Estampe Beaux-Arts

Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Blotter Paper Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé par Modern Pop Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Love Tripping - Papier buvard d'art en édition limitée bleu, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Mr Andre. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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« A Warm Bed », tirage d'art en édition limitée, pigmentaire et d'archives sur papier beaux-arts, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Casey Weldon. 2021 Casey Weldon « Un lit chaud » Tirage pigmentaire d'archives, édition limitée à 50 exemplaires, signé et numéroté par l'artiste, 45,7 x 35,6 cm

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Les Douze : Portez vos Jays - Jordan 2 - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art par Eric Pagsanjan, artiste de rue. Signée et numérotée. Sérigraphie, édition limitée à 23 exemplaires, réalisée pour ComplexCon Chicago 2019. Dimensions : 28 x 22 cm.

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« Tell Your Bumps », tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Peeta, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre fait partie d'une production de 2011. La plupart des toiles que j'ai peintes durant la dernière partie de cette année-là suivent la même tendance : la superposition de coups de pinceau fictifs sur une structure 3D. Cette pratique m'a inspiré de nouveaux effets volumétriques et dynamiques. À chaque nouvelle toile, je cherche à optimiser l'utilisation des couleurs, de la lumière et des ombres pour obtenir un résultat tridimensionnel. La superposition d'éclaboussures de couleur sur les lettres accentue leur tridimensionnalité, les transformant en objets réels qui non seulement projettent des ombres, mais reçoivent aussi, ou masquent, les touches et les coups de pinceau successifs. » – Peeta

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Série Preservation-Sustain, impression giclée en édition limitée sur papier aquarelle italien pressé à froid, par l'artiste de graffiti pop culture Dave Kinsey. Tirages d'art giclée sur papier aquarelle italien à grain fin, avec bords frangés à la main. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Dollar Sign - State 4 Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main Impression sérigraphique HPM sur toile par Steve Kaufman Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Épreuve d'artiste (AP), non tendue, neuve, directement de l'artiste en 2002

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Sérigraphie bleue « Selfie Gun » de Joan Cornellà, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 250 exemplaires, signée et numérotée, 2024. Format : 16,14 x 22,44 cm. Sérigraphie. Selfie Gun Blue Sérigraphie de Joan Cornellà « Selfie Gun Blue » est une sérigraphie de 2024 de l'artiste espagnol Joan Cornellà, connu pour son regard satirique et sans concession sur la vie moderne. Tirée à la main sur papier d'art, cette œuvre en édition limitée à 250 exemplaires est signée et numérotée. Mesurant 41 x 57 cm, elle offre un impact visuel saisissant grâce à ses lignes épurées, ses aplats de couleur et une composition qui capture l'humour absurde caractéristique de Cornellà. L'image représente une silhouette souriante tenant une perche à selfie surmontée non pas d'un téléphone, mais d'un pistolet pointé directement sur sa tempe. Le fond bleu cyan vif contraste fortement avec la thématique sombre de l'image, faisant écho aux codes esthétiques du design commercial tout en livrant une critique acerbe. Joan Cornellà et l'extrémisme satirique dans l'art urbain pop et le graffiti Joan Cornellà, né en 1981 à Barcelone, s'est imposé comme une figure incontournable de l'évolution du street art et du graffiti. Son langage visuel est immédiatement reconnaissable : personnages souriants, lignes épurées et caricaturales, couleurs saturées servent de support à des réflexions incisives, souvent teintées d'un humour noir, sur la société. « Selfie Gun Blue » illustre parfaitement la démarche de Cornellà : une scène en apparence joyeuse qui, à y regarder de plus près, révèle une réalité profondément troublante. Cette tension entre style et substance est une caractéristique essentielle de son œuvre. Dans cette sérigraphie, la fusion d'un objet du quotidien avec un instrument de violence crée une métaphore saisissante de la technologie, de l'égocentrisme et de la culture superficielle de la validation numérique. Technique et économie visuelle comme outils subversifs La force de cette œuvre réside dans son économie visuelle. Point de superflu, point de narration en arrière-plan, point d'explication textuelle. Chaque élément du cadre est calculé et précis. Cornellà utilise la simplicité comme une forme de satire, dépouillant ses personnages de toute individualité tout en accentuant leur impact symbolique. Le costume, le sourire et le regard vide de l'homme sont rendus dans des teintes primaires vives, le réduisant à un archétype. Le pistolet, rendu dans des tons gris et roses feutrés, contraste fortement tout en s'intégrant parfaitement à la composition. Cette sérigraphie artisanale témoigne de la maîtrise de Cornellà dans l'art de la superposition de couleurs plates, une technique classique de l'impression d'art ici réinterprétée au service d'un commentaire contemporain. L'ironie moderne encapsulée par l'absurdité visuelle « Selfie Gun Blue » n'est pas qu'une simple plaisanterie visuelle ; c'est une réflexion percutante sur le détachement social. Cornellà utilise une esthétique joyeuse pour critiquer des problèmes bien réels : le narcissisme, la désensibilisation et la marchandisation de l'identité dans l'espace numérique. À travers le Street Pop Art et le graffiti, il confronte le spectateur à des vérités dérangeantes, dissimulées sous des apparences lisses. Son œuvre a trouvé un écho international, dans les galeries, les livres et les installations publiques, car elle force à se confronter aux absurdités des comportements modernes en utilisant précisément les codes visuels qui nous sont devenus familiers et rassurants. Cette œuvre, comme une grande partie du travail de Cornellà, exige non seulement une observation attentive, mais aussi une introspection, incitant le spectateur à s'interroger sur les implications cachées de chaque sourire filtré.

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Recherche d'harmonie - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée, embellis à la main, sur papier d'art Moab 290 g/m² par Meggs, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Les pratiques coopératives de Meggs l'ont amené à collaborer avec divers artistes et marques issus de cultures du monde entier. Ses collaborations commerciales avec des entreprises telles que Nike, Stussy, Addict, New Balance, Burton et Endeavor Snowboards ont contribué à l'évolution constante de son talent et à l'élargissement de son champ de créations et d'idées.

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Chargeuse frontale, édition limitée, sérigraphie artisanale 7 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 18 x 24 pouces. Sept écrans sur papier Speckletone français. Édition signée et numérotée à 240 exemplaires. Sortie le 25 novembre 2014.

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L'œuvre d'art « The Icky Apprentice », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky. Édition limitée signée 2011

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Épreuve d'artiste (AP) imprimée en typographie rose « Chateau André » par M. André Saraiva, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Neenah Classic Crest blanc naturel 100#, style graffiti, street art et pop. Épreuve d'artiste AP 2023, signée et numérotée, édition limitée à 100 exemplaires, format 16 x 20 pouces, impression typographique M. André Saraiva Château André Rose Typographie AP Épreuve d'artiste 2023 L'épreuve d'artiste « Château André Pink » 2023, signée André Saraiva, est une œuvre à la fois ludique, élégante et emblématique de son approche unique du street art, du pop art et du graffiti. Tirée en typographie monochrome sur papier d'art Neenah Classic Crest Natural White 100#, cette édition de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) allie le raffinement de la gravure traditionnelle à la spontanéité et au charme du style graffiti d'André. Signée, estampillée « Épreuve d'artiste » et faisant partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, cette estampe bénéficie de la grande valeur des épreuves d'artiste dans le monde de l'estampe. Langage visuel et motifs iconiques Entièrement imprimée à l'encre rose tendre, l'œuvre met en scène Mr. A, le personnage de graffiti mondialement connu d'André Saraiva, dansant joyeusement parmi des bouteilles, des blocs de construction et des étoiles tourbillonnantes. Ses yeux barrés, son large sourire et son corps triangulaire longiligne capturent l'esprit espiègle qui caractérise le personnage depuis ses premières apparitions sur les murs parisiens dans les années 1990. Dans cette composition, Mr. A semble célébrer avec une insouciance totale, entouré d'objets fantaisistes évoquant la vie nocturne, le jeu et la créativité artistique. Les lignes libres et gestuelles et les formes simples témoignent du talent d'André pour transformer des formes minimales en une narration expressive, restant fidèle à ses racines graffiti tout en les sublimant grâce à l'estampe d'art. Château Marmont et contexte culturel L'imprimé est superposé à l'emblématique papier à en-tête du Château Marmont, un clin d'œil à ce légendaire hôtel de Los Angeles, profondément ancré dans l'histoire créative d'Hollywood. Depuis son ouverture en 1929, le Château Marmont est un refuge pour acteurs, stars du rock, écrivains et artistes, devenant synonyme de liberté artistique, de secret et de glamour. La signature d'André, qui barre le nom Marmont avec malice, crée une appropriation humoristique, suggérant que son univers de graffiti parisien a temporairement investi l'espace mythique d'Hollywood. Ce jeu de mots met en lumière la portée mondiale du street art et la fluidité entre culture du luxe et créativité underground. Présence Artistique de M. André Saraiva Né en 1971 et ayant grandi à Paris, André Saraiva est une figure incontournable de la culture graffiti internationale depuis des décennies. Son personnage récurrent, Mr. A, a orné les murs des villes d'Europe, des États-Unis et d'Asie, devenant un symbole d'irrévérence, d'optimisme et d'esprit d'aventure artistique. L'œuvre de Saraiva transcende les frontières entre art urbain, vie nocturne, mode et beaux-arts. L'épreuve d'artiste « Château André Pink AP » illustre parfaitement son talent pour fusionner charme, humour et raffinement esthétique, créant une estampe à la fois spontanée et luxueuse. Intégrée à son corpus d'œuvres de Street Pop Art et de graffiti en constante expansion, cette épreuve d'artiste témoigne avec éclat de l'influence durable d'André et de son don unique pour insuffler joie et élégance au monde de l'art urbain contemporain.

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« Sitting Seven », édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier Muscletone blanc français de 140 lb, par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Nombre de mes tableaux, notamment les œuvres figuratives mettant en scène des modèles et des femmes, portent souvent des noms de planètes ou font référence à l'univers : « Galaxie », « Miss Mars », « Mercure », « Lune », etc. J'ai cherché, au fil des ans, à maintenir cette cohérence, à explorer la notion d'« espace » et de liberté infinie. L'apesanteur, c'est le moment où l'on échappe à l'attraction gravitationnelle, où l'on quitte l'atmosphère et où tout flotte. » – Camilo Pardo

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Ornement de lotus - Épreuve d'artiste noire AP 1 couleur, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier d'art fin Speckletone par Shepard Fairey x Gordon Cheung. Œuvre d'art de rue rare OBEY Pop. Épreuve d'artiste signée et numérotée, sérigraphie « Ornement de lotus (noir) », 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition courante de 300 exemplaires, 22 avril 2008

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Kim Jong's Supreme Barber AP Artwork Giclée en édition limitée, imprimée sur papier Photographique Rag par l'artiste de graffiti pop culture Marwan Shahin. Épreuve d'artiste AP « Kim Jong's Supreme Barber » de Marwan Shahin, une œuvre emblématique de la série Black Pop, parue pour la première fois en 2015. Tirage d'art limité à 20 exemplaires, issu des archives et produit par Shahin Studios. « Kim Jong's Supreme Barber », 2015, 50,8 x 68,6 cm, impression giclée sur papier Photographique Rag, signée, numérotée, estampillée et marquée. Le coiffeur suprême de Kim Jong par Marwan Shahin – Satire pop noire sur Full Clip « Le Barbier Suprême de Kim Jong » est l'une des œuvres les plus provocatrices et visuellement saisissantes de la série Black Pop de Marwan Shahin. Sortie en 2015 et éditée en édition limitée à seulement 20 exemplaires (épreuve d'artiste), cette giclée de 51 x 69 cm sur papier Photographique Rag illustre le style caractéristique de Shahin, mélangeant satire, symbolisme et art urbain pop, avec une critique culturelle incisive. Signée, estampillée et marquée par l'artiste, l'œuvre reflète la fusion de l'iconographie autoritaire et du consumérisme mondial, à travers le prisme du graffiti contemporain. Au centre de l'œuvre figure une représentation hyper-stylisée de Kim Jong-un assis chez le barbier, son visage jaune marqué de lignes concentriques qui reflètent le style hypnotique propre à l'univers visuel de Shahin. Vêtu d'une blouse de barbier estampillée du logo rouge vif de Supreme, le dirigeant nord-coréen devient le sujet involontaire d'une transformation. Derrière lui se tient un barbier au style très marqué, arborant dreadlocks, grillz, tatouages, bijoux en or et une tondeuse rutilante. Ses gestes expressifs, son allure assurée et le poteau de barbier accroché à sa chaîne confèrent à la scène une assurance qui contraste fortement avec le regard figé et impassible de son client. Ironie mondiale tissée dans les détails Ce qui distingue « Le Barbier Suprême de Kim Jong » dans le panthéon du street art, c'est la richesse de son message. La juxtaposition de Supreme, empire mondial du streetwear ancré dans la contre-culture occidentale, avec l'une des figures autoritaires les plus controversées au monde, souligne l'absurdité et l'ironie de la création d'icônes modernes. Le barbier, figure stéréotypée de la culture hip-hop et de l'excellence noire, devient un acteur du changement de pouvoir, remodelant l'image du dictateur dans un renversement visuel des rôles sociaux. L'œuvre bouleverse subtilement la dynamique d'influence et de pouvoir d'agir dans un monde consumériste. Le savoir-faire de Shahin transparaît non seulement dans la précision du trait, mais aussi dans le symbolisme omniprésent. Le logo Supreme symbolise le culte de la personnalité. Les accessoires dorés et l'assurance du barbier remettent en question la hiérarchie culturelle qui définit la mode et l'influence à l'échelle mondiale. Le fond rouge vibre de mouvement et de tension, tandis que le regard fixe et inexpressif de Kim ancre l'absurdité de la situation dans un calme inquiétant. Black Pop à son apogée Faisant partie de la série Black Pop, cette œuvre s'inscrit dans un ensemble qui réapproprie les récits visuels habituellement monopolisés par les artistes blancs ou occidentaux et les institutions commerciales. À travers cette estampe satirique, Marwan Shahin interroge les rapports de force entre mode, race, médias et propagande. Sa représentation du barbier comme une figure culturelle influente – qui façonne littéralement la tête d'un dictateur – témoigne de l'influence croissante des communautés marginalisées sur l'air du temps mondial. « Le Barbier Suprême de Kim Jong » est à la fois absurde et profond. Il dissèque la politique mondiale, le pouvoir et le culte de la consommation avec un humour mordant. Comme souvent dans l'œuvre de Shahin, elle n'hésite pas à provoquer, à redéfinir la domination et à repousser les limites de l'imagerie pop culture. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art urbain et de graffiti authentiques, cette épreuve d'artiste en édition limitée est un coup de maître en matière de commentaire visuel et de subversion culturelle.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Hawxs.EXE Impression giclée par Vincent Langaard, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art Hahnemühle, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2025. Œuvre de 34 x 32 cm, représentant des faucons à l'aspect glitché. Hawxs.EXE par Vincent Langaard : Désintégration numérique dans l’art urbain pop et le graffiti Hawxs.EXE est une estampe giclée en édition limitée, signée et numérotée, de l'artiste norvégien Vincent Langaard. Tirée à 30 exemplaires sur papier d'art Hahnemühle, elle mesure 86 x 81 cm. Cette œuvre, véritable déferlement visuel d'anatomie aviaire et de dysfonctionnements technologiques, fusionne le chaos caractéristique des collages de Langaard avec les thèmes de la corruption numérique et de la distorsion identitaire. La composition est dominée par une armée de faucons, d'éperviers et de rapaces hybrides qui tournoient en spirale dans un mouvement fragmenté, nombre d'entre eux se multipliant, se distordant ou se dupliquant en motifs illisibles. Au centre, la silhouette d'un faucon se détache en rose fluo, seule présence clairement définie au milieu d'une tempête de plumes hyperréalistes, de bruit numérique et de superpositions de couleurs synthétiques. L'œuvre évoque un disque dur corrompu de photographies animalières, disséqué et réécrit par le code. Les plumes s'étirent de façon anormale. Les ailes se répliquent en boucles saccadées. Les becs se dissolvent en fragments de données. L'ensemble se détache sur un fond d'une vivacité saisissante, composé de dégradés arc-en-ciel, de ciel bleu et d'interférences numériques, où un réalisme cru côtoie une artificialité surréaliste. Des symboles mathématiques, des notations algébriques et des caractères tels que *5F+1, disséminés dans l'image, suggèrent un système de cryptage ou une logique conceptuelle sous-jacente à cette rupture visuelle. Cet usage de symboles mathématiques contribue au thème de la surcharge du système, faisant écho au langage visuel du street art et du graffiti par la superposition, la répétition et l'agression sensorielle. Mutation, motif et glitch comme sujet Hawxs.EXE fonctionne à la fois comme une métaphore visuelle et un flux de données. Langaard utilise le faucon non seulement comme un oiseau de proie symbolique, mais aussi comme une ressource numérique – dupliquée, corrompue et recompilée. Le rôle du faucon en tant que prédateur se complexifie lorsqu'on l'envisage sous l'angle de la défaillance du système et de la distorsion de l'identité. Cette idée est renforcée par l'utilisation d'un collage de motifs, où les ailes deviennent des textures abstraites et les formes animales se désintègrent en un chaos ornemental. Le faucon central, cerné de néon, offre un point focal vacillant au milieu des décombres, ancrant le regard du spectateur et encadrant l'effondrement environnant. Cette tension entre précision et effondrement reflète l'énergie du Street Pop Art et du graffiti. Les artistes de ce mouvement réinterprètent souvent les images des médias de masse et l'esthétique du glitch pour déjouer les attentes et communiquer un sentiment d'urgence. Entre les mains de Langaard, le faucon devient à la fois victime et vecteur du dysfonctionnement – ​​une figure autrefois majestueuse désormais bouclée à l'infini, découpée et recodée en données jusqu'à se transformer en avertissement et en spectacle visuel. La syntaxe de l'effondrement numérique de Vincent Langaard Vincent Langaard continue de perfectionner un langage puisant à parts égales dans le surréalisme pop, la décadence d'Internet, l'illustration animalière et le style agressif du graffiti. Son imagerie brouille la frontière entre illustration et retour d'information, utilisant la distorsion non seulement comme outil stylistique, mais aussi comme point d'ancrage conceptuel. Dans Hawxs.EXE, le chaos est intentionnel. La composition surchargée imite la sensation de rémanence d'écran, de mise en mémoire tampon et de latence du processeur – mais à travers des plumes, des becs et des serres acérées. L'estampe de Langaard invite le spectateur à interpréter le monde naturel via une interface synthétique, interrogeant la réalité, la préservation et la corruption irrémédiable. Cette œuvre renforce sa réputation d'artiste reconnu pour son abstraction centrée sur le personnage et la décadence numérique. Elle ne se contente pas de présenter des faucons ; elle les réinvente comme porteurs de mémoire visuelle et d'erreur. Le choix du papier d'art Hahnemühle préserve les détails et la clarté des couleurs de chaque pli et trace de mouvement déformés, renforçant ainsi la tension entre la production artistique et l'esthétique inspirée du graffiti. Hawxs.EXE en tant qu'artefact de collection et avertissement esthétique L'édition limitée à 30 exemplaires positionne Hawxs.EXE non seulement comme une œuvre d'art, mais aussi comme un fragment rare de l'exploration continue de Vincent Langaard sur l'effondrement, le code et l'identité. Chaque tirage est un instantané de l'instant précédant la panne numérique totale – un système d'alerte préservé, capturé par la superposition d'images et une forte charge émotionnelle. Par son échelle, son agressivité visuelle et sa texture détaillée, cette œuvre encapsule l'esprit du Street Pop Art et du graffiti tout en l'enfonçant plus profondément dans l'architecture conceptuelle du récit post-numérique. Les faucons de Langaard ne volent pas – ils chutent, se fracturent et se relancent au sein d'une interface corrompue. Leur transformation devient une réflexion sur la surveillance, la saturation des données et le recâblage des systèmes visuels. Par cette collision entre forme naturelle et interruption synthétique, Hawxs.EXE s'affirme à la fois comme une pièce de collection puissante et un artefact poétique de la décadence future.

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Visage d'enfant 84 Œuvre originale unique en son genre, peinture à l'huile et technique mixte sur carton, par le célèbre artiste impressionniste moderne Peter Keil. Peinture originale signée de Peter Keil, datant de 1984, format 30 x 40 cm, représentant le visage d'un grand garçon. Quelques éclats de peinture sont visibles sur la joue, un défaut fréquent chez les œuvres originales de Peter Keil. Le visage d'enfant de Peter Keil en 1984 : une fusion entre l'expressionnisme et le pop art urbain « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil illustre avec éclat la rencontre entre les techniques impressionnistes modernes et l'esprit du street art et du graffiti. Cette œuvre originale, une peinture à l'huile sur carton, mesure 30 x 40 cm et révèle le style singulier de Keil, souvent reconnu pour son approche spontanée et audacieuse de l'art moderne. Représentant un visage d'enfant géant, le tableau capture l'innocence et l'expressivité propres à l'enfance, à travers le prisme du style impressionniste et vibrant de Keil. Caractéristique des œuvres originales de Peter Keil, cette pièce présente quelques écaillures de peinture sur la joue, conséquence naturelle de la technique de l'empâtement et de la fragilité du carton. Ces écaillures n'altèrent en rien l'impact de l'œuvre ; au contraire, elles enrichissent son récit, reflétant le passage du temps et l'histoire tactile du processus créatif de Keil. Cet élément de texture, fréquent dans les œuvres originales de Keil, souligne l'émotion brute et sans filtre qu'il cherche à capturer chez ses sujets. Interprétation du langage artistique de Keil dans Child's Face '84 Interpréter « Visage d'enfant '84 » de Keil exige de comprendre son langage artistique, qui fusionne les formes abstraites de l'impressionnisme avec les couleurs vibrantes et l'immédiateté émotionnelle du street art. Le portrait qu'il dresse dépasse la simple représentation des traits d'un enfant ; il explore le caractère et les émotions transmis par des formes exagérées et une riche palette de couleurs. Les grands yeux lumineux dominent la composition, véritables fenêtres sur l'âme de l'enfant, et font écho à la profondeur de l'expérience humaine que Keil cherche à explorer à travers son art. Le choix du carton comme support témoigne de la volonté de Keil de combler le fossé entre les beaux-arts conventionnels et les matériaux plus accessibles et quotidiens souvent utilisés dans le street art, le pop art et le graffiti. Ce choix non conventionnel reflète une démocratisation de l'art, thème central du street art, qui vise à rendre l'art accessible et compréhensible par un large public. En utilisant le carton, Keil remet en question les normes artistiques traditionnelles et s'inscrit dans une forme d'expression artistique ancrée dans les réalités de la vie urbaine. L'influence durable de l'approche de Keil en matière de portrait L'influence durable de l'approche de Peter Keil en matière de portrait est manifeste dans « Visage d'enfant '84 ». Son œuvre, souvent rattachée à l'impressionnisme moderne, trouve un écho dans un large éventail de formes artistiques, notamment le pop art urbain et le graffiti. La contribution de Keil à ces genres réside dans sa capacité à insuffler à la peinture de portrait traditionnelle une immédiateté et une authenticité brute, caractéristiques de l'art urbain. Ce tableau, avec ses contours audacieux et ses couleurs éclatantes, témoigne de l'esprit novateur de Keil et de son impact sur l'art contemporain. De plus, la vivacité de l'œuvre, une signature de Keil, souligne le potentiel expressif du pop art urbain et du graffiti. « Visage d'enfant '84 » illustre comment ces genres peuvent transmettre des récits émotionnels complexes, remettant en question l'idée reçue selon laquelle le street art se limite au commentaire public ou à la critique sociale. Le portrait de Keil est une célébration de l'individualité et de l'esprit humain, capturées dans le regard d'un enfant et exprimées par la peinture. « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil est une œuvre majeure qui illustre la rencontre entre l'impressionnisme moderne et l'univers dynamique du street art et du graffiti. La spontanéité de son exécution, l'éclat de ses couleurs et la richesse de ses textures contribuent à son attrait intemporel et à son statut de témoignage éloquent de la vision artistique de Keil. Portant les marques de sa création, cette œuvre continue de fasciner et d'inspirer, offrant un aperçu de la profondeur et de la diversité de son travail.

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Une nuit froide en octobre, tirage d'art en édition limitée avec pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste pop urbain Naturel-Lawrence Atoigue, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Format de l'œuvre : 18 x 18 pouces.

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Rasselbande II - Chopped Eisodur Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 300gsm Satin Matte White Paper by Artist Flying Fortress, Street Pop Art Graffiti Legend. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Format : 16,5 x 23,4 cm.

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives de New York, sur papier beaux-arts 290 g/m², par l'artiste Stom500, artiste pop art. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2022. Dimensions de l'œuvre : 18 x 22,5 pouces. #40 sur 40

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Sky High, estampe sérigraphique en édition limitée à 4 couleurs tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure par Ernesto Yerena Montejano (Hecho Con Ganas), célèbre artiste d'art pop mexicain-américain. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format : 18x24. « Sky High » est une sérigraphie en édition limitée, vibrante et captivante, d'Ernesto Yerena Montejano, un artiste dont l'œuvre se situe au croisement de l'identité mexicano-américaine et du pop art. Sous le nom de son studio Hecho Con Ganas, Yerena a réalisé cette estampe en 2019, révélant son style distinctif qui allie l'esthétique audacieuse du street art à la subtilité des beaux-arts. Tirée à seulement 200 exemplaires signés et numérotés, chaque estampe mesure 45,7 x 61 cm, un format qui permet une immersion totale dans l'œuvre tout en appréciant ses qualités graphiques exceptionnelles. Ernesto Yerena Montejano s'est imposé comme une figure majeure du pop art et du street art, apportant une perspective unique qui reflète son expérience biculturelle. Ses œuvres présentent souvent des symboles culturels forts juxtaposés à des couleurs vives et contrastées, une caractéristique du pop art classique. « Sky High » met en scène une formation d'aigles planant en formation, créant un motif symétrique autour d'une rose centrale. Ce symbole pourrait être interprété comme un hommage à la beauté et à la résilience. Les cercles concentriques aux couleurs vives en arrière-plan renforcent l'impression de mouvement et d'énergie qui se dégage de la composition. La sérigraphie inscrit Yerena dans la lignée des techniques popularisées par des icônes du pop art telles qu'Andy Warhol, mais son sujet est résolument ancré dans son héritage culturel et les problématiques sociales contemporaines. Le choix du papier beaux-arts comme support pour « Sky High » brouille davantage la frontière entre la nature éphémère du street art et la permanence recherchée dans les collections d'art. Cette œuvre capture l'essence dynamique du street art tout en étant réalisée avec la précision et la durabilité propres aux beaux-arts. Les collectionneurs et les admirateurs de « Sky High » sont attirés par la force de son impact visuel et le savoir-faire méticuleux de l'impression artisanale. L'œuvre de Yerena n'est pas un simple objet décoratif, mais un emblème de fierté culturelle et d'expression politique. Ces thèmes fédérateurs trouvent un écho profond au sein de la communauté mexicano-américaine et parmi les défenseurs du pouvoir du pop art à communiquer au-delà des mots. La disponibilité limitée de « Sky High » en fait non seulement une œuvre d'art, mais aussi un morceau d'histoire culturelle, incarnant l'esprit d'une communauté qui continue de s'élever face aux défis, à l'image des aigles représentés dans son design.

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La Fin Pt. 2 Œuvre originale peinte à la main, technique mixte multiple, à la bombe aérosol sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée 10 œuvres d'art de format 15x12 « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Estampe d'art en édition limitée Black Cat Archival Pigment sur papier naturel pressé à froid 340 g/m² par l'artiste Naturel, légende du street art pop graffiti. Édition limitée signée de 100 exemplaires, 2022. Format : 13,5 x 19 pouces.

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Jimi Hendrix - Dark Gradient, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue, graffiti, pop art moderne. 2015 Édition limitée signée et numérotée à 70 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 22,5 x 30 Variante unique n° 7 « Jimi », sérigraphie cinq couleurs sur papier d’art d’archive déchiré à la main. Tirage signé et numéroté n° 7 avec une empreinte digitale au dos. Dimensions : 57 cm x 76 cm.

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Sérigraphie Panacea de MEUBON, tirée à la main sur papier d'art blanc coquille d'œuf extra-fin, édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de 300 œuvres d'art au format 20,25 x 15,75 sérigraphie. ยาตำราหลวง สถานที่จำหน่าย มาตำราหง เภสัชกรรม- Royal Medicine, Lieu de vente, Pharmacie Ma Tamra Hong Panacée par MUEBON – Remède satirique dans l'art urbain pop et graffiti « Panacea » est une sérigraphie en édition limitée de 2022, réalisée à la main par l'artiste thaïlandais MUEBON sur papier d'art Superfine Eggshell White, au format 51,4 x 40 cm. Signée et numérotée à 300 exemplaires, cette œuvre fusionne l'esthétique traditionnelle thaïlandaise avec un vocabulaire satirique propre au street art. La composition imite la mise en page et le ton d'une enseigne de pharmacie thaïlandaise vintage, avec des références typographiques à la médecine royale, des informations sur l'emplacement et des symboles réglementaires. Dans ce cadre, MUEBON insère son personnage emblématique : un oiseau noir espiègle à la posture quasi humaine, prenant soin de rangées de plants de cannabis aux couleurs éclatantes. La juxtaposition de l'autorité de l'État, de la légitimité médicale et de la rébellion populaire est exécutée avec une clarté visuelle chirurgicale et une acuité conceptuelle remarquable. Chaque ligne, chaque fissure, chaque élément graphique contribue à un message plus large sur la légalité, l'hypocrisie et l'évolution des normes culturelles. Symbolisme médicinal et ironie sociopolitique L'utilisation du titre « Panacée » par MUEBON évoque l'idée d'un remède miracle, d'une solution universelle aux maux de la société. Pourtant, l'estampe suggère que ce qui est présenté comme un remède est souvent dissimulé derrière des mécanismes de contrôle et des contradictions. Le personnage, rendu avec une précision de couleur et de personnalité remarquables, arrose des plants de marijuana avec l'indifférence désinvolte de quelqu'un qui a banalisé le tabou. L'arrière-plan imite des textures de murs usés et des panneaux défraîchis, suggérant un avis public officiel, désormais détourné. L'écriture thaïe affiche en gras des phrases telles que « ยาตำราหลวง » et « สถานที่จำหน่าย » (Médicament royal et Lieu de vente), tandis que la figure centrale sape le ton bureaucratique par une rébellion punk. Cette collision visuelle est typique de MUEBON : elle mêle un humour caricatural à une critique institutionnelle dans le style du Street Pop Art et du graffiti, et sert à la fois de documentation et de protestation. Technique de sérigraphie et précision esthétique L'estampe est réalisée selon les méthodes traditionnelles de la sérigraphie, ce qui permet à chaque couleur de conserver une saturation intense et une netteté parfaite des contours. Imprimée sur un papier blanc coquille d'œuf extra-fin, la texture subtile de l'œuvre accentue l'effet d'enseigne vintage, renforçant l'illusion de vieillissement et d'usure. La superposition maîtrisée des images – saleté, texte, plantes, timbres et personnages – témoigne de la précision de MUEBON dans la traduction de récits politiques complexes en œuvres d'art vibrantes et accessibles. Riche en codes culturels locaux, l'œuvre est universellement compréhensible, ce qui en fait un exemple remarquable, au sein du Street Pop Art et du graffiti, de la manière dont une voix régionale peut atteindre une résonance internationale grâce à une composition visuelle forte et une clarté thématique. MUEBON et l'anatomie culturelle de la légitimité Panacea n'est pas qu'une simple estampe : c'est un dialogue entre droit, commerce et autonomie individuelle. MUEBON utilise l'humour et une satire teintée de culture pop pour explorer l'évolution des relations en Thaïlande avec le cannabis médical, le contrôle gouvernemental et les tabous culturels. Son oiseau emblématique devient le symbole du citoyen lambda, naviguant dans un système qui légalise sélectivement ce qu'il criminalisait autrefois. L'œuvre fonctionne comme une métaphore visuelle des liens étroits entre pouvoir, propagande et santé publique. Dans le contexte du street art et du graffiti, Panacea propose un récit à plusieurs niveaux, dissimulé sous forme de signalétique publique. Elle suscite le rire, encourage le dialogue et invite les spectateurs à repenser la notion d'autorité lorsqu'elle se réinvente à travers des couleurs vives et des contradictions symboliques. MUEBON confirme ainsi son statut de maître de l'ironie visuelle et de l'analyse culturelle, à travers le prisme de la résistance urbaine.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Future Chase 1,21 Gigawatts, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art par SP Zero, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Night Bender - Série Savage Sacred Young Minds 23 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. FAILE : Night Bender, sérigraphie 23 couleurs sur papier Coventry Rag 325 g/m², encre sérigraphique sur papier, édition limitée à 100 exemplaires, 58 cm x 89 cm, 2016

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez The Masked Pharaoh 3-Color Hand-Pulled Diamond Dust Limited Edition Sérigraphie sur papier de papyrus égyptien par Marwan Shahin Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. 2022 Signé & Numéroté Edition Limitée de 20 Taille 14x17.5 & "NFT" "Shahin Studios est ravi de présenter The Masked Pharaoh Papyrus de Marwan Shahin, The Artwork a été créé pour la première fois en lock-out pendant la pandémie de Covid-19, imaginant TutAnkhAmoun restant en sécurité et se protégeant contre la peste des temps modernes. cette édition de l'œuvre est interprété avec une sérigraphie tirée à la main sur du papyrus égyptien authentique, et chaque impression est arrangée de manière complexe avec un filigrane de poussière de diamant noir, pour produire des effets de kaléidoscope visuellement enivrants. contient une puce cryptographique NFT par le Fine Art Ledger. est authentifié et enregistré sur la blockchain par The Fine Art Ledger est livré avec un certificat d'authenticité numérique contenant son tampon cryptographique. -Marwan Shahin

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LA Hands Painted 7-Color Hand-Tiled Limited Edition Silkscreen Print on 298gsm Paper by OG Slick Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 200 exemplaires. Œuvre de 24x24 pouces. Peinture en aérosol, graffiti, main, signe de gang, signe de main, LA, Los Angeles, Californie, Mickey Mouse, Disney, tag, impression à la volée. OG Slick, nom emblématique synonyme de dynamisme et de pop art, présente un chef-d'œuvre intitulé « LA Hands Painted ». Cette création de 2021 capture l'essence de Los Angeles, en Californie, en fusionnant des éléments de sa culture, de son authenticité et de son style inimitable. Mesurant 61 x 61 cm, l'œuvre attire immédiatement le regard sur les mains représentées, évoquant les signes distinctifs des gangs de Los Angeles. La finesse du dessin, alliée à la fluidité du graffiti, exprime à la fois la rébellion et rend hommage à une ville réputée pour son esprit indomptable. Au-delà de la reconnaissance immédiate des mains, l'influence de Disney, et plus particulièrement de Mickey Mouse, est subtilement mais indéniablement présente. La bombe aérosol, tenue d'une manière qui rappelle le personnage culte, apporte une touche ludique à l'imagerie urbaine brute. C’est ce mélange d’esthétique urbaine et d’éléments de la culture pop qui distingue OG Slick, permettant à son œuvre de toucher aussi bien les amateurs d’art urbain qu’un public plus large. Cette pièce, « LA Hands Painted », est une sérigraphie artisanale en sept couleurs, une technique reconnue pour sa capacité à offrir des couleurs riches et vibrantes et à restituer les détails voulus par l’artiste. Imprimée sur papier Stonehenge 298 g/m², elle garantit une grande longévité et une finition impeccable, digne des plus grandes collections. Tirée à seulement 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par OG Slick, cette édition limitée témoigne d’une exclusivité et d’un génie artistique exceptionnels. À travers cette œuvre, l’essence même de Los Angeles, ses rues, ses enseignes et ses symboles, est immortalisée, révélant l’esprit de la ville et la vision artistique unique d’OG Slick.

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Achetez KONG Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on Fine Art Paper par l'artiste Scott Listfield, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Signé et Numéroté Édition Limitée de 50 Oeuvre Taille 18x24 Artiste : Scott Listfield Titre : « KONG » Médium : Archival Pigment Print Édition : 50 Marquages ​​: Signé et numéroté par l'artiste Dimensions : 18" x 24"

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Estampe d'art en édition limitée Awakening Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Alexis Price, légende du street art pop graffiti. Édition 2022 signée et numérotée à 12 exemplaires, format 14x17 pouces #1/12 Petite bosse latérale due à la manipulation.

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Boba Fett - Sérigraphie en édition limitée 3 couleurs, tirée à la main, sur feuille holographique, par Brian Ewing, artiste de la culture pop moderne. Édition limitée 2022, signée et numérotée à 15 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Fusion captivante de la culture pop et de la vitalité visuelle de l'art moderne, l'estampe sérigraphique en édition limitée « Boba Fett Foil 3-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on Holographic Foil » est une création artistique unique du célèbre artiste Brian Ewing. Sortie en 2022, cette œuvre rend hommage à la fascination intemporelle de l'univers Star Wars, capturant l'essence de l'un de ses personnages les plus emblématiques, Boba Fett, sous un jour nouveau et saisissant. Limitée à seulement 15 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) dégage une exclusivité qui la rend d'autant plus attrayante pour les amateurs d'art et les fans de Star Wars. Chaque estampe a été méticuleusement réalisée grâce à un procédé de sérigraphie artisanale détaillé, témoignant du dévouement de l'artiste à la production d'une œuvre de haute qualité. L'utilisation d'une feuille holographique comme support confère une irisation unique qui sublime le design en trois couleurs, apportant profondeur et dynamisme à l'œuvre. L'œuvre d'Ewing est profondément ancrée dans la culture pop, ses créations étant souvent considérées comme faisant partie du mouvement street art, inspirées par l'esthétique du graffiti. Fort de sa connaissance et de son expertise dans ce domaine, il parvient à fusionner harmonieusement deux univers distincts : le monde brut et underground du street art et la saga spatiale fantastique de Star Wars. Sa capacité à naviguer entre ces deux mondes et à créer un récit artistique cohérent témoigne de son talent et de sa vision. Avec cette estampe en édition limitée très recherchée, Ewing continue d'enrichir son portfolio artistique, confirmant son statut de figure majeure de la scène artistique pop contemporaine. Son engagement à repousser les limites, associé à son style artistique unique, garantit que cette estampe de Boba Fett restera une pièce de collection précieuse et respectée, contribuant de manière significative à l'évolution constante du pop art, du street art et du graffiti.

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Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art noir de qualité supérieure, par Ken Taylor, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Sérigraphie 61 x 91 cm. Numérotée à la main. Signée par Ken Taylor. Tirage limité à 400 exemplaires.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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The Squancher - Hohokum Tirage giclée en édition limitée sur papier d'art par Richard Hogg, artiste de rue de la contre-culture. Estampe originale de la série d'illustrations du jeu vidéo Hohokum de Richard Hogg.

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C'est un oiseau ! C'est un avion ! Mec, il fait un tag ? Impression giclée par Priest Corp Artwork, édition limitée sur papier beaux-arts coton pressé à froid 290 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Sérigraphie de 23 x 18 pouces représentant Superman, héros de DC Comics, contemplant les gratte-ciel de la ville, entouré d'hélicoptères et de graffitis urbains. L'estampe giclée en édition limitée de Priest Corp Artwork, intitulée « C'est un oiseau ! C'est un avion ! Mec, il fait un tag ? », témoigne avec force de l'interaction indéfectible entre la culture pop et le street art. Datée de 2023 et éditée à seulement 50 exemplaires, cette œuvre est imprimée avec une qualité exceptionnelle sur un papier d'art 100 % coton pressé à froid de 290 g/m², garantissant sa longévité et révélant avec une précision remarquable les couleurs riches et vibrantes de la sérigraphie. La scène se déroule sur un paysage urbain, avec Superman, le légendaire super-héros de DC Comics, au centre. Dominant l'immensité des gratte-ciel, il incarne la justice et l'espoir. Cette image iconique de Superman est cependant juxtaposée à des éléments emblématiques de la vie urbaine. Des hélicoptères l'encerclent, créant une tension dynamique dans la composition, suggérant une urgence ou peut-être un événement imminent. Mais ce sont les graffitis environnants qui accentuent véritablement le thème contemporain. Cette fusion inattendue d'art urbain remet en question l'iconographie traditionnelle des comics, suggérant un dialogue entre la vigilance des super-héros et la voix des artistes urbains. En mêlant l'imagerie iconique de Superman à l'expressionnisme brut du graffiti, l'œuvre de Priest Corp souligne la nature évolutive du pop art et du street art. Elle invite à réfléchir sur la manière dont les symboles classiques de notre imaginaire collectif peuvent être réinventés et recontextualisés au sein des récits urbains. Cette œuvre célèbre non seulement l'esprit d'un super-héros mythique, mais elle valorise également le graffiti comme forme d'expression contemporaine.

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Estampe d'art en édition limitée Bloom Hand Deckled Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Victoria Cassinova. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 20 x 25 cm.

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Œuvre d'art sur toile Vegas Bound, impression giclée en édition limitée sur toile par l'artiste de graffiti pop culture Leslie Ditto. 2014 Signée et numérotée. Inspirée par Las Vegas Parano. Impression sur toile en édition limitée 27" x 18" par Leslie Ditto. Tirage limité à 30 exemplaires. Prête à être accrochée sur toile tendue. L'œuvre sur toile « Vegas Bound » de Leslie Ditto : une fusion en édition limitée de street art pop et de cinéma « Vegas Bound » est une œuvre sur toile de Leslie Ditto, artiste reconnue pour sa contribution au mouvement pop art urbain. Elle est réputée pour imprégner ses créations de commentaires sociaux et de visuels vibrants. Cette édition limitée, une reproduction giclée sur toile, est un hommage saisissant au film culte « Las Vegas Parano ». Signée et numérotée par l'artiste, cette impression de 68,5 x 45,7 cm (27 x 18 pouces) a été éditée en 2014 à seulement 30 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare. L'œuvre de Leslie Ditto puise souvent son inspiration dans la culture populaire, et « Vegas Bound » ne fait pas exception. Soigneusement préparée sur une toile tendue, prête à être accrochée, elle témoigne avec brio du style unique de Ditto. Le récit visuel de « Vegas Bound » capture l'essence de l'expérience hallucinatoire dépeinte dans « Las Vegas Parano ». Les personnages principaux, qui rappellent les protagonistes du film, se détachent sur un décor typiquement las Vegasien, avec son énergie extravagante et démesurée. L'utilisation par Ditto de couleurs saturées et de traits exagérés fait écho au voyage surréaliste et chaotique au cœur du rêve américain, tel que vécu par les personnages. Le rendu détaillé des sujets, la décapotable classique et l'emblématique panneau de Las Vegas s'harmonisent pour transporter le spectateur dans l'univers vibrant de l'œuvre. Analyse des éléments esthétiques de « Vegas Bound » Les éléments esthétiques de « Vegas Bound » puisent leurs racines dans le street art et le graffiti. La technique de Ditto révèle un équilibre subtil entre réalisme et exagération, caractéristique de l'influence du pop art. L'œuvre met en scène des créatures hallucinatoires et des perspectives déformées, symbolisant l'influence psychédélique sur le street art, tandis que le souci du détail reflète la précision du graffiti. Les figures, avec leurs expressions stylisées et leurs contours marqués, témoignent de l'esprit rebelle qui anime les mouvements street art et pop art. La capacité de Leslie Ditto à capturer l'énergie frénétique du Strip de Las Vegas et la réalité décousue du récit du film transparaît dans la composition chaotique de l'œuvre. Chaque élément, de la fumée d'une cigarette au sourire maniaque de la créature anthropomorphe sur la banquette arrière, contribue à une impression saisissante de mouvement et d'émotion. Cette œuvre n'est pas une simple représentation statique ; Elle réinvente activement un phénomène culturel, capturant le dynamisme et le caractère éphémère du pop art urbain. Importance et impact de « Vegas Bound » de Leslie Ditto dans l'art et la culture « Vegas Bound » est une œuvre majeure dans le travail de Leslie Ditto et s'inscrit pleinement dans le contexte plus large du street art et du graffiti. La rareté de cette estampe en fait une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art. L'interprétation que fait Ditto de « Las Vegas Parano » à travers le prisme de l'esthétique du street art offre une perspective inédite sur les thèmes de l'excès, de l'évasion et de la quête de sens dans un monde postmoderne. Elle explore visuellement les frontières entre art savant et art populaire, entre l'univers des galeries d'art et l'expression débridée de la rue. Avec des œuvres comme « Vegas Bound », Leslie Ditto contribue au débat actuel sur la légitimité et le potentiel du street art en tant que forme d'expression artistique. Son travail remet en question les barrières traditionnelles du monde de l'art, démontrant comment les motifs et les thèmes typiques du graffiti et du street art peuvent trouver leur place sur une toile. « Vegas Bound » n'est pas un simple hommage à un film, mais une œuvre à part entière, vibrante et stimulante, illustrant la convergence de la culture pop et de l'art pour créer une œuvre inédite et profondément marquante. « Vegas Bound » de Leslie Ditto est une puissante pièce de street art qui capture l'esprit d'une époque, l'essence d'un voyage cinématographique et le charme intemporel de Las Vegas. Son édition limitée ne fait qu'accroître son aura de mystère, en faisant une pièce de choix pour les collectionneurs qui apprécient l'interaction subtile entre cinéma, culture urbaine et art visuel.

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Signes des crimes - Impression encadrée Sky Blue Art, impression d'archives à séchage UV sur panneau d'aluminium HD verni, œuvre d'art de l'artiste de culture pop urbaine Ron English - POPaganda. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020). Œuvre de 61 x 61 cm encadrée et prête à accrocher. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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D'Book of Boba, estampe d'art en édition limitée, pigmentée à l'aide de pigments d'archives, sur papier naturel pressé à froid 340 g/m², par l'artiste Naturel, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée signée de 100 exemplaires, format 14x18, 2022

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« Up In Flames », estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2020).

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$? IV PP Tirage d'archives par DAIM Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x21 Pigments d'archivage "$? IV" de DAIM : Une fusion de graffiti abstrait et de beaux-arts « $? IV », une épreuve d'artiste (PP) de DAIM, illustre l'évolution du paysage du street art et du graffiti, révélant l'interaction complexe entre art abstrait et culture urbaine. Ce tirage en édition limitée, imprimé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², présente une approche moderne du graffiti et met en lumière le style unique de DAIM, figure de proue du mouvement. Créée en 2019, cette œuvre de 35,5 x 53 cm (14 x 21 pouces) est la convergence de formes dynamiques et d'une technique méticuleuse, aboutissant à une pièce d'une profondeur et d'une sophistication remarquables. Le travail de DAIM se caractérise par son style de lettrage 3D, qui décompose les lettres et les mots en formes constitutives pour les reconstruire ensuite en jouant avec la perspective et la profondeur. Sa maîtrise technique transparaît dans la précision des lignes et dans l'utilisation de la lumière et de l'ombre pour créer une illusion de tridimensionnalité. Cette œuvre de la série « $? IV » est marquée PP par l'artiste, attestant de son exclusivité et de son lien direct avec DAIM. Chaque tirage est signé, ce qui lui confère une authenticité et une individualité très recherchées dans le domaine des estampes d'art. L'intersection de la technique et de l'innovation dans le travail de DAIM Le choix du papier beaux-arts Moab Entrada est délibéré, car il a été sélectionné pour sa capacité à restituer les pigments d'archivage vibrants utilisés par DAIM. Ce type de papier est privilégié pour ses qualités de conservation, garantissant ainsi la résistance de l'œuvre à la détérioration au fil du temps et la fidélité de ses couleurs. Le procédé d'impression d'art délicat aux pigments d'archivage assure que le contraste dynamique et les couleurs éclatantes des œuvres de DAIM restent aussi percutants qu'au jour de leur impression. La complexité de ses compositions, caractérisées par des formes imbriquées et un riche jeu de couleurs, témoigne de l'évolution sophistiquée du graffiti, de ses origines urbaines à une forme reconnue d'art contemporain. La pratique de DAIM repose sur une planification méticuleuse, où des outils numériques sont utilisés pour conceptualiser l'œuvre avant sa réalisation. Ce processus permet un niveau de détail et de précision souvent difficile à atteindre avec les méthodes traditionnelles du graffiti. Dans ses œuvres finales, DAIM conserve la spontanéité et l'énergie du street art tout en démontrant la maîtrise et la conception propre aux beaux-arts. L'influence de DAIM sur le pop art urbain contemporain La contribution de DAIM au street art et au graffiti est monumentale, repoussant les limites de la perception du graffiti et de son potentiel visuel et conceptuel. Ses œuvres, telles que « $? IV », font référence pour les artistes du genre et au-delà, alliant l'esprit rebelle du street art à la rigueur des beaux-arts. Cette estampe incarne l'exploration par l'artiste du langage, de la communication et du pouvoir visuel de l'écriture, thèmes récurrents du street art. En résumé, « $? IV » de DAIM témoigne de la relation complexe entre le street art et les beaux-arts. Elle remet en question les frontières traditionnelles et illustre le potentiel du street art à engager un dialogue visuel plus profond et nuancé. Tirage d'archive PP, il occupe une place particulière dans l'œuvre de l'artiste, offrant aux collectionneurs et amateurs une pièce unique de son parcours artistique. Cette œuvre est un exemple vibrant de la manière dont les artistes contemporains peuvent naviguer entre plusieurs univers, créant des œuvres ancrées dans l'expérience urbaine tout en s'exprimant dans le langage des beaux-arts.

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Édition limitée Dome, sérigraphie artisanale bicolore sur papier d'archivage 100 % coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MRKT AP Épreuve d'artiste. Désapprendre Enseigner Croire Induit en erreur Façonné Poursuivi

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