Estampe Beaux-Arts

Œuvre d'art DJ Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Œuvre d'art Horizon, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces.

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Pochoir de borne d'incendie Alife HPM Art Spray sur papier technique imprimé 20lb. Bond stock Œuvre d'art technique mixte par le légendaire artiste de graffiti de rue new-yorkais RD-357. Estampe en édition limitée, signée et numérotée, de RD 357 (2019). Tirage très limité édité par ALIFE, épuisé immédiatement. Signée par l'artiste, cette estampe est encadrée et présente un léger pli invisible sous cadre. Elle sera expédiée dans son tube d'origine. RD 357 est un graffeur américain, membre du collectif 357 Crew, formé en 1985 et actif dans le métro new-yorkais du milieu à la fin des années 1980. Originaire de l'Upper East Side à Manhattan, il mesure 61 cm de large sur 61 cm de haut et 91 cm de profondeur. Tirage limité à 20 exemplaires. Impression à l'émail sur papier technique 20 lb (80 g/m²). Numérotée et signée, cette estampe présente quelques plis dus à l'impression et au papier, qui contribuent au style unique de l'artiste. Exemplaire n° 2 sur 20. RD-357 : Une fusion entre précision technique et art urbain Le paysage urbain est une toile pour les audacieux, un terrain de jeu pour ceux qui s'expriment à travers le langage visuel de la peinture en aérosol et des pochoirs. C'est dans cet univers vibrant que les œuvres de RD-357 prennent vie. Son œuvre « Alife Fire Hydrant Stencil HPM », réalisée à la bombe sur du papier technique imprimé de 80 g/m², est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est une affirmation, une confluence entre la précision technique et l'esprit brut et débridé du graffiti new-yorkais. RD-357, graffeur américain originaire de l'Upper East Side de Manhattan, incarne l'esprit du pop art et du graffiti grâce à son mélange unique de précision technique et de sensibilité urbaine. Né au cœur de l'essor du graffiti du milieu des années 1980, RD-357 a rejoint le redoutable crew 357, connu pour son influence sur le mouvement artistique du métro. « Alife Fire Hydrant Stencil HPM » témoigne de la maîtrise de son médium et de sa profonde compréhension du cœur culturel de New York. Cette estampe en édition limitée, créée en 2019, met en scène l'image emblématique d'une borne d'incendie – symbole omniprésent dans les rues – réinterprétée par l'artiste RD-357. Tirée à seulement 20 exemplaires, elle témoigne de l'exclusivité et de la forte demande pour l'œuvre de RD-357, ayant été épuisée dès sa sortie. Chaque estampe est signée par l'artiste, gage d'authenticité et preuve de son implication personnelle. Le pochoir Signature Alife pour borne d'incendie : iconographie et impact Le choix d'une borne d'incendie comme élément central de cette œuvre est lourd de sens. Élément incontournable du paysage urbain, la borne symbolise à la fois la fonctionnalité et le chaos de New York, une source de réconfort et un obstacle sur le trottoir. La représentation qu'en fait RD-357 l'élève au rang d'icône, capturant l'essence même de l'infrastructure urbaine comme une œuvre d'art. RD-357 offre une image nette, juxtaposée à la fluidité et au hasard inhérents au street art, grâce à l'utilisation d'une technique de pochoir associée à de l'émail en aérosol sur papier technique. La présence de légers plis dans les impressions ajoute au caractère de l'œuvre, conférant à chaque pièce des imperfections qui font écho aux textures de l'environnement urbain. Numéro 2 de la série limitée, cette œuvre s'inscrit dans la vision de RD-357, un élément du récit de l'évolution artistique de New York. En conclusion, le pochoir « Alife Fire Hydrant Stencil HPM » de RD-357 est bien plus qu'un simple objet de collection ; c'est un morceau d'histoire du street art. À travers cette œuvre, RD-357 fait le lien entre la précision de l'ingénierie et la spontanéité du street art, offrant une pièce à la fois fonctionnelle et emblématique du pop art. Elle reflète les racines de l'artiste dans la réalité brute des rues new-yorkaises et la finesse de sa maîtrise du médium. Cette œuvre célèbre l'héritage de RD-357 et rend hommage à la ville qui lui sert de muse et de toile.

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Tirages d'art en édition limitée, réalisés à partir de pigments d'archives, sur papier d'art Bauhaus Cotton, par Ben Frost, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. « Tigger sous Zoloft », tirage numérique d'archive sur papier Bauhaus Photo Rag 310 g/m² 100 % coton, gaufré, signé et numéroté par Ben Frost, 30 cm x 30 cm (12 x 12 pouces), Melbourne, Australie. Édition limitée à 50 exemplaires. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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Œuvre d'art Love Bird, impression d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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L'Étalon Noir, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Nicolas Delort, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie. Numérotée à la main.

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Ils disent que le rap a changé Dr. Dre Snoop Dogg AP Sérigraphie par Mark Drew Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop, de rue et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2019 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre 17,01 x 10,98 Commentaire de Mark Drew sur l'évolution du hip-hop L'œuvre de Mark Drew, « They Say Raps Changed Dr Dre Snoop Dogg », est une sérigraphie d'artiste qui témoigne de l'évolution du paysage hip-hop à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Tirée à la main sur papier d'art, cette sérigraphie est une pièce majeure du travail de Drew, illustrant son exploration constante du dialogue entre musique et arts visuels. Mesurant 43,2 x 27,9 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée. Elle est signée par Drew et porte le cachet AP, attestant de son statut d'épreuve d'artiste et de son exclusivité au sein de la série. La phrase « They say rap's changed » fait directement référence à l'évolution de la culture et de la musique hip-hop, un thème récurrent dans l'œuvre de Drew. Utilisant la sérigraphie, une technique riche d'histoire dans le pop art et le street art, Drew crée un lien visuel entre la perception actuelle du hip-hop et ses origines. Cette œuvre fait office de rappel nostalgique et d'invitation à réfléchir à la façon dont le genre a évolué et s'est transformé au fil des ans. Interaction entre la musique et les arts visuels dans l'œuvre de Drew L'interaction entre musique et arts visuels a toujours été au cœur du travail de Mark Drew. Ses sérigraphies, souvent inspirées de paroles de morceaux hip-hop emblématiques, transcendent la simple représentation ; elles interrogent la portée culturelle des mots et des images qui les accompagnent. Dans « They Say Raps Changed », l'utilisation de personnages de bandes dessinées vintage, associée à cette phrase percutante, souligne le contraste entre passé et présent, l'évolution d'une forme d'art et la nature universelle du changement. Le choix de Drew d'utiliser une épreuve d'artiste pour cette estampe met en lumière le caractère expérimental et novateur de son art. Les épreuves d'artiste sont souvent le document final sur lequel l'artiste peaufine les détails de l'estampe ; elles confèrent une immédiateté et une authenticité très prisées dans le street art et le graffiti. Cette œuvre en particulier, avec ses lignes nettes et ses couleurs vives, témoigne du talent de Drew en tant que graveur et de sa compréhension du pouvoir du street art à communiquer des messages complexes de manière accessible. La sérigraphie « They Say Raps Changed » est une œuvre culturelle qui capture l'esprit d'un moment particulier de l'histoire du hip-hop, tout en alimentant les débats contemporains sur le genre. Mark Drew continue ainsi de contribuer au discours sur le street art, le pop art et la convergence entre culture visuelle et musique. Ses estampes, d'une grande force esthétique, offrent un regard historique, établissant des ponts entre différentes époques et genres et invitant le spectateur à explorer les liens profonds qui les unissent.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Squelette et roses - Édition limitée embellie à l'aérographe, sérigraphie HPM 1 couleur rehaussée à la main sur papier beaux-arts par Stanley Mouse, artiste de rue lowbrow, pop art moderne. Œuvre d'art signée et numérotée de 2021, format 17x22, squelette original unique peint à l'aérographe avec des roses, HPM, du célèbre groupe Grateful Dead.

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Œuvre d'art Bunny Bones, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky.

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Electric Instrument Co - Silver Limited Edition, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2013, signée et numérotée, à 57 exemplaires. « Electric Instrument Co. - Édition Argent Métallisé », estampe de l'artiste Jacob Borshard. Format : 40,6 x 76,2 cm. Signée et numérotée (édition limitée à 57 exemplaires). Bords frangés à la main sur le côté gauche.

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Winter Wonderland 2011. Édition limitée 2 couleurs, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 201 1 Édition limitée signée et numérotée à 30 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Obey Noir Flower Woman - Sérigraphie en édition limitée rouge 4 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artiste. Sérigraphie signée et numérotée OBEY NOIR FLOWER WOMAN (ROUGE) 45,7 cm x 61 cm Édition limitée à 400 exemplaires 27 janvier 2022 L'imprimé « Femme Fleurie » d'Obey Noir s'inspire de l'Art déco et des pochettes d'albums Dark Wave. L'image se prête à plusieurs interprétations. Je la perçois avant tout comme un hommage aux idéalistes qui protègent l'environnement, œuvrent pour la justice et cultivent l'optimisme. Nous sommes tous confrontés à des défis et des hostilités, mais les forces extérieures ne peuvent contrôler notre force intérieure ni notre idéalisme. C'est nous qui le contrôlons ! L'idéalisme mène à l'action. Ceux qui commettent l'injustice s'appuient sur l'apathie pour impunément rester impunis. Nourrissez votre idéalisme, et vos actions constructives suivront. – Shepard

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Outils de méfait criminel : Les canettes IV - Édition Krylon, tirage pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Roger Gastman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette estampe est le quatrième volet de ma récente série intitulée « Outils de la malice » et a été créée spécialement pour les collectionneurs de 1xRun. Je possède une immense collection de bombes de peinture et de marqueurs vintage que je rassemble depuis des années. Cette collection est entièrement composée de bombes Krylon. Chaque fois que des gens viennent chez moi, peu importe qui ils sont, ils veulent toujours me poser des questions sur ma collection de bombes, de marqueurs et autres objets, et les prendre en photo. Avec le « graffiti » et le « street art » qui deviennent des expressions à la mode, et l'art abordable qui se démocratise grâce à des sites comme 1xRun, c'est amusant de se souvenir des outils qui ont rendu tout cela possible. » – Roger Gastman

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art, intitulée « Loose Lines », par l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces.

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AZ373 - Trippin Blue Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Add Fuel, œuvre d'art LSD de la culture pop. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 150 exemplaires. Format buvard : 7,5 x 7,5 pouces. Les buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l’exemple présenté. L'estampe AZ373-Trippin Blue Blotter Paper représente une fusion fascinante entre l'avant-garde subculturelle et la virtuosité artistique, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, signée Add Fuel, illustre la convergence constante entre l'art et la contre-culture, notamment dans le domaine psychédélique. Sortie en 2021, chaque exemplaire de cette série limitée à 150 est un témoignage du savoir-faire méticuleux et de la pertinence culturelle d'Add Fuel. Réalisée avec une impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, un matériau historiquement associé à la distribution du LSD, cette œuvre capture une période où la culture des drogues a profondément influencé les arts visuels, la musique et les modes de vie. Son format de 19 x 19 cm (7,5 x 7,5 pouces) est idéal pour les collectionneurs et suffisamment intime pour captiver le regard par la complexité de sa conception. Les motifs complexes et les nuances de bleu vibrantes évoquent l'esthétique des carreaux de céramique traditionnels, réinterprétés à travers un prisme contemporain pour interroger la perception que l'on a de ce que peut représenter le street art. La touche personnelle est manifeste : chaque buvard est perforé à la main par Zane Kesey, ce qui renforce le caractère unique de chaque pièce. L'implication de Kesey inscrit l'œuvre dans une histoire plus vaste, son père, Ken Kesey, étant une figure emblématique de la culture psychédélique. Cet héritage authentifie l'œuvre, établissant un lien entre les idéologies passées et présentes. Objet de collection, le buvard AZ373-Trippin Blue est non seulement un régal pour les yeux, mais aussi un témoignage historique. Il s'impose comme une pièce maîtresse dans l'univers des collectionneurs, où l'art rencontre l'histoire subversive. Chaque exemplaire numéroté porte la signature de l'artiste, attestant de son statut d'authentique œuvre de street art pop. Les collectionneurs et les amateurs de graffiti sont souvent attirés par ces pièces qui, au-delà de leur valeur esthétique, racontent une histoire de mutation culturelle et d'évolution artistique.

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« Finding Her Way », œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Leslie Ditto.

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Mockingbird Foundation - Phamily Poker Classic 2013 - Affiche d'événement en édition limitée - Impression sérigraphique artisanale 8 couleurs sur papier d'art par AJ Masthay. Épreuve d'artiste, bord inférieur frangé à la main.

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C/S II 9 couleurs, édition limitée, sérigraphie à la main, finition blanc perle vieilli, imprimée sur papier d'art Stonehenge White 250 g/m² par OG Slick x Chaz Bojorquez, artiste de street art rare et célèbre du pop art. 2016 Signé par OG Slick x Chaz Bojorquez & Édition limitée numérotée à 150 exemplaires P2 La fusion des styles dans C/S II par OG Slick et Chaz Bojorquez La collaboration entre OG Slick et Chaz Bojorquez sur la sérigraphie C/S II marque un tournant dans le monde du street art et du graffiti. Créée en 2016, cette œuvre illustre parfaitement comment deux artistes peuvent fusionner leurs styles distinctifs pour créer une pièce unique, reflet de leur identité artistique respective. Cette sérigraphie en édition limitée, réalisée à la main en neuf couleurs et à la finition blanc nacré vieilli sur papier d'art Stonehenge White 250 g/m², témoigne du savoir-faire méticuleux et de la vision artistique partagée par ces deux figures emblématiques du street art. OG Slick, artiste profondément ancré dans le mouvement graffiti de Los Angeles, apporte à l'œuvre son imagerie iconique et sa sensibilité urbaine. Reconnu pour son langage visuel audacieux et souvent subversif, la contribution de Slick à C/S II est immédiatement perceptible dans les mains stylisées et l'iconographie contemporaine qui évoquent les aspects commerciaux et bruts de la culture urbaine. Son œuvre se caractérise souvent par une fantaisie qui dissimule une réflexion plus profonde sur les enjeux sociaux et culturels. Cela se manifeste notamment dans sa manière de manipuler des symboles et des personnages familiers pour interpeller le spectateur. Le style signature de Chaz Bojorquez dans C/S II L'influence de Chaz Bojorquez sur cette œuvre est tout aussi profonde. Son style unique, puisant dans la tradition du graffiti cholo et sa maîtrise pointue de la typographie, complète les éléments plus fantaisistes de Slick par une gravité et une dimension historique. Les traits calligraphiques et les lettrages complexes en arrière-plan de C/S II sont indéniablement la signature de Bojorquez, témoignant de sa maîtrise des formes et de son talent pour transmettre un riche récit culturel à travers son art. Son œuvre capture l'essence d'une sous-culture souvent marginalisée, l'élevant au rang d'art à part entière qui mérite reconnaissance et respect. La collaboration entre ces deux artistes sur C/S II est un dialogue entre différentes époques et styles au sein du street art. Si l'œuvre d'OG Slick est souvent perçue comme un pont entre les débuts du street art et l'esthétique moderne, Bojorquez incarne la dimension spirituelle et intemporelle du graffiti, profondément ancrée dans le tissu culturel urbain. Ensemble, leur travail sur cette estampe crée un jeu complexe de couleurs, de formes et de symboles qui célèbre le passé du street art et affirme avec audace son avenir. Importance culturelle de l'estampe en édition limitée C/S II L'importance culturelle de l'estampe C/S II réside dans son incarnation de l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Limitée à 150 exemplaires, chaque estampe est signée par OG Slick et Chaz Bojorquez, ce qui en fait une pièce rare et de collection, précieuse pour les amateurs de street art. Le choix d'une édition limitée souligne non seulement la valeur de l'œuvre, mais reflète également l'éthique du street art, où la nature éphémère du médium implique souvent le caractère temporaire des œuvres. En capturant cette essence transitoire sous une forme tangible, OG Slick et Bojorquez ont créé un témoignage durable de la culture urbaine. L'œuvre se distingue notamment par sa finition blanc nacré vieilli, qui ajoute texture et profondeur à l'estampe. Cette finition confère à l'œuvre une qualité tactile qui invite à un examen plus attentif et suggère une histoire, comme si elle avait été patinée par le temps et les intempéries – un clin d'œil aux réalités du street art. L'utilisation du papier d'art Stonehenge White sublime encore davantage l'œuvre, alliant l'énergie brute du graffiti au raffinement des techniques d'impression d'art. Impact et héritage de C/S II dans le street art et la culture pop L'impact et l'héritage de C/S II dans le street art et la culture pop sont considérables. En réunissant deux artistes influents de générations différentes, cette estampe fait le lien entre les débuts du graffiti à Los Angeles et la scène street art contemporaine. Elle reflète l'évolution du genre, démontrant comment il peut être à la fois un moyen d'expression personnel et une forme d'art sophistiquée. L'esthétique de l'estampe, marquée par l'interaction entre le talent calligraphique de Bojorquez et la sensibilité graphique de Slick, illustre le potentiel du street art à s'inscrire dans des mouvements artistiques plus vastes et à être reconnu dans le contexte plus large du pop art. En tant qu'œuvre mêlant street pop et graffiti, C/S II est un exemple éloquent de la capacité du genre à s'adapter et à évoluer tout en conservant ses principes fondamentaux. Elle rappelle l'influence durable d'artistes comme OG Slick et Chaz Bojorquez, qui continuent de façonner et d'inspirer la trajectoire du street art. À travers des œuvres comme celle-ci, ils veillent à ce que l'énergie vibrante, la contestation et la créativité des rues demeurent une composante essentielle de notre paysage culturel.

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Signes des crimes - Impression d'art encadrée rouge, durcie aux UV, sur panneau d'aluminium HD verni, œuvre d'art de l'artiste de culture pop urbaine Ron English - POPaganda. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020). Œuvre de 61 x 61 cm encadrée et prête à accrocher. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Le plus grand de tous les temps 2 Muhammad Ali x Floyd Patterson Œuvre d'art pop street Édition limitée Impression giclée sur papier aquarelle épais par l'artiste moderne Alec Monopoly Brand. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 36 x 24 pouces. Petite déchirure de 2,5 cm au milieu inférieur

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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En avant, Illinois ! Sérigraphie de Jay Ryan, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 230 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Œuvre d'art de format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. En avant, Illinois ! Sérigraphie de Jay Ryan L'estampe sérigraphique « Onward, Illinois! » de Jay Ryan célèbre le mouvement, la communauté et l'art narratif, mêlant ses créatures ludiques emblématiques à une composition à la structure unique. Créée en 2013, cette sérigraphie artisanale en édition limitée capture l'essence du pop art urbain et du graffiti, où des personnages vibrants symbolisent l'énergie et la résilience de l'Illinois. De format 45,7 x 61 cm, l'œuvre utilise des tons de couleurs sourds et audacieux ainsi qu'un trait fluide, signature de la démarche artistique de Jay Ryan. Symbolisme et style artistique Cette œuvre présente une carte stylisée de l'Illinois, foisonnant de personnages animaux expressifs qui semblent en mouvement, fonçant ensemble vers l'avant. La disposition dynamique de ces créatures, parmi lesquelles des lapins, des chiens et des figures abstraites, traduit un sentiment collectif de progrès et d'unité. Un drapeau jaune solitaire, brandi haut, constitue un élément marquant de la composition et renforce les thèmes du leadership, du mouvement et de la persévérance. Les textures dessinées à la main et les lignes organiques, signature de Ryan, accentuent la profondeur visuelle, tandis que la palette de couleurs restreinte, composée de bleus et de verts, confère à l'œuvre un caractère unique. L'utilisation de nuances subtiles et de techniques de sérigraphie en superposition donne à l'estampe une impression de mouvement, créant un effet captivant et presque animé. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de Jay Ryan est indissociable du street art et du graffiti, mêlant esthétique DIY et techniques d'impression contemporaines. Son trait audacieux, ses visuels narratifs et son utilisation des animaux comme figures symboliques s'inscrivent dans la lignée de nombreux thèmes du street art moderne. Si son travail est souvent associé aux affiches de concerts et à la scène artistique indépendante, il partage également un langage visuel commun avec les graffeurs urbains, qui utilisent le symbolisme et la répétition pour raconter des histoires dans l'espace public. Cette estampe illustre la fusion entre la sérigraphie d'art et l'énergie brute du street art, ce qui en fait une œuvre remarquable dans le domaine de l'affiche contemporaine. Son tirage artisanal et son édition limitée renforcent son authenticité et soulignent l'importance de l'art tactile et fait main dans un monde de plus en plus numérique. Héritage et impact culturel Ancrée dans la culture et le patrimoine artistique de l'Illinois, l'œuvre « En avant, Illinois ! » rend hommage à l'État et propose une réflexion plus large sur l'unité et la persévérance. Le récit de progrès et de parcours partagé qu'elle véhicule trouve un écho auprès des collectionneurs et des amateurs d'art urbain, faisant de cette estampe une pièce recherchée par les passionnés d'art narratif et artisanal. Jay Ryan continue d'influencer la sérigraphie moderne, l'art de l'affiche indépendante et l'esthétique pop urbaine, garantissant ainsi que des œuvres comme Onward, Illinois! restent des représentations très appréciées de la narration visuelle contemporaine.

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Frida La Muerte, œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste moderne de graffiti urbain Brian Viveros. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Impression giclée 40 x 50 cm (16 x 20 pouces). Frida La Muerte (Frida la Mort). Synthèse culturelle dans "Frida La Muerte" Brian Viveros, artiste urbain contemporain de graffiti reconnu pour sa fusion unique de street art et de graffiti, a profondément marqué les esprits avec ses tirages giclée en édition limitée. Parmi ses œuvres les plus acclamées figure le tirage « Frida La Muerte », une pièce qui se distingue non seulement par sa puissance visuelle, mais aussi par sa portée culturelle. Cette œuvre fait partie d'une série limitée, signée et numérotée par Viveros, ce qui souligne sa valeur et son potentiel de collection sur le marché de l'art. Dans « Frida La Muerte », Viveros rend hommage à Frida Kahlo, l'une des figures les plus emblématiques de l'histoire de l'art, tout en insufflant à l'œuvre sa touche d'audace caractéristique. Le tirage présente un portrait évocateur d'une figure rappelant Kahlo, ornée d'une couronne de roses et d'un maquillage de calavera (crâne), traditionnellement associé au Jour des Morts mexicain. La combinaison de ces éléments crée un puissant récit visuel qui unit la vie et la mort, un thème souvent exploré par Kahlo dans son œuvre. L'estampe giclée en édition limitée Cette estampe en édition limitée a été réalisée selon la technique de la giclée, qui consiste à projeter des micro-points d'encre pigmentée sur du papier ou une toile de haute qualité. Cette méthode est réputée pour ses couleurs éclatantes, la netteté de ses détails et sa durabilité, rivalisant avec les procédés d'impression argentiques et gélatino-bromure traditionnels. Mesurant 40 x 50 cm, « Frida La Muerte » offre un format idéal pour une contemplation intime, tout en étant suffisamment imposant pour habiller avec impact n'importe quel mur. Importance artistique et potentiel de collection Avec une édition limitée à seulement 100 exemplaires, « Frida La Muerte » jouit d'un attrait exclusif. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Viveros sont souvent séduits par sa rareté et la touche personnelle de l'artiste : chaque estampe est directement liée à sa vision créative. L'exclusivité de ces estampes les transforme de simples reproductions en objets de collection très recherchés au sein du monde de l'art. L'influence de Viveros sur le pop art urbain moderne L'influence de Viveros sur le paysage du street art et du graffiti est indéniable. Ses œuvres, dont « Frida La Muerte », se caractérisent par leur imagerie audacieuse, leurs détails minutieux et leur profondeur thématique. Ces qualités lui ont valu un public fidèle et ont suscité des débats sur l'évolution du street art et sa place dans le contexte plus large de l'art contemporain. « Frida La Muerte » de Brian Viveros incarne l'essence même du street art et du graffiti, mêlant iconographie culturelle et techniques artistiques modernes pour créer une œuvre unique. Le tirage en édition limitée renforce son attrait, en faisant une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Viveros. En tant qu'artiste, Viveros continue de repousser les limites du street art, bousculant les idées reçues et inspirant une nouvelle génération d'artistes et d'amateurs d'art.

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Ballon à visage souriant - Édition limitée jaune, embellie à la main, impressions pigmentaires HPM d'archives sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par Adam J O'Day, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ballon Smiley : Jaune • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Variante unique peinte à la main sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 61 x 61 cm. Peint à la main, signé et numéroté par l'artiste Adam J. O'Day, en édition limitée à 5 exemplaires. Adam J. O'Day « Ballon Smiley : Jaune » - Tirage unique peint à la main - 61 x 61 cm

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Robot #4 Édition limitée 5 couleurs, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Zane Thomas, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Format : 8,5 x 11 pouces. La vision artistique derrière la sérigraphie Robot de Zane Thomas « Robot », une sérigraphie artisanale en cinq couleurs, réalisée en édition limitée par Zane Thomas, est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti. Créée en 2013 et éditée à 50 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre illustre la capacité de Thomas à fusionner des éléments graphiques structurés avec l'énergie brute de l'art urbain. Mesurant 21,6 x 27,9 cm, elle témoigne de sa précision dans la superposition des couleurs grâce à la sérigraphie, un procédé qui accentue la profondeur, la texture et l'éclat des couleurs. Le thème robotique évoque les notions contemporaines de technologie, d'automatisation et de relation évolutive entre l'humain et la machine, conférant à cette œuvre une force visuelle indéniable et une pertinence conceptuelle indéniable. Le rôle de la robotique dans le street art et le graffiti La représentation des robots dans le street art et le graffiti reflète souvent les débats culturels autour de l'innovation, de l'intelligence artificielle et de l'industrialisation. Dans le cas de « Robot » de Zane Thomas, la composition fait probablement référence à ces thèmes tout en intégrant des éléments graphiques audacieux qui la distinguent au sein du mouvement street art. L'esthétique mécanique, combinée à une utilisation dynamique de la couleur, inscrit l'œuvre dans un récit plus vaste explorant l'intersection entre technologie et créativité. Le trait, à la fois net et expressif, suggère un goût pour la précision et la spontanéité, un équilibre essentiel dans l'art urbain contemporain. La sérigraphie et son impact sur l'œuvre d'art La sérigraphie est une composante essentielle du processus artistique de Robot, permettant une application à la fois maîtrisée et expérimentale de la couleur et de la forme. La technique de superposition de cinq couleurs accentue le contraste et la profondeur, conférant à l'estampe une riche présence visuelle. Les sérigraphies réalisées à la main sont depuis longtemps associées au pop art urbain et au graffiti, en raison de leur capacité à produire de multiples variations distinctes d'une même image. Chaque estampe de cette édition présente de légères variations qui la rendent unique, renforçant l'idée que l'art urbain privilégie le savoir-faire et l'authenticité à la production de masse. La signification culturelle du robot par Zane Thomas L'œuvre « Robot » reflète les angoisses et la fascination contemporaines pour l'intelligence artificielle et la mécanisation. En intégrant des images robotiques à une technique artisanale comme la sérigraphie, Zane Thomas crée un pont entre progrès technologique et techniques artistiques traditionnelles. Ce contraste met en lumière le dialogue permanent entre processus numériques et analogiques dans l'art, à l'image des mutations sociétales plus larges. L'œuvre reste pertinente dans les débats sur le rôle de la technologie dans la vie quotidienne, tout en conservant l'attrait esthétique du pop art urbain et du graffiti. Tirée en édition limitée, elle revêt une valeur particulière pour les collectionneurs sensibles à la fusion de thèmes futuristes et de l'énergie brute des techniques d'impression artisanales.

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Faites place au vide. Sérigraphie de Jim Houser, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2009. Format : 11 x 14 pouces. Sérigraphie. Sérigraphie « Make Room for the Emptiness » de Jim Houser « Make Room for the Emptiness » est une sérigraphie six couleurs captivante de Jim Houser, artiste dont l'œuvre se situe entre le Street Pop Art et le graffiti. Créée en 2009, cette pièce reflète le langage visuel distinctif de Houser, combinant iconographie, symbolisme et éléments animaliers pour créer des compositions qui communiquent des récits complexes et suscitent des émotions fortes. L'œuvre mesure 23 x 30,5 cm sur un papier beaux-arts de 28 x 35,5 cm, méticuleusement tiré à la main pour garantir une qualité d'impression optimale. Ce procédé permet de reproduire avec précision et profondeur les couleurs vives et les détails minutieux qui caractérisent le travail de Houser. Tirée à seulement 200 exemplaires, « Make Room for the Emptiness » est une pièce exclusive et recherchée par les amateurs et les collectionneurs. Chaque exemplaire est signé et numéroté, attestant de son authenticité et de l'implication directe de l'artiste dans sa création. L'œuvre de Houser explore souvent l'interaction entre les animaux et les images, où chaque élément influence l'autre pour créer un tout cohérent. « Make Room for the Emptiness » illustre parfaitement cette approche, avec son personnage visuellement saisissant se détachant sur un fond épuré. Le dynamisme de la pièce est palpable : le regard du personnage et les éléments environnants entraînent le spectateur dans un récit à la fois personnel et universel. Le titre, « Make Room for the Emptiness », suggère une approche contemplative de l'espace, tant physique qu'émotionnel. L'œuvre de Houser invite les spectateurs à considérer les vides et les espaces de leur vie, peut-être comme des espaces potentiels de croissance ou de réflexion. À l'instar de nombreuses œuvres de Houser, cette pièce transcende le visuel pour devenir un objet de méditation, encourageant l'introspection et l'interprétation. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, Jim Houser se distingue comme un artiste qui fait le lien entre la culture urbaine et les beaux-arts. Son travail conserve l'immédiateté et l'accessibilité du street art tout en intégrant le raffinement et la complexité des œuvres destinées aux galeries. « Make Room for the Emptiness » témoigne de cet équilibre, incarnant la force brute et expressive du graffiti avec la précision et la technique de la sérigraphie. De plus, chaque estampe est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé et numéroté, garantissant son origine et son statut d'œuvre authentique de Houser. Ce document atteste de l'authenticité de l'estampe et renforce sa valeur en tant que témoignage du travail de l'artiste. « Make Room for the Emptiness » est une œuvre majeure dans le corpus de Jim Houser, illustrant son approche unique de la création artistique. Cette sérigraphie en édition limitée est un exemple éclatant de la manière dont le Street Pop Art et le graffiti peuvent être visuellement captivants et émotionnellement profonds. L'intégration du texte et de l'image par Houser, combinée à son utilisation nuancée de la couleur et de la forme, crée une œuvre riche de sens et propice à la réflexion. Comme pour toutes ses œuvres, cette estampe invite le spectateur à une interaction personnelle avec l'art, offrant une fenêtre sur l'univers et les paysages intérieurs de l'artiste.

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Nova Limited Edition Archival Pigment Print sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par Dan Quintana, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L'œuvre avait un thème central, lié à son titre : Nova. Ici, la Terre, resplendissante de vie comme une étoile dans l'univers, est vouée à disparaître sous l'effet de l'humanité, évoluant inévitablement en supernova pour finalement exploser en une cataclysme stellaire. Boum ! Le tableau s'inspire d'un dessin similaire intitulé « Destructo ». L'idée provient de toutes les histoires et allégories d'autodestruction de l'humanité. » – Dan Quintana

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Half Perfumed Helter Skelter Square, reproduction giclée de la magnifique peinture de Damien Hirst, œuvre d'art en édition limitée sur toile polycoton, artiste graffiti pop de rue. 2023. Estampe originale unique signée. Format : 70 cm x 70 cm (27,56 po x 27,56 po). Titre : « Magnifique peinture à moitié parfumée Helter Skelter ». H12-6-150 Exploration du monde fascinant de Damien Hirst L'œuvre « Beautiful Half Perfumed Helter Skelter Painting » de Damien Hirst témoigne avec éclat de la fusion entre le pop art urbain et le graffiti, et les techniques raffinées de la gravure moderne. Cette œuvre de 2023, appartenant à la série « The Beautiful Paintings », est une édition limitée d'impression giclée sur toile polycoton, un choix qui garantit sa durabilité et la fidélité de ses couleurs. Chaque exemplaire est signé par Hirst, soulignant ainsi son originalité et la touche personnelle de l'artiste. L'œuvre, de forme carrée parfaite (70 cm de côté), permet aux détails complexes et à la palette de couleurs explosive de captiver pleinement le regard. Montée sur un châssis en contreplaqué de bouleau, l'œuvre de Hirst transcende le format d'impression traditionnel, offrant une profondeur et une présence proches de celles d'une peinture. Le titre, « Beautiful Half Perfumed Helter Skelter Painting », suggère une fusion d'expériences sensorielles et une plongée vertigineuse dans l'esthétique psychédélique de l'artiste. Hirst, figure emblématique du mouvement des Young British Artists, est connu pour repousser les limites de l'art grâce à ses méthodes non conventionnelles et ses thèmes qui suscitent la réflexion. La contribution unique de Damien Hirst à l'art contemporain « Beautiful Half Perfumed Helter Skelter Painting » illustre l'exploration par Hirst de la beauté chaotique inhérente au monde, un thème récurrent dans son œuvre. Le procédé d'impression giclée, reconnu pour sa reproduction d'art de haute qualité, sublime les motifs complexes de Hirst. La toile en polycoton utilisée pour ces impressions présente une surface texturée qui enrichit l'expérience visuelle d'une dimension tactile. Le montage sur contreplaqué de bouleau confère à l'œuvre une base solide, établissant un pont entre la peinture sur toile traditionnelle et l'estampe d'art contemporain. L'œuvre est une explosion de couleurs qui imite la force centrifuge d'un toboggan, une attraction foraine en spirale, entraînant le spectateur dans un tourbillon de couleurs et de formes. L'œuvre de Hirst est souvent une réflexion sur la complexité de l'existence humaine, et cette pièce ne fait pas exception. À travers son art, Hirst nous invite à méditer sur la nature cyclique de la vie, l'interaction entre l'ordre et le chaos, et la fragilité de nos perceptions. Dans l'univers du street art et du graffiti, « Beautiful Half Perfumed Helter Skelter Painting » de Damien Hirst est une œuvre monumentale qui allie l'accessibilité du street art à l'exclusivité des tirages en édition limitée. Cette œuvre, ainsi que d'autres de la série « The Beautiful Paintings », témoigne du statut d'artiste qui repousse sans cesse les limites de la technique et du concept. Le format carré de la pièce, souvent associé à l'équilibre et à la symétrie, est bouleversé par un tourbillon de couleurs, une juxtaposition typiquement hirstienne. « Beautiful Half Perfumed Helter Skelter Painting » est une pièce incontournable pour les amateurs d'art moderne désireux d'acquérir une œuvre de cet artiste renommé. Le tirage est une œuvre audacieuse, mêlant l'utilisation caractéristique des couleurs vives par l'artiste à la précision de l'impression giclée, pour un résultat aussi stimulant intellectuellement que visuellement saisissant. Faisant partie d'une édition limitée, cette œuvre d'art témoigne de l'esprit novateur de Hirst et de son engagement indéfectible à explorer les potentiels esthétiques de l'art contemporain.

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ASVP Figure No 18 Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art par l'artiste de graffiti de la culture pop ASVP. Tirage en édition limitée inspiré d'un des premiers motifs de notre série SUPER MATTER. Estampé, signé et numéroté au crayon au recto. Année : 2018. Tirage : 100 exemplaires. Dimensions : 45,7 cm x 61 cm. Technique : Impression jet d'encre Ultrachrome. Papier : Epson Legacy Etching, 300 g/m², 100 % coton.

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Impression giclée en édition limitée, œuvre d'art pop street Power Sword, sur papier d'art fin à bords frangés à la main, par l'artiste moderne de graffiti urbain Madsaki x MOTU. Édition limitée 2022 19,3 x 24,75 L'artiste contemporain de renom Madsaki voue une véritable passion aux Maîtres de l'Univers. À son arrivée aux États-Unis, le dessin animé original l'a aidé à apprendre l'anglais, tandis que les productions des années 80 ont nourri son imagination artistique. Cette estampe (réalisée selon sa technique caractéristique à l'acrylique et à l'aérosol sur toile) met en scène les Maîtres en pleine action, avec ses couleurs et son style inimitables. On y voit notamment Musclor et Man-At-Arms affronter Skeletor et Beast Man.

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Lucky Cat - Œuvre d'art pop street jaune, impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Shane Jessup. Série de 10 exemplaires numérotés et signés de 2013 (5x5)

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Défi Pop Street Artwork Tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signé au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 8,25 x 11,75. Inspiré de l'art du sable de Sunae.

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Étude de motif - Sculpture de chaussure de basket en cuir bleu en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Ceeze Fine Art. Sculpture murale signée 2021, édition limitée n° 1 sur 50. Dimensions : 17 x 20 x 1,2 cm. Inspirée de la chaussure Air Jordan 2 bleue HPM. Œuvre d'art de Ceeze. Encadrée et prête à accrocher. En hommage à l'emblématique Air Jordan 2 « Blue » de Don C, Ceeze revisite ce coloris à travers un patron déstructuré d'Air Jordan 1. L'artiste utilise du daim pleine fleur et du cuir nappa d'agneau, découpant et assemblant les pièces du patron, chacune accompagnée d'une légende, sur une toile encadrée, signée et numérotée. Dimensions : 17 x 20 x 1,2 cm.

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Lux Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier épais naturel pressé à froid de 340 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Wendy Ortiz. Papier : Papier beaux-arts épais naturel pressé à froid 340 g/m² Encre : Epson Ultrachrome HDR Format : 8" x 12" sur 11" x 14" Édition : 75 Imprimé par : Rhino Barking Sparrow Signé et numéroté à la main par l'artiste.

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Mme Rainbow Flower - SP 13 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier d'art de Takashi Murakami TM/KK, art de rue rare, artiste pop célèbre. Épreuve d'artiste SP State Artist Proof 2020, signée, édition limitée à 25 exemplaires. Rare sérigraphie de Takashi Murakami TM/KK, « Ms. Rainbow Flower », 50 x 50 cm (19,68 x 19,68 po). L'attrait des éditions limitées dans le street art pop : Ms. Rainbow Flower de Takashi Murakami L'œuvre de Takashi Murakami, « Ms. Rainbow Flower - SP 13-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper », illustre avec force la relation symbiotique entre le pop art urbain et les estampes en édition limitée. Figure emblématique du mouvement pop art, Takashi Murakami étend son champ d'expression au street art, brouillant les frontières entre art commercial et art savant. Cette épreuve d'artiste (EA) de 2020 témoigne du style unique de Murakami, qui mêle esthétique japonaise traditionnelle et culture pop contemporaine, créant une représentation colorée et optimiste, en résonance avec l'esprit du pop art et la spontanéité du street art. Cette œuvre fait partie d'une édition SP (Special Proof) exclusive de 25 exemplaires, soulignant la rareté et la valeur des éditions limitées sur le marché de l'art. Les épreuves d'artiste sont traditionnellement les premiers tirages d'une série, conservés de côté en raison de leur statut particulier et souvent signés de la main de l'artiste. La signature de Murakami sur « Ms. Rainbow Flower » authentifie l'estampe et souligne son importance en tant qu'œuvre issue directement du processus créatif de l'artiste. Chacune des treize couleurs est extraite à la main, un processus méticuleux et exigeant, qui confère à chaque estampe un caractère unique, même au sein d'une série. Takashi Murakami et son influence sur le pop art et le street art modernes L'influence de Murakami sur le pop art et le street art modernes est considérable. Son œuvre se caractérise souvent par des couleurs vives et éclatantes, ainsi que par l'intégration de motifs issus de la culture japonaise traditionnelle et populaire. Sa création, « Ms. Rainbow Flower », avec sa personnalité joyeuse et ses teintes psychédéliques, illustre parfaitement le « Superflat », un mouvement artistique post-moderne initié par Murakami, qui aplatit l'image et brouille les frontières entre les différents genres artistiques. Cette pièce, réalisée à la main selon la technique de la sérigraphie, rend également hommage aux méthodes du street art et du graffiti, où la main de l'artiste est essentielle à l'authenticité de l'œuvre. Mesurant 50 x 50 cm (19,68 x 19,68 pouces), cette sérigraphie est un format de collection, la rendant accessible aux amateurs d'art et aux collectionneurs avertis. Tirée à seulement 25 exemplaires, elle est rare et occupe une place de choix dans le monde du pop art et du graffiti. Les collectionneurs d'œuvres de Murakami apprécient leur attrait visuel et le commentaire sous-jacent que l'artiste intègre souvent à ses créations. « Ms. Rainbow Flower » de Murakami n'est pas une simple pièce décorative ; elle porte en elle le poids des symboles culturels et la fantaisie du pop art, imprégnée des interrogations philosophiques de l'artiste sur le monde de l'art et ses liens avec le commerce. Le rôle des éditions limitées dans le street art pop et le graffiti Les tirages en édition limitée comme « Ms. Rainbow Flower » jouent un rôle crucial dans la diffusion du street art et du graffiti. Ils permettent à ces formes d'art, traditionnellement éphémères, d'être préservées et appréciées au fil du temps. Dans le cas de « Ms. Rainbow Flower », le tirage limité est particulièrement significatif, car il représente un moment clé du parcours artistique de Murakami, capturant l'essence de son style en 2020. Posséder une telle œuvre, c'est participer à l'histoire du street art, de sa création dans la rue jusqu'à son intégration dans les galeries et les collections privées. Le statut d'épreuve d'artiste de ce tirage en fait un pont entre les archives de Murakami et le public. Il souligne la relation intime entre l'artiste et son œuvre, offrant un aperçu de son processus créatif et de l'élaboration de l'édition finale. Pour l'artiste, ces épreuves constituent un terrain d'expérimentation créatif avant la finalisation de la série. Pour le collectionneur, elles représentent un fragment de l'héritage de l'artiste, dont la valeur est susceptible d'augmenter avec le temps grâce à leur rareté et au prestige associé aux éditions limitées. En résumé, « Ms. Rainbow Flower - SP » de Takashi Murakami est bien plus qu'une simple représentation du pop art urbain et du graffiti ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit de son époque et la vision artistique de l'une des figures les plus influentes de l'art contemporain. Son existence en édition limitée souligne l'importance de la rareté et de l'interaction avec l'artiste dans le monde de l'art, offrant aux collectionneurs l'opportunité de posséder un fragment de l'univers vaste et coloré de Murakami.

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Hollywood Nights, tirages d'art en édition limitée sur papier chiffon coton Entrada 290 g/m², réalisés par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Faile. Estampe « Hollywood Nights » 71 x 107 cm (28 x 42 pouces) ; encre d’archivage sur papier chiffon de coton Entrada 290 g/m² ; édition limitée à 400 exemplaires ; estampée, signée et numérotée ; FAILE 2021

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« You Reaper You Sower » - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs noires sur papier Coventry Rag 290 g/m² par Cleon Peterson, artiste de street art et de pop art. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée.

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Ornement découpé en forme de squelette - Œuvre d'art pop street rose, impression giclée en édition limitée sur objet en papier articulé par l'artiste moderne de graffiti urbain KAWS. Crâne KAWS articulé imprimé 2021, 20x40, neuf dans son emballage d'origine Art urbain pop et graffiti : une expression articulée Le pop art urbain et le graffiti incarnent le pouls de la culture urbaine contemporaine, capturant la nature vibrante et souvent éphémère de la vie citadine. L'œuvre décrite comme « Ornement découpé en carton squelette - Art pop urbain rose » est une pièce emblématique qui incarne l'essence même de ce mouvement. Tirage giclée en édition limitée sur objets en papier articulés, réalisé par l'artiste de graffiti urbain contemporain KAWS, cette œuvre se distingue par son mélange unique de délicatesse artistique et d'énergie brute propre au street art. Le rose, dans cette œuvre, est un choix délibéré qui remet en question les associations chromatiques traditionnelles. Souvent associé à la douceur et à la féminité, le rose est ici réinterprété pour créer une affirmation audacieuse. Appliquée à la forme squelettique, cette teinte vive insuffle à l'œuvre une vitalité inattendue qui contraste avec le symbolisme souvent sombre des crânes. C'est ce type de juxtaposition qui fait la force du pop art urbain : une contradiction visuelle qui incite le spectateur à questionner et à réinterpréter les symboles et leurs significations. KAWS et l'objet en papier articulé KAWS, dont l'œuvre brouille souvent les frontières entre art commercial et art conventionnel, utilise abondamment des objets en papier articulés. Ce médium permet une interaction et un engagement physique rarement rencontrés dans les formes d'art traditionnelles. L'inscription « 2021 Printed Moveable KAWS Skull 20x40 » indique les dimensions physiques de la pièce, suggérant une échelle grandeur nature, ainsi que l'année de sa création, la situant ainsi dans le parcours artistique de KAWS. La notion de mouvement inhérente à l'objet en papier articulé remet en question la nature statique de la mort que représente généralement le squelette. Au contraire, le crâne de KAWS est dynamique, ludique, voire fantaisiste, se mouvant d'une manière qui célèbre la vie et la créativité. Cet aspect mobile de l'œuvre reflète les rues qui ont vu naître cette forme d'art : vivantes, en perpétuelle évolution et en interaction avec ceux qui les découvrent. Impression giclée en édition limitée La mention « Édition limitée » souligne l'exclusivité de l'œuvre et la qualité du procédé utilisé pour sa création. L'impression giclée est réputée pour sa capacité à reproduire des couleurs profondes et riches, ce qui en fait une technique de choix pour les œuvres exigeant une grande fidélité chromatique. Son utilisation dans le street art pop représente une convergence fascinante entre la reproduction de haute technologie et l'esprit souvent DIY du street art, permettant à un public plus large de partager et d'apprécier l'œuvre tout en préservant un sentiment de rareté et de valeur. Dans cette pièce, le rose remplit une double fonction : il attire le regard et commente l'accessibilité et la démocratisation de l'art. En choisissant une couleur qui parle à un large public, KAWS invite une audience diversifiée à interagir avec son œuvre. Le squelette devient un symbole universel de l'humanité et un support pour explorer des thèmes de société tels que l'identité, le consumérisme et la marchandisation de l'art. L'ornement découpé en carton-squelette rose incarne l'irrévérence ludique et l'engagement critique qui caractérisent la démarche artistique de KAWS. Il témoigne du pouvoir transformateur du pop art urbain. Ce mouvement a canalisé l'énergie brute du graffiti vers une forme d'expression artistique à la fois sophistiquée et accessible. Avec ses membres articulés et sa couleur rose vif, l'œuvre est un sujet de conversation stimulant, invitant à des interprétations et des échanges qui font le lien entre l'intention de l'artiste et l'imaginaire du public.

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Pedro, l'œuvre difforme de mon fils, impression giclée en édition limitée sur papier d'archivage 100% coton par l'artiste de graffiti de la culture pop Barnaby Ward. Il s'agit d'une reproduction d'art giclée de qualité galerie, imprimée sur du papier d'archivage 100 % coton avec des encres d'archivage. Chaque tirage est proposé en fonction de son format et comporte une marge d'au moins 2,5 cm.

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Protégez votre grill Naughty by Nature AP Sérigraphie de Mark Drew Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop et graffiti de rue. Épreuve d'artiste AP 2018, signée et marquée AP, édition limitée, dimensions : 11,73 x 16,5 pouces. Exploration des récits urbains dans la sérigraphie de Mark Drew « Guard Your Grill Naughty by Nature » ​​est une sérigraphie saisissante de l'artiste Mark Drew, qui capture l'énergie brute et l'esprit de la culture urbaine. Tirage d'artiste de 2018, cette sérigraphie artisanale sur papier d'art de qualité supérieure fait partie d'une édition limitée qui illustre la fusion entre art urbain, graffiti et culture pop. L'œuvre, de 29,8 x 41,9 cm, est signée par l'artiste et porte la mention AP, attestant de son statut d'épreuve rare et précieuse au sein de l'édition. Cette pièce témoigne de la maîtrise de Drew dans l'art de combiner textes et images pour créer une œuvre aussi évocatrice qu'esthétiquement marquante. Son titre, « Guard Your Grill », fait référence à une chanson du groupe hip-hop Naughty by Nature, suggérant un thème de vigilance et de résilience. Le travail de Drew explore souvent le lexique du hip-hop, transposant son langage dans un format visuel qui trouve un écho auprès d'un large public. L'association de ces paroles à des images rappelant les bandes dessinées classiques témoigne de l'approche caractéristique de l'artiste en matière de Street Pop Art et de graffiti, où il transcende les fossés générationnels et culturels pour offrir un commentaire sur la société contemporaine. Le processus artistique et l'impact culturel de Mark Drew La démarche artistique de Mark Drew repose sur un équilibre subtil entre techniques artisanales et exploration thématique de la culture urbaine et pop. La sérigraphie, procédé de prédilection des artistes urbains et pop pour sa capacité à produire des lignes nettes et éclatantes, permet à Drew de créer des œuvres à la fois modernes et intemporelles. L'épreuve d'artiste de « Guard Your Grill » souligne la méticulosité de sa pratique ; ces épreuves sont généralement réalisées avant le tirage principal afin de garantir la qualité de l'impression et sont souvent conservées par les artistes eux-mêmes ou vendues comme objets de collection. L'intégration par Drew des paroles de hip-hop dans son travail dépasse le simple hommage au genre ; elle devient un vecteur de commentaire culturel. En sélectionnant des expressions issues de la culture hip-hop et en les intégrant à des motifs visuels de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, Drew instaure un dialogue entre passé et présent, culture élitiste et culture populaire, courant dominant et marginal. Ce dialogue est une caractéristique essentielle du Street Pop Art, où l'interaction de différents éléments culturels peut mener à une compréhension plus profonde des enjeux abordés. L'impact culturel de l'œuvre de Drew est considérable. En immortalisant le langage du hip-hop à travers l'art visuel, il préserve et honore l'importance culturelle de ce genre musical tout en enrichissant le débat qui l'entoure. Ses œuvres, comme « Guard Your Grill », sont de véritables artefacts culturels qui capturent l'esprit de leur époque et offrent aux générations futures une perspective unique pour comprendre le contexte historique du mouvement hip-hop des années 90. Grâce à son art, Drew continue d'enrichir la riche palette du street art et du graffiti, garantissant ainsi sa pertinence et son accessibilité à un public diversifié et international.

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Contemplación de la Ira II Édition limitée, gravure à la main sur papier d'art Guarro Canson Super Alfa 320 g/m² par Mazatl, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Linogravure signée, 2022, sur papier chiffon coton Guarro Canson Super Alfa 320 g/m². Dimensions : 56 x 75,5 cm. Sortie : 17 janvier 2022. Tirage : 50 exemplaires.

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Dominion Unto A Dead Dreamer, édition limitée, impression giclée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Influence législative à vendre - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, 2 couleurs, sur papier beaux-arts, par Shepard Fairey - Art urbain rare - OBEY Pop Artwork Artiste. Édition limitée signée et numérotée de 450 exemplaires (2011). Œuvre sérigraphiée de propagande démocrate de 18 x 24 pouces représentant le président des États-Unis Ronald Reagan tenant une pancarte sur laquelle on peut lire « Influence législative à vendre », comme si l'un des camps était innocent. « Influence législative à vendre » est une œuvre visuelle percutante du célèbre artiste de rue Shepard Fairey, connu internationalement sous le pseudonyme d'OBEY. Créée en 2011, cette sérigraphie artisanale en édition limitée sur papier d'art est d'une rareté exceptionnelle : seuls 450 exemplaires signés et numérotés existent. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette pièce est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un manifeste socio-politique qui invite le spectateur à s'interroger sur les rouages ​​du pouvoir, de la politique et de l'influence. Le choix iconographique de Fairey est à la fois audacieux et stimulant. Il représente le 40e président des États-Unis, Ronald Reagan, tenant une pancarte proclamant : « Influence législative à vendre ». Cette représentation saisissante suggère l'interaction complexe entre les agendas politiques, les influences financières et le lobbying, laissant entendre que même les plus hautes sphères du pouvoir ne sont pas à l'abri de la corruption ou des abus de pouvoir. De plus, la juxtaposition astucieuse opérée par l'artiste, suggérant l'innocence d'un camp, joue avec l'ambiguïté de la rectitude politique, incitant à une réflexion sur les nuances de la moralité politique. Dans les domaines du pop art, du street art et du graffiti, les artistes tendent souvent un miroir à la société, encourageant l'introspection, la critique et, parfois, l'activisme. L'œuvre de Shepard Fairey s'inscrit pleinement dans cette tradition. Son utilisation délibérée de la sérigraphie, technique historiquement associée aux beaux-arts (comme chez Andy Warhol) et à la contestation (rappelant les affiches et les tracts), souligne l'alliance de la beauté esthétique et de la force du message. Avec « Legislative Influence For Sale », Fairey non seulement consolide sa place au panthéon des légendes du street art, mais relance également des débats essentiels sur la démocratie, l'intégrité et les dangers potentiels d'un pouvoir sans contrôle.

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Face Invader - Resting Bitch Face Original Hand-Painted Multiple (HPM) on Wood Cradled Panel ready to hang by Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Je voulais faire quelque chose de spécial pour la série qui coïnciderait avec l'exposition. L'idée m'est venue de ne pas me contenter d'une simple estampe rehaussée à la main, mais de créer une série de pièces peintes à la main. Pas de pochoirs ni de sérigraphies : je souhaitais proposer des pièces authentiquement peintes, accessibles à tous. Malgré mon enthousiasme, il me fallait trouver comment réaliser ce projet dans un délai raisonnable. Sans oublier la difficulté de trouver 10 images que je pourrais reproduire presque à l'identique 20 fois. J'ai également eu l'idée de faire revenir certains visages apparus dans mes œuvres précédentes, des personnages que Detroit m'a inspirés. Je dois ajouter que ce projet a été l'un des plus laborieux que j'aie entrepris. Mon assistant et moi y avons consacré plus de 500 heures. Chaque panneau a été travaillé avec une minutie extrême. » - BASK

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Quetzal sur papier beaux-arts 330 g/m² par Stinkfish, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre est inspirée d'une photo que j'ai prise en mai dernier dans le quartier gitan de Zorroza, à Bilbao (Espagne). L'année suivante, je peignais un mur avec mon ami Malk quand de nombreux enfants sont venus nous interroger et jouer autour. À la fin, toute la famille était réunie, dont une petite fille aux yeux perçants et à l'énergie si particulière et étrange. » – Stinkfish

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste moderne Natalia Fabia, intitulée « Safari Girl Pile Artwork ». Édition limitée signée 2010 33x26

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