Estampe Beaux-Arts

Œuvre d'art de La Petite Sirène, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 10 x 30 pouces.

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Interface de simulateur sans titre III Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par J Demsky Œuvre d'art LSD de la culture pop. Ma première expérience avec le LSD remonte, si je me souviens bien, à 1995-1996. C'était une petite dose, probablement un quart d'un « Lucas Duck », qui étaient assez mous. La deuxième fois, c'était la même dose avec un « Bicycle », et l'expérience s'est également bien passée. Puis un jour, le « Simpson Double Drop » est apparu, et c'était différent. On en a pris la moitié pour être sûrs de tripper, et on n'a rien senti après presque une heure (à l'époque, il y avait aussi des contrefaçons), alors on a décidé de prendre l'autre moitié. Imaginez la suite ! On a perdu le contrôle, mon ami s'est enfui, j'étais censé aller chez lui et j'ai fait pareil. Mais je me souviens qu'il m'a fallu un certain temps pour ouvrir les trois portes, car la clé était tordue comme par magie. La première chose que j'ai faite, c'est d'allumer la télé, et il y avait le film « Shining ». Je n'ai vu que quelques scènes, mais je me souviens qu'au deuxième visionnage, j'ai pensé qu'ils avaient coupé des scènes. Vous imaginez… L'expérience a duré jusqu'à l'aube. Je crois que c'était ma dernière prise de LSD. Ça fait longtemps. Maintenant, je peux dire que je ne me suis jamais consacré au trafic de drogue, mais j'étais très doué pour la contrefaçon et j'ai passé du temps à fabriquer des « répliques » de draps très doux (comme « Marilyn Monroe » ou « Fraises »). J'utilisais même mes propres dessins, inspirés de ce qu'il peignait à l'époque. En ces temps étranges, je souris en repensant à ces expériences et j'y ajoute une touche personnelle. :) » - J Demsky

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L'art en action - Estampe d'art en édition limitée Lichtenstein Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Jeff Gillette, légende du street art pop graffiti. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archive sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Format : 16 x 20 pouces. « Art en action » est une estampe d'art en édition limitée, réalisée sur papier pigmentaire d'archives, signée Jeff Gillette, légende du street art et du graffiti. Imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre captivante de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) capture la rencontre dynamique entre la sensibilité pop art et l'essence brute et énergique du street art. Signée et numérotée à seulement 100 exemplaires en 2022, cette estampe imprègne le regard critique et incisif de Gillette de graphismes colorés et audacieux, évoquant le style iconique de Roy Lichtenstein. L'œuvre de Gillette se caractérise par une juxtaposition du fantaisiste et du fragile, contrastant souvent des images dignes de Disney avec des environnements dystopiques, créant ainsi un dialogue stimulant sur la société de consommation, la culture et les enjeux sous-jacents de la société. Son œuvre « Art en action » illustre parfaitement ce thème. L'allusion visuelle au pop art dans l'estampe, qui reflète le style de Lichtenstein inspiré des bandes dessinées, est habilement détournée par l'infusion d'une attitude urbaine par Gillette, ajoutant une dimension satirique et critique aux explosions vibrantes et à l'esthétique des comics qui ont marqué l'art d'une génération. Le « WHAM ! » explosif en arrière-plan fait directement référence au style de Lichtenstein. Pourtant, Gillette veille à ce que son interprétation reste singulière, invitant à une réflexion sur les implications de telles images dans un monde bien éloigné des cases innocentes des bandes dessinées du milieu du XXe siècle. L'inclusion de ces personnages chaotiques offre un contraste saisissant et introspectif avec la précision nette et mécanisée du travail de Lichtenstein, suggérant un récit plus profond sous l'apparence superficielle de la culture pop. En fusionnant les techniques et le rendu des estampes d'art avec l'impact viscéral du street art et du graffiti, Gillette établit un pont entre deux univers souvent opposés. Son œuvre ne se contente pas d'être accrochée aux murs d'une galerie ; Elle évoque l'engagement de rue et la critique sociale qui caractérisent l'art graffiti le plus percutant. Les collectionneurs et les amateurs du genre trouveront dans « Art in Action » une œuvre stimulante qui enrichira leur collection, offrant un sujet de réflexion aussi important qu'esthétiquement captivant.

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Bulle iconique - Sérigraphie en édition limitée, 8 couleurs, feuille d'or blanc 24 carats, tirée à la main, sur papier satiné Somerset 300 g/m² par Cope2. Œuvre rare de street art et d'un artiste pop célèbre. Édition limitée à 25 exemplaires, signée par l'artiste. Sérigraphie 8 couleurs sur papier Somerset 300 g/m² avec feuille d'or 24 carats. Dimensions : 75 x 55 cm. Année : 2019.

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Œuvre d'art Breathe Out, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Format de l'œuvre à déterminer.

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Tirages d'art en édition limitée Cecaelia, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'art, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Sarah Joncas. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Format de l'œuvre : 11 x 14 pouces.

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Notre véritable histoire, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2013 Édition limitée signée et numérotée à 100 exemplaires Œuvre d'art 18x24

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Lithographie « Into The Wild » de Hebru Brantley, impression artisanale sur papier d'art Rives BFK, édition limitée, style graffiti, street art et pop. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format : 28,75 x 34 pouces. Publiée par Print Them All, Montparnasse. Légère pliure due à la manipulation : coin inférieur gauche. Le récit vibrant de « Into the Wild » par Hebru Brantley La lithographie « Into The Wild » d'Hebru Brantley est un récit vibrant, fruit du pop art urbain et du graffiti. Elle offre une palette riche et un personnage captivant issu de l'univers de Brantley. Tirée à la main sur papier Rives BFK Fine Art, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à seulement 150 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. Publiée en 2021 par Print Them All à Montparnasse, cette œuvre de 73 x 86 cm (28,75 x 34 pouces) invite le spectateur à s'immerger dans le monde singulier de Brantley. « Into The Wild » témoigne du talent de Brantley pour la narration visuelle, mettant en scène un personnage incarnant l'esprit d'aventure et d'exploration. Coiffé d'un casque de pilote, ce personnage fixe intensément le spectateur, l'invitant à se joindre à l'aventure en territoire inexploré. L'utilisation du camouflage en arrière-plan se fond avec la figure, suggérant une fusion du personnage avec son environnement, une incarnation de la résilience et de l'adaptabilité. Cette œuvre est imprégnée de l'énergie du street art, de l'audace du pop art et de la finesse de la gravure d'art. Résonance culturelle de « Into The Wild » d'Hebru Brantley La résonance culturelle de « Into The Wild » d'Hebru Brantley réside dans sa capacité à faire le lien entre les beaux-arts et la culture urbaine. La lithographie, technique d'impression privilégiée, rend hommage aux formes d'art traditionnelles. Pourtant, le sujet et l'approche stylistique s'enracinent profondément dans l'univers contemporain du graffiti et du pop art urbain. Cette œuvre témoigne du talent de Brantley pour traduire l'esprit de la culture urbaine sur un support à la fois accessible et prisé des collectionneurs et des critiques. « Into The Wild » est une édition limitée qui immortalise une étape du parcours artistique de Brantley. L'œuvre reflète le dialogue constant de l'artiste avec les thèmes de l'héroïsme, de la jeunesse et des défis de la vie moderne. Tirée en édition limitée, chaque estampe est une pièce de collection, offrant un aperçu de la vision de Brantley et un lien avec le récit plus vaste que représente son œuvre. Les mérites artistiques de « Into The Wild » de Hebru Brantley Les qualités artistiques de « Into The Wild » sont multiples. La maîtrise de la couleur et de la forme par Brantley, sa capacité à insuffler à son œuvre dynamisme et émotion, ainsi que la virtuosité technique révélée par le tirage manuel des estampes contribuent à la renommée de cette œuvre dans le monde de l'art. Le papier Rives BFK Fine Art Paper témoigne de la qualité et de la durabilité de l'œuvre, garantissant la vivacité des couleurs et des détails au fil du temps. « Into The Wild » de Hebru Brantley illustre l'engagement de l'artiste à repousser les limites du street art et du graffiti. L'estampe célèbre l'histoire de cet art, offre un regard sur son présent et ouvre des perspectives sur son avenir. Chaque exemplaire signé et numéroté de cette édition limitée témoigne de la vision de Brantley et constitue un exemple vibrant du pouvoir transformateur de l'art.

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Sérigraphie du marathon de Los Angeles par Cleon Peterson, couleur tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure, édition limitée, œuvre d'art pop et urbain. Édition limitée signée et numérotée de 1050 exemplaires, 2010. Sérigraphie au format 20 x 29 pouces. Le marathon de Los Angeles, l'un des événements sportifs les plus prestigieux au monde, attire non seulement les coureurs, mais aussi les artistes désireux d'en saisir l'essence. L'une de ces représentations saisissantes est la sérigraphie du marathon de Los Angeles, une œuvre magistralement créée par Cleon Peterson. Bien plus qu'une simple estampe commémorative, cette œuvre incarne l'esprit et l'énergie de la course. Réalisée avec une minutie extrême, cette estampe couleur, tirée à la main, se pose avec élégance sur un papier d'art de qualité supérieure. L'approche de Peterson allie l'esthétique du pop art urbain à la précision de la sérigraphie. Le résultat ? Une œuvre vibrante, qui capture le mouvement et le dynamisme des marathoniens. Ce qui rend cette estampe si particulière, c'est son tirage limité. Seuls 1 050 exemplaires ont été produits en 2010, signés et numérotés, chacun mesurant 51 x 74 cm. Cette exclusivité garantit à chaque acquéreur un souvenir unique de cet événement marquant. Le choix des éléments par Peterson témoigne de la profondeur thématique de l'œuvre. Trois figures emblématiques de Los Angeles se trouvent immortalisées, se mêlant harmonieusement au départ du marathon et à ses participants. Un hommage particulièrement émouvant est rendu à la championne de 2009, la Russe Tatiana Petrova. Sa présence témoigne de l'excellence individuelle au sein d'un événement collectif. À travers cette sérigraphie, Cleon Peterson ne se contente pas de dépeindre un spectacle sportif, il célèbre également la persévérance, le dévouement et le triomphe de l'esprit humain.

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Marche populaire pour le climat - Pour tout changer, nous avons besoin de tout le monde. Édition limitée. Sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti. Art pop moderne. Marche populaire pour le climat – Pour tout changer, nous avons besoin de tout le monde. Sérigraphie 18 x 24 pouces. Édition de 300 exemplaires. 18 septembre 2014. « La plupart d'entre vous savent que je suis très préoccupé par les dangers du changement climatique. Dick Cheney a déclaré : « S'il existe ne serait-ce que 1 % de chances d'une attaque terroriste, nous devons tout faire pour nous y préparer. » Plus de 95 % de la communauté scientifique s'accorde à dire que le changement climatique est une réalité et constitue une menace dramatique pour la planète. Pourtant, on fait bien moins pour lutter contre le changement climatique que pour lutter contre le terrorisme. Heureusement, les rues de New York seront bientôt envahies par des centaines de milliers de personnes exigeant des solutions à cette crise climatique hors de contrôle. C'est un honneur et un devoir de conscience pour moi de contribuer à la Marche populaire pour le climat et de faire passer un message urgent sur l'une des plus grandes menaces qui pèsent sur les générations présentes et futures. La Statue de la Liberté et nous tous sommes en danger si nous n'incitons pas nos dirigeants à prendre des mesures audacieuses. » - Shepard Fairey

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Œuvre d'art sur toile Vegas Bound, impression giclée en édition limitée sur toile par l'artiste de graffiti pop culture Leslie Ditto. 2014 Signée et numérotée. Inspirée par Las Vegas Parano. Impression sur toile en édition limitée 27" x 18" par Leslie Ditto. Tirage limité à 30 exemplaires. Prête à être accrochée sur toile tendue. L'œuvre sur toile « Vegas Bound » de Leslie Ditto : une fusion en édition limitée de street art pop et de cinéma « Vegas Bound » est une œuvre sur toile de Leslie Ditto, artiste reconnue pour sa contribution au mouvement pop art urbain. Elle est réputée pour imprégner ses créations de commentaires sociaux et de visuels vibrants. Cette édition limitée, une reproduction giclée sur toile, est un hommage saisissant au film culte « Las Vegas Parano ». Signée et numérotée par l'artiste, cette impression de 68,5 x 45,7 cm (27 x 18 pouces) a été éditée en 2014 à seulement 30 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare. L'œuvre de Leslie Ditto puise souvent son inspiration dans la culture populaire, et « Vegas Bound » ne fait pas exception. Soigneusement préparée sur une toile tendue, prête à être accrochée, elle témoigne avec brio du style unique de Ditto. Le récit visuel de « Vegas Bound » capture l'essence de l'expérience hallucinatoire dépeinte dans « Las Vegas Parano ». Les personnages principaux, qui rappellent les protagonistes du film, se détachent sur un décor typiquement las Vegasien, avec son énergie extravagante et démesurée. L'utilisation par Ditto de couleurs saturées et de traits exagérés fait écho au voyage surréaliste et chaotique au cœur du rêve américain, tel que vécu par les personnages. Le rendu détaillé des sujets, la décapotable classique et l'emblématique panneau de Las Vegas s'harmonisent pour transporter le spectateur dans l'univers vibrant de l'œuvre. Analyse des éléments esthétiques de « Vegas Bound » Les éléments esthétiques de « Vegas Bound » puisent leurs racines dans le street art et le graffiti. La technique de Ditto révèle un équilibre subtil entre réalisme et exagération, caractéristique de l'influence du pop art. L'œuvre met en scène des créatures hallucinatoires et des perspectives déformées, symbolisant l'influence psychédélique sur le street art, tandis que le souci du détail reflète la précision du graffiti. Les figures, avec leurs expressions stylisées et leurs contours marqués, témoignent de l'esprit rebelle qui anime les mouvements street art et pop art. La capacité de Leslie Ditto à capturer l'énergie frénétique du Strip de Las Vegas et la réalité décousue du récit du film transparaît dans la composition chaotique de l'œuvre. Chaque élément, de la fumée d'une cigarette au sourire maniaque de la créature anthropomorphe sur la banquette arrière, contribue à une impression saisissante de mouvement et d'émotion. Cette œuvre n'est pas une simple représentation statique ; Elle réinvente activement un phénomène culturel, capturant le dynamisme et le caractère éphémère du pop art urbain. Importance et impact de « Vegas Bound » de Leslie Ditto dans l'art et la culture « Vegas Bound » est une œuvre majeure dans le travail de Leslie Ditto et s'inscrit pleinement dans le contexte plus large du street art et du graffiti. La rareté de cette estampe en fait une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art. L'interprétation que fait Ditto de « Las Vegas Parano » à travers le prisme de l'esthétique du street art offre une perspective inédite sur les thèmes de l'excès, de l'évasion et de la quête de sens dans un monde postmoderne. Elle explore visuellement les frontières entre art savant et art populaire, entre l'univers des galeries d'art et l'expression débridée de la rue. Avec des œuvres comme « Vegas Bound », Leslie Ditto contribue au débat actuel sur la légitimité et le potentiel du street art en tant que forme d'expression artistique. Son travail remet en question les barrières traditionnelles du monde de l'art, démontrant comment les motifs et les thèmes typiques du graffiti et du street art peuvent trouver leur place sur une toile. « Vegas Bound » n'est pas un simple hommage à un film, mais une œuvre à part entière, vibrante et stimulante, illustrant la convergence de la culture pop et de l'art pour créer une œuvre inédite et profondément marquante. « Vegas Bound » de Leslie Ditto est une puissante pièce de street art qui capture l'esprit d'une époque, l'essence d'un voyage cinématographique et le charme intemporel de Las Vegas. Son édition limitée ne fait qu'accroître son aura de mystère, en faisant une pièce de choix pour les collectionneurs qui apprécient l'interaction subtile entre cinéma, culture urbaine et art visuel.

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Sérigraphie artisanale 5 couleurs « Dog Bike Trippy » sur papier beaux-arts par l'artiste Nate Duval, édition limitée, œuvre d'art pop. Œuvre d'art signée en édition limitée, 2014, format 7 x 5,5 pouces

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Pas le temps de discuter ! Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 330 g/m² par Matt Straub, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Tirage pigmentaire d'archives, format 16,51 x 18 pouces. Explorer la dimension réaliste des récits urbains à travers l'art de Matt Straub « Ain't No Time To Argue! » de Matt Straub est une œuvre saisissante qui incarne l'essence même du pop art urbain et du graffiti. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, réalisé sur papier d'art 330 g/m², capture l'énergie brute et l'esprit libre de la culture urbaine. Publiée en 2016 à seulement 30 exemplaires, chaque pièce est méticuleusement signée et numérotée par Straub, garantissant son authenticité et renforçant son caractère de collection. L'œuvre, mesurant 42 x 46 cm, est une pièce forte qui reflète les caractéristiques stylistiques du pop art moderne, imprégnées de l'attitude rebelle du graffiti. Fusion dynamique des techniques du street art et de la sensibilité pop art L'œuvre de Straub est reconnue pour sa fusion dynamique des techniques traditionnelles du street art et de l'esthétique pop art. « Ain't No Time To Argue! » se distingue par sa représentation saisissante d'un cowboy, une icône que Straub réinterprète à travers le prisme de la culture contemporaine. La figure se détache sur un fond aux couleurs vives et aux éléments graphiques évoquant le pop art. Parallèlement, l'utilisation de la peinture aérosol et la superposition d'images au pochoir rattachent l'œuvre à l'esthétique brute du graffiti. Cette juxtaposition crée une œuvre qui est à la fois un clin d'œil au passé et un commentaire sur la vie urbaine actuelle. Le style emblématique de Matt Straub en tirages en édition limitée L'œuvre illustre le style caractéristique de Straub, qui instaure souvent un dialogue entre le sujet et le spectateur grâce à des éléments visuels et textuels qui invitent à la réflexion. La bulle de dialogue vide émanant du cow-boy dans « Ain't No Time To Argue! » invite le public à interagir avec l'œuvre, à compléter le texte par ses interprétations ou réflexions sur le silence du personnage. Cette interactivité est une marque de fabrique de la démarche de Straub, favorisant une expérience participative à la fois personnelle et collective. Implications culturelles de « Ain't No Time To Argue! » de Straub « Ain't No Time To Argue! » captive le regard par son impact visuel, mais explore également les implications culturelles de la figure du cowboy dans la culture populaire américaine. En inscrivant ce personnage dans un contexte moderne, Straub invite à une réévaluation des mythes et réalités de l'Ouest américain, explorant les thèmes du conflit, du dialogue et du passage du temps. Cette estampe en édition limitée devient un sujet de conversation, suscitant des interrogations sur les récits que nous acceptons et ceux que nous remettons en question. « Ain't No Time To Argue! » de Matt Straub témoigne de la pertinence durable du street art et du graffiti. Par sa maîtrise de la couleur, de la forme et des symboles culturels, Straub crée une œuvre qui reflète l'air du temps, capturant l'esprit de l'époque d'une manière qui parle à un large public. Son travail continue d'influencer le dialogue entre le street art et le pop art, tissant des liens entre les communautés et les générations grâce à un langage visuel partagé.

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Dieux des mers du Sud, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Jacob Borshard présente cent quatre-vingts petits dieux polynésiens. « Représentation portative des diverses idoles cataloguées par Sir Beebort York à bord du HMS Terrier, commandé par l'estimé capitaine George Blueberry, lors de ses récentes explorations des dernières eaux inexplorées des mers du Sud. Gravure de J. Shardsley pour l'Encyclopaedia Novus Plumbeus, 1790. Exemplaires supplémentaires disponibles pour deux pence pièce auprès de Gooseberry Bros. Ltd., Londres. »

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Break Free 29, édition limitée, estampes pigmentaires HPM d'archives rehaussées à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives rehaussé à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Format : 61 x 51 cm (24 x 20 pouces) Sortie : 26 juillet 2019 « Break Free » fait partie d’une nouvelle série de peintures explorant l’étrange abstraction des structures artificielles, victimes de l’abandon, de la dégradation et de la démolition, en contraste avec la beauté de leur reconquête par la nature. Tout retournera un jour à la Terre. – Jessica Hess L'ouvrage de Jessica Hess, Break Free 29 : L'architecture de la décrépitude et le langage du graffiti « Break Free 29 » de Jessica Hess est une estampe pigmentaire d'archive rehaussée à la main, mesurant 61 x 51 cm (24 x 20 pouces), publiée en 2019 dans le cadre d'une série documentant l'architecture urbaine abandonnée, envahie par les graffitis et les éléments naturels. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², cette édition limitée illustre la maîtrise de Hess en peinture photoréaliste et son talent pour transformer la ruine urbaine en poésie visuelle. L'image capture un espace intérieur effondré – peut-être un entrepôt ou une friche industrielle – où la nature reprend ses droits et où chaque surface visible est recouverte de tags, de fresques et de pigments patinés. L'œuvre n'est pas une simple célébration du street art. C'est une méditation nuancée sur l'impermanence, la résilience et la transformation. Hess ne stylise ni n'exagère les graffitis ; elle les peint fidèlement, les respectant comme un témoignage authentique de l'empreinte humaine. Les poutres délabrées, les planches de plancher brisées et la charpente apparente du toit contribuent à la complexité visuelle de l'ensemble. Tout dans cette composition est en perpétuel mouvement. La structure se dégrade, et pourtant les surfaces s'animent d'une vie nouvelle. Des plantes vertes percent les fissures. Des éclats de couleurs vives défient le silence. L'effondrement n'est pas une fin, mais une évolution. Le photoréalisme comme préservation des objets éphémères du street pop Le travail de Jessica Hess s'apparente à une forme de préservation visuelle. En recréant minutieusement des ruines recouvertes de graffitis avec un réalisme photographique saisissant, elle immortalise l'art éphémère face au temps, à la destruction et à l'effacement. Dans Break Free 29, aucune surface n'est épargnée : piliers, encadrements de fenêtres, tuyaux et débris sont recouverts de couches superposées de graffitis, d'autocollants et de coulures de peinture. Chaque tag est une voix anonyme, participant à un dialogue visuel plus vaste, tissé au fil du temps. Hess ne retouche ni ne met en scène ces voix. Elle les capture dans toute leur complexité brute. La technique d'embellissement manuel de chaque estampe renforce l'authenticité de l'œuvre. Elle souligne la nature physique du graffiti lui-même : construit par couches, retouches et répétition. Les éléments peints ne se contentent pas de reproduire l'image ; ils la réactivent. L'utilisation d'un réalisme haute fidélité et d'un travail manuel minutieux par Hess fait le lien entre le graffiti et les beaux-arts, sans compromettre aucun des deux. Cela témoigne de son profond respect pour ces lieux et les artistes qui y ont laissé leur empreinte. Entropie, mémoire et réensauvagement de l'espace urbain Break Free 29 contribue au dialogue permanent au sein du Street Pop Art et du graffiti sur la signification de l'espace, de la dégradation et de la notion d'auteur. Hess ne peint pas l'acte de graffiti en mouvement, mais ses conséquences, sa documentation. La structure qu'elle représente n'est plus définie par sa fonction originelle. Elle devient un nouvel environnement façonné par l'effondrement, l'intervention humaine et l'abandon. L'architecture se transforme en une toile accidentelle, et la nature s'y installe lentement, collaboratrice silencieuse. Aucune figure humaine ne se détache au centre de la scène, mais la présence humaine est omniprésente : dans les traits de peinture, dans les tags, dans les strates de messages écrits au fil du temps. Le graffiti ne se contente pas d'orner les ruines ; il leur confère un sens dans leur inoccupation. Le cadrage de cet espace par Hess révèle une beauté alternative, non fondée sur la conception, mais sur la décomposition et la réappropriation. Des plantes poussent à travers le béton. La lumière du soleil filtre à travers le toit effondré. L'œuvre humaine cède, et la terre commence à réécrire l'histoire de la structure. Dans Break Free 29, Jessica Hess présente la ruine non comme une perte, mais comme une transformation. C'est un portrait de l'impermanence peint avec soin et précision, qui nous rappelle que rien n'est véritablement statique : ni les villes, ni l'art, ni la nature. Tout est en mouvement, et tout finit par se libérer.

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Dette payée dans le sang, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par l'artiste pop Robert Wilson IV. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Cette estampe a été initialement produite pour l'exposition d'art « Battles » de Floating World Comics, inspirée par l'univers des yakuzas, à Portland ! Cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) présente un dégradé de couleurs et est signée et numérotée par l'artiste. Tirée à 100 exemplaires, elle est signée et numérotée par l'artiste.

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Une fille déguisée en Rikku, édition limitée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Ian Francis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ian Francis - Une fille déguisée en Rikku, 2009. Éditions BLK/MRKT. Sérigraphie 3 couleurs sur papier 100 % coton. Tirage limité à 100 exemplaires. Dimensions : 45,7 x 61 cm. Signée, numérotée et estampillée. Inspirée du personnage du jeu vidéo Final Fantasy.

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Hommage à Sammi Curr, affiche de concert en édition limitée du film de 2012, impression sérigraphique artisanale bicolore sur papier d'art par Jeremy Wheeler. Lakeridge High, 24 octobre 2012 - The Clowns, Black Roses, Holy Moses, Solid Gold, Rockula, Sammi Curr. Groupe du film d'horreur Trick or Treat .

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AZ373 - Trippin Pink Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Add Fuel, œuvre d'art LSD de la culture pop. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 150 exemplaires. Format buvard : 7,5 x 7,5 pouces. Les buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l’exemple présenté. Le buvard AZ373-Trippin Pink représente une fusion fascinante entre l'avant-garde subculturelle et la haute virtuosité artistique, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, signée Add Fuel, illustre la convergence constante entre l'art et la contre-culture, notamment dans le domaine psychédélique. Sortie en 2021, chaque estampe de cette série limitée à 150 exemplaires témoigne du savoir-faire méticuleux et de la pertinence culturelle d'Add Fuel. Réalisée avec une impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, un matériau historiquement associé à la distribution du LSD, cette œuvre capture une période où la culture des drogues a profondément influencé les arts visuels, la musique et les modes de vie. Son format de 19 x 19 cm (7,5 x 7,5 pouces) est idéal pour les collectionneurs et suffisamment intime pour captiver le regard par la complexité de son design. Les motifs complexes et les teintes roses vibrantes évoquent l'esthétique des carreaux de céramique traditionnels, réinterprétés à travers un prisme contemporain pour interroger la perception que l'on a de ce que peut représenter le street art. La touche personnelle est manifeste : chaque buvard est perforé à la main par Zane Kesey, ce qui renforce le caractère unique de chaque pièce. L'implication de Kesey inscrit l'œuvre dans une histoire plus vaste, son père, Ken Kesey, étant une figure emblématique de la culture psychédélique. Cet héritage authentifie l'œuvre, établissant un lien entre les idéologies passées et présentes. Objet de collection, le buvard AZ373-Trippin Pink est non seulement un régal pour les yeux, mais aussi un témoignage historique. Il s'impose comme une pièce forte dans l'univers des collectionneurs, où l'art rencontre l'histoire subversive. Chaque exemplaire numéroté porte la signature de l'artiste, attestant de son statut d'authentique œuvre de street art pop. Les collectionneurs et les amateurs de graffiti sont souvent attirés par ces pièces qui, au-delà de leur valeur esthétique, racontent une histoire de mutation culturelle et d'évolution artistique.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Entre ici et là 2 tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art blanc naturel de musée 310 g/m² par Mimi Yoon, artiste de rue graffiti, art pop moderne. INFO

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Achetez Alphabet découpé à la main - Sérigraphie bicolore bleue tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé et Numéroté Édition Limitée de 35 Oeuvres Taille 7.75x10

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Electric Eliminators - Bonus Come Out To Play Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art par Boneface, artiste de graffiti de la culture pop.

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Sérigraphie Obey Punk Girl AP Dance Floor Riot par Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie 1 couleur tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste AP 2011, signée et marquée AP, édition limitée, format 13x13 Bien avant de connaître les galeries d'art ou même le street art, j'étais fasciné par les pochettes d'albums, ne serait-ce que parce qu'elles représentaient visuellement la musique des disques que j'adorais. Les pochettes d'albums évoquaient une association euphorique avec l'écoute. La plupart de mes premiers t-shirts faits maison étaient des pochoirs inspirés des pochettes d'albums punk… J'ai beau adorer l'art et essayer de me convaincre de son importance dans la société, force est de constater que la musique est bien plus captivante et touche bien plus profondément les cœurs et les esprits… Mais je suis un populiste et je vois les choses ainsi : même si je ne joue pas d'instrument, je vais m'éclater ! Avec mon art, j'essaie de capturer cette même énergie et cet esprit qui rendent la musique si puissante et démocratique. REVOLUTIONS est un hommage à toute la musique et aux œuvres d'art qui m'ont inspiré au fil des ans. – Shepard Fairey Obey Punk Girl AP par Shepard Fairey : Une célébration de la musique et du graffiti pop art L'épreuve d'artiste sérigraphique « Obey Punk Girl » de Shepard Fairey illustre son talent pour fusionner l'imagerie inspirée par la musique avec l'esthétique brute du street art et du graffiti. Créée en 2011, cette sérigraphie monochrome, tirée à la main, est une épreuve d'artiste en édition limitée, signée et marquée par Fairey, mesurant 33 x 33 cm. Imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, elle témoigne du savoir-faire de Fairey et de son style graphique emblématique. « Punk Girl » reflète la profonde admiration de Fairey pour la musique et son impact culturel, puisant dans son lien de longue date avec les pochettes d'albums et l'esthétique punk. Au centre de l'estampe, une femme audacieuse, d'inspiration punk, tient un disque vinyle. Son regard intense et son style affirmé évoquent l'énergie rebelle du mouvement punk, tandis que la bordure ornée ajoute une dimension supplémentaire à la composition. Les motifs complexes qui l'entourent créent un rythme et un mouvement, faisant écho à la nature dynamique de la musique. En combinant l'essence brute du graffiti avec le langage visuel du punk rock, Fairey capture la puissance démocratique et viscérale de ces deux médiums. La musique comme force motrice du pop art urbain Shepard Fairey a toujours été profondément influencé par la musique, en particulier le punk rock, et son rôle dans la formation des mouvements contre-culturels. La sérigraphie « Obey Punk Girl » reflète cette influence, à travers une imagerie qui célèbre l'esprit rebelle et l'éthique du « fait maison » propres à la musique punk. L'œuvre de Fairey établit souvent des parallèles entre l'énergie de la musique et la puissance des arts visuels, créant ainsi des pièces qui trouvent un écho auprès d'un large public. L'intégration d'un disque vinyle dans le motif rend hommage à l'ère analogique de la musique, soulignant son authenticité brute et sa dimension tactile. La palette monochrome audacieuse et le contraste saisissant de « Punk Girl » rendent hommage à l'esthétique des fanzines et des pochettes d'albums punk, où le minimalisme et la simplicité étaient utilisés avec une grande force. L'emploi par Fairey de techniques de street art, comme le pochoir et la sérigraphie, reflète l'immédiateté et l'accessibilité de la musique punk, renforçant ainsi le lien entre les deux formes d'art. Cette interaction entre musique et art visuel est au cœur du travail de Fairey, donnant naissance à des œuvres à la fois visuellement percutantes et culturellement riches. Procédé de sérigraphie de Shepard Fairey Le procédé de sérigraphie artisanale utilisé pour « Obey Punk Girl » témoigne de l’attachement de Shepard Fairey aux techniques d’impression traditionnelles. Cette approche permet une grande richesse de détails et de textures, capturant les motifs complexes et les lignes audacieuses qui définissent son style. L’utilisation d’un papier beaux-arts rehausse la qualité tactile de l’estampe, créant une œuvre à la fois durable et visuellement captivante. En tant qu’épreuve d’artiste, cette estampe occupe une place particulière au sein de l’édition, souvent considérée comme un témoignage de l’expérimentation et du perfectionnement de la vision de l’artiste. L'attachement de Fairey à la sérigraphie puise ses racines dans le graffiti et le street art, où les techniques de pochoir et d'impression sont indissociables de l'esprit DIY de ce médium. Le motif monochrome de Punk Girl souligne la force de la simplicité, jouant sur le contraste et la composition pour créer une image percutante qui capte immédiatement le regard. Shepard Fairey : une voix de la contre-culture dans l'art moderne Shepard Fairey, artiste et militant américain, s'est imposé comme une figure majeure du street art et du graffiti. Son œuvre explore souvent les thèmes de la justice sociale, de la rébellion et de l'identité culturelle, puisant son inspiration dans le punk rock, les mouvements politiques et l'art de propagande. « Obey Punk Girl » illustre parfaitement la capacité de Fairey à fusionner commentaire culturel et esthétique percutante, créant ainsi une œuvre qui résonne avec des expériences à la fois personnelles et collectives. L'exploration de la musique comme source d'inspiration est un thème récurrent dans l'œuvre de Fairey, témoignant de sa conviction en son pouvoir transformateur. « Punk Girl » célèbre la rencontre entre musique et arts visuels, capturant l'énergie brute et l'esprit démocratique qui confèrent à ces deux formes d'art une telle force. À travers son art, Fairey continue de bousculer les conventions et d'inspirer le dialogue, confirmant ainsi son statut de figure incontournable du street art et du graffiti contemporains.

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Neds Head Baby Neds Head, estampe giclée en édition limitée sur papier d'art de Jon Smith, artiste de rue de la contre-culture. La série « Alerte Spoiler » est une nouvelle collection imprimée qui dévoile les événements les plus marquants et choquants de l'histoire des séries télévisées cultes ! Si vous n'êtes pas à jour sur Breaking Bad, Twin Peaks et Game of Thrones, vous êtes vraiment mal barré.

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Estampe d'archive Snoopy & Woodstock par Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 6x8, pigments d'archivage, beaux-arts, Peanuts, Snoopy et Woodstock sur leur niche, observant les nuages ​​dans un style glitch. L'interprétation de l'imagerie classique par Adam Lister L'estampe « Snoopy & Woodstock » d'Adam Lister représente la rencontre entre la culture pop et les beaux-arts, à travers le regard d'un artiste de street art contemporain. Cette œuvre en édition limitée, tirée à 50 exemplaires pour 2023, présente les personnages emblématiques de Peanuts dans un style glitch saisissant, transformant une scène familière en une expérience à la fois interpellante et fascinante. Imprimée sur un papier d'art mat pressé à chaud de 300 g/m², cette œuvre témoigne du talent de Lister pour fusionner des thèmes traditionnels et une esthétique numérique contemporaine. Le style emblématique d'Adam Lister Lister est reconnu pour son approche unique de l'art visuel, qui mêle l'effet de pixellisation numérique, évoquant les premiers jeux vidéo, à la fluidité et à l'expressivité de l'aquarelle. Son œuvre « Snoopy & Woodstock » ne fait pas exception, offrant une relecture originale des personnages emblématiques de Charles Schulz. Chaque tirage 15x20 cm est signé et numéroté par l'artiste, garantissant son authenticité et son lien avec la vision de Lister. Les collectionneurs et les amateurs de street art et de culture pop apprécient le travail de Lister pour sa fusion novatrice des styles et son hommage aux figures iconiques. Collectibilité et impact culturel La valeur de collection des estampes d'Adam Lister tient non seulement à leur rareté, mais aussi à leur résonance culturelle. La représentation de Snoopy et Woodstock, figures emblématiques de la culture populaire, à travers le style pixélisé de Lister, invite à une réflexion sur le point de rencontre entre nostalgie et modernité. C'est un récit visuel qui témoigne de l'héritage durable des icônes de la pop culture tout en s'inscrivant pleinement dans l'esthétique du street art et du graffiti. L'estampe d'archives « Snoopy & Woodstock » est une œuvre d'art moderne qui capture l'esprit de son époque tout en rendant hommage au passé.

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée interdits, sur papier texturé brillant Moab Entrada 300 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Adam J O'Day. Interdit • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive texturé Moab Entrada 300 g/m² • Bords frangés déchirés à la main • 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) • Signé et numéroté à la main par l'artiste Adam J. O'Day • Édition limitée à 23 exemplaires

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La légende de l'édition limitée HPM, sérigraphie bicolore embellie à la main sur papier beaux-arts par Cornbread - Darryl McCray, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Estampe de panier de basket-ball signée et étiquetée (36 x 24 pouces), édition limitée 2021 à 100 exemplaires.

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Sérigraphie « Bird Kite Skateboarding » par Sentrock - Joseph Anthony Perez, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Sérigraphie au format 20x16. Sérigraphie « Bird Kite Skateboarding » par Sentrock – Joseph Anthony Perez « Bird Kite Skateboarding » est une sérigraphie saisissante de Sentrock, alias Joseph Anthony Perez. Cette édition limitée, réalisée à la main en 2013, met en lumière le style audacieux et illustratif ainsi que la narration symbolique qui caractérisent son art urbain pop et graffiti. Signée et numérotée à 30 exemplaires, cette œuvre de 50 x 40 cm (20 x 16 pouces) capture une scène à la fois surréaliste et profondément expressive, incarnant les thèmes de la liberté, du mouvement et de la découverte de soi. Par son imagerie dynamique et son énergie brute, cette pièce témoigne du talent de Sentrock pour créer un art à la fois visuellement captivant et émotionnellement puissant. Le symbolisme du mouvement et de l'évasion L'estampe « Bird Kite Skateboarding » de Sentrock représente une silhouette masquée, assise sur un skateboard, se propulsant à l'aide d'un cerf-volant improvisé composé de deux oiseaux attachés par des ficelles. Cette composition évoque immédiatement les thèmes du mouvement, de l'évasion et du désir de voler. La silhouette masquée, motif récurrent dans l'œuvre de Sentrock, suggère un récit plus profond sur l'identité et la transformation. Le masque d'oiseau est souvent un symbole de liberté, de résilience et de capacité à surmonter les difficultés. Les oiseaux, à la fois guides et moteurs, renforcent l'idée d'explorer de nouvelles possibilités. Le skateboard lui-même est une représentation de la culture jeune, de la rébellion et de l'expression de soi. Le skateboard est depuis longtemps associé à la transgression des normes sociales et à l'utilisation des espaces urbains comme support de créativité. En intégrant cet élément à l'estampe, Sentrock inscrit son œuvre dans l'esprit du street art et du graffiti, où le mouvement, la prise de risque et l'indépendance sont célébrés. La posture à la fois détendue et déterminée de la silhouette suggère à la fois maîtrise et abandon, une acceptation de l'imprévisibilité de la vie tout en avançant avec détermination. Esthétique du street art pop et du graffiti La composition visuelle de « Bird Kite Skateboarding » reflète la forte sensibilité graphique qui caractérise le travail de Sentrock. L'utilisation audacieuse du noir et blanc sur un fond rouge vibrant crée un impact immédiat, attirant immédiatement le regard sur le contraste saisissant entre la figure et son environnement. Le trait, brut et expressif, capture la texture et le mouvement avec une intensité illustrative qui semble prendre vie sur le papier. Cette estampe incarne l'énergie DIY du street art et du graffiti, où la simplicité de la forme amplifie la complexité du sens. Le contraste élevé permet au récit d'occuper le devant de la scène, rendant les émotions et le symbolisme de l'œuvre plus accessibles. L'utilisation par Sentrock de la sérigraphie artisanale souligne davantage la dimension humaine de l'œuvre, renforçant l'authenticité et le savoir-faire qui la caractérisent. Le tirage en édition limitée ajoute une touche d'exclusivité, faisant de cette estampe une œuvre convoitée par les collectionneurs d'art urbain contemporain. Le lien narratif et émotionnel L'art de Sentrock explore souvent les parcours personnels, la résilience et le désir de dépasser ses limites. « Bird Kite Skateboarding » ne fait pas exception, capturant un moment d'évasion onirique à la fois porteur d'espoir et introspectif. La figure masquée, élément emblématique de son œuvre, représente la dualité entre dissimulation et découverte de soi. L'anonymat du personnage permet aux spectateurs de projeter leurs propres expériences sur la scène, rendant le récit universellement accessible. Les oiseaux, symbolisant le guide et la libération, tirent la figure vers l'avant, renforçant l'idée que des forces extérieures – rêves, aspirations ou luttes personnelles – contribuent à façonner notre chemin. Cette œuvre résonne en chacun de ceux qui ont déjà ressenti le besoin de s'évader, de s'adapter ou de tracer leur propre voie. Sa capacité à susciter de telles émotions en fait une pièce majeure dans l'œuvre grandissante de Sentrock. « Bird Kite Skateboarding » témoigne de la maîtrise de Sentrock en matière de street art et de graffiti. Par une composition à la fois simple et puissante, il saisit l'essence du mouvement, de la liberté et de l'expression de soi. Cette sérigraphie en édition limitée témoigne non seulement de sa vision artistique, mais se fait également l'emblème de la résilience, ce qui en fait une pièce de choix pour toute collection d'art urbain contemporain.

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Porter ses rêves - Duo Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste moderne Alex Garant. Édition limitée 2022 signée 12x18 à 25 exemplaires, finition mate et variante duo gaufrée L'essence du concept « Porter ses rêves » dans l'art urbain pop et le graffiti contemporains « Wearing Your Dreams » s'impose comme une œuvre majeure du street art et du graffiti, magistralement créée par l'artiste contemporaine Alex Garant. Cette édition limitée 2022, imprimée en giclée sur papier d'art de haute qualité, célèbre la vision artistique novatrice de l'artiste, qui abolit les frontières entre la rue et la galerie. Tirée à seulement 25 exemplaires, signés par Garant, cette œuvre de 30,5 x 45,7 cm incarne la rareté et le charme exclusif tant recherchés par les amateurs d'art. Reconnue pour son style unique, souvent caractérisé par des yeux et des visages dédoublés, Garant brouille les frontières entre réalité et surréalisme dans « Wearing Your Dreams ». Cette variante en duo se distingue par sa finition mate et sa texture en relief, qui accentuent l'expérience tactile de l'œuvre. La technique du gaufrage, traditionnellement étrangère au street art, illustre la manière dont Garant repousse les limites du street art, ajoutant une dimension physique au récit visuel. Entre deux mondes : L'impact de l'édition limitée et sa place dans le monde de l'art de collection Le concept d'œuvres en édition limitée, telles que « Wearing Your Dreams », influence profondément la perception et la valeur du street art et du graffiti. En limitant le tirage à 25 exemplaires, Garant garantit la valeur de collection de l'œuvre et souligne son importance en tant que témoignage tangible du parcours créatif de l'artiste. La signature de chaque exemplaire renforce le lien direct entre l'œuvre et son créateur, un aspect très apprécié dans le milieu artistique. Dans le street art, l'utilisation du papier beaux-arts comme support est un choix délibéré, qui fait le lien entre une forme d'art éphémère souvent présente sur les murs et la pérennité recherchée par les collectionneurs. Ce choix témoigne du respect de Garant pour les traditions du street art tout en érigeant l'œuvre en pièce de collection. La finition mate, contrairement aux impressions de street art souvent brillantes, invite le spectateur à se concentrer sur la profondeur de l'œuvre sans être distrait par les reflets, faisant ainsi ressortir les détails en relief et soulignant son caractère unique. Le récit de « Porter ses rêves » et sa résonance culturelle « Wearing Your Dreams » dépasse la simple dimension physique ; c’est un récit artistique qui touche au cœur même du street art et du graffiti. L’œuvre est une métaphore de la manière dont nous nous présentons au monde, des rêves que nous portons comme des vêtements et des dualités qui nous habitent. La version en duo suggère une dualité au sein du sujet, un thème récurrent dans l’œuvre de Garant, où le moi visible et le moi intérieur dialoguent, un concept qui fait écho à l’authenticité et à l’expression brute propres au street art. Dans la vaste fresque du street art, « Wearing Your Dreams » de Garant contribue au débat sur l’identité en constante évolution de cette forme d’art. Si le street art puise ses racines dans des actes de créativité provocateurs, souvent clandestins, sur l’espace public, il s’est enrichi d’explorations plus nuancées et introspectives de soi et de la société. Par son expression contemplative et la profondeur de son regard, cette œuvre invite le spectateur à la pause et à la réflexion – une rébellion discrète mais puissante contre la consommation éphémère d’images à l’ère numérique. Héritage et avenir : « Porter ses rêves » au sein du canon artistique Alors que le street art et le graffiti continuent d'évoluer, « Wearing Your Dreams » occupera sans aucun doute une place de choix dans la progression de ce mouvement artistique. Son tirage limité, la signature de l'artiste et la qualité tactile de son gaufrage ont établi un précédent pour le street art moderne : une œuvre intime, recherchée et riche de sens. Le travail de Garant, et plus particulièrement cette pièce, restera dans les mémoires pour sa capacité à concilier accessibilité et exclusivité, une qualité de plus en plus importante dans un monde où l'art est omniprésent mais souvent éphémère. En somme, « Wearing Your Dreams » d'Alex Garant capture l'essence même du pouvoir transformateur du street art. Elle représente un moment où la vision de l'artiste et le contexte culturel convergent pour créer une œuvre à la fois expression personnelle et sujet de conversation universel. Pour les collectionneurs, posséder l'un des 25 exemplaires est bien plus qu'un simple investissement artistique ; C'est l'adhésion à un récit en perpétuelle évolution, un dialogue entre la rue et les temples sacrés des beaux-arts, un rêve rendu tangible grâce au pop art urbain et au graffiti.

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1953 - Sérigraphie en édition limitée turquoise 4 couleurs, tirée à la main sur papier beaux-arts, par Tim Oliveira. Œuvre rare de street art d'un artiste pop célèbre. Édition turquoise « 1953 » signée, 2018. Hommage à l’actrice Dawn Addams. Tirage limité à 30 exemplaires. Format : 45,7 cm x 61 cm. Sérigraphie 3 couleurs en édition limitée, signée et numérotée au crayon. Imprimée sur papier Stonehenge 100 % coton, 250 g/m², qualité archive.

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Votre vœu a été exaucé. Édition limitée ICON Series, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le grand diseur de bonne aventure du film Big Tom Hanks. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Deux vérités, sérigraphie d'Andrew Ghrist, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 45 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Œuvre d'art de format 12 x 24 pouces. Sérigraphie. Sérigraphie « Deux vérités » d'Andrew Ghrist La sérigraphie « Two Truths » d'Andrew Ghrist est un exemple saisissant de street art et de graffiti, fusionnant un travail de lignes complexe, des thèmes surréalistes et une palette monochrome qui plonge le spectateur dans un univers de mystère cosmique. Créée en 2013 en édition limitée à 45 exemplaires, tirée à la main, signée et numérotée, cette sérigraphie de 30 x 60 cm témoigne du talent de Ghrist pour mêler l'esthétique urbaine du street art aux qualités oniriques de l'illustration surréaliste. Son style caractéristique, souvent présent dans des fresques murales de grande envergure et des estampes d'art, se distingue par ses motifs denses, ses éléments organiques fluides et sa représentation détaillée d'objets mécaniques et naturels entrelacés. Symbolisme et influence surréaliste L'imagerie de « Deux Vérités » joue sur le contraste entre science, mythologie et inconnu. Un télescope massif, richement orné de sculptures complexes, pointe vers un ciel étoilé, suscitant immédiatement curiosité et envie d'exploration. L'observatoire semble ancien et abandonné, tandis qu'une silhouette se détache à l'arrière-plan sur la pleine lune, symbolisant peut-être la quête éternelle du savoir. La présence de ruines délabrées, de racines envahissantes et d'éléments cosmiques surréalistes renforce l'impression de découverte et de déclin coexistant dans un même espace. L'expression « Deux Vérités » suggère une dualité de la réalité, un concept profondément ancré dans la philosophie, la science et l'art. L'œuvre invite le spectateur à considérer différentes perspectives : le connu et l'inconnu, le visible et le caché. La présence de nuages ​​tourbillonnants mystiques et d'objets célestes complexes laisse entrevoir un récit universel plus profond, où l'idée de vérité absolue est remise en question. Technique et exécution Le style de Ghrist, caractérisé par des lignes denses et une précision méticuleuse, s'inscrit parfaitement dans l'esprit du street art et du graffiti, où les artistes utilisent des compositions graphiques à fort contraste pour captiver le public. La sérigraphie accentue la netteté et la profondeur de l'illustration, faisant ressortir chaque détail. Ses choix monochromes, avec de subtiles nuances de gris et de noir, confèrent à l'œuvre une qualité intemporelle, presque gravée, évoquant les illustrations scientifiques classiques mêlées à l'esthétique du street art contemporain. Cette œuvre témoigne de la capacité de Ghrist à fusionner la gravure d'art avec les motifs du street art, garantissant ainsi un travail non seulement visuellement saisissant, mais aussi intellectuellement stimulant. La superposition d'images mythologiques et scientifiques, associée à une impression de dégradation et de renaissance, fait de « Two Truths » une pièce marquante de son portfolio. Impact dans le street art pop et le graffiti Artiste issu d'un milieu artistique mêlant galeries et fresques murales de grande envergure, Andrew Ghrist a su intégrer avec brio des éléments de street art à l'estampe d'art. Ses œuvres, souvent présentes dans l'espace urbain, que ce soit à travers des fresques ou des expositions collectives, soulignent le lien entre la nature éphémère du graffiti et la permanence de l'estampe. « Two Truths », mêlant délabrement architectural, émerveillement céleste et curiosité scientifique, s'inscrit pleinement dans le débat plus large qui anime le street art et le graffiti, où les artistes explorent les thèmes de la connaissance, de la perception et de la fugacité du temps. Les collectionneurs d'estampes contemporaines, notamment ceux sensibles aux compositions minutieuses et aux riches niveaux narratifs, considèrent « Two Truths » comme un exemple remarquable du savoir-faire et de la profondeur thématique de Ghrist. Son appartenance au mouvement plus vaste des estampes d'art inspirées du street art lui assure une pertinence et une capacité de réflexion constantes au sein du paysage en perpétuelle évolution de l'art urbain moderne.

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Écriture sur le mur - Sérigraphie artisanale en édition limitée rouge bicolore sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare OBEY Pop. Sérigraphie signée et numérotée de 2010, « Écriture sur le mur (rouge) », 2010. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Édition limitée à 300 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. L'illustration (sans la bombe de peinture) est inspirée d'une photo de mon ami Jim Jocoy, auteur d'un excellent livre de photos punk de la fin des années 70 intitulé « We're Desperate ». Procurez-vous-le si vous le pouvez. – Shepard

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Mark Twain Riskoleum Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier d'archivage Coventry Rag par l'artiste de graffiti de la culture pop Risk. Épreuve d'artiste (EA). Tirage giclée sur papier d'archivage Coventry Rag. Tirage réalisé sur commande spéciale pour la Fashion Week de Los Angeles 2017, daté de 2016. Signé et numéroté à la main. 45,7 x 35,6 cm

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Daft Punk - Tron Metallic Gold, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts par Ron Guyatt, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre inspirée du célèbre groupe Daft Punk. Galerie Gauntlet – Exposition « Daft Punk Deux ». L'affiche regorge de clins d'œil au groupe Daft Punk. On y retrouve des références aux sound systems, aux stations de mixage, aux pyramides figurant sur les albums de Daft Punk, aux données numériques, à l'énergie, et bien plus encore !

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Shakespeare State II Édition limitée, sérigraphie HPM sur toile rehaussée à la main par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Grand cadre sur mesure. Certificat d'authenticité au verso. Daté de 1996. Sérigraphie sur toile rehaussée à la main. Shakespeare State II. Dimensions : (Cadre) H 129 cm x L 105,4 cm, (Vue) H 110,5 cm x L 87,6 cm. État : Deux petites perforations en bas à droite. À 16 ans, Kaufman fréquentait le Studio 54 et côtoyait les figures de la scène artistique new-yorkaise des années 70. En 1981, il rencontra Andy Warhol, qui exerça une influence considérable sur le jeune homme de 19 ans. Il travailla alors comme assistant de Warhol à la Factory, son atelier, où il réalisait des peintures originales et des sérigraphies. Parallèlement, Kaufman organisait des soirées à thème pour différentes boîtes de nuit, vendait des toiles à des personnalités comme Calvin Klein et Steve Rubell, et concevait même les graphismes de l'émission « Saturday Night Live » sur NBC.

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Tito Puente Dave Valentin Celia Cruz 1980 Tirage photo par Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 20x16, pigments d'archivage, beaux-arts de Tito Puente, Dave Valentin et Celia Cruz, musiciens et chanteurs en 1980. L'importance de Tito Puente, Dave Valentin et Celia Cruz dans l'art urbain pop et le graffiti. La photographie de Tito Puente, Dave Valentin et Celia Cruz, prise en 1980 par l'emblématique Joe Conzo Jr., occupe une place de choix dans l'histoire de l'art et de la musique. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée est bien plus qu'un simple document historique : il représente la fusion contemporaine entre musique, culture et art. Imprimé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cet exemplaire signé et numéroté illustre la rencontre entre la photographie d'art traditionnelle et le street art contemporain, notamment le pop art et le graffiti. L'héritage de Joe Conzo Jr. dans l'art moderne Joe Conzo Jr., photographe new-yorkais de renom, a immortalisé des moments clés de la musique et de la culture latines. Issu d'une famille profondément ancrée dans la musique et les arts, Conzo a capturé, à travers son objectif, le dynamisme et la résilience des communautés lors de l'effervescence culturelle des années 1970 et 1980. Son œuvre brouille souvent les frontières entre beaux-arts et expression urbaine, conférant à ses contributions une pertinence indéniable pour le street art et le graffiti. Cette photographie de 1980 immortalise la synergie entre Tito Puente, le roi du latin jazz ; Dave Valentin, flûtiste de jazz d'origine portoricaine ; et Celia Cruz, la reine de la salsa. Leur présence commune incarne un mélange de rythme, d'héritage et d'influences internationales. Le pop art urbain et le lien urbain Cette estampe s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Dans les mouvements artistiques urbains, immortaliser des moments culturels significatifs est primordial. L'énergie des artistes présents sur l'image fait écho à la vitalité des fresques murales qui célèbrent souvent des icônes culturelles. Les artistes inspirés par ce mouvement intègrent fréquemment les expressions dynamiques de ces photographies, les transformant en œuvres monumentales sur les murs publics. Ce mariage de musique et d'art crée un récit à la fois accessible et profondément ancré dans l'identité communautaire. Contexte historique et médium artistique Cette édition limitée souligne l'importance des techniques d'archivage pour la préservation des moments historiques. L'utilisation du papier d'art Moab Entrada 290 g/m² et de pigments d'archivage garantit la longévité et l'impact visuel de l'œuvre. Mesurant 50,8 x 40,6 cm, l'estampe révèle l'intensité de la performance et le charisme de ses sujets. En employant un médium traditionnellement associé aux beaux-arts, Conzo fait le lien entre la documentation classique et l'audace expressive de l'esthétique inspirée du graffiti. Cette œuvre témoigne du pouvoir durable de la collaboration entre la musique, l'art et la communauté. Son importance au sein du Street Pop Art et du graffiti réside dans sa capacité à évoquer les rythmes, les histoires et l'esprit de ses sujets, ce qui en fait une pièce incontournable pour les collectionneurs et les amateurs.

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Sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure, signée Dan Christofferson - Beeteeth, artiste de street art rare et célèbre du pop art.

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Carreau Colombe Géométrique - Série Blue Dream Editions, édition limitée, impression d'art pigmentaire d'archives sur carreau avec base en liège, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Shepard Fairey. Colombe géométrique (bleue) Shepard Fairey Édition limitée à 225 exemplaires + 25 épreuves d'artiste Impression numérique sur carreau. Carreau avec base en liège Signature et numérotation laser 15 × 15 cm 5,9 × 5,9 po 2021 « La série Dream Editions invite les artistes à puiser au plus profond de leur imagination pour créer des œuvres dont ils ont toujours rêvé, mais qu'ils n'avaient jamais eu l'occasion de réaliser jusqu'à présent. Cette initiative novatrice et révolutionnaire repousse les limites de leur créativité, témoignant du savoir-faire acquis par ce secteur. Au fil des ans, Underdogs a développé d'innombrables éditions limitées et pièces uniques, explorant une grande variété de supports, de formes, de matériaux et de procédés. » - Underdogs

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The Squancher - Hohokum Tirage giclée en édition limitée sur papier d'art par Richard Hogg, artiste de rue de la contre-culture. Estampe originale de la série d'illustrations du jeu vidéo Hohokum de Richard Hogg.

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« Nous choisissons d'aimer », sérigraphie d'Add Fuel, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2023 (nombre d'exemplaires à déterminer) - Sérigraphie de 19,6 x 27,5 cm Add Fuel, figure emblématique de la scène artistique contemporaine, repousse les limites de l'expression visuelle avec son dernier chef-d'œuvre, « We Choose To Love ». Cette œuvre témoigne non seulement de la précision et du souci du détail de l'artiste, mais aussi du pouvoir de l'amour et des choix que nous faisons en son nom. « We Choose To Love » captive par ses motifs complexes et ses couleurs vibrantes. Cette sérigraphie de 49,8 x 69,9 cm révèle le savoir-faire et la minutie artisanale qui caractérisent cette technique. Au cœur de cette pièce se trouve un spectre de six couleurs qui se déploie sur un papier d'art de qualité, mêlant des motifs de carreaux traditionnels à de subtils éléments pop art. La juxtaposition audacieuse de motifs classiques et de caractères graffiti modernes confère à la composition une profondeur et une originalité uniques. Datée de 2023 et signée par Add Fuel, cette édition limitée, numérotée individuellement, garantit son authenticité et son exclusivité. Ainsi, chaque collectionneur ou amateur d'art peut chérir une pièce unique d'histoire, un instantané de l'évolution du pop art, du street art et du graffiti. Dans cette œuvre captivante, Add Fuel marie avec brio tradition et modernité, créant un récit visuel en phase avec notre époque. « We Choose To Love » se dresse comme un phare, mettant en lumière les choix que nous faisons au nom de l'amour, de l'unité et de l'expression artistique.

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Tirages d'art en édition limitée Monolithic Interruption, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'archivage 100% coton, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 20 po x 16 po, bordure blanche de 1,25 po x 1 po incluse. Imprimé sur coton lisse Innova 315 g/m², blanc pur, 100 % coton – signé et numéroté.

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Tirage sérigraphique en édition limitée bicolore, tiré à la main, du film « Invasion Los Angeles 2 », sur papier d'art fin à motifs mouchetés, par l'artiste Shepard Fairey x Mondo. Sérigraphie signée et numérotée de 2011, « They Live 2 », 2011. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Édition limitée à 500 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Projection du film « They Live » à l'Alamo Drafthouse d'Austin, Texas, le 9 juin 2011. Voici votre Dieu, obéissez à votre dictateur. Légère bosse dans le coin inférieur gauche.

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Défilé de la Journée portoricaine... Tirage d'archives 2008 de Joe Conzo Jr. Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Œuvre d'art moderne d'artiste de rue, de graffiti pop. Estampe signée de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 20x16, pigments d'archivage, œuvre d'art représentant une femme enveloppée dans un drapeau portoricain. Défilé de la Journée portoricaine... Tirage d'archive de 2008 par Joe Conzo Jr. « Le défilé de la Journée portoricaine… », une estampe d’archive de Joe Conzo Jr. de 2008, est une saisissante célébration visuelle de la culture, de l’identité et de la fierté portoricaines. Créée en 2023 en édition limitée à seulement cinq exemplaires signés et numérotés, cette œuvre immortalise un moment poignant du défilé de la Journée portoricaine de 2008. Imprimée sur papier d’art Moab Entrada de 290 g/m² avec des pigments d’archivage, elle garantit la longévité et l’éclat de ses couleurs. Mesurant 50,8 x 40,6 cm, l’œuvre capture l’essence d’une femme drapée dans le drapeau portoricain, sur fond de parc paisible, soulignant la portée personnelle et culturelle de cet événement. Le lien de Joe Conzo Jr. avec la culture portoricaine Né en 1963 à New York, Joe Conzo Jr. est reconnu pour son talent à immortaliser des moments authentiques d'importance culturelle et historique. Connu pour avoir documenté l'essor du hip-hop, Conzo est également célèbre pour son travail explorant les expériences et les expressions de la communauté portoricaine. Ce tirage d'archive, représentant un participant à la parade drapé dans le drapeau portoricain, témoigne du lien profond qui unit Conzo à son héritage et de son engagement à préserver son histoire visuelle. Le drapeau symbolise à la fois la fierté, l'unité et la résilience, valeurs essentielles de l'identité portoricaine. L'importance du défilé de la Journée portoricaine Le défilé de la Journée portoricaine est une célébration vibrante de la culture, du patrimoine et des contributions de l'île, notamment au sein de la diaspora. Organisé chaque année à New York, cet événement attire des milliers de participants et de spectateurs, et constitue une puissante expression de fierté et de solidarité culturelles. La photographie de Conzo, prise lors du défilé de 2008, capture l'aspect plus calme et introspectif des festivités. En se concentrant sur une personne enveloppée dans le drapeau, l'image offre une perspective intime à un événement souvent défini par son énergie et son spectacle. La juxtaposition de cette silhouette avec le parc environnant souligne la complexité des expériences d'identité et d'appartenance. Influences de l'art moderne et du pop art urbain Ce tirage d'archive n'est pas qu'une simple photographie documentaire ; c'est une œuvre d'art moderne qui s'inscrit dans l'esprit du street art et du graffiti. Le cadrage, le contraste et le symbolisme culturel employés par Conzo transforment un instant fugace en un récit visuel intemporel. L'intégration d'éléments urbains, tels que des barrières métalliques et des bancs publics, ancre l'image dans la réalité vécue de la ville, faisant écho aux thèmes récurrents du graffiti et du street art. Le format en édition limitée confère à l'œuvre une valeur inestimable, en faisant une pièce rare et recherchée par les amateurs d'art et les historiens de la culture. Ce tirage témoigne du pouvoir de l'art à préserver et célébrer l'identité culturelle, et constitue une contribution majeure à l'art contemporain et au patrimoine portoricain.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Eddie Vedder Sao Paulo Brésil 2014 Music Limited Edition Gig Poster Œuvre d'art en sérigraphie 7 couleurs tirée à la main sur papier Mint Speckletone par Jeff Soto pour Pearl Jam avec Glen Hansard. La magnifique affiche de Jeff Soto pour la première soirée de la tournée solo d'Eddie Vedder en Amérique du Sud, qui a eu lieu à Sao Paulo, au Brésil.

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