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Xlarge Gorilla Dcon Cartoon OG 2019 - Figurine en vinyle édition limitée or avec chaîne en métal doré, œuvre d'art de collection créée par l'artiste de graffiti de rue D*Face x Medicom. Jouet d'art en édition limitée 2019 avec pendentif XL en métal véritable et logo, dimensions 6 x 9,5. Emballage d'origine inclus. L'intersection entre culture urbaine et expression artistique s'incarne dans la figurine Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG 2019, une pièce de collection en vinyle en édition limitée. Fruit de la collaboration remarquable de D*Face avec Medicom, elle illustre la synergie entre le street art et le design d'objets de collection haut de gamme. Avec ses dimensions impressionnantes de 15 x 24 cm, cette œuvre d'art ne passe pas inaperçue. D*Face, alias Dean Stockton, s'est imposé comme une figure incontournable du street art. Originaire de Londres, son travail critique souvent les normes sociétales contemporaines, le consumérisme et l'influence de la culture pop, fortement inspirée par la culture streetwear à la fois brute et vibrante de Los Angeles, et plus particulièrement par la marque XLARGE. Cette pièce, agrémentée d'un pendentif en métal véritable orné du logo XL, est bien plus qu'un simple jouet : c'est une fresque portable, un fragment de street art destiné aux collectionneurs. Créée en 2019, cette pièce s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art, où chaque objet est bien plus qu'un simple produit : c'est une histoire, un récit figé dans le temps, reflet de son environnement. L'éclat doré du vinyle et le poids de la chaîne métallique confèrent une touche de luxe tangible à la nature traditionnellement éphémère du street art. Elle capture l'essence du style iconique de D*Face, visible sur les murs du monde entier, des rues animées de Londres aux ruelles ensoleillées de Los Angeles. Les collectionneurs du Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG n'acquièrent pas seulement une œuvre de street art ; ils héritent d'un fragment du dialogue entre culture urbaine et art contemporain. La disponibilité limitée de cette figurine en fait un objet de collection très recherché, séduisant non seulement les fans de D*Face, mais aussi tous ceux qui apprécient le croisement des formes artistiques. Pour ceux qui ont suivi l'ascension du street art vers la notoriété, cet objet de collection est une reconnaissance tangible de sa place légitime au panthéon de l'histoire de l'art.

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Abstraction Pollock Rouge Vert Œuvre originale unique en son genre Peinture à l'huile sur papier vélin par l'artiste post-moderne Samuel Kamen. XXe siècle, 12,25 x 14,5 pouces, signé, original

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Sculpture creuse Mickey en résine grise par Disney x Apportfolio x Daniel Arsham, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture en résine estampée, édition limitée à 500 exemplaires (2020). Dimensions : 17 x 16 x 17,25 pouces. Représentant un fantôme de Mickey Mouse gris stylisé, dans une sculpture creuse en résine grise de style Daniel Arsham. Neuve dans sa boîte. La collaboration entre Disney, Apportfolio et le célèbre artiste contemporain Daniel Arsham a donné naissance à une œuvre d'art de collection extraordinaire : la sculpture Hollow Mickey en résine grise. Cette pièce en édition limitée, qui illustre la vision unique d'Arsham à la croisée du pop art et du street art, est une réinterprétation emblématique du personnage iconique de Disney, Mickey Mouse. Créée en 2020, la sculpture est une œuvre profonde qui fusionne l'essence ludique de Mickey Mouse avec l'énergie brute et souvent éphémère du street art. Cette pièce Hollow Mickey n'est pas seulement une représentation du personnage tant aimé ; c'est une manifestation physique du passage du temps, un thème récurrent dans l'œuvre d'Arsham. Moulée avec habileté en résine grise, la sculpture renferme une forme fantomatique, à la fois absente et présente. Elle capture la nature éphémère de la culture pop, préservant l'instant présent dans une forme qui semble tout droit sortie d'un futur lointain. Mesurant 43 x 41 x 44 cm, l'œuvre impose sa présence, captivant le regard et invitant à la contemplation. Limitée à seulement 500 exemplaires, chaque sculpture est estampillée, gage d'authenticité et d'exclusivité. Les collectionneurs d'Arsham apprécient non seulement la dimension esthétique et émotionnelle de cette série en édition limitée, mais aussi sa dimension artistique. À la croisée du pop art et des beaux-arts, cette œuvre accessible est imprégnée de la profondeur intellectuelle des pratiques artistiques contemporaines. « Hollow Mickey » d'Arsham brouille les frontières entre sculpture traditionnelle, art urbain et iconographie de la culture populaire. Elle illustre parfaitement comment les artistes de rue contemporains s'approprient des symboles omniprésents des médias populaires et les imprègnent d'histoire, de décrépitude et de sublime. Cette pièce ne se contente pas de représenter un personnage ; elle symbolise notre rapport temporel aux icônes culturelles et notre rapport changeant à l'art et à la nostalgie. De ce fait, elle tend un miroir au spectateur, l'invitant à une interprétation personnelle qui fait écho à la nature éphémère du temps et à la pérennité d'un phénomène culturel.

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Achetez What Party Figure - Orange Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de collection par le légendaire artiste moderne Kaws. 2020 Épuisé COVID Open Edition Taille 5.1x11.3x3.7 Pied imprimé neuf dans la boîte Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ?

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Dans « Le Trésor du Temps » - Œuvre d'art bleue, impression giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton gravure 315 g/m² par l'artiste de graffiti de la culture pop Handiedan. Édition 2021, signée et numérotée (variante bleue). Tirage d'art giclée avec réalité augmentée. Papier coton 315 g/m². 42 x 54 cm. Signé et numéroté. Sceau à la cire chaude. Édition limitée à 25 exemplaires (2021). Réalité augmentée : https://vimeo.com/518617123 ( Utilise l' application Artivive) . Dans « Le Trésor du Temps – Édition Bleue » par Handiedan, dans la catégorie Art Pop Street et Graffiti « In The Treasure of Time – Blue » est une estampe giclée en édition limitée de 2021, signée par l’artiste néerlandaise Handiedan, reconnue pour ses compositions complexes mêlant esthétique vintage et symbolisme moderne. Cette version bleue, au format 42 x 54 cm (16,5 x 21,25 pouces) et imprimée sur papier chiffon de coton 315 g/m², présente des superpositions visuelles détaillées qui fusionnent motifs monétaires, collages figuratifs et romantisme classique. Tirée à seulement 25 exemplaires, chaque estampe est signée, numérotée, estampillée d’un sceau de cire chaude et enrichie d’éléments de réalité augmentée qui prolongent l’expérience du spectateur au-delà de l’œuvre physique. Le travail d’Handiedan se situe à la croisée de la complexité baroque et de la composition du street art, réinterprétant l’iconographie monétaire et les motifs ornementaux pour exprimer des réflexions sur la valeur, l’identité et la féminité. Approfondissement conceptuel par la monnaie et la composition Dans « Le Trésor du Temps – Bleu », la structure d'un billet de banque est réinterprétée et chargée de symbolisme allégorique et émotionnel. Deux figures masculines occupent le centre, engagées dans un échange intime et ambigu, évoquant conflit, désir ou lutte intérieure. Leur interaction est entourée de volutes décoratives, de références numériques et de motifs récurrents issus des billets de banque anciens. Le titre de l'œuvre, inscrit dans le cadre orné, aborde le thème du temps, à la fois bien et illusion. Handiedan joue avec le portrait classique et l'esthétique des billets de banque pour critiquer la marchandisation de l'identité et des émotions. Les figures, bien que finement détaillées, évoluent dans un cadre symbolique qui suggère qu'elles sont prises au piège des cycles de valeur, de propriété et de consommation visuelle. Le bleu et le rôle de la répétition dans le pop art urbain La variante bleue n'est pas un simple changement de palette, mais une véritable réharmonisation émotionnelle. Les tons froids évoquent la nostalgie et une certaine distance, invitant le spectateur à contempler l'œuvre avec un regard plus lent et introspectif. La superposition d'éléments ornementaux – cadres, fioritures et figures en miroir – crée un rythme visuel qui rappelle à la fois les affiches de rue et les gravures anciennes. La répétition, dans l'œuvre de Handiedan, a une double fonction, décorative et philosophique, soulignant les cycles du pouvoir, de l'attraction et de l'amnésie historique. Sa manipulation de la symétrie et des motifs transforme les symboles de l'argent et de la production de masse en œuvres empreintes d'une profonde réflexion émotionnelle et spirituelle. Cette démarche reflète l'esprit du street art et du graffiti, où la subversion se dissimule souvent sous une apparence esthétique. Intégration des techniques et de la réalité augmentée Imprimée sur un papier coton de gravure de haute qualité de 315 g/m² selon la technique de la giclée, la texture et la richesse de « In The Treasure of Time – Blue » témoignent de la précision et de la maîtrise des matériaux de Handiedan. Le sceau à la cire chaude et la signature manuscrite renforcent le caractère tactile et unique de chaque tirage de cette édition limitée à 25 exemplaires. Ce qui distingue cette œuvre, c’est son intégration de la réalité augmentée, permettant aux interactions numériques d’enrichir le récit. Grâce à cette technologie, le spectateur peut accéder à des couches visuelles supplémentaires, des animations ou des références symboliques qui amplifient le sens sans détourner l’attention de l’œuvre analogique. Cette fusion entre l’impression traditionnelle et l’expérience numérique place le travail de Handiedan à l’avant-garde du Street Pop Art et du graffiti contemporains, où les supports physiques et virtuels convergent pour approfondir la narration artistique. « In The Treasure of Time – Blue » n’est pas qu’un simple portrait ou un collage : c’est une œuvre complexe, porteuse de puissance, de mémoire et de méditation visuelle.

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Planche de skateboard Charles Street Deck en édition limitée, sérigraphiée par l'artiste de la culture pop urbaine Ricky Powell. 2020 Signé et numéroté au verso Charles Street Shuffle, impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid 32 x 8 pouces (81,3 x 20,3 cm) Édition 5/75 Numéroté à l'encre au verso et sorti le 20 janvier 2020. L'intégration de la culture skate et du pop art urbain dans la planche "Charles Street Deck" de Ricky Powell La planche de skateboard « Charles Street Deck », une édition limitée signée Ricky Powell, illustre parfaitement l'intégration de la culture skate à l'univers du street art et du graffiti. Sortie le 20 janvier 2020, cette pièce fait partie d'une série exclusive limitée à 75 exemplaires, chacun signé et numéroté au verso. La planche arbore le motif « Charles Street Shuffle », une impression pigmentaire d'archives sur une planche de skate naturelle pressée à froid, au profil cintré, mesurant 81 x 20 cm. Ce format, idéal pour la pratique du skateboard, sert de support à l'expression artistique de Ricky Powell, imprégnée de culture street art. Le numéro 5/75, inscrit à l'encre au verso, atteste de son authenticité et de sa place au sein de cette série très recherchée. L'œuvre de Ricky Powell sur la « Charles Street Deck » capture l'énergie brute et l'esprit rebelle propres au street art et au skateboard. La sérigraphie utilisée pour sa création rend hommage à l'éthique du « fait maison » qui caractérise ces deux sous-cultures. L'impression détaillée et résistante reflète la robustesse requise pour la pratique du skateboard, tout comme l'œuvre d'art doit résister à l'usure de la rue. « La terrasse de Charles Street » de Ricky Powell : un artefact culturel La planche « Charles Street Deck » n'est pas qu'un simple skateboard : c'est un véritable objet culturel, fusion d'art et de performance sportive. Elle rend hommage à la vie urbaine vibrante et aux paysages qui ont longtemps servi de toile de fond aux artistes de rue et aux skateurs. Le choix de Powell de créer une pièce à la fois fonctionnelle et artistique témoigne de l'évolution du Street Pop Art, où les objets du quotidien se transforment en supports d'expression. Cette planche, ornée de silhouettes en mouvement, capture le dynamisme de la culture urbaine. Les personnages, figés en plein shuffle, immortalisent la vie dans la rue, faisant écho au mouvement et à la fluidité du skateboard. Ce récit visuel rejoint la dimension narrative du graffiti, où chaque œuvre transmet un instant, une émotion, un message de l'artiste. L'importance de l'œuvre de Ricky Powell dans le street art La contribution de Ricky Powell au monde de l'art, à travers des œuvres comme la « Charles Street Deck », est essentielle pour valoriser la culture urbaine et la rendre accessible à un public plus large. En fusionnant les univers du skateboard et du street art, il crée un pont entre différentes formes d'expression urbaine, soulignant leur valeur intrinsèque en tant qu'art et commentaire social. Le caractère limité de cette planche renforce son attrait, à l'instar d'une œuvre de graffiti rare, visible uniquement en un seul lieu et pour une durée limitée. Le travail de Powell sur cette planche illustre également le potentiel du street art à investir de nouveaux espaces et à toucher de nouveaux publics. D'abord vierge, la planche de skateboard devient une exposition itinérante de la vision de Powell, transportée à travers les rues et les skateparks, à l'image du graffiti qui diffuse ses messages à tous les passants. La planche « Charles Street » de Ricky Powe célèbre la rencontre entre la culture skate et le street art, témoignant de la créativité qui s'épanouit en milieu urbain. Tirée à 75 exemplaires (édition limitée à 5/75), elle sillonne les rues ou orne les murs des collectionneurs, incarnant l'esprit de la rue, l'essence du mouvement et la force indéniable de l'art urbain.

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AAVEI-2 Peinture en aérosol technique mixte originale, œuvre d'art sculpturale peinte à partir d'objets trouvés par l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Eddie Colla x D Young V. 2014. Signée par D Young V et Eddie Colla. Technique mixte originale : peinture acrylique en aérosol sur objets recyclés et bois. Dimensions : 55 x 42 cm. Grande peinture technique mixte sur bois avec un pistolet jouet récupéré et 3 bombes de peinture vintage. AAVEI-2 Collaboration avec D Young V et Eddie Colla 55 x 42 x 15 pouces Technique mixte sur bois, bombes aérosol, pistolet à peinture 2014

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Recharge Fashion Addict - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée Supreme sur papier Canon Fine Art 330 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Épreuve d'artiste AP 2019, signée, édition limitée à 100 exemplaires, format 18 x 24 pouces Pilule de mode Supreme Designer. Épreuve d'artiste numérotée, signée, tamponnée au verso, édition normale de 100 exemplaires, 18 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier Canon Fine Art 330 g/m². En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Ceci est Bad Lands - Tirage sérigraphique HPM en édition limitée, orné de motifs rouges et bleus, réalisé à la main en 3 couleurs sur papier Lenox 100 à bords frangés par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 250 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre multiple peinte à la main. Format : 12,5 x 19 pouces. L'estampe « Bad Lands » de Faile – un chef-d'œuvre en édition limitée à seulement 250 exemplaires dans le monde. Dernière-née de la série 150, cette édition propose environ sept variations uniques, incluant différentes combinaisons de couleurs, des versions peintes à la main, teintées et imprimées. Imprimée sur un papier d'archivage épais et résistant, la version rouge et bleue, au rendu saisissant, est une pièce très recherchée pour sa texture extraordinaire. L'estampe mesure 31,75 cm x 48,26 cm et présente deux bords frangés et deux bords droits. Le recto et le verso sont minutieusement détaillés, le verso étant orné d'impressions, de tampons et d'autres éléments. Chaque exemplaire est signé, numéroté, daté, tamponné et gaufré par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection véritablement exclusive et précieuse. Ne manquez pas cette occasion unique de posséder cette incroyable estampe – découvrez son impact visuel saisissant en personne ! L'estampe sérigraphique « This Is Bad Lands Red/Blue HPM » est une création de Faile, un duo d'artistes formé par Patrick McNeil et Patrick Miller. Faile est reconnu pour son style unique, qui mêle art urbain, graphisme, culture pop et beaux-arts. Dans cette œuvre, le titre « This Is Bad Lands Red/Blue HPM » désigne une sérigraphie multiple (HPM) peinte à la main, représentant un cowboy au volant d'une voiture de sport classique, dans des tons rouges et bleus. « Bad Lands » évoque un environnement désolé ou hostile, suggérant que l'œuvre peut transmettre un sentiment de danger ou de conflit. Le travail de Faile se caractérise souvent par la superposition d'images et de détails complexes, et leurs sérigraphies font généralement appel à de multiples couches de couleurs et de textures. Ils intègrent fréquemment des matériaux de récupération, des pochoirs et de la colle de farine, créant ainsi une esthétique singulière qui fusionne art urbain et art contemporain.

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Achetez SCULPTURELIMITED Edition Limitée Pop Artwork Street Artist Fine Art. 2023 Sculpture signée Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Joe Cool Snoopy 1000% Peanuts BE@RBRICK Édition Limitée Figurine Artistique en Vinyle Medicom Toy. 2021 Peanuts Snoopy Joe Cool Bearbrick

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Holiday Indonesia Accomplice Black Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Collectible Artwork by Legendary Modern Artist Kaws. Édition épuisée de 2023, format 11,5 x 3 pieds imprimés, neuve en boîte, figurine en vinyle Kaws Companion Accomplice en costume de lapin avec les mains sur le visage et les yeux. Le paysage du pop art est marqué par une évolution et un dynamisme constants. L'œuvre « Holiday Indonesia Black Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Collectible Artwork » du légendaire artiste moderne Kaws en est un parfait exemple. Issu du street art et du graffiti, Kaws s'est imposé comme une figure majeure de l'art contemporain, tissant avec brio un pont entre art savant et culture populaire. Cette édition épuisée de 2023 témoigne du savoir-faire et du souci du détail de l'artiste. Mesurant 11,5 x 3 cm, l'impression sur le pied de la figurine lui confère une touche unique, soulignant son statut d'édition limitée. Le choix du personnage, un Compagnon de Kaws vêtu d'un costume de lapin, évoque la nostalgie tout en repoussant les limites du design moderne. La pose, les mains cachant le visage et les yeux, confère à la figurine une profondeur et un caractère intrigants, suscitant une multitude d'interprétations et invitant le spectateur à s'interroger sur son état émotionnel. Ces œuvres, notamment les figurines en vinyle, connaissent une popularité et une valeur croissantes, les collectionneurs et les amateurs les recherchant comme des pièces de collection. Leur mélange de fantaisie et de narration artistique plus profonde, proche du pop art traditionnel, les rend fascinantes, captivantes et incontestablement iconiques. La capacité de Kaws à fusionner harmonieusement des éléments du street art et une esthétique grand public le place, ainsi que des œuvres comme la « Holiday Indonesia Pink Limited Edition », à l'avant-garde du mouvement pop art contemporain. Cette sculpture-jouet n'est pas seulement un objet de collection, mais aussi un symbole de la nature évolutive du pop art et du street art, incarnant leur esprit vibrant et leur potentiel transformateur.

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Sculpture Baby Milo en métal chromé par Bape - A Bathing Ape, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture signée 2023, édition limitée, dimensions à déterminer. Sculpture Bape en métal chromé représentant un singe stylisé, inspirée des animes, présentée dans un coffret personnalisé. Bape Play A Bathing, 30e anniversaire. Hommage à une icône du streetwear : la sculpture Baby Milo en métal chromé de Bape La sculpture Baby Milo en métal chromé témoigne avec éclat de l'héritage durable de Bape, également connu sous le nom de A Bathing Ape, dans le domaine du street art et de la culture contemporaine. Créée dans le cadre des célébrations du 30e anniversaire de la marque, cette sculpture en édition limitée incarne la fusion du streetwear et de l'art contemporain, transformant l'emblématique Baby Milo en une pièce de collection. L'utilisation du métal chromé confère à la sculpture une dimension luxueuse et reflète l'influence de la marque sur l'esthétique du street art et de la culture pop. L'importance de Baby Milo dans le pop art et la culture urbaine Baby Milo est depuis longtemps indissociable de Bape, un personnage qui a transcendé son rôle initial de mascotte streetwear pour devenir un emblème de l'expression créative de la marque. Avec sa finition chromée réfléchissante, cette sculpture est une interprétation audacieuse du motif Baby Milo. Elle symbolise le parcours de la marque, des rues de Tokyo à la renommée internationale, marqué par l'adoption des codes du pop art et l'influence de l'énergie brute du graffiti. Le coffret personnalisé qui accompagne la sculpture témoigne du souci du détail de Bape et de son engagement à offrir une expérience de marque immersive. Véritable écrin protecteur, il fait également partie intégrante de l'œuvre, arborant des éléments de marque et de design immédiatement reconnaissables par les fans de Bape. Cet emballage renforce le statut de pièce de collection de la sculpture et souligne le point de rencontre entre utilité et art propre au street art et au graffiti. La sculpture Baby Milo en métal chromé de Bape est un hommage éclatant aux racines street art de la marque et à son évolution en un incontournable de la culture pop. C'est un hommage approprié aux 30 ans de design innovant et d'impact culturel d'A Bathing Ape, offrant aux collectionneurs et aux passionnés un morceau tangible de l'héritage que Bape a façonné dans le monde du street art pop.

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Chicago Jordan 1s V2 Shoeuzi 75% Sculpture artistique en polystone moulée et peinte à la main, édition limitée, œuvre de l'artiste J-LDN, célèbre pour ses peintures de rue pop et graffiti. Édition limitée 2020 à 300 exemplaires, taille 75 %. Chaque sculpture Uzi est livrée en quatre parties (assemblage magnétique Shoeuzi Magnafix), avec boîte, socle et gants. Moulée et peinte à la main en résine de polystone. Neuve en boîte. Sculpture artistique Shoeuzi v2 « CHICAGO ». La v2 est le modèle amélioré à assembler magnétiquement en 4 parties. Micro Uzi à l'échelle 75 % (longueur : 185 mm), moulé à la main en polyrésine insaturée et peint avec une peinture à base de résine sans plomb. Comprend des panneaux en cuir « UZI ».

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Sérigraphie artisanale 29 couleurs « Voyage dans le temps » sur papier Coventry Rag 320 g par l'artiste recherché Futura 2000 - Leonard McGurr, édition limitée, œuvre d'art pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 30 x 22 cm. Titre : VOYAGE DANS LE TEMPS Technique : Sérigraphie 29 couleurs Papier : Papier chiffon Coventry 320 g Bord : Droit Édition : 100 exemplaires Année : 2022 Imprimeur : Gary Litchenstein Édition signée et numérotée Estampillée du sceau de l’imprimeur maître Certificat d’authenticité inclus

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Sérigraphie stellaire artisanale en 4 couleurs sur papier vélin Coventry Rag 320 g/m² à bords frangés, par l'artiste pop Lefty Out There. Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 40 exemplaires. Format 24x36.

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XLARGE x D*Face - Noir 100 % et 400 % BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle édition limitée, figurines de collection urbaines 2020 D Face Xlarge Bearbrick Medicom Toy Be@rbrick 400% 100%

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Achetez TITLE Tiré à la main en édition limitée 4 couleurs sur MEDIUM Modern Street Graffiti Pop Artist. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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KAWS Companion 2020 - Figurine de collection en vinyle marron, édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti Kaws. Édition 2020 épuisée de Kaws, objet de collection rare, dimensions : 17,13 x 8,86 x 3,15 pouces, neuf dans sa boîte. L'art de la réflexion dans KAWS Companion 2020 - Brun Marquant une étape importante dans l'art contemporain, le KAWS Companion 2020-Brown est une pièce de collection en vinyle célébrant le 20e anniversaire de l'emblématique KAWS Companion. Lancée le 17 décembre 2020, cette œuvre trouve un écho auprès d'un public international, reflétant l'expérience collective de cette année. La position allongée de la figurine, face contre terre, capture un moment de calme et de réflexion, une caractéristique qui en fait une pièce symbolique à exposer. Mesurant 43,5 x 22,5 x 8 cm, cette édition épuisée apporte une touche à la fois sombre et élégante à la série grâce à ses tons bruns terreux, contrastant avec la palette généralement vibrante de KAWS. Le KAWS Companion 2020-Brown incarne l'évolution du mouvement du street art, offrant une forme qui est à la fois un commentaire sur les événements de l'année et une célébration de deux décennies de contributions de KAWS au monde de l'art. Son design plat est un choix stylistique distinctif qui renforce sa valeur d'exposition, ce qui en fait une pièce prisée des collectionneurs et des amateurs d'art du graffiti urbain. KAWS Companion 2020-Brown : Un symbole de notre époque La figurine KAWS Companion 2020-Brown symbolise son époque, incarnant le sentiment de pause et de contemplation qui a marqué la fin de l'année 2020. Cette œuvre d'art de collection, neuve dans sa boîte, dépasse sa simple fonction d'objet. Elle acquiert une dimension narrative qui s'adresse à ses spectateurs avec une intimité rare pour une édition limitée. La silhouette mélancolique de la Companion rappelle avec émotion les défis de l'année, tandis que son existence en tant qu'œuvre d'art symbolise également l'espoir et la persistance de la créativité. La sortie de cette figurine témoigne de la compréhension qu'a KAWS de son public et du contexte culturel actuel, s'inscrivant pleinement dans l'essence du street art et du graffiti. Par sa posture et sa couleur, la Companion 2020-Brown communique un sentiment universel qui résonne dans différents contextes, apaisant le fossé entre l'art et le vécu. Companion 2020-Brown : La continuation de l'héritage de KAWS La figurine KAWS Companion 2020-Brown s'inscrit dans la lignée de l'artiste et constitue une contribution majeure au pop art urbain. Sa rareté, due à son épuisement, n'a fait qu'accroître sa valeur en tant que pièce d'histoire de l'art. KAWS, figure emblématique de l'intégration du street art dans le monde des objets de collection, témoigne de la maturité de son travail à travers cette figurine, offrant une pièce aussi contemplative que captivante. Le design plat de la Companion 2020-Brown lui confère une élégance singulière, invitant le spectateur à une interaction personnelle avec l'œuvre. Elle illustre le potentiel des figurines en vinyle à transcender leur simple perception d'objets ludiques pour devenir des expressions artistiques profondes. Alors que le pop art urbain continue de gagner en reconnaissance, la Companion 2020-Brown de KAWS témoigne de la richesse, de la diversité et de la capacité du genre à refléter les enjeux contemporains.

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Estampe d'art en édition limitée Thaw Archival Pigment sur papier photo chiffon ultra lisse par l'artiste Josh Keyes. 2017. Tirage signé, format 20 x 14 pouces, édition limitée à 175 exemplaires. Imprimé sur papier d'archivage pressé à chaud, signé et numéroté.

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Une nuit en ville, œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile acrylique 270 g/m² par le célèbre artiste de graffiti de rue Aaron Craig - Pop Mash. Signature 2021 Peinture acrylique originale, format 21 x 29 pouces Caractéristiques de l'œuvre : Dimensions : 54 cm x 74 cm (21 po x 29 po) Technique : Peinture acrylique sur toile acrylique 270 g/m² Signée et estampillée à sec par Aaron Craig

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Planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs PP Printers Proof Art Deck par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression d'archives sur planche de skateboard en bois par un artiste de street art et de graffiti. Épreuve d'imprimeur PP 2018, marquée PP, édition limitée, signée, certificat d'authenticité, œuvre d'art pour skateboard, format 8x31, planche de skateboard avec le célèbre logo Louis Vuitton et des éléments de pilule stylisés. La planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs PP Printers Proof est une pièce iconique qui reflète l'interaction dynamique entre le luxe et l'esprit audacieux du street art. Ce chef-d'œuvre, conçu et réalisé par Denial, pseudonyme artistique du visionnaire canadien Daniel Bombardier, propose une exploration profonde du paysage sociétal contemporain, s'imposant comme un sujet de discussion majeur au sein des communautés pop art et street art. Cette création de 2018 se distingue non seulement par son originalité artistique, mais aussi par son exclusivité : elle fait partie d'une édition limitée à seulement 50 exemplaires, portant le label « PP Printers Proof ». Ces épreuves sont des versions préliminaires de l'œuvre finale, témoignant du processus créatif de l'artiste et garantissant une qualité optimale. Chaque pièce de cette collection est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé par Denial, attestant de son authenticité et de sa valeur. Avec ses dimensions de 8 x 31 pouces, cette planche de skateboard est bien plus qu'une simple toile : elle incarne l'énergie brute et sans concession de la culture urbaine. L'œuvre met principalement en scène le logo Louis Vuitton, mondialement reconnu, mais l'interprétation de Denial y apporte une touche d'originalité. Le logo iconique s'entremêle à des éléments stylisés de pilules, offrant une critique de l'obsession de la société pour le luxe et des extrémités auxquelles certains sont prêts à aller pour atteindre une opulence éphémère. La pilule, symbole d'un soulagement passager, suggère peut-être la nature éphémère du luxe matérialiste. À la croisée de la mode, de l'art et du commentaire social, la planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs de Denial est bien plus qu'un simple spectacle visuel. Elle invite à questionner, à réfléchir et à dialoguer sur les valeurs et les obsessions du monde moderne.

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Champ - Sculpture en bombe de peinture jaune en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare : bombe de peinture Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art sportive, objet de collection lié à la boxe.

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Holiday United Kingdom UK - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de street art Kaws. Sculpture en vinyle noir, édition limitée Noël 2021 : Royaume-Uni. Vinyle coulé peint, 25,7 x 13 x 8,9 cm. Estampillée sous les pieds. Produite par AllRightsReserved, Hong Kong. Neuve en boîte. Holiday United Kingdom-Black de KAWS : une représentation symbolique dans l'art urbain L'édition Holiday United Kingdom UK-Black de KAWS est une pièce unique dans l'univers des figurines d'art en vinyle. Cette sculpture, sortie en 2021, illustre l'esthétique caractéristique de l'artiste, mêlant graffiti et art contemporain. La figurine, en vinyle moulé et peint, mesure 25,7 x 13 x 8,9 cm. Elle témoigne du talent de KAWS pour insuffler émotion et narration à des objets inanimés, puisant son inspiration dans le pop art et le graffiti. Estampillée sous ses pieds et produite par AllRightsReserved à Hong Kong, cette pièce de collection est présentée neuve dans sa boîte d'origine, préservant ainsi son intégrité et sa fraîcheur, conformément aux intentions de l'artiste. L'édition Holiday United Kingdom-Black est une représentation de la démarche artistique de KAWS et un artefact culturel qui fait écho aux dynamiques subtiles de la culture urbaine et à son influence sur le monde de l'art. Importance culturelle et artistique de l'édition britannique noire de Holiday UK de KAWS L'édition Holiday UK-Black est emblématique de l'influence mondiale de KAWS, le Royaume-Uni occupant une place prépondérante dans l'histoire et l'évolution du street art. Le choix du noir confère une impression d'universalité et de sophistication, faisant ressortir les détails complexes et les yeux barrés iconiques, et invitant le spectateur à un dialogue silencieux sur l'interaction entre la reconnaissance grand public et les origines underground. Cette œuvre d'art de collection est bien plus qu'un simple objet de plaisir visuel ; elle témoigne de la transformation du street art en un art à part entière. Chaque sculpture KAWS est un maillon d'un réseau de pop art urbain, reliant graffiti, culture pop et beaux-arts. À l'instar des autres œuvres de KAWS, l'édition Holiday UK-Black est devenue un objet de collection très prisé pour son esthétique et la renommée de l'artiste, qui a su métamorphoser le street art, passant de peintures murales éphémères à des œuvres d'art de collection intemporelles. The Holiday UK - Le noir dans la continuité du street art La figurine Holiday UK-Black de KAWS reflète l'évolution constante du street art, faisant le lien entre ses débuts rebelles et son statut actuel d'œuvre de collection. Son intégration à la série Holiday de KAWS souligne la richesse thématique et la profondeur émotionnelle que peuvent exprimer le pop art urbain et le graffiti. Elle incarne le dialogue entre l'artiste, son environnement et le public – un dialogue que KAWS maîtrise à la perfection. Avec l'édition Holiday UK-Black, KAWS continue d'influencer le récit du street art, repoussant les limites de la perception et de la collection de cette forme d'art. La figurine, d'une présence à la fois discrète et profonde, témoigne du pouvoir du street art d'embellir, de communiquer et de captiver. L'œuvre de KAWS, et plus particulièrement cette édition, souligne la force transformatrice du pop art urbain, une force toujours plus influente et en pleine expansion sur la scène artistique contemporaine.

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Le Parrain, édition limitée, sérigraphie HPM rehaussée à la main sur toile, encadrée par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Prêt à accrocher. Toile montée sur châssis. Technique : Sérigraphie sur toile rehaussée à la main. Titre : Le Parrain. Dimensions : 95,25 x 78,7 cm. Année : 2000. Tirage : 100 exemplaires. Signature : Signée à la main par Kaufman au verso. Il finit par installer son atelier à Los Angeles et, fidèle à son style, engagea plus d'une centaine d'anciens membres de gangs pour l'assister. Durant cette période, il créa un nouveau style, le « Pop Art façon bande dessinée », utilisant des peintures originales de super-héros comme icônes. Il collabora également avec la galerie Martin Lawrence, pour laquelle il réalisa des éditions limitées d'icônes telles que Beethoven et Marilyn Monroe, battant des records de vente pour un artiste débutant.

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Achetez Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie bleue 4 couleurs tirée à la main en édition limitée sur papier crème Speckle Tone par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 18 x 24 pouces Edition de 350 13 juin 2019 "L'affiche "Endless Power Petrol Palace" est à la fois une célébration et une critique de la propagande graphique séduisante utilisée pour l'industrie pétrolière. J'ai conçu cette impression pour qu'elle ressemble à une publicité vintage célébrant l'abondance de l'Amérique et l'avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit limité, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui contrôlent le pétrole est pratiquement illimité." -Shepard Fairey

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez Joshua Vides X CC Cone édition limitée en céramique Traffic Cone Sculpture Artwork par le légendaire artiste de rue Joshua Vides. Édition limitée 2021 de 100 - 9,5" de haut x 6" de base. dans ComplexCon Exclusive

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Rowhouse - Tirage manuel - Sérigraphie ovale 24 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par l'artiste pop de rue Pose - Jordan Nickel - Édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format : 18 x 30 cm, ovale, bords frangés à la main. « Rowhouse », une œuvre d'art d'une précision remarquable signée Pose, de son vrai nom Jordan Nickel, artiste pop street art de renom, témoigne du subtil mélange de pop art, de street art et de graffiti. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est le fruit d'un travail artisanal méticuleux. Grâce à une technique d'impression sérigraphique ovale 24 couleurs réalisée à la main, la vivacité et la profondeur de chaque teinte prennent vie sur le papier Mohawk Superfine UltraWhite. Ce choix de papier n'est pas anodin : le Mohawk Superfine est réputé pour sa capacité à restituer la richesse des détails, offrant ainsi le support idéal à l'explosion de couleurs et de détails qui caractérise le travail de Pose. En observant l'œuvre de plus près, on est frappé par la richesse des éléments urbains, juxtaposés à des motifs et des dessins abstraits et colorés, emblématiques du street art et du pop art. Chaque recoin de « Rowhouse » raconte une histoire, offrant une fenêtre ouverte sur la vie urbaine, son chaos, sa beauté et son énergie brute. La forme ovale unique de cette œuvre, accentuée par un bord frangé à la main, lui confère un charme à la fois rustique et contemporain. Sortie en 2022, « Rowhouse » n'est pas une simple œuvre d'art ; c'est un chef-d'œuvre en édition limitée. Avec seulement 75 exemplaires disponibles, chacun signé et numéroté par Pose lui-même, elle est devenue une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art. Ses dimensions, un ovale de 18 x 30 cm, lui permettent d'attirer tous les regards tout en s'adaptant à différents espaces. « Rowhouse » de Pose est une illustration parfaite de l'évolution du street art et du pop art, mêlant techniques traditionnelles et esthétique moderne, ce qui en fait une pièce incontournable pour ceux qui apprécient le subtil équilibre entre tradition et modernité dans l'art.

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Coffret « The Beautiful Losers » (2004-2010) : Portfolio et catalogue, édition limitée. Ce coffret de collection présente des œuvres légendaires de street art réalisées par des dizaines d'artistes lors des expositions de 2004 à 2010. Véritable trésor pour les amateurs de street art et de pop art, il offre une collection complète qui capture l'esprit de l'exposition iconique « The Beautiful Losers ». Ce coffret en édition limitée témoigne de manière exceptionnelle d'un moment charnière de l'art contemporain et de la créativité brute de la scène street art entre 2004 et 2010. Chaque élément du coffret, numéroté, est en parfait état, garantissant sa valeur en tant qu'objet de collection et pièce d'histoire de l'art. Coffret original The Beautiful Losers Portfolio & Catalog 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Les coffrets « The Beautiful Losers » de Jonathan Levine Projects ( 2004-2010) ont été édités en édition limitée : le coffret Portfolio à moins de 30 exemplaires et le coffret Catalogue à 100 exemplaires. Chaque coffret est présenté dans un coffret en bois numéroté et imprimé sur mesure, apportant une touche de sophistication et de soin à la présentation de ces œuvres. Les dimensions de ces coffrets (66 x 48 x 23 cm) ont été soigneusement étudiées pour accueillir les œuvres de tailles variées et garantir ainsi leur intégrité. Iconoclast a publié ces coffrets à l’occasion de l’exposition itinérante « Beautiful Losers », qui s’est tenue de 2004 à 2010. Cette exposition, ainsi que « Transfer », présentée dans différents lieux entre 2008 et 2010, a mis en lumière le talent émergent et la diversité des expressions artistiques au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'exposition « Beautiful Losers » et ses publications, notamment l'ouvrage « Beautiful Losers : Contemporary Art And Street Culture » paru aux Éditions Iconoclast en 2005, ont joué un rôle déterminant dans la diffusion du dynamisme et de la pertinence du street art et du graffiti auprès d'un public plus large. Le coffret Portfolio, élément essentiel de ces coffrets, est un véritable trésor réunissant 28 des artistes de street art et de graffiti les plus influents. Cette collection comprend des estampes d'artistes renommés tels que KAWS et Shepard Fairey, chacun apportant sa vision et son style uniques. Chaque pièce de ce coffret fait écho aux thèmes et aux expressions artistiques de l'exposition « Beautiful Losers », soulignant ainsi l'importance de cette collection dans l'art contemporain. Le film « The Beautiful Losers » (2008) : À propos de l’exposition d’art Beautiful Losers est un documentaire de 2008 qui explore la vie et l'art d'un collectif d'artistes ayant joué un rôle essentiel dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti depuis les années 1990. Réalisé par Aaron Rose et coréalisé par Joshua Leonard, ce film est une production Sidetrack Films et BlackLake Productions, avec des artistes comme Harmony Korine et Steve « ESPO » Powers. Le film explore l'éthique du « faire soi-même » de ces artistes, dont le travail est imprégné de l'esthétique du skateboard, du graffiti et de genres musicaux underground tels que le punk rock et le hip-hop. Il retrace le parcours de ces artistes, de la culture de rue confidentielle à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art, en détaillant leurs sentiments et convictions personnels lors de leur transition de la création personnelle à la participation à des projets commerciaux d'envergure. Beautiful Losers est bien plus qu'un film ; Ce projet s'inscrit dans un phénomène culturel plus vaste, comprenant un livre d'art éponyme, édité par Christian Strike et Aaron Rose, et une exposition itinérante présentant les artistes et leurs œuvres. Cette exposition sert à la fois de toile de fond et de point central au documentaire, soulignant l'influence considérable de ces artistes et leur pertinence toujours actuelle dans le discours sur l'art contemporain. Sérigraphies, photos, dessins et objets d'art en édition limitée signés par l'artiste 2004-2010 Beautiful Losers, livre d'art contemporain et de culture urbaine, 2004 Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture, anthologie majeure publiée en 2004 par DAP/Iconoclast, est une exploration essentielle d'une sous-culture vibrante qui a transformé l'esthétique de la fin du XXe et du début du XXIe siècle. Cette première édition est un véritable joyau pour les collectionneurs, présentée dans une reliure cartonnée en bon état, sous étui. La couverture en toile rouge est ornée de lettres dorées en relief sur le plat et le dos, témoignant de la richesse des illustrations et des œuvres originales qu'elle renferme. Bien plus qu'un simple recueil, il s'agit d'un récit profond retraçant l'émergence organique et spontanée d'un mouvement culturel. L'ouvrage suit le parcours d'artistes américains, souvent à l'aube de leur vie adulte, animés non par les impératifs du marché, mais par une passion et une créativité pures. Sans formation académique ni connaissance du milieu, ils puisaient leur inspiration dans la rue, influencés par l'énergie brute du skateboard, du graffiti, de la mode urbaine et de la musique indépendante. Des noms comme Shepard Fairey, Mark Gonzales et Spike Jonze figurent parmi les nombreux artistes qui ont puisé dans leurs expériences personnelles pour nourrir leur art, apprenant par la pratique et révolutionnant leurs médiums. « Beautiful Losers » rend hommage à ces artistes et retrace leur histoire, reliant Jean-Michel Basquiat et Keith Haring à des figures plus récentes comme Ryan McGinniss et KAWS. L'ouvrage présente diverses expressions artistiques à travers différents médiums, ainsi que des reproductions de documents d'époque qui incarnent l'esprit de cette période. Il est enrichi par des essais d'auteurs qui ont soutenu avec ferveur ces artistes depuis leurs débuts. Bien plus qu'un simple livre d'art, c'est un témoignage précieux d'un mouvement qui a marqué durablement le monde de l'art, de la mode, de la musique, de la littérature, du cinéma et même du sport. Si l'esprit d'indépendance incarné par ces créateurs a évolué, leur essence même – un esprit de rébellion, d'innovation et d'authenticité – demeure intacte. Beautiful Losers est une célébration de cet esprit indomptable, une invitation à contempler la beauté brute, authentique et réelle. Kaws - Brian Donnelly : Salutations chaleureuses, impression typographique 2005, signée et numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. « Warm Regards », créée en 2005 par KAWS, est une œuvre d'art captivante réalisée en typographie sur papier, mesurant 51 x 41 cm. Cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par l'artiste. Publiée par Iconoclast Editions pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain et de la culture urbaine, cette œuvre met en scène un personnage emblématique du travail de KAWS, reconnaissable à ses yeux barrés et à ses mains et pieds aux proportions exagérées, évoquant un personnage de dessin animé. Cette estampe fait partie d'une série limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté individuellement par l'artiste. Cet ouvrage a été publié par Iconoclast Editions, probablement pour célébrer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Cette exposition, qui s'est tenue de 2004 à 2009, a été un événement majeur mettant en lumière la convergence entre l'art contemporain et la culture urbaine. L'œuvre de KAWS fait souvent le lien entre ces deux univers, alliant une formation en graphisme commercial à une esthétique sophistiquée digne des plus grandes galeries. Ses personnages, généralement issus de la culture populaire, sont représentés dans un style à la fois ludique et critique, reflétant souvent la société de consommation et les émotions humaines. Shepard Fairey - OBEY : Boîte à soupe I Sérigraphie 2005 Signée/Numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. Format : 40,6 x 50,8 cm. « Soup Can 1 » de Shepard Fairey, œuvre emblématique de 2005, est une sérigraphie magistrale sur papier d'archivage sans acide. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires, chacun portant la signature de l'artiste et le numéro d'édition. Iconoclast Editions a édité cette sérigraphie pour commémorer l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009) et célébrer la synergie entre la scène artistique underground et la culture dominante. L'estampe « Soup Can 1 » a figuré dans de nombreuses expositions prestigieuses, dont l'exposition itinérante « Beautiful Losers », « Transfer » à Santander Cultural à Porto Alegre (Brésil) et l'exposition rétrospective « Supply & Demand ». L'œuvre a également été présentée à l'exposition « Transfer », hébergée au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, au Brésil, en 2010. Le travail de Fairey durant cette période est documenté dans de nombreuses publications, notamment la collection « Beautiful Losers » (2005-2009), l'ouvrage « Supply & Demand » publié par Rizzoli en 2009 et l'édition 2010 de « Transfer ». Chacune de ces œuvres offre un éclairage sur le processus créatif de l'artiste et l'impact culturel de son travail. La provenance de « Soup Can 1 » est solidement ancrée dans les archives de Beautiful Losers, ce qui lui assure une place de choix dans l'histoire de la culture urbaine contemporaine et confirme son statut de pièce de collection. Shepard Fairey - OBEY : Sérigraphie sans titre d'Angela Davis, 2005, signée et numérotée Cette puissante sérigraphie de l'artiste influent Shepard Fairey enrichit de façon remarquable son œuvre prestigieuse. De format 20 x 25 cm, cette pièce sans titre fait partie d'une édition exclusive limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé, numéroté et signé par Fairey lui-même, ce qui garantit sa rareté et sa valeur de collection. Fairey, reconnu pour sa capacité à insuffler à l'art un commentaire social, présente un portrait saisissant sur un fond rouge vif qui captive le regard. La silhouette contrastée saisit la force et l'intensité de son sujet, immortalisant un instant d'expression passionnée. L'image, écho visuel du passé, aborde également les thèmes contemporains de l'émancipation et de la résistance. Dans le coin inférieur gauche, l'emblème de Fairey – l'étoile entourée du mot « OBEY » – ancre l'œuvre, l'inscrivant dans son œuvre plus vaste, connue pour inciter les spectateurs à questionner l'autorité et le paysage de la culture visuelle. Cette œuvre témoigne de la pertinence continue de Fairey dans le monde de l'art et de son engagement indéfectible à exprimer des idées à travers son art. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Fairey reconnaîtront le style emblématique de l'artiste, devenu synonyme du mouvement du street art moderne. Henry Chalfant : Lee, Futura, Dondi, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette œuvre captivante, créée par le talentueux Henry Chalfant, célèbre le mouvement du street art et immortalise le travail de trois légendes du graffiti : Lee, Futura et Dondi. Intitulée « Lee Futura Dondi », cette pièce de 2004 est une sérigraphie sur papier d'archivage sans acide, garantissant sa conservation et sa qualité pour les années à venir. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre est suffisamment imposante pour créer un impact visuel fort tout en s'adaptant à différents environnements d'exposition. Le triptyque présente trois rames de métro stylisées et dynamiques, chacune ornée du style distinctif des graffeurs cités. Le panneau supérieur, aux teintes roses et bleues énergiques, met en valeur le lettrage emblématique de Lee, tandis que le panneau central présente l'approche futuriste de Futura, avec des formes abstraites et une palette de tons froids. Le dernier panneau rend hommage au wildstyle classique de Dondi, avec un lettrage audacieux dans des nuances de rose qui tranche avec le fond. L'œuvre de Chalfant n'est pas une simple représentation statique ; Elle traduit le mouvement et le rythme de l'art du métro new-yorkais tel qu'il circulait autrefois dans les rues de la ville. Chaque exemplaire de cette série limitée est signé et numéroté par Chalfant, garantissant son authenticité et son lien avec l'artiste. Cette série a été publiée à l'occasion de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui a mis en lumière les intersections et les influences de l'art urbain au sein de l'art contemporain. Cette estampe est une pièce de collection, non seulement pour sa valeur esthétique et historique, mais aussi parce qu'elle représente l'évolution de l'art urbain, des métros et des murs de la ville jusqu'aux sommets de l'art contemporain. Geoff McFetridge : Kemistry Dessin original avec DVD d'animation 2004 Cette œuvre, créée par Geoff McFetridge, est l'un des 100 dessins originaux qui composent une séquence d'animation complexe. Réalisé avec précision au crayon sur papier Canson, chaque dessin mesure 22,86 x 30,45 centimètres, capturant l'esthétique minimaliste et la fluidité des lignes caractéristiques du travail de McFetridge. Cette œuvre met en scène une silhouette faisant du skateboard, rendue par un trait continu et fluide qui traduit le mouvement et une subtile fantaisie. Un second personnage, curieux, apparaît en retrait, ajoutant une dimension narrative à la composition. En plus de l'œuvre originale, les collectionneurs reçoivent un DVD contenant l'intégralité de la séquence d'animation, offrant un aperçu rare du processus créatif de McFetridge et de la progression de l'animation, des images fixes à une expérience visuelle dynamique. Chaque dessin est signé par l'artiste, une touche personnelle qui garantit son authenticité. Cette acquisition n'est pas seulement l'achat d'une œuvre d'art unique ; c'est une invitation à plonger dans l'univers visionnaire de McFetridge, où le graphisme rencontre la narration cinématographique. Cette combinaison unique de dessin traditionnel et d'animation numérique offre une appréciation multiforme de l'approche novatrice de l'artiste en matière d'art contemporain. Ed Templeton : Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers, photographie de 2004 signée Capturée par l'objectif avisé d'Ed Templeton, cette photographie est une pièce majeure de l'histoire de l'art contemporain, témoignant de l'essence même du mouvement artistique « Beautiful Losers ». L'image présente Chris Johanson, artiste emblématique de l'esprit DIY du street art, lors de la première exposition « Beautiful Losers » à Cincinnati, dans l'Ohio, en 2004. Il s'agit d'un tirage argentique saisissant d'Ed Templeton, représentant Chris Johanson lors de cette exposition inaugurale. La photographie, de format 20 x 25 cm, fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun signé individuellement par Templeton, garantissant son exclusivité et son authenticité. Prise en 2004, cette image est un témoignage intemporel de l'histoire de l'art, documentant un moment charnière dans la convergence de la culture urbaine et de l'art contemporain. Cette photographie est un témoignage visuel et une incarnation de l'esprit de l'exposition, célébrant la rencontre underground du skateboard, du graffiti et du street art avec l'art contemporain. La composition de la photo, spontanée et sans filtre, révèle Johanson, le visage dissimulé par un tissu blanc, une présence énigmatique qui attise la curiosité. Ce choix de présentation fait écho aux thèmes de l'anonymat et du mystère qui imprègnent souvent la culture du street art. Le visage caché de Johanson, orné de lunettes de soleil posées sur le tissu et de sa barbe indomptée qui dépasse, crée un contraste saisissant, visuellement captivant et qui invite à la réflexion. Signée par Ed Templeton, cette photographie offre un lien tangible avec l'instant qu'elle immortalise, plongeant le spectateur au cœur d'un événement charnière de l'histoire du street art et du pop art. La signature de Templeton ajoute une touche d'authenticité et fait de cette œuvre un véritable point de rencontre entre son parcours photographique et le récit artistique de Johanson. « Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers » est une photographie qui transcende son médium, offrant un aperçu de la communauté et de la camaraderie des artistes qui ont marqué toute une génération. Cette œuvre occupera une place de choix pour les collectionneurs et les passionnés du mouvement, incarnant l'énergie brute et spontanée que représentaient les « Beautiful Losers ». Cynthia Connolly : Page de machine à glaçons sans titre, photographie d'Arizona , 1999. Signée et datée. Cette photographie de Cynthia Connolly, sans titre mais capturant avec émotion l'essence de Page, en Arizona, est un tirage argentique magistral qui incarne l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers ». Ce tirage de 10 x 15 cm fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé et signé avec soin par l'artiste, soulignant ainsi son caractère de collection. L'image met en scène une machine à glaçons, symbole à la fois banal et emblématique de l'Amérique du quotidien. Datée du 17 mai 1995, la photographie n'est pas seulement la représentation d'un lieu, mais aussi le témoignage d'une époque. L'annotation manuscrite « Page, Arizona » y ajoute une touche personnelle, évoquant un lieu et ancrant l'œuvre dans son contexte géographique. Le regard photographique de Connolly transforme l'ordinaire en extraordinaire, invitant le spectateur à trouver beauté et récit dans le quotidien. Le contraste saisissant du noir et blanc met en valeur le jeu d'ombre et de lumière, conférant à la machine à glaçons une dimension sculpturale. Cette œuvre est une exploration subtile des formes et des textures, où même l'utilitaire devient un sujet digne de contemplation artistique. Ce tirage est essentiel pour les collectionneurs qui apprécient le croisement entre la photographie documentaire et les beaux-arts. Il témoigne de l'engagement de Connolly à saisir les recoins méconnus des paysages américains, et constitue un ajout exceptionnel à toute collection célébrant la beauté subtile du quotidien au sein de la vaste tapisserie de la culture américaine. Barry McGee : Untitled Ryze 2007, tirage C et photographie étiquetée à la main L'œuvre « Untitled Ryze » de Barry McGee est un pilier du mouvement d'art contemporain, symbolisant la rencontre dynamique entre la culture urbaine et les beaux-arts. Ce tirage C saisissant de 2007, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est une pièce de collection très recherchée, limitée à 200 exemplaires. Chaque exemplaire de la série est signé et numéroté à la main par McGee, un artiste qui appose rarement sa signature sur ses œuvres. L'œuvre a été présentée en parallèle de l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 dans de nombreux musées et galeries à travers le monde. L'image capture l'essence de Ryze, figure légendaire du street art bostonien, et témoigne du talent de McGee pour transposer l'énergie brute du graffiti dans un contexte muséographique raffiné. L'œuvre de McGee dépasse le cadre de la photographie, car « Untitled Ryze » est un élément central de ses installations et assemblages de grande envergure. Ce tableau est un témoignage visuel de l'héritage de l'artiste et un symbole de l'esprit culturel incarné par The Beautiful Losers. Acquise directement auprès d'Iconoclast Editions et des archives de The Beautiful Losers, cette œuvre représente une occasion unique pour les amateurs et les collectionneurs d'acquérir un fragment d'histoire du street art, vu à travers le regard de l'un de ses artistes les plus énigmatiques et les plus célèbres : Barry McGee. Barry McGee : Sans titre Bonjour, je m'appelle... Autocollant original Slap-Up 2005 signé Barry McGee, figure influente du street art et du graffiti, a marqué les esprits par son style et son approche uniques. Son œuvre « Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag » en est un exemple emblématique, mêlant l'énergie brute du street art à l'esthétique raffinée du pop art. Créée en 2005, cette pièce témoigne de la capacité de McGee à transformer des objets et des thèmes du quotidien en expressions artistiques saisissantes. Son parcours artistique a débuté dans la rue, où il a perfectionné son art en réalisant des graffitis sous le pseudonyme de « Twist ». Cette période formatrice a été cruciale pour façonner son style distinctif, caractérisé par un mélange de spontanéité propre au graffiti et d'audace, voire de force visuelle, propre au pop art. Son passage des murs de la rue aux galeries n'a en rien altéré l'authenticité brute de son travail. Au contraire, il lui a offert un nouveau terrain d'expression, lui permettant de toucher un public plus large tout en restant fidèle à ses racines dans la culture urbaine. Terry Richardson : Autoportrait du diable sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie sur papier, réalisée en 2004 et intitulée « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », offre un rendu visuel saisissant. Tirée à 200 exemplaires, elle est signée et numérotée individuellement par l'artiste, conférant à cette œuvre exclusive une dimension personnelle. Sur un fond jaune éclatant, l'artiste pose dans une attitude à la fois espiègle et rebelle. Arborant des cornes de diable et brandissant un trident, il fait un geste malicieux de paix, juxtaposant ainsi des symboles traditionnellement sinistres à une attitude légère. La dominante jaune monochrome de la sérigraphie renforce l'impact visuel de l'œuvre. Cette pièce a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), qui explore les intersections entre culture pop et art urbain et propose une relecture subversive de l'iconographie contemporaine. L'origine de cette œuvre est remarquable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle atteste de son authenticité et de son lien avec un mouvement majeur de l'art moderne. Cet autoportrait est bien plus qu'une simple image ; c'est une œuvre marquante qui capture l'essence d'un esprit culturel, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art. Evan Hecox : Estampe sur bois « Rue de Kyoto », 2004, signée et numérotée « Kyoto Street », une sérigraphie captivante d'Evan Hecox, immortalise un instant figé dans le charme intemporel de l'ancienne capitale japonaise. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande minutie sur papier d'archivage sans acide et mesure 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Hecox lui-même, ce qui en fait une pièce de collection. Cette œuvre a été présentée dans le cadre de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », de 2004 à 2009, et a été exposée dans différents lieux. L'estampe « Rue de Kyoto » a été présentée dans des expositions de renom, notamment « Transfer » au Centre culturel Santander de Porto Alegre, au Brésil, en 2008, et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, en 2010. Dans cette œuvre, Hecox distille l'essence du paysage urbain de Kyoto en contrastes saisissants et en lignes épurées, capturant le jeu dynamique de la lumière et de l'ombre. Des lanternes ornées de caractères kanji ponctuent la scène, diffusant une lueur chaleureuse sur la ruelle. Parallèlement, le réseau complexe de lignes électriques au-dessus ajoute une dimension supplémentaire, suggérant l'énergie vibrante de la ville. La palette audacieuse et le style graphique affirmé de l'œuvre suscitent une certaine nostalgie, invitant le spectateur à contempler l'atmosphère à la fois sereine et animée des rues de Kyoto. Conservée dans les archives de Beautiful Losers, « Rue de Kyoto » n'est pas seulement une estampe, mais une œuvre narrative présentée aux côtés d'autres chefs-d'œuvre contemporains dans les catalogues « Beautiful Losers » et « Transfer ». C'est un témoignage de la capacité d'Hecox à capturer l'âme de l'environnement urbain, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et les admirateurs d'art contemporain ayant un penchant pour l'esthétique urbaine et la profondeur culturelle. Ryan McGinness : Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot, sérigraphie 2004, signée et numérotée Ryan McGinness, « Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot ». Cette œuvre exquise de 2004 est une représentation magistrale de l'iconographie contemporaine, réalisée avec une minutie extrême par sérigraphie sur papier. Chaque estampe mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, garantissant son caractère unique et de collection. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par l'artiste, attestant de son authenticité et de la touche personnelle de McGinness. L'œuvre a été publiée en parallèle de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a mis en lumière l'énergie vibrante et le dynamisme du street art dans le contexte de l'art contemporain. L'œuvre est une symphonie de symboles, un lexique visuel reflétant l'esprit ironique et souvent autodérisoire de la sous-culture hipster. L'utilisation par McGinness d'images iconiques, mêlée de fantaisie et de critique, capture un moment où l'art, la culture et le commentaire social se rencontrent avec une grâce naturelle. Cette œuvre n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un morceau d'histoire culturelle, un miroir de l'esprit du temps du paysage urbain du début des années 2000. Harmony Korine : Sans titre Osama et ET, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre est une sérigraphie captivante d'Harmony Korine, intitulée « Sans titre (Oussama et E.T.) », datant de 2005. Tirée à seulement 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Korine, elle est une véritable pièce de collection. Cette estampe, mesurant 50,8 x 40,6 cm, révèle la vision unique de Korine en juxtaposant deux références culturelles radicalement différentes. L'image représente Oussama ben Laden enlacé avec l'emblématique extraterrestre E.T., personnage du célèbre film de Steven Spielberg. La fusion de ces images constitue une affirmation audacieuse et invite à de multiples interprétations de la convergence de symboles culturels disparates. Le personnage et E.T. sont dessinés avec une linéarité délicate qui contraste avec la gravité du sujet, créant un paradoxe visuel saisissant. Cette sérigraphie a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la rencontre entre le skateboard, le graffiti, la mode urbaine et l'art contemporain. La provenance de cette estampe est irréprochable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle revêt une importance historique et artistique indéniable. Le juxtaposition de figures aussi incongrues invite le spectateur à concilier les émotions et les récits contrastés que chaque personnage incarne. Plus qu’une simple expression visuelle, cette œuvre est un dialogue sur la culture populaire, les personnalités politiques, les personnages de fiction et leur place dans le champ artistique. Les collectionneurs et les amateurs de street art apprécieront la profondeur et le caractère provocateur de cette estampe, qui constitue une pièce de choix pour toute collection d’art contemporain. Larry Clark : Photographie Shorty sans titre, œuvre d'art 1996/2007, signée et numérotée Cette saisissante photographie, intitulée « Sans titre (Shorty) », est une œuvre marquante du célèbre artiste Larry Clark. Réalisée en 1996 et publiée en 2007, elle est imprimée sur papier aquarelle Anjelica et mesure 50,8 x 34,9 cm. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 est signé et numéroté individuellement par Clark lui-même, avec une signature et une date supplémentaires au verso, garantissant son authenticité et sa rareté. Diffusée à l'occasion de la prestigieuse exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), cette photographie provient des Éditions Iconoclast et fait partie intégrante des Archives Beautiful Losers. Figure influente de la photographie et du cinéma depuis plus de cinquante ans, Larry Clark a marqué durablement le monde de la création grâce à des œuvres telles que « Teenage Lust » et « Tulsa », ainsi que des films comme « KIDS » et « Marfa Girl ». La photographie capture l'essence de Lyle Dean « Shorty » Easky, dont l'histoire s'entremêle avec celle de l'artiste et le récit plus large de la culture de la jeunesse américaine. Shorty, d'origine amérindienne, est décédé tragiquement en 2013. Sa vie et sa mort prématurée demeurent un récit poignant, dont les racines plongent dans le même quartier de Tulsa qui a inspiré une grande partie des premières œuvres de Clark – le même lieu que Francis Ford Coppola a choisi pour « Outsiders ». Raymond Pettibon : Soleil sans titre, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre saisissante, sans titre, date de 2005 et est signée par l'artiste renommé Raymond Pettibon, reconnu pour son influence majeure sur l'art et la culture. Il s'agit d'une sérigraphie sur papier, un médium qui permet une restitution vibrante et précise du design dynamique de Pettibon. Mesurant 51 x 41 cm, elle s'adapte à différents espaces et impose sa présence visuelle. Cette création de Pettibon fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, offrant un lien direct avec son processus créatif. L'œuvre présente une explosion de lignes émanant d'un point central, suggérant une énergie explosive ou un phénomène cosmique. L'utilisation du noir, associée à des touches de bleu et de jaune, confère à l'œuvre une impression de profondeur et d'intensité, tandis que le texte manuscrit en haut – « APPLIQUEZ-LE À L'ÉTUDE DES MIROIRS, DES ARCS-EN-CIEL OU DU SOLEIL ! » – invite à la contemplation et ajoute une dimension poétique à l'expérience visuelle. Cette édition a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait le croisement entre l'art underground et la créativité urbaine. L'œuvre de Pettibon témoigne de l'esprit de ce mouvement, incarnant l'énergie brute et l'esthétique audacieuse qui définissent le genre. C'est une pièce de collection, non seulement pour son attrait esthétique, mais aussi pour son importance culturelle dans l'art contemporain. Evan Hecox : Estampe sur bois de Chinatown, New York, 2004, signée et numérotée « Chinatown NYC », une estampe sur bois de 2004 d'Evan Hecox, réalisée sur un délicat papier de riz japonais, retranscrit avec minutie la vitalité urbaine. Chaque estampe de cette série limitée mesure 25,4 x 20,3 cm et fait partie d'une édition numérotée à 100 exemplaires, soulignant ainsi son exclusivité. Chaque pièce est imprimée et signée personnellement par Hecox, témoignant de l'implication directe de l'artiste dans l'expérience du collectionneur. Cette œuvre capture l'essence du quartier chinois animé de New York avec un sens aigu du détail et une approche stylistique singulière. L'utilisation des lignes par Hecox dans la technique de l'estampe sur bois traduit la nature dynamique de la ville en une image statique qui vibre de vie. L'artiste restitue avec maestria la complexité architecturale du paysage urbain, complétée par la présence humaine qui insuffle la vie à la ville. La superposition nuancée de l'estampe, avec son tracé complexe et ses subtiles variations de tons, fait écho à la richesse des expériences vécues en milieu urbain. Reconnu pour son talent à saisir l'essence d'un lieu dans ses œuvres, Hecox présente « Chinatown NYC » comme bien plus qu'une simple représentation visuelle : c'est un récit tissé d'encre et de papier, une histoire rythmée par le paysage urbain. Cette œuvre témoigne du génie artistique de Hecox et rend hommage à la richesse culturelle de Chinatown et à l'histoire en constante évolution de New York. Rostarr- Romon K Yang : Sans titre, Japon, HPM, peinture en aérosol, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Découvrez la fusion de la tradition et de la rébellion avec « Untitled Japan HPM » de Rostarr, une œuvre provocatrice de Romon K Yang datant de 2005. Cette œuvre saisissante, réalisée sur papier (27,94 x 33,02 cm), est un mélange harmonieux de peinture aérosol et de sérigraphie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle témoigne du langage visuel singulier de Rostarr, où les traits calligraphiques rencontrent la spontanéité du street art. Des formes rouges audacieuses structurent la composition ; leurs contours fluides et leurs cercles pleins contrastent fortement avec les éclaboussures brutes et improvisées de peinture aérosol noire. Ce jeu de couleurs et de formes crée une tension dynamique, une symphonie visuelle qui capture l'esprit de l'art contemporain. Chaque exemplaire de « Untitled Japan HPM » est une célébration de l'expression unique, peinte et imprimée à la main, signature audacieuse du style iconique de Rostarr. La rareté de cette œuvre en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs désireux de posséder un fragment d'histoire de l'art qui fait le lien entre tradition et modernité, entre préméditation et spontanéité. « Untitled Japan HPM » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un dialogue culturel qui résonne au rythme de la vie urbaine contemporaine. Rostarr - Romon K Yang : Papillon dans l'ouragan, sérigraphie de 2004 signée et numérotée Embarquez pour un voyage visuel avec « Papillon dans la tempête », une sérigraphie sur papier captivante de l'artiste renommé Rostarr, créée en 2004, année charnière. Cette œuvre illustre l'interaction dynamique entre forme et fluidité. Mesurant 51 x 41 cm, elle fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun portant la signature et le numéro uniques attribués par l'artiste. Fruit d'une exploration artistique audacieuse, « Papillon dans la tempête » a été dévoilée en parallèle de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », célébrant la rencontre entre les mouvements artistiques underground et la culture dominante. L'œuvre présente une profusion de formes et de courbes abstraites, principalement dans des tons de bleu et de jaune, évoquant la grâce chaotique d'un papillon pris dans la tempête. Les couleurs vives tourbillonnent et dansent sur le papier, invitant le spectateur à contempler la relation entre harmonie et chaos. Cette œuvre est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; C'est une œuvre marquante, un fragment d'histoire culturelle, et un témoignage de la maîtrise de l'artiste qui mêle l'énergie brute de la culture urbaine à la sophistication de l'art contemporain. « Butterfly In The Hurricane » est une pièce incontournable pour les connaisseurs et les collectionneurs, promettant de susciter la conversation et de devenir un joyau de toute collection. Craig R Stecyk III : Sans titre, 2004. Photographie sérigraphique HPM unique, signée et numérotée. Œuvre singulière de Craig R. Stecyk III, cette œuvre sans titre de 2004 illustre avec brio la fusion entre art contemporain et culture urbaine. Réalisée avec une méticulosité extrême, elle présente un fond personnalisé peint à l'aérographe, une sérigraphie double face appliquée avec maestria et des accents de crayon sur un papier d'archivage blanc épais et robuste, sans acide, de 50,8 x 40,6 cm. Tirée à 200 exemplaires, chaque pièce est numérotée individuellement et signée par l'artiste, gage de son exclusivité. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et est très prisée au sein des archives Beautiful Losers. Son authenticité et son importance culturelle sont attestées par la provenance de cette pièce, issue des Éditions Iconoclast. Stecyk, figure emblématique du projet Beautiful Losers, a créé une installation qui a captivé le public et suscité un engouement sans précédent. Son œuvre rend hommage aux vibrantes sous-cultures californiennes, puisant son inspiration dans la culture des voitures customisées, le surf et le skateboard, le tout illustré par une documentation photographique exhaustive. Membre fondateur des Dogtown et des Z-Boys, Stecyk transcende la simple création artistique avec ses œuvres : elles sont de véritables témoignages d'un mouvement culturel décadent, transposés sur papier dans une palette qui vibre au rythme de l'énergie et de l'esprit de la rue. Cette pièce est une expression artistique et un artefact culturel qui capture l'essence même des sous-cultures californiennes, immortalisée par le regard visionnaire de Stecyk. Craig R Stecyk III : Épreuve sérigraphique argentique sans titre, signée et numérotée L'œuvre sans titre de Craig R. Stecyk III est une affirmation d'originalité et de défi artistique. Elle fait partie d'une série exclusive de 100 exemplaires, chacun étant un tirage argentique sérigraphié sur papier, mesurant 10,16 x 15,24 centimètres. L'œuvre arbore fièrement le mot « PROOF » en lettres rouges, attestant de son authenticité en tant que tirage photographique original. Le texte en dessous sert à la fois de déclaration et de restriction, soulignant la vocation contractuelle du tirage et interdisant expressément toute reproduction, revente et exposition publique. La signature de l'artiste, apposée avec énergie sur le tirage, renforce cette exclusivité, authentifiant chaque exemplaire et le désignant comme une pièce unique au sein de cette édition limitée. La signature devient partie intégrante de l'œuvre, se fondant dans le message textuel et le fond épuré, garantissant que chaque tirage témoigne de la philosophie artistique unique de Stecyk et de son héritage au sein du monde de l'art. Tobin Yelland : Sérigraphie sans titre d'Andy Roy, 2004, signée et numérotée « Sans titre (Andy Roy) » de Tobin Yelland est une sérigraphie saisissante qui capture l'essence de l'individualité et de la rébellion, caractéristiques de la culture urbaine. Réalisée en 2004, cette œuvre met en scène Andy Roy, figure emblématique du monde du skateboard, connu pour son style brut et son attitude sans compromis. Imprimée sur papier de haute qualité, chaque exemplaire de cette édition limitée mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une série de 200 tirages. Chaque pièce est méticuleusement signée et numérotée par Yelland, garantissant son authenticité et l'inscrivant dans une lignée d'objets de collection très recherchés. L'œuvre a été créée pour l'exposition influente « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009). Cette exposition a joué un rôle déterminant dans la célébration et la reconnaissance de la culture urbaine au sein de la scène artistique contemporaine, en intégrant l'esthétique du skateboard, du graffiti et d'autres formes d'expression artistique dans l'espace des galeries. Issue d'Iconoclast Editions et des archives de Beautiful Losers, « Sans titre (Andy Roy) » est bien plus qu'un portrait : c'est un récit de la contre-culture, un emblème de l'esprit rebelle du street art et un instantané d'un mouvement qui a marqué durablement l'art contemporain. Collectionneurs et amateurs du genre trouveront dans cette sérigraphie une œuvre qui continue de vibrer au rythme et à l'authenticité de la culture urbaine. Tobin Yelland : Skate Smash Window PhotMills signé/numéroté « Skate Smash Window Photo » de Tobin Yelland est une photographie en noir et blanc, brute et dynamique, qui saisit un instant spontané de rébellion juvénile. Prise en 2004, cette image incarne l'esprit de la culture street et skate de l'époque. La photo illustre la spontanéité et l'impulsivité inhérentes à la culture du skateboard, incarnées par l'acte d'une planche de skate fracassant la vitre d'une voiture. Cette photographie a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition célébrait la fusion des sensibilités urbaines et du monde de l'art, intégrant l'authenticité des expériences subculturelles dans le contexte des beaux-arts. Provenant des archives de Beautiful Losers et ayant été acquise par Iconoclast Editions, cette œuvre est bien plus qu'une simple photographie : c'est un récit, une tranche de vie d'une culture souvent méconnue. La capacité de Yelland à saisir un instant aussi brut et authentique crée un lien viscéral avec le spectateur, offrant un aperçu des aspects les plus débridés de la culture jeune. La photo « Skate Smash Window Photo » témoigne de l'époque qu'elle représente, constituant un document historique de la contestation et de l'énergie subversive propres au skateboard. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les passionnés de photographie et de culture urbaine, offrant un regard sans concession sur les moments fondateurs d'un mouvement. Mike Mills : La police est en nous, sérigraphie 2004, signée et numérotée L'œuvre évocatrice de Mike Mills, « The Cops Are Inside Us », constitue une déclaration profonde dans l'art contemporain. Elle utilise la technique brute de la sérigraphie artisanale, combinée au crayon, sur un papier d'archivage blanc doux sans acide. Cette œuvre de 2004 mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires signés et numérotés. Chaque estampe de cette série témoigne du sens aigu de l'observation chez Mills, qui explore l'interaction entre texte et image, créant un récit qui évoque la lutte intérieure et l'introspection sociétale. La teinte rouge intense qui domine l'estampe, s'estompant en une représentation crue et granuleuse dans sa partie inférieure, crée un contraste visuel saisissant, suggérant une dualité inhérente à la condition humaine. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition majeure « Beautiful Losers », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition a mis en lumière l'importance culturelle du street art et son impact sur les pratiques artistiques contemporaines. « The Cops Are Inside Us » reflète l’esprit de son époque et continue de faire écho aux débats sociaux actuels, ce qui en fait une œuvre intemporelle pour les collectionneurs et les amateurs d’art engagé. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers, cette pièce de Mike Mills est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est un commentaire culturel, préservé par la sérigraphie et offrant un aperçu du dialogue complexe entre la société et l’individu. Cheryl Dunn : Sérigraphie signée et numérotée, réalisée en 2004, et photographie signée. « Drafted. » de Cheryl Dunn est une sérigraphie provocatrice qui saisit avec force un instant d'interaction humaine, sur un fond jaune éclatant. Cette création de 2004 mesure 51 x 41 cm et fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son caractère exclusif. L'œuvre présente une scène à fort contraste, avec des silhouettes en contre-jour, l'une assise au sol et les autres semblant en mouvement. Les silhouettes de Dunn créent un récit universel, permettant à chacun d'y projeter ses propres histoires et significations. Le titre « Drafted. » suggère les thèmes de la compulsion et de la résistance, trouvant un écho profond chez le spectateur. Présentée lors de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette œuvre contribue au dialogue entre culture urbaine et beaux-arts. Cette exposition a été une vitrine essentielle pour les artistes influencés par des formes subculturelles telles que le skateboard, le graffiti et le punk. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive et produite par Iconoclast Editions, « drafted. » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'un mouvement. Elle exprime avec force la vision de Dunn et offre un commentaire visuel sur les forces qui façonnent notre société. Les collectionneurs d'art contemporain et les amateurs de culture urbaine y trouveront un mélange captivant d'audace esthétique et de pertinence sociale. Cheryl Dunn : C-4 San Francisco Tenderloin Hallway, estampe giclée 2004, signée et numérotée Cette captivante estampe giclée de Cheryl Dunn transporte le spectateur au cœur vibrant du quartier Tenderloin de San Francisco. Intitulée « C-4 San Francisco Tenderloin Hallway », elle témoigne du regard aiguisé de Dunn sur l'authenticité et la spontanéité, capturant un instant saisissant dans un couloir qui murmure des histoires du tissu urbain de la ville. L'estampe, au format 38 x 25 cm, est méticuleusement numérotée et signée personnellement par Cheryl Dunn, garantissant son authenticité et son lien avec la vision originale de l'artiste. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette édition limitée est une pièce unique et de collection pour les amateurs d'art et les passionnés d'exploration urbaine. Le sujet se tient dans l'étroit couloir, incarnant une sérénité au milieu du chaos potentiel de la ville. Vêtu d'une veste rouge et verte éclatante, ornée d'oreilles d'ours fantaisistes, il apporte une touche d'innocence à cette scène par ailleurs brute. Cette personne tient une bombe de peinture, évoquant une histoire d'art urbain et d'expression. Parallèlement, les poches de sa veste sont intrigantes, remplies d'autres bombes, suggérant peut-être une réflexion de l'artiste sur la jeunesse, la rébellion ou la créativité dans l'espace urbain. L'estampe de Cheryl Dunn offre non seulement un récit visuel, mais invite également à une réflexion sur le pouls culturel de la ville, les histoires inscrites dans ses murs et les personnages hauts en couleur qui la fréquentent. Cette œuvre est plus qu'une photographie : c'est un fragment de l'âme de San Francisco, magnifiquement préservé grâce à une impression giclée de haute qualité. Cynthia Connolly : Machine à glaçons sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée L'œuvre « Sans titre » de Cynthia Connolly, issue de sa série « Machines à glaçons », est une sérigraphie sur papier captivante, mesurant 40,6 x 50,8 cm. Tirée à seulement 200 exemplaires, chaque pièce est signée par l'artiste et numérotée, garantissant son authenticité et sa rareté. Réalisée avec un sens aigu de l'esthétique américaine, cette œuvre est un témoignage poétique des machines à glaçons autrefois omniprésentes dans le paysage américain, aujourd'hui vestiges d'une époque révolue. Le travail de Connolly est reconnu pour sa capacité à saisir ces instants fugaces de la vie américaine, préservant la nostalgie et la valeur culturelle de ces objets du quotidien. L'estampe « Sans titre » a été éditée pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement marquant a permis d'introduire la culture urbaine, avec son authenticité brute, dans l'univers raffiné des galeries d'art, mettant en lumière le travail d'artistes puisant leur inspiration dans l'esthétique de la rue, le skateboard et les courants underground de la culture subversive. Les photographies de Connolly, réputées pour leur simplicité et leur profondeur saisissantes, figurent dans les collections permanentes de musées prestigieux. Cette estampe, appartenant à la série « Ice Machines », témoigne de son engagement à immortaliser des aspects de la vie américaine qui disparaissent peu à peu. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain empreints de nostalgie, « Sans titre » de Connolly est une pièce incontournable. Bien plus qu'une simple sérigraphie, c'est un morceau de patrimoine culturel, une réflexion profonde sur la fugacité du quotidien et une œuvre d'art remarquable d'une photographe et artiste de renom. Geoff McFetridge : L'éclat caché, sérigraphie 2004, signée et numérotée « L'Éclat Caché » de Geoff McFetridge témoigne de la maîtrise de l'artiste en matière de rythme visuel et de narration, sublimée par la sérigraphie. Créée en 2004, cette sérigraphie sur papier mesure 51 x 41 cm, un format qui permet aux motifs complexes et à la palette de bleus saisissante d'envelopper le champ de vision du spectateur. Chaque élément de la mosaïque vibre d'une énergie emblématique du talent graphique de McFetridge. À y regarder de plus près, on discerne la composition méticuleuse de formes abstraites et figuratives. Cette œuvre à motifs est un puzzle visuel sophistiqué où formes géométriques et organiques convergent pour créer une impression de profondeur et de mouvement. La répétition des éléments sert un dessein esthétique et tisse un récit plus profond, évoquant l'interconnexion des individus au sein d'une communauté ou la nature à la fois répétitive et unique des paysages urbains. Signée par l'artiste, cette pièce porte la marque personnelle de McFetridge, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au processus créatif. « The Hidden Radiance » a figuré dans la prestigieuse exposition « The Beautiful Losers Portfolio » à la galerie Agnes B de Los Angeles, au sein d'une collection célébrant la synergie entre l'art contemporain et la culture urbaine. Elle est également mise en avant dans l'ouvrage de référence « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », publié par Edition Iconoclast, qui documente le phénomène culturel que représente cette œuvre. Cette sérigraphie est une pièce décorative essentielle au dialogue entre le pop art urbain et les scènes artistiques dominantes. C'est une pièce de collection qui capture l'essence de l'influence de McFetridge sur le langage visuel de l'art contemporain. Ce langage parle aussi bien à l'amateur d'art averti qu'au passionné de la culture urbaine. Ed Templeton : Femme choquée (sans titre) Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Femme choquée (sans titre) », une œuvre saisissante d'Ed Templeton, révèle toute la puissance expressive de la sérigraphie. Créée en 2004, cette pièce de 40,6 x 50,8 cm fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par Templeton, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Cette sérigraphie témoigne du talent unique de Templeton pour saisir la condition humaine dans ses moments les plus vulnérables et les plus authentiques. L'œuvre représente une femme, son expression de surprise ou de choc, un instant figé dans le temps par la main experte de Templeton. L'utilisation de couleurs vives et contrastées, ainsi que la superposition d'éléments abstraits, confèrent à cette œuvre une dynamique à la fois troublante et fascinante. L'image, empreinte d'immédiateté et d'intimité, caractéristique de la démarche artistique de Templeton, invite le spectateur à se confronter aux émotions inattendues et souvent dérangeantes que manifestent ses sujets. Les coups de pinceau bruts et l'estompage délibéré des détails invitent à explorer les thèmes de l'intimité, de l'émotion et de la dimension voyeuriste de l'art. « Femme choquée sans titre » a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait la rencontre entre les scènes artistiques underground et la reconnaissance du grand public. L'œuvre de Templeton témoigne du pouvoir du pop art urbain à exprimer des expériences humaines profondes, faisant de cette pièce une acquisition précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain. James Jarvis x Amos Toys : Figurine signée Wiggins (The Thin Blue Line) de la série In-Crowd, objet d'art de collection 2004 Il présente « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins », une figurine collector en édition limitée à 100 exemplaires signés (3,5 x 6 pouces), fusionnant l'univers imaginaire de James Jarvis et le plaisir tangible des objets d'art. Créée en collaboration avec Amos Toys, cette figurine représente une synthèse unique entre art, collection et narration. Il s'agit d'une figurine en vinyle de 10 cm (6 pouces) environ, nommée Wiggins, faisant partie d'une série très exclusive limitée à seulement 1 660 exemplaires dans le monde. Wiggins, le petit policier, se tient fièrement dans son uniforme, confectionné avec un souci du détail exceptionnel. Du haut de sa casquette de police classique aux semelles de ses bottes robustes, chaque élément de sa tenue a été soigneusement conçu pour refléter l'essence de son personnage. Il tient une matraque, accessoire qui suggère sa disponibilité à intervenir et à rétablir l'ordre. Pourtant, son visage, orné d'une moustache et d'une expression sévère, suggère une profondeur de personnalité qui dépasse ses fonctions officielles. Chaque figurine est présentée dans un coffret au design soigné, arborant fièrement la signature de James Jarvis, gage d'authenticité et lien direct avec l'artiste. L'emballage est une œuvre d'art à part entière, au même titre que la figurine elle-même. La fenêtre transparente dévoile la silhouette de Wiggins, brouillant la frontière entre jouet et sculpture. Wiggins n'est pas qu'un simple personnage : c'est un conteur à part entière, incarnant la complexité de son métier avec l'humour et la perspicacité caractéristiques de Jarvis. Selon son histoire, lorsqu'il ne patrouille pas les rues, il écrit des poèmes introspectifs, offrant un aperçu de son âme sensible, en contraste avec son image d'autorité. Cette pièce est un incontournable pour les amateurs de street art et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre art et fantaisie. C'est un hommage au charme décalé et à la vision créative qui font la renommée de James Jarvis, faisant de « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins » une pièce exceptionnelle pour toute collection de jouets d'art ou d'œuvres d'art contemporain. ESPO - Steve Powers : Sans titre, Next Door, sérigraphie HPM, 2006, signée et numérotée « Sans titre (Voisin…) » de Steve Powers est une œuvre d'art contemporain exemplaire, mêlant la spontanéité du street art à la sophistication d'une œuvre de galerie. Cette sérigraphie sur papier, mesurant 40,6 x 50,8 cm, fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'une des particularités de cette œuvre réside dans les éléments uniques dessinés à la main par Powers sur chaque tirage, faisant de chaque exemplaire un trésor unique. L'œuvre est imprégnée de l'humour et du langage visuel caractéristiques de Powers, avec des graphismes audacieux et un jeu de mots qui tissent un récit complexe. Publiée à l'occasion de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » , qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette sérigraphie capture l'essence d'un mouvement qui a brouillé les frontières entre art underground et art mainstream. Les éléments variés, de la pièce de puzzle « Inadapté » à la silhouette mélancolique coiffée d'un haut-de-forme, abordent les thèmes de l'identité, des pressions sociales et de la quête existentielle de sens. Issue d'Iconoclast Editions et des archives Beautiful Losers, « Sans titre (À côté...) » de Powers n'est pas une simple œuvre d'art imprimée ; c'est un dialogue avec le spectateur, un commentaire satirique sur la condition humaine et le reflet de la voix singulière de Steve Powers (alias ESPO) dans le monde de l'art. Cette œuvre enrichira toute collection et suscitera la conversation grâce à son imagerie vibrante et au talent narratif unique de l'artiste. ESPO - Steve Powers : Panneaux pratiques pour les personnes que vous connaissez à New York - Impression HPM personnalisée 2006 Steve Powers, alias ESPO, donne vie à l'essence même de la communication urbaine avec son œuvre « Handy Signs for People You Know in New York City » (2006). Cette collection d'autocollants découpés est bien plus qu'un simple objet décoratif : c'est une forme d'expression, incarnant le pouls des rues de New York. Chaque autocollant, une explosion de couleurs et de symboles, mesure 30,8 x 26 cm et est conçu pour capter l'attention et susciter la réflexion. L'œuvre catégorise astucieusement les différents archétypes que l'on peut croiser dans la métropole trépidante : les « CONFUSEURS » (main pointée en bleu), les « ABUSEURS » (pouce baissé en rouge), les « UTILISATEURS » (index pointé en vert) et les « PRODUCTEURS » (poignée de main en noir). Le jaune vif du fond agit comme un mégaphone visuel, amplifiant le message de chaque signe. L'œuvre de Powers est un commentaire sur la dynamique sociale de la vie urbaine, chaque signe étant une représentation concise des interactions complexes qui définissent l'expérience citadine. Présentés sous forme de planche d'autocollants découpés à l'emporte-pièce, imprimés sur papier mat haute pression (HPM), ces autocollants sont conçus pour adhérer à toutes les surfaces, transformant les objets du quotidien en supports d'échange social. « Handy Signs for People You Know in New York City » est une œuvre d'art interactive et un artefact culturel qui reflète le regard aiguisé de l'artiste sur les personnages qui composent le tissu social de la ville. Pour les collectionneurs et les admirateurs du travail de Steve Powers, cette planche d'autocollants offre un mélange unique de graphisme, d'art urbain et de commentaire ironique — autant de caractéristiques du style si particulier de Powers. Jo Jackson : Sérigraphie sans titre, 2004, signée et numérotée, accompagnée d'un livre d'artiste intitulé « States ». « Sans titre » de Jo Jackson (2004) est une sérigraphie sereine qui capture l'essence minimaliste des formes naturelles par la couleur et la forme. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre fait partie d'une série en édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et sa valeur de collection. « States » est un fanzine à feuillets articulés en édition limitée à 100 exemplaires. L'estampe présente un pic glacé et austère se détachant sur un superbe fond bleu, évoquant un sentiment de calme et de contemplation. Le sommet de la montagne est orné d'un flocon de neige unique et détaillé, suggérant la pureté et l'unicité des créations de la nature. En dessous, un champ de points blancs danse sur la base, rappelant une douce chute de neige ou un ciel étoilé. Publiée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), l'œuvre de Jackson reflète la dimension introspective et souvent méditative que peut susciter l'art contemporain. Cette exposition marquante a mis en lumière des artistes puisant leur inspiration dans la culture urbaine, le graffiti, le skateboard et d'autres formes d'art underground. Issue des archives de « Beautiful Losers », cette pièce représente un moment charnière de l'art contemporain où simplicité et symbolisme se rejoignent. Pour les collectionneurs comme pour les amateurs, « Sans titre » de Jackson est bien plus qu'une simple estampe : c'est une œuvre d'une beauté sereine, offrant un instant de réflexion au cœur du tumulte quotidien. Elle témoigne du talent de l'artiste pour condenser des émotions complexes en une image unique et poignante. Thomas Campbell : Peuple de la Pangée, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « People Of Pangea Unite » de Thomas Campbell est une sérigraphie sur papier saisissante qui offre une perspective à la fois poétique et profonde sur l'unité et le monde naturel. Cette œuvre de 2005 fait partie d'une série limitée, signée et numérotée individuellement par l'artiste, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. L'œuvre représente un paysage surréaliste où des figures humaines se fondent dans le tronc d'un arbre, créant une métaphore visuelle de l'interconnexion. Au-dessus, une bulle de dialogue se déploie avec le texte : « WHAT EXACTLY ARE CONSERVATIVES CONSERVING », une question provocatrice invitant les spectateurs à s'interroger sur la responsabilité politique et environnementale. Des touches de couleurs vives ponctuent une palette majoritairement composée de tons terreux, attirant le regard sur cette composition ludique. Publiée pour l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009, l'estampe de Campbell incarne la célébration, par l'exposition, des formes d'art subculturelles et de leur influence sur l'art contemporain. Cet événement culturel majeur a fait entrer l'esprit du skateboard, du graffiti et du street art dans l'espace de la galerie. « People Of Pangea Unite » témoigne de la capacité unique de Campbell à mêler le fantastique à la critique, offrant une œuvre à la fois esthétiquement plaisante et intellectuellement stimulante. Pour les collectionneurs, cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un sujet de conversation qui capture un moment charnière de l'histoire de l'art contemporain, caractérisé par son audace et sa capacité à remettre en question l'ordre établi. Thomas Campbell : Portefeuille personnalisé en édition limitée Paul Frank, fait main, édition limitée 2005, T Moe Still Smoking « Still Smoking » de Thomas Campbell est un portefeuille sur mesure, réalisé à la main, une œuvre d'art fonctionnelle qui allie utilité et dynamisme de la culture urbaine. Créé en 2005, cet objet en édition limitée célèbre le style personnel et la créativité artistique. Orné d'une myriade d'illustrations fantaisistes, signature de l'esthétique de Campbell, le portefeuille arbore un fond bleu clair rehaussé d'images vives et contrastées. Des nuages ​​représentés avec légèreté aux structures stylisées et aux figures oniriques, chaque élément est rendu avec joie et une audace graphique affirmée. Ce portefeuille a été lancé dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement international a marqué un tournant en mettant en lumière la convergence du skateboard, du graffiti et du street art sur la scène artistique contemporaine. Le portefeuille « Still Smoking » de Campbell n'est pas un simple accessoire, mais une pièce de collection qui capture l'essence d'une époque où l'art ne se limitait pas aux galeries, mais se portait sur soi, faisant partie intégrante du quotidien. C'est un hommage à l'esprit des « Beautiful Losers » et un incontournable pour les collectionneurs qui apprécient le mariage de l'art et de la vie de tous les jours. Andy Jenkins : Untitled Hang Unique HPM Print 2005 Signé/Daté Cette œuvre saisissante d'Andy Jenkins fait partie d'une collection unique de 100 tirages jet d'encre, mesurant chacun environ 28 x 23 cm. Sans titre, elle est une véritable symphonie d'éléments visuels, mêlant typographie, graphisme et illustrations dessinées à la main pour créer un récit complexe. Le mot « HANG » y est affiché en lettres surdimensionnées et décalées qui dominent l'espace visuel, sur un fond mêlant avec subtilité des éléments de calendrier et d'écriture manuscrite, évoquant le passage du temps et la fugacité des instants. Une fusée esquissée, placée à côté du texte, ajoute une touche de dynamisme et d'exploration, enrichissant ainsi le récit. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et daté individuellement par Jenkins, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au parcours créatif de l'artiste. Cette œuvre n'est pas seulement une déclaration visuelle, mais aussi un témoignage de l'approche multidisciplinaire de Jenkins, où texte et image s'entremêlent pour interpeller et questionner le spectateur. Andy Jenkins : Cercle sans titre HPM Estampe unique 2005 Signée/Datée L'estampe « Circle Untitled HPM Print » d'Andy Jenkins (2005) est un exemple remarquable d'estampe contemporaine, alliant la simplicité des formes géométriques à la complexité de l'expression individuelle. Cette œuvre, l'une des cent estampes jet d'encre uniques, mesurant chacune environ 28 x 23 cm, témoigne de la maîtrise de Jenkins en matière de forme, de couleur et de composition. Deux cercles noirs imposants dominent l'espace visuel, formant une étude de symétrie et d'équilibre parfaits. Autour de ces figures centrales se dessinent des notes et des gribouillis manuscrits, certains nets, d'autres flous, suggérant le processus créatif de l'artiste ou peut-être des pensées volontairement énigmatiques. L'estampe se détache sur un fond blanc immaculé, qui non seulement accentue l'éclat des cercles noirs et les touches de rouge à l'intérieur de l'un d'eux, mais met également en valeur le texte et le trait subtils, invitant le spectateur à s'approcher. Chaque estampe de cette série est signée et datée par Jenkins, attestant d'une touche personnelle et d'une authenticité souvent recherchées par les collectionneurs et les amateurs d'art. Le tirage limité de ces estampes confère à chacune un caractère unique, tant par sa place au sein de la série que par les légères variations inhérentes à l'impression jet d'encre. « Circle Untitled HPM Print » de Jenkins offre une expérience à la fois visuelle et tactile, le choix du papier et de la technique d'impression contribuant à la présence singulière de l'œuvre. Elle témoigne de la capacité de Jenkins à insuffler profondeur et narration à une esthétique minimaliste, invitant le spectateur à un dialogue silencieux, introspectif et universel. Avec ses lignes épurées et ses détails intrigants, cette pièce est un ajout précieux à toute collection appréciant la rencontre entre design moderne et expression personnelle dans l'art de l'estampe. Andy « Mel Bend » Jenkins : Scribble Scrabble, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est une œuvre fascinante, réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier. Son audace graphique et son jeu subtil avec la typographie captivent le regard. Mesurant 51 x 41 cm, cette pièce fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, numérotés et signés par Jenkins, ce qui garantit son caractère unique et son statut de pièce de collection. La composition met en scène un poing levé, entrelacé de lignes fluides évoquant des rubans, sur un fond de gris doux. Le titre « Scribble Scrabble » y est inscrit en noir et rouge éclatants. La sensibilité graphique de Jenkins, forgée au fil des années en tant que figure incontournable de la culture skateboard, s'y déploie pleinement, fusionnant les codes du street art et une sensibilité artistique raffinée. Présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), « Scribble Scrabble » témoigne de l'intégration de l'esthétique du skateboard dans les espaces d'exposition. Jenkins, artiste aux multiples talents reconnu pour son travail de dessinateur de BD, d'illustrateur et de directeur artistique, a cofondé le magazine Dirt avec Spike Jonze et Mark Lewman au début des années 1990, renforçant ainsi son influence au sein de la culture underground. « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne d'une force créative qui a façonné le langage visuel de la culture du skateboard. Elle occupe une place de choix dans les archives de Beautiful Losers, représentant une époque où les frontières entre culture underground et culture savante étaient floues et harmonieusement entremêlées. Terry Richardson : Lunettes Smilen Broadway, objet d'art, 2004 Cette fascinante œuvre d'art de Terry Richardson, intitulée « Lunettes Smilen Broadway », témoigne de la fusion entre design fonctionnel et expression artistique. Présentée comme une œuvre d'art depuis 2004, cette paire de lunettes noires illustre le style visuel distinctif de Richardson, reconnu pour son audace et sa franchise. Mesurant environ 7,5 x 20 x 7,5 cm, les lunettes incarnent un style affirmé malgré leur format compact. Elles se détachent sur un fond où l'on peut lire « BROADWAY Collection SMILEN EYEWEAR », suggérant un thème où le consumérisme s'entremêle à l'identité personnelle. Les verres en acrylique transparent sont sertis dans une monture noire classique, un choix de couleur au charme intemporel. Ces lunettes ne sont pas de simples accessoires ; ce sont des pièces fortes qui reflètent la personnalité de celui ou celle qui les porte et le regard unique de l'artiste sur les objets du quotidien. Confectionnées avec un souci du détail méticuleux, elles portent les spécifications « STYLE STEVEN COLOR BLACK SIZE 56-16 TEMPLE 145 », attestant de leur caractère unique. Cette œuvre brouille les frontières entre objets utilitaires et pièces de collection, remettant en question les limites de la conception traditionnelle de l'art. L'œuvre de Richardson invite ici le spectateur à contempler le point de rencontre entre culture visuelle, mode et expression personnelle, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection valorisant l'intégration novatrice de l'art dans le quotidien. Ari Marcopoulos : Justin, sérigraphie 2004, signée et numérotée « Justin », une sérigraphie d'Ari Marcopoulos réalisée en 2004 sur papier d'archivage sans acide (50,8 x 40,6 cm), capture un instant de l'art du portrait contemporain. Cette œuvre fait partie d'une série limitée et très recherchée, à seulement 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par Marcopoulos, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Sur un fond rose vif, le portrait de « Justin » est une étude fascinante du caractère et de la forme. Le contraste saisissant entre le fond éclatant et le sujet monochrome confère à la figure une profondeur et une introspection remarquables. L'expression neutre du sujet est rendue avec une esthétique minimaliste, capturant un regard à la fois serein et pénétrant qui semble scruter l'horizon. Cette œuvre a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers », une célébration de l'art qui brouille les frontières entre culture urbaine et art contemporain. Elle reflète l'esprit du mouvement, offrant un instantané brut et authentique de la jeunesse et des contre-cultures. « Justin » n'est pas qu'un simple portrait ; c'est une œuvre marquante, qui interpelle le collectionneur sensible à la convergence de cet art avec l'esprit de son époque. Pièce intemporelle, elle enrichit toute collection d'une beauté esthétique et d'une portée culturelle indéniables. Ari Marcopoulos : « Je pourrais me tromper », livre d'art de l'artiste, 2005 Cette image saisissante est extraite du livre d'art d'Ari Marcopoulos, « I Might Be Wrong », paru en 2005 sous forme de fanzine à tirage limité numéroté de 100 exemplaires. Cette œuvre captivante témoigne du talent de Marcopoulos pour saisir l'essence brute et authentique de la culture urbaine. La photographie, imprimée en offset pour une précision et une netteté exceptionnelles, mesure 20,32 x 12,7 cm, une taille qui invite à une observation attentive et à une interaction personnelle avec le spectateur. Dans ce portrait monochrome, une silhouette se tient devant un mur de briques patiné, son identité dissimulée derrière ce qui semble être un ghetto-blaster doté d'yeux, évoquant un sentiment d'anonymat urbain et de subterfuge artistique. Le ghetto-blaster est un symbole poignant de la musique et des scènes de rue des décennies passées, suggérant un récit qui entremêle expression personnelle et artefacts culturels. Le fond est recouvert d'affiches, dont une annonce pour la galerie Alleged, contextualisant et ancrant l'image dans un milieu culturel précis. Cette édition numérotée, limitée à 100 exemplaires, est un objet de collection offrant un aperçu intime de la vision de l'artiste sur la vie urbaine et l'art. Marcopoulos est reconnu pour son style documentaire qui explore souvent les marges de la culture dominante, et cette image témoigne de sa capacité à révéler la beauté et le sens du quotidien. Les collectionneurs et les amateurs de photographie contemporaine et de street art reconnaîtront la valeur de ce livre d'art comme une référence incontournable du récit dynamique et en constante évolution de la culture urbaine. Todd James : Vivant de plaisir, sérigraphie 2005, signée et numérotée Découvrez « Alive With Pleasure » ​​de Todd James, une remarquable sérigraphie sur papier de 2005, vibrante de l'énergie iconique et du style inimitable de l'artiste. Cette œuvre, mesurant 18 x 13 cm, fait partie d'une édition numérotée exclusive de 100 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare pour les amateurs d'art contemporain. Dans cette œuvre, James poursuit son exploration des thèmes de la joie et de l'exubérance qui imprègnent une grande partie de son travail. La composition met en scène deux figures rendues dans une teinte rose monochrome à la fois saisissante et ludique. Au premier plan, un personnage tient une cigarette ; son expression de bonheur pur, les yeux clos et un large sourire éclatant traduisent un sentiment de contentement et de ravissement. Derrière elle, une seconde figure, partiellement dissimulée, fait écho à ce sentiment, une main sur la bouche fumant, suggérant un rire ou un secret partagé. Le trait de James dans « Alive With Pleasure » ​​est fluide et assuré, avec une exagération presque caricaturale immédiatement reconnaissable comme sa signature. Les personnages sont ornés de détails, comme le motif arc-en-ciel sur la chemise du personnage central, qui ajoute une dimension visuelle intéressante et pourrait être interprété comme un clin d'œil aux thèmes de la diversité et de l'inclusion. Cette sérigraphie n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané de bonheur, une représentation des plaisirs simples de la vie et une célébration des moments qui nous font vibrer. Elle témoigne du talent de Todd James pour capturer l'esprit du pop art urbain et le présenter dans un format qui touche le spectateur au plus profond de lui-même. Pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Todd James, « Alive With Pleasure » ​​est plus qu'une œuvre d'art : c'est une véritable bouffée de joie et une représentation fidèle de l'attrait intemporel de l'artiste. Todd James : Sérigraphie BullieJames 2005 Signée/Numérotée « Bullies », une sérigraphie sur papier réalisée en 2005 par l'artiste renommé Todd James, alias REAS, est un vibrant témoignage de son style unique, profondément ancré dans la culture urbaine et l'esthétique du mouvement. Mesurant 51 x 41 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, garantissant son caractère unique et sa valeur de collection. L'œuvre met en scène quatre personnages aux allures de dessins animés, aux expressions et gestes exagérés qui suggèrent le mouvement et l'interaction. Avec son teint vert et son poing levé, la figure dominante symbolise l'archétype du « tyran », un thème récurrent dans l'œuvre de REAS, qui explore souvent les dynamiques de pouvoir et les rôles sociaux à travers un regard à la fois ludique et critique. Réalisée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », « Bullies » incarne l'énergie et l'esprit du mouvement de la culture urbaine. L'utilisation de couleurs primaires vives et de lignes fluides est caractéristique de la démarche de Todd James, qui mêle des éléments du graffiti à une sensibilité artistique raffinée. Cette œuvre est un régal pour les yeux et contribue de manière significative au dialogue entre le street art et l'art contemporain. Elle fait écho à l'esprit rebelle des scènes underground dont Todd James est issu, tout en reflétant les enjeux de confrontation et de résilience qui caractérisent notre société. « Bullies » illustre parfaitement l'influence de Todd James sur l'évolution du graffiti et du pop art urbain, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Elle incarne la fusion entre la débrouillardise urbaine et la finesse esthétique, une signature du parcours artistique de James et un ajout coloré à toute collection. Wes Humpston : Sérigraphie Bulldog Skates 2004 Signée/Numérotée Avec son mélange saisissant d'images audacieuses et de couleurs vibrantes, l'œuvre « Bulldog Skates » de Wes Humpston est une pièce marquante qui capture l'essence même de la culture skateboard. Créée en 2004, cette œuvre est réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier et mesure 51 x 41 cm. Elle fait partie d'une édition spéciale limitée à 200 exemplaires, chacun numéroté et signé personnellement par l'artiste, établissant ainsi un lien direct entre Humpston et le collectionneur. Cette œuvre a été dévoilée lors de l'exposition acclamée par la critique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la richesse du langage visuel de la culture urbaine et son influence sur l'art contemporain. « Bulldog Skates » est emblématique du style distinctif de Humpston, intégrant des éléments de pop art urbain et de graffiti. L'image centrale – un bouledogue aux yeux flamboyants, enchâssé dans des flammes vertes éclatantes – est bien plus qu'un logo : c'est une icône représentant l'esprit rebelle et la passion ardente des skateurs. Le texte vertical qui borde la figure centrale, évoquant les tags de graffiti, porte le nom « Bulldog Skates », renforçant l'identité de la marque et ses racines dans l'énergie brute et authentique du street art. L'œuvre d'Humpston témoigne de l'authenticité et de la liberté créative qui caractérisent la scène du skate de rue, et trouve un écho auprès des passionnés comme des collectionneurs d'art. « Bulldog Skates » est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'une époque et d'une communauté qui s'épanouit en marge des normes sociales. Glen E Friedman : Mes règles, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie dynamique, « My Rules », de l'artiste renommé Glen E. Friedman, a été réalisée en 2004. Cette œuvre, une représentation audacieuse de l'influence de la culture urbaine sur les arts visuels, mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires dans le monde. Chaque pièce est signée et numérotée individuellement par Friedman, ce qui confère une authentification personnelle à cette pièce de collection. Conçue avec la précision et la vivacité caractéristiques de la sérigraphie, « My Rules » se présente comme un manifeste visuel de l'esprit punk et du skateboard. L'œuvre a été dévoilée dans le cadre de l'exposition emblématique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la rencontre entre le street art et l'espace des galeries d'art. « My Rules » est un emblème de la carrière prolifique de l'artiste, qui documente l'esprit rebelle des sous-cultures de la jeunesse. La sérigraphie est un montage de portraits dynamiques et de séquences en mouvement, centré sur une figure imposante qui exprime le message du titre. La typographie vert citron électrique tranche avec le fond monochrome, affirmant le caractère rebelle de l'œuvre. Plus qu'une simple œuvre d'art, cette pièce est un témoignage historique qui capte l'essence d'un mouvement. Elle incarne la voix d'une génération qui a défié les normes et vécu selon ses propres règles. Acquérir une œuvre de cette édition, c'est investir dans l'art, c'est reconnaître une période charnière de l'art contemporain, où la rue et l'atelier se sont rencontrés, et où Glen E. Friedman a su immortaliser ces instants. Chris Johanson : Sans titre Pourquoi sont-ils si frénétiques ? Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Sans titre : Pourquoi sont-ils si frénétiques ? » de Chris Johanson est une sérigraphie saisissante qui, par son association de texte et d'images, est d'une grande force expressive. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande précision sur un papier d'archivage sans acide, au format 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Johanson. Cette œuvre a été conçue pour l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait les mouvements influents du skate, du graffiti et du street art entre 2004 et 2009. L'œuvre met en scène une figure extraterrestre aux contours minimalistes, porteuse d'un message invitant le spectateur à réfléchir aux phénomènes d'hystérie et de vulnérabilité au sein de la société. Le fond vert vif et audacieux accentue l'urgence et la dimension introspective du texte. L'œuvre de Johanson a voyagé à travers différents lieux dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers ». Elle a ensuite été présentée lors des expositions « Transfer » au Brésil, à la Santander Cultural de Porto Alegre et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera à São Paulo. Son influence et sa portée sont documentées dans les bibliographies « Beautiful Losers » et « Transfer ». Issue des archives de Beautiful Losers, cette œuvre est un témoignage visuel et un instantané historique, incarnant l'esprit d'un mouvement qui brouille les frontières entre galerie et rue. Elle offre aux collectionneurs et aux amateurs une occasion unique d'appréhender une période charnière de l'art contemporain à travers le regard introspectif de Johanson. Chris Johanson : Ensemble de badges numérotés « Love Not War » 2004 « Love Not War » de Chris Johanson est une collection de badges de 10 x 17,78 centimètres qui invite à la réflexion. Présentée en édition limitée à 100 exemplaires, cette série témoigne de l'engagement de Johanson envers les thèmes socio-politiques contemporains, véhiculés par les messages brefs et percutants de chaque badge. Sur un fond jaune éclatant, rehaussé d'un badge vert, ces badges sont de véritables œuvres d'art à porter, incitant à la réflexion et au dialogue. Ils reflètent l'engagement de l'artiste pour la paix, son soutien à l'entrepreneuriat local et sa critique de la société de consommation et de la guerre. Chaque badge est un point de départ pour la conversation, qu'il s'agisse de la défense des droits humains dans le commerce international ou de la promotion de la sérénité intérieure et de l'amour. Cette collection numérotée est à la fois une œuvre d'art et un commentaire historique, capturant l'essence du militantisme et de l'expression personnelle dans de véritables manifestes miniatures. Avec son art, Johanson transforme le port d'un badge en une affirmation de ses convictions et un appel à la prise de conscience sociale. Mark Gonzales et Harmony Korine : « Adulthood », fanzine d'art d'artiste, 1995 « Adulthood » est un fanzine artistique collaboratif poignant, paru en 1995 et réalisé par Mark Gonzales et Harmony Korine, artistes reconnus pour leur influence respective dans les milieux du skateboard et du cinéma. Ce fanzine est un manifeste tangible de la subculture de l'époque, rendu par la photocopie qui lui confère une esthétique brute et authentique. Mesurant environ 20,32 x 12,7 cm, il témoigne de l'esprit DIY qui imprégnait les scènes artistiques underground de l'époque. La couverture présente une image granuleuse et contrastée de quatre jeunes hommes, évoquant le style des portraits du début du XXe siècle tout en exprimant l'attitude rebelle des années 90. Sous l'image, les noms « Mark Gonzales » et « Harmony Korine » affirment avec force cette collaboration, unissant deux forces créatives distinctes autour d'une vision commune. Le titre « ADULTHOOD » s'affiche en lettres dactylographiées, contrastant avec la date « Premier mars 1995 », ancrant l'œuvre dans un moment précis de la création culturelle. Limitée à 100 exemplaires, cette édition est autant un objet de collection qu'un témoignage de l'histoire culturelle, capturant l'esprit d'une génération à l'aube de l'âge adulte, profondément ancrée dans la culture jeune et subversive de l'époque. Chaque fanzine offre un instantané de cette période, un artefact tangible qui incarne l'esprit de collaboration et de créativité qui a fait la renommée de Gonzales et Korine. Cet ouvrage est un incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de la culture skate des années 90, du cinéma indépendant et de l'énergie brute de l'art urbain. Mark Gonzales : Désodorisant Krooked en édition limitée, objet d'art, 2004 Incarnant l'esthétique de la culture skate, Mark Gonzales présente le désodorisant Krooked en édition limitée, un objet d'art vibrant qui allie fonctionnalité et esprit street art. Lancés en 2004 dans le cadre du portfolio Beautiful Losers, ces désodorisants transcendent leur simple usage pratique pour devenir de véritables pièces de collection, reflets de la vision artistique de Gonzales. Chaque désodorisant arbore le caractère ludique et irrévérencieux de la marque de skate Krooked, rendu par des contours graphiques audacieux. Disponible en deux modèles, le premier se pare d'une riche teinte violette, reprenant le motif des yeux Krooked. Le second, à l'opposé, met en avant le caractère emblématique de la marque dans un blanc éclatant sur un fond bleu intense. Ces objets d'art ont été conçus pour l'exposition phare « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a célébré l'esprit DIY (Do It Yourself) dans l'art de 2004 à 2009. La collection puise son inspiration au cœur de la culture urbaine, insufflant aux objets du quotidien une dimension artistique et une rébellion contre les normes établies. Issus d'Iconoclast Editions et de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive, les désodorisants Krooked occupent une place à part dans l'histoire de l'art contemporain. Ils témoignent de l'influence de GGonzales sur les communautés artistiques et de skateboard, et symbolisent la diffusion de l'art underground dans le quotidien à cette époque. Ces pièces en édition limitée sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés, et représentent un moment où la culture urbaine a affirmé avec audace sa place dans le monde de l'art contemporain. Phil Frost : Marqueur rechargeable pour affiche ultra-large personnalisée 2004 Phil Frost présente une fusion unique d'utilité et d'art avec ses marqueurs Superwide et Poster Marker, créés en 2004. Ces marqueurs en plastique rechargeables et personnalisés sont bien plus que de simples outils : ce sont de véritables œuvres d'art, mesurant environ 5 x 12,5 cm, et disponibles en édition limitée à 100 exemplaires chacun. Les marqueurs sont ornés des motifs tribaux distinctifs de Frost, en noir sur un fond orange vif. Ce design est immédiatement reconnaissable pour les connaisseurs de l'œuvre de Frost, réputée pour ses motifs complexes et sa maîtrise du langage visuel primitif et pourtant contemporain. Provenant d'Iconoclast Editions et faisant partie des archives « Beautiful Losers », ces marqueurs incarnent l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Ce projet célébrait la culture DIY et le street art qui ont influencé toute une génération d'artistes. Pour MMills, ces marqueurs constituent un témoignage tangible de l'exposition, incarnant l'essence même de l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain. Ils illustrent une vision où l'objet du quotidien se mue en support, fusionnant forme et fonction dans la fluidité propre au street art. Ces marqueurs sont à la fois des objets fonctionnels et des pièces de collection, qui permettent aux créatifs et aux amateurs d'art de s'approprier le style unique de l'artiste. Mike Mills : L'architecture de la réassurance, mini-livre de 1999 « The Architecture of Reassurance » de Mike Mills est un livre d'artiste captivant, relié, qui prolonge visuellement son court-métrage. Publié en 1999, ce livre de première édition, au format 17,8 x 10,8 cm, est une pièce de collection rare provenant directement des archives de Beautiful Losers. Il offre une riche collection de photographies et d'images extraites du film, qui capturent l'essence du parcours d'une jeune femme à travers les paysages suburbains de Los Angeles. Ces images s'entremêlent pour créer un récit explorant les thèmes de l'isolement urbain, de la quête d'identité et de l'uniformité rassurante, quoique parfois stérile, de l'architecture résidentielle. Le travail de Mills est reconnu pour sa capacité à distiller des observations socioculturelles profondes en visuels minimalistes. « The Architecture of Reassurance » ne fait pas exception, proposant une réflexion pertinente sur nos environnements et leur influence sur nos expériences et nos perceptions. Cette publication intimiste est à la fois un livre et une galerie portable témoignant du talent cinématographique et photographique de MMills. Pour les admirateurs de l'œuvre de MMills et ceux qui s'intéressent aux interactions entre le cinéma, la photographie et la théorie urbaine, cet artiste est un ajout inestimable à leur collection, offrant une pièce tangible de l'esprit de la fin du XXe siècle. Clare Rojas : Peggy Honeywell Faint Humms, édition limitée CD 2004 Cet objet d'art est un CD en édition limitée intitulé « Peggy Honeywell "Faint Humms" », de Clare E. Rojas, une artiste dont le travail explore divers médiums et aborde souvent les thèmes de l'identité et du folklore. Sorti en parallèle de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », ce CD est à la fois un support pour l'art sonore de Rojas et un objet de collection illustrant la rencontre entre musique et arts visuels au sein de la culture urbaine. Le CD est présenté dans un boîtier orange vif, qui souligne l'utilisation audacieuse de la couleur par Rojas dans ses œuvres visuelles. Le boîtier est enveloppé d'une doublure en mousse, assurant la protection du disque et faisant écho au soin généralement apporté à la conservation des objets d'art. Le disque, dont la surface réfléchissante crée un spectre de couleurs, rappelle le style caractéristique de Rojas, qui emploie souvent des teintes vibrantes et contrastées. Cette œuvre offre un lien concret avec l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la diversité des formes d'art issues de la culture urbaine et leur influence sur l'art contemporain. En édition limitée, ce CD est un instantané d'un moment particulier de l'histoire de l'art, incarnant l'esprit créatif d'une époque où les frontières entre les différentes disciplines artistiques s'estompaient pour donner naissance à de nouvelles formes d'expression. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Clare E. Rojas, ainsi que tous ceux qui apprécient l'héritage de la culture urbaine dans l'art, trouveront dans ce CD un ajout précieux à leur collection. Ryan McGinness : Pack d'autocollants personnalisés 2005, signé et numéroté Cette œuvre d'art est un coffret d'autocollants « Multiverse » personnalisé de Ryan McGinness, artiste renommé pour ses représentations graphiques et ses formes organiques. Sorti en 2005, ce coffret fait partie d'une édition spéciale limitée à 100 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par McGinness, indiquant son numéro sur 100. Ses dimensions (12,7 x 12,7 cm) en font un format compact qui incarne l'essence même de la philosophie créative de McGinness. Présenté dans un élégant étui argenté aux reflets métalliques, le coffret dégage une impression d'exclusivité et de modernité. La signature de l'artiste, apposée sur le côté gauche de l'enveloppe, certifie l'originalité de l'œuvre. L'emblème iconique de la couronne, logo de Ryan McGinness Studios, situé à droite, est quant à lui un gage de qualité et d'authenticité. À l'intérieur, le coffret renferme une multitude d'autocollants, autant de fragments du multivers vibrant de McGinness. Bien plus que de simples ornements, ils constituent un véritable témoignage de son savoir-faire. Ce sont des œuvres d'art adhésives, permettant à celui ou celle qui les porte d'emporter avec lui un fragment de l'esthétique McGinness. Ces autocollants constituent une galerie portable, une démocratisation de l'art au cœur de la philosophie de McGinness. Ce pack d'autocollants Multiverse est un objet de collection qui brouille les frontières entre l'art savant et la forme d'art accessible que représentent les autocollants. Pour les admirateurs du travail de Ryan McGinness, ce pack est une occasion unique de posséder un morceau d'histoire de l'art interactif, ludique et profondément ancré dans le langage visuel de la culture contemporaine.

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KAWS Companion 2020 - Figurine de collection en vinyle gris, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de street art Kaws. Édition 2020 épuisée de Kaws, objet de collection rare, dimensions : 17,13 x 8,86 x 3,15 pouces, neuf dans sa boîte. KAWS Companion 2020-Gris : Un emblème du collectivisme moderne La figurine KAWS Companion 2020-Grey, en édition limitée, est une incarnation poignante de la rencontre entre l'art moderne et la culture urbaine. Sortie en 2020 en édition ouverte mais désormais épuisée, cette pièce de KAWS – artiste reconnu pour son intégration du graffiti dans le monde de l'art – commémore le 20e anniversaire de la série Companion. Mesurant 43,5 x 22,5 x 8 cm, la figurine, allongée face contre terre, capture un sentiment universel de rétrospection et d'introspection, particulièrement pertinent en cette fin d'année tumultueuse. La palette de gris sobres offre un visuel épuré et élégant, renforçant la puissance narrative de la figurine. Le design plat de cette figurine en vinyle, un choix délibéré de KAWS, en fait une véritable œuvre d'art à collectionner et à exposer. Elle fait le lien entre le côté ludique d'un jouet et la gravité d'une sculpture, brouillant davantage les frontières entre le pop art urbain et les beaux-arts. Le KAWS Companion 2020-Grey, neuf dans sa boîte, est rapidement devenu un objet de collection rare, convoité par les amateurs d'art et les collectionneurs pour son attrait esthétique et sa représentation de l'esprit du mouvement artistique. L'esthétique contemplative dans la série Companion de KAWS Le KAWS Companion 2020-Grey enrichit le récit du Street Pop Art et du graffiti, capturant l'esprit introspectif d'une époque tout en préservant l'esthétique iconique de l'artiste. La forme allongée de la figurine instaure un dialogue silencieux entre l'œuvre et son spectateur, une caractéristique profondément ancrée dans le travail de KAWS. Ce Companion perpétue la tradition d'inviter à la contemplation grâce à un langage visuel à la fois accessible et complexe, témoignant de la maîtrise artistique de KAWS. Au-delà de son statut d'objet de collection, le KAWS Companion 2020-Grey est un artefact culturel, incarnant les expériences collectives de l'année à travers le prisme du street art. Son succès international est un hommage à l'influence de l'art de KAWS, confirmant le rôle central de l'artiste dans l'évolution du street art vers une forme d'art reconnue et respectée. KAWS Companion 2020-Gris : Célébration de deux décennies d’influence La sortie du KAWS Companion 2020-Grey marque vingt ans d'influence de la série Companion sur le street art et la culture pop. Cette pièce de collection n'est pas seulement le reflet du parcours artistique de KAWS ; elle témoigne de l'évolution du street art et de son impact profond sur la culture contemporaine. Le design du Companion, avec ses caractéristiques distinctives et la palette de gris emblématique de l'artiste, offre un commentaire visuel sur le passage du temps et la pertinence constante du street art dans le débat public. En tant qu'objet, le KAWS Companion 2020-Grey invite à l'admiration et à la contemplation, encourageant un dialogue sur les intersections entre art, commerce et société. Son statut d'édition épuisée renforce son attrait, en faisant une pièce importante pour celles et ceux qui cherchent à comprendre le pouvoir transformateur du street art et du graffiti. À travers cette figurine, KAWS célèbre l'héritage durable de la série Companion et son impact retentissant sur le monde de l'art.

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« Le diable m'a forcé à le faire », sérigraphie bicolore réalisée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste Cleon Peterson, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « L’image TRUTH a été publiée dans le New York Times juste avant l’élection, dans la rubrique Opinions intitulée « Qu’avons-nous perdu ? ». Les articles « Le diable m’y a poussé » et « Divisés nous résistent, unis nous tombons » ont tous deux été publiés le 6 janvier en réaction au pacte faustien conclu par Trump et ses complices lors du coup d’État. Aujourd’hui, nous sommes à la croisée des chemins ; plus que jamais, nous devons nous unir, prendre position, faire entendre notre voix et lutter pour la vérité et la démocratie. Espérons que la lumière du jour dissipe l’emprise de l’extrême droite autoritaire. Je vois ces affiches comme les témoins d’une époque historique et je me sens investi d’une mission : partager mon point de vue. Nous sommes tous épuisés par la politique, mais nous devons saisir cette opportunité et agir, car la menace est fondamentale ; notre démocratie pourrait disparaître en un clin d’œil. » – Cleon Peterson. Commentaire percutant de Cleon Peterson sur « Le diable m'a forcé à le faire » Dans le contraste saisissant du noir et du rouge, « The Devil Made Me Do It » de Cleon Peterson offre un commentaire visuel percutant sur le climat socio-politique qui a entouré les événements du 6 janvier, marqués par les tristement célèbres émeutes du Capitole américain. Cette sérigraphie artisanale bicolore sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés se révèle être à la fois une œuvre de pop art urbain et un témoignage historique, capturant un moment de profond bouleversement national. L'art comme reflet des troubles sociaux L'œuvre de Peterson, une édition limitée à 300 exemplaires signés et numérotés, transcende les frontières traditionnelles du pop art. Elle incarne la réponse de l'artiste à un contexte politique tendu, en réaction aux événements tumultueux qui ont ébranlé les fondements de la démocratie américaine. L'image d'un homme semblant danser, hanté par des figures démoniaques, évoque le « pacte faustien », suggérant une danse avec le diable qui fait écho aux trahisons et aux manipulations des personnalités politiques et du public séduit par leur rhétorique. Le titre, « C'est le diable qui m'y a poussé », détourne avec ironie l'excuse ancestrale pour céder aux tentations et faire des choix moralement discutables. Le choix de Peterson de publier ces œuvres en réponse directe aux événements politiques inscrit son travail dans la tradition des artistes qui utilisent leur art pour documenter et critiquer leur époque. Le langage visuel employé dans cette œuvre rappelle le style souvent agressif et provocateur du street art, conçu pour interpeller le public dans l'espace public. Le rôle du pop art urbain dans le discours politique L'œuvre de Cleon Peterson illustre le rôle du street art dans le discours politique. Le street art a toujours eu une voix dans l'arène politique, servant souvent d'expression brute et spontanée du peuple. À travers son œuvre, Peterson prolonge cette tradition en créant une pièce qui est à la fois une réaction et un reflet des troubles politiques qui ont marqué ces dernières années. Avec ses lignes audacieuses et sans concession et ses couleurs vibrantes, la sérigraphie confère à « The Devil Made Me Do It » une présence imposante. Elle témoigne de la capacité de l'artiste à condenser des émotions politiques et sociales complexes en une seule image percutante. Dans la tradition du street art, qui consiste souvent à sortir l'art des galeries pour l'investir dans la rue, l'œuvre de Peterson est conçue pour toucher un large public, son message étant clair et accessible à tous ceux qui la découvrent. « The Devil Made Me Do It » est plus qu'une simple œuvre de pop art ; c'est un essai visuel sur l'état de la politique contemporaine, un appel à l'action et un rappel du pouvoir de l'art à refléter et à susciter le changement. C'est une prise de position audacieuse au sein du discours du street art et du graffiti, qui immortalise un moment où le monde entier a assisté à un épisode où la démocratie semblait suspendue à un fil. La voix de Cleon Peterson, à travers son art, se joint au chœur de ceux qui défendent la vérité et la démocratie, et son œuvre demeure un exemple éloquent de la manière dont l'art peut s'engager et influencer le paysage politique.

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Abstraction Drip Wide Brown Blood, œuvre originale unique à l'huile sur papier vélin de l'artiste post-moderne Samuel Kamen. XXe siècle, 20,5 x 9 pouces, signé original

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Achetez une œuvre d'art de collection VINYLTOY Sculpture en vinyle en édition limitée par Pop Street Artist. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Draw Four - Œuvre d'art en feuille d'or, impression giclée en édition limitée encadrée sur papier cartonné ivoire, par l'artiste de graffiti de la culture pop Ben Frost. Encadré sous verre. Ben Frost (né en 1975) Draw Four (Feuille d'or), 2021 Giclée en couleurs sur papier Ivory Board Stock 23-1/2 x 16-1/2 pouces (59,7 x 41,9 cm) (feuille) Édition 7/10 Signée et numérotée à l'encre en bas Publiée par l'artiste. Ben Frost utilise l'imagerie familière de la culture occidentale pour formuler une critique de cette culture, notamment à travers le prisme du consumérisme, des icônes modernes et des grandes entreprises. Personnages de dessins animés, icônes de la pop culture, logos de marques et bien d'autres éléments sont transformés en œuvres d'art vibrantes et trouvent leur place dans les galeries. Dans cette optique, et dans le cas de Ben Frost, il est vain de tenter de tracer une frontière nette entre art populaire et art savant. En réalité, l'artiste souhaite que le public s'interroge sur les notions de haute et de basse valeur et, par extension, sur leur signification profonde. Au fil des années, les artistes de rue ont su s'imposer comme des créateurs respectés, certains acquérant même une renommée internationale, transformant le graffiti, autrefois art marginal servant parfois à marquer le territoire des gangs, en un secteur économique florissant.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Estampe d'archives Méduse par Swoon-Caledonia Curry, édition limitée sur papier d'art Hahnemühle 250 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 50 exemplaires (2024), format 13 x 19 pouces, impression pigmentaire d'archives. « Méduse. Je l'ai toujours aimée. Avant même d'en savoir plus sur elle, je la savourais instinctivement comme l'une des rares représentations durables du pouvoir féminin. Mais comme tout symbole qui perdure, son histoire est complexe. Violation, rage, et finalement Pégase naissant de sa tête tranchée. Son nom vient du grec ancien et signifie protecteur. Même dans la mort, quelque chose de triomphant s'éveille en elle. » - Swoon Méduse par Caledonia Curry, œuvre d'art pop art et graffiti de Swoon Street L'estampe d'archives Medusa en édition limitée de 2024, signée Caledonia Curry, alias Swoon, marque une étape importante dans l'évolution du street art et du graffiti. Réalisée sur papier d'art Hahnemühle 250 g/m², cette œuvre de 33 x 48 cm illustre la capacité de Swoon à intégrer des récits mythologiques, émotionnels et sociopolitiques dans un cadre visuel contemporain. Signée et numérotée à seulement 50 exemplaires, cette œuvre allie la dimension artisanale et intime des découpages de papier, héritage de l'artiste, à la permanence de l'impression pigmentaire d'archives de qualité muséale. Méduse, symbole de puissance et de transformation féminines, est non seulement d'une beauté saisissante, mais aussi riche de sens historique et de réinterprétations modernes à travers le regard de Swoon. Symbolisme et forme dans la Méduse de Swoon La figure de Méduse, emblématique de la mythologie grecque, prend une nouvelle dimension grâce au travail de lignes complexe et à la composition à plusieurs niveaux de Swoon. L'œuvre fusionne le portrait illustratif avec un écosystème tourbillonnant de formes botaniques, animales et organiques qui semblent émerger du visage lui-même. Une transition visuelle s'opère entre la solidité et l'abstraction, évoquant une métamorphose. Les éléments hybrides – serpents, plumes et structures anatomiques – servent non seulement de complexité décorative, mais aussi de points de convergence conceptuels, faisant référence à la violation, à la résistance et à la régénération. Cette version de Méduse n'est ni monstrueuse ni victime, mais sculptée en une figure protectrice, réinterprétée pour le public du street art contemporain. La composition originale, collée sur une porte en bois patinée, est fidèlement reproduite dans l'estampe, préservant la texture brute et la charge émotionnelle de l'original. L'approche narrative de Swoon en matière de pop art urbain Caledonia Curry, artiste américaine, est l'une des voix les plus respectées et novatrices du Street Pop Art et du graffiti. Sa pratique artistique mêle de façon unique les techniques traditionnelles de gravure à l'art public et aux installations in situ. L'œuvre « Méduse » s'inscrit dans l'engagement de longue date de Swoon à explorer les rôles des femmes, les traumatismes, l'héritage et la guérison dans l'espace public. Contrairement au graffiti conventionnel, axé sur les lettres et les tags, le travail de Swoon possède une profondeur narrative rarement rencontrée dans l'art urbain. Ses sujets reflètent souvent des voix sous-représentées et des iconographies anciennes réinterprétées à travers le langage de l'activisme moderne. Dans « Méduse », Swoon reconnecte la mythologie antique au discours contemporain sur l'autonomie, la survie et la contestation artistique. L'art de collection dans l'évolution de la gravure inspirée du graffiti Cette édition imprimée contribue à la reconnaissance croissante des œuvres inspirées du graffiti dans le monde de l'art de collection. Swoon milite depuis longtemps pour la création d'éditions d'art abordables qui préservent l'authenticité tout en touchant un public plus large. L'estampe pigmentaire d'archives Medusa confirme non seulement sa pertinence dans les cercles de l'art contemporain, mais sert également d'outil pédagogique, invitant les spectateurs à appréhender le graffiti et le street art non comme du vandalisme, mais comme une force culturelle complexe et évolutive. Édition limitée de 2024, elle fait le lien entre l'univers éphémère des collages et des murs et la permanence des œuvres sur papier haut de gamme, s'imposant comme une pièce maîtresse dans l'œuvre en constante expansion de Swoon.

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Le plus grand de tous les temps 3 Muhammad Ali x Sonny Liston Œuvre d'art pop street en édition limitée Impression giclée sur papier aquarelle épais par l'artiste moderne Alec Monopoly Brand. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 36 x 24 pouces.

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Deluxx Fluxx Arcade Book Studio Run Television Cover par Faile x Bast - Michael Polimeni Rare Limited Edition Modern Pop Graffiti Urban Culture Artworks Reference. 2015 Signé par Faile 1986 Édition limitée à 300 exemplaires Format du livre 8x10 "The Faile & Bast Deluxx Fluxx Arcade Book Studio Run Television Cover. La fusion de Faile et Bast dans « Deluxx Fluxx Arcade » : une chronique du pop art urbain Le duo artistique Faile, basé à Brooklyn, et Bast, alias Michael Polimeni, ont donné naissance à un projet remarquable : « The Faile & Bast Deluxx Fluxx Arcade Book Studio Run Television Cover ». Cette pièce rare en édition limitée, fusion de graffiti pop moderne et d’art urbain, immortalise un moment charnière de l’histoire du street art. L’édition 2015, signée par Faile et limitée à 300 exemplaires, témoigne de la créativité et de la synergie entre ces deux figures emblématiques du street art. Capturer la culture urbaine à travers les médias mixtes Le livre « Deluxx Fluxx Arcade Book » n'est pas qu'un simple recueil d'images : c'est un témoignage historique de l'évolution du street art et du graffiti. À travers ses pages, on suit le parcours de Faile et Bast, des rues aux espaces prestigieux des ateliers et galeries d'art. L'édition spéciale, au format 20 x 25 cm, est un kaléidoscope de couleurs, de textures et de motifs. Elle relate les incursions des studios dans l'univers des salles d'arcade, où l'interactivité des jeux devient un nouveau médium d'expression artistique. La couverture, un vibrant mélange de violet et de noir, illustre la nature dynamique et souvent subversive du street art, qui s'approprie des visuels familiers pour les réinventer. L'héritage de la "Deluxx Fluxx Arcade" : un jalon culturel L'importance de « The Faile & Bast Deluxx Fluxx Arcade Book » dans l'histoire du street art est capitale. Cet ouvrage immortalise une période charnière où les frontières entre art savant et culture urbaine s'estompent, une époque où des artistes comme Faile et Bast redéfinissent les contours du pop art. Ce livre est à la fois un régal pour les yeux et un ouvrage de référence pour quiconque étudie l'influence du street art sur la culture contemporaine. Chaque page, chaque image, est une pièce d'un puzzle géant qui, une fois assemblé, révèle toute l'ampleur de l'impact de Faile et Bast sur le monde de l'art. Ce projet collaboratif, condensé dans « The Faile & Bast Deluxx Fluxx Arcade Book », représente un chapitre essentiel de l'histoire du street art et du graffiti. Il constitue un témoignage vivant et vibrant de la créativité et du brassage d'idées qui caractérisent le genre. Pour les collectionneurs et les passionnés, ce livre en édition limitée est un trésor, un fragment d'histoire et une source d'inspiration inépuisable. Il est un vibrant manifeste du pouvoir transformateur de la collaboration dans le monde de l'art.

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Pop Tart - Impression sérigraphique encadrée en 7 couleurs, tirée à la main, jaune, sur papier satiné blanc Somerset 410 g/m² par l'artiste D*Face - Dean Stockton, œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 125 exemplaires, signée et numérotée, encadrée. 2007. Sérigraphie en couleurs sur papier, 76,2 x 73,7 cm (30 x 29 pouces). Encadrement sur mesure avec passe-partout. Pop Tart (Jaune), 2007. Tirage limité à 125 exemplaires. Signée et numérotée au crayon en bas. Édité par Black Rat Press. D*Face Dean Stockton Pop Tart Jaune Sérigraphie 2007 La sérigraphie « Pop Tart Yellow » de 2007, réalisée par l'artiste britannique Dean Stockton, alias D*Face, est une œuvre majeure de sa vision satirique du street art et du graffiti. Mesurant 76 x 74 cm et imprimée à la main en sept couleurs sur papier Somerset Satin White 410 g/m², cette édition limitée à 125 exemplaires a été éditée par Black Rat Press, l'un des studios d'impression londoniens les plus influents auprès des artistes de rue contemporains. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste au crayon sur le bord inférieur, garantissant son authenticité et sa valeur de collection. Iconographie et critique culturelle L'imagerie de Pop Tart Yellow s'inspire indéniablement des célèbres portraits de Marilyn Monroe par Andy Warhol, mais DFace y superpose sa propre touche irrévérencieuse. Le visage de Marilyn se métamorphose partiellement en crâne, avec des yeux creux et un effet de peinture dégoulinante qui évoque à la fois la fragilité de la célébrité et l'inéluctabilité du déclin. Des détails cartoonesques, tels des ailes jaillissant de sa tête, ajoutent une dimension surréaliste et satirique, rappelant comment la célébrité élève souvent les figures culturelles au rang de mythes tout en les déshumanisant. Cette dualité entre beauté et mortalité est un thème récurrent dans l'œuvre de DFace, amplifiant la critique de l'idolâtrie et de la manipulation de la perception publique par les médias de masse. Technique et exécution Réalisée en sérigraphie sept couleurs, l'œuvre associe des aplats de couleurs vives à des textures plus granuleuses, évoquant des coulures et des détails patinés. Le fond jaune canari accentue le dynamisme pop art tout en créant un contraste saisissant avec la superposition noire squelettique et les lèvres rouge vif de Marilyn. Le choix du papier Somerset Satin 410 g/m² par D*Face souligne le statut d'œuvre d'art de cette estampe, mariant l'esthétique urbaine à une qualité muséale. Cette approche témoigne de sa capacité à intégrer un design inspiré du graffiti dans l'espace d'une galerie sans rien perdre de la force et de l'immédiateté qui caractérisent ses interventions en extérieur. Le rôle de D*Face dans l'art urbain contemporain Né à Londres en 1978, Dean Stockton s'est imposé comme une figure centrale du mouvement street art international, mêlant graphisme punk, esthétique de la bande dessinée et satire de la culture pop. Ses œuvres interrogent souvent les thèmes de la célébrité, du consumérisme, de l'amour et de la mortalité, utilisant des icônes culturelles reconnaissables comme vecteurs de critique. « Pop Tart Yellow » illustre parfaitement sa stratégie de réinterprétation des images de Warhol et Marilyn Monroe, figures emblématiques de la marchandisation de la beauté et de la célébrité. En y insufflant des nuances plus sombres et un humour irrévérencieux, D*Face transforme un classique du pop art en une œuvre qui trouve un écho auprès du public contemporain, tout en questionnant les fondements mêmes de la culture de la célébrité. Cette sérigraphie en édition limitée demeure l'une de ses œuvres d'art les plus emblématiques, faisant le lien entre ses racines graffiti et le marché des estampes de collection.

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Collaboration Guerilla One x The Seventh Letter, sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey, art de rue rare, OBEY, artiste pop. Sérigraphie signée et numérotée, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, 5 mars 2009 OBEY, Guerilla One et The Seventh Letter entretiennent depuis toujours une amitié solide et une relation créative fructueuse, ponctuée de nombreuses collaborations, dont l'affiche « Free GKAE » de la fin des années 90, créée par Shepard et Casey Zoltan de The Seventh Letter afin de récolter des fonds pour les frais juridiques de GKAE. Ce projet actuel symbolise la force du nombre et l'unité à travers la collaboration. The Seventh Letter, Obey Giant et Guerilla One se sont imposés individuellement et collectivement comme des piliers de la scène graffiti/street art, tant au niveau national qu'international. Il est clair que ces trois collaborateurs continueront de soutenir le street art en créant de nouvelles plateformes qui encouragent et inspirent un public mondial. « Quand on a commencé le graffiti, à coller des autocollants, on n’imaginait pas où ça nous mènerait, et peu importe où on ira désormais, on restera fidèles à ceux qui nous ont aidés à en arriver là. » – Eddie Donaldson, fondateur de Guerilla One « J’ai toujours été fidèle à G1 et Shepard, dans les bons comme dans les mauvais moments, et je les soutiendrai toujours, que ce soit dans la rue ou au niveau professionnel. » – Casey EKLIPS Zoltan, fondateur de THE SEVENTH LETTER

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« Heavy is the Head », œuvre d'art en édition limitée Giclée imprimée sur papier chiffon à gravure, par l'artiste de graffiti pop culture Marwan Shahin. Numéro 1 sur 28, signé, 32x32, 2019. Tirage giclée sur papier chiffon, 2019. Issu de la nouvelle série « Pharaons modernes », ce tirage s'inspire de l'œuvre poétique de Rob J. Naylor, dont la parution est imminente. Chaque exemplaire est signé, numéroté et marqué, et accompagné d'un certificat d'authenticité.

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Frank Sinatra « The Chairman », peinture à l'huile originale et unique sur toile encadrée, par Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne. Peinture à l'huile originale de Frank Sinatra, « The Chairman », signée et encadrée sur mesure en 1998 par Steve Kaufman SAK.

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Train 34, sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne LushSux. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (14 x 3 pouces). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. La fusion des trains miniatures et du street art dans « Train 34 » de LushSux Dans l'univers éclectique du street art et du graffiti, « Train 34 » témoigne de l'approche novatrice de LushSux. Cette œuvre, qui marie un wagon de train miniature classique à l'échelle HO à la vitalité brute du graffiti, révèle le style unique de l'artiste. Créée en 2014, cette acrylique originale s'affranchit des supports traditionnels ; elle explore la forme et l'espace, brouillant les frontières entre sculpture et peinture. LushSux, artiste australien, est connu pour ses œuvres souvent controversées et avant-gardistes dans l'espace public. Dans « Train 34 », il réoriente son expression créative vers l'espace contrôlé d'un train miniature, objet souvent associé à la précision et à la collection, transformé en une toile vivante qui traduit l'esprit rebelle du street art. LushSux : Le graffiti investit des espaces insolites Le choix de LushSux de taguer un wagon de train miniature symbolise l'ingéniosité inhérente à la culture du street art. En optant pour un train à l'échelle HO, objet de prédilection des passionnés de modélisme ferroviaire, LushSux remet en question les limites et les supports traditionnels du street art. L'œuvre présente un tag de graffiti, un style caractérisé par une exécution rapide et souvent utilisé par les graffeurs pour marquer leur territoire. Appliquée à un train miniature, l'œuvre transcende les revendications territoriales et entre dans le domaine de l'art de collection. De dimensions modestes (14 x 3 cm), elle capte pourtant le regard par ses couleurs vives et son design audacieux, faisant écho à la présence imposante des œuvres grandeur nature de LushSux. Importance du « Train 34 » dans le monde de l'art contemporain de collection « Train 34 » représente la convergence de la culture underground et de la culture amateur, reflétant l'acceptation et la célébration croissantes du graffiti au sein du marché des objets de collection. Cette pièce unique, peinte à la main et signée par LushSux, capture l'essence même du street art pop : éphémère par nature, mais immortalisée par la permanence du travail artisanal. Le mélange unique d'un loisir traditionnel et de cet art urbain en fait une œuvre marquante de l'univers de LushSux, dont la réputation de mannequin et d'« artiste graffeur international provocateur » souligne la complexité de son identité artistique. À travers des œuvres comme « Train 34 », LushSux repousse sans cesse les limites du street art, nous invitant à repenser les contextes d'appréciation artistique et à remettre en question les idées reçues sur ce qui constitue un support.

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Peinture originale à la bombe acrylique « Rabbit A Frame » (panneau de signalisation routière) par Blake Jones. Œuvre unique d'art urbain et d'artiste pop. Peinture originale signée, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol sur un panneau de signalisation routière recyclé (cadre en A). Dimensions : 23,75 x 45,25 pouces. Rabbit A Frame de Blake Jones – Fantaisie urbaine sur toile recyclée, œuvre d'art pop art et graffiti. « Rabbit A Frame » est une œuvre originale de 2020, réalisée à l'acrylique et à la bombe aérosol par l'artiste américain de street art Blake Jones. Elle est apposée sur un panneau de signalisation de chantier récupéré. Mesurant 60,3 x 115 cm, cette pièce unique transforme une infrastructure routière fonctionnelle en une toile ludique et dynamique. Peint directement sur le motif réfléchissant orange et blanc emblématique du panneau, le lapin, personnage caractéristique de Jones, apparaît avec curiosité dans le coin inférieur, insufflant humour et innocence à ce symbole de prudence. Cette collision inattendue entre forme et personnage est au cœur de la pratique du street art et du graffiti, où les déchets urbains deviennent un lieu d'expression créative, de subversion et de narration visuelle. Recontextualiser l'utilité par le biais du personnage L'inclusion du lapin – figure récurrente dans l'univers cartoon de Blake Jones – ancre l'œuvre dans sa pratique artistique plus large, qui consiste à utiliser le design de personnages pour susciter la joie, la curiosité et l'absurde. Les grands yeux et les lignes arrondies du lapin contrastent fortement avec la géométrie rigide et la fonction utilitaire du panneau de chantier en forme de A. L'artiste a laissé visible l'inscription « LYONS PINNER » au pochoir sur la barre inférieure, renforçant ainsi l'authenticité de l'œuvre en tant qu'objet récupéré d'une infrastructure urbaine réelle. Cette juxtaposition de fonction municipale et d'expression personnelle crée un récit à plusieurs niveaux, où le langage visuel rigide de la signalétique publique est adouci par une expression d'émerveillement. La démarche de Jones n'efface pas le passé de l'objet ; elle l'amplifie par une intervention esthétique. Esthétique des supports, des surfaces et de la rue Blake Jones utilise une combinaison de peinture acrylique au pinceau et d'aérosol pour obtenir un contraste saisissant et une netteté remarquable sur la surface métallique réfléchissante. La texture du panneau, avec ses rayures, ses bosses et sa peinture écaillée, offre un support granuleux et tactile qui renforce la présence physique de l'œuvre. Chaque imperfection de la surface devient partie intégrante de la composition finale, ancrant l'œuvre dans la rue. L'utilisation de matériaux provenant de panneaux de signalisation routière renforce l'essence même du Street Pop Art et du graffiti : un art créé dans, par et pour l'espace public. Le lapin, représenté en turquoise vif avec des détails noirs expressifs, apporte une touche de personnalité au panneau, transformant la prudence en une salutation ludique plutôt qu'en une mise en garde. Blake Jones et l'art de se réapproprier les récits urbains « Rabbit A Frame » est bien plus qu'une simple peinture d'objets astucieuse : c'est une réflexion sur la façon dont les matériaux du quotidien peuvent devenir porteurs de joie, de personnalité et de transformation artistique. Blake Jones continue d'estomper la frontière entre les déchets de la rue et l'art de collection, utilisant des matériaux trouvés comme support pour des récits centrés sur les personnages. Son œuvre réintroduit l'humanité dans des espaces souvent dominés par la standardisation et le silence. Cette pièce invite les spectateurs à percevoir l'humour et l'imagination qui se cachent dans le tissu même de leur environnement quotidien. S'inscrivant dans le mouvement Street Pop Art & Graffiti Artwork, elle nous rappelle avec éclat que l'art ne se limite pas aux toiles ou aux murs des galeries. Il peut s'épanouir dans la rue, sur les panneaux que nous ignorons, et à travers les personnages qui animent ces lieux. Blake Jones se réapproprie ces espaces avec style, malice et un charme indéniable.

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Nouvelle peinture à l'huile originale et unique sur toile, intitulée « Bill Drizzle », de Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne, pour un montant de 100 $. 1998 SAK - Toile originale signée « Billet de 100 dollars ». STEVE KAUFMAN. À vendre : « Billet de 100 dollars » est une peinture originale de l'artiste, une œuvre d'art RARE entièrement signée par le regretté et talentueux assistant d'Andy Warhol, STEVE KAUFMAN ! Rare et très recherchée par les collectionneurs. Absolument magnifique ! Dimensions : 60,4 x 36,3 cm.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez Wolf Mandala Limited Edition 3-Color Hand-Pulled Silkscreen Print with UV Clear Layer on 90lb Black Licorice Fine Art Paper by Chris Saunders graffiti street artist modern pop art. 2016 Signé & numéroté édition limitée de 75 oeuvre taille 24 x 24 "Cette pièce a été vendue à un bon ami à moi l'année dernière, qui a commencé comme une commande personnalisée qui a évolué au fil du temps. Il y a beaucoup de symboles sacrés dans cette pièce qui a été créée avec l'intention de protéger l'espace auquel elle est accrochée. Au cours de la période où j'ai vécu des changements internes qui m'ont inspiré à créer une pièce qui servait de gardien protecteur et l'archétype du loup incarnait fortement cette qualité. L'archétype du loup pour moi ressemble à un symbole d'intelligence ainsi qu'à un gardien féroce. Mon travail consiste à créer un miroir réfléchissant qui permet au spectateur de voir en lui-même et d'évoquer des changements internes positifs. J'ai exploré la combinaison de symboles archétypaux avec des mandalas qui servent de symboles de force pour protéger l'espace dans lequel ils se trouvent et rappeler le spectateur de sa propre force et de son pouvoir intérieurs." -Chris Saunders

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