Estampe Beaux-Arts

Impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², inspirée de l'œuvre « Death Perception », par l'artiste de graffiti pop culture Casey Weldon. « Perception de la mort » Édition limitée à 50 exemplaires. Tirage d'art sur papier 290 g/m², format 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces). Signé et numéroté par l'artiste. Imprimé par Static Medium.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Œuvre d'art Vacancy, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Meagan Magpie Rodgers. 80 tirages giclée 12”x20” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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SAMO©…DEPUIS 1978... Coffret collector de luxe : tirage d’art en édition limitée, photos, livre et marqueur sur papier beaux-arts, réalisé par l’artiste de street art pop moderne Ali Diaz. Portfolio Al Daiz 2018, signé et numéroté, comprenant des estampes, des objets d'art, des supports et des photographies. Le Samo©… Depuis 1978… Le coffret collector de luxe comprend les articles suivants : Un exemplaire de première édition signé, avec une dédicace exclusive d'Al Díaz et Mariah Fox. Tirage d'archive signé et numéroté de 8 x 8 pouces, photographie d'Al Díaz datant d'environ 2018. Un ensemble de 11 tirages d'archives de photographies vintage SAMO©, mesurant chacune 4 x 6 pouces, avec des photographies d'Al Díaz, Natalya Maystrenko et Jane Burrell Yadav datant d'environ 1978/79. Un marqueur de peinture signé, utilisé pour créer une œuvre d'art originale SAMO©. Un sac fourre-tout en toile sérigraphié à la main, imprimé sur chaque face, mesurant 15 x 20 pouces. Une broche en forme de croix émaillée. Un paquet d'autocollants. Un marque-page. Un marqueur bleu. Une lettre d'authenticité signée. Importance historique et composition du SAMO©…DEPUIS 1978… Coffret collector de luxe Sorti en 2018, ce portfolio en édition limitée d'Al Diaz est un ensemble complet regroupant divers objets, chacun imprégné de l'essence du street art pop. Un livre de première édition, signé et dédicacé, offre un aperçu de la genèse et de l'évolution du tag SAMO©, un récit co-créé avec Mariah Fox. Ce livre est accompagné d'un tirage d'archive signé et numéroté, une photographie de 20 x 20 cm prise par Diaz, offrant un complément visuel au texte. L'univers du street art pop et du graffiti est en constante évolution, brouillant souvent les frontières entre œuvre d'art et document historique. Le coffret collector de luxe « SAMO©…SINCE 1978… » illustre parfaitement cette intersection, offrant un lien tangible avec les racines du street art, vues à travers le regard de l'artiste influent Al Diaz. Ce coffret n'est pas qu'un simple assemblage d'objets d'art ; c'est une capsule de patrimoine culturel qui retrace l'ascension de l'un des tags les plus énigmatiques de l'histoire du graffiti. Pour approfondir le contexte historique, le coffret comprend onze tirages d'archives de 10 x 15 cm, présentant des photographies vintage de SAMO© signées Al Diaz, Natalya Maystrenko et Jane Burrell Yadav. Ces images capturent l'énergie brute de la fin des années 1970 et du début des années 1980 à New York, période où SAMO© est devenu un symbole reconnu de rébellion et de liberté artistique. L'inclusion d'un marqueur de peinture signé, utilisé pour la création d'une œuvre originale de SAMO©, atteste de l'authenticité du processus de création et fait le lien entre passé et présent. La valeur artistique et de collection de l'œuvre d'Al Diaz Le coffret collector de luxe rassemble des objets d'art allant au-delà des estampes et des photographies. Ce mélange éclectique comprend un sac fourre-tout en toile sérigraphiée à la main, une broche en forme de croix émaillée, une planche d'autocollants et un marque-page. Chaque objet est un souvenir précieux et un témoignage du parcours artistique d'Al Diaz. Le coffret contient notamment un marqueur bleu et une lettre d'authenticité signée, attestant de sa valeur en tant qu'objet de collection. La contribution d'Al Diaz à la scène du graffiti est profondément ancrée dans le patrimoine culturel de l'art urbain. Son œuvre, en particulier le tag SAMO©, co-créé avec le légendaire artiste Jean-Michel Basquiat, est devenu un symbole de l'esprit DIY et du caractère provocateur du street art. Ce coffret collector de luxe ne se contente pas de refléter l'empreinte artistique de Diaz ; il transmet les histoires, l'époque et le mouvement que représente SAMO©. Héritage de l'étiquette SAMO© L'héritage du tag SAMO©, immortalisé dans ce coffret collector de luxe, est multiple. Il témoigne du pouvoir des mots et des images dans l'espace public, et rappelle la nature éphémère mais aussi l'impact profond du street art. Les messages énigmatiques de ce tag ont jadis suscité la curiosité et les échanges entre les passants dans les rues de New York. Grâce à ce coffret, ils continuent d'inspirer la réflexion et l'appréciation des collectionneurs et des amateurs d'art. En somme, le coffret collector de luxe « SAMO©…SINCE 1978… » d'Al Diaz est bien plus qu'un simple objet de valeur ; c'est une pièce incontournable pour quiconque s'intéresse à l'histoire et à l'évolution du street art et du graffiti. À travers cette collection, Diaz inscrit son nom dans l'histoire de l'art et invite chacun à explorer et à comprendre l'impact profond du street art sur la société et la culture. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette édition limitée occupe une place unique parmi les objets de collection d'art moderne, incarnant l'esprit d'une époque où l'art investissait la rue, bousculant les conventions et transformant à jamais l'expression urbaine.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de Daniel Plainview par Robert Bruno, artiste de rue de la contre-culture. Inspiré du personnage de Daniel Plainview, interprété par Daniel Day-Lewis dans le film « There Will Be Blood ». « J'ai la compétition dans la peau. Je ne veux voir personne réussir. Je déteste la plupart des gens… Parfois, je les regarde et je ne vois rien d'intéressant chez eux. Je veux gagner assez d'argent pour pouvoir m'éloigner de tout le monde. » – Daniel Plainview

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Œuvre d'art College Days in Space, impression giclée en édition limitée sur papier Photo Rag blanc brillant par l'artiste de graffiti de la culture pop Kilian Eng (DW Design). Impression sur papier (Photo Rag Bright White 310 g/m²) 17 po H x 24 po L. L'artiste suédois Kilian Eng (DW Design) possède un style et un langage visuel uniques, parfois qualifiés de rétro-futuristes. « Je m'intéresse beaucoup à la création d'environnements dans mon travail. Je suis fasciné par l'architecture – ancienne, futuriste, fantastique – et j'intègre donc souvent des bâtiments ou des structures. Les personnages qui peuplent les images sont plongés dans ces décors inattendus. » – Kilian Eng

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CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 Tirage photo par Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 16x20, impression pigmentaire d'archives, représentant le groupe de rap Cold Crush Brothers en costumes et tenues vintage. Séance photo CCB Cold Crush Brothers, tirage 84 par Joe Conzo Jr. Le tirage photographique « CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 » de Joe Conzo Jr est une remarquable représentation de la culture hip-hop à son apogée. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée de 2023, réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², immortalise le groupe de rap iconique Cold Crush Brothers dans un portrait studio dynamique et stylé. Limitée à seulement cinq exemplaires signés, cette œuvre de 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) capture le groupe dans leurs costumes vintage, soulignant leur contribution à la musique et leur influence sur le street art et le graffiti. Cold Crush Brothers : Pionniers du Hip-Hop Formé en 1978 dans le Bronx, à New York, le groupe Cold Crush Brothers est largement reconnu comme l'un des plus influents des débuts du hip-hop. Réputés pour leur virtuosité lyrique, leur présence scénique et leurs performances novatrices, ils ont joué un rôle déterminant dans la définition de l'art du MCing. Les membres du groupe, parmi lesquels Grandmaster Caz, JDL, Almighty KG et Easy AD, ont établi une norme de créativité et de performance qui a inspiré d'innombrables artistes du genre. La séance photo de 1984, réalisée par Joe Conzo Jr, met en lumière le sens de la mode et l'individualité des Cold Crush Brothers. Chaque membre arbore des costumes élaborés, reflets de la théâtralité et du charisme qu'ils insufflaient à leurs performances. Les motifs audacieux et les couleurs vibrantes de leurs tenues symbolisent l'énergie créative qui caractérisait le mouvement hip-hop de l'époque. Cette photographie n'est pas seulement un témoignage visuel de leur style, mais aussi un hommage à leur importance culturelle et à leur vision artistique. Joe Conzo Jr : Chroniqueur de l'histoire du hip-hop Joe Conzo Jr, originaire du Bronx, est reconnu pour son talent à documenter les débuts du hip-hop à travers ses photographies. Son travail capture l'esprit du mouvement, des performances live aux moments intimes des coulisses. Cette séance photo avec les Cold Crush Brothers illustre parfaitement son don pour fusionner art et histoire, présentant ses sujets avec authenticité et talent artistique. L'œuvre de Conzo est intimement liée à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti, car il a su capturer non seulement les artistes, mais aussi le paysage culturel qui a donné naissance au hip-hop. Ses photographies, empreintes d'un sens aigu du lieu et de l'époque, préservent la vitalité du Bronx à la fin des années 1970 et dans les années 1980. La série de photos « CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 » illustre parfaitement son talent pour créer des images qui traversent les générations. La signification artistique de la séance photo 84 de CCB Cold Crush Brothers Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple photographie : c'est un témoignage historique qui fait le lien entre musique et art visuel. Les matériaux de qualité archivistique garantissent la préservation de chaque détail, des textures des costumes aux expressions des membres du groupe. Son format 40 x 50 cm renforce son impact visuel et en fait une pièce maîtresse pour toute collection d'art urbain ou d'objets liés au hip-hop. Le tirage CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 témoigne avec force de l'innovation culturelle née dans le Bronx dans les années 1980. À travers l'objectif de Joe Conzo Jr, cette photographie célèbre le talent artistique, l'individualité et l'héritage de l'un des groupes fondateurs du hip-hop. Un incontournable pour les amateurs de street art, de graffiti et pour tous ceux qui apprécient la richesse de la culture hip-hop.

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Burn Your Wonder Bra - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée OG sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Burn Your Wonder Bra - OG, Wonder Woman nue, style pop art DC Comics. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition 2021 limitée à 100 exemplaires, 61 x 61 cm, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Brûlez votre Wonder Bra par le déni : une déclaration dans le Street Pop Art « Burn Your Wonder Bra », créée en 2021 par Denial, artiste légendaire de la pop culture et du street art, est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, audacieuse et provocatrice. Tirée à 100 exemplaires, cette édition est méticuleusement réalisée sur papier d'art MOAB 290 g/m², au format 61 x 61 cm (24 x 24 pouces), et numérotée et signée par l'artiste, avec un tampon au verso. Reconnu pour sa fusion de visuels inspirés de la bande dessinée et de thèmes engagés, le travail de Denial remet en question les normes culturelles tout en embrassant l'esthétique du street art et du graffiti. « Burn Your Wonder Bra » est une représentation audacieuse de l'émancipation, de la rébellion et de la liberté d'expression. Wonder Woman réinventée : Pop Art et commentaire culturel L'œuvre « Burn Your Wonder Bra » de Denial propose une réinterprétation de Wonder Woman, l'un des symboles les plus emblématiques de DC Comics et de la culture populaire. Elle allie nostalgie et provocation, présentant l'héroïne dans une pose audacieuse et libérée. Utilisant des rouges, des bleus et des motifs en demi-teintes noires vibrants, évoquant les bandes dessinées des années 1960, Denial canalise avec brio l'esthétique des pionniers du pop art tout en l'infusant de l'énergie brute du graffiti. Le texte en gras en haut, « Burn Your Wonder Bra », est un clin d'œil satirique au mouvement féministe de la fin des années 1960 et 1970, période durant laquelle les femmes rejetaient symboliquement les normes sociales restrictives. En réinterprétant Wonder Woman nue et sans filtre, Denial brise les représentations conventionnelles des héroïnes, incitant à des réflexions sur l'autonomie, les attentes liées au genre et l'émancipation. Cette combinaison de critique sociale et d'iconographie pop témoigne du talent de Denial pour fusionner des messages forts avec des compositions visuellement saisissantes. Le déni : une voix majeure du street art pop et du graffiti L'artiste canadien Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est une figure internationale de l'art contemporain, reconnu pour ses œuvres percutantes et sans concession. Ses créations abordent souvent les thèmes de la société de consommation, du genre, de la politique et de la culture populaire avec un humour incisif et une dimension rebelle. Le travail de Denial fusionne les techniques du graffiti et du street art avec la rigueur des beaux-arts, ce qui lui vaut l'admiration des collectionneurs et des amateurs. « Burn Your Wonder Bra » reflète la voix artistique unique de Denial, où la nostalgie des bandes dessinées se mêle à des thèmes subversifs modernes. Par son utilisation audacieuse de la couleur, du trait et d'un texte soigneusement choisi, Denial invite les spectateurs à questionner les normes sociales tout en célébrant l'individualité et la liberté artistique. Une pièce de collection en édition limitée à l'impact durable « Burn Your Wonder Bra » fait partie d'une édition limitée très recherchée de 100 tirages pigmentaires d'archives, témoignant de l'engagement de Denial envers la qualité et le savoir-faire. Imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², la richesse de sa texture et l'éclat de ses couleurs la distinguent des reproductions pop art traditionnelles. Chaque exemplaire est signé, numéroté et estampillé au verso, ce qui renforce son authenticité et sa valeur en tant qu'œuvre de collection. Cette pièce est un exemple remarquable de street art et de graffiti contemporains, trouvant un écho auprès d'un public sensible à un art qui défie les normes tout en conservant une identité visuelle forte. « Burn Your Wonder Bra » capture la convergence de l'art, de la culture et de la rébellion, confirmant le statut de Denial comme figure majeure du street art contemporain. Elle demeure un puissant message de libération et d'expression, incarnant l'énergie dynamique qui caractérise l'œuvre de Denial.

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« Meet Me On Cloud Nine », sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 15 couleurs sur papier Arches Velin Blanc 300 g/m² par Rhymezlikedimez - Robin Velghe, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Sérigraphie 15 couches, tirage à la main sur papier Arches Vélin Blanc 100 % coton 300 g/m². Ses dimensions uniques (99,7 cm de large sur 31 cm de haut) offrent un format horizontal idéal pour la narration. Cette estampe a été approuvée, signée et numérotée par l'artiste. Imprimée à la main à Anvers, Belgique. Année de sortie : 2022. « J’ai initialement créé ce visuel pour ma première exposition éphémère à Miami. Je voulais montrer à quoi ressemble généralement un de mes rêves. C’est un collage à la Dali, une compilation d’impressions rencontrées au fil de la journée. Dans mon monde onirique, le soleil ne cesse jamais de se coucher. » – Robin Velghe « Meet Me On Cloud Nine » est une sérigraphie de l'artiste talentueux Robin Velghe, alias Rhymezlikedimez. Illustrateur, animateur et graphiste belge, Robin Velghe se distingue par un mélange unique de couleurs vibrantes, de mouvements dynamiques et de détails minutieux. Ses illustrations mettent souvent en scène des personnages aux proportions exagérées et à l'allure fluide, conférant à son travail un attrait visuel singulier. Rhymezlikedimez a collaboré avec diverses marques, musiciens et événements, réalisant illustrations, animations et créations de produits dérivés. Parmi ses collaborations notables, on peut citer celles avec des artistes comme Anderson .Paak, BROCKHAMPTON et Aminé. Son travail lui a permis de se constituer une large communauté sur les réseaux sociaux, où il partage ses illustrations et ses projets d'animation. La sérigraphie « Meet Me On Cloud Nine » présente certaines des caractéristiques propres à son style, telles que des couleurs éclatantes, des éléments fantaisistes et des personnages attachants. Les sérigraphies sont créées à l'aide d'un procédé d'impression au pochoir, ce qui permet à l'artiste de produire des images audacieuses et éclatantes dotées d'une esthétique unique.

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Sérigraphie SF Fire Escape de Shepard Fairey - OBEY, couleur tirée à la main sur papier d'art crème moucheté, édition limitée, artiste de la culture pop. 2011 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée à 450 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie Escalier de secours de SF par Shepard Fairey - Art urbain pop et graffiti symbolisant le symbolisme urbain La sérigraphie de Shepard Fairey, intitulée SF Fire Escape (2011), capture l'énergie architecturale et culturelle de San Francisco à travers le prisme du street art et du graffiti. Imprimée sur papier d'art Speckletone couleur crème, en édition signée et numérotée à 450 exemplaires, cette sérigraphie artisanale de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) condense la signature graphique de Fairey, mêlant contrastes et commentaires politiques, en une composition dynamique de géométrie urbaine. Utilisant sa palette emblématique rouge, noire et crème, l'œuvre présente un impressionnant escalier de secours traversant la façade d'un immeuble moderne, orné du visage expressif de l'icône désormais célèbre d'Obey Giant, apparaissant à travers une fenêtre. Les lignes verticales de la structure s'entrecroisent avec des escaliers diagonaux, tandis qu'un panneau d'affichage urbain indique « sens unique et interdiction de tourner », soulignant métaphoriquement le contrôle, la restriction et l'illusion de la certitude directionnelle. Lignes architecturales et structures de pouvoir urbaines L'œuvre de Fairey, « SF Fire Escape », métamorphose un élément banal du design urbain en une œuvre visuelle saisissante. L'escalier de secours, généralement perçu comme un symbole de sécurité ou de dernier recours, devient une ligne brisée, une échappatoire au conformisme. Ses angles blancs éclatants, contrastant avec la grille rigide du bâtiment, évoquent l'urgence et le potentiel. Les panneaux rouges et noirs confèrent un sentiment d'urgence et de rigidité institutionnelle, tandis que le panneau d'affichage en silhouette ajoute une dimension de direction sociale, voire de voie imposée. L'intégration du visage d'Obey Giant dans la fenêtre de l'escalier de secours rompt la grille par un symbole humanisé inattendu, faisant écho à la critique constante de l'artiste sur la saturation médiatique, la surveillance et les structures systémiques. Ce visage agit également comme un observateur discret, intégré à l'architecture, à la fois présent et contenu. La sérigraphie comme médium politique dans le pop art urbain La sérigraphie est depuis longtemps l'outil de prédilection de Fairey pour reproduire des messages rapidement et à grande échelle. SF Fire Escape perpétue cette tradition en conservant l'esthétique de l'affiche tout en se présentant comme une œuvre d'art à collectionner. Le choix du papier Speckletone crème, associé à des couches d'encre sérigraphiées aux couleurs vives, évoque l'esprit DIY des affiches de propagande placardées dans les rues. Le langage visuel à la fois raffiné et percutant de Fairey exploite la répétition, une palette de couleurs restreinte et le contraste pour amplifier l'urgence et la force du propos. Cette composition ne se contente pas de dépeindre un moment architectural, mais transforme l'environnement bâti de la ville en une métaphore du confinement culturel et des signaux autoritaires déguisés en directives. Iconographie intégrée et résistance urbaine Le visage d'Obey Giant n'est pas qu'une simple marque ou un ornement : il s'impose comme un symbole de résistance, intrinsèquement lié au tissu urbain. En l'intégrant à un escalier de secours, Fairey explore les notions de surveillance, d'autonomie et d'évasion. L'utilisation de la signalétique directionnelle ajoute une dimension ironique, interrogeant la véritable liberté de choix des individus dans la société moderne, et leur interrogeant sur leur simple appartenance à un système de contrôle. SF Fire Escape illustre le rôle constant de Shepard Fairey dans la transformation du street art et du graffiti contemporains en supports imprimés socialement engagés et politiquement pertinents, puisant leur inspiration dans le langage visuel de la rébellion et dans la structure du quotidien.

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Nocht Lucere Lacuna Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perfored Blotter Paper by Camille Rose Garcia pop culture LSD artwork. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Nocht Lucere Lacuna par Camille Rose Garcia – Œuvre d'art pop et graffiti sur papier buvard Nocht Lucere Lacuna est une estampe pigmentaire d'archive surréaliste et onirique, créée par Camille Rose Garcia en 2021. Présentée sur un buvard perforé à la main de 19 x 19 cm, cette œuvre signée et numérotée, accompagnée d'un certificat d'authenticité, a été lancée le 19 avril 2021 en collaboration avec Zane Kesey, qui a méticuleusement perforé chaque exemplaire. À l'instar de toutes les séries de buvards de Garcia, cette œuvre transforme un objet traditionnellement éphémère, associé à la culture psychédélique, en un témoignage durable de critique visuelle et culturelle, à travers le langage du street art et du graffiti. Mythologie psychédélique et narration néo-surréaliste La composition explose d'une intensité chromatique saisissante, nous transportant dans un univers aquatique fantastique où règne une logique onirique. Une figure centrale, évoquant une geisha fantomatique ou une sirène mythique, émerge d'un étang foisonnant d'yeux omniscients et de formes florales désincarnées. Autour d'elle, des processions de cavaliers hippocampes, de chauves-souris aquatiques, de champignons luminescents et d'oiseaux mutants se détachent sur un fond de ruissellements de néon et de textures fluorescentes. Les figures sont figées dans un mouvement cérémoniel, prisonnières d'une incantation visuelle qui évoque à la fois le rituel et le cauchemar. La superposition complexe de teintes translucides – magenta, vert acide, bleu électrique et rouge sang – par Garcia intensifie l'atmosphère d'un autre monde. L'alchimie de la culture et de la critique de Camille Rose Garcia Née en 1970 en Californie, l'œuvre de Camille Rose Garcia mêle iconographie féerique, subversion punk et dégradation écologique. Ses récits visuels critiquent le consumérisme, l'autoritarisme et l'effondrement environnemental, souvent à travers des protagonistes féminines évoluant dans des univers oniriques hostiles. « Nocht Lucere Lacuna » prolonge l'héritage de Garcia, figure visionnaire du street art et du graffiti, en créant un espace où le fantastique se fait commentaire culturel. Son talent unique pour fusionner dystopie et fantaisie continue de trouver un écho tant dans les galeries que dans les milieux alternatifs. Le pouvoir du papier buvard comme objet pop Le format de cette édition, sous forme de buvard perforé, revêt une profonde valeur symbolique. La participation de Zane Kesey inscrit l'œuvre directement dans l'histoire de l'activisme psychédélique et de la protestation visuelle. En imprimant sur ce support, Garcia amplifie le potentiel hallucinogène de son œuvre tout en l'ancrant dans les traditions esthétiques radicales du street art et des phénomènes éphémères des subcultures. Les perforations confèrent à l'œuvre une authenticité et une énergie tactile, soulignant son identité hybride, à la fois objet de collection et objet conceptuel. Nocht Lucere Lacuna fonctionne comme une invocation visuelle – un puissant mélange de mythe, de rébellion et d'enchantement, scellé dans un carré de papier lumineux.

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Achetez Dream Catchers 17 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier satiné Somerset 410 g/m² par Eelus Rare Street Art célèbre artiste pop. 2022 27.55x27.55 Signé Edition Limitée

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« It's Alive », édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Jon Smith, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

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Flèches embellies inconnues 2015 Édition limitée Impression sérigraphique HPM embellie à la main, peinture, peinture en aérosol, pochoir sur papier beaux-arts par Tavar Zawacki - Artiste de rue graffiti ci-dessus Art pop moderne. Je ne me souviens plus du nom de cette œuvre, si vous le connaissez, merci de me contacter.

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Œuvre d'art Cosmica, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Sam Chivers. Tirage giclée 24x24 sur papier d'art Hahnemühle. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'œuvre « Visage de limace » de l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Statue de la Liberté II Édition limitée, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tampon 2020 au verso HPM avec encres métalliques Bobby Hill (né en 1973) est un artiste plasticien new-yorkais qui a débuté sa carrière comme illustrateur. Il s'est mis à la peinture sur toile en 2008, après son retour aux États-Unis d'un premier voyage à l'étranger. Ses toiles récentes mêlent des affiches publicitaires new-yorkaises déchirées à des éléments d'expressionnisme abstrait, d'imagerie pop et de graffiti, pour créer ce qu'il appelle « The Bhillboards Collection ».

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Signs Of The Crimes - Magenta Art, impression d'archives à séchage UV encadrée sur panneau d'aluminium HD verni, œuvre d'art de l'artiste de culture pop urbaine Ron English - POPaganda. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020). Œuvre de 61 x 61 cm encadrée et prête à accrocher. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Soul Rebel - Bob Marley - Impression typographique en édition limitée, réalisée à la main en une couleur sur papier crème moucheté par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare, artiste OBEY Pop. 40,6 cm x 49,5 cm. Édition limitée à 450 exemplaires. 19 mai 2021. Cette série d'estampes, réalisée en collaboration avec le photographe Dennis Morris, commémore le 40e anniversaire de la disparition de Bob Marley. Elle illustre l'incroyable complexité de la personnalité de Marley : le philosophe, le militant engagé pour la justice et le messager d'amour et de fraternité. Bob

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Incognito - Sérigraphie en édition limitée, 20 couleurs, tirée à la main, sur papier 100 % coton blanc éclatant, par Tavar Zawacki - Œuvre rare de street art d'un artiste pop célèbre. Format du papier : 84 cm de large x 116 cm de haut (33 pouces de large x 45,5 pouces de haut). Papier Somerset 330 g/m², sans acide, blanc éclatant, 100 % coton. Tous les tirages ont des bords frangés à la main. CARACTÉRISTIQUES DE L’IMPRESSION : Incognito a été imprimé au studio Mother Drucker Print Studio à Berlin. Incognito est une impression sérigraphique traditionnelle en quadrichromie (CMJN). Le motif comporte plus de 20 couleurs différentes. Tous les tirages sont signés, datés, gaufrés et tamponnés au verso.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie en édition limitée, rehaussée à la main, représentant le Golden Gate Bridge et le trolleybus, sur papier épais de 200 livres, par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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& Œuvre d'art imprimée en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Fine Art Rag par l'artiste de graffiti pop culture Nimit Malavia. Portrait surréaliste du visage d'un homme en vêtements vintage. Nimit Malavia est un artiste visuel et illustrateur canadien reconnu pour ses œuvres complexes et imaginatives. Son style allie souvent la finesse du trait à une forte dimension narrative, puisant son inspiration dans diverses sources telles que la mythologie, les contes de fées et la culture contemporaine. L'œuvre de Malavia intègre généralement un mélange de techniques traditionnelles et numériques, notamment l'encre, l'aquarelle et Photoshop.

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Harlem World CCB Gangsters 81 Photo Print par Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 20x16, impression pigmentaire d'archives, représentant le groupe de rap Cold Crush Brothers en costumes et tenues de gangsters vintage à Harlem World. Photo de Joe Conzo Jr., Harlem World CCB Gangsters 81 Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » de Joe Conzo Jr. est une remarquable illustration de l'esthétique visuelle et de la théâtralité des débuts du hip-hop. Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée (2023), réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², il immortalise les légendaires Cold Crush Brothers dans des costumes vintage inspirés du gangsterisme. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm, signée par Conzo, offre un aperçu de la créativité et du talent qui caractérisaient les performances du groupe, mêlant musique, style et art urbain. Les Cold Crush Brothers : Icônes de style du hip-hop Les Cold Crush Brothers ont joué un rôle déterminant dans la formation de la culture et du son hip-hop à ses débuts, à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Reconnus pour leur talent d'écriture, leurs mises en scène élaborées et leurs costumes extravagants, le groupe a établi de nouvelles normes en matière de spectacle et d'innovation. Cette photographie, prise au Harlem World en 1981, met en lumière leur sens du théâtre. On y voit le groupe vêtu d'élégants costumes et de fedoras, accessoirisés d'armes factices, évoquant l'allure des gangsters classiques. Le Harlem World, lieu emblématique du Bronx durant l'âge d'or du hip-hop, était un véritable carrefour culturel pour les concerts, les battles et les rassemblements communautaires. Les Cold Crush Brothers s'y produisaient régulièrement, captivant un public conquis par leur style narratif unique et leur présence scénique hors du commun. Cette image illustre leur capacité à fusionner musique et mode en un récit cohérent, ancrant ainsi leur place dans l'histoire du hip-hop. Joe Conzo Jr : Documenter l’évolution du hip-hop Joe Conzo Jr est reconnu comme l'un des premiers photographes à avoir documenté l'émergence du hip-hop à New York. Son œuvre capture l'énergie brute, l'individualité et le talent artistique des pionniers du mouvement. Surnommé celui qui a pris les premières photos du hip-hop, Conzo a immortalisé la culture vibrante du Bronx et les figures qui l'ont façonnée. Ses photographies font le lien entre la musique et le Street Pop Art, offrant une perspective unique sur les intersections culturelles de l'époque. Cette photographie témoigne du sens aigu de la composition et du détail de Conzo, mettant en valeur la personnalité des Cold Crush Brothers et le soin apporté à leur image. Le motif gangster présent dans cette séance photo illustre comment les artistes hip-hop se sont approprié et ont réinterprété les symboles culturels pour exprimer puissance, assurance et créativité. Importance artistique et historique Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » illustre l'interaction entre musique, mode et art qui a défini les débuts du hip-hop. Les matériaux de qualité archivistique utilisés pour sa production garantissent la préservation des moindres détails de l'image, des textures des costumes aux expressions des membres du groupe. Son format 20x16 pouces amplifie l'impact visuel de la photographie, en faisant une pièce incontournable pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Ce tirage en édition limitée célèbre non seulement les Cold Crush Brothers, pionniers du hip-hop, mais témoigne également de la synergie créative entre musique et art visuel durant cette période charnière. À travers l'objectif de Joe Conzo Jr, l'image capture l'esprit d'innovation et d'expression personnelle qui continue d'influencer la culture contemporaine. Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » est à la fois un document historique et une œuvre d'art moderne dynamique qui rend hommage aux racines du hip-hop.

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Utopia, édition limitée, sérigraphie artisanale 7 couleurs sur papier 100 % coton Coventry 290 g/m² par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 7 couleurs sur papier 100 % coton Coventry 290 g/m² Signée : YESNIK / Numérotée / Estampillée Édition limitée à 115 exemplaires Dimensions : 48,25 x 56 cm Année : 2018

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Impression buvard Chanel haute couture par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2024. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2024. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Chanel réinventée dans le style du street art pop et du graffiti L'emblématique double C de Chanel est depuis longtemps un symbole de luxe, de statut social et d'élégance intemporelle. Pourtant, dans l'univers du street art et du graffiti, il se réinvente. Fondée par Gabrielle Chanel en France au début du XXe siècle, la maison a révolutionné la mode par ses lignes épurées et son élégance moderne. Dans le contexte de l'art urbain, son image immaculée est souvent réinterprétée comme une critique, une satire ou une célébration de la culture de la richesse et de l'identité. Des artistes comme Daniel Bombardier, alias Denial, utilisent cet emblème pour explorer la marchandisation du statut social et la fusion du luxe et de la rébellion. Le luxe bouleversé : le commentaire artistique de Daniel Bombardier En 2024, Daniel Bombardier a publié une œuvre d'art en édition limitée sur papier buvard, intitulée « High Fashion Chanel ». Tirée à seulement trente-cinq exemplaires, cette impression pigmentaire d'archives a été appliquée sur du papier buvard perforé à la main par Zane Kesey, figure emblématique de la culture psychédélique. Le support lui-même offre une complexité narrative, évoquant les états de conscience modifiés et les mouvements de contre-culture. Le logo Chanel, audacieux, domine un fond minimaliste mais très répétitif, transformant le monogramme en une célébration et une subversion du marketing consumériste. Ce qui représente traditionnellement le raffinement et l'élégance est ici réinterprété comme un produit de masse industriel, interrogeant la valeur que les consommateurs attribuent aux logos et au patrimoine. Le langage visuel et le pouvoir du symbole L'utilisation du papier buvard dans cette édition dépasse le simple choix stylistique. Son association avec la scène psychédélique underground enrichit l'interprétation, associant l'impact visuel de l'œuvre aux notions de transformation, de critique et de satire. Bombardier est réputé pour son art de mêler esthétique commerciale et messages provocateurs, et cette estampe Chanel ne fait pas exception. La composition épurée invite le spectateur à s'interroger sur la profondeur de l'ancrage des symboles dans la culture. La répétition du monogramme Chanel évoque la saturation publicitaire, tandis que la pureté des lignes renvoie à l'esprit originel de la marque, créant une tension entre respect et critique. Quand le pop art urbain et le graffiti rencontrent l'iconographie de la mode Cette œuvre de haute couture signée Chanel illustre comment les formes d'art urbain s'approprient la mode, non seulement comme un motif, mais aussi comme un commentaire. Ce buvard imprimé rend hommage au luxe et interroge son influence sur l'identité, la classe sociale et les aspirations. Le travail de Denial s'inscrit dans un débat plus large où les logos de la mode sont utilisés comme outils d'expression, de résistance ou d'humour au sein de la culture visuelle urbaine. Par un design précis, des supports inattendus et une appropriation assumée, l'image de Chanel est réinterprétée en une forme à la fois familière et radicalement transformée, devenant ainsi un sujet idéal pour le langage du street art et du graffiti.

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Hiatus Kaiyote Feral Feelings Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perforated Blotter Paper by Lauren YS pop culture LSD artwork. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Hiatus Kaiyote Feral Feelings par Lauren YS : Psychédélisme sauvage dans le street art pop et le graffiti « Hiatus Kaiyote Feral Feelings » est une estampe pigmentaire d'archives de 19 x 19 cm sur papier buvard perforé, créée par l'artiste visuelle américaine Lauren YS. Sortie le 19 avril 2021, cette édition limitée était signée, numérotée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Chaque feuille a été perforée à la main par Zane Kesey, perpétuant ainsi la tradition culturelle d'utiliser le papier buvard non seulement comme support pour le LSD, mais aussi comme une toile unique pour une expression visuelle radicale. Avec sa palette de couleurs vibrantes, ses traits exagérés et son énergie émotionnelle chaotique, « Feral Feelings » s'impose comme une contribution majeure au genre du street art et du graffiti, canalisant musique, mythes et psychédélisme moderne à travers un design explosif. Au centre de l'œuvre se trouve une créature fusionnant des traits humains, animaux et extraterrestres en un visage grimaçant et d'une expressivité sauvage. Ce personnage est encadré par une inscription en gras : « Hiatus Kaiyote », en hommage au groupe de musique expérimental australien connu pour ses sonorités inclassables et sa voix brute. Ses yeux exorbités, sa langue fourchue et son sourire sauvage irradient une énergie et des émotions débridées, tandis que ses teintes turquoise et magenta contrastent et tourbillonnent sur un fond jaune citron psychédélique. L’effet visuel global est une surcharge voulue : un déferlement de personnalité, de puissance et de transformation surréaliste. Lauren YS et la mutation psychédélique de l'identité Lauren YS est connue pour ses personnages surréalistes explorant l'hybridité, les jeux de genre et sa mythologie personnelle. Dans Feral Feelings, elle métamorphose le visage humain en un être multidimensionnel, comme sorti des rêves et du folklore. Cette créature semble hurler et rire simultanément, les mains crispées sur son visage dans une pose où extase et instabilité se confondent. Le style reflète un langage visuel puisant ses racines dans la bande dessinée, la culture du tatouage et l'art psychédélique, mais réfracté à travers le prisme du symbolisme queer et de la rébellion contemporaine. Le format buvard confère à l'œuvre une intimité physique, encourageant l'interaction tactile et invitant à la contemplation de son lien avec une perception élargie et l'expérience psychédélique. Feral Feelings capture un état émotionnel brut qui s'accorde avec l'esthétique sonore de Hiatus Kaiyote : urgente, complexe et inclassable. Lauren YS traduit ce son en forme, utilisant la distorsion et la couleur non seulement pour le style, mais aussi pour l'impact psychologique. Le design à fort contraste imite les effets visuels des hallucinogènes, conférant à l'estampe une impression de vie dans son mouvement chaotique. Chaque élément — des crocs proéminents au fond hypnotique — contribue à amplifier la volatilité de la créature, créant une représentation d'états intérieurs bruts. Le buvard comme médium et message dans l'art psychédélique contemporain Le choix du papier buvard perforé est fondamental pour la profondeur conceptuelle de l'estampe. Historiquement utilisé comme principal vecteur de distribution du LSD, le papier buvard est devenu une icône underground de la liberté d'expression, de la prise de risque spirituelle et de l'expérimentation visuelle. En utilisant ce format pour un tirage pigmentaire d'archives, Lauren YS s'inscrit dans une lignée de créativité rebelle et de quête spirituelle. La perforation manuelle des feuilles par Zane Kesey relie l'œuvre à un héritage familial direct d'innovation contre-culturelle, tissant des ponts entre les générations grâce à des matériaux partagés et une intention symbolique commune. « Feral Feelings » n'imite pas l'art du buvard vintage ; elle le redéfinit. Elle incarne l'esprit du Street Pop Art et du graffiti grâce à des couleurs vives, des portraits mutants et une typographie mythique. Elle trouve sa place aussi bien sur les murs que dans les espaces intimes. L'idée qu'un matériau traditionnellement jetable puisse abriter une œuvre d'art de haut niveau brouille davantage les frontières entre les domaines commercial, spirituel et artistique. Ce sentiment de rupture et de transformation est au cœur du street art et des traditions psychédéliques. Le noyau émotionnel de la mutation dans l'art urbain pop et le graffiti Au fond, Feral Feelings explore la mutation émotionnelle. L'œuvre visualise l'instant précis où l'intensité intérieure explose dans la réalité extérieure. Grâce à des personnages hybrides, des lignes audacieuses et une saturation des couleurs, Lauren YS donne forme à l'émotion instinctive et au désarroi psychique. Ce thème est profondément ancré dans le graffiti et le surréalisme pop, où le corps et le psychisme humains sont souvent déformés, étirés ou mutés en de nouvelles formes symboliques. Le visage grimaçant de Feral Feelings n'est pas un monstre, mais un miroir – exagéré pour exprimer ce que les mots ne peuvent dire. Le travail de Lauren YS continue de redéfinir les frontières de la culture pop psychédélique urbaine en réinterprétant les formats traditionnels avec une créativité intrépide et une parfaite maîtrise culturelle. Feral Feelings est un phare de cette énergie – brute, bruyante, irrévérencieuse et transcendante. L'œuvre représente ce qui se produit lorsque le son, l'identité et l'intensité visuelle se rencontrent sur une feuille de papier perforé et explosent en une explosion de couleurs.

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Achat TITRE Multiple peint à la main original (HPM) sur panneau en bois bercé prêt à accrocher par ARTISTE graffiti street artiste pop art moderne. INFO

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Estampe giclée en édition limitée McGregor sur papier d'art de qualité supérieure, par Robert Bruno, artiste de rue issu de la contre-culture. Épreuve d'artiste AP. Estampe d'art sur le thème de la boxe : McGregor contre Mayweather.

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Une course mise en scène n'a pas de tonnerre. Estampe en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art de l'artiste Chris Austin. Œuvre d'art moderne. Édition limitée 2022, signée et numérotée à 50 exemplaires. Œuvre d'art découpée à la main. Format : 20 x 20 cm. Chris Austin – Une course truquée n'a pas de tonnerre dans l'art pop et graffiti de rue L'œuvre de Chris Austin, « A Staged Race Has No Thunder » (2022), est une saisissante estampe pigmentaire d'archives qui fusionne la rigueur des beaux-arts avec des thèmes centraux du street art, du pop art et du graffiti. Tirée à seulement 50 exemplaires signés et numérotés, cette édition limitée est réalisée sur papier d'art aux bords frangés à la main et mesure 50,8 x 50,8 cm. Au premier regard, l'œuvre confronte le spectateur à une scène impossible : un immense requin blanc lévitant dans un ciel rouge crépuscule, entouré de pigeons en vol. La dimension surréaliste de cette composition suscite à la fois émerveillement et malaise, une signature du style d'Austin. Le titre lui-même suggère une réflexion sur l'artificialité, abordant peut-être l'idée que la compétition forcée ou construite manque d'authenticité et de puissance. Le requin, créature à la puissance de prédation inégalée dans l'océan, semble dériver dans un élément artificiel, dépouillé de sa domination et rendu passif dans les airs. Les pigeons paraissent indifférents, voire disposés autour de lui, renforçant l'absurdité de la situation. Ce renversement de l'ordre naturel sert de métaphore aux constructions sociales – des systèmes qui contraignent les êtres à des rôles qui ne leur étaient pas destinés. Ce thème trouve un écho profond dans la culture de l'art urbain et du street art, où l'identité, les rapports de force et la liberté constituent des motifs visuels et philosophiques centraux. Créatures symboliques et commentaires urbains L'utilisation par Austin de la faune sauvage comme métaphore des émotions humaines et d'une critique systémique est l'une de ses techniques emblématiques. Dans son œuvre, les requins symbolisent souvent la nature à l'état brut, la force et la survie. Mais ici, suspendu au-dessus de l'océan et flottant impuissant dans le ciel, le requin devient symbole de déracinement et d'enfermement. Les oiseaux, habituellement symboles de liberté, agissent comme des bergers ou des spectateurs passifs, faisant écho aux thèmes de la surveillance ou de la coexistence forcée. Cette étrange dynamique reflète le rôle du graffiti dans le paysage urbain : souvent critiqué, souvent vénéré, mais toujours en réaction à l'enfermement, au pouvoir et à l'espace. Couleur, composition et énergie au niveau de la rue L'atmosphère visuelle de « A Staged Race Has No Thunder » est incandescente. Le ciel rouge-orangé du crépuscule évoque l'urgence, suggérant des tensions environnementales ou des troubles sociaux. La saturation des couleurs rappelle les graffitis muraux, où de larges aplats de pigments captent le regard et suscitent l'émotion. Le style d'Austin, bien qu'ancré dans une pratique rigoureuse en atelier, conserve l'énergie cinétique du street art, où le choc visuel sert à transmettre des messages avec force et rapidité. La forme massive et ancrée du requin contraste avec la légèreté aérienne des pigeons, soulignant ainsi le déséquilibre et la contradiction, éléments clés du vocabulaire visuel du street art. Format Beaux-Arts, Message Pop Street Bien que présentée comme une impression pigmentaire d'archive de haute qualité, l'œuvre d'Austin s'inscrit pleinement dans l'esprit de la culture graffiti. À l'instar des affiches collées à la colle de blé ou des graffitis au pochoir qui transforment les ruelles en galeries d'art, cette œuvre utilise la nature comme outil narratif pour critiquer les constructions artificielles. Sa finition digne des plus beaux arts n'en atténue pas l'essence rebelle ; au contraire, elle la sublime. La maîtrise du pigment sur papier, associée à des bords frangés à la main, confère une dimension permanente à un message qui, sous d'autres formes, pourrait être éphémère. Par ce mariage d'esthétique et de sens, Chris Austin livre non seulement une œuvre d'art, mais aussi une réflexion sur l'authenticité, la force et les conséquences surréalistes de la mise en scène de ce qui n'a jamais été destiné à la compétition.

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District N 34°- IV Rare 9-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on 300gsm Bristol Paper by MAD Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. 202 1 Édition limitée signée et numérotée à 2 exemplaires 5 Dimensions de l'œuvre : 19,7 x 23,6 Sérigraphie 9 couleurs sur papier Bristol 300 g/m² Format : 50 x 60 cm (19,7 x 23,6 pouces) Sortie : 9 juin 2021 Tirage : 25 exemplaires

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Estampe giclée en édition limitée Hendrix sur papier d'art de Robert Bruno, artiste de rue de la contre-culture. Jimi Hendrix, légende du rock.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Louise 22, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne Adam Fujita. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Sérigraphie artisanale en édition limitée Fett, 4 couleurs, sur papier beaux-arts, par Vance Kelly, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Légendes de Star Wars

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Dollar Sign - State 4 Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main Impression sérigraphique HPM sur toile par Steve Kaufman Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Épreuve d'artiste (AP), non tendue, neuve, directement de l'artiste en 2002

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Utopia Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art de Qualité sur Papier à Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Médaille d'or SOI55. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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« Bouquet d'hommes d'affaires », œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signé au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 8,25 x 11,75. Inspiré de l'art du sable de Sunae.

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Swamp 13 HPM Peinture acrylique Sérigraphie par Maya Hayuk Impression 4 couleurs sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. 2013, peinture acrylique HPM, signée et numérotée, édition limitée à 40 exemplaires, embellie. Dimensions : 14,96 x 21,65 pouces. Swamp 13 de Maya Hayuk – Sérigraphie à la peinture acrylique HPM, style street art pop et graffiti. Swamp 13 est une œuvre multiple vibrante et immersive de 2013, peinte à la main par Maya Hayuk. Réalisée à l'acrylique et à la sérigraphie sur papier d'art, elle est éditée à 40 exemplaires. Mesurant 38 x 55 cm, cette œuvre fusionne la couleur, la texture et la géométrie, caractéristiques de l'artiste, pour créer une expérience visuelle riche et complexe. Chaque estampe a été rehaussée à la main, garantissant ainsi son caractère unique. Avec sa fusion de dégradés néon, de formes noires épaisses et d'éclaboussures picturales, Swamp 13 illustre parfaitement la capacité de Hayuk à allier symétrie maîtrisée et liberté gestuelle. L'œuvre devient une méditation psychédélique sur la couleur, l'espace et la forme – résolument abstraite, mais aussi profondément émotionnelle et précise. La couleur comme énergie psychédélique et signal urbain Dans Swamp 13, l'utilisation de la couleur par Maya Hayuk n'est pas purement décorative : elle agit comme une force énergique. Des éclats de rose fluo, d'orange éclatant, de bleu électrique et de vert acide jaillissent de formes noires épaisses, créant une tension subtile entre saturation et structure. Ces choix chromatiques font référence à la signalisation routière, à la culture rave, aux broderies folkloriques traditionnelles et à l'expressionnisme à la bombe. La palette fluorescente n'est pas un clin d'œil aux tendances, mais une affirmation délibérée de l'hypervisibilité : une volonté de susciter joie, urgence et une vibration spirituelle par le biais du pigment. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, cette stratégie visuelle fonctionne comme un son : elle vibre à travers la surface et le temps, invitant les spectateurs à ressentir autant qu'ils voient. Multiples peints à la main : fusion du contrôle et du chaos Chaque exemplaire de Swamp 13 a été rehaussé à la main par Maya Hayuk, qui a ajouté des couches de peinture acrylique à la base sérigraphiée en quadrichromie. Cet hybride de répétition mécanique et d'originalité picturale reflète la tension entre reproductibilité et individualité qui caractérise à la fois le pop art et le graffiti. Les éléments sérigraphiés forment une grille structurelle, ancrant l'œuvre dans des silhouettes géométriques audacieuses. Les superpositions acryliques débordent de ces lignes : coulures, éclaboussures et gestes reflètent le processus intuitif et rituel au cœur du travail mural de Hayuk. Le résultat final est une œuvre qui porte le poids du processus, et pas seulement de l'image. Chaque estampe est animée d'un mouvement, évoluant de l'uniformité à la présence grâce à une construction par étapes. La symétrie caractéristique et le respect de la rue de Maya Hayuk Swamp 13 n'est pas qu'une simple œuvre d'art : c'est le reflet de la philosophie de Maya Hayuk. Sa conviction que l'équilibre visuel peut être une force apaisante, que l'abstraction peut véhiculer un récit et que la couleur peut transcender les genres transparaît profondément dans cette composition. Bien que n'étant pas ancrée dans le lettrage graffiti traditionnel, Swamp 13 s'inscrit pleinement dans le Street Pop Art et le graffiti par sa méthodologie, son attitude et son audace. Elle fait écho au chaos stratifié des murs de la ville, à la répétition méditative des motifs folkloriques et à la résonance émotionnelle des aplats de couleur pure. Hayuk ne cherche pas à imiter le graffiti ; elle s'inspire de son ADN, traduisant son énergie en symphonies chromatiques structurées d'une puissance vibrante. Swamp 13 est une œuvre vibrante et intrépide d'une artiste qui continue de redéfinir les possibilités de l'expression contemporaine puisant ses racines dans la rue.

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Sirena Tiburon, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Tatiana Suarez, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tatiana Suarez est une artiste installée à Miami, en Floride. Son style envoûtant est unique : son regard si particulier attire le regard du spectateur et le plonge dans un univers à la fois beau et surréaliste. Riche en symboles puisant dans ses origines brésiliennes et salvadoriennes, ses sujets semblent figés dans une immobilité sublime, comme sous l’eau. Leurs yeux de biche, d’apparence enfantine, dégagent pourtant une sensualité sous-jacente, ornés de plantes, d’insectes et d’autres éléments troublants. La beauté côtoie des créatures exotiques, voire inquiétantes, pour créer des récits enchanteurs.

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Révoltez-vous contre le système - Sérigraphie en édition limitée rose 8 couleurs tirée à la main sur papier Bristol 300 g/m² par MAD Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Dimensions de l'œuvre : 19,7 x 27,6 cm. « Rise Against the System - Pink » s'impose comme une œuvre visuelle marquante dans le portfolio de l'artiste MAD, dont l'identité demeure souvent aussi énigmatique que les messages véhiculés par son art. Cette pièce est particulièrement remarquable, non seulement par son esthétique vibrante, mais aussi par sa rareté et la technique employée pour sa création. Il s'agit d'une sérigraphie en édition limitée à seulement 30 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par l'artiste. Elle souligne son intérêt pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de pop art. L'œuvre mesure 50 x 70 cm et est imprimée sur un papier Bristol robuste de 300 g/m², un choix qui témoigne de sa durabilité et de sa grande qualité. Il s'agit d'une sérigraphie artisanale en huit couleurs, une technique traditionnelle qui confère à chaque tirage une touche unique, à l'opposé de l'uniformité de l'art produit en masse. L'image elle-même – une figure emprisonnée dans une bouteille – est une métaphore des contraintes et des pressions des systèmes sociaux. L'utilisation d'une palette rose attire non seulement le regard, mais peut aussi représenter l'idée de « passer au rose » ou la conscience de la féminité, un thème souvent exploré dans le street art contemporain. La pose du personnage, symbole de résistance active face à l'enfermement de la bouteille, symbolise la lutte contre les structures oppressives, un thème récurrent dans le lexique du street art, qui cherche souvent à remettre en question l'ordre établi. L'œuvre de MAD trouve un écho dans le contexte plus large du pop art grâce à son imagerie accessible et à ses couleurs audacieuses, tout en conservant la dimension subversive et subversive caractéristique du street art. Cette dualité assure à « Rise Against the System - Pink » un langage universel, s'adressant à un large public tout en restant profondément ancrée dans le commentaire culturel et politique qui définit une grande partie du mouvement street art. À travers cette œuvre, MAD offre un récit captivant sur l'autonomie et la libération individuelles, créant un impact visuel durable qui transcende le moment de sa création et ancre sa place dans le discours de l'art moderne.

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Impression giclée Bonnie par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 10,75 x 16,5 pouces. Gros plan d'une femme aux cheveux roses au repos. Bonnie : Un portrait paisible par Bec Winnel L'estampe giclée « Bonnie », en édition limitée, de l'artiste australienne Bec Winnel, est une œuvre exquise qui enrichit l'univers du street art et du graffiti, malgré son apparence à la fois sereine et délicate. Sortie en 2014, cette collection, limitée à 25 exemplaires signés et numérotés, représente une femme aux cheveux blancs dans un format de 27,3 x 41,9 cm. L'œuvre marque une rupture avec l'univers urbain et vibrant traditionnel du street art, invitant le spectateur à un moment de calme et d'introspection. L'expression artistique au-delà des toiles urbaines L'œuvre « Bonnie » de Winnel transpose l'esprit du Street Pop Art dans l'univers du papier d'art, offrant une vision plus intime et détaillée du sujet que ne le permettent généralement les larges traits du graffiti. La finesse des détails des cheveux blancs de la femme et le subtil jeu d'ombre et de lumière sur ses traits témoignent de la maîtrise du crayon et du pastel par Winnel, créant des textures et des profondeurs aussi saisissantes qu'une fresque monumentale. Dans « Bonnie », le regard du sujet n'est pas agressif mais invitant, reflétant une paix intérieure et une sérénité souvent recherchées mais rarement représentées dans le monde trépidant et dynamique du street art. À l'instar de nombreuses œuvres de Street Pop Art, cette pièce communique des émotions et des récits puissants sans un mot, prouvant que l'art peut toucher le spectateur à de multiples niveaux, quels que soient le contexte ou le style. Le pop art urbain à travers le prisme de l'impression giclée L'utilisation de l'impression giclée pour « Bonnie » préserve les subtiles nuances de couleurs et la finesse du trait, reflétant la précision des techniques de peinture en aérosol et des pochoirs des artistes de rue. Reconnue pour sa grande fidélité à l'œuvre originale, l'impression giclée permet d'apprécier pleinement la complexité de la technique de Winnel. Ce mode de reproduction s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art en rendant l'art de haute qualité accessible et en abolissant les frontières entre sphère publique et sphère privée. Le choix de Winnel de limiter « Bonnie » à 25 exemplaires garantit le caractère unique et précieux de chaque pièce, à l'image de la nature éphémère du street art, qui ne subsiste parfois qu'un bref instant avant d'être recouvert ou effacé. Les acquéreurs de « Bonnie » deviennent ainsi les gardiens d'un instant, d'une œuvre d'art qui capture la beauté fugace de la vie. L'attrait durable de « Bonnie » de Winnel L'attrait intemporel de « Bonnie » réside dans son caractère universel et les émotions qu'elle suscite. Cette œuvre de Bec Winnel témoigne de la richesse et de la diversité du Street Pop Art et du graffiti. Ce genre ne se limite pas aux messages percutants et aux visuels audacieux, mais englobe également le calme et la contemplation. L'œuvre de Winnel nous invite à percevoir le potentiel du street art à transcender ses frontières traditionnelles et à s'exprimer dans des contextes et des formats variés. Tandis que « Bonnie » orne les murs de collections privées, elle continue de révéler toute la puissance du Street Pop Art à s'adapter et à trouver un écho dans différents environnements. Elle fait le lien entre le monde souvent mal compris du street art et ceux qui cherchent la beauté et le sens dans toute forme d'expression artistique. À travers des œuvres comme « Bonnie », Bec Winnel contribue au dialogue riche et évolutif sur la création artistique dans le monde moderne, faisant du récit du Street Pop Art une expérience aussi riche et profonde que l'expérience humaine elle-même.

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No Sleep Till Brooklyn - 73 - Orange Red 4-Color Mixed Edition, tirage sérigraphique en édition limitée réalisé à la main sur papier d'art par Tim Oliveira, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs varient d'un tirage à l'autre. 76 couleurs et variantes de sérigraphie différentes dans une seule édition. Signée et numérotée, avec date tamponnée au dos. Le nom de ce tirage a une double signification pour moi. J'ai décidé de le sortir le 5 août en hommage à la légende des Beastie Boys, MCA (Adam Yauch), à l'occasion de son anniversaire. Enfant, presque tous les jours après l'école, je prenais mon ballon de basket et filais au parc ou au club de jeunes pour quelques parties improvisées. La plupart du temps, j'écoutais les Beastie Boys sur mon walkman pendant le trajet. Ils ont toujours été une grande influence pour moi. Par ailleurs, je ne dormirai pas tant que je n'aurai pas suffisamment d'œuvres pour une exposition solo à Brooklyn. Ce ne sera peut-être pas pour tout de suite, mais je continuerai à jongler entre ma vie de famille, un travail stable et mon art, quitte à passer de nombreuses nuits blanches… - Tim Oliveira

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Oh Hai ! Édition limitée sérigraphiée à la main en 3 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Affiche de concert en édition limitée de la tournée 73 de Brian Slade (2011), imprimée à la main en sérigraphie 3 couleurs sur papier d'art rose par Jeremy Wheeler. Le groupe musical Brian Slade du film Velvet Goldmine.

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