'artiste Quiccs pour donner vie à la fusion de TEQ et Dunny dans une création épique. Découvrez la figurine VOLTEQ Dunny de 50 cm (20 pouces), une œuvre en vinyle signée Quiccs, illustrateur, designer de jouets et graffeur philippin. Ce Dunny géant de 50 cm est une pièce maîtresse inspirée des mechas et basée sur le personnage TEQ63 de l'artiste, un héros post-apocalyptique évoluant dans une société dystopique.

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Dommages collatéraux Peinture originale Technique mixte Peinture aérosol Acrylique sur papier épais par Risk Graffiti Street Artiste Pop Art moderne. Dommages collatéraux, 2018 - Possédez une œuvre originale à risque ! Original (peinture aérosol, acrylique sur papier épais) Taille : 22 x 30 pouces Date de création : 2018 Œuvre originale – Chaque pièce est unique, signée à la main.

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Il était une fois, plus rien 2. Œuvre d'art lenticulaire giclée en édition limitée sur papier d'art lenticulaire de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Mimi Yoon. Œuvre lenticulaire signée et numérotée (2021), format 21 x 27 cm. L'image change selon l'angle de vue. Chicago Dior, Nike Shoes. La culture pop, le graffiti et le street art jouent un rôle essentiel dans la scène artistique contemporaine, proposant des interprétations originales de motifs traditionnels et embrassant la fusion de différentes formes artistiques. Mimi Yoon, artiste reconnue dans ce domaine, a rencontré un succès remarquable avec son œuvre intitulée « Once Upon A Time No More 2 ». Cette création témoigne de son ingéniosité, fusionnant harmonieusement l'imagerie des contes de fées classiques et les symboles culturels modernes. Réalisée en impression giclée, une méthode réputée pour sa capacité à reproduire les couleurs avec précision et une grande netteté, l'œuvre est présentée sur un papier d'art lenticulaire. Ce choix particulier de support est ce qui distingue « Once Upon A Time No More 2 ». L'impression lenticulaire est une technologie qui utilise des lentilles lenticulaires pour produire des images avec une illusion de profondeur ou la capacité de changer selon l'angle de vue. Cet effet visuel dynamique signifie que l'image se métamorphose en fonction de la perspective du spectateur, offrant une expérience interactive et riche. Le choix de cette technique par Mimi Yoon insuffle dynamisme et modernité à son œuvre, permettant au récit d'évoluer au gré des mouvements du spectateur. Le sujet, à la fois captivant et stimulant, met en scène une Cendrillon réinventée, juxtaposée aux iconiques chaussures Nike de Chicago Dior, remettant en question le récit traditionnel où les pantoufles de verre jouent un rôle central. Ce mélange délibéré de princesse de conte de fées et de streetwear contemporain reflète une mutation culturelle, suggérant un conte modernisé où logos de marques et style urbain occupent une place prépondérante. La présence de l'oiseau et de la souris, figures familières de l'histoire de Cendrillon, entremêle davantage l'ancien et le nouveau, ancrant le récit de Yoon comme un conte de fées des temps modernes. L'année 2021 a marqué une étape importante pour « Once Upon A Time No More 2 », avec sa sortie en édition limitée. Chaque exemplaire est signé par Mimi Yoon, garantissant son authenticité et une touche personnelle de l'artiste. Renforçant encore son caractère exclusif, l'œuvre est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé et numéroté. Mesurant 53 x 69 cm, elle s'impose comme une pièce maîtresse, captivant le regard et suscitant le débat. « Once Upon A Time No More 2 » de Mimi Yoon est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est une réflexion sur l'interaction entre la société contemporaine et les contes ancestraux. En chaussant Cendrillon de Nike, Yoon non seulement remet en question le récit, mais le renouvelle, le rendant pertinent pour le public d'aujourd'hui. S'inscrivant dans le contexte plus large du pop art, du graffiti et du street art, cette œuvre illustre comment des artistes comme Yoon réinventent les normes et repoussent les limites. Elle nous rappelle que l'art est en perpétuelle évolution, constamment influencé par les mutations sociétales, les avancées technologiques et la vision de l'artiste. À travers « Once Upon A Time No More 2 », Mimi Yoon invite les spectateurs à contempler et à s'approprier un conte de fées résolument ancré dans l'air du temps.

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Graff Head Slick 6 HPM Unique Spray Paint Silkscreen Print by OG Slick Embleshed 1 of 1 Hand-Pulled 11-Color on Untrimmed 250gsm Stonehenge Fine Art Paper Artwork. Œuvre d'art unique signée 2022 (1/1) HPM, sérigraphie 40x26 représentant Mickey Mouse et Guan Yin faisant des signes de la main, le haut du corps et le visage recouverts de graffitis et de mots à la peinture en aérosol. Le graffiti, le street art et le pop art ont toujours été de puissants moyens d'expression sociale, politique et culturelle. Dans ce domaine, les artistes fusionnent souvent des symboles iconiques issus de divers horizons pour créer des récits visuels saisissants. L'œuvre sérigraphiée « Graff Head Slick 6 HPM Unique », réalisée à la bombe de peinture par le célèbre graffeur OG Slick, témoigne de cette fusion. Ce chef-d'œuvre en 11 couleurs, tiré à la main, se distingue non seulement par la finesse de ses détails, mais aussi par son commentaire et le jeu subtil entre iconographie traditionnelle et moderne. Cette œuvre est méticuleusement réalisée sur un papier d'art Stonehenge de 250 g/m², préservant ainsi l'éclat de ses couleurs et la précision de ses lignes. L'œuvre de 40 x 26 pouces met en scène Mickey Mouse, personnage emblématique de la culture pop américaine, représenté sous les traits de Guan Yin, la déesse chinoise de la compassion. Cette représentation de Mickey Mouse, incarnant Guan Yin et effectuant des signes de la main expressifs, entrelace deux cultures tout en soulignant l'universalité de certains messages. Le buste et le visage de Mickey, dissimulés sous une couche de graffitis abstraits à la bombe de peinture, fusionnent les formes d'art traditionnelles et les styles de graffiti modernes. L'inspiration d'OG Slick pour cette série remonte à sa jeunesse, lors de ses visites à Chinatown. Il se souvient des petites figurines placées près des caisses des magasins, censées porter chance aux commerçants et bénir ceux qui leur offraient de l'argent. Établissant un parallèle, l'œuvre représente la même figurine de Guan Yin, transposée à l'ère numérique et recouverte de cryptomonnaie, symbolisant la nature changeante des bénédictions et de la prospérité à notre époque. À travers cette œuvre fascinante, OG Slick explore l'interaction complexe entre tradition et modernité, rappelant aux spectateurs la nature éphémère des valeurs culturelles et l'essence intemporelle de l'art.

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Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, sur papier d'art Speckletone fin, par Shepard Fairey, artiste rare de street art OBEY Pop Artwork. Sérigraphie signée et numérotée PEDESTAL 18 x 24 pouces Édition de 450 exemplaires 8 août 2013 Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Rolex Designer Drugs PP Printers Proof Skateboard Art Deck par Denial - Daniel Bombardier Limited Edition Archival Print on Wood Skateboard Deck par Street Artwork Graffiti Artist. Épreuve d'imprimeur PP 2018, marquée PP, édition limitée, signée, certificat d'authenticité, œuvre d'art pour skateboard, format 8x31, planche de skateboard ornée du logo Rolex en forme de pilule. La planche de skateboard Rolex Designer Drugs PP Printers Proof témoigne de la fusion entre culture urbaine, art contemporain et image de marque emblématique. Minutieusement conçue par Denial, pseudonyme de l'artiste canadien Daniel Bombardier, cette pièce allie l'esprit subversif du street art et du graffiti au prestige d'une marque de luxe – une juxtaposition récurrente dans le monde du pop art. La capacité de Denial à tisser ces éléments apparemment disparates révèle son sens aigu de la culture, de l'ironie et de la puissance des symboles dans notre société de consommation actuelle. Cette pièce de 2018, portant la mention « PP Printers Proof », atteste de son exclusivité en tant qu'édition limitée. Ces épreuves sont des versions préliminaires de l'œuvre imprimée, offrant un aperçu du processus créatif de l'artiste et garantissant la qualité des tirages finaux. De plus, elle est accompagnée d'un certificat d'authenticité et signée, offrant aux collectionneurs un lien tangible avec Denial lui-même. Mesurant 8 x 31 pouces, cette planche de skateboard est bien plus qu'une simple toile : c'est un symbole de la culture urbaine. Si le choix de cette planche peut paraître inhabituel pour de nombreux artistes traditionnels, il s'inscrit parfaitement dans l'univers du street art et du graffiti, cher à Denial. Au centre de l'œuvre, le logo Rolex est revisité sous la forme d'une pilule. Cette représentation interroge l'obsession de la société pour le luxe et les extrémités auxquelles certains sont prêts à aller pour atteindre ou afficher leur richesse. L'utilisation de la pilule, symbole de solutions rapides et d'euphorie éphémère, soulève des questions sur la nature fugace du luxe et la pression sociale exercée par les marques. Brillante fusion de culture pop, de marques de luxe et de street art, la planche de skateboard « Rolex Designer Drugs » de Denial est bien plus qu'un simple régal pour les yeux. C'est une critique, un dialogue et un témoignage de l'évolution de l'art au XXIe siècle.

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Carte-cadeau SprayedPaint.com envoyée par courriel ! SprayedPaint.com est une plateforme en ligne unique dédiée aux passionnés et collectionneurs de street art. Nous proposons une large gamme de cartes cadeaux de haute qualité, ornées d'œuvres d'artistes graffeurs parmi les plus talentueux et renommés au monde. Offrir une carte cadeau est le moyen idéal de faire plaisir à vos proches, amis ou collègues. Que ce soit pour un anniversaire, les fêtes ou simplement pour témoigner votre affection, SprayedPaint.com a ce qu'il vous faut. Plateforme innovante et spécialisée, SprayedPaint.com s'est imposée comme un acteur incontournable du street art et du graffiti. Axée sur les passionnés et collectionneurs de street art, cette plateforme transcende les frontières traditionnelles du commerce de l'art en proposant des cartes cadeaux de haute qualité, ornées des œuvres de graffeurs parmi les plus talentueux et reconnus au monde. Bien plus que de simples objets, ces cartes cadeaux sont imprégnées de l'esprit et de la vitalité du street art, ce qui en fait un cadeau idéal pour toutes les occasions. Célébrer le street art par le biais des cadeaux L'art d'offrir prend une nouvelle dimension grâce aux cartes-cadeaux proposées par SprayedPaint.com. Chaque carte ouvre les portes du monde riche et éclectique du street art. Leur polyvalence les rend idéales pour de nombreuses occasions, des anniversaires aux fêtes, en passant par les marques d'affection et de reconnaissance. Choisir une carte-cadeau sur SprayedPaint.com, c'est offrir un présent, mais aussi partager un pan de l'histoire dynamique et en constante évolution du pop art urbain. Soutenir les artistes et favoriser le développement de la communauté Cependant, la mission de SprayedPaint.com dépasse largement le cadre commercial. La plateforme se distingue par son engagement remarquable envers la communauté du street art, garantissant qu'à chaque achat de carte cadeau, une partie des recettes est reversée aux artistes mis en avant. Cette relation symbiotique entre mécénat et soutien aux artistes favorise un écosystème dynamique où ces derniers obtiennent la reconnaissance et la visibilité qu'ils méritent, contribuant ainsi à l'essor culturel du street art et du graffiti. Découvrir le spectre de l'art urbain La proposition de valeur de SprayedPaint.com repose sur sa capacité à sélectionner et à présenter une gamme diversifiée d'œuvres de street art, séduisant aussi bien les collectionneurs avertis que les néophytes. En choisissant parmi la collection de cartes cadeaux de la plateforme, les visiteurs sont invités à explorer l'univers vibrant et exaltant du street art, à découvrir des œuvres qui font écho à l'expérience urbaine et aux histoires personnelles des artistes. Ces cartes deviennent bien plus que de simples cadeaux : elles suscitent des récits et des conversations, alimentés par la magie du street art. SprayedPaint.com s'est imposé comme bien plus qu'une simple boutique en ligne ; c'est un véritable bastion de la célébration et de la diffusion du pop art et du graffiti. En proposant des cartes cadeaux qui incarnent l'essence même de cet art, en soutenant les artistes qui le créent et en offrant un espace de découverte et d'appréciation, SprayedPaint.com témoigne de l'attrait intemporel et de l'importance culturelle du street art dans la société contemporaine. Mais SprayedPaint.com ne se limite pas à la vente de cartes cadeaux. Nous avons à cœur de soutenir la communauté du street art et d'aider les artistes talentueux à obtenir la reconnaissance et la visibilité qu'ils méritent. C'est pourquoi une partie du prix de chaque carte cadeau est directement reversée à nos artistes partenaires et à leurs œuvres. Alors, si vous cherchez un cadeau vraiment unique et significatif pour un amateur de street art, rendez-vous sur SprayedPaint.com. Découvrez notre collection de cartes cadeaux dès aujourd'hui et plongez dans l'univers vibrant et passionnant du graffiti.

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Achetez AK-47 Lotus - Grand format en édition limitée tirée à la main en sérigraphie 4 couleurs sur papier de coton Coventry Rag personnalisé par l'artiste de rue Graffiti Shepard Fairey. 2022 Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires Taille 30x41 "Les sérigraphies grand format AK-47 Lotus et AR-15 Lily sont inspirées par les manifestants de la guerre du Vietnam qui mettaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale amenés pour réprimer leurs manifestations pour la paix. Je suis un pacifiste, que ce soit cela signifie trouver des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter la guerre au niveau international ou trouver des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter la violence armée à la maison. Je ne suis pas contre le deuxième amendement, donc les trolls peuvent se calmer… Je ne suis pas intéressé par le bavardage macho, je viens Je veux que moins de gens meurent inutilement. Brady United fait du bon travail pour prévenir la violence armée, ils recevront donc une partie des bénéfices de ces deux tirages. Merci de votre attention.⁠" -Shepard Fairey

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Be Faithful, peinture originale réalisée à la bombe aérosol et à la peinture acrylique sur bois de récupération par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2014, réalisée à la bombe aérosol et technique mixte, format 16,25 x 22 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à en quelque sorte vandaliser ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. » - Shark Toof

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Nous sommes une sérigraphie réalisée par Add Fuel, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art Astropack 320 g/m², œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Dimensions de l'œuvre : 19,69 x 27,56 pouces. Sérigraphie. Ajoutez la vision artistique de Fuel dans « We Are » « We Are » d'Add Fuel est une sérigraphie captivante qui incarne l'esprit novateur du pop art urbain et du graffiti. Cette édition limitée de 2023, signée et numérotée à seulement 100 exemplaires, mesure 50 x 70 cm et témoigne du savoir-faire méticuleux de l'impression artisanale. Réalisée sur papier d'art Astropack 320 g/m², l'œuvre met en valeur un procédé six couleurs qui donne vie avec éclat aux motifs complexes et aux éléments graffiti audacieux, signature du style d'Add Fuel. L'artiste à l'origine de « We Are » réinterprète l'esthétique traditionnelle des carreaux de céramique bleus et blancs avec une touche contemporaine, insufflant à ce matériau classique l'énergie et l'audace du street art. L'estampe présente une multitude de motifs de carreaux, chacun orné de détails uniques, formant une image plus riche et cohérente. Au premier abord, l'œuvre rend hommage à un art historique, mais à y regarder de plus près, la force subversive du graffiti transparaît, créant un contraste saisissant. La juxtaposition de motifs artistiques historiques et de techniques de graffiti modernes témoigne de la nature évolutive du street art. L'œuvre d'Add Fuel instaure un dialogue entre passé et présent, suggérant que les formes d'art traditionnelles et les expressions contemporaines ont toutes deux leur place dans le paysage culturel actuel. À l'instar de nombreuses œuvres de street art, celle-ci ne se limite pas aux murs des galeries ; elle porte en elle la vitalité des rues et le poids de l'histoire, faisant le lien entre différents mouvements artistiques et époques. L'importance de la sérigraphie artisanale dans l'art L'utilisation de la sérigraphie artisanale pour la série « We Are » souligne l'importance du travail manuel à l'ère de la production de masse. Chaque estampe de cette édition limitée est le fruit d'un processus laborieux exigeant précision et patience, garantissant ainsi que chaque pièce porte l'empreinte de l'artiste. L'utilisation de plusieurs couleurs confère profondeur et complexité à l'impression, faisant de chaque estampe une expérience visuelle riche. La sérigraphie, en particulier lorsqu'elle est réalisée à la main, est un hommage aux techniques artistiques traditionnelles. À une époque où l'art numérique prend une place de plus en plus importante, l'engagement d'Add Fuel envers les estampes artisanales met en valeur les aspects tactiles et physiques de la création artistique. C'est une célébration du travail de l'artiste à une époque où il est souvent absent du processus créatif. L'influence du street art, du pop art et du graffiti sur « We Are » « We Are » s'inscrit pleinement dans la tradition du street art et du graffiti. Ces mouvements se caractérisent depuis longtemps par leur volonté de remettre en question les idées reçues sur la place de l'art et ses formes possibles. L'œuvre d'Add Fuel prolonge cette tradition, démontrant que l'esprit subversif du street art peut s'harmoniser avec des formes d'art plus classiques. L'influence culturelle du street art et du graffiti est manifeste dans l'accueil réservé à des œuvres comme « We Are ». Elles trouvent un écho auprès d'un large public, séduisant ceux qui apprécient le caractère rebelle du street art et la beauté complexe des motifs traditionnels. Ce mélange de styles est devenu une marque de fabrique de l'art contemporain, reflétant une société qui valorise la diversité et la fusion des idées. Dans le contexte plus large de l'art moderne, « We Are » symbolise l'unité et le progrès. L'approche novatrice d'Add Fuel témoigne d'un mouvement artistique plus profond qui cherche à honorer le passé tout en s'engageant résolument vers l'avenir. Son œuvre représente visuellement le dialogue possible entre différentes disciplines artistiques et nous rappelle que l'art est un dialogue en constante évolution. « We Are » d’Add Fuel illustre de façon saisissante le potentiel du street art et du graffiti à transcender les frontières et à créer une œuvre inédite et vibrante. Cette sérigraphie en édition limitée témoigne du pouvoir de l’art à unir des éléments divers en un tout cohérent et captivant. Elle célèbre la capacité de l’art à nous relier à notre héritage tout en nous incitant à explorer de nouveaux horizons. À travers des œuvres comme « We Are », le dialogue entre les formes d’art traditionnelles et les expressions contemporaines se poursuit, enrichissant le tissu culturel de notre époque.

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Blue Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée numérotée de 75 exemplaires (2022) - Illustration pour skateboard - Format 8,25 x 31,87 Naturellement, cet artiste s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine, tout en conservant une pertinence indéniable et en s'attachant à susciter la réflexion. Il explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels, inscrits dans la mémoire collective de la civilisation occidentale. Autrement dit, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Le Tigre, édition limitée, sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier d'art Stonehenge 250 g/m² par Chris Saunders, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Œuvre de 24 x 24 pouces. Sérigraphie « Le Tigre » de Chris Saunders. « Cette œuvre est l'évolution d'une création réalisée il y a quelques années, à l'origine une simple esquisse. Je traversais alors une période de profonds bouleversements. Je ressentais un besoin impérieux de quitter mon métier d'artiste commercial pour me consacrer pleinement à mon art, et j'étais envahi par de nombreuses angoisses. Habituellement, face à ces changements, je m'efforce de prendre du recul et de faire confiance à mon intuition. Cette intuition a tendance à modeler ces expériences sous la forme de différents animaux qui m'accompagnent dans cette transition. Pour moi, le tigre représente l'instinct primaire, la capacité à lâcher prise, à se faire confiance et à suivre pleinement son intuition. Cette œuvre est bien plus impressionnante en réalité ; les photos ne rendent pas justice aux différentes couches et à la texture des encres utilisées. » – Chris Saunders

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« Social Distancing Simpsons Archival Pigment Fine Edition Limited Edition Print on 310gsm Bauhaus Cotton Rag Paper » de l'artiste Ben Frost, Street Pop Art Graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 40 exemplaires, 2020. Format de l'œuvre : 12 x 12 pouces. Ben Frost (né en 1975), « Distanciation sociale », 2020. Impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Cotton Rag Stock, 12 x 12 pouces (30,5 x 30,5 cm) (feuille). L'édition limitée à 40 exemplaires est signée et numérotée au crayon sur le bord inférieur et publiée par l'artiste. À la croisée de la culture pop et du commentaire social L'estampe d'art « Social Distancing Simpsons » de Ben Frost, réalisée à partir de pigments d'archives, est une analyse percutante de la société contemporaine à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Cette édition limitée, numérotée et signée, reflète l'approche unique et souvent controversée de Frost, qui mêle icônes de la culture populaire et messages subversifs. Créée en 2020, « Social Distancing Simpsons » est une œuvre saisissante qui se déroule dans le contexte d'une pandémie mondiale, à une époque où la distanciation sociale est devenue omniprésente. En intégrant un personnage familier des « Simpson », Frost touche à la conscience collective et commente l'impact des changements sociétaux sur la culture populaire. Le choix de l'impression numérique d'archives sur papier Bauhaus Cotton Rag Stock, un matériau de haute qualité, garantit la préservation de l'éclat de l'œuvre et la précision de ses détails. La juxtaposition de l'image d'un personnage des Simpson avec une étiquette pharmaceutique illustre le style de Frost, qui consiste souvent à fusionner des éléments disparates pour créer une œuvre visuelle à la fois dérangeante et stimulante. Cette estampe de 12 x 12 pouces est un carré parfait qui capture l'essence du propos artistique de Frost : une critique du consumérisme, de la santé mentale et de l'industrie pharmaceutique. Le style signature de Ben Frost L'œuvre de Frost se caractérise par sa volonté inflexible de confronter et de remettre en question les vérités dérangeantes de la vie moderne. Dans « Social Distancing Simpsons », la collision entre l'univers du dessin animé et la dure réalité des médicaments parle à une génération qui trouve du réconfort dans la nostalgie tout en luttant contre les angoisses contemporaines. Tirée à seulement 40 exemplaires, cette œuvre devient une pièce de collection, un instantané d'une époque marquée par l'isolement et la quête de lien social. Reflets du pop art et du graffiti urbains L'art de Frost reflète le pop art urbain et le graffiti par sa franchise et son langage visuel immédiat et accessible. L'intégration de l'esthétique du street art dans des estampes d'art brouille les frontières entre l'art savant et les expressions plus démocratiques en milieu urbain. « Social Distancing Simpsons » témoigne du pouvoir de ce genre à communiquer au-delà des mots, offrant une critique visuelle à la fois universelle et profondément personnelle. En résumé, « Social Distancing Simpsons » de Ben Frost est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire sur notre époque, un miroir tendu aux complexités et contradictions de la vie contemporaine. Par son habile mélange de références à la culture pop et de commentaires sociaux incisifs, Frost s'impose comme une voix majeure du pop art urbain et du graffiti. Cette œuvre, en particulier, constitue un poignant rappel de l'année 2020, capturant l'essence d'une période qui a marqué la société à jamais.

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Fame City Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print on 310gsm Canson Infinity Rag Photographique Paper by Urban Graffiti Modern Artist Ces One- Rob Provenzano x Doves x Mast x Yes2. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée par les 4 artistes (2020). Format : 36 x 12 pouces. « Fame City » représente une fresque peinte à Wynwood.

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Globe d'alerte Flint Eye, impression sérigraphique en édition limitée 4 couleurs tirée à la main sur papier d'art blanc véritable français par l'artiste Shepard Fairey. Édition limitée 2017, signée et numérotée, à 450 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Cette œuvre s'inspire d'une peinture réalisée pour mon exposition « Crise terrestre » à Paris. L'ensemble des œuvres de cette exposition utilisait ces nuances de bleu et de turquoise comme un lien avec l'air et l'eau, éléments essentiels à la vie sur Terre. Cette pièce, plus précisément, explore l'idée que nous devons prendre conscience de ce qui nous entoure, de notre dépendance à la nature. J'ai choisi la fleur épanouie comme symbole de beauté et de croissance. Si nous continuons à polluer l'air et l'eau, la vie ne pourra plus se développer, et nous tomberons tous malades.

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Eruption PP Archival Print par DAIM, tirage en édition limitée sur papier d'art de musée 310 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x21 Pigments d'archivage Estampe d'archive Eruption PP de DAIM : une fusion de pop art urbain et de beaux-arts L'estampe d'art « Eruption PP » de l'artiste DAIM illustre de façon saisissante la fusion entre le pop art urbain et la rigueur de la gravure d'art. Cette œuvre, faisant partie d'une édition limitée sur papier d'art de qualité musée (310 g/m²), témoigne du savoir-faire de l'artiste dans la création de profondeur et de mouvement sur une surface bidimensionnelle. Reconnu pour ses graffitis dynamiques et géométriquement complexes, DAIM a transposé son talent dans le domaine de la gravure d'art, capturant l'esprit du graffiti sous une forme propice à la conservation et à la collection. Le terme « PP » signifie « épreuve d'imprimeur », similaire à une épreuve d'artiste, mais généralement réservée aux collaborateurs du processus de gravure. Les imprimeurs conservent souvent ces épreuves comme référence pour la qualité et la couleur du tirage. L'estampe d'art « Eruption PP » de 2016 porte la marque de l'implication et de l'approbation de DAIM : signée et désignée comme PP, elle souligne son caractère unique par rapport aux tirages de l'édition standard. Cette estampe, au format 14x21 pouces, est facile à manipuler et très recherchée par les collectionneurs, ce qui en fait une pièce prisée des amateurs d'art pop urbain moderne et de graffiti. Technique et signification culturelle des estampes d'archives du DAIM La maîtrise de DAIM dans la création de graffitis complexes en 3D est manifeste dans l'estampe « Eruption PP Archival Print », où l'illusion de formes en relief et d'éléments éclatants est saisissante. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la pérennité des couleurs et la précision des détails, reflétant la longévité et l'importance historique du street art dont elle s'inspire. Cette technique permet également à l'œuvre de traverser les âges, à l'image des messages et de l'impact du street art qui continuent de résonner dans les paysages urbains et les débats culturels. Cette œuvre représente bien plus qu'un simple plaisir esthétique ; elle inscrit l'évolution du street art dans un cadre artistique plus formel. À travers cette estampe, DAIM remet en question la séparation traditionnelle entre l'esprit contestataire du street art et les murs guindés des galeries d'art. L'intégration de telles estampes sur le marché de l'art témoigne de l'évolution de la perception du graffiti, reconnaissant sa place légitime au sein du vaste corpus des productions culturelles majeures. L'impact des estampes en édition limitée dans le monde de l'art L'introduction des tirages en édition limitée a profondément transformé l'univers du street art et du graffiti. Ces tirages permettent à des artistes comme DAIM de toucher un public plus large, en proposant une œuvre à la fois accessible et exclusive. Le tirage d'archive « Eruption PP » illustre parfaitement cette évolution : il s'agit d'une pièce maîtresse du patrimoine graffiti de DAIM et d'une œuvre de collection pouvant être acquise à titre privé. Le concept d'épreuves d'artiste, comme celle-ci, renforce l'idée d'exclusivité et offre aux collectionneurs un lien tangible avec la vision originale de l'artiste. Les éditions limitées, à l'instar du tirage de DAIM, font le lien entre la nature éphémère du street art et la pérennité recherchée par les collectionneurs. Elles jouent ainsi un rôle crucial dans la pérennité des artistes et de leur travail créatif, tout en garantissant la préservation de l'œuvre face aux intempéries et au temps. Dans le contexte de l'art moderne, ces tirages sont bien plus que de simples reproductions ; ce sont des créations originales qui portent l'empreinte de l'artiste et le dynamisme de la culture street art. Pour saisir toute l'importance de l'estampe « Eruption PP Archival Print » de DAIM, il est essentiel de reconnaître la convergence de la technique artistique, de l'impact culturel et des dynamiques du marché qu'elle représente. Cette estampe est un instantané du parcours créatif de DAIM, une célébration de l'influence du street art sur la culture contemporaine et un témoignage de l'attrait durable du pop art urbain et du graffiti au sein de la communauté des beaux-arts.

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AZ Values - X Peinture originale à la bombe et à l'encre noire sur papier mat épais par Jason Naylor, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Série d'affirmations positives commençant par les lettres AZ, ici la lettre X pour X-Factor. Une série de peintures AZ mettant en lumière des traits de personnalité, ou des valeurs, qui contribuent à définir ce que signifie être une bonne personne. Il s'agit d'un projet personnel inspiré du défi « 36 Days of Type », populaire sur les réseaux sociaux. Peinture aérosol et encre noire sur papier mat épais 45,7 x 61 cm.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Sérigraphie Share par Kaws - Brian Donnelly, tirée à la main sur papier beaux-arts gris acier 250 g/m², édition limitée. Sortie en 2021, édition limitée numérotée et signée à 500 exemplaires en 2022. Œuvre d'art de 16 x 20 pouces, sérigraphie représentant Gray Kaws Companion Accomplice tenant une poupée BFF Companion rose. La sérigraphie « Share » de KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, est une œuvre majeure du mouvement contemporain du Street Pop Art. Elle illustre la convergence entre l'expressivité brute du graffiti et la précision de la gravure d'art. Lancée en 2021, puis signée et numérotée en 2022, cette œuvre en édition limitée incarne le méticuleux croisement entre culture urbaine et art contemporain, caractéristique du travail de KAWS. Tirée à 500 exemplaires, chaque estampe occupe une place de choix sur le marché de l'art, synonyme de rareté et d'exclusivité. KAWS : De graffeur à phénomène artistique mondial Brian Donnelly, alias KAWS, a fait ses premiers pas dans la culture graffiti à Jersey City. Ses premières œuvres se distinguaient par leur esprit rebelle ; il s’appropriait souvent les panneaux publicitaires pour y mettre en scène ses personnages désormais emblématiques. Au fil des ans, KAWS s’est imposé comme une figure majeure de la scène artistique internationale, dépassant ses racines graffiti pour explorer un éventail plus large de médiums, dont la peinture, la sculpture et, comme en témoigne son œuvre « Share », la sérigraphie traditionnelle. Le mérite artistique de « Share » « Share » témoigne de la polyvalence artistique de KAWS et de sa capacité à explorer les territoires complexes du street art pop. L'œuvre met en scène le KAWS Companion gris tenant une poupée BFF Companion rose, imprimée sur un papier d'art gris acier de 250 g/m². Le choix de ce papier gris acier non seulement met en valeur les nuances de gris du Companion, mais accentue également le rose vif de la BFF, créant un effet visuel à la fois saisissant et chargé d'émotion. Les Companions, figures récurrentes dans l'œuvre de KAWS, sont connus pour leurs expressions expressives et presque humaines qui communiquent des sentiments universels malgré leurs formes caricaturales. Les impressions sérigraphiques réalisées à la main sont un travail minutieux qui exige une grande maîtrise technique, reflétant le souci du détail et l'attachement de KAWS à l'artisanat. Chaque estampe de la série « Share » est unique de par le procédé d'impression, avec de subtiles variations qui font de chaque pièce une œuvre d'art singulière. Le tirage de 500 exemplaires, bien que relativement faible pour des produits fabriqués en série, est largement surdimensionné pour une œuvre d'art artisanale, ce qui indique la volonté de KAWS de rendre son art plus accessible au public. L'impact culturel des estampes en édition limitée de KAWS Les estampes en édition limitée de KAWS, telles que « Share », jouent un rôle crucial dans la démocratisation de l'art. Elles permettent à un public plus large de découvrir et d'acquérir une œuvre d'un artiste très respecté dans les milieux du street art et de l'art alternatif. Ces estampes servent souvent de point d'entrée pour les nouveaux collectionneurs et amateurs d'art, comblant le fossé entre les cercles artistiques exclusifs et le grand public, plus familier avec le street art et le graffiti. De plus, la présence des œuvres de KAWS dans les galeries et les boutiques de streetwear souligne la fluidité avec laquelle son art traverse différents paysages culturels. « Share », en particulier, avec sa représentation poignante de la camaraderie et de l'attention, est devenue une image symbolique qui résonne à de multiples niveaux sociaux, émotionnels et culturels. Elle exprime le besoin humain fondamental de connexion, un thème souvent exploré dans le street art, le pop art et le graffiti. Le rôle de KAWS dans l'évolution du street art La publication d'estampes sérigraphiques comme « Share » souligne l'évolution du street art, de ses débuts clandestins à son statut actuel de forme d'art reconnue et célébrée. Par sa transposition méticuleuse de l'esthétique du graffiti dans l'estampe d'art, KAWS a joué un rôle déterminant dans cette transformation. Son œuvre remet en question les notions traditionnelles d'art et la définition même de l'artiste, élargissant ainsi le public et la compréhension du Street Pop Art. « Share » de KAWS est, par essence, un puissant reflet de l'esprit du Street Pop Art. Elle capture la vitalité de la culture urbaine tout en embrassant la sophistication des beaux-arts. En tant qu'estampe sérigraphique en édition limitée, elle s'impose comme un artefact culturel qui saisit l'esprit du XXIe siècle, brouillant les frontières entre art savant et culture populaire et trouvant un écho auprès d'un public diversifié et international. À travers des œuvres comme « Share », KAWS continue de redéfinir les frontières de l'art, assurant ainsi la pérennité de son héritage pour les générations futures.

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Épreuve sérigraphique Sansho Copper HPM PP pour imprimantes, par Fin DAC, 23 couleurs, sur papier d'art Somerset Fine Art 330 g/m², édition limitée, œuvre d'art pop street art. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée Feuille de cuivre PP HPM Finition à la main Embellie Édition limitée Œuvre d'art Dimensions 23,62 x 33,46 Conception et réalisation des illustrations de Fin DAC La sérigraphie « Sansho Copper HPM PP » occupe une place de choix dans l'œuvre de l'artiste Fin DAC, reconnu pour sa fusion unique de street art et de techniques picturales traditionnelles. Cette pièce, issue d'une édition limitée, met en lumière le travail minutieux de l'artiste grâce à une sérigraphie 23 couleurs sur papier d'art Somerset 330 g/m², témoignant de la grande qualité et du souci du détail qui caractérisent son art. Dans « Sansho Copper HPM PP », Fin DAC démontre sa maîtrise de la couleur et de la forme. L'image est un portrait saisissant représentant un sujet vêtu d'un costume traditionnel asiatique, rehaussé de motifs colorés vibrants et d'ornements à la feuille de cuivre. Ce contraste entre l'expression sereine, presque stoïque, du sujet et les éclats de couleurs dynamiques reflète la volonté de l'artiste de juxtaposer le calme de la figure au chaos de l'environnement, un thème récurrent du street art. Importance artistique et impact culturel L'œuvre porte la mention PP, signifiant « Épreuve d'imprimeur », attestant de son statut de pièce rare, hors de la série numérotée standard. La signature et le marquage de ces épreuves par Fin DAC garantissent aux collectionneurs leur authenticité et leur exclusivité. La mention HPM (Hand Painted Multiple) à la feuille de cuivre signifie que chaque exemplaire de l'édition, bien qu'appartenant à une série, présente des éléments uniques appliqués à la main, faisant de chaque estampe une œuvre d'art à part entière. Techniques et matériaux Fin DAC utilise la sérigraphie, une technique prisée dans le street art et le pop art pour produire des images éclatantes et nettes. L'utilisation de 23 écrans distincts pour l'application des couleurs illustre la complexité et le travail minutieux du procédé. Le papier Somerset de 330 g/m², choisi pour sa haute qualité et sa durabilité, garantit la préservation des couleurs vives et des détails précis de l'œuvre. Positionnement en art pop et urbain « Sansho Copper HPM PP » illustre comment le pop art urbain peut être à la fois accessible et sophistiqué. En intégrant des éléments traditionnels du pop art, tels que la sérigraphie et les couleurs vives, aux détails subtils des embellissements réalisés à la main, Fin DAC fait le lien entre l'énergie brute du street art et les techniques raffinées des beaux-arts. Cette œuvre démontre le potentiel du pop art urbain à s'épanouir non seulement dans l'espace public, mais aussi à occuper une place de choix dans les collections privées. L'influence de Fin DAC sur l'art contemporain Fin DAC s'est forgé une place de choix dans le monde de l'art en proposant régulièrement des œuvres visuellement saisissantes et thématiquement pertinentes. Sa capacité à capturer l'essence de ses sujets tout en les imprégnant d'une esthétique moderne a fait de lui une figure incontournable du débat autour du street art contemporain. « Sansho Copper HPM PP » témoigne du talent de Fin DAC pour créer des œuvres qui touchent un large public et contribuent à la réflexion sur ce qui constitue l'art à l'ère moderne. « Sansho Copper HPM PP » de Fin DAC est un exemple emblématique du street art contemporain et une contribution significative à l'évolution du pop art et du graffiti. Cette œuvre illustre le potentiel des formes d'art traditionnelles à s'adapter et à s'épanouir dans le contexte de l'esthétique moderne et des commentaires culturels. Cette estampe constitue un point de rencontre vibrant entre histoire, culture et art contemporain, reflétant la nature diverse et dynamique du genre.

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La Blob Bat, une sculpture de batte de baseball en érable en édition limitée, œuvre d'art réalisée par Efdot, artiste de rue spécialisé dans le graffiti moderne. La batte Blob d'Efdot arbore son motif Blob emblématique, à la fois abstrait et figuratif, qui enveloppe le fût noir brillant de la batte en bois. Le logo Efdot et le monogramme Ef. sont apposés sur la surface, au-dessus du manche. La première batte Blob est apparue sur la carte Mike Trout de la collection Topps Project 2020 d'Efdot. Seulement 10 exemplaires de cette édition spéciale Blob Bats noire et or seront produits pour le jour d'ouverture de la saison MLB 2021. Caractéristiques : Longueur : 84 cm (33 pouces), fût large et manche de taille moyenne. Matériau : Érable D-318. En collaboration avec Dinger Bats. (Ballon de baseball non inclus). Expédié par Efdot Studio à Brooklyn, New York.

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« Dommages collatéraux », une peinture originale technique mixte (aérosol, sable, paillettes, acrylique) sur papier épais, réalisée par Risk, artiste de rue et de graffiti moderne. Cercles de dommages collatéraux, 2018 - Possédez une œuvre originale à risque ! Originale (peinture en aérosol, acrylique sur papier épais, paillettes, texture granuleuse et sableuse qui capte la lumière) Taille : 22 x 30 pouces Date de création : 2018 Œuvre originale – Chaque pièce est unique, signée à la main.

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Air Max 90 - GalactiDRIP Pointure 12 Art Shoes, Sneaker en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste de rue Sierato Artisan Echelon sur Nike. Édition limitée, fabriquée et peinte à la main. Pointure : 46 (US 12 US). Authentiques Air Max 90 en cuir, style Sierato, motif Galaxy, avec un Swoosh Nike Freestyle South Beach peint à la main, unique à chaque fois. Boîte signée. Neuves, jamais portées. Fusionnant l'univers dynamique de la culture sneaker avec la richesse des paysages cosmiques, l'Air Max 90 - GalactiDRIP illustre à merveille comment le street art peut transcender les supports traditionnels et s'exprimer dans le monde de la mode et des objets de collection. Imaginée par le célèbre artiste de rue Sierato, reconnu pour ses créations audacieuses et expressives, cette chaussure pour homme (pointure 46) est bien plus qu'une simple paire de chaussures : c'est une véritable œuvre d'art à porter. Confectionnées en cuir véritable, ces sneakers garantissent la qualité attendue des Nike Air Max 90 et offrent un écrin parfait au style unique de l'artiste. Le thème « Galaxy » de Sierato est un voyage visuel à travers l'espace, décliné sur la chaussure dans un motif freestyle inspiré de South Beach, qui se déploie depuis le Swoosh iconique de Nike. Ce motif est unique à chaque paire, faisant de chaque sneaker une pièce unique. Cette approche artistique particulière reflète l'esprit spontané et souvent improvisé du street art, où chaque coup de pinceau ou goutte de peinture enrichit le récit de l'œuvre. Ces baskets en édition limitée, créées par un artiste de renom dans le domaine de la chaussure personnalisée, incarnent un univers où mode, art et individualité se rencontrent. Les collectionneurs de sneakers artistiques sont séduits par des pièces comme la GalactiDRIP pour leur esthétique unique, le savoir-faire artisanal et le message qu'elles véhiculent. Chaque chaussure témoigne de la vision de l'artiste et de son souci du détail, invitant celui ou celle qui la porte à s'immerger dans une histoire à chaque pas. L'Air Max 90 - GalactiDRIP illustre le dépassement des frontières du pop art et du street art, où des artistes comme Sierato redéfinissent la création artistique et ses espaces d'expression. Libéré des galeries et des paysages urbains, l'art trouve un support dynamique et mobile, interagissant avec le public de manière à la fois personnelle et collective. Ces chaussures artistiques brouillent les frontières entre fonctionnalité et esthétique, s'adressant à une communauté grandissante qui valorise le lien entre expression artistique et quotidien.

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Vidéosurveillance 12x18- II Peinture originale technique mixte, artiste graffiti, art pop moderne sur véritable panneau de rue en métal par Cope2. Panneau de signalisation en métal véritable, signé, réalisé à la bombe de peinture (lettres bulles), 2020, format 12 x 18 pouces. Zone sous surveillance 24h/24.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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KAWS Companion 2020 - Figurine de collection en vinyle marron, édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti Kaws. Édition 2020 épuisée de Kaws, objet de collection rare, dimensions : 17,13 x 8,86 x 3,15 pouces, neuf dans sa boîte. L'art de la réflexion dans KAWS Companion 2020 - Brun Marquant une étape importante dans l'art contemporain, le KAWS Companion 2020-Brown est une pièce de collection en vinyle célébrant le 20e anniversaire de l'emblématique KAWS Companion. Lancée le 17 décembre 2020, cette œuvre trouve un écho auprès d'un public international, reflétant l'expérience collective de cette année. La position allongée de la figurine, face contre terre, capture un moment de calme et de réflexion, une caractéristique qui en fait une pièce symbolique à exposer. Mesurant 43,5 x 22,5 x 8 cm, cette édition épuisée apporte une touche à la fois sombre et élégante à la série grâce à ses tons bruns terreux, contrastant avec la palette généralement vibrante de KAWS. Le KAWS Companion 2020-Brown incarne l'évolution du mouvement du street art, offrant une forme qui est à la fois un commentaire sur les événements de l'année et une célébration de deux décennies de contributions de KAWS au monde de l'art. Son design plat est un choix stylistique distinctif qui renforce sa valeur d'exposition, ce qui en fait une pièce prisée des collectionneurs et des amateurs d'art du graffiti urbain. KAWS Companion 2020-Brown : Un symbole de notre époque La figurine KAWS Companion 2020-Brown symbolise son époque, incarnant le sentiment de pause et de contemplation qui a marqué la fin de l'année 2020. Cette œuvre d'art de collection, neuve dans sa boîte, dépasse sa simple fonction d'objet. Elle acquiert une dimension narrative qui s'adresse à ses spectateurs avec une intimité rare pour une édition limitée. La silhouette mélancolique de la Companion rappelle avec émotion les défis de l'année, tandis que son existence en tant qu'œuvre d'art symbolise également l'espoir et la persistance de la créativité. La sortie de cette figurine témoigne de la compréhension qu'a KAWS de son public et du contexte culturel actuel, s'inscrivant pleinement dans l'essence du street art et du graffiti. Par sa posture et sa couleur, la Companion 2020-Brown communique un sentiment universel qui résonne dans différents contextes, apaisant le fossé entre l'art et le vécu. Companion 2020-Brown : La continuation de l'héritage de KAWS La figurine KAWS Companion 2020-Brown s'inscrit dans la lignée de l'artiste et constitue une contribution majeure au pop art urbain. Sa rareté, due à son épuisement, n'a fait qu'accroître sa valeur en tant que pièce d'histoire de l'art. KAWS, figure emblématique de l'intégration du street art dans le monde des objets de collection, témoigne de la maturité de son travail à travers cette figurine, offrant une pièce aussi contemplative que captivante. Le design plat de la Companion 2020-Brown lui confère une élégance singulière, invitant le spectateur à une interaction personnelle avec l'œuvre. Elle illustre le potentiel des figurines en vinyle à transcender leur simple perception d'objets ludiques pour devenir des expressions artistiques profondes. Alors que le pop art urbain continue de gagner en reconnaissance, la Companion 2020-Brown de KAWS témoigne de la richesse, de la diversité et de la capacité du genre à refléter les enjeux contemporains.

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Pause café - Dessin de la Joconde - Impression sérigraphique monochrome réalisée à la main sur papier d'art tissé par l'artiste pop graffiti Madsaki - Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020), œuvre d'art de qualité supérieure, format 20,25 x 28,75 pouces. La scène artistique contemporaine est un paysage en constante évolution, foisonnant d'expérimentations et d'œuvres avant-gardistes qui remettent en question les normes artistiques traditionnelles. Un exemple éloquent de cette tendance est « Le Dessin de la Joconde pendant la pause café », une œuvre créée par le célèbre artiste pop graffeur Madsaki. Son interprétation du chef-d'œuvre de Léonard de Vinci réinvente l'image iconique, offrant une perspective inédite tout en rendant hommage à l'original. Par un mélange d'inspiration classique et d'exécution moderne, l'œuvre de Madsaki représente la fusion du passé et du présent, hissant le street art et le pop art au rang des beaux-arts. Utilisant la technique de la sérigraphie artisanale monochrome sur papier d'art tissé, l'interprétation de Madsaki met en valeur l'essence brute et la finesse des détails du street art. La sérigraphie est remarquable par sa polyvalence, permettant des applications de couleurs vibrantes et des motifs complexes. Le choix du papier d'art tissé confère une profondeur texturée à l'œuvre, enrichissant l'expérience tactile de sa contemplation. Le choix de Madsaki d'utiliser ces matériaux et techniques témoigne de son attachement à préserver l'authenticité du street art et du graffiti, tout en l'élevant à un niveau de sophistication qui séduit les amateurs d'art et les collectionneurs. L'année 2020 a marqué un tournant pour Madsaki et ses admirateurs avec la sortie de « Coffee Break Drawing of Mona Lisa », une œuvre d'art en édition limitée à seulement 100 exemplaires. Chaque pièce est signée par l'artiste, conférant ainsi une valeur exclusive et un lien personnel aux collectionneurs. Mesurant 51,4 x 73 cm, la taille de l'œuvre souligne son importance et en fait une pièce maîtresse adaptée à différents environnements d'exposition. Ces éditions limitées deviennent souvent des objets de collection très recherchés, incarnant à la fois la vision de l'artiste et un instantané d'une époque particulière de l'histoire de l'art. Dans le cadre plus large du pop art, du street art ou du graffiti, « Coffee Break Drawing of Mona Lisa » de Madsaki se distingue à plusieurs égards. Tout d'abord, cette œuvre remet en question les frontières traditionnelles entre art « savant » et art « populaire ». En s'appropriant une œuvre classique vénérée et en la présentant à travers le prisme du street art, Madsaki invite les spectateurs à reconsidérer leurs idées préconçues sur ce qui constitue un « art noble ». De plus, l'œuvre témoigne de l'acceptation et de la reconnaissance croissantes du street art et du graffiti au sein des milieux artistiques traditionnels. Des artistes comme Madsaki ne se contentent pas de se rebeller contre les normes traditionnelles ; ils les remodèlent et les redéfinissent. Dans le domaine de l'art moderne, le « Dessin de la Joconde pendant la pause-café » de Madsaki fait figure de phare, illustrant les possibilités infinies qui s'offrent à ceux qui rencontrent les inspirations classiques et les interprétations contemporaines. À mesure que l'art évolue, ce sont des œuvres comme celle-ci qui resteront dans les mémoires pour leur audace, leur créativité et leur impact profond sur le paysage artistique mondial.

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Adidas Yeezy Boost 350 V2 Zebra neuves, jamais portées, taille 5, édition limitée, pièce de collection. Adidas est de retour avec sa toute nouvelle Yeezy Boost 350 V2. Juste après le NBA All-Star Weekend, ces Yeezy, surnommées « Zebras », arborent un coloris classique blanc, noir et rouge. L'empeigne en Primeknit blanche est rehaussée de touches de noir évoquant les rayures d'un zèbre. L'inscription « SPLY-350 » apparaît en rouge sur les côtés, et la semelle extérieure translucide BOOST assure un amorti optimal. À ce jour, il s'agit de la Yeezy la plus rare jamais sortie et elle est instantanément devenue l'un des coloris les plus prisés. Sa date de sortie est fixée au 25 février 2017. Son prix est de 220 $ et elle sera uniquement disponible en tailles homme ; pas de tailles enfant cette fois-ci. Le 24 juin, Adidas rééditera les très convoitées « Zebras », offrant ainsi aux fans du monde entier une dernière chance d'acquérir l'une des paires les plus populaires de 2017. Si vous avez eu de la chance lors de la première sortie, si vous possédez déjà une paire de la réédition ou si vous ne voulez pas prendre le risque de la rater, découvrez le marché où vous pouvez acheter et vendre les adidas Yeezy 350 Boost V2 « Zebra » en ligne dès maintenant. À porter, à conserver ou à revendre, le choix vous appartient.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Figurine artistique Together Grey Companion de Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2018, format 6x10x5,5, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, Foot Grey Kaws Companion Friends Hugging par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Lorsqu'on considère l'évolution du pop art et du street art, on ne peut ignorer l'apport majeur de Brian Donnelly, plus connu sous son pseudonyme de Kaws. Parmi ses nombreuses œuvres emblématiques, la figurine « Together Companion Art Toy » témoigne de sa maîtrise et de son style unique. Sortie en 2018 en édition limitée, cette sculpture en vinyle a rapidement été épuisée, s'imposant comme une pièce de collection très recherchée. Mesurant 15,2 x 25,4 x 14 cm, elle dégage une émotion palpable, grâce à la représentation de deux personnages Companion, créations emblématiques de l'artiste, enlacés tendrement. Leur étreinte, symbole d'amitié et d'unité, illustre avec force l'interconnexion souvent présente dans les communautés urbaines où le street art s'épanouit. Chaque détail de la sculpture, jusqu'au pied estampillé ou imprimé, souligne l'engagement de Kaws envers l'authenticité. Présentée dans sa boîte d'origine, cette œuvre d'art est bien plus qu'un simple jouet ; C'est le reflet de la capacité du street art à saisir les émotions humaines brutes. Avec des œuvres comme le « Together Companion Art Toy », Kaws continue de valoriser le street art, lui assurant ainsi une place essentielle et respectée dans le discours artistique global.

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Famille - Figurine de collection en vinyle, édition limitée marron/bleu/blanc, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée ouverte 2021. Dimensions : 34 × 31 × 14,5 cm (13,39 × 12,2 × 5,71 po). Présentée avec sa boîte. L'inclusion de la diversité dans la série Family-Brown/Blue/White de KAWS Le coffret de figurines en vinyle « Family-Brown/Blue/White » de KAWS, sorti en septembre 2021, présente une collection saisissante de personnages emblématiques de l'artiste. Chacun est décliné dans une teinte distincte, créant une harmonie visuelle remarquable. Mesurant 34 x 31 x 14,5 cm, ce coffret a été dévoilé lors de l'exposition d'art TOKYO FIRST, plaçant ainsi ces personnages au cœur de la scène artistique contemporaine. Cette série comprend deux figurines Companion, une figurine Chum (mini et taille réelle) et une figurine BFF, toutes très appréciées des fans et incarnant l'esthétique signature de KAWS. Ce coffret témoigne de la capacité de KAWS à explorer les interactions entre le Street Pop Art, le graffiti et le marché des figurines de collection. Les figurines sont présentées dans leur boîte d'origine, soulignant leur caractère exceptionnel et garantissant leur état et leur valeur. La différenciation des couleurs entre les figures souligne l'individualité au sein de l'unité du design, reflétant la diversité des personnages que KAWS a créés au fil des ans. Commentaire de KAWS sur la connectivité à travers l'art et le jeu La série « Family-Brown/Blue/White » de KAWS n'est pas qu'une simple collection d'objets : c'est une réflexion subtile sur les liens et les dynamiques relationnelles, sur fond de culture pop et de street art. Tout en partageant des éléments graphiques communs, comme les yeux barrés, chaque figurine possède une personnalité et une coloration uniques. Le brun, le bleu et le blanc sont symboliques : le brun représente souvent la terre et l'ancrage des relations, le bleu la profondeur des émotions et de la communication, et le blanc la pureté et la simplicité des liens. Cette série s'inscrit également dans le récit plus large de KAWS, qui explore fréquemment les thèmes des émotions humaines et des interactions en milieu urbain. Avec son étreinte réconfortante, la figurine BFF évoque les liens qui unissent les individus, tandis que les Companions, de tailles différentes, suggèrent la croissance et l'évolution des relations personnelles. En intégrant ces thèmes à son œuvre, KAWS garantit que son art reste accessible et évocateur, faisant le lien entre l'expressivité brute du street art et l'univers raffiné du design de collection. L'impact artistique et culturel de la série Family de KAWS L'impact de la série « Family-Brown/Blue/White » de KAWS sur les scènes du street art et du graffiti est profond. Cette collection, avec son savoir-faire minutieux et sa palette de couleurs réfléchie, souligne l'évolution du street art, passé d'un acte de contestation publique à un objet très recherché sur le marché de l'art. À travers cette série, KAWS continue de repousser les limites de l'art traditionnel, étendant ainsi la perception, la valeur et l'interaction avec l'art. En tant qu'édition limitée ouverte, la série offre à la fois exclusivité et accessibilité, permettant à un large public de découvrir l'œuvre de KAWS. Cette dualité reflète la nature même du street art, ancré dans l'idée d'un art pour tous, mais de plus en plus reconnu comme une forme d'expression créative précieuse et collectionnable. La série « Family-Brown/Blue/White » n’est donc pas seulement une collection de figures esthétiquement plaisantes, mais aussi un artefact culturel qui incarne l’esprit du temps de la pratique artistique contemporaine, reflétant l’inclusivité et la diversité qui sont au cœur de la philosophie artistique de KAWS.

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NY@BRICK Karimoku Chess 400% BE@RBRICK Jouet d'art en bois fait main extrêmement rare, fabricant de meubles japonais, sculpture Bearbrick d'art. Œuvre d'art en bois estampé, édition limitée extrêmement rare de 2020, présentée dans sa boîte en parfait état. Maître du travail du bois au Japon, Karimoku est une référence en matière de mobilier design et désormais aussi de figurines de luxe suite à ses collaborations avec Medicom.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Achetez Joshua Vides X CC Cone édition limitée en céramique Traffic Cone Sculpture Artwork par le légendaire artiste de rue Joshua Vides. Édition limitée 2021 de 100 - 9,5" de haut x 6" de base. dans ComplexCon Exclusive

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Sérigraphie camouflage rose et jaune moyen M-2C-M1 par Invader, tirée à la main sur papier d'art en coton satiné Somerset, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2024. Sérigraphie de l'œuvre « Space Invaders » stylisée en rose et jaune, format 28,35 x 24,02 pouces (72 x 61 cm). NVDR3-6 Sérigraphie Invader's Camo Rose et Jaune Taille Moyenne M-2C-M1 La sérigraphie Camo Pink & Yellow Medium M-2C-M1 d'Invader est un exemple audacieux de street art pop et de graffiti, fusionnant nostalgie numérique et esthétique contemporaine. Sortie en 2024 en édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, cette œuvre puise son inspiration dans la fascination de longue date de l'artiste français pour le rétrogaming, le pixel art et les installations artistiques alternatives. Imprimée sur papier d'art Somerset Satin Cotton de qualité supérieure selon la technique artisanale de la sérigraphie, cette édition mesure 72 x 61 cm, offrant aux collectionneurs une composition vibrante et stylisée. Le pouvoir visuel de la couleur et de la pixellisation Réalisée dans un contraste saisissant de rose fluo et de jaune acide, la sérigraphie M-2C-M1 condense l'iconographie du projet mondial Space Invaders d'Invader en une tapisserie numérique camouflée. Au premier abord, la composition peut sembler un assemblage désordonné de blocs de pixels, mais un examen plus attentif révèle les formes caractéristiques d'un extraterrestre 8 bits enfouies dans le chaos. Les couleurs sont délibérément choisies pour créer une dissonance visuelle, instaurant une expérience optique pulsante qui évoque à la fois les motifs de camouflage et l'esthétique des bugs d'affichage. Cette dualité s'inscrit dans le propos récurrent d'Invader sur la visibilité, la surveillance et l'anonymat – thèmes centraux de ses interventions artistiques urbaines. Superposition conceptuelle et fondements du street art Pionnier des interventions urbaines à l'échelle mondiale, Invader – né en France sous le nom de Franck Slama – a disséminé des milliers de mosaïques, les « Space Invaders », dans les villes du monde entier depuis les années 1990. Si ces œuvres sont souvent exposées au niveau de la rue et donc sujettes aux intempéries ou à leur retrait, des estampes comme « Camo Pink & Yellow Medium M-2C-M1 » garantissent leur pérennité et leur conservation digne d'un musée. La sérigraphie préserve l'esprit DIY (Do It Yourself) de la pratique artistique originelle de l'artiste. La géométrie de cette pièce évoque son approche analogique de la mosaïque, tout en soulignant la répétition systématique et le codage qui caractérisent une grande partie de sa production, à la croisée du numérique et du physique. Le titre de l'œuvre, « M-2C-M1 », qui rappelle un système de codage, fait allusion à son système de classification pour organiser et archiver ses installations internationales, ajoutant une dimension archivistique à l'expérience esthétique. Positionnement au sein de l'art urbain pop et graffiti L'œuvre d'Invader, dont cette estampe, occupe une place incontournable dans l'évolution du street art et du graffiti. Il fusionne la dimension éphémère et subversive du graffiti avec la précision pixel-perfect du design numérique. Contrairement au graffiti traditionnel, ancré dans les lettres et les tags, Invader intègre la culture du jeu vidéo et la critique technologique au récit urbain. En abstrait son extraterrestre à travers des formes de camouflage et de glitch, il brouille les frontières entre résistance et assimilation – une métaphore esthétique de la manière dont l'art subversif peut à la fois infiltrer et s'adapter aux espaces institutionnels. Le résultat n'est pas seulement une sérigraphie de collection, mais une réflexion dynamique sur la culture visuelle moderne, la surveillance et le rôle du jeu dans l'espace public. Cette édition offre non seulement un aperçu de l'évolution constante d'Invader en tant qu'artiste contemporain, mais aussi une occasion rare pour les collectionneurs d'acquérir une œuvre qui traduit l'énergie du street art en un objet raffiné et tactile.

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Achetez Ms Rainbow Flower - SP 13 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier d'art par Takashi Murakami TM / KK Rare Street Art Célèbre Pop Artwork Artist. Signé 2020 SP Edition de 25 Rare Takashi Murakami TM/KK Ms. Rainbow Flower Sérigraphie Artwork 19.68x19.68in 50x50cm

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