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Planche de skateboard Skate de Sèvres Art par Magnus Gjoen x Skateptych x Wallace Collection Baroque Limited Edition Print From Artist on Wood Pop Street Graffiti Sports Object Artwork. Édition limitée 2018, signée et numérotée à 99 exemplaires. Planche de skateboard 8x31, œuvre d'art imprimée. Style baroque. Décorée d'images classiques de chérubins, muses, femmes, amour et autres thèmes français. Inspirée d'un vase de Sèvres dessiné par Jacques-François. Skate de Sèvres : une fusion entre l'art baroque et le skateboard La planche de skateboard Skate de Sèvres de Magnus Gjoen témoigne de la polyvalence et du vaste champ d'expression qu'ont adopté le pop art urbain et le graffiti. Cette pièce en édition limitée, réalisée en collaboration avec Skateptych et la Wallace Collection, illustre la rencontre entre l'esthétique baroque classique et la culture urbaine et sportive contemporaine. Produite à seulement 99 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, cette planche transcende sa fonction première d'objet sportif pour devenir une œuvre d'art moderne très recherchée. Gjoen, connu pour ses juxtapositions des thèmes de la vie et de la mort, de la beauté et du déclin, présente une planche de skateboard à la fois fonctionnelle et saisissante. Les images de chérubins, de muses, de femmes et de motifs romantiques empruntés à l'art baroque français confèrent à l'œuvre une profondeur historique et un romantisme particuliers. Cette collaboration met en lumière l'adaptabilité de la culture du skateboard à diverses expressions artistiques et marque un tournant significatif où le street art rencontre le raffinement de l'art baroque. Magnus Gjoen et la réappropriation artistique du skateboard Le travail de Magnus Gjoen sur la planche Skate de Sèvres est une affirmation forte de la réhabilitation du skateboard comme médium artistique à part entière. Autrefois perçu comme un simple outil de sport et de loisirs, le skateboard se métamorphose sous la vision artistique de Gjoen en une plateforme d'exploration de thèmes complexes et de mise en valeur de l'art classique. La planche, mesurant 20 x 79 cm, est une toile qui s'affranchit des galeries, transportant la grandeur de l'art baroque au cœur de la rue. Les motifs complexes et les ornements somptueux typiques de l'époque baroque sont réinterprétés par le regard contemporain de Gjoen, créant un dialogue entre passé et présent. Cette planche Skate de Sèvres relie des univers disparates, invitant à la contemplation de la nature de l'art, de son accessibilité et de la manière dont les thèmes traditionnels peuvent renaître dans des lieux inattendus. La signification culturelle du deck de skate de Sèvres La planche Skate de Sèvres revêt une importance culturelle majeure, car elle démocratise l'art et fusionne les univers de la performance et de l'esthétique. Elle trouve un écho auprès des skateurs, des collectionneurs d'art et des amateurs d'art baroque, reflétant ainsi un large éventail d'intérêts et de passions. La collaboration avec la Wallace Collection, haut lieu de l'art historique, confirme le potentiel du skateboard comme médium d'expression artistique à part entière. Cette planche en édition limitée, créée par Gjoen, est une œuvre narrative qui retrace l'évolution de l'art et son rôle au sein des sous-cultures contemporaines. Alors que le street art et le graffiti repoussent sans cesse les limites de l'expérience artistique, des œuvres comme la Skate de Sèvres contribuent de manière essentielle à enrichir le débat autour de l'art, de la culture et de la société. À travers cette pièce, Magnus Gjoen démontre son talent artistique et alimente la réflexion sur la fusion des formes d'art et la place de l'art dans la sphère publique et privée. Dans le milieu artistique, la planche de skate Skate de Sèvres de Magnus Gjoen témoigne du pouvoir transformateur de l'art, de sa capacité à transcender les frontières traditionnelles et de son potentiel à redéfinir les objets du quotidien. Alors que le street art et le graffiti continuent d'évoluer et d'influencer la culture contemporaine, les contributions d'artistes comme Gjoen seront saluées pour leur créativité, leur aptitude à communiquer des thèmes complexes et leur impact sur le tissu culturel et esthétique des paysages urbains à travers le monde.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art, intitulée « Loose Lines », par l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces.

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Sarah SPF 25 Édition Limitée Tirage Sérigraphique 3 Couleurs Fait Main sur Papier Beaux-Arts par Derek Hess Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. « Premier tirage de ma série « Ligne de bronzage ». Avec ces impressions, je cherche notamment à faire ressortir le bronzage et la ligne par le blanc du papier. Sarah avait 25 ans à l’époque, d’où le « SPF 25 ». » – Derek Hess

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Tirages d'art en édition limitée « Drone Launch Dream » sur papier Moab Rag 300 g/m², par Adam Caldwell, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Rêve de lancement de drone » est une représentation surréaliste du début du XXIe siècle. Le fond sombre du sommeil est rompu par le lancement des nouvelles technologies d'automatisation. La silhouette indistincte est soit le rêveur, soit celui qui façonne le rêve. La femme jumelle est à la fois endormie et éveillée. Des fragments et des textes colorés s'entremêlent. – Adam Calwell

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Offre spéciale : Peinture originale de la Compagnie des Voleurs, réalisée à la bombe aérosol, à l’acrylique et avec des techniques mixtes sur panneau de bois par Ben Frost, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2013, réalisée à l'acrylique et à la bombe aérosol, format 24 x 32 pouces. Offre spéciale : « Company of Thieves » de Ben Frost : une exploration audacieuse du consumérisme dans l’art urbain pop et le graffiti. « Offre spéciale » : « Company of Thieves » de Ben Frost est une œuvre originale saisissante, mêlant peinture aérosol, acrylique et techniques mixtes sur panneau de bois. Elle capture l’énergie subversive du street art et du graffiti. Créée en 2013, cette œuvre originale signée mesure 61 x 81 cm et illustre la technique caractéristique de Frost, qui consiste à fusionner imagerie provocatrice et publicité. Dans cette pièce, une figure masquée, évoquant un personnage de dessin animé célèbre, se détache sur un fond chaotique jonché d’étiquettes de soldes, de réductions et de slogans publicitaires. Frost manipule le langage visuel de la société de consommation pour confronter le spectateur à des vérités dérangeantes sur la marchandisation du corps humain et l’influence omniprésente des marques sur l’identité moderne. La construction et la puissance thématique de l'offre spéciale Company of Thieves L'utilisation de la peinture en aérosol et de l'acrylique par Ben Frost crée une texture visuellement agressive qui complète le contenu dérangeant de « Special Offer Company of Thieves ». L'arrière-plan, orné d'une enseigne de soldes rouge et rose vif, amplifie le sentiment d'urgence et de séduction qui sous-tend les tactiques marketing modernes. Sur cette scène chaotique, Frost place une silhouette noire et grise, partiellement peinte et parée d'un simple morceau de tissu rouge, tirant sur ses vêtements de manière suggestive. La tête de la silhouette, en forme d'oreilles de souris, ajoute une référence troublante à la culture pop, associant l'innocence et le marketing des entreprises à une sexualité débridée. L'œuvre de Frost oblige les spectateurs à se confronter aux dynamiques d'exploitation souvent dissimulées derrière une publicité lisse et un divertissement aseptisé. Son utilisation superposée de techniques mixtes renforce la fragmentation de l'identité dans la société de consommation, une caractéristique puissante du Street Pop Art et du graffiti. Le rôle de Ben Frost comme figure de proue du street art et du graffiti modernes Né en Australie, Ben Frost repousse sans cesse les limites du street art et du graffiti grâce à sa critique incisive de la publicité, de l'industrie pharmaceutique et de la culture du divertissement. Son art puise dans le familier pour le distordre et révéler les absurdités et contradictions sous-jacentes de la vie contemporaine. Dans « Special Offer Company of Thieves », Frost illustre parfaitement cette démarche en transformant les symboles commerciaux en toile de fond d'une rébellion et d'une introspection profondes. Son utilisation éclatante de la couleur, la juxtaposition d'icônes et la présentation percutante de l'œuvre invitent à une interaction active plutôt qu'à une simple contemplation. La capacité de Frost à susciter la réflexion et le malaise par l'humour et la distorsion a consolidé sa place parmi les artistes les plus importants de l'évolution du graffiti et du street art modernes influencés par le pop art. L'importance culturelle et artistique de l'offre spéciale de Company of Thieves L'œuvre « Company of Thieves », présentée ici dans le cadre de l'offre spéciale, est une pièce d'art urbain pop et graffiti d'une grande valeur, abordant de front les problématiques contemporaines d'exploitation et de marchandisation des consommateurs. Le choix d'un panneau de bois comme support confère à l'œuvre une robustesse et un aspect urbain authentiques, tandis que la combinaison de peinture aérosol et de couches acryliques lui apporte profondeur et dynamisme. Le contraste délibéré entre la figure et le fond chaotique d'affichage des prix illustre la surcharge de stimuli qui caractérise la publicité et l'expérience de consommation modernes. Signée par Ben Frost, cette peinture originale de 2013 demeure une œuvre majeure qui, non seulement reflète l'évolution esthétique de l'art urbain pop, mais invite également le public à questionner les récits qui lui sont quotidiennement imposés par les médias et le commerce.

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« Les résidus de l’arrogance », épreuve d’imprimerie PP, tirage d’archives par Eddie Colla, édition limitée sur papier beaux-arts, œuvre d’art moderne d’artiste pop. Épreuve d'impression PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x24 Pigments d'archivage « Les résidus de l’arrogance » d’Eddie Colla : un commentaire imprimé L'épreuve d'artiste « The Residue Of Arrogance » d'Eddie Colla, une édition limitée, est un tirage d'art de qualité supérieure (14 x 24 pouces) réalisé avec des pigments d'archivage. Ce tirage, signé et marqué par l'artiste en 2019, explore des thèmes tels que l'identité, la résistance et les structures sociales, si chers à Colla. Son art interroge souvent l'impact du consumérisme et l'intrusion dans l'espace public, suscitant un dialogue autour des rapports de force au sein de la culture visuelle. Cette œuvre témoigne une fois de plus de la capacité de Colla à fusionner les beaux-arts avec l'énergie et la conscience sociale du street art.

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Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée « Piège à papillons » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Steven Lopez, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J’ai exploré le motif du papillon monarque dans mes portraits et, bien que j’aie apprécié cet aspect, je souhaitais comprendre comment l’utiliser dans d’autres contextes. J’ai d’abord dessiné la figure dans mon carnet de croquis en observant ma muse. J’ai aimé la fluidité du dessin et je me suis demandé comment je pourrais l’intégrer à une peinture. Quelques jours plus tard, l’idée m’est venue en écoutant « Butterfly » de Jamiroquai. C’était la première fois que j’ajoutais un effet de violence à l’arrière-train. La sous-couche a été appliquée au pinceau, les textures grossières étant réalisées au couteau à palette. La sous-couche est devenue un élément central de mon travail. Elle m’a permis de mieux comprendre comment capturer la lumière et distinguer les ombres avec une plus grande dextérité. Une nouvelle perspective s’est ouverte à moi, me donnant l’impression de tout réapprendre. » – Steven Lopez

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Impression giclée Fever Break Artist Proof AP de Sarah Joncas, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste (EA) 2018 Signée et marquée EA Édition limitée Format 16x20 Fever Break de Sarah Joncas : une fusion captivante d'art urbain et de portrait Le talent de Sarah Joncas dans Fever Break « Fever Break » de Sarah Joncas témoigne du pouvoir évocateur du portrait contemporain, imprégné de l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Cette épreuve d'artiste (EA), tirée en giclée et publiée en 2018, révèle le talent de Joncas pour fusionner réalisme et éléments surréalistes. Signée et estampillée EA, cette édition limitée mesure 40,6 x 50,8 cm et offre un récit aussi captivant qu'esthétiquement riche. L'œuvre s'inscrit dans la tradition des tirages d'art sur papier, préservant avec minutie l'équilibre subtil entre couleur et détail qui caractérise le travail de Joncas. Symbolisme et profondeur émotionnelle dans Fever Break « Fever Break » est imprégnée d'une intimité caractéristique de l'œuvre de Joncas, où le regard direct du sujet et l'entrelacement des éléments floraux instaurent un dialogue avec le spectateur. L'œuvre est riche en symbolisme ; les fleurs, fanées ou épanouies, peuvent être interprétées comme des métaphores du paysage émotionnel intérieur du sujet. Ce jeu entre la figure et la flore confère une profondeur qui transcende la force visuelle déjà saisissante de l'image. Résonance culturelle dans l'œuvre de Joncas L'œuvre de Joncas, notamment « Fever Break », trouve un écho culturel en puisant dans des thèmes communs au Street Pop Art et au graffiti – tels que l'identité, l'émotion et l'expérience humaine – tout en les présentant dans le cadre du portrait classique. Cette œuvre établit un pont subtil entre différentes traditions artistiques, séduisant un large public d'amateurs d'art et de collectionneurs. Le tirage en édition limitée renforce son attrait, garantissant une exclusivité au-delà de sa valeur artistique intrinsèque. Technique et médium dans Fever Break La technique d'impression giclée employée par Joncas dans « Fever Break » témoigne de son attachement aux médiums artistiques traditionnels et de son ouverture aux techniques modernes. Reconnue pour produire des tirages de haute qualité et durables, l'impression giclée met en valeur la palette nuancée et le trait précis de Joncas. Le papier beaux-arts choisi pour ce tirage constitue le support idéal pour une reproduction fidèle de son œuvre originale, garantissant ainsi que chaque tirage transmette le même impact émotionnel et visuel que l'original. L'héritage de Fever Break dans le pop art et le street art L'héritage de « Fever Break » au sein du pop art et du street art réside dans sa position unique, à la croisée de l'art urbain et du portrait intimiste. Par sa force dynamique et son souci du détail, l'œuvre de Sarah Joncas repousse les limites de l'interprétation et de l'appréciation du street art. Ses tirages en édition limitée, notamment les épreuves d'artiste comme « Fever Break », sont non seulement des œuvres d'art, mais aussi des témoins culturels qui marquent une étape dans l'évolution constante du pop art et du graffiti.

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100% Angel - Grande œuvre d'art imprimée en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Bei Badgirl. Tirage giclée de luxe de qualité galerie sur papier Canson Infinity Rag Photographique 210 g/m², signé par l'artiste. Grand format : 41 x 56,5 cm. 100% Ange – Grand tirage giclée en édition limitée par Bei Badgirl « 100% Angel » est une superbe estampe giclée grand format de l’artiste graffiti Bei Badgirl, figure emblématique de la pop culture. Cette œuvre d’art de qualité galerie est imprimée sur papier d’art Canson Infinity Rag Photographique 210 g/m², garantissant une vivacité des couleurs exceptionnelle et une grande longévité. Signée par l’artiste, l’estampe mesure 41 x 56,5 cm (16 x 22,5 pouces), ce qui en fait une pièce maîtresse du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Cette œuvre incarne l’esthétique audacieuse, hyper-féminine et ludiquement rebelle qui caractérise Bei Badgirl, mêlant influences contemporaines, culture kawaii japonaise, mode urbaine et surréalisme pop. L'œuvre met en scène une figure féminine stylisée et exagérée, aux longs cheveux blonds, aux cils XXL et à l'attitude à la fois innocente et affirmée. Vêtue d'un bikini rose et blanc inspiré des lapins, orné de pompons en fourrure et d'un nœud, elle incarne un mélange de nostalgie, de séduction et de rébellion pop. La palette de couleurs pastel douces, contrastant avec d'épais contours noirs, renforce l'impact visuel et en fait une pièce emblématique de la collection d'estampes de l'artiste. Bei Badgirl et son influence sur le street art, le pop art et le graffiti Bei Badgirl est une artiste de renommée internationale dont le travail fusionne l'esthétique du street art avec la culture pop, la mode et les thèmes féministes. Son art est reconnu pour sa représentation singulière de figures féminines ultra-glamour, inspirées des dessins animés, qui remettent en question les notions traditionnelles de beauté, de sexualité et d'émancipation. Puisant son inspiration dans les mangas japonais, l'art pin-up occidental et la culture pop des années 90, Bei Badgirl a cultivé une identité visuelle à la fois nostalgique et avant-gardiste. Son œuvre puise profondément dans le langage visuel du graffiti et du pop art urbain, se caractérisant souvent par des lignes audacieuses, une iconographie ludique et des sujets provocateurs. À travers des personnages comme celui de 100% Angel, Bei Badgirl explore les thèmes de la féminité, de l'identité et de l'expression de soi, célébrant la puissance d'une esthétique hyper-féminine dans un genre historiquement dominé par des visuels plus agressifs et masculins. Sa capacité à fusionner harmonieusement des visuels doux et oniriques avec des thèmes forts et affirmés fait d'elle une artiste marquante de l'art urbain contemporain. L'art de l'impression giclée et son rôle dans l'art urbain moderne L'impression giclée est devenue un médium incontournable pour les artistes du Street Pop Art et du graffiti, permettant des reproductions haute résolution fidèles à l'œuvre originale. Ce procédé d'impression utilise des encres d'archivage sur un papier beaux-arts, garantissant des couleurs éclatantes et fidèles à la vision de l'artiste. Le choix du papier Canson Infinity Rag Photographique 210 g/m² sublime la profondeur et la richesse de l'impression, offrant un fini mat luxueux qui s'accorde parfaitement à l'esthétique à la fois douce et audacieuse du travail de Bei Badgirl. Les tirages giclée en édition limitée, surtout ceux signés par l'artiste, revêtent une grande importance dans le monde de l'art contemporain. Ils permettent aux artistes de diffuser leur travail auprès d'un public plus large tout en préservant l'exclusivité et l'intégrité artistique. Dans le cas de « 100% Angel », le tirage constitue à la fois une pièce de collection et une représentation de l'influence grandissante de Bei Badgirl sur l'esthétique urbaine moderne. Valeur de collection et impact culturel de 100% Angel 100% Angel est bien plus qu'une œuvre visuellement saisissante ; c'est une réflexion sur la féminité moderne, l'image de soi et le caractère à la fois ludique et rebelle de l'esthétique pop culture. La capacité de Bei Badgirl à fusionner les techniques des beaux-arts avec l'esthétique urbaine lui a valu un public fidèle parmi les collectionneurs, les créateurs de mode et les amateurs d'art urbain. Son travail trouve un écho auprès d'un public sensible à la fusion du surréalisme pop, de la culture graffiti et de l'esthétique numérique contemporaine. Tirée en édition limitée, cette estampe est une occasion rare d'acquérir une pièce de l'œuvre de Bei Badgirl. La combinaison de matériaux haut de gamme, de techniques d'impression méticuleuses et de la signature de l'artiste fait de « 100% Angel » une œuvre très recherchée au sein du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Qu'elle soit exposée en galerie, dans une collection privée ou dans un intérieur contemporain, cette pièce témoigne de l'influence de la culture pop sur l'art contemporain.

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Safe Passage, dessin original au graphite et aux crayons de couleur, réalisé à la main sur papier d'art à bords frangés par l'artiste pop moderne Craww. Dessin original signé de 2014 sur papier frangé à la main, 13 x 22,5 cm.

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Girl With Heart PP Print Archival Proof par Nicer - Hector Nazario Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x17 Pigment d'archivage Beaux-Arts. Dévoilement de « Girl With Heart » de Nicer - Hector Nazario « Girl With Heart » est une estampe d'archive vibrante de Nicer, alias Hector Nazario, figure emblématique du street art et du graffiti. Tirage d'épreuve signé de 2021, cette édition limitée témoigne des profondes racines graffiti de Nicer et de son dialogue constant avec l'esthétique pop art. Imprimée avec des pigments d'archivage sur papier beaux-arts Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre de 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) garantit la pérennité de ses couleurs riches et de ses lignes audacieuses. L'expression artistique de Nicer dans le street art Cette œuvre met en scène un personnage à la fois espiègle et touchant, une caractéristique du travail de Nicer. La figure, représentation fantaisiste d'une femme au grand cœur, illustre la capacité de Nicer à insuffler émotion et narration à ses sujets. Le fond, où figure le nom de l'artiste en lettres stylisées et audacieuses, ancre fermement l'œuvre dans la tradition de l'art urbain. La juxtaposition du personnage animé avec les éléments plus traditionnels du graffiti reflète la complexité du street art, où les frontières entre culture urbaine et iconographie dominante s'estompent. La maîtrise du graffiti par Nicer transparaît dans la précision des lignes et l'équilibre des couleurs, démontrant que le street art n'est pas qu'un acte de rébellion, mais une forme sophistiquée de communication visuelle. À travers « Girl With Heart », Nicer invite le spectateur dans un univers où la brutalité de la rue rencontre le charme des dessins animés, où le graffiti n'est pas du vandalisme, mais une forme d'art légitime et captivante. Cette estampe témoigne de l'héritage durable du street art et de son évolution, des marges de la société aux murs des collectionneurs et des passionnés. Elle illustre l'influence de Nicer sur le genre, incarnant à la fois son rôle d'artiste et d'innovateur. « Girl With Heart » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un récit qui révèle le pouvoir transformateur du street art et sa capacité à saisir la complexité des émotions humaines et les tendances sociétales. Dans l'ensemble de l'œuvre de Nicer, « Girl With Heart » est un exemple frappant du potentiel du street art à transcender ses origines et à devenir une forme d'art contemporain respectée et reconnue. Elle incarne l'esprit de la culture hip-hop, une culture que Nicer a contribué à diffuser et à promouvoir par son art. Par son exploration et son innovation constantes, Nicer-Hector Nazario s'impose comme une figure incontournable de l'art moderne, jetant un pont entre la rue et la galerie à chaque coup de bombe aérosol.

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Marie, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier coton 100 % 330 g/m² par John John Jesse, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'attention constante portée au détail par John John Jesse est sans conteste devenue sa signature. Le dessin des modèles, leurs expressions faciales, leurs vêtements et leurs jouets, tout reflète l'attachement profond de l'artiste aux expériences familières. L'énergie, la précision, la vénération et le sens du rituel qui caractérisent son œuvre, mêlés à une joie et une crainte inconscientes, nous offrent des images d'une beauté et d'une force saisissantes. Il accomplit cela avec une minutie obsessionnelle et un talent inné pour l'originalité. Il nous montre ainsi que, face à la tragédie de la vie, le seul espoir réside dans sa capacité à y survivre grâce à son art.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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« Pretty Broken Flower PP Printer Proof Archival Print » de Sarah Joncas, édition limitée sur papier Moab Fine Art 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 16x19 Pigments d'archivage L'épreuve d'impression « Pretty Broken Flower PP » de Sarah Joncas témoigne de la fusion réussie entre l'esthétique traditionnelle du pop art et la force brute et passionnée du street art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée révèle le talent de Joncas pour capturer des émotions profondes et raconter une histoire en une seule image. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², elle offre une qualité et une durabilité exceptionnelles, garantissant ainsi la vivacité des couleurs et des détails au fil du temps. L'essence du pop art urbain dans l'œuvre de Sarah Joncas L'œuvre de Joncas incarne l'essence même du pop art urbain en intégrant des éléments de la culture populaire à une esthétique urbaine et percutante. Dans « Pretty Broken Flower », l'artiste déploie une palette audacieuse et expressive, rappelant le pop art classique. Cependant, son approche est nuancée, intégrant une sensibilité moderne qui fait écho aux aspects plus bruts et spontanés du graffiti. Les papillons et la sucette en forme de cœur se mêlent à l'expression mélancolique du sujet, créant une juxtaposition essentielle à l'impact de l'œuvre. Les pigments d'archivage et leur rôle dans l'art moderne L'utilisation de pigments d'archivage dans « Pretty Broken Flower » témoigne d'un engagement envers la pérennité et les plus hauts standards d'impression. Cette technique garantit la résistance de l'estampe à la décoloration et à la dégradation, un point essentiel pour les collectionneurs qui investissent dans des éditions limitées comme les œuvres de Joncas. Ces pigments d'archivage soulignent l'importance de la conservation dans l'art, notamment dans le contexte du street art et du graffiti, où la nature éphémère de ce médium – souvent présent sur les murs et dans l'espace urbain – est contrebalancée par la qualité durable de l'estampe. Éditions limitées et culture du collectionnisme Cette estampe, marquée « Épreuve d'imprimeur » (EI), fait partie d'une série exclusive d'œuvres en édition limitée très recherchées par les collectionneurs. La mention EI indique qu'elle a été tirée d'un tirage exceptionnel destiné à vérifier la qualité avant l'impression de l'édition complète. L'artiste ou l'imprimeur conserve souvent ces épreuves, ce qui les rend plus rares et, par conséquent, plus précieuses. La signature et la mention « EI » apposées par Joncas sur l'œuvre lui confèrent une exclusivité et une touche personnelle très appréciées dans le milieu du street art et du graffiti contemporains. La profondeur émotionnelle du pop art de Joncas « Pretty Broken Flower » dégage une profondeur émotionnelle caractéristique du style de Joncas. Le regard introspectif du sujet suggère un trouble intérieur ou un état de réflexion auquel les spectateurs peuvent s'identifier ou qu'ils peuvent interpréter de diverses manières. Ce lien émotionnel est une marque de fabrique du Street Pop Art, où la spontanéité et l'authenticité du street art rencontrent les aspects plus raffinés et dignes d'une galerie du pop art. Joncas maîtrise l'équilibre entre ces deux univers, créant une œuvre à la fois accessible et profonde. La taille et l'impact de l'œuvre d'art Mesurant 40,6 x 48,3 cm, « Pretty Broken Flower » est une œuvre intimiste qui invite le spectateur à une interaction profonde avec elle. Ses dimensions permettent d'apprécier en détail la technique de Joncas, des fines lignes des cheveux du sujet aux délicats motifs des papillons. Ce format en fait également une pièce idéale pour les collections privées, car elle peut être exposée dans divers environnements sans encombrer l'espace. Dans l'art moderne, « Pretty Broken Flower PP Printer Proof » de Sarah Joncas est un exemple frappant de la façon dont les frontières entre pop art, street art et graffiti peuvent s'estomper pour donner naissance à une œuvre nouvelle et profondément émouvante. Cette pièce témoigne non seulement de la maîtrise technique de Joncas, mais aussi de son talent pour raconter des histoires et créer du lien à travers son art.

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Born The Everlasting, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Vans The Omega + N. Corradi, artiste de rue graffiti, pop art moderne. INFO

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Dans la nature de la rêverie n° 2 PP HPM Tirage d'archives par Helice Wen Édition limitée Multiple peint à la main sur papier beaux-arts 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2020 Signée et marquée PP HPM Peinture acrylique Impression embellie à la main Édition limitée Œuvre d'art Taille 17x24 Pigment d'archivage Beaux-arts. Exploration de la fusion entre le street art, le pop art et le graffiti dans « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen Le monde de l'art a récemment été témoin d'un fascinant mélange de styles et de techniques, illustré par « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen. Cette œuvre est un exemple remarquable de la manière dont les artistes contemporains entremêlent des éléments de street art et de graffiti pour créer des œuvres innovantes et visuellement saisissantes. Sortie en 2020, cette édition limitée, une estampe d'art peinte à la main (HPM), révèle la vision unique de Wen, fusionnant les techniques traditionnelles des beaux-arts avec l'énergie brute et expressive du street art. Helice Wen, artiste reconnue pour son œuvre émouvante et évocatrice, apporte un regard neuf sur le pop art. Son œuvre « In The Nature of Daydreaming No 2 » se distingue notamment par l'utilisation de peinture acrylique sur papier beaux-arts 290 g/m², un choix qui souligne l'alliance de la durabilité et de la délicatesse qui caractérise son travail. L'œuvre, mesurant 43 x 61 cm, témoigne de sa maîtrise des proportions et du détail. L'importance de l'épreuve d'imprimerie (EI) dans l'art contemporain L'épreuve d'imprimeur (PP) de cette œuvre occupe une place particulière dans le monde de l'art. Traditionnellement, les épreuves d'imprimeur étaient considérées comme faisant partie intégrante du processus d'impression, réservées à l'usage de l'imprimeur et généralement non destinées à la vente. Cependant, dans l'art contemporain, ces épreuves ont acquis une valeur considérable en tant que pièces uniques, souvent plus recherchées que les éditions courantes en raison de leur rareté et de l'implication directe de l'artiste. La décision de Wen de signer et de marquer cette œuvre comme une PP HPM renforce encore son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs. L'embellissement manuel : un pont entre les beaux-arts et l'esthétique urbaine Le caractère artisanal de cette œuvre, rehaussé à la main, est un élément essentiel de son charme et de sa valeur. Ces embellissements consistent pour l'artiste à apporter une touche personnelle à chaque estampe, rendant chaque exemplaire de l'édition unique. Dans le travail de Wen, cette pratique brouille la frontière entre les estampes d'art traditionnelles et la spontanéité et l'individualité du street art. L'utilisation de la peinture acrylique pour les embellissements de « In The Nature of Daydreaming No 2 » confère non seulement texture et profondeur à l'œuvre, mais l'imprègne également de l'énergie brute caractéristique du graffiti. La qualité archivistique et son rôle dans la préservation de l'art moderne L'utilisation de pigments d'archivage dans les beaux-arts est un autre aspect qui distingue l'œuvre de Wen. Reconnus pour leur longévité, ces pigments garantissent que l'œuvre ne se décolore pas et ne se détériore pas avec le temps. Cette longévité est essentielle pour les collectionneurs et les amateurs d'art qui considèrent l'acquisition de telles pièces comme un investissement. Le papier beaux-arts de 290 g/m² utilisé pour cette estampe contribue également à sa durabilité, offrant un équilibre optimal entre grammage et texture. En résumé, « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen est un exemple fascinant de la manière dont les artistes contemporains fusionnent les univers du street art, du graffiti et des beaux-arts. Par son choix de médium, ses embellissements à la main et son souci de la qualité d'archivage, Wen a créé une œuvre qui non seulement se démarque dans le paysage artistique moderne, mais qui remet également en question et repousse les limites des formes artistiques traditionnelles.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Sanctuary » sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par JAW Cooper, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Sanctuary a été créée en 2013 dans le cadre de mon exposition solo « Laid Bare », qui explorait la vulnérabilité comme source de force et de malaise. L’œuvre se déroule dans une grotte verdoyante au sommet d’une cascade à Big Sur, un lieu chargé d’histoire et d’histoire. Cette grotte est remplie de pierres empilées par d’anciens visiteurs, mais lors de toutes mes visites, je n’y ai jamais croisé personne. Elle a ainsi l’atmosphère d’un lieu important pour de nombreuses personnes dont les chemins se croisent sans jamais se rencontrer. Un « sanctuaire » est censé offrir un refuge en période de stress ou de danger, et cette grotte m’a apporté la paix à un moment où je me détachais d’un aspect de ma vie pour en laisser naître un nouveau : la tête de cerf tranchée et le faon. » – JAW Cooper

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Estampe d'archive Enchantress par Audrey Kawasaki, édition limitée sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street artiste. Œuvre d'art signée, édition ouverte, format 18 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives, 2018 Audrey Kawasaki et le charme de l'« enchanteresse » dans l'art moderne L'estampe d'archives « Enchantress » d'Audrey Kawasaki est une incarnation captivante de la fusion entre la délicatesse des beaux-arts et l'expressivité audacieuse du street art et du graffiti. Publiée en 2018 en édition ouverte, chaque estampe signée reflète le style distinctif de Kawasaki, qui mêle des éléments des formes d'art orientales et occidentales. L'œuvre est imprimée avec minutie sur un papier d'art en coton fin, au format 45,7 x 45,7 cm, à l'aide de pigments d'archives afin de préserver ses nuances subtiles et ses lignes fines. « Enchantress » met en scène une figure à la fois éthérée et ancrée dans la réalité, entourée d'une végétation luxuriante qui semble jaillir d'elle-même. L'œuvre de Kawasaki représente souvent de jeunes femmes plongées dans une rêverie onirique, leurs expressions traduisant une profonde émotion et une grande introspection. Avec ses ornements floraux, cette pièce illustre la relation complexe entre l'humain et la nature, suggérant une coexistence symbiotique à la fois belle et éphémère. Célébrer la féminité et la nature dans le pop art urbain Dans le paysage de l'art contemporain, « L'Enchanteresse » de Kawasaki se distingue par son exploration de la féminité et de la nature, thèmes récurrents dans son œuvre. Son travail est reconnu pour sa capacité à exprimer simultanément vulnérabilité et force ; une dualité célébrée et explorée à travers sa fusion singulière des formes artistiques. Le sujet de « L'Enchanteresse » semble comme suspendu dans le temps, ses yeux clos et sa pose sereine évoquant un sentiment de paix et d'assurance au milieu des lignes fluides et des motifs naturels qui l'enveloppent. L'influence de Kawasaki sur la scène du Street Pop Art et du graffiti est significative. Son art transcende les frontières traditionnelles du street art, apportant une forme d'introspection paisible et une beauté délicate à un genre souvent associé à l'énergie brute et urbaine. L'estampe « L'Enchanteresse », comme une grande partie de son œuvre, invite le spectateur à la pause et à la réflexion, offrant une parenthèse hors du chaos du monde extérieur, un espace de contemplation et de plaisir esthétique. La représentation des femmes dans le street art contemporain est souvent un puissant commentaire sur l'identité et les attentes de la société, et l'œuvre d'Audrey Kawasaki enrichit considérablement ce dialogue. À travers son art, elle présente une vision de la féminité complexe et multiforme, invitant le spectateur à dépasser les apparences et à explorer le monde intérieur de ses sujets. L'estampe d'archives « Enchantress » témoigne de la nature nuancée et évolutive du street art et du graffiti. Elle incarne le potentiel du street art à interpeller le public de manière audacieuse et vibrante, et à offrir une expérience douce et méditative grâce à une imagerie aussi profonde qu'envoûtante. La contribution de Kawasaki au genre nous rappelle la diversité des expressions et la richesse émotionnelle que peut receler l'art contemporain.

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Tirages d'art pigmentaires en édition limitée sur papier Moab Fine Art par Aaron Nagel, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives 24 x 8,25 pouces sur papier Moab Fine Art. Édition signée et numérotée de 50 exemplaires.

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3113 Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts par Pooch Graffiti Street Artiste Pop Art moderne.

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Œuvre d'art Lost Highway, sérigraphie en édition limitée 12 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan x Ramon Meidan. 2022. Sérigraphie 12 couleurs signée avec réalité augmentée. Papier satiné Somerset 300 g/m². 65 x 83 cm. Signée par les deux artistes. Logo en relief. Édition limitée à 75 exemplaires. Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/710845162 Utilise l' application Artivive

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Œuvre d'art relative sur la sécurité, impression giclée en édition limitée sur papier Epson Hot Press Bright Heavyweight par l'artiste moderne Aaron Nagel. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 60 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 24 pouces. Tirage giclée en édition limitée de « Sécurité relative ». Imprimé sur papier mat épais Epson Hot Press Bright avec des encres Ultrachrome d'archivage. Signé et numéroté. Dimensions de l'image : 50,8 cm x 50,8 cm. Dimensions du papier : 61 cm x 61 cm. Tirage : 60 exemplaires.

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Estampe d'art en édition limitée Smash Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Adam Caldwell, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 14 x 17 pouces. Smash • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Adam Caldwell • Édition limitée à 20 exemplaires

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Muse #564 Œuvre d'art Giclée en édition limitée sur papier 330 G/M2 par l'artiste de graffiti de la culture pop Conrad Roset.

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Papier buvard « We Dreamt of Poppies », édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par Kristen Liu-Wong, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 15,2 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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L'œuvre d'art La Marne, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Sergio Lopez. « La Marne » de Sergio Lopez. Tirage pigmentaire d'archives signé et numéroté par l'artiste. Édition limitée à 40 exemplaires. 45,7 x 50,8 cm.

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Day Dream PP, épreuve d'impression d'archives par Sarah Joncas, édition limitée sur papier d'art Moab 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 17x12 Pigments d'archivage « Rêverie » de Sarah Joncas et la fusion du pop art urbain « Day Dream » de Sarah Joncas est un exemple saisissant de Street Pop Art, où l'intime thématique, si caractéristique du pop art, rencontre l'audace visuelle du street art. Cette épreuve d'artiste (PP) de 2020, issue d'une édition limitée, est signée et marquée par l'artiste, gage de sa rareté et de son intérêt pour les collectionneurs. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², elle utilise des pigments d'archivage, garantissant ainsi la préservation des couleurs vives et des nuances subtiles pour de nombreuses années. Brillance technique dans l'art moderne Le choix du papier beaux-arts Moab témoigne de l'exigence de qualité de Joncas. Réputé pour son toucher riche et sa capacité à restituer des couleurs nettes et précises, ce papier est le support idéal pour « Day Dream », qui repose en grande partie sur de subtiles gradations de tons et de couleurs pour créer une atmosphère onirique. L'utilisation de pigments d'archivage renforce encore le charme de cette estampe, lui conférant un niveau de détail et une longévité essentiels aux œuvres d'art Street Pop et Graffiti haut de gamme. Mesurant 43 x 30,5 cm, l'œuvre offre un large espace d'expression qui permet aux spectateurs de s'immerger dans l'univers serein créé par Joncas. Le pouvoir narratif de l'art de Joncas Le récit de « Rêverie » est aussi saisissant que sa composition visuelle. L’image d’une femme au repos, entrelacée de coquelicots rouges éclatants, suggère une histoire d’évasion et de sérénité. Son expression paisible permet aux spectateurs de projeter leurs propres aspirations ou leur propre contentement sur la scène. Ce lien personnel est un aspect fondamental du Street Pop Art, où l’accessibilité au public et l’engagement émotionnel avec l’œuvre sont primordiaux. Joncas capture cet esprit en créant un récit visuel à la fois unique et universel. Les éditions limitées comme déclarations culturelles La désignation PP de « Day Dream » est significative au sein de la communauté des collectionneurs d'art. Les épreuves d'imprimerie sont souvent imprimées en très petite quantité et servent de contrôle qualité avant le tirage définitif. Ces épreuves peuvent différer légèrement de l'édition finale, ce qui les rend souvent plus recherchées par les collectionneurs pour leur caractère unique. La signature de Joncas sur l'estampe confirme son authenticité et son implication directe dans sa création, instaurant une relation d'intimité entre l'artiste et le collectionneur très prisée dans le milieu du street art et du graffiti. Embrasser l'essence du pop art « Day Dream » incarne l'essence du pop art par son imagerie explicite et puissante, et par l'utilisation d'une iconographie du quotidien – ici, les coquelicots – pour susciter une émotion. Cependant, Joncas transcende ce concept en l'imprégnant de tranquillité et d'introspection, souvent associées aux beaux-arts. Ce brouillage des frontières entre culture populaire et art savant est une caractéristique déterminante de l'œuvre de Joncas et témoigne de la versatilité du Street Pop Art. Dans le paysage de l'art contemporain, « Day Dream PP Printer Proof » de Sarah Joncas occupe une place à part. Cette œuvre d'art encapsule la nature évolutive du pop art, puisant dans ses racines culturelles et embrassant son potentiel d'expression personnelle profonde. La qualité d'archivage de l'impression garantit sa pérennité, permettant aux générations futures de continuer à s'imprégner de son récit intemporel et de sa qualité d'exécution irréprochable.

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Gravity AP Impression giclée par James Bullough Œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts lisse 300 g/m² Artiste de rue graffiti pop. Épreuve d'artiste (EA) 2022 Signée et marquée EA Édition limitée Format 20x30 Exploration de l'essence de l'estampe giclée « Gravity AP » de James Bullough L'estampe giclée « Gravity AP » de James Bullough témoigne de l'alliance parfaite entre la finesse artistique et l'énergie brute du street art. Tirée en édition limitée sur un papier beaux-arts lisse de 300 g/m², cette œuvre illustre l'engagement de Bullough envers la qualité et son dévouement à la création d'œuvres de street art pop et de graffiti. Son format généreux de 50 x 75 cm permet au spectateur d'apprécier pleinement la complexité et les subtilités de la technique de Bullough. Caractéristiques artistiques et signification L'estampe giclée « Gravity AP » de James Bullough est un récit visuel qui capture la fluidité et le mouvement inhérents à notre monde physique. Le sujet, représenté avec un niveau de détail remarquable, dégage un dynamisme saisissant. L'utilisation d'un style fragmenté, motif signature de l'œuvre de Bullough, ajoute une dimension complexe, invitant le spectateur à contempler l'interaction entre la forme et l'espace. Cette estampe est exceptionnelle : il s'agit d'une épreuve d'artiste (EA), marquée et signée par Bullough en 2022. Ce statut la distingue et la place au sein d'un groupe restreint d'estampes, prisées pour leur fidélité à l'œuvre originale et souvent recherchées par les collectionneurs. L'interaction entre réalisme et abstraction Dans « Gravity AP Giclee Print », Bullough poursuit son exploration de la juxtaposition du réalisme et de l'abstraction. La représentation hyperréaliste du sujet contraste avec le fond conceptuel, créant une tension visuelle saisissante. Ce contraste est accentué par le choix audacieux des couleurs et l'utilisation de formes géométriques qui dynamisent la structure fragmentée. La maîtrise de Bullough dans le rendu de la figure humaine est manifeste, tout comme son talent pour bousculer les conventions par des variations inattendues et stimulantes. L'influence du street art sur l'œuvre de Bullough L'influence du graffiti et du street art est palpable dans l'estampe « Gravity AP Giclee Print ». L'expérience de Bullough dans le street art imprègne sa démarche, insufflant à l'œuvre la spontanéité et l'authenticité de la culture graffiti. L'estampe ne se contente pas de représenter une image ; elle incarne l'esprit du street art, caractérisé par son accessibilité, son interaction avec le paysage urbain et sa remise en question des normes artistiques traditionnelles. Cette œuvre illustre comment le street art peut passer des espaces publics à l'univers plus intime des collections privées, tout en conservant sa vitalité et son immédiateté intrinsèques. L'impact culturel de l'impression giclée « Gravity AP » L'estampe giclée « Gravity AP » illustre avec force comment le street art et le graffiti peuvent transcender leurs origines pour s'intégrer pleinement au débat artistique mondial. Tirage en édition limitée de James Bullough, elle incarne la vision et le talent de l'artiste, et sa mise à disposition des collectionneurs permet une meilleure appréciation de cet art. Cette œuvre est un véritable artefact culturel qui témoigne de l'influence durable du street art et de sa capacité à questionner et redéfinir les frontières artistiques. À travers des œuvres comme celle-ci, Bullough contribue au dialogue permanent sur la valeur et la place du street art dans la société contemporaine.

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Achetez Tactile Feast Artwork Giclee Edition Limitée sur Papier Fine Art par l'Artiste Graffiti Pop Culture Mandy Tsung.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Une nuit en ville, œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile acrylique 270 g/m² par le célèbre artiste de graffiti de rue Aaron Craig - Pop Mash. Signature 2021 Peinture acrylique originale, format 21 x 29 pouces Caractéristiques de l'œuvre : Dimensions : 54 cm x 74 cm (21 po x 29 po) Technique : Peinture acrylique sur toile acrylique 270 g/m² Signée et estampillée à sec par Aaron Craig

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Obsidian 01-45 4-Color Full Bleed Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by Justin Anville Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Obsidian 01 - '45' : Coiffée de son casque en vue de la répétition, Evelyn regrette légèrement d'avoir accepté le rôle de la méchante principale. Dès que le casque blindé et le vautour dressé l'entourent, elle savoure la facilité avec laquelle elle endosse ce rôle sinistre. Sérigraphie 4 couleurs - 40,6 x 50,8 cm - sur papier naturel lisse. Coloris standard. Édition limitée à 75 exemplaires. Signée et numérotée par l'artiste.

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Achetez Into The Night MMXXI - Sérigraphie 2 couleurs tirée à la main en édition limitée or/noir sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés par Cleon Peterson Rare Street Art célèbre artiste pop. 32 x 32 pouces. Sérigraphie dorée et noire tirée à la main. imprimé sur du papier Coventry Rag 290 g/m² avec des bords frangés. Chaque tirage est signé et numéroté. Édition limitée de 125 La visualité du travail de Cleon Peterson est basée sur une variété d'influences, de la poterie grecque antique aux bandes dessinées, résultant en une monochromie et un fort symbolisme des couleurs. Plus en détail, les figures existent sur de multiples lignes droites, ce qui, par la suite, crée l'illusion que l'œuvre est divisée en niveaux. La perspective et l'impression de profondeur existent modérément dans l'art de Peterson et, tout comme dans les vases grecs, l'espace du fond est généralement laissé vide ou légèrement embelli.

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« Time Passing », estampe d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2019).

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Après la tempête, impression d'art giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 24x30, 2019

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Rode Vlinder dans Vuur Artwork Giclee Limited Edition Print on 315 gsm Etching Cotton Rag Paper by Pop Culture Graffiti Artist Handiedan. Estampe d'art giclée 315 g/m², papier coton, gravure, 42 x 52 cm (image et papier), signée et numérotée, logo en relief, édition limitée à 77 exemplaires, 2020 Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/416245862 Utilise l' application Artivive

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Au Naturel Sit Édition limitée 1 couleur Sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2011. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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« A Gentle Breeze », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art naturel de musée 300 g/m² par Adam Miller, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette pièce a été émaillée et travaillée selon les techniques des maîtres vénitiens. Elle fait partie de la série intitulée « Parmi les ruines », qui évoque la renaissance et la régénération après la destruction. Je suis très inspiré par l'idée de la mythologie comme personnification des cycles de la nature et source d'inspiration pour la plupart de nos œuvres et récits. Dans cette pièce, l'enfant représente une nouvelle vie créatrice tandis que le décor désolé reflète la fin du cycle de la vie. » – Adam Miller

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« A Disposition To Ignore What Is Real », sérigraphie artisanale en édition limitée, 4 couleurs, sur papier beaux-arts, par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Le titre complet de cette œuvre est « Une disposition à ignorer la réalité », ce qui est une définition possible du terme « romance ». Reconnaître les signaux d'alarme et choisir de les ignorer. » – Derek Hess

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Peinture acrylique originale à la bombe de KayLove, œuvre unique sur toile réalisée par une artiste pop art de rue. Peinture acrylique et aérosol signée, 2024, format 24 x 48 pouces Strapped par KayLove – Œuvre originale d'art pop urbain et graffiti à l'acrylique et à la peinture en aérosol Strapped est une œuvre originale unique de KayLove, réalisée en 2024 à l'acrylique et à la bombe aérosol sur une toile grand format de 61 x 122 cm. Elle met en scène une figure féminine nue, aux courbes stylisées, aux longs cheveux bruns et ornée de boucles symboliques, se tenant avec assurance sur un socle ondulé lavande et blanc. Sur un fond blanc immaculé, dynamisé par des aplats de peinture rouge, bleue et orange, la composition est entourée de tags de graffiti roses, verts, bleus et jaunes. L'œuvre propose un puissant dialogue visuel sur l'identité, la vulnérabilité, l'émancipation et l'expression. La tête inclinée vers le bas, les yeux clos et les mains posées avec assurance sur les hanches et les cuisses, la figure incarne la prestance et la présence. KayLove utilise la ligne et la couleur non seulement pour définir la forme, mais aussi pour amplifier le message. La forme féminine comme résistance et rayonnement Strapped interroge directement le rôle du corps dans l'espace public et privé, notamment en ce qui concerne les femmes et les personnes s'identifiant comme femmes, confrontées au regard, aux restrictions et à l'autonomie. Les sangles qui entrecroisent le haut des bras et les cuisses du personnage ne sont pas des instruments de contrainte ; elles symbolisent une armure, une résilience et une maîtrise de soi. Elles font référence, de manière codée, à la façon dont les femmes noires et métisses doivent souvent préserver et affirmer leur présence au sein de la culture visuelle dominante. La forme stylisée oscille entre exagération et douceur, invitant le spectateur à reconsidérer la perception souvent hypersexualisée ou objectivée du corps. Ici, le corps est souverain, expressif et sacré. La posture assurée, les lignes courbes et les yeux clos suggèrent la paix au sein du pouvoir, la maîtrise au sein de l'exposition. Le graffiti en couches comme commentaire et communauté Autour de la figure centrale, des tags multicolores jaillissent sur la toile, recouvrant partiellement la figure et le socle dans la plus pure tradition du graffiti. Ces tags ne sont pas aléatoires : ils fonctionnent comme des voix visuelles qui enrichissent la composition de sens. Ils évoquent à la fois la perturbation et l’affirmation, suggérant le brouhaha visuel de la rue tout en amplifiant un appel collectif à témoigner, à affirmer et à s’engager. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, la superposition de tags sur la forme est une forme de réappropriation, et dans Strapped, elle se lit comme une présence collective : d’autres témoignent, crient des noms, revendiquent l’espace autour du corps. L’utilisation de pastels vibrants sur des tons terreux ajoute du contraste et du dynamisme, faisant osciller le regard du spectateur entre intimité et intensité. La fusion du récit, de la culture et de l'esthétique urbaine chez KayLove « Strapped » est emblématique de l'œuvre de KayLove, où iconographie culturelle, introspection spirituelle et graffiti se rencontrent. Son utilisation de coups de pinceau précis, superposés à des textures brutes de peinture en aérosol, témoigne de sa capacité à naviguer entre muralisme, beaux-arts et graffiti traditionnel sans diluer l'impact d'aucune approche. La figure n'est pas simplement une muse ou un symbole ; elle représente tous ceux qui portent en eux des strates d'histoire, de résistance et de beauté, et qui se dressent fièrement face à l'effacement. À travers cette toile, KayLove poursuit son œuvre, donnant voix à l'invisible et créant des pièces à la fois esthétiques et porteuses d'affirmation. « Strapped » célèbre la féminité, la complexité de l'être et le droit des graffeurs à marquer, revendiquer et s'exprimer sans retenue.

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Finger Lickin' - Édition limitée or, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 5 exemplaires . Dimensions de l'œuvre : 17,5 x 23,5 pouces. #4/5

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Sérigraphie artisanale en édition limitée « Monkey Trick », 4 couleurs, sur papier beaux-arts, par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Quatre couleurs et le blanc du papier créent les lignes de bronzage. – Derek Hess Analyse de la sérigraphie « Monkey Trick » de Derek Hess Dans le jeu complexe de couleurs et de lignes qui caractérise « Monkey Trick » de Derek Hess, l'œuvre se distingue comme un témoignage éloquent du talent de l'artiste pour fusionner l'intensité du graffiti avec la finesse du pop art contemporain. Cette sérigraphie en quatre couleurs, tirée à la main et imprimée en édition limitée sur papier d'art, illustre comment l'esthétique du street art peut se transformer en œuvres dignes d'une galerie. Hess, artiste américain originaire de Cleveland, dans l'Ohio, est reconnu pour son travail, qui reflète souvent les thèmes de la lutte, de l'émotion et de la complexité humaine. Sérigraphie : Fusion de l'art urbain et des beaux-arts La technique utilisée dans « Monkey Trick » est la sérigraphie, une méthode traditionnelle d'impression au pochoir. En utilisant un pochoir pour transférer l'encre sur le papier, à l'exception des zones rendues imperméables par un pochoir opaque, Hess déploie son style distinctif, habituellement présent sur les murs des villes et les planches de skate. L'affirmation de Hess, « 4 couleurs et le blanc du papier créent les lignes de bronzage », souligne sa méthodologie méticuleuse. La palette de couleurs restreinte n'en limite pas la profondeur ; au contraire, elle l'enrichit, le blanc du papier devenant un élément à part entière du récit. Ceci est particulièrement remarquable dans le street art, où l'environnement contribue souvent à l'œuvre, tout comme le papier ici. Les alentours ne sont pas de simples décors, mais des composantes essentielles de l'art. Dans « Monkey Trick », Hess utilise l'absence de couleur pour suggérer une présence, à l'instar du silence éloquent dans une conversation. Cela reflète la manière dont les graffeurs utilisent souvent les murs comme support, en adaptant et en intégrant leurs imperfections et leurs textures à leur travail. Le langage visuel de « Monkey Trick » Le sujet de « Monkey Trick » est typiquement Hess : une figure humaine complexe au repos, suggérant la vulnérabilité ou l’épuisement, côtoie une silhouette plus menue, qui semble être un singe, elle aussi au repos. La figure humaine, rendue par des lignes robustes et musclées, est à la fois influente et passive. Le singe, souvent symbole de malice ou d’espièglerie dans l’art, est représenté dans un moment de calme inhabituel, faisant écho à son homologue humain. Cette dualité reflète peut-être la nature multifacette de l’être humain, qui possède à la fois une part primitive et brute et une capacité émotionnelle plus complexe. L’utilisation de seulement quatre couleurs pour créer cette œuvre témoigne de l’ingéniosité de Hess. Elle invite le spectateur à trouver profondeur et texture dans la limitation, un thème récurrent dans le street art où les artistes travaillent souvent avec une palette restreinte en raison des contraintes environnementales et matérielles. La sérigraphie embrasse l’éthique brute et sans filtre du street art, qui s’appuie sur le minimalisme et la franchise pour transmettre des messages puissants. Les lignes et les nuances beige de « Monkey Trick » créent une texture tangible, presque palpable, qui rappelle la nature tactile des murs servant de toiles dans les paysages urbains. L'héritage de Derek Hess et de « Monkey Trick » L'œuvre de Derek Hess a joué un rôle déterminant dans le rapprochement des univers souvent cloisonnés du street art et des beaux-arts. « Monkey Trick » illustre parfaitement comment la spontanéité et l'imagerie saisissante du graffiti peuvent s'harmoniser avec le pop art. Elle témoigne également de la capacité de Hess à exprimer des émotions humaines complexes à travers des compositions simples mais captivantes. Cette sérigraphie enrichit son statut de pionnier de cette forme d'art hybride. Véritable témoignage culturel, elle capture l'essence d'une époque où le street art est de plus en plus reconnu comme une forme d'art légitime et influente. Avec « Monkey Trick », Hess contribue au dialogue sur la convergence des techniques du street art et des principes artistiques reconnus. Son œuvre trouve un écho au sein de la communauté artistique et au-delà, attirant ceux qui ont besoin d'une approche plus traditionnelle de l'art et les invitant à explorer les significations profondes qui se cachent derrière des visuels d'une simplicité trompeuse. Des œuvres comme celle-ci illustrent bien que le pop art urbain contemporain ne se limite pas à l'art lui-même, mais englobe également le processus créatif et le récit auquel il invite le spectateur à participer. À travers son art, Derek Hess nous invite à réfléchir à la condition humaine, à la brutalité de notre existence et à la beauté qui se cache derrière les contraintes de la forme et de la couleur.

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Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée « The Fool » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Beau Stanton, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Le Fou était la pièce maîtresse de mon exposition « Archétypes Arcaniques », dont toutes les peintures étaient inspirées des arcanes majeurs du Tarot. Mon intention première était de créer une série d'images qui marqueraient durablement l'inconscient du spectateur. Pour commencer, j'ai étudié l'un des ensembles d'images les plus reconnaissables et emblématiques : les arcanes majeurs du Tarot. Après avoir examiné plusieurs jeux existants, j'ai découvert que certaines images partageaient des points communs, tant visuels que conceptuels, avec plusieurs peintures que j'avais réalisées par le passé. Lorsque j'ai envisagé de créer une série de peintures inspirées du Tarot, je savais que je devais inclure le Fou, car il s'agit de la carte « zéro » et d'un archétype extrêmement important. J'ai commencé par étudier tous les jeux de tarot emblématiques afin de comprendre comment les symboles avaient été interprétés par le passé, et j'ai également lu quelques ouvrages d'occultistes du XIXe siècle passionnés par le tarot. À partir de là, j'ai intégré certains de mes propres symboles, que j'utilise fréquemment dans mes œuvres. » « Une œuvre qui partageait avec la signification globale du Fou l'idée de proposer une nouvelle interprétation d'un symbole iconique ancien. » – Beau Stanton

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Œuvre d'art Breathe Out, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Format de l'œuvre à déterminer.

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Œuvre d'art de moine, impression giclée en édition limitée sur papier aquarelle italien pressé à froid, par l'artiste de graffiti de la culture pop Caia Koopman. « J’ai beaucoup apprécié l’opportunité d’exprimer mon inquiétude face à la disparition rapide des espèces en danger critique d’extinction dans ma peinture « Moine » pour PangeaSeed. Ma peinture représente le phoque moine d’Hawaï, une espèce en danger critique d’extinction, tandis que le personnage féminin symbolise l’âme de cette population en déclin et le passé des phoques. Je crois fermement que nous, les humains, tous les êtres vivants et même la planète elle-même sommes intrinsèquement liés. » – Caia Koopman Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Œuvre d'art Action Jackson, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Ron English - POPaganda. L'hommage de Ron English à l'artiste Jackson Pollock par POPaganda était une figurine articulée personnalisée de 30 cm (échelle 1/6) présentée au salon (In)Action Figure Show du magazine Clutter, intitulée « Action Jackson ». Cette pièce exceptionnelle, signée par Ron English au dos, a également été reproduite en édition extrêmement limitée par tirage giclée 30 x 40 cm (12 x 16 pouces), numéroté et signé par l'artiste. Seuls 10 exemplaires de ce tirage ont été produits.

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Achetez Into The Night MMXXI - Sérigraphie 2 couleurs tirée à la main en édition limitée or/noir sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés par Cleon Peterson Rare Street Art célèbre artiste pop. 32 x 32 pouces. Sérigraphie dorée et noire tirée à la main. imprimé sur du papier Coventry Rag 290 g/m² avec des bords frangés. Chaque tirage est signé et numéroté. Édition limitée de 125 La visualité du travail de Cleon Peterson est basée sur une variété d'influences, de la poterie grecque antique aux bandes dessinées, résultant en une monochromie et un fort symbolisme des couleurs. Plus en détail, les figures existent sur de multiples lignes droites, ce qui, par la suite, crée l'illusion que l'œuvre est divisée en niveaux. La perspective et l'impression de profondeur existent modérément dans l'art de Peterson et, tout comme dans les vases grecs, l'espace du fond est généralement laissé vide ou légèrement embelli.

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