Chère maman, composition sur papier - Édition limitée 5 couleurs, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue graffiti, pop art moderne. 2021 Édition limitée signée et numérotée à 75 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 22 x 26 pouces. Chère Maman - Édition Papier à 75 exemplaires + 7 épreuves d'artiste (EA) - 66,04 × 55,88 cm (26 × 22 po) - Bords déchirés à la main - Certificat d'authenticité signé et imprimé avec le pouce. Pour célébrer toutes les mères du monde, nous sommes ravis d'annoncer la sortie de cette édition en deux parties, signée par Mr. Brainwash. « Chère Maman » présente un design empreint de nostalgie, avec des mots manuscrits adressés à maman sur papier ligné ou cahier de composition. Chaque version est une sérigraphie 5 couleurs.

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« Coucher de soleil au moulin », œuvre d'art en édition limitée (impression giclée) sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Nicole Gustafsson.

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Sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs (rose et vert fluorescents) sur papier cartonné blanc coton de qualité archive, par Matt Goldman (MFG). Artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le style que j'ai développé pour mes estampes, inspiré par la complexité graphique et l'iconographie macabre du Jour des Morts, se caractérise par des visuels ornés de gouttes de couleur en suspension. Les encres fluorescentes et le papier blanc éclatant sont conçus pour briller sous lumière noire tout en conservant une belle luminosité à la lumière du jour. Encadrement idéal : cadre noir opaque de 2,5 cm. – MFG – Matt Goldman Sérigraphie 9 x 6,75 pouces, rose et vert fluorescents, sur papier cartonné blanc coton de qualité archive. Édition limitée à 80 exemplaires, sortie en 2008. Signée et numérotée par le fabricant, Matt Goldman.

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Achetez Emotions - Orange Stencil 2-Color Silkscreen Limited Edition Art sur papier Fine Art par l'artiste Aiko Contemporary Pop Artwork. 2020 Signé et numéroté à la main au pochoir édition limitée de 20 œuvres d'art taille 20 x 24 "Entre hommes et femmes, nous nous disputons depuis longtemps sur l'égalité et les choses sont peut-être beaucoup plus confortables maintenant, et les nouvelles générations semblent avoir de meilleures idées. Le sujet a beaucoup changé depuis l'époque de nos grands-parents ou même avant. Pourtant, les femmes et les minorités sont toujours confrontées à des obstacles que nous devons aider à résoudre : l'éducation, les opportunités d'emploi et la santé. J'espère que la chance de vivre équitablement est donnée à tout le monde et que tout le monde peut saisir le jour." -AIKO

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Tapis Cactus Jack pour Fragment Imagination, édition limitée, objet d'art de collection, œuvre d'art du graffeur de rue Travis Scott. Produit neuf de 2021, jamais exposé

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Melty Misfit Eye Drip - Sculpture en bombe de peinture rose/jaune HPM ornée, œuvre d'art de l'artiste moderne emblématique de la culture pop Buff Monster. Édition limitée signée 2022 de 75 exemplaires HPM sérigraphiés et peints à la bombe, embellis à la main. Chaque HPM est unique, présenté dans une boîte sérigraphiée et livré avec sa boîte. La vision artistique de Buff Monster La sculpture « Melty Misfit Eye Drip », réalisée à partir d'une bombe de peinture HPM rose et jaune, est une œuvre marquante de Buff Monster, artiste ayant profondément influencé le street art et le graffiti. Reconnu pour son esthétique iconique et vibrante, puisant abondamment dans la culture pop, Buff Monster se distingue par son mélange unique de thèmes ludiques et de commentaires incisifs. Cette pièce fait partie d'une édition limitée et signée à 75 exemplaires, ce qui en fait un objet de collection très recherché. « Melty Misfit Eye Drip » est un véritable régal pour les yeux, combinant la passion de l'artiste pour les couleurs vives et les images de matière en fusion, devenues sa signature. La bombe de peinture, outil fondamental du graffeur, est transformée en une toile, ornée à la main de sérigraphie et de peinture aérosol, créant ainsi une œuvre à la fois sculpture et peinture. Les teintes roses et jaunes évoquent un univers ludique, presque sucré, tandis que l'effet de coulure ajoute de la profondeur, suggérant l'inéluctable fusion du temps et de la matière. Technique et présentation Chaque bombe aérosol est ornée à la main, témoignant de l'engagement de Buff Monster envers le savoir-faire artisanal et l'individualité au sein de la série. HPM, ou Hand-Painted Multiple (peinte à la main), indique que si les bombes partagent un design standard, chacune présente des variations uniques, fruit du travail de l'artiste. Cette méthode de création brouille la frontière entre production de masse et art d'exception. Accompagnée d'un coffret sérigraphié reprenant les éléments graphiques de la bombe, l'œuvre est conçue pour être exposée comme un ensemble, renforçant ainsi son aspect sculptural. Reflet de la culture du street art La série « Melty Misfit Eye Drip » reflète l'essence même de la culture du street art, qui met souvent l'accent sur l'accessibilité, l'engagement communautaire et l'esprit du « faire soi-même ». L'œuvre de Buff Monster illustre parfaitement ces principes, faisant entrer l'esprit du street art dans les collections privées. En utilisant la bombe de peinture comme médium, Buff Monster rend hommage aux origines du graffiti tout en l'élevant au rang d'œuvre de collection, appréciable au-delà de la nature éphémère du street art. Collectibilité et impact La valeur de collection de l'œuvre « Melty Misfit Eye Drip » de Buff Monster, réalisée à la bombe de peinture HPM rose et jaune, est significative dans le domaine de l'art contemporain. En tant qu'édition limitée, chaque pièce est numérotée et signée par l'artiste, créant ainsi un lien direct entre le créateur et le collectionneur. Les embellissements réalisés à la main sur chaque exemplaire garantissent que, malgré leur appartenance à une série, ces pièces portent la marque unique de l'artiste, faisant d'elles des œuvres d'art à part entière. Cet aspect de l'œuvre témoigne de la tendance croissante des collectionneurs d'art à rechercher des pièces empreintes d'une touche personnelle, créées par des artistes qu'ils admirent. La sculpture « Melty Misfit Eye Drip » de Buff Monster, réalisée à partir d'une bombe de peinture HPM rose et jaune, atteste de son statut de figure influente de la culture pop moderne et du street art. Elle incarne le caractère à la fois ludique et stimulant qui définit son travail, tout en révélant le souci du détail et l'engagement envers l'individualité que Buff Monster apporte à chacune de ses créations. Grâce à son approche novatrice et à sa vision unique, Buff Monster continue d'inspirer et de captiver le public, confirmant ainsi son rôle d'acteur incontournable de la scène artistique contemporaine.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Papier buvard Valerian Fever Dream, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Camille Rose Garcia, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Rêve fiévreux de Valériane par Camille Rose Garcia – Œuvre d'art pop et graffiti sur papier buvard « Valeria Fever Dream » est une exploration hallucinatoire du fantastique et du surréalisme par Camille Rose Garcia. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté sur papier buvard perforé à la main, cette œuvre est disponible en édition limitée (19 x 19 cm) depuis le 19 avril 2021. Elle fusionne la nostalgie psychédélique et une critique acerbe de la culture pop et est accompagnée d'un certificat d'authenticité. Le format buvard, historiquement associé à la culture LSD, est non seulement un clin d'œil à l'esthétique contre-culturelle, mais aussi une métaphore physique de la nature fragmentée et onirique de l'univers visuel de Garcia. La perforation manuelle réalisée par Zane Kesey confère à l'œuvre une dimension historique et symbolique, transformant chaque tirage en un témoignage tangible de l'histoire de l'art underground. Surréalisme visuel et densité symbolique dans l'œuvre de Garcia L'œuvre « Valeria Fever Dream » de Camille Rose Garcia plonge le spectateur dans un conte de fées fiévreux et chromatique, peuplé d'une flore mutante, d'équidés fantomatiques et d'une figure féminine aux allures de poupée. Réalisée dans des teintes fluorescentes éclatantes – roses vifs, violets acides, bleus cyan et verts émeraude – la composition suscite à la fois une désorientation visuelle et une fascination viscérale. Des formes organiques se fondent les unes dans les autres, comme issues d'un inconscient kaléidoscopique, évoquant la prolifération végétale, les récits animés et les fables apocalyptiques. Le style pictural de Garcia emploie des coulures maîtrisées, des lignes fluides et des techniques de superposition qui s'accordent à la fois avec l'urgence du graffiti et la précision formelle du surréalisme pop. Camille Rose Garcia et l'évolution du psychédélisme pop Née en Californie en 1970, Camille Rose Garcia s'est imposée comme une figure centrale du mouvement lowbrow et pop surréaliste, s'inscrivant dans la lignée d'artistes de la côte ouest américaine tels que Mark Ryden et Robert Williams. Puisant son inspiration dans la musique punk, l'animation Disney et l'illustration historique, son œuvre critique la dégradation environnementale et l'exploitation capitaliste tout en conservant une atmosphère visuellement envoûtante, digne d'un conte de fées. « Valérian Fever Dream » illustre sa démarche caractéristique : un chaos minutieusement rendu, mais ancré dans une figuration narrative. Dans le domaine du street art et du graffiti, Garcia a tracé un chemin unique où le conte de fées rencontre la férocité, fusionnant souvent l'art des galeries avec la rébellion urbaine. L'art du buvard comme toile contre-culturelle Le choix du buvard pour cette œuvre est profondément significatif. Historiquement utilisé comme support de diffusion du LSD, le buvard est devenu un support vénéré dans les cercles artistiques psychédéliques et underground. « Valerian Fever Dream » transcende le simple objet décoratif : c’est une pièce de collection ancrée dans la narration contre-culturelle. Perforée à la main par Zane Kesey, fils de Ken Kesey, l’auteur de « Vol au-dessus d’un nid de coucou », l’œuvre se situe au croisement de l’iconographie de l’acid wave et de l’expression surréaliste moderne. L’univers onirique de Garcia, encodé à cette échelle intime, permet aux collectionneurs de tenir entre leurs mains un fragment de mythe moderne : un instantané saisissant de rébellion, de symbolisme et d’illusion, transformé en œuvre d’art.

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Wu-Tang is for the Children, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Jason Naylor, artiste de rue de la contre-culture.

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Companion - Blush, figurine de collection en vinyle édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Companion-Blush de KAWS : un symbole du pop art et du graffiti urbains modernes Dans le paysage vibrant du pop art moderne, KAWS se distingue comme un artiste qui fusionne avec brio design commercial et beaux-arts. Sa série Companion, et plus particulièrement la figurine de collection « Companion - Blush » en édition limitée, est devenue une référence culturelle dans le street art et le graffiti. La Companion - Blush, avec sa couleur distinctive et le motif classique de KAWS, a été lancée en 2016 en édition limitée ouverte, immortalisant le design iconique de l'artiste sous une forme tangible. À l'instar des autres figurines de la série, elle mesure 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, offrant un équilibre parfait entre visibilité et compacité, idéale pour une collection privée. Chaque figurine mesure 28 cm de haut, permettant d'apprécier les détails sans encombrer l'espace. L'emballage scellé de la Companion - Blush garantit son état neuf, préservant ainsi l'intégrité de l'œuvre et l'excitation de la découverte par un collectionneur. Pertinence et réception de Companion-Blush de KAWS dans les milieux artistiques Le Companion-Blush est bien plus qu'un objet de collection ; c'est une œuvre narrative qui, issue des racines graffiti de KAWS, est devenue une icône incontournable du mouvement pop art urbain. Avec ses yeux barrés et ses traits abstraits, le personnage porte en lui la profondeur émotionnelle et le commentaire souvent présents dans l'art du graffiti. Sa diffusion via des plateformes prestigieuses telles que KAWSONE, le MoMA et le Musée d'Art Moderne de Fort Worth souligne l'estompement des frontières entre culture dominante et contre-culture, témoignant de l'attrait universel du Companion. Le timing de cette sortie, coïncidant avec l'exposition « Where The End Starts » de KAWS, fut crucial, marquant une période de forte demande et d'intérêt intense pour son travail. La décision de proposer une série de six Companions différents, incluant des versions représentant le corps entier et d'autres écorchées vives, a permis de toucher un large public, des connaisseurs d'art aux passionnés de culture pop, consolidant ainsi le statut du Companion dans le monde de l'art. L'impact de Companion-Blush de KAWS sur l'évolution du street art L'œuvre « Companion-Blush » illustre l'évolution du street art vers une forme raffinée, reconnue pour sa valeur artistique et son importance culturelle. À travers sa série « Companion », KAWS a remis en question les notions traditionnelles du graffiti, le transformant en un objet de collection très recherché. Avec sa teinte vibrante et son design méticuleux, « Companion-Blush » est un symbole du pouvoir transformateur du street pop art, démontrant comment l'énergie brute de cet art peut être encapsulée dans une forme qui trouve un écho auprès d'un large public. Cette pièce de collection est un élément du parcours artistique de KAWS et un fragment de l'histoire plus vaste de l'intégration du street art au marché de l'art mondial. Elle symbolise le moment où l'art inspiré de la rue a commencé à capter l'attention et le respect auparavant réservés aux formes d'art plus conventionnelles. « Companion-Blush » n'est donc pas seulement un objet d'art ; c'est un artefact culturel qui représente le paysage dynamique et en constante évolution du street pop art et du graffiti contemporains.

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Papier buvard « We Dreamt of Poppies », édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par Kristen Liu-Wong, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 15,2 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Impression sur panneau d'art, œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier chiffon de coton Moab Entrada 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Nopattern - Chuck Anderson. Impression giclée sur papier coton Moab Entrada 300 g/m² à bords frangés. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée par l'artiste. 45,7 x 63,5 cm NoPattern est le studio de Chuck Anderson, artiste, designer, photographe et directeur artistique basé à Chicago. Reconnu pour son utilisation surréaliste de la couleur et de la lumière, ses juxtapositions novatrices de supports traditionnels et numériques et son expérimentation constante, le travail de Chuck est aujourd'hui très recherché par un large éventail de marques issues des univers de la mode, de la publicité, du divertissement, de la technologie et du sport.

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« Love Is In The Air », édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2015, signée et numérotée, à 101 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 22,5 x 30 Mr. Brainwash (MBW), intitulé « L'amour est dans l'air » (2015). Cette sérigraphie d'art en six couleurs, d'environ 57 x 76 cm, est imprimée sur papier frangé. Signée et numérotée (et portant l'empreinte digitale) par l'artiste, elle fait partie d'une édition limitée à 101 exemplaires. Saint-Valentin

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Sérigraphie acrylique HPM « Icône Mister Melty rose et violette » par Buff Monster Screen Print sur papier cartonné beaux-arts, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, en acrylique HPM, ornée de coulures épaisses et peintes à la main. Format : 9x12 pouces. Icône rose et violette Mister Melty peinte sur acrylique HPM, sérigraphie par Buff Monster L'estampe sérigraphique acrylique HPM « Purple Pink Mister Melty Icon » de Buff Monster est un exemple saisissant d'art urbain pop et de graffiti contemporain. Sortie en 2023 dans une édition limitée signée et numérotée à 50 exemplaires, cette œuvre de 23 x 30 cm est imprimée sur un papier cartonné épais et présente une riche fusion de la technique de la sérigraphie et d'embellissements acryliques réalisés à la main. Chaque estampe de cette édition est transformée en une pièce unique grâce à des couches de peinture vibrante appliquées directement par l'artiste. L'utilisation du violet, du rose et du noir, combinée à des effets d'éclaboussures et de coulures dynamiques, confère à cette édition une énergie visuelle intense et un impact émotionnel fort. Conception de l'identité visuelle et des personnages Mister Melty, personnage emblématique de Buff Monster, occupe le devant de la scène dans cette composition hypnotique, caractérisée par son unique et grand œil, ses contours dégoulinants et ses traits fondants. Le motif de l'œil est iconique dans l'œuvre de Buff Monster ; il sert à la fois de signature ludique et d'emblème de la conscience pop omniprésente. Dans cette version, l'œil est cerné d'un épais anneau rose fluo, encadré de dégradés de gris métallisé et entouré d'un visage surréaliste qui suinte un chaos maîtrisé. Le cadrage apporte une clarté graphique à ce déchaînement visuel, soulignant le côté cartoon de Mister Melty tout en poussant ses textures monstrueuses aux confins de l'abstraction. Application de la technique, de la texture et de la HPM Cette édition se distingue par sa technique de peinture multiple à la main (HPM). Chaque estampe est réalisée à partir d'un support sérigraphié orné des contours audacieux et de l'iconographie centrale, caractéristiques de Buff Monster. S'ensuit une superposition spontanée de peinture dans des nuances de magenta, lavande, violet et noir profond, mêlées à des éclaboussures néon et des effets mouchetés. Le choix de l'artiste pour des coulures vibrantes et des textures peintes confère de la profondeur à l'œuvre, transformant chaque estampe en une pièce d'art expressive et tactile. Des motifs en demi-teintes et des marques inspirées du graffiti soulignent les bordures et les angles, ancrant l'œuvre dans la culture urbaine tout en l'élevant au rang des beaux-arts grâce à une exécution méticuleuse. La place de Buff Monster dans l'art urbain moderne Buff Monster, artiste américain, demeure une figure majeure de l'évolution du street art et du graffiti. Ses personnages immédiatement reconnaissables, souvent représentés dans des palettes de couleurs électriques et des formes ondulantes, puisent leur inspiration dans les kaiju japonais, les dessins animés américains, la culture punk et l'esthétique du graffiti. Cette estampe « Mister Melty Icon », représentant une icône rose et violette, confirme son rôle de provocateur culturel, fusionnant influence commerciale et art indépendant. À travers des personnages comme Mister Melty, Buff Monster explore les notions d'identité, d'impermanence et de joie dans un monde en ruine. Avec ses couleurs éclatantes et sa finition à la main, cette édition célèbre non seulement le côté à la fois grotesque et mignon de son icône, mais enrichit également le dialogue entre l'art urbain et le formalisme pop contemporain.

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Achat TITRE Multiple peint à la main original (HPM) sur panneau en bois bercé prêt à accrocher par ARTISTE graffiti street artiste pop art moderne. INFO

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Année du Tigre - Janvier - Tirage d'art en édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche de skateboard naturelle, par l'artiste de rue et de graffiti Mimi Yoon. Planche de skateboard en édition limitée (100 exemplaires), signée et numérotée par Mimi, avec certificat d'authenticité. Fabriquée aux États-Unis.

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Stack - Pink Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Supremex Weirdo Dave. Weirdo Dave a créé une illustration pour les planches de skateboard Supreme Stack. Sorties en jaune, noir et rose, ces planches faisaient partie de la première semaine de la collection automne/hiver 2021 de Supreme. La planche jaune est ornée d'un collage de photos abstraites et du logo Supreme horizontal qui la traverse en son centre. La planche de skateboard Supreme Stack (jaune) est sortie le 21 août 2021.

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Papier buvard Double Vision, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par CES, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Achetez SKATEBOARD Édition limitée Archival Print sur planche à roulettes en bois par Street Artwork Graffiti Artist. 2023 Édition limitée signée et numérotée de XXX Skateboard Artwork Taille XXXX Skateboard Art Deck INFO

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Planche de skateboard Supreme Sekintani La Norihiro - Édition limitée jaune. Illustration de la marque Supreme. L'artiste japonais Sekintani La Norihiro, dont l'œuvre a été lancée au printemps/été 2019, est réputé pour son imagerie provocatrice. Il représente souvent des images déformées, des organes et des combinaisons de couleurs vives, créant ainsi des motifs presque écœurants. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink met en valeur cette œuvre. On y voit une femme partiellement dénudée et une figure diabolique qui la surplombe. Des motifs déformés, caractéristiques du style de La Norihiro, sont visibles sur toute la face inférieure de la planche. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink est sortie au printemps/été 2019.

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Marilyn Whaam New Love Forever, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives, œuvre d'une artiste pop moderne, copyright. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2022. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Marilyn Whaam New Love Forever par Copyright : Icônes, psychédélisme et mythe moderne dans l'art urbain pop et le graffiti « Marilyn Whaam New Love Forever » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée (2022) créée par l'artiste pop britannique Copyright. Tirée à seulement 35 exemplaires et mesurant 19 x 19 cm, cette œuvre d'art est imprimée sur du papier buvard perforé, un matériau associé depuis longtemps à la contre-culture psychédélique. La perforation, réalisée à la main par Zane Kesey, renforce l'ancrage de l'œuvre dans les traditions créatives underground et rebelles. Copyright, connu pour sa fusion d'iconographie pop et de critique sociale nuancée, construit un kaléidoscope visuel qui brouille les frontières entre art commercial, psychédélisme et symbolisme romantique. Le format de l'œuvre – estampe pigmentaire d'archive sur buvard – est aussi intentionnel que l'image elle-même, alliant le savoir-faire de la gravure à l'esthétique de l'esprit rebelle. Archétypes visuels et surcharge culturelle Au cœur de l'œuvre se trouve un portrait de Marilyn Monroe aux teintes cyan, réinterprété dans une palette de couleurs à la Warhol et stylisé par des coulures de peinture, des contours marqués et des ornements floraux. Son visage est recouvert de graphismes superposés : le mot « Forever » en lettres roses scintillantes, un crâne orné de pétales et de papillons, et un cœur tatoué où l'on peut lire « Love ». Au-dessus d'elle, des caractères de bande dessinée explosent en « Whaam », tandis que Mickey Mouse apparaît dans le cadre, à la fois témoin et acteur du chaos. Ce collage de personnages publicitaires, de clichés romantiques et de symboles subversifs crée une composition déroutante et chargée d'émotion. Dans la lignée du street art et du graffiti, l'œuvre utilise des figures universellement reconnaissables pour disséquer les constructions artificielles de la célébrité, de la mémoire, de la mortalité et du marketing. Héritage matériel et format psychédélique Le choix du papier buvard comme support d'impression est une référence délibérée à l'art psychédélique des années 1960 et 1970, où les buvards de LSD arboraient souvent des micro-images graphiques. Bien que cette œuvre n'ait aucune fonction pratique dans ce contexte, l'utilisation de feuilles perforées établit un lien évident avec la culture underground et l'esthétique de l'expansion de la conscience. Le procédé d'impression pigmentaire d'archivage garantit la fidélité des couleurs, la longévité et la finesse des détails, conférant une finition digne d'un musée à un matériau traditionnellement considéré comme éphémère ou illicite. Le format de 19 x 19 cm invite à une observation attentive, mettant en valeur la texture pixellisée de la grille de perforation sous l'image. Ce contraste entre le sacré et le jetable ajoute une dimension de tension au message de l'estampe, suggérant que les mythologies contemporaines sont aussi fragiles qu'omniprésentes. Le rôle du droit d'auteur dans la tradition du remix Copyright est un artiste pop urbain britannique qui réinvente sans cesse le familier à travers le prisme de la distorsion, de la nostalgie et de la rébellion. Mêlant graffiti, publicité de mode, beaux-arts et médias populaires, ses œuvres fonctionnent comme des archives remixées de la mémoire collective. « Marilyn Whaam New Love Forever » condense sa démarche en un carré saturé, puisant dans la sémiotique de l'amour, de la mort, du sexe, du capitalisme et de l'évasion pour créer une méditation maximaliste sur la saturation culturelle. L'inclusion de personnages comme Mickey et Marilyn Monroe fait office à la fois d'hommage et de critique : des icônes qui promettaient jadis le bonheur et qui hantent désormais les systèmes mêmes qu'elles ont contribué à définir. Dans l'univers du street art et du graffiti, cette œuvre s'affirme comme une explosion colorée d'une vénération paradoxale, où la beauté côtoie la décrépitude et où la permanence se trouve dans le jetable.

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« Je vois ce que tu as fait là », impression d'art en édition limitée sur papier buvard perforé, réalisée par Denial, une œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Édition limitée signée de 50 exemplaires, 2021. Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 pouces. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Ne vous laissez pas berner par Bogart The Squishy, ​​une édition limitée de papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Skel. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Une sphère au cœur du silence I Édition limitée Papier buvard d'art Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne RM Rizzi. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Nouvelle chaussure Hebru Brantley Forum MID RT Taille 6,5, édition limitée rare, illustration de collection par Hebru Brantley x Adidas. Hebru Brantley Forum MID RT, édition limitée 2022 (épuisée), pointure 6,5, chaussures de skate, tennis et baskets neuves dans leur boîte d'origine. Coloris : noir, olive et blanc. Jamais portées, avec boîte et breloque. Bien plus que du cuir et des lacets, ces Adidas Originals x Hebru Brantley Forum incarnent un héritage. Poursuivant notre mission commune de susciter des échanges inspirants autour de l'émancipation en mettant à l'honneur les héros, la créativité et l'art noirs, nous sommes déterminés à défendre avec conviction nos valeurs. À chaque fois que vous enfilerez ces Adidas Originals x Hebru Brantley Forum, vous vous souviendrez de rester fidèle à vous-même et à vos aspirations. Les personnages d'Hebru (Frogboy et Rocket) contribuent à raconter cette histoire tout en nous encourageant à donner le meilleur de nous-mêmes. Une interprétation personnalisée du logo Trèfle, dessinée à la main par Brantley, orne la semelle extérieure et se dissimule dans la semelle intérieure. - Adidas x Hebru Brantley. Hebru Brantley x Adidas : La rencontre entre la sneaker et le pop art urbain La Hebru Brantley Forum MID RT en pointure 6,5 est une fusion remarquable entre la culture sneaker et le pop art urbain. Elle est emblématique d'une ère naissante où la chaussure transcende sa fonction utilitaire pour devenir un support d'expression artistique. Sortie en 2022, cette sneaker rare en édition limitée est une pièce de collection qui incarne l'esprit de collaboration entre l'artiste de renom Hebru Brantley et la marque de sportswear iconique Adidas. La sneaker, entièrement noire avec des touches de vert olive et de blanc nuage, est bien plus qu'un simple accessoire de mode : c'est une œuvre d'art à porter qui résume l'éthique d'Hebru Brantley et l'esprit d'innovation d'Adidas. Cette collaboration va au-delà de l'esthétique, insufflant à la chaussure un message d'émancipation et d'héritage. Les personnages distinctifs de Brantley, Frogboy et Rocket, ne sont pas de simples éléments décoratifs, mais font partie intégrante de l'histoire que racontent ces chaussures : celle de la célébration des héros noirs, de la créativité et de l'art. Ces baskets arborent le message « Ten Toes Down » (les dix orteils au sol) pour défendre ses convictions, un appel à rester inébranlable face à l'adversité. Ce message trouve un écho profond dans le contexte du pop art urbain et du graffiti, qui sont depuis longtemps des moyens d'expression sociale et personnelle. Détails artistiques et symbolisme dans le design des baskets d'Hebru Brantley Chaque détail de la Hebru Brantley Forum MID RT taille 6,5 est méticuleusement travaillé, reflétant le style unique de l'artiste, puisant son inspiration dans diverses influences culturelles, notamment la bande dessinée, l'anime japonais et l'esthétique du street art. L'utilisation audacieuse de la couleur et le design des personnages témoignent de la capacité de Brantley à raconter des histoires à travers son art, abordant des thèmes universels qui inspirent et suscitent la réflexion. Ces sneakers arborent une interprétation personnalisée et dessinée à la main par Brantley du logo Adidas Trefoil, une signature unique qui renforce leur valeur de collection. Elles deviennent ainsi une pièce forte qui invite celui ou celle qui les porte à rester fidèle à lui-même et à ses aspirations, faisant écho aux messages inspirants souvent présents dans l'œuvre de Brantley. L'intégration de l'art de Brantley dans un produit grand public comme une sneaker Adidas est un clin d'œil à la reconnaissance croissante du street art et à sa capacité à s'intégrer à différents aspects de la culture de consommation. La valeur de collection et l'impact culturel des baskets Adidas d'Hebru Brantley L'édition limitée des sneakers Hebru Brantley Forum MID RT taille 6,5 en fait des pièces de collection très recherchées par les amateurs de sneakers et les collectionneurs d'art. La convergence du streetwear et de l'art a donné naissance à une nouvelle dimension de la collection, où la valeur repose à la fois sur le mérite artistique et l'exclusivité du produit. Ces sneakers, neuves et épuisées, incarnent un moment de la culture contemporaine où les frontières entre mode, art et identité personnelle s'estompent. L'impact culturel de cette collaboration est considérable, témoignant d'une évolution dans la manière dont l'art est consommé et apprécié. Le pop art et le graffiti, traditionnellement présents sur les murs et dans les galeries, trouvent un nouveau mode d'expression qui se déploie littéralement à travers le monde. La collaboration d'Hebru Brantley avec Adidas célèbre ce mouvement, rend hommage au dynamisme du street art et à son influence durable sur la culture contemporaine. L'héritage de la basket Forum MID RT de Hebru Brantley L'héritage de la basket Forum MID RT d'Hebru Brantley pour Adidas se mesurera à son attrait durable auprès de celles et ceux qui recherchent du sens dans leurs vêtements. Cette basket est un symbole de collaboration artistique, inspirant de futurs partenariats qui rapprochent les différentes industries créatives. L'implication de Brantley dans ce projet illustre le potentiel du street art à transcender les frontières traditionnelles, encourageant le dialogue et l'expression à travers des supports qui font partie intégrante de notre quotidien. La Hebru Brantley Forum MID RT en pointure 6,5 n'est pas qu'une simple chaussure : c'est un véritable objet culturel qui incarne la rencontre dynamique entre le street art, la mode et l'émancipation sociale. Grâce à cette collaboration, Hebru Brantley et Adidas ont créé bien plus qu'une simple basket : ils ont bâti une plateforme de narration, d'émancipation et d'expression artistique en phase avec l'air du temps.

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Achetez Beautiful Dreamer 2 édition limitée 2 couleurs tirée à la main en sérigraphie sur papier Fine Art par Aelhra graffiti street artiste pop art moderne.

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Sérigraphie originale unique Jelly Monster Pink de Buff Monster, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Œuvre originale unique, sérigraphie sur panneau de bois, signée et datée de 2006. Dimensions : 10,13 x 10,13 pouces. Jelly Monster Pink par Buff Monster – Un chaos ludique dans l'art pop urbain et le graffiti L'estampe sérigraphique unique « Jelly Monster Pink » de Buff Monster (2006) est une œuvre marquante des débuts de l'artiste américain, révélant son approche irrévérencieuse et sucrée du street art, du pop art et du graffiti. Tirée à la main sur un panneau de bois de 25,7 x 25,7 cm, cette pièce originale, signée et datée, est bien plus qu'une simple estampe : c'est un hybride entre peinture, objet pop et graffiti. La figure rose gélatineuse au centre, aux contours noirs marqués, exhale l'esthétique caractéristique de Buff Monster, un joyeux grotesque. Des yeux hypnotiques tourbillonnants, une bouche cousue et un corps évoquant un bonbon mou ou une confiserie extraterrestre jouent avec les thèmes de l'innocence et du surréalisme. La texture du bois confère une dimension tactile à l'œuvre, ancrant ses couleurs vives et sa forme ludique dans un support plus robuste et durable. Buff Monster et le langage visuel du pays des bonbons urbain Buff Monster, né à Hawaï et installé à New York, est une figure majeure de l'évolution du street art et du graffiti. Reconnu pour son utilisation obsessionnelle du rose et sa fusion de la culture kawaii japonaise avec l'esthétique punk rock et heavy metal, il a développé un style singulier, tout en contradictions. Jelly Monster Pink est emblématique de cette dualité : à la fois adorable et troublant, mignon et désordonné. Le personnage présenté dans cette œuvre incarne l'intérêt de Buff Monster pour la création d'un univers où les mascottes mutantes et les couleurs sucrées désarment le spectateur, avant de provoquer un second regard où le malaise et l'ironie commencent à émerger. Cette œuvre de 2006 s'inscrit dans une période où l'artiste développait sa présence dans le milieu du street art, transposant ses monstres peints à la main en estampes, jouets, fresques et expositions. Permanence du médium, du matériau et de la culture urbaine Contrairement aux sérigraphies classiques sur papier, Jelly Monster Pink est imprimée directement sur un panneau de bois, ce qui souligne sa durabilité et brouille la frontière entre impression et objet. Le grain du bois, subtilement visible à travers l'encre rose, offre un contraste qui amplifie la vivacité artificielle du personnage. Le procédé d'impression manuelle de Buff Monster garantit que chaque exemplaire est unique, renforçant ainsi l'éthique artisanale et influencée par le graffiti qui imprègne toute sa pratique. Cette œuvre dégage la même énergie que ses premiers collages de rue et autocollants, mais dans un format adapté à une exposition en galerie ou pour collectionneurs. Elle illustre comment des artistes issus de la culture graffiti se sont approprié des matériaux artistiques traditionnels sans renoncer à leur impact visuel. Absurdité caricaturale et dissidence enrobée de sucre Jelly Monster Pink s'exprime à travers une logique cartoon et des visuels sucrés, mais ses sous-entendus sont profondément subversifs. La bouche barrée du personnage, ses yeux vides en spirale et ses dents proéminentes suggèrent une incompréhension – une émotion masquée par la douceur ou une créature plongée dans une confusion perpétuelle. Ce mélange d'innocence et de distorsion illustre l'esprit de Buff Monster, qui utilise des formes mignonnes pour exprimer le chaos, l'incertitude et la satire. Dans l'univers plus vaste du street art et du graffiti, son œuvre bouleverse les attentes en canalisant la nostalgie à travers un miroir déformant. Elle transforme les symboles de l'enfance en un commentaire sophistiqué sur l'identité, la culture et l'art lui-même. Jelly Monster Pink est un exemple à la fois ludique et puissant de cette pratique, alliant un design épuré à une imagination débordante et une pointe d'irrévérence qui ne s'estompe jamais complètement.

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Girl With Heart PP Print Archival Proof par Nicer - Hector Nazario Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x17 Pigment d'archivage Beaux-Arts. Dévoilement de « Girl With Heart » de Nicer - Hector Nazario « Girl With Heart » est une estampe d'archive vibrante de Nicer, alias Hector Nazario, figure emblématique du street art et du graffiti. Tirage d'épreuve signé de 2021, cette édition limitée témoigne des profondes racines graffiti de Nicer et de son dialogue constant avec l'esthétique pop art. Imprimée avec des pigments d'archivage sur papier beaux-arts Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre de 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) garantit la pérennité de ses couleurs riches et de ses lignes audacieuses. L'expression artistique de Nicer dans le street art Cette œuvre met en scène un personnage à la fois espiègle et touchant, une caractéristique du travail de Nicer. La figure, représentation fantaisiste d'une femme au grand cœur, illustre la capacité de Nicer à insuffler émotion et narration à ses sujets. Le fond, où figure le nom de l'artiste en lettres stylisées et audacieuses, ancre fermement l'œuvre dans la tradition de l'art urbain. La juxtaposition du personnage animé avec les éléments plus traditionnels du graffiti reflète la complexité du street art, où les frontières entre culture urbaine et iconographie dominante s'estompent. La maîtrise du graffiti par Nicer transparaît dans la précision des lignes et l'équilibre des couleurs, démontrant que le street art n'est pas qu'un acte de rébellion, mais une forme sophistiquée de communication visuelle. À travers « Girl With Heart », Nicer invite le spectateur dans un univers où la brutalité de la rue rencontre le charme des dessins animés, où le graffiti n'est pas du vandalisme, mais une forme d'art légitime et captivante. Cette estampe témoigne de l'héritage durable du street art et de son évolution, des marges de la société aux murs des collectionneurs et des passionnés. Elle illustre l'influence de Nicer sur le genre, incarnant à la fois son rôle d'artiste et d'innovateur. « Girl With Heart » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un récit qui révèle le pouvoir transformateur du street art et sa capacité à saisir la complexité des émotions humaines et les tendances sociétales. Dans l'ensemble de l'œuvre de Nicer, « Girl With Heart » est un exemple frappant du potentiel du street art à transcender ses origines et à devenir une forme d'art contemporain respectée et reconnue. Elle incarne l'esprit de la culture hip-hop, une culture que Nicer a contribué à diffuser et à promouvoir par son art. Par son exploration et son innovation constantes, Nicer-Hector Nazario s'impose comme une figure incontournable de l'art moderne, jetant un pont entre la rue et la galerie à chaque coup de bombe aérosol.

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Utopia Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art de Qualité sur Papier à Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez SHOEUZI Hand Cast & Painted Polystone Uzi Art Sculpture Toy Limited Edition Artwork par l'artiste J-LDN de Graffiti Pop Street Painting Fame. INFO Édition 2021 de 100, taille 100 % 19,1 cm. Chaque sculpture Uzi est livrée sous la forme d'un assemblage magnétique Shoeuzi Magnafix en 4 parties, d'une boîte, d'un présentoir et de gants. Résine Polystone moulée et peinte à la main.

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The Passions 2, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée numérotée et signée de 90 exemplaires, 2009. Format de l'œuvre : 18 x 18 pouces. Cleon Peterson, Les Passions, éditions BLK/MRKT 2009 L'univers de Cleon Peterson est empreint d'une cruauté impitoyable, d'une débauche chaotique et d'une lutte sans fin contre le pouvoir et l'oppression. Ses compositions, d'une apparente simplicité, recèlent des connotations complexes et une critique troublante de la marginalisation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. À la vue de son œuvre, on comprend aisément que l'artiste ne prône pas la violence ; il l'utilise plutôt comme une arme dans sa lutte contre l'apathie.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Train 24 est une œuvre d'art originale, une sculpture acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, réalisée par LushSux, artiste de rue et artiste pop moderne spécialisée dans le graffiti. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (dimensions : 14 x 3). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. Présentation de « Train 24 » par LushSux : Une toile sur rails « Train 24 » s'impose comme une œuvre marquante dans le travail de l'audacieux artiste de rue LushSux. Reconnu pour ses fresques exquises et son art urbain pop audacieux, LushSux transpose son art sur un support non conventionnel : un wagon de train miniature à l'échelle HO. Il y fusionne le savoir-faire méticuleux des passionnés de modélisme ferroviaire et l'esprit rebelle du graffiti. Signée et créée en 2014, cette œuvre originale illustre la capacité du graffiti à transcender les échelles, démontrant que l'essence même de cet art urbain peut être condensée dans les dimensions réduites d'un train miniature (14 x 3 pouces). Le style emblématique de LushSux en format miniature L'œuvre « Train 24 » présente un tag graffiti, communément appelé throw-up, caractérisé par ses lettres aux formes arrondies et son exécution rapide – un style récurrent dans le répertoire de LushSux. La teinte rose vibrante du tag contraste avec la palette de couleurs plutôt sobres du wagon miniature, attirant le regard et interrogeant la perception de l'espace et de l'art chez le spectateur. En transposant son art à une échelle aussi miniature, LushSux brouille les frontières entre la nature subversive du graffiti et la précision maîtrisée de la peinture sur trains miniatures. Le tag, qui s'étend sur toute la longueur du train, devient un récit vivant, un véritable véhicule pour l'expression de l'artiste. La valeur artistique et de collection de « Train 24 » « Train 24 » s'impose non seulement comme une œuvre d'art pop moderne, mais aussi comme une pièce de collection très prisée au sein de la communauté des modélistes ferroviaires. La fusion de ce loisir de niche avec l'univers dynamique du street art donne naissance à une œuvre interculturelle qui séduit un public varié de collectionneurs et d'amateurs. Signée par LushSux, cette pièce originale bénéficie d'une authenticité et d'un prestige très recherchés tant dans le monde de l'art que dans celui du modélisme ferroviaire. Cette œuvre témoigne de la polyvalence de LushSux en tant qu'artiste et des vastes possibilités du graffiti, un genre qui ne cesse de se réinventer. « Train 24 » est une sculpture de locomotive qui symbolise le parcours du street art, de ses débuts marginaux à la reconnaissance artistique et au succès commercial.

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Rowhouse - Tirage manuel - Sérigraphie ovale 24 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par l'artiste pop de rue Pose - Jordan Nickel - Édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format : 18 x 30 cm, ovale, bords frangés à la main. « Rowhouse », une œuvre d'art d'une précision remarquable signée Pose, de son vrai nom Jordan Nickel, artiste pop street art de renom, témoigne du subtil mélange de pop art, de street art et de graffiti. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est le fruit d'un travail artisanal méticuleux. Grâce à une technique d'impression sérigraphique ovale 24 couleurs réalisée à la main, la vivacité et la profondeur de chaque teinte prennent vie sur le papier Mohawk Superfine UltraWhite. Ce choix de papier n'est pas anodin : le Mohawk Superfine est réputé pour sa capacité à restituer la richesse des détails, offrant ainsi le support idéal à l'explosion de couleurs et de détails qui caractérise le travail de Pose. En observant l'œuvre de plus près, on est frappé par la richesse des éléments urbains, juxtaposés à des motifs et des dessins abstraits et colorés, emblématiques du street art et du pop art. Chaque recoin de « Rowhouse » raconte une histoire, offrant une fenêtre ouverte sur la vie urbaine, son chaos, sa beauté et son énergie brute. La forme ovale unique de cette œuvre, accentuée par un bord frangé à la main, lui confère un charme à la fois rustique et contemporain. Sortie en 2022, « Rowhouse » n'est pas une simple œuvre d'art ; c'est un chef-d'œuvre en édition limitée. Avec seulement 75 exemplaires disponibles, chacun signé et numéroté par Pose lui-même, elle est devenue une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art. Ses dimensions, un ovale de 18 x 30 cm, lui permettent d'attirer tous les regards tout en s'adaptant à différents espaces. « Rowhouse » de Pose est une illustration parfaite de l'évolution du street art et du pop art, mêlant techniques traditionnelles et esthétique moderne, ce qui en fait une pièce incontournable pour ceux qui apprécient le subtil équilibre entre tradition et modernité dans l'art.

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« La Fin de la Fin », œuvre originale peinte à la main à l'aérosol sur un panneau de bois de bouleau encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée HPM de 10 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 24 x 36 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Dissection de la lettre S, peinture originale technique mixte encadrée sur papier par Nychos, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 201 3 Œuvre originale signée, technique mixte, peinture acrylique en aérosol, dimensions 40 x 48,5 « Mon père et mon grand-père étaient des chasseurs autrichiens traditionnels, alors je pense que c'est de là que me vient mon intérêt pour l'anatomie. Voir un cerf disséqué pour la première fois a été une véritable source d'inspiration. Voir tous les entrailles et les intestins se détacher, c'était un peu hallucinant au début », a confié Nychos à Hypebeast lors d'une performance artistique au Pow Wow Hawaii, le plus grand festival de street art au monde, plus tôt cette année. « En utilisant toutes ces connaissances en anatomie, je pense avoir trouvé un domaine que je peux explorer et développer pleinement. Cela reste une source d'inspiration constante car je trouve toujours de nouvelles façons de m'exprimer. » - Nychos

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Canette Pop - Épreuve d'imprimerie rose PP 7 couleurs, tirage à la main, édition limitée, sérigraphie sur papier beaux-arts par Denial Rare Street Art, artiste pop célèbre. Épreuve d'imprimerie PP 2019, signée, édition limitée, format 18x24 Sérigraphie 7 couleurs signée et numérotée 2019 sur papier beaux-arts. Format : 45,7 x 61 cm. Sortie : 30 novembre 2019. Épreuve d’impression. Denial est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. J’ai une relation beaucoup plus facile avec les dessins animés et les illustrations qu’avec le photoréalisme. J’adore faire référence à des choses familières. L’humour et la nostalgie permettent d’ouvrir le dialogue. Je le fais depuis des années : j’utilise l’humour et la familiarité pour amorcer une conversation, car cela permet d’aborder des sujets importants et les différents messages que l’on cherche à transmettre. On est beaucoup plus en phase avec la conscience et l’expérience du spectateur, et on influence davantage sa perception de l’art. Si on arrive à le faire rire, à raviver des souvenirs ou à créer un lien avec une image… »

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TikkyWow MEGA TEQ63, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti de rue Quiccs x Martian Toys. Figurine vinyle Tikkywow MEGA TEQ63 de 30 cm (12 pouces) – 2021 – par Tikkywow x Quiccs x Martian Toys. Édition limitée à 222 exemplaires dans la boîte Artist Series MegaTEQ 01. Bulletpunk : La Quête de la Fin du Jeu.

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Papier buvard Good Morning Starshine, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Skel, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Angel Olsen Butterfly - Impression sérigraphique monochrome rose, tirée à la main sur papier beaux-arts, par l'artiste Nate Duval. Œuvre d'art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée, 2014, format 7,25 x 5,5 pouces

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Papier buvard papillon, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par John Van Hamersveld, œuvre d'art pop culture LSD. « Le papillon provient du groupe West Coast Pop Art Experimental Band de 1968. C'était un dessin en noir et blanc. Puis, en 2013, j'en ai fait une autre version, car je comptais en faire une affiche. Ensuite, il est devenu une fresque murale, puis le buvard que nous voyons aujourd'hui. » – John Van Hamersveld

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Sérigraphie OG Icons par Buff Monster, épreuve d'artiste, impression sérigraphique tirée à la main sur papier d'art en coton 250 g/m², édition limitée, art pop urbain et graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 80 exemplaires (2023), format 18x24, représentant le monstre classique Melty Misfit One Eyed Ice Cream Drippy Monster. Sérigraphie OG Icons par Buff Monster – Édition limitée Pop Street Artwork & Graffiti Buff Monster confirme sa place de choix dans le monde du street art et du graffiti avec « OG Icons », une sérigraphie artisanale qui sublime son personnage fétiche, Melty Misfit, dans un style épuré et audacieux. Cette estampe de 45,7 x 61 cm, imprimée sur papier beaux-arts 250 g/m² en coton, fait partie d'une édition limitée numérotée et signée à seulement 80 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. La composition met en scène le monstre borgne et dégoulinant, figure récurrente de l'univers artistique de Buff Monster, animé par des encres turquoise, rose et noire vibrantes. Cette estampe capture l'essence même du style visuel inimitable de Buff Monster. Les contours nets et précis, les aplats de couleur et la composition parfaitement équilibrée en font une œuvre marquante de street art et de graffiti. Les courbes douces et les coulures ludiques conservent l'effet de fusion qui caractérise le travail de Buff Monster depuis des années, avec une exécution raffinée, presque inspirée du graphisme. Le procédé de sérigraphie artisanale assure une riche saturation des couleurs, conférant à l'œuvre une présence tactile et affirmée. Buff Monster et l'évolution du street art pop et du graffiti Né à Hawaï et désormais installé à New York, Buff Monster a consacré des décennies à développer une identité visuelle unique, fusionnant graffiti, culture pop et esthétique des beaux-arts. Son œuvre est fortement influencée par la culture kawaii japonaise, les dessins animés vintage et l'esprit rebelle du graffiti. Ce qui a débuté comme une pratique urbaine s'est transformé en une véritable carrière artistique, explorant les fresques murales, les objets de collection et les estampes en édition limitée. À ses débuts, Buff Monster collait ses personnages emblématiques sur les murs des villes, créant ainsi une présence vibrante et reconnaissable dans le paysage urbain. Son passage aux beaux-arts et à la sérigraphie artisanale a permis à son travail de toucher un public plus large, tout en conservant l'énergie et l'attitude qui ont fait de lui une figure incontournable du street art et du graffiti. Son art reste résolument coloré, ludique et irrévérencieux, assurant sa pertinence aussi bien dans le milieu artistique underground que mainstream. Icônes OG – La représentation la plus pure de l'esthétique Melty Misfit OG Icons marque un retour aux éléments fondamentaux qui rendent le travail de Buff Monster si distinctif. L'œil cyclopéen surdimensionné du personnage est le point focal, dégageant une curiosité fantasque. Les textures dégoulinantes, le sourire carnassier exagéré et la palette de couleurs contrastées donnent vie au personnage tout en conservant une exécution nette et minimaliste. Contrairement à certaines œuvres plus complexes ou texturées de Buff Monster, cette estampe privilégie les lignes épurées et les aplats de couleurs audacieux, ce qui en fait une pièce maîtresse immédiate. Le contraste entre le rose et le turquoise vibrants et les contours noirs profonds crée une impression de profondeur et de mouvement, malgré la simplicité des formes. Cette œuvre représente la synthèse des origines graffiti de Buff Monster et de son évolution vers une forme d'art plus raffinée et recherchée. C'est une célébration de l'esthétique Melty Misfit dans sa forme la plus aboutie, un incontournable pour les amateurs de Street Pop Art et de graffiti. L'impact durable de l'œuvre de Buff Monster sur l'art contemporain Buff Monster n'a cessé de repousser les limites du Street Pop Art et du graffiti, prouvant que ce genre peut s'épanouir dans des espaces variés sans rien perdre de son authenticité. Son influence dépasse les murs des galeries, façonnant les interactions entre l'art contemporain et la culture populaire. L'utilisation de la sérigraphie artisanale confère à chaque œuvre un caractère unique et unique, la distinguant des reproductions numériques. « OG Icons » témoigne de la capacité de Buff Monster à allier précision et fantaisie, créant un art à la fois nostalgique et novateur. Cette sérigraphie en édition limitée est un vibrant rappel de la vitalité du Street Pop Art et du graffiti, qui embrasse de nouveaux formats tout en restant fidèle à ses origines rebelles et dynamiques. Qu'elle soit exposée en galerie, dans une collection privée ou en milieu urbain, l'œuvre de Buff Monster demeure un élément essentiel de la culture visuelle contemporaine.

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JP the Money Bear Wave Deck - Impression pigmentaire d'art en édition limitée rose sur planche de skateboard naturelle pressée à froid par l'artiste de rue et de graffiti King Saladeen. Édition limitée 2019 à 250 exemplaires, signée, avec certificat d'authenticité, neuve sous emballage.

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Le jour où le temps s'est arrêté, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art Moab Rag 290 g/m² par Jana Brike, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Le titre du tableau est un véritable paradoxe, bien sûr. Il est lié à ma perception de la réalité en état méditatif. Le thème lui-même s'inspire à la fois de la relation entre une jeune fille et sa tribu, et plus librement du mythe des trois Grâces. Il explore ma conception de la beauté. La beauté est un sentiment. Elle ne se limite pas à la simple apparence. Elle englobe le courage, la sagesse, la force et les imperfections qui font de chacun un être unique. La beauté est un sentiment, et il faut ressentir quelque chose pour la percevoir. La beauté est un cœur qui rayonne, et il faut ouvrir les yeux de son cœur pour la voir. Cette œuvre était sans aucun doute plus ambitieuse que toutes mes précédentes. Plus détaillée. De plus, avant celle-ci, je peignais rarement, voire jamais, plus d'une figure. Mes personnages étaient toujours solitaires, prisonniers de leur propre univers clos. À partir de cette œuvre, les relations entre les personnages de mon travail sont devenues de plus en plus importantes pour moi. » – Jana Brike

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Et puis les choses se sont améliorées - Purple Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Nematona AP Artist Proof Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art par l'artiste de graffiti pop culture Rodrigo Rod Luff. Épreuve d'artiste (EA) 2016, signée et marquée EA, édition limitée, impression giclée, format 16 x 20 pouces Nematona de Rodrigo Rod Luff : Nature, illumination et le féminin sacré Nematona de Rodrigo Rod Luff, publiée en 2016 en tant qu'épreuve d'artiste signée, est une œuvre d'art richement symbolique qui fusionne la beauté figurative avec un naturalisme onirique. Mesurant 40 x 50 cm, la pièce représente une femme solitaire en robe pâle, debout au milieu d'une dense forêt de lierre, le regard tourné vers l'extérieur, mêlant force et vulnérabilité. La lueur derrière le feuillage la fait resplendir de contraste, tandis que sa robe et son épaule scintillent de motifs verts bioluminescents, vibrants d'énergie et de mystère. Chaque détail de cette estampe, des contours du tissu aux nervures des feuilles, est rendu avec une méticulosité et une sensibilité picturale exceptionnelles. Le titre Nematona évoque la déesse celtique associée aux bois sacrés, souvent perçue comme protectrice de la nature, de la souveraineté et d'une force tranquille. La représentation de Luff s'inscrit dans cette allusion mythologique par le biais d'une narration visuelle plutôt que par un récit explicite. La femme se dresse telle une sentinelle, immobile, ancrée au sol, baignée dans le respect de son environnement. Sa proximité avec l'arbre lumineux et la présence d'une créature forestière dissimulée non loin de là renforcent l'interconnexion entre la présence humaine et les forces invisibles de la nature sauvage. La lumière ne provient pas du ciel, mais du feuillage et du corps lui-même, faisant de la nature non un simple décor, mais une source de vitalité sensible. Énergie spirituelle et esthétique du silence Le talent de Rod Luff réside dans sa capacité à fusionner réalisme et mystique sans jamais verser dans le fantastique. Dans Nematona, l'artiste utilise la lumière et la texture pour tisser un lien entre sensualité et transcendance. La posture délicate et l'anatomie détaillée de la figure témoignent d'une formation classique, mais la lueur surréaliste qui émane de sa robe et de l'écorce environnante perturbe ce réalisme par une subtile résonance spirituelle. Cette lumière intérieure suggère que la transformation, la guérison et la connexion ne sont pas des phénomènes extérieurs, mais font partie intégrante d'une architecture intérieure intrinsèque. Elle évoque une écologie sacrée, où le divin vibre à travers les racines, la peau, les feuilles et la mémoire. Plutôt que de confronter le spectateur, le sujet de Nematona invite à la contemplation. Son regard n'est pas implorant, mais introspectif. Il n'y a ni urgence, ni agressivité, seulement une présence. Cette immobilité, encadrée par l'enchevêtrement sauvage du lierre et le ciel ambré au-delà, offre un espace d'introspection. Ici, la nature n'est pas un décor, mais un participant, un personnage à part entière, au même titre que la femme elle-même. La création de mythes contemporains par Rod Luff dans le pop art urbain Bien que la pratique de Luff ne relève pas du graffiti traditionnel, Nematona s'inscrit pleinement dans les stratégies visuelles du Street Pop Art par sa maîtrise de la couleur, de la composition et son expressivité émotionnelle. Son utilisation de techniques des beaux-arts pour représenter des états transcendants – empreints d'une douce intensité et d'accents lumineux – fait écho à l'immédiateté audacieuse de la culture visuelle contemporaine influencée par le street art. Au lieu de fresques ou de tags, Luff construit ses images au pinceau et à la lumière, intégrant des mythologies contemporaines à ses scènes. Nematona n'est ni une reconstitution historique ni une illustration fantastique. C'est un moment de pause sacrée, rendu visible par l'extraordinaire capacité de Luff à percevoir le divin dans le silence et la croissance. L'artiste considère la nature comme un vecteur de mémoire et de sens, offrant aux spectateurs un sentiment d'émerveillement serein dans une époque chaotique. Son œuvre nous rappelle que le spirituel peut émerger des endroits les plus simples – un geste, une feuille, une silhouette dans les bois – si l'on prend le temps de regarder.

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