Contemplation, peinture originale acrylique sur toile, prête à être accrochée, par Mandy Tsung, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2014 sur toile et prête à être accrochée. Dimensions : 20 x 20 pouces (50,8 x 50,8 cm).

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Figurine What Party - Sculpture en vinyle rose en édition limitée, œuvre d'art de collection créée par le légendaire artiste moderne Kaws. Édition ouverte COVID 2020 épuisée. Format : 5,1 x 11,3 x 3,7 pouces. Neuf en boîte. Pied imprimé. Pink Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ? La figurine « What Party » rose s'impose comme un symbole poignant dans l'œuvre de Kaws, artiste moderne influent dont les créations brouillent sans cesse les frontières entre art commercial et beaux-arts. Cette sculpture en vinyle, en édition limitée, mesure 13 x 29 x 9,5 cm, une taille à la fois intime et imposante qui lui permet de trouver sa place dans toute collection. Sortie en 2020, année marquée à l'échelle mondiale par la pandémie de COVID-19, cette pièce de collection prend une résonance particulière, son titre, « What Party », faisant écho à l'isolement de cette année et à l'absence soudaine de rassemblements et de célébrations. Confectionnée en rose vif, la figurine est immédiatement reconnaissable comme une création de Kaws, avec ses yeux barrés caractéristiques et ses mains exagérées, éléments devenus emblématiques du langage visuel unique de l'artiste. Ce jouet n'est pas qu'un simple objet ludique ; c'est une œuvre d'art à part entière, percutante et porteuse de réflexions sur la condition humaine. Sa couleur éclatante peut être interprétée comme une lueur d'espoir ou un cri d'alarme, incitant à la réflexion sur les bouleversements de notre société, notamment durant cette période d'arrêt brutal du monde. Chaque sculpture est neuve et livrée dans sa boîte d'origine, garantissant qu'elle n'a jamais été exposée ni manipulée. Le pied imprimé de la figurine atteste de son authenticité, un critère essentiel pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Kaws. Bien que cette pièce ait été initialement proposée en édition ouverte, sa disponibilité a rapidement explosé face à une demande supérieure à l'offre, la rendant introuvable et la transformant en un objet de collection très recherché. La figurine « What Party » témoigne non seulement de l'influence durable de Kaws à la croisée du pop art, du street art et du graffiti, mais constitue également un commentaire culturel encapsulé dans du vinyle. Elle capture l'essence d'un moment historique unique, symbolisant l'aspiration collective à la connexion en période de bouleversements mondiaux et le pouvoir intemporel de l'art à refléter et à résonner avec l'esprit du temps.

Lis Plus Moins

Skeletor, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti de rue Madsaki x MOTU. En 2020, Madsaki et Mattel Creations se sont associés pour créer ces figurines exclusives Madsaki x Masters of the Universe SKELETOR. 8,5 x 11 MADSAKI et MATTEL CREATIONS s'associent pour créer cette figurine exclusive et iconique : une réplique miniature de la sculpture monumentale de SKELETOR qui avait captivé fans et critiques d'art lors de l'exposition solo « 1984 » de MADSAKI à la galerie Kaikai Kiki de Tokyo en 2020. Cette version miniature arbore une couleur exclusive. Mesurant 28 cm de haut (jusqu'au sommet du bâton), avec une expression faciale réalisée à la bombe de peinture, ses couleurs vives contrastent avec les figurines HE-MAN et BATTLE CAT déjà produites. SKELETOR, le plus célèbre méchant d'Eternia, est ici sublimé en une figurine unique, imprégnée des souvenirs d'enfance de l'artiste, de ses jouets bon marché préférés et de son respect pour la culture qui l'a profondément marqué. Chaque figurine est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé à la main par MADSAKI et de gants blancs pour prendre soin de votre œuvre d'art. Présenté avec boîte

Lis Plus Moins

Dissection du lapin blanc - Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art naturel de qualité musée 300 g/m² par Nychos, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP 2013 Signée et marquée AP Œuvre d' art Format 16x16 « J'ai peint cette œuvre en janvier dernier, juste avant de partir pour Hawaï pour le Pow Wow. Elle figurait également dans ma récente exposition solo en Italie, où j'ai présenté certaines de mes dissections récentes. Le concept s'inspire des graffitis graphiques que je pratique depuis environ 2005, mais je tenais à disséquer celui-ci ! L'image est désormais le logo principal du Rabbit Eye Movement (REM). REM a débuté comme un concept de street art viennois, mais j'ai toujours perçu le Rabbit Eye Movement comme un hommage à tous les « lapins » actifs dans le mouvement de l'art urbain, quelle que soit leur mission. Le mouvement a grandi et REM s'est développé pour créer le REM ARTSPACE. Cet espace accueille des artistes nationaux et internationaux issus de genres tels que le graffiti, l'illustration urbaine, le street art, le lowbrow et l'imagerie de la culture pop. Il permet à la créativité individuelle et collective d'ouvrir les esprits et de cultiver une inspiration passionnée. » – Nychos. « La dissection du lapin blanc » de Nychos : un phénomène pop art moderne Dans le paysage urbain contemporain, rares sont les œuvres d'art qui ont autant marqué les esprits que « Dissection du Lapin Blanc » de Nychos, l'illustre graffeur de rue. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art naturel de qualité musée (300 g/m²), est une œuvre emblématique du pop art moderne et une pièce maîtresse du genre street art et graffiti. Créée en 2013 comme épreuve d'artiste (EA), cette œuvre de 40 x 40 cm tisse des récits complexes mêlant biologie, mythologie et culture urbaine sur une toile unique, saisissante et stimulante. Nychos : Explorations anatomiques et récits urbains Nychos, reconnu pour son approche unique du street art, utilise une technique singulière de dissection anatomique dans son travail. « Dissection du Lapin Blanc » en est un parfait exemple : un lapin est fendu en deux, révélant le fonctionnement complexe de ses organes internes. Cette œuvre a été conçue en janvier de cette année-là, alors que Nychos s'apprêtait à participer au Pow Wow à Hawaï, et est ensuite devenue une pièce maîtresse de son exposition personnelle en Italie. Le travail de Nychos explore les différentes strates qui composent les êtres vivants, reflétant une profonde fascination pour ce qui se cache sous la surface. En mariant l'énergie graphique des graffitis à la précision des dissections, Nychos a ouvert une nouvelle voie dans le street pop art. L'œuvre sert également d'emblème au Rabbit Eye Movement (REM), un concept né dans les rues de Vienne. Nychos conçoit le REM comme un hommage aux « lapins » du mouvement d'art urbain, symbolisant les acteurs de cette scène culturelle en plein essor, quelle que soit leur mission. Depuis, REM a évolué pour devenir REM ARTSPACE. Ce pôle créatif célèbre une grande variété de genres, du graffiti et de l'illustration urbaine au street art, en passant par le lowbrow et l'imagerie de la culture pop. Cet espace est dédié à l'épanouissement de la créativité individuelle et collective et constitue un lieu privilégié pour le libre échange d'idées, garantissant ainsi la progression et l'inspiration des artistes du monde entier. L'impact et l'héritage de l'œuvre de Nychos L'influence de « Dissection du Lapin Blanc » dépasse largement son impact visuel. Elle incarne l'impact profond de Nychos sur la scène du street art, illustrant le pouvoir transformateur des arts visuels dans l'espace urbain. L'œuvre témoigne de la maîtrise technique de l'artiste et symbolise son engagement à repousser les frontières traditionnelles du street art et du graffiti. Logo principal du Rabbit Eye Movement, elle est devenue synonyme d'un réseau mondial d'artistes œuvrant pour la promotion du street art. Par son travail et la création de REM ARTSPACE, Nychos a joué un rôle déterminant dans le débat autour du street art et de sa place au sein de l'art contemporain. En somme, « Dissection du Lapin Blanc » est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; elle est une pierre angulaire de la contribution artistique et culturelle de Nychos. Cette pièce incarne le dynamisme et la versatilité du street art et du graffiti, démontrant comment ces œuvres peuvent simultanément éduquer, inspirer et susciter la réflexion. Alors que la renommée de Nychos ne cesse de croître et que ses œuvres continuent de captiver le public du monde entier, l'héritage de son lapin blanc, disséqué et exposé, demeure un symbole durable du pouvoir et du potentiel du street art.

Lis Plus Moins

Neo Ice Cream Canbot Canz Édition Limitée Jouet d'Art en Vinyle de Collection Œuvre d'Art de Graffiti de Rue Sket-One x Czee13. Édition limitée à 150 exemplaires (édition 2022) ; effet coulant de peinture pour un effet chocolat fondant, vanille et fraise. Cette figurine rend hommage à la glace napolitaine classique. L'attrait des canettes de glace Neo Ice Cream Canbot Canz par Sket-One et Czee13 Le Neo Ice Cream Canbot Canz, une figurine de collection en vinyle en édition limitée, est le fruit de la délicieuse collaboration entre les artistes de street art renommés Sket-One et Czee13. Limitée à seulement 150 exemplaires, cette pièce de collection de 2022 se distingue immédiatement dans le paysage du pop art et du graffiti par son design innovant et son hommage à la gourmandise intemporelle qu'est la glace napolitaine. La figurine est ingénieusement conçue, avec des coulures de peinture représentant les gouttes fondantes de chocolat, de vanille et de fraise, capturant l'essence même de la glace d'une manière visuellement saisissante et empreinte de nostalgie. Cette collaboration entre Sket-One et Czee13 célèbre les styles distinctifs des deux artistes, mêlant l'esthétique graphique audacieuse de Sket-One au talent de Czee13 pour la création de personnages. Le Canbot Canz lui-même devient le support de cette fusion artistique, transformant une simple figurine en vinyle en une œuvre d'art qui fait écho à la vitalité de la scène street art et à l'attrait des objets de collection issus de la pop culture. Innovation artistique dans la conception des canettes de Neo Ice Cream Canbot Le Canbot Canz Neo Ice Cream n'est pas qu'un simple jouet ; c'est une véritable œuvre d'art dans l'univers des objets de collection, reflétant l'esprit à la fois ludique et audacieux de ses créateurs. Le goût de Sket-One pour la réinterprétation d'objets du quotidien à travers une touche graffiti transparaît dans le visage expressif du Canbot Canz et le motif de peinture dégoulinante, un clin d'œil à la fois littéral et figuratif à la fluidité et à la nature évolutive du street art. Parallèlement, le savoir-faire de Czee13 garantit que chaque Canbot Canz est bien plus qu'une simple figurine : une œuvre d'art unique, dotée de son propre caractère et de sa propre histoire. Le choix d'évoquer la glace napolitaine est particulièrement inspiré, puisant dans une nostalgie collective tout en célébrant la diversité et l'harmonie des saveurs – une métaphore subtile du brassage culturel que le street art représente souvent. Cette figurine est un objet contemporain emblématique du genre, incarnant la créativité et l'innovation qui animent le mouvement du pop art et du graffiti. La contribution de Czee13 et Sket-One au mouvement du street art La collaboration entre Czee13 et Sket-One pour la création du Neo Ice Cream Canbot Canz témoigne du dynamisme et de la nature collaborative du street art. Chacun apporte sa perspective unique, donnant naissance à une pièce de collection qui dépasse la simple somme de ses parties. Leur capacité à travailler de concert tout en préservant leur intégrité artistique fait du Canbot Canz une œuvre réussie et une étape importante dans l'évolution du street art vers de nouvelles formes et de nouveaux supports. Cette édition limitée du Canbot Canz fait le lien entre le caractère souvent éphémère du street art et la permanence recherchée par les collectionneurs. Conçue pour être exposée et chérie, elle offre aux passionnés la joie du street art dans un format qu'ils peuvent apprécier chez eux. En conclusion, la Neo Ice Cream Canbot Canz est une fusion savoureuse des talents artistiques de Sket-One et Czee13, une figurine en vinyle qui se démarque dans l'univers du street art et du graffiti. Édition limitée mais irrésistible, cette pièce de collection témoigne de l'évolution constante de l'art et du charme intemporel des collaborations au sein de la communauté street art. Elle nous rappelle avec fantaisie la joie que l'art peut apporter à nos vies, en créant un pont entre le paysage urbain et notre collection personnelle.

Lis Plus Moins

Bronx Meets Queens - Ensemble de 2 œuvres originales uniques, techniques mixtes, peinture aérosol acrylique sur découpe de chaussure en bois, par l'artiste de graffiti L'mour Supreme. 2022. Une paire signée (deux sabots au total) de sabots Skewville personnalisés par l'artiste L'Amour Supreme. Chaque sabot mesure 28 x 14 x 1,3 cm. Sérigraphie sur bois « Bronx Meets Queens Set Shoe Tossing » par Skewville.

Lis Plus Moins

Planche de skateboard Never Say Never, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art Denial. Édition limitée 2021 à 3 exemplaires Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 14 juillet 2021. Tirage : 35 exemplaires. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

Lis Plus Moins

Estampe d'archive Hush-Hush de Giorgiko, édition limitée sur papier d'art en coton, art pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à déterminer (2023). Format : 20 x 25 cm. Impression pigmentaire d'art de qualité supérieure, représentant un garçon ou une fille tenant un biscuit. Image : 15 x 20 cm, bordures blanches de 2,5 cm. Impression par Static Medium. Hush-Hush Mini par Giorgiko – Impression pigmentaire d'archives dans le style Street Pop Art et Graffiti « Hush-Hush Mini » est une estampe pigmentaire d'archives de 2023, créée par Giorgiko. Version réduite de ses œuvres de plus grand format, elle est imprimée sur papier d'art en coton par Static Medium. Mesurant 20 x 25 cm (8 x 10 pouces), avec une image de 15 x 20 cm (6 x 8 pouces) et des bordures blanches de 2,5 cm (1 pouce), cette édition limitée, signée et numérotée, capture l'intensité émotionnelle et la dualité stylistique qui définissent l'univers visuel de Giorgiko. L'œuvre met en scène son personnage androgyne emblématique, aux traits arrondis et au regard vide, tenant un cookie aux pépites de chocolat et vêtu d'une fraise de style Renaissance, d'une veste et d'une casquette streetwear modernes. Ce mélange d'expression douce, de références historiques et de clins d'œil à la culture pop illustre la capacité de Giorgiko à fusionner les beaux-arts avec une subtile dissonance contemporaine. Symbolisme émotionnel dans un format minimaliste La petite taille de Hush-Hush Mini n'altère en rien sa force émotionnelle. Le personnage récurrent de Giorgiko, d'une simplicité visuelle remarquable mais riche de suggestions, se dresse seul sous un ciel aux teintes douces, parsemé de nuages ​​rose tendre. Son regard en coin, presque hésitant ou curieux, renforce le thème de l'œuvre, celui de l'observation silencieuse et de la pause intime. Le contraste entre le col orné et la casquette décontractée évoque le conflit d'identités à travers le temps, les traditions et la culture urbaine. Le biscuit, tenu dans la main du personnage, devient un symbole d'innocence, de simplicité, voire de gourmandise – un objet rassurant dans un univers surréaliste et chargé d'émotion. Cette retenue visuelle et cette ambiguïté invitent le spectateur à construire sa propre interprétation, une technique que Giorgiko utilise avec brio dans l'ensemble de son œuvre. Artisanat et narration dans le pop art urbain L'art de Giorgiko s'ancre dans la précision, l'atmosphère et une narration minimaliste mais évocatrice. Leur fusion de surréalisme pop et de techniques picturales classiques les distingue dans le domaine du street art et du graffiti. Dans « Hush-Hush Mini », les artistes combinent une simplification proche de la bande dessinée à une profondeur picturale, créant un personnage à la frontière du fantastique et du quotidien. Le choix d'associer un rendu délicat à des éléments de la culture urbaine, comme la casquette et le blouson aviateur, renforce leur esthétique de la douce contradiction. Le col à collerette, peint avec une transparence presque palpable, confère à l'œuvre une dimension quasi cérémoniale. L'utilisation subtile d'une lumière douce et de tons pastel ajoute une lueur onirique, accentuant la quiétude émotionnelle et la mélancolie contemporaine qui se dégagent du personnage. Le rôle de Giorgiko dans l'art urbain figuratif moderne Fruit d'une collaboration entre Darren et Trisha Inouye, l'œuvre de Giorgiko reflète une sensibilité commune axée sur la quiétude visuelle, l'identité et la solitude. Hush-Hush Mini condense ces thèmes dans un format compact et très prisé des collectionneurs. Son message, discret et subtil, s'exprime par l'atmosphère, la posture et des indices visuels délicats. Dans le contexte du street art et du graffiti, cette pièce révèle une facette plus douce du genre, privilégiant l'introspection à la rébellion. Giorgiko capture le paysage émotionnel de la vie moderne à travers des personnages peu bavards mais aux émotions intenses. Hush-Hush Mini est à la fois accessible et énigmatique : un murmure visuel qui résonne encore, porteur de pensées inexprimées.

Lis Plus Moins

A Bathing Ape 28e anniversaire 1000% - BE@RBRICK rose, figurine de collection en vinyle, édition limitée, art urbain #3 2021 Medicom x A Bathing Ape Bape Neuf en boîte

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Vénus, sérigraphie holographique en édition limitée, tirée à la main en 6 couleurs, sur papier coton 250 g/m², par Violeta Hernandez, artiste de street art et pop art. Édition limitée 2022, signée et holographique, 11 x 13,8 cm. Sérigraphie 6 couleurs. - Dorure à chaud avec feuille holographique. - Papier 100 % coton / 250 g/m². - Dimensions : 35 x 28 cm. Signé et numéroté.

Lis Plus Moins

Sérigraphie Drippy Icons par Buff Monster, épreuve d'artiste, impression sérigraphique tirée à la main sur papier beaux-arts en coton 250 g/m², édition limitée, art pop urbain et graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 80 exemplaires (2023). Œuvre d'art de taille 18x24 représentant le monstre classique Melty Misfit One Eyed Ice Cream Drippy Monster dans un style dégoulinant. Sérigraphie Drippy Icons par Buff Monster – Édition limitée Pop Street Artwork & Graffiti Buff Monster, artiste de rue de renommée internationale, célèbre pour ses personnages vibrants et ludiques, présente « Drippy Icons », une sérigraphie saisissante qui incarne son esthétique unique. Tirée à la main sur un papier d'art 250 g/m² en coton, cette sérigraphie capture l'essence de sa série emblématique « Melty Misfit ». Tirée à seulement 80 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par l'artiste, ce qui en fait un objet de collection très recherché dans le monde du street art et du graffiti. L'œuvre met en scène un œil cyclopéen géant au centre, encadré par une forme fondante, évoquant une glace, qui dégouline avec une fluidité surréaliste. L'utilisation de couleurs néon vives comme le rose, l'orange, le jaune et le turquoise crée un impact visuel hypnotique, renforçant l'esthétique à la fois sucrée et chaotique qui caractérise le travail de Buff Monster. La sérigraphie artisanale confère à chaque tirage une texture organique, lui donnant une profondeur et une authenticité tangibles. Buff Monster et l'évolution du street art pop et du graffiti Né à Hawaï et désormais installé à New York, Buff Monster est reconnu internationalement pour sa fusion unique d'esthétique graffiti, d'influences pop culture et d'un style cartoon distinctif. Son œuvre est profondément inspirée par la culture japonaise, le heavy metal et son amour des couleurs vibrantes et saturées. La capacité de Buff Monster à combiner ces éléments en un langage visuel cohérent a fait de lui une figure emblématique du street art et du graffiti contemporains. Il a débuté sa carrière par le graffiti et le collage d'affiches dans les paysages urbains, où il a développé une identité propre, centrée sur ses personnages emblématiques aux formes fluides. Au fil du temps, son style a évolué au-delà de la rue, investissant le monde des beaux-arts, des objets de collection et des installations de grande envergure. Malgré cette transition, son travail conserve une énergie brute et rebelle, reflétant les racines underground du graffiti tout en embrassant l'esthétique raffinée du pop art. Icônes dégoulinantes – L'esthétique classique et décalée en sérigraphie Drippy Icons prolonge directement l'univers Melty Misfit de Buff Monster, une série devenue emblématique de son identité artistique. Le monstre borgne central, avec ses coulures exagérées et ses textures gluantes, incarne son langage visuel caractéristique. La superposition méticuleuse d'encre lors de la sérigraphie renforce la dimension tactile de l'œuvre, la transformant en une expérience physique. Son format de 45,7 x 61 cm offre une immersion totale, captivant le regard par la fluidité de la composition. L'utilisation de pigments néon à fort contraste et de contours épais crée une intensité graphique qui évoque à la fois les bandes dessinées vintage et l'esthétique du graffiti classique. Cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art : elle témoigne de l'exploration constante que Buff Monster mène autour de la couleur, de la forme et d'un chaos ludique. L'influence de Buff Monster sur le graffiti moderne et le pop art L'œuvre de Buff Monster a profondément marqué la culture graffiti et le monde de l'art en général. Sa capacité à fusionner les techniques des beaux-arts avec l'énergie du street art lui a valu des collaborations avec de grandes marques, des expositions en galerie et des installations publiques à travers le monde. Son art repousse sans cesse les limites, prouvant que le Street Pop Art et le graffiti peuvent s'épanouir dans des espaces variés sans perdre leur authenticité. « Drippy Icons » est bien plus qu'une simple estampe : c'est le reflet d'un mouvement qui célèbre la fusion de la culture urbaine, du surréalisme pop et du design contemporain. En rendant son travail accessible tout en préservant l'impact brut du graffiti, Buff Monster garantit la pérennité de son influence et le statut d'œuvre de collection de sa vision. Cette sérigraphie en édition limitée témoigne de son engagement envers le savoir-faire artisanal et de sa capacité à transposer le street art en beaux-arts sans en altérer l'essence.

Lis Plus Moins

Sérigraphie « Barbe à papa nocturne » par Dalek - James Marshall, tirée à la main, 14 couleurs sur papier cartonné kraft « Barbe à papa française », édition limitée. Édition limitée 2023, signée et numérotée, à 15 exemplaires. Œuvre d'art 18x24, sérigraphie « Barbe à papa nocturne ». Sérigraphie « Barbe à papa nocturne » par Dalek – James Marshall Dalek, pseudonyme de l'artiste américain James Marshall, revient avec une symphonie de géométrie et de couleurs éclatantes dans « Night Time Cotton Candy », une sérigraphie de 2023 réalisée avec une précision artisanale méticuleuse. Imprimée sur papier kraft French Cotton Candy et mesurant 45,7 x 61 cm, cette édition limitée à 15 exemplaires est signée et numérotée par l'artiste. L'estampe déploie une explosion joyeuse de couleurs saturées, dominée par les emblématiques Space Monkeys de Dalek, qui apparaissent comme des avatars mécanisés de l'énergie urbaine et une critique de la société de consommation. L'hyperstructure rencontre le chaos ludique « Barbe à papa nocturne » est un exemple saisissant de complexité visuelle. Composée de 14 écrans imprimés individuellement, la composition se déploie comme un plan futuriste mêlé à une iconographie enfantine. Les singes de l'espace de Dalek marchent et flottent à travers des couches de cercles concentriques, d'appendices mécaniques et de gadgets rétro-futuristes. Cette symphonie visuelle est rendue dans une palette vibrante de roses bonbon, de bleus turquoise éclatants, de jaunes fluo et de noirs profonds. La base couleur barbe à papa confère à l'ensemble une lueur surréaliste, comme si la scène se déroulait à la périphérie d'un rêve illuminé au néon. Malgré l'exubérance enfantine des personnages et de la palette, l'agencement architectural et le mouvement robotique véhiculent des thèmes de précision et de répétition. L'effet global est un commentaire sur le rythme, la routine et les aspects mécaniques de la vie moderne, voilé par la douce esthétique de la joie sucrée. Dalek exploite les dualités de la mignonnerie et du contrôle, du chaos et de la symétrie, créant une tension esthétique qui élève l'estampe au-delà de la simple abstraction décorative. Discipline technique dans l'atelier d'impression La sérigraphie à ce niveau exige une maîtrise absolue. Chacune des 14 couches de couleur doit s'aligner avec une précision chirurgicale, surtout dans une œuvre aussi complexe et minutieusement composée. La superposition nette des lignes précises, des aplats et des dégradés révèle la maîtrise de Dalek, non seulement en tant que designer, mais aussi en tant que technicien. Le papier kraft « Barbe à papa » utilisé comme support renforce l'harmonie visuelle, offrant une teinte douce qui complète les pigments vibrants sans les masquer. La surface est lisse, l'impression est saturée sans être saturée, et chaque section interagit comme les rouages ​​d'une sculpture cinétique. Le procédé reflète le respect fondamental de l'artiste de graffiti pour la précision et le rythme, réinterprété à travers le prisme du street art, du pop art et du graffiti. Philosophie visuelle et attrait de collection des Daleks L'héritage artistique de James Marshall puise ses racines dans le langage du street art, du psychédélisme, de l'anime et des formes mathématiques. « Night Time Cotton Candy » est une méditation aboutie sur ces sources. L'œuvre évoque un remix d'affiches de rave old-school, de graphismes de l'ère Atari et d'illustrations mécaniques, transformé en un objet d'art de collection. Le personnage du Singe de l'Espace est plus qu'une mascotte : c'est un vecteur culturel, évoquant les cycles de l'identité, la surcharge médiatique et l'hyperstimulation. Tirée à seulement 15 exemplaires, cette pièce est une acquisition rare et précieuse. Pour les collectionneurs, elle représente non seulement un instantané du style visuel emblématique de Dalek, mais aussi une illustration du point de rencontre entre le street art et le surréalisme pop sur le marché actuel. « Night Time Cotton Candy » incarne une éthique de critique ludique, réalisée avec la rigueur d'un maître graveur.

Lis Plus Moins

L'œuvre d'art « Guerrier triomphant », tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste moderne Buff Monster. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces. « Le Guerrier Triomphant » témoigne du style unique de Buff Monster, à la croisée du pop art et du street art, sublimé par une édition limitée de tirage giclée sur papier d'art. Cette œuvre de 2012 se détache sur un paysage stylisé et épuré, mettant en scène un personnage rose borgne, évoquant une glace à l'italienne, triomphant d'un dragon vaincu. Ce tirage de 61 x 61 cm fait partie d'une série limitée à seulement 50 exemplaires signés et numérotés, ce qui renforce sa valeur et son attrait pour les collectionneurs. L'œuvre de Buff Monster se caractérise souvent par ses couleurs vives et éclatantes et ses thèmes fantaisistes. Elle puise son inspiration dans diverses influences culturelles, notamment le kawaii japonais (un style qui met l'accent sur la mignonnerie), le graffiti et l'imagerie des dessins animés américains classiques. Dans « Le Guerrier Triomphant », ces éléments sont pleinement présents : la teinte rose du personnage principal tranche avec le fond discret, attirant immédiatement le regard. Cette scène détourne avec humour le thème classique du chevalier terrassant un dragon, en le remplaçant par une créature espiègle, presque enfantine, brandissant une lance ornée d'une cerise. Cette œuvre capture non seulement l'utilisation emblématique du rose par Buff Monster, mais intègre également son motif récurrent de l'œil, créant ainsi une signature visuelle immédiatement reconnaissable. La technologie d'impression giclée garantit une reproduction haute fidélité de chaque détail, de la brillance de la tête de la créature aux motifs complexes du dragon vaincu. Le papier beaux-arts offre un support idéal, assurant à chaque tirage la préservation de l'impact visuel de l'œuvre originale. En proposant « Le Guerrier Triomphant » en édition limitée, Buff Monster crée un sentiment d'urgence et d'exclusivité autour de l'œuvre, principes souvent présents dans le street art, où la nature éphémère du médium fait partie intégrante de son charme. Les collectionneurs de cette pièce acquièrent non seulement un fragment de l'univers de Buff Monster, mais participent également au dialogue entre la nature transitoire du street art et la pérennité des estampes d'art. Cette œuvre incarne la rébellion ludique qui est au cœur de l'expression artistique de Buff Monster, incarnant un esprit triomphant à la fois fantaisiste et héroïque.

Lis Plus Moins

Origine des espèces et évolution, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne Ziero Muko. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

Lis Plus Moins

Travaillez bien ensemble - Sculpture en bombe de peinture rose en édition limitée, œuvre de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

Lis Plus Moins

Mr Dob, une sculpture d'art en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste de la culture pop japonaise Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Édition limitée 2017 à 400 exemplaires Complexcon x BAITx Takashi Murakami 10 3/5 × 13 2/5 × 10 1/5 pouces Neuf en boîte. Mr. Dob, une sculpture en vinyle de Takashi Murakami : expression maximaliste du street art pop et du graffiti. « Mr. Dob A » est une sculpture en vinyle en édition limitée de 2017, créée par Takashi Murakami en collaboration avec BAIT et présentée lors de la ComplexCon. Cette pièce de collection, limitée à 400 exemplaires, mesure environ 27 x 34 x 26 cm et est livrée dans sa boîte d'origine ornée d'une illustration originale de Murakami. La sculpture représente Mr. Dob, personnage récurrent de l'artiste, reproduit en vinyle brillant avec une richesse de détails, de motifs et de couleurs impressionnante. Avec ses tentacules démesurés, ses yeux tournoyants, ses dents acérées aux reflets arc-en-ciel et son design hypnotique, « Mr. Dob A » incarne l'esthétique Superflat de Murakami et son exploration des excès de la culture pop contemporaine. Elle représente une convergence majeure entre l'art japonais, le spectacle de consommation et l'énergie visuelle audacieuse du Street Pop Art et du graffiti. Conception, symbolisme et technique sculpturale Cette sculpture de Mr. Dob A est à la fois fantastique et menaçante. Sa gueule béante est un vortex arc-en-ciel caverneux, cerné de dents triangulaires colorées, tandis que ses tentacules, semblables à ceux d'une pieuvre, s'enroulent autour, chacun orné de motifs d'yeux et de formes concentriques. Avec ses oreilles en spirale et ses yeux exorbités, le personnage oscille entre le kawaii et le kaiju, l'innocence et la menace. La finition brillante reflète l'obsession de Murakami pour la perfection polie, un clin d'œil à l'industrie du jouet et à la netteté de la production d'anime. Chaque courbe est intentionnelle, exagérée et imprégnée de chaos. La précision du moulage en vinyle et de la peinture transforme l'œuvre en bien plus qu'un simple jouet : c'est un objet d'art surréaliste, produit avec l'exactitude d'un article de créateur, mais vibrant d'une anarchie visuelle. Mr. Dob n'est pas une simple mascotte, mais une figure en constante évolution qui symbolise la collision entre les médias de masse, la mythologie et une folie personnelle. Le rôle culturel et l'influence de Takashi Murakami au niveau de la rue Takashi Murakami, né au Japon en 1962, est internationalement reconnu pour sa capacité à fusionner art et culture commerciale en un seul cadre visuel. Son concept emblématique, le Superflat, fusionne la peinture traditionnelle japonaise avec le consumérisme d'après-guerre, l'anime et la culture otaku. Mr. Dob est l'un des premiers et des plus importants personnages de Murakami ; il est à la fois un alter ego et une critique de la saturation culturelle. L'édition Mr. Dob A reflète le lien de Murakami avec les foires d'art contemporain et le phénomène de collection urbain, et a été présentée en avant-première à ComplexCon, un marché où se mêlent mode, art et culture hype. Dans l'univers du street art et du graffiti, l'œuvre de Murakami fait office de portail où tradition et rupture coexistent, et où des figures comme Mr. Dob deviennent à la fois symboles et produits d'une identité visuelle mondiale. Édition vinyle limitée en tant qu'objet de collection d'art Chaque sculpture Mr. Dob A est présentée dans un coffret sur mesure qui reflète l'expression du personnage, rendue en caractères vectoriels audacieux sur toutes ses surfaces. L'emballage et la figurine sont indissociables et forment un tout. Tirée à seulement 400 exemplaires, l'œuvre occupe une place à part, entre objet commercial et artefact culturel. Contrairement aux figurines en vinyle produites en masse, cette édition s'inscrit dans la lignée de l'art conceptuel et de la stratégie de collection de Murakami. Sa présence dans les galeries, les collections privées et les musées la place au cœur du débat plus large sur la place du jouet dans les beaux-arts. Au sein de l'univers en pleine expansion du Street Pop Art et du graffiti, Mr. Dob A se distingue comme une sculpture hybride : résolument expressive, autoréférentielle et à l'image d'un public international avide d'art mêlant spectacle, subversion et dimension visuelle.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

Lis Plus Moins

Yeux de méduse noirs 1 Lithographie de Takashi Murakami TM/KK Tirage à la main sur papier d'art vergé Édition limitée Œuvre d'art graffiti street pop. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2004. Dimensions de l'œuvre : 19,75 x 19,75 pouces. Jellyfish Eyes Black 1 de Takashi Murakami – Une icône psychédélique du street art et du graffiti « Jellyfish Eyes Black 1 » est une lithographie en édition limitée, signée et numérotée, réalisée en 2004 par le célèbre artiste contemporain japonais Takashi Murakami. Mesurant 50,2 x 50,2 cm (19,75 x 19,75 pouces), elle a été tirée à 300 exemplaires. L'estampe présente une multitude d'yeux stylisés flottants, dotés d'appendices évoquant des méduses, sur un fond noir aux couleurs vibrantes et palpitantes. Les sphères concentriques et les cils fantaisistes forment une composition énigmatique, à la fois ludique et surréaliste, qui plonge le spectateur dans l'univers visuel immersif de Murakami. Cette œuvre illustre la capacité de l'artiste à fusionner l'esthétique traditionnelle japonaise avec la culture pop mondiale, insufflant une iconographie dynamique au domaine du street art et du graffiti. Le formalisme néo-pop rencontre le langage visuel subculturel Le design hypnotique de Jellyfish Eyes Black 1 témoigne de l'intérêt profond que Murakami porte à la répétition visuelle et au surréalisme pop. Chaque œil irradie des bandes concentriques rose fluo, bleu électrique, vert acide et or – des couleurs plus souvent associées à l'animation publicitaire, au design de jouets et aux graffitis qu'à la lithographie traditionnelle. Le fond noir intensifie la sensation de flottement de ces formes biomorphiques, transformant l'espace en un champ onirique de conscience suspendue. Les racines de Murakami dans la peinture Nihonga et les compositions de l'époque d'Edo transparaissent dans la fluidité et l'équilibre de l'agencement, tandis que la palette synthétique et la douceur numérique embrassent l'intensité commerciale de l'iconographie pop. Dans Street Pop Art & Graffiti Artwork, ce mélange d'ordre classique et de forme radicale affirme la place de Murakami comme historien et provocateur. Yeux, surveillance et psyché otaku Les yeux qui peuplent Jellyfish Eyes Black 1 ne sont pas passifs. Leur regard, d'une présence troublante, crée une tension dynamique entre l'observateur et l'observé. Ce motif reflète l'exploration fréquente par Murakami de la culture otaku, du capitalisme de surveillance et du regard consumériste. Ces yeux sont à la fois ludiques, voire mignons, mais aussi obsessionnels, intrusifs et d'une surveillance constante. Certains semblent innocents ; d'autres présentent des pupilles concentriques superposées et des rétines satellites. Cette multiplicité reflète la fragmentation de l'identité dans la vie numérique et urbaine. Dans le champ plus large du Street Pop Art et du graffiti, ces yeux fonctionnent comme des symboles populaires : des icônes qui divertissent, perturbent et invitent à une analyse plus approfondie. Takashi Murakami et l'héritage du superflat dans l'art urbain L'influence de Takashi Murakami sur les beaux-arts et la culture urbaine est indéniable. Avec sa théorie du Superflat, il a élaboré un cadre permettant d'abolir les frontières entre culture populaire et savante, art ancien et hypermoderne, peinture traditionnelle et immédiateté visuelle inspirée du graffiti. Jellyfish Eyes Black 1 s'inscrit dans cette lignée comme une œuvre à la fois de collection, culturelle et d'une simplicité subversive. La lithographie rend hommage à l'histoire de l'estampe en édition limitée, tandis que son esthétique reste ancrée dans le langage saturé des médias de masse et de la culture jeune. Alors que le Street Pop Art et le graffiti continuent d'évoluer à l'échelle mondiale, l'œuvre de Murakami offre un aperçu de la manière dont les codes visuels japonais, les motifs d'anime et les traitements de surface psychédéliques peuvent coexister avec l'expressivité brute des formes d'art nées dans la rue. Jellyfish Eyes Black 1 ne se prête pas à la traduction : elle nous fixe du regard, luisant dans l'obscurité, nous invitant à ressentir.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Gold Rush - Sculpture en bombe de peinture rose en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la pop culture Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

Lis Plus Moins

Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Continuous Thunder sur papier beaux-arts 310 g/m² par Malt Graffiti Street Artist, art pop moderne. « Cette œuvre raconte la quête pour combler le vide intérieur laissé par la perte d'un être cher. Comme le dit l'adage, le temps guérit toutes les blessures, mais en attendant, c'est un véritable ouragan. J'ai tendance à travailler par séries de combinaisons de couleurs, généralement par trois. Cette série en est un exemple. L'idée naît comme pour la plupart de mes œuvres : je pose le fond et je contemple longuement. Ensuite, je détermine la direction que je souhaite donner à l'ensemble. Ici, il s'agit d'une sorte de motif en « X ». Je voulais créer une sorte de marelle avec les bordeaux et les roses sur les gris, et les gris sur les bordeaux et les roses. Outre les estampes et la peinture originale, deux petites œuvres complémentaires sont disponibles pour cette édition. » – Malt

Lis Plus Moins

He-Man & Battle Cat, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Madsaki x MOTU. En 2020, Madsaki et Mattel Creations se sont associés pour créer ces figurines exclusives Madsaki x Masters of the Universe HE-MAN et BATTLE CAT. La sculpture mesure 42,5 cm de haut. MADSAKI et MATTEL CREATIONS s'associent pour créer cette pièce exclusive et iconique : une réplique miniature de la sculpture monumentale HE-MAN® et BATTLE CAT® qui avait captivé les fans et les critiques d'art lors de l'exposition solo « 1984 » de MADSAKI à la galerie Kaikai Kiki de Tokyo en 2020. Mesurant 43 cm de haut et sculptée dans un style cartoon des années 80, rehaussée d'une profusion de graffitis urbains contemporains époustouflants, cette sculpture présente fièrement le héros le plus célèbre d'Eternia, HE-MAN, et le féroce BATTLE CAT®, brouillant ainsi les frontières entre jouet et œuvre d'art. Chaque sculpture est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé à la main par MADSAKI et de gants blancs pour en prendre soin. Livrée en boîte. MADSAKI x MOTU – He-Man et Battle Cat dans un style pop art et graffiti. La sculpture en vinyle en édition limitée He-Man & Battle Cat de MADSAKI, produite en collaboration avec Mattel Creations en 2020, est une fusion saisissante de nostalgie, de culture pop et de rébellion urbaine – une contribution incontournable au monde du street art et du graffiti. Initialement dévoilée comme pièce maîtresse de l'exposition personnelle de MADSAKI en 1984 à la galerie Kaikai Kiki de Tokyo, cette version réduite de 43 cm (17 pouces) capture l'énergie débordante de son homologue monumentale tout en offrant une dose explosive d'absurdité cartoon des années 80, rendue dans un style coloré et audacieux, typique du graffiti. Avec le vert fluorescent, le rose électrique et l'orange vif comme palette dominante, l'œuvre transforme deux des personnages les plus emblématiques de la franchise Les Maîtres de l'Univers – He-Man et Battle Cat – en figures de street art contemporaines. Bien plus qu'un simple hommage, la version de MADSAKI réinvente ces personnages comme des avatars de la mythologie pop, filtrés par le regard d'un graffeur. L'armement, l'armure et la pose restent fidèles à l'esthétique de l'animation originale, mais les couleurs exagérées et le style de peinture chaotique propulsent cette œuvre d'art dans un nouveau domaine où coexistent les beaux-arts, les objets de collection en vinyle et la sensibilité graffiti. La nostalgie instrumentalisée dans les néons urbains La démarche de MADSAKI s'enracine dans la culture du remix, pierre angulaire du Street Pop Art. En s'appropriant le langage visuel de l'enfance – Musclor étant l'un des héros animés les plus emblématiques des années 1980 – et en le soumettant à la distorsion visuelle de la saturation néon et des contours agressifs, il transforme le kitsch en critique. Il ne s'agit pas simplement de se souvenir des dessins animés du samedi matin, mais de faire de ces souvenirs une arme et d'examiner comment le divertissement commercial a façonné l'identité, la masculinité et le fantasme dans la culture capitaliste tardive. Battle Cat, habituellement symbole de force et d'énergie brute et primitive, devient une bête imbibée de néon, incarnation de l'absurdité postmoderne, vêtue de rose shocking et de vert radioactif. MADSAKI le métamorphose d'une bête de guerre en un monument codé par graffiti, symbole de l'excès culturel. Musclor, brandissant toujours son épée, ressemble moins à un défenseur héroïque qu'à un gladiateur psychédélique issu de l'inconscient d'un artiste de rue nourri aux VHS et à l'ironie. De la toile au vinyle : la mutation street pop de MADSAKI MADSAKI est un habitué des réinterprétations d'icônes. Reconnu pour ses versions expressives de chefs-d'œuvre occidentaux et de personnages de manga, il fusionne l'esthétique urbaine japonaise avec l'héritage du graffiti new-yorkais. Sa collaboration avec Mattel sur la sculpture en vinyle représente l'évolution naturelle du Street Pop Art : là où les murs des galeries rencontrent les étagères des collectionneurs, et où la nostalgie, loin d'être passive, se radicalise. Cette figurine brouille les frontières entre sculpture et installation urbaine. Le choix des couleurs évoque l'esthétique des bombes de peinture, et les surfaces brillantes rappellent le raffinement des fresques murales en vinyle et du design des jouets. À l'instar de KAWS, Sket-One ou Ron English, MADSAKI prouve que le vinyle sculptural peut être un moyen de confrontation, et non un simple objet de consommation. La figurine est livrée avec un certificat signé à la main et des gants de présentation, renforçant ainsi son statut d'œuvre d'art et d'artefact culturel. La place de MADSAKI dans le canon du graffiti-pop L'œuvre de MADSAKI, He-Man & Battle Cat, est une pièce maîtresse du street art et du graffiti contemporains. Elle allie satire, précision technique, attrait pour les collectionneurs et critique culturelle. Plutôt que de dissocier l'art du jouet ou le populaire du savant, MADSAKI fusionne toutes les catégories en une œuvre percutante qui remet en question la nostalgie du spectateur et ses conceptions de l'art. Cette sculpture n'est pas un simple clin d'œil aux fans : c'est une véritable subversion. Elle transforme les héros de l'enfance en avatars fluorescents de l'identité postmoderne, rendus dans le chaos chromatique du langage graffiti. En insufflant l'esprit de la rue dans l'enveloppe plastique des icônes pop mondiales, MADSAKI s'impose comme l'un des artistes qui redéfinissent la culture visuelle, un coup de spray, une sculpture et un cri à la fois.

Lis Plus Moins

Snoopy Bad INC est un artiste de graffiti original utilisant différentes techniques mixtes — du pop art moderne sur de véritables panneaux de signalisation métalliques Sonic Bad. Œuvre originale signée de 2015, technique mixte à la bombe aérosol sur panneau de sécurité en métal. Sonic BAD INC Snoopy Bad INC. Dimensions : 14 x 10 pouces. Représentation de Peanuts, Red Baron, Snoopy et Woodstock Bomber. Style graffiti stylisé : Snoopy tenant un pistolet, une caméra de sécurité et un bonhomme de neige. L'iconographie unique de Sonic Bad : Snoopy Bad INC. « Snoopy Bad INC » de Sonic Bad est une œuvre saisissante qui fusionne l'univers des personnages classiques de la bande dessinée avec l'esthétique brute du street art, révélant le talent de l'artiste pour mêler références à la pop culture et esthétique urbaine. Réalisée en 2015, cette œuvre mixte sur métal utilise la peinture aérosol pour insuffler une vie vibrante à un panneau de sécurité autrement banal. Mesurant 35,5 x 25,5 cm, cette œuvre originale signée présente une version revisitée des personnages emblématiques de Peanuts, Snoopy et Woodstock, réinventés en icônes rebelles dans une interprétation graffiti stylisée. Interpréter les récits de rue à travers le prisme de la culture populaire Sonic Bad, artiste reconnu pour repousser les limites du pop art urbain, imprègne « Snoopy Bad INC » de multiples significations. En représentant Snoopy le Baron Rouge et un poseur de bombes, Woodstock tenant un pistolet, juxtaposés à une caméra de surveillance et un bonhomme de neige, l'œuvre interroge l'État de surveillance et la perte d'innocence dans la société contemporaine. L'imagerie ludique contraste avec le message sous-jacent sur la sécurité, la surveillance et la militarisation du quotidien. La transformation de figures familières et rassurantes en agents de l'anarchie ou de la résistance est un thème récurrent du pop art et du graffiti modernes, où la recontextualisation d'images connues remet en question les perceptions et les attentes des spectateurs. La représentation de Sonic Bad invite à réfléchir à la manière dont l'innocence et l'insouciance peuvent être perverties par le contrôle et la violence de la société. Commentaire sur la fabrication de toiles et de métaux Le choix d'un panneau de signalisation métallique comme support pour « Snoopy Bad INC » est particulièrement significatif, suggérant une subversion de l'autorité et une appropriation de l'espace public généralement dévolu à ces panneaux. L'adaptation par Sonic Bad de ce symbole conçu pour réguler et avertir, en une œuvre d'art, souligne une reconquête du pouvoir d'agir, transformant un outil de contrôle en un moyen d'expression libre. L'utilisation de techniques mixtes dans « Snoopy Bad INC » met en lumière la polyvalence de Sonic Bad en tant qu'artiste. La peinture aérosol, élément incontournable du graffiti, confère à l'œuvre une dimension urbaine. Parallèlement, l'intégration d'autres matériaux ajoute texture et profondeur, créant une œuvre visuellement saisissante et qui invite à la réflexion. Cette œuvre témoigne du pouvoir du street art de transformer les objets et icônes du quotidien en messages profonds. L'évolution artistique et l'impact de Sonic Bad « Snoopy Bad INC » illustre l'évolution artistique de Sonic Bad et son impact sur le street art et le graffiti. Son talent pour fusionner culture populaire, esthétique du street art et critique sociale le place parmi les figures majeures du genre, capable de susciter le débat et de remettre en question les normes sociales. Cette œuvre est un ajout vibrant au discours du street art, témoignant de la capacité d'adaptation et d'évolution de ce genre. Le travail de Sonic Bad, à travers des pièces comme « Snoopy Bad INC », continue d'influencer et d'inspirer, assurant la pertinence et la vitalité du street art dans un paysage culturel en constante mutation. L'héritage de cet art réside dans sa capacité à interpeller, à provoquer et à perdurer, à l'image de l'artiste qui le crée.

Lis Plus Moins

Punk Skunk - Tie-Dyed Rainbow - Figurine de collection en vinyle, édition limitée moyenne, œuvre d'art de Ron English, graffeur de rue - POPaganda x SFBI Originals. Punk Skunk - Tie-Dyed Rainbow - Figurine moyenne par SFBI Originals x Ron English - POPaganda. La figurine mesure environ 20 à 23 cm de haut.

Lis Plus Moins

Achetez l'art de la sérigraphie ovale 24 couleurs tirée à la main de Rowhouse sur du papier Mohawk Superfine UltraWhite par Pop Street Artist Pose - Jordan Nickel Limited Edition. 2022 Signé & Numéroté Edition Limitée de 75 Oeuvre Taille 18x30 Bord ovale à la main

Lis Plus Moins

JP Money Bear, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue King Saladeen. Boîte d'affichage personnalisée de 25 cm de haut (10 pouces) avec illustrations et panneaux en mousse $ (édition 2021) « Bonjour, je suis JP l'Ours Argenté, inspiré par John « JP » Thompson, le meilleur ami du Roi Saladeen, décédé d'un cancer du cerveau en 2013. Il a été ma principale source de motivation pour prendre ma passion pour l'art au sérieux, et il n'a cessé de me répéter que j'étais un roi, même quand j'en doutais ! Ce n'est pas un jouet, c'est un morceau de ma vie, une des raisons pour lesquelles je crée et j'inspire les autres à donner le meilleur d'eux-mêmes. Il m'a montré les plus beaux moments de la vie et que, grâce au travail d'équipe et à la foi, tout est possible ! JP vit à jamais à travers mon art ! Exposé pour la toute première fois à la Complex Con, le 3 novembre 2018, jour de l'anniversaire de JP. Ceci est uniquement destiné à des fins de motivation et d'inspiration. Créons ensemble pour sortir de l'obscurité avec couleur, style et individualité. Aimez ce que vous faites. » – Roi Saladeen

Lis Plus Moins

Impression d'art sur papier buvard perforé « Nuages ​​pulvérisés » par El Pez, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2023. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey. Les impressions sur papier buvard constituent une forme d'art unique qui consiste à transférer de l'encre sur un papier buvard spécialement traité. Les impressions obtenues sont souvent abstraites et colorées, et peuvent être utilisées à des fins décoratives et artistiques variées. Pour créer une impression sur papier buvard, l'artiste prépare d'abord le papier en le traitant avec des produits chimiques qui augmentent son pouvoir absorbant et sa capacité à retenir l'encre ou le colorant. Ensuite, l'encre ou le colorant est appliqué sur le papier selon différentes techniques, telles que le coulage, le versement ou la pulvérisation. Le papier est laissé à sécher, puis l'impression obtenue est délicatement détachée du papier buvard. Des techniques d'impression d'archivage sont utilisées pour produire des reproductions de haute qualité de l'œuvre originale. Cela implique l'utilisation d'encres et de papiers de haute qualité, conçus pour durer longtemps sans se décolorer ni se détériorer. Les impressions d'archivage sont également résistantes à l'humidité et à la lumière du soleil, ce qui contribue à préserver l'œuvre pour les années à venir. Les impressions sur papier buvard peuvent être un excellent ajout à la décoration de toute maison ou bureau, et elles sont souvent utilisées comme une forme originale d'art mural. Elles sont également prisées des collectionneurs et des amateurs d'art, car chaque estampe est unique et ne peut jamais être reproduite à l'identique.

Lis Plus Moins

MC Supersized Camo - Bangkok Édition Limitée Vinyle Art Jouet de Collection Œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda x Mindstyle. 2021 Ron English - POPaganda x Mindstyle présente MC Supersized Camo. Chaque figurine représente une ville chinoise différente et arbore un motif camouflage unique. Hauteur : 20 cm. Signée à la main par Ron. Livrée avec une casquette et une carte. La collaboration entre Ron English-POPAganda et Mindstyle a donné naissance à une œuvre d'art de collection remarquable : la figurine MC Supersized Camo - Bangkok Limited Edition en vinyle. Cette pièce unique fait partie d'une série où chaque version rend hommage à une ville chinoise différente, en capturant son style camouflage unique. Du haut de ses 20 cm, la figurine reflète une fusion entre le pop art urbain et le graffiti, deux médiums où English a solidement établi son style. Ron English-POPAganda est réputé pour intégrer des icônes culturelles à son travail, en leur insufflant souvent une dimension subversive et satirique qui invite à repenser le quotidien. La MC Supersized Camo ne fait pas exception. Elle offre une critique et une parodie ludique du consumérisme, et plus particulièrement de la culture du fast-food, que English cible fréquemment dans son art. Le motif camouflage vibrant n'est pas qu'un choix esthétique ; il illustre la façon dont les icônes commerciales se fondent dans nos environnements urbains et notre conscience collective. Chaque figurine en vinyle de cette collection est signée à la main par Ron English-POPoganda, une touche personnelle très appréciée des collectionneurs et des amateurs de street art. L'édition Bangkok comprend des accessoires qui renforcent son attrait et sa valeur de collection : un chapeau et une carte, qui contribuent à son histoire et à son authenticité. Mindstyle, réputé pour la qualité de ses jouets design, garantit un savoir-faire qui sublime la vision artistique d'English. Ensemble, ils créent une pièce qui dépasse le simple jouet pour devenir une véritable œuvre d'art contemporain, à la croisée de l'imagerie commerciale et de la créativité urbaine. Les collectionneurs de ce type d'objets sauront apprécier l'importance de cette édition limitée, non seulement pour son esthétique, mais aussi pour le message culturel qu'elle véhicule, signature du travail d'English. Cette petite pièce incarne l'esprit du street art et du graffiti, et deviendra sans aucun doute un objet précieux pour les collectionneurs et les passionnés.

Lis Plus Moins

Marching Into Oblivion Collab Cut AP Silkscreen Print by KEF! Simon Rohlen x Dalek- James Marshall Artist Proof Handmade 15 Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Artwork & Graffiti. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée et marquée AP Tirage limité Format de l'œuvre 18x24 La complexité et la fusion des styles dans « Marching Into Oblivion » La sérigraphie collaborative « Marching Into Oblivion » illustre parfaitement la synergie entre deux figures emblématiques du street art et du graffiti : KEF! Simon Rohlen et Dalek - James Marshall. Cette épreuve d'artiste, tirée à la main en 15 couleurs, est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; elle est le fruit d'un dialogue intense entre artistes et entre différentes formes artistiques. Créée en 2022, cette édition limitée de 45,7 x 61 cm témoigne du savoir-faire méticuleux de la sérigraphie. Chaque couleur est appliquée couche par couche, exigeant un alignement précis et une vision claire de l'image finale. La mention « AP » indique qu'il s'agit d'une épreuve d'artiste, une pratique courante dans le monde de l'art où un petit nombre d'exemplaires sont tirés pour l'usage personnel de l'artiste avant le tirage de l'édition principale. Ces épreuves sont très recherchées par les collectionneurs pour leur rareté et la marque de l'approbation de l'artiste. La collaboration entre KEF! et Dalek réunit deux langages artistiques distincts. KEF!, connu pour ses lignes fluides et organiques qui créent des motifs paisibles et harmonieux, contraste avec les formes plus anguleuses et géométriques de Dalek, qui rappellent son personnage de Space Monkey. Cette fusion crée une dynamique qui est à la fois un régal pour les yeux et une exploration conceptuelle des styles des deux artistes. Analyse du langage visuel de « Marching Into Oblivion » Le titre de l'estampe, « Marching Into Oblivion » (Marcher vers l'oubli), suggère une progression vers une fin inconnue, peut-être inéluctable. Les éléments visuels créés par KEF! et Dalek manifestent ce thème à travers un paysage vibrant, presque hallucinatoire, qui semble palpiter de vie. L'œuvre représente le mouvement, l'énergie et l'interaction entre deux approches contrastées du street art et du graffiti. Le style caractéristique de KEF!, fait de tourbillons noirs et blancs, sous-tend la composition et sert de point d'ancrage visuel. Sur ce fond, les figures audacieuses et caricaturales de Dalek semblent marcher ou flotter, rendues dans des roses et des jaunes vifs qui semblent jaillir du papier. La juxtaposition des styles crée une impression de profondeur et de complexité tandis que le regard du spectateur parcourt les motifs et les personnages entrelacés. Importance et impact sur le street art contemporain L'estampe « Marching Into Oblivion » est remarquable par son attrait visuel et son incarnation du street art et du graffiti contemporains. Elle capture l'essence d'un mouvement qui transcende l'espace traditionnel des galeries, s'adressant à un public plus large et interagissant avec l'environnement urbain de manière directe et percutante. À la croisée du street art et du graffiti, cette œuvre met en lumière le potentiel de fertilisation croisée au sein du monde de l'art, où différents styles et perspectives peuvent se conjuguer pour créer une œuvre entièrement nouvelle et plus significative que la somme de ses parties. Elle remet en question les idées préconçues sur ce que peut être le street art, repoussant les limites du genre et ouvrant de nouvelles perspectives d'expression artistique. Dans le contexte de la scène artistique actuelle, « Marching Into Oblivion » constitue un exemple éloquent de la manière dont la collaboration et la diversité des techniques peuvent élever le street art à de nouveaux sommets. Elle témoigne de l'évolution constante de ce médium et de la capacité des artistes à s'y adapter et à innover. De ce fait, elle occupe une place de choix dans les collections des amateurs et constitue une source d'inspiration pour les artistes en devenir. Cette édition limitée, signée et marquée par les artistes, porte en elle l'essence créative de KEF! et Dalek, ainsi qu'un pan de l'histoire du street art. Collectionneurs et amateurs du genre reconnaissent la valeur de telles œuvres pour leur contribution esthétique et leur importance culturelle et historique. « Marching Into Oblivion » est un instantané d'un moment où deux artistes se sont associés pour créer une œuvre aussi belle que stimulante, un véritable reflet de la puissance et du potentiel du street art et du graffiti.

Lis Plus Moins

Rotations #1 Édition limitée Sérigraphie 5 couleurs sur papier beaux-arts d'archivage 140 lb par Tony Clough Artiste de rue graffiti Art pop moderne. « Ces deux estampes n'existent en réalité qu'en tant qu'originaux, mais elles ont été inspirées par ma récente obsession pour les carrés et autres formes géométriques simples. J'ai plusieurs peintures originales disponibles qui s'en rapprochent légèrement, mais elles sont beaucoup plus stylisées en termes de texture et de couleur. La plupart de mes œuvres sont purement esthétiques et non figuratives ; j'essaie de créer de l'art à partir de la texture et de la couleur jusqu'à ce que je sois convaincu que je pourrais l'accrocher à mon propre mur, en espérant que d'autres partagent mon goût. » – Tony Clough

Lis Plus Moins

Brut Graffiti Raw Original One of Kind Mixed Media Spray Paint Painting Artwork on Stretched Canvas by Street Art Pop Culture Artist DrNuse89. Peinture originale signée de 2022, format 9x3

Lis Plus Moins

Tirage giclée en édition limitée de Travis Scott sur papier d'art de qualité supérieure par Robert Bruno, artiste de rue de la contre-culture. Épreuve d'artiste AP. Le rappeur Travis Scott.

Lis Plus Moins

Behemoth The Doomlord Artwork Macabe Giclée en édition limitée sur papier aquarelle pressé à froid par l'artiste de graffiti pop culture Scarecrowoven. Imprimé avec des encres d'archivage sur papier aquarelle pressé à froid, édition signée et numérotée de 15 exemplaires. 15,25 x 36

Lis Plus Moins

Dunny Smoking Stoned Eye #3 Pink Kief Moon Custom Dunny Mini Nugs HPM Embellished Edition Dunny Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork by Street Artist Nugg Life NY- Ian Ziobrowski. 2022 1 sur 3 Dunny personnalisé de 3 pouces avec texture kief et accessoire pour joint.

Lis Plus Moins

Une Rose Rouge - Édition Limitée 2 Couleurs Sérigraphie Manipulée à la Main Technique Mixte Peinture au Spray sur Papier Aquarelle Fabriano 300 g/m² par Copyright Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « L'année dernière, j'ai fait une exposition qui a débuté le jour de la Saint-Valentin et qui s'intitulait « Une rose rouge pour toujours ». C'est une vieille phrase tirée d'un tatouage de Sailor Jerry. J'aime toujours revisiter et réinterpréter mes archives visuelles personnelles. Cette image est une réinterprétation d'une œuvre beaucoup plus grande que j'ai peinte il y a quelques années. Je me demande souvent : si mes peintures étaient des chansons, à quoi ressembleraient-elles ? Il m'arrive souvent d'écouter une chanson qui m'inspire une idée de tableau. Il suffit d'une phrase, ou parfois d'une émotion profonde que j'essaie de retranscrire en image, comme un musicien le ferait dans une chanson. » - Copyright

Lis Plus Moins

Billet de 100 dollars - Verso Édition limitée, peinture à l'huile embellie à la main, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, de 1995. Œuvre de 34 x 15 pouces (86 x 38 cm) sur toile non tendue, en parfait état. Reproduction du verso d'un billet de 100 dollars américains des années 1990. Billet de 100 dollars - Verso - Édition limitée - Peinture à l'huile HPM - Sérigraphie sur toile, ornée à la main, par Steve Kaufman L'estampe sérigraphique sur toile « Revers du billet de 100 dollars » de Steve Kaufman est un exemple saisissant d'art urbain pop et de graffiti, capturant l'essence de la culture de consommation américaine et le symbolisme de la richesse. Créée en 1995, cette œuvre HPM (Hand-Painted Multiple), signée et numérotée, est rehaussée à la main à la peinture à l'huile et fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires. Mesurant 86 x 38 cm sur une toile non tendue, elle offre une réinterprétation visuellement captivante du verso d'un billet de 100 dollars américains des années 1990. L'approche singulière de Kaufman en matière d'estampe, combinée à son expérience du graffiti et de l'art pop moderne, fait de cette œuvre une contribution majeure au genre. L'influence de Steve Kaufman sur le pop art urbain Steve Kaufman, souvent désigné par ses initiales SAK, fut une figure majeure du street art contemporain. Ancien assistant d'Andy Warhol, Kaufman développa un style unique, mêlant iconographie commerciale et éléments peints à la main. Son œuvre s'articulait fréquemment autour des thèmes du capitalisme, de la production de masse et de l'identité américaine, utilisant des images reconnaissables telles que la monnaie, les célébrités et les produits de consommation. Cette pièce, représentant le verso d'un billet de 100 dollars, illustre parfaitement son talent pour sublimer les symboles du quotidien en œuvres d'art. En intégrant l'esthétique du graffiti aux techniques de sérigraphie, Kaufman a transformé les formes artistiques traditionnelles en une expression dynamique et en phase avec l'ère moderne. Sa capacité à fusionner la culture urbaine et les galeries d'art contemporain a fait de lui un trait d'union entre deux mondes artistiques. Cette estampe en édition limitée, aux couleurs riches et aux textures travaillées, perpétue son héritage de remise en question des notions conventionnelles de valeur, d'art et de commerce. Le symbolisme de l'argent dans le pop art moderne L'utilisation de la monnaie comme sujet dans le pop art moderne s'enracine profondément dans l'histoire, servant souvent de critique à la richesse, au pouvoir et aux valeurs sociétales. La représentation par Kaufman du verso du billet de 100 dollars s'empare d'un objet familier et le recontextualise par la couleur, l'échelle et une intervention artistique. La présence d'Independence Hall dans la composition est particulièrement significative, symbolisant la convergence de l'histoire américaine et de la culture de consommation contemporaine. Cette œuvre est bien plus qu'une simple reproduction de monnaie : elle devient une réflexion sur l'influence de la richesse et des systèmes financiers sur l'art et la vie quotidienne. Le choix de Kaufman d'embellir chaque tirage à la main ajoute une touche d'unicité, renforçant l'idée que même dans un monde régi par la production de masse, l'individualité et l'expression artistique demeurent essentielles. L'utilisation audacieuse de la couleur et du contraste amplifie l'impact visuel, faisant de ce tirage une œuvre marquante et un objet de collection. Une pièce de collection à l'impact durable Cette reproduction du verso d'un billet de 100 dollars occupe une place à part dans l'univers du street art et du graffiti en édition limitée. Livrée sur une toile non tendue, elle offre une grande flexibilité d'encadrement et d'exposition, permettant aux collectionneurs de la mettre en valeur selon leurs goûts. L'héritage de Kaufman, artiste novateur, perdure et ses œuvres sont très recherchées pour leur pertinence culturelle et leur attrait visuel. Pour les amateurs d'art et les collectionneurs qui apprécient la fusion du graffiti, de la culture pop et des beaux-arts, cette pièce est une puissante illustration de la vision de Kaufman. Elle incarne l'audace et la spontanéité du street art tout en restant profondément ancrée dans le récit plus large de l'histoire économique et artistique américaine.

Lis Plus Moins

Sculpture d'art en vinyle en édition limitée Mr Dob B, œuvre d'art de collection de l'artiste de la culture pop japonaise Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Édition limitée 2017 à 800 exemplaires Complexcon x BAITx Takashi Murakami 9x12x8 Parfait état, comme neuf, exposé avec sa boîte. Sculpture en vinyle de M. Dob B par Takashi Murakami : Chaos multicolore dans l’art pop urbain et le graffiti « Mr. Dob B » est une sculpture en vinyle en édition limitée de 2017, créée par l'artiste japonais Takashi Murakami en collaboration avec BAIT et éditée à 800 exemplaires lors de la ComplexCon. Mesurant environ 23 x 30 x 20 cm, cette pièce met en scène Mr. Dob, personnage emblématique de Murakami, une création hybride mêlant oreilles de souris, expression psychédélique et exubérante, et couleurs vibrantes. Présentée dans un coffret collector entièrement illustré, cette sculpture témoigne du talent de Murakami pour transposer le chaos visuel bidimensionnel en une forme tridimensionnelle tactile. L'œuvre incarne la convergence de l'esthétique superflat japonaise, de la culture otaku et de la sculpture d'art, s'inscrivant pleinement dans le langage et l'impact du street art et du graffiti. Évolution du design, des dimensions et des personnages Mr. Dob B est l'une des manifestations physiques les plus saisissantes de l'univers de Murakami. Sa mâchoire ouverte révèle un tourbillon interne de dents, de langues, d'arcs-en-ciel et de pointes. Ses yeux tourbillonnants, ses traits exagérés et ses membres tentaculaires transforment la figurine en un spectacle visuel qui défie les codes traditionnels du design de personnages. Réalisée en vinyle brillant à la finition acidulée, la sculpture impose sa présence et reflète la lumière comme une idole futuriste. Le mélange subtil de références pop, d'éléments de l'animation japonaise et de couleurs publicitaires propre à Murakami donne naissance à une forme à la fois festive et provocante. Cette version de Mr. Dob est une distillation physique de la surcharge visuelle souvent présente dans les peintures et les fresques de Murakami. C'est une figure à la fois familière et terrifiante, comique et agressive, qui fait référence à la culture kawaii tout en la subvertissant. L'influence de Takashi Murakami sur la sculpture de collection pop Takashi Murakami, né au Japon en 1962, est reconnu comme une figure majeure de l'art contemporain imprégné de pop culture. Son œuvre brouille les frontières entre culture savante et consumérisme, intégrant l'anime, la mode et le graffiti dans des expositions muséales et des collaborations commerciales. Mr. Dob, apparu au milieu des années 1990, est devenu l'un des motifs les plus emblématiques de Murakami : à la fois mascotte, avatar et critique du marketing. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, les sculptures en vinyle de Murakami font office d'icônes de la subversion de la société de consommation. Conçues pour être collectionnées, exposées et célébrées, elles recèlent les codes du marketing, de l'histoire de l'art et de la culture numérique. Avec la sortie de Mr. Dob B à ComplexCon – un événement commercial réputé pour son croisement entre streetwear, art et buzz –, Murakami a encore renforcé l'image de sa sculpture comme emblème du remix culturel et de l'accessibilité de l'art contemporain. Vinyle en édition limitée, véritable capsule temporelle de la culture pop L'édition 2017 de Mr. Dob B est présentée dans un coffret grand format entièrement imprimé, reflétant l'esthétique chaotique de la figurine. Chaque sculpture bénéficie d'une finition d'usine impeccable, avec une peinture soignée et des formes harmonieuses, évoquant le raffinement commercial des figurines de collection. Contrairement aux objets de collection grand public, cette figurine fait partie d'une édition limitée, gage d'exclusivité et d'intégrité artistique. La présence de Murakami à ComplexCon a marqué un tournant : l'art contemporain n'a pas seulement intégré le phénomène de mode, mais en est devenu un élément central. Dans le domaine du street art et du graffiti, cette édition se dresse comme une capsule temporelle de la culture visuelle : ludique, précise et pleinement consciente de son impact. Mr. Dob B n'est pas qu'une simple sculpture ; c'est une réflexion sur la saturation, le spectacle et l'évolution de la définition de l'art dans un monde saturé de médias.

Lis Plus Moins

Bouquet Iceman Icecream, œuvre d'art pop street, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signé au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 8,25 x 11,75. Inspiré de l'art du sable de Sunae.

Lis Plus Moins

Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

OG Sakura Canbot Canz Édition Limitée Jouet d'Art en Vinyle de Collection Œuvre d'Art par graffiti de rue Czee13. Le Canbot Canz est un concept original créé par Czee13, artiste de rue britannique de renommée internationale. Personnification d'une canette usagée, symbole de tristesse et d'amour, le Canbot Canz est la nouvelle figurine en vinyle idéale pour les artistes et les collectionneurs. La version Sakura est la dernière création de Czee13, déclinée dans un nouveau coloris. Le Canbot Canz incarne l'esprit de tristesse et d'amour inhérent à tout processus de création artistique. Mesurant 14 cm, il est doté d'un véritable hochet en forme de canette ! Édition limitée à 350 exemplaires.

Lis Plus Moins

Sérigraphie Night Time Manila Yellow par Dalek - James Marshall, imprimée à la main en 14 couleurs sur papier cartonné kraft jaune Manila français, édition limitée. Édition limitée 2023, signée et numérotée, à 15 exemplaires. Sérigraphie 18x24, « Nuit » , édition jaune Manille. Sérigraphie « Night Time Manila Yellow » par Dalek – James Marshall James Marshall, alias Dalek, révèle toute la richesse de son esthétique inimitable avec la sérigraphie « Night Time Manila Yellow » (2023). Tirée à seulement 15 exemplaires sur papier kraft jaune Manila, cette édition limitée mesure 45,7 x 61 cm. Chaque sérigraphie, réalisée à la main, utilise 14 couleurs soigneusement superposées pour créer une composition explosive et hypnotique, à la fois précise et ludique. Signée et numérotée par l'artiste, elle trouve sa place dans l'univers très prisé du street art, du pop art et du graffiti. Jeu mécanisé et symbolisme surréaliste Les figures emblématiques des Singes de l'Espace de Dalek restent au cœur de cette estampe, mais ici, elles se multiplient et s'entremêlent dans un monde de mécanismes robotiques, de formes foisonnantes et de structures superposées. « Jaune Manille Nuit » se présente comme une symphonie visuelle de saturation, où des éléments turquoise, fuchsia, jaune fluo et noirs se fondent les uns dans les autres sur une grille onirique. Les personnages manient maillets, lances et accessoires géométriques, chacun semblant absorbé par une tâche urgente. Ce sens de la chorégraphie et de l'automatisation visuelle transforme l'estampe en bien plus qu'une simple étude de personnages : c'est une scène élaborée de chaos organisé, à la frontière entre mémoire subconsciente et design futuriste. Précision des couleurs et de la structure La richesse de ce procédé de sérigraphie à 14 couleurs confère à l'œuvre une profondeur lumineuse et une présence tactile. L'utilisation par Dalek d'un papier cartonné jaune Manila comme support lui insuffle une sensibilité vintage plus chaleureuse, ancrant subtilement le chaos néon et cartoonesque qui domine sa surface. La superposition méticuleuse des couleurs témoigne de la rigueur technique de Dalek ainsi que de son engagement à produire des éditions de haute qualité. Des courbes audacieuses, des motifs circulaires répétitifs et des superpositions structurées donnent à l'œuvre un rythme mécanique, faisant écho aux stratégies visuelles de l'Op Art et du Constructivisme, mais réinterprétées à travers le prisme du Pop Art urbain. La théorie des couleurs rencontre le bruit urbain « Night Time Manila Yellow » s'impose comme un témoignage contemporain de l'évolution de la culture urbaine vers l'art de collection. L'œuvre de Dalek puise ses racines dans son immersion précoce dans le graffiti et l'iconographie punk, mais ici, son langage visuel a mûri pour donner naissance à des compositions architecturales complexes. L'utilisation de la saturation, de la répétition et de personnages robotiques propose une réflexion sur la technologie, l'identité et la consommation, sans pour autant tomber dans le didactisme. Le spectateur est libre d'interpréter l'orchestration des symboles selon ses propres termes. L'équilibre entre l'enthousiasme enfantin et la précision structurée fait de cette pièce un ajout captivant à la collection grandissante de sérigraphies très recherchées de Dalek. Avec son tirage limité, sa riche superposition de couleurs et son design frénétique, « Night Time Manila Yellow » est un exemple emblématique de la sérigraphie moderne à la croisée de la rébellion visuelle. C'est une estampe qui capte le regard et invite à l'exploration – une cartographie complexe et colorée de l'énergie, du contrôle et de la désintégration.

Lis Plus Moins

Figurine de collection en résine Police Grin HipHop Trooper, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda x Suckadelic. Figurine en résine de 9,5 cm (3,75 pouces), moulée et peinte à la main, sous blister. Numérotée sur 100 exemplaires. Édition limitée à 100 exemplaires.

Lis Plus Moins

Planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo - Édition limitée rose, illustration de la marque Supreme. SS21 2021 - La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo rouge arbore le logo classique de KAWS, déjà vu lors de sa précédente collaboration avec Supreme. Le logo s'étend sur toute la largeur de la planche et a été lancée le 18 février 2021, pour la saison printemps/été 2021 de Supreme. La fusion de la culture skate et de l'art dans la planche Supreme KAWS Chalk Logo La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo rose illustre à merveille la fusion entre culture urbaine et art contemporain. Fruit de la collaboration emblématique entre Supreme, marque phare du streetwear, et KAWS, artiste reconnu pour son influence sur le pop art et le graffiti, cette planche a été lancée le 18 février 2021 dans le cadre de la collection Printemps/Été 2021 de Supreme. Elle représente parfaitement l'alliance de la fonctionnalité et de l'art, signature des deux marques. La planche arbore le logo KAWS classique, un symbole devenu emblème du street art. Ce logo s'impose sur toute la largeur de la planche, transformant un skateboard ordinaire en une véritable toile d'expression artistique. La couleur rose apporte un contraste vibrant aux lignes noires du logo à la craie, jouant avec l'esthétique brute traditionnelle du street art en y insufflant une teinte à la fois ludique et saisissante. Art urbain pop et graffiti : collaboration entre Supreme et KAWS Cette collaboration dépasse le simple cadre commercial pour devenir une affirmation culturelle reflétant la dynamique du street art. Ce dernier se caractérise par l'intégration d'éléments de la culture populaire dans un art souvent accessible dans l'espace public. La planche de skate Supreme KAWS Chalk Logo Deck, que l'on retrouve dans la rue, dans les skateparks ou exposée comme une œuvre d'art, incarne les principes fondamentaux du street art en abolissant les frontières entre l'art « classique » et les objets du quotidien. Son édition limitée, lancée pour la saison printemps-été 2021, évoque la temporalité et l'exclusivité souvent mises en scène dans le street art et la mode. Cette planche de skate artistique capture l'esprit de son époque, faisant écho à l'exubérance juvénile et à l'énergie rebelle de la culture skate, tout en constituant un objet de collection précieux de par son design et sa signification culturelle. À travers cette initiative artistique, Supreme et KAWS mettent en lumière le potentiel du streetwear comme vecteur d'engagement critique et de discours artistique. La planche de skateboard devient un moyen de remettre en question les notions traditionnelles d'art et de public auquel il s'adresse, rendant ainsi un message accessible à un large éventail d'opinions. L'utilisation du rose dans ce contexte est particulièrement percutante, défiant les normes et les attentes liées au genre dans le monde du skateboard et la culture urbaine. La planche Supreme KAWS Chalk Logo rose n'est pas qu'un simple skateboard ; c'est une œuvre d'art pop urbaine qui capture l'essence de son époque. Elle témoigne du pouvoir de la collaboration entre les marques de streetwear et les artistes, ainsi que de la pertinence continue de l'art pop urbain et du graffiti dans la construction du paysage culturel.

Lis Plus Moins

Dieu est mort, mais...#13 Tirage d'archives par Hikari Shimoda Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste de rue, de graffiti pop. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 50 exemplaires, format 22 x 22 pouces, impression pigmentaire d'archives, édition limitée à 50 exemplaires (2023). La signification culturelle de « Dieu est mort, mais...#13 » de Hikari Shimoda L'œuvre visuelle d'Hikari Shimoda, « God Is Dead, But...#13 », dépeint un récit profond à travers le Street Pop Art et le graffiti. Tirage d'art en édition limitée sur papier Moab Entrada, cette pièce témoigne du talent de Shimoda pour fusionner l'esthétique de la pop culture et l'esprit du graffiti. Tirée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle souligne l'exclusivité et la valeur de collection de son travail. Mesurant 56 x 56 cm, l'œuvre impose le regard par sa taille et la force de son message. Le langage visuel de « Dieu est mort, mais… #13 » Cette œuvre est une exploration vibrante des récits émotionnels et sociaux complexes qui font la renommée de Shimoda. Elle met en scène une figure enfantine, motif récurrent dans son œuvre, sur un fond qui dégage une énergie à la fois onirique et troublante. Les yeux, grands et constellés de galaxies, suggèrent un univers de pensées et de sentiments au-delà de l'impact visuel immédiat. Ce symbolisme est caractéristique de la volonté du Street Pop Art de communiquer des significations profondes sous une surface visuellement accessible. L'utilisation de pigments d'archivage pour le tirage d'art garantit la préservation de la profondeur des couleurs et des détails, et donc de l'intensité émotionnelle de l'œuvre originale. L'intégration des idéaux du street art dans l'art moderne par Shimoda Dans « Dieu est mort, mais… n° 13 », Shimoda illustre comment le pop art urbain peut transcender les frontières du graffiti traditionnel pour accéder au domaine des beaux-arts. L’œuvre n’est pas seulement une représentation des réflexions intérieures de Shimoda, mais aussi un commentaire culturel qui reflète l’esprit du temps. Le titre lui-même, « Dieu est mort », fait écho aux méditations philosophiques de Friedrich Nietzsche, suggérant une société en proie à une profonde introspection existentielle. Ceci s’inscrit dans l’esprit du street art, qui s’intéresse souvent aux grands récits de l’existence et de l’identité au sein du paysage urbain. La résonance émotionnelle de l'estampe en édition limitée de Shimoda La résonance émotionnelle de cette œuvre est palpable. L'expression de l'enfant est ambiguë, oscillant entre l'innocence et une tristesse consciente qui évoque la perte de la certitude divine suggérée par le titre. Les larmes, telles des galaxies, évoquent le deuil de cette perte, ou peut-être un appel à une nouvelle forme de divinité ou d'espoir au sein du vide. Le choix d'un papier beaux-arts et la précision de la technique d'impression pigmentaire d'archivage confèrent une dimension durable à la nature éphémère du sujet, permettant à l'œuvre de s'imposer comme une icône pérenne du street art et du graffiti contemporains. Avec « Dieu est mort, mais… n° 13 », Shimoda affirme sa place dans le monde de l’art moderne, démontrant que le street art et le graffiti ont un rôle essentiel dans le discours artistique contemporain. Son estampe en édition limitée n’est pas seulement un objet de collection, mais une œuvre culturelle majeure qui incarne l’esprit de notre époque.

Lis Plus Moins

Ancien billet de 500 dollars - Édition limitée rouge, rehaussée à la main, peinture à l'huile, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti SAK, art pop moderne. Toile en édition limitée signée et numérotée de 2003, l'image est en parfait état — recto du billet de 500 dollars américains de 1934 représentant le président américain William McKinley. Dans le paysage vibrant du pop art contemporain, « Old 500 Dollar Bill - Red Limited Edition » s'impose comme une œuvre symbolique de Steve Kaufman, alias SAK. Figure emblématique du street art, Kaufman fusionne l'héritage de l'Amérique traditionnelle avec l'énergie du graffiti. Cette toile en édition limitée est une sérigraphie HPM à l'huile, rehaussée à la main, qui témoigne du goût de l'artiste pour les couleurs vives et les images percutantes. Créée en 2003, cette œuvre fait partie d'une série signée et numérotée, gage de son exclusivité et de sa valeur pour les collectionneurs. Elle représente le recto du billet de 500 dollars américains de 1934, avec le portrait du président William McKinley en son centre. L'interprétation de Kaufman insuffle une touche de modernité à ce symbole d'une importance économique ancestrale, juxtaposant la valeur historique du billet à la nature éphémère, souvent subversive, du street art. La toile est décrite comme étant en parfait état, ce qui suggère que la qualité de l'œuvre de Kaufman est préservée, permettant ainsi aux couleurs vives et aux détails complexes de ressortir pleinement. En réinterprétant la monnaie, un élément récurrent de la critique du consumérisme propre au pop art, l'œuvre de Kaufman témoigne du pouvoir transformateur de l'art sur le quotidien. Son utilisation de la sérigraphie s'inscrit dans la lignée des techniques des pionniers du pop art, tandis que la peinture à l'huile rehaussée à la main apporte une dimension tactile souvent présente dans les textures du street art. « Old 500 Dollar Bill - Red Limited Edition » de Steve Kaufman est un exemple frappant de street pop art qui fait le lien entre le respect de l'histoire et la critique contemporaine. C'est une œuvre qui capture l'esprit de son époque, reflétant la valeur et le symbolisme de l'argent à travers le regard d'un artiste aussi à l'aise avec une bombe aérosol qu'avec un pinceau.

Lis Plus Moins