Musique rap et hip-hop

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Estampe giclée Cali Love par Risk Rock x Fabrice Hanssens, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier d'art épais métallisé Hahnemühle, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Dimensions de l'œuvre : 26 x 20 pouces. Cali Love Giclee Print : Une symphonie de street art pop et de maîtrise photographique L'estampe giclée « Cali Love » témoigne avec brio de la synergie entre le pop art urbain et le génie photographique. Cette édition limitée capture l'essence même de la vibrante culture urbaine californienne. Fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur Risk Rock et le photographe de renom Fabrice Henssens, cette œuvre est limitée à 25 exemplaires. Chaque estampe, signée et numérotée avec soin, est exclusive et séduira les collectionneurs et les amateurs de street art. Imprimée sur le papier Hahnemühle Photo Rag Metallic, elle fusionne avec éclat les couleurs audacieuses de Risk Rock et la netteté photographique de Henssens. L'estampe présente une image saisissante du légendaire rappeur 2Pac, imprégnée de l'esprit et de l'attitude emblématiques du hip-hop californien. Avec ses dimensions de 26x20, l'estampe offre une toile conséquente aux artistes pour déployer leur talent, mêlant graffiti et pop art pour créer une œuvre à la fois un régal pour les yeux et une déclaration culturelle. Explorer les différentes facettes de « Cali Love » La profondeur de l'œuvre est palpable, sa composition vibrante recelant de multiples significations. L'influence de Risk Rock est manifeste dans les audacieuses touches de couleurs et l'intégration fantaisiste des papillons, emblématiques de son style graffiti. Ces motifs ne servent pas de simples ornements, mais symbolisent la transformation et la liberté, des thèmes profondément ancrés dans la culture hip-hop et auprès d'un public plus large d'amateurs de street art. La contribution de Fabrice Henssens en tant que photographe confère un réalisme saisissant à la composition, ancrant les éléments oniriques dans une scène tangible à laquelle les spectateurs peuvent s'identifier. Sa maîtrise de la lumière et de l'ombre sur le papier métallisé ajoute une dimension tridimensionnelle à l'estampe, donnant vie à l'image et captivant le regard. Cette interaction entre le tangible et le fantastique est une caractéristique du street art pop et trouve une parfaite exécution dans « Cali Love ». « Cali Love » : un emblème du pop art urbain et du graffiti. Tirage en édition limitée, « Cali Love » est une œuvre majeure du street art et du graffiti. Le choix du papier Hahnemühle Fine Art, réputé pour sa qualité et sa durabilité exceptionnelles, témoigne de la volonté de l'artiste de créer une œuvre pérenne, à l'image de l'impact durable du street art sur la culture urbaine. Le reflet métallique du papier sublime la luminosité des paysages californiens, un clin d'œil subtil au titre et au thème de l'œuvre. La collaboration entre Risk Rock et Fabrice Henssens célèbre la fertilisation croisée entre différentes disciplines artistiques. L'expertise de Risk en graffiti et le talent photographique de Henssens donnent naissance à un tirage qui transcende la simple addition de ses composantes. Cette œuvre capture l'esprit du street art, reflétant la nature dynamique et en constante évolution du genre. À travers « Cali Love », les artistes rendent hommage à l'âme de la Californie, à sa riche histoire en matière de street art et à son rôle de berceau du mouvement hip-hop. Dans le paysage de l'art moderne, « Cali Love » se distingue comme un phare d'innovation et de fusion artistique. L'œuvre n'est pas une simple image statique, mais un dialogue entre deux artistes et leurs médiums. Ce dialogue, riche et complexe, est profondément ancré dans le tissu culturel du street art. Cette estampe captive le regard, invite à l'introspection et célèbre la beauté multiforme du pop art urbain et du graffiti.

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Ours en peluche Low Fidelity Music Art Toy de Luke Chueh, sculpture de collection en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue pop graffiti. Œuvre d'art en édition limitée 2024, format 4x7, neuve en boîte, en vinyle estampé, figurine d'art représentant un ours en noir et blanc avec un casque audio, ambiance décontractée. Low Fidelity Music Bear : une sculpture en vinyle de la quiétude urbaine par Luke Chueh La figurine Low Fidelity Music Bear de Luke Chueh, sortie en 2024, est une pièce de collection minimaliste et chargée d'émotion, sculptée dans une palette monochrome de noir et blanc. Cette sculpture en vinyle estampé de 18 cm de haut représente un ours stylisé, debout, vêtu d'un sweat à capuche noir mat, les mains dans les poches et un casque audio sur les oreilles. Il s'agit d'une édition limitée créée par l'une des figures les plus importantes du Street Pop Art et du graffiti, reconnu pour sa capacité à transformer l'introspection en images. Présentée dans sa boîte d'origine et moulée en vinyle de haute qualité, cette sculpture allie simplicité et force symbolique. Résonance émotionnelle grâce à un design épuré L'œuvre de Luke Chueh s'ancre dans la représentation silencieuse des luttes intérieures et de la complexité psychologique, et l'Ours de la Musique Basse Fiabilité en est une illustration condensée. Le contraste entre l'ours d'un blanc immaculé et son sweat à capuche noir n'est pas qu'un choix stylistique : c'est une métaphore visuelle de la dualité – pureté et protection, visibilité et invisibilité, vulnérabilité et armure. Le visage de la figure demeure neutre, dépourvu d'expression traditionnelle, amplifiant le silence et invitant le spectateur à projeter ses propres sentiments sur cette toile vierge. Ce récit silencieux est au cœur du style de Chueh et a façonné sa contribution au graffiti et à la culture pop. Le langage de la solitude et du son L'ajout d'un casque audio à la sculpture confère une dimension conceptuelle unique. La musique, souvent source de clarté émotionnelle, est ici symbolisée non seulement comme divertissement, mais aussi comme isolement et repli sur soi. Dans un environnement urbain saturé de bruit, le détachement de la figure devient une forme de résistance. L'ours ne joue pas. Il écoute. Il se retire. Son immobilité, ses traits minimalistes et son esthétique en nuances de gris proposent une réflexion sur la solitude, la réflexion et le besoin humain de trouver la paix dans le silence sonore. Cette sculpture illustre comment le graffiti, art urbain par excellence, peut aborder les conflits intérieurs à l'aide de matériaux commerciaux et de personnages stylisés. Un objet de collection imprégné de récit Cette sculpture en vinyle de 2024 est bien plus qu'un simple objet de collection : elle invite à la réflexion sur le poids du silence dans une culture trépidante. À l'instar des autres œuvres de la série Low Fidelity, cette édition transforme l'écoute en un acte méditatif. Le sweat à capuche noir surdimensionné de la figurine fait office de carapace, tandis que les écouteurs la coupent du monde extérieur. Cet objet illustre comment Luke Chueh utilise le design de jouets comme un support d'expression narrative, s'inscrivant dans le cadre du Street Pop Art et du graffiti. Chaque sculpture, estampillée et présentée dans sa boîte, porte l'empreinte indéniable de la vision de l'artiste : un mélange de mélancolie, d'humour et de précision minimaliste. L'ours de Chueh n'est pas seulement une icône de la culture des objets de collection modernes ; il est le reflet tangible des émotions contemporaines.

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Protégez votre grill Naughty by Nature AP Sérigraphie de Mark Drew Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop et graffiti de rue. Épreuve d'artiste AP 2018, signée et marquée AP, édition limitée, dimensions : 11,73 x 16,5 pouces. Exploration des récits urbains dans la sérigraphie de Mark Drew « Guard Your Grill Naughty by Nature » ​​est une sérigraphie saisissante de l'artiste Mark Drew, qui capture l'énergie brute et l'esprit de la culture urbaine. Tirage d'artiste de 2018, cette sérigraphie artisanale sur papier d'art de qualité supérieure fait partie d'une édition limitée qui illustre la fusion entre art urbain, graffiti et culture pop. L'œuvre, de 29,8 x 41,9 cm, est signée par l'artiste et porte la mention AP, attestant de son statut d'épreuve rare et précieuse au sein de l'édition. Cette pièce témoigne de la maîtrise de Drew dans l'art de combiner textes et images pour créer une œuvre aussi évocatrice qu'esthétiquement marquante. Son titre, « Guard Your Grill », fait référence à une chanson du groupe hip-hop Naughty by Nature, suggérant un thème de vigilance et de résilience. Le travail de Drew explore souvent le lexique du hip-hop, transposant son langage dans un format visuel qui trouve un écho auprès d'un large public. L'association de ces paroles à des images rappelant les bandes dessinées classiques témoigne de l'approche caractéristique de l'artiste en matière de Street Pop Art et de graffiti, où il transcende les fossés générationnels et culturels pour offrir un commentaire sur la société contemporaine. Le processus artistique et l'impact culturel de Mark Drew La démarche artistique de Mark Drew repose sur un équilibre subtil entre techniques artisanales et exploration thématique de la culture urbaine et pop. La sérigraphie, procédé de prédilection des artistes urbains et pop pour sa capacité à produire des lignes nettes et éclatantes, permet à Drew de créer des œuvres à la fois modernes et intemporelles. L'épreuve d'artiste de « Guard Your Grill » souligne la méticulosité de sa pratique ; ces épreuves sont généralement réalisées avant le tirage principal afin de garantir la qualité de l'impression et sont souvent conservées par les artistes eux-mêmes ou vendues comme objets de collection. L'intégration par Drew des paroles de hip-hop dans son travail dépasse le simple hommage au genre ; elle devient un vecteur de commentaire culturel. En sélectionnant des expressions issues de la culture hip-hop et en les intégrant à des motifs visuels de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, Drew instaure un dialogue entre passé et présent, culture élitiste et culture populaire, courant dominant et marginal. Ce dialogue est une caractéristique essentielle du Street Pop Art, où l'interaction de différents éléments culturels peut mener à une compréhension plus profonde des enjeux abordés. L'impact culturel de l'œuvre de Drew est considérable. En immortalisant le langage du hip-hop à travers l'art visuel, il préserve et honore l'importance culturelle de ce genre musical tout en enrichissant le débat qui l'entoure. Ses œuvres, comme « Guard Your Grill », sont de véritables artefacts culturels qui capturent l'esprit de leur époque et offrent aux générations futures une perspective unique pour comprendre le contexte historique du mouvement hip-hop des années 90. Grâce à son art, Drew continue d'enrichir la riche palette du street art et du graffiti, garantissant ainsi sa pertinence et son accessibilité à un public diversifié et international.

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XXXtentacion III Édition Limitée Estampe Technique Mixte HPM Rehaussée à la Main sur Papier Épais 200lbs par Bobby Hill, Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Superbe estampe 2020, signée et rehaussée à la main, technique mixte, sérigraphie sur papier épais 200 lb (80 g/m²). Format : 15,2 x 22,9 cm. Sortie : 16 janvier 2020. Tirage : 5 exemplaires.

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Harlem World CCB Gangsters 81 Photo Print par Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 20x16, impression pigmentaire d'archives, représentant le groupe de rap Cold Crush Brothers en costumes et tenues de gangsters vintage à Harlem World. Photo de Joe Conzo Jr., Harlem World CCB Gangsters 81 Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » de Joe Conzo Jr. est une remarquable illustration de l'esthétique visuelle et de la théâtralité des débuts du hip-hop. Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée (2023), réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², il immortalise les légendaires Cold Crush Brothers dans des costumes vintage inspirés du gangsterisme. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm, signée par Conzo, offre un aperçu de la créativité et du talent qui caractérisaient les performances du groupe, mêlant musique, style et art urbain. Les Cold Crush Brothers : Icônes de style du hip-hop Les Cold Crush Brothers ont joué un rôle déterminant dans la formation de la culture et du son hip-hop à ses débuts, à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Reconnus pour leur talent d'écriture, leurs mises en scène élaborées et leurs costumes extravagants, le groupe a établi de nouvelles normes en matière de spectacle et d'innovation. Cette photographie, prise au Harlem World en 1981, met en lumière leur sens du théâtre. On y voit le groupe vêtu d'élégants costumes et de fedoras, accessoirisés d'armes factices, évoquant l'allure des gangsters classiques. Le Harlem World, lieu emblématique du Bronx durant l'âge d'or du hip-hop, était un véritable carrefour culturel pour les concerts, les battles et les rassemblements communautaires. Les Cold Crush Brothers s'y produisaient régulièrement, captivant un public conquis par leur style narratif unique et leur présence scénique hors du commun. Cette image illustre leur capacité à fusionner musique et mode en un récit cohérent, ancrant ainsi leur place dans l'histoire du hip-hop. Joe Conzo Jr : Documenter l’évolution du hip-hop Joe Conzo Jr est reconnu comme l'un des premiers photographes à avoir documenté l'émergence du hip-hop à New York. Son œuvre capture l'énergie brute, l'individualité et le talent artistique des pionniers du mouvement. Surnommé celui qui a pris les premières photos du hip-hop, Conzo a immortalisé la culture vibrante du Bronx et les figures qui l'ont façonnée. Ses photographies font le lien entre la musique et le Street Pop Art, offrant une perspective unique sur les intersections culturelles de l'époque. Cette photographie témoigne du sens aigu de la composition et du détail de Conzo, mettant en valeur la personnalité des Cold Crush Brothers et le soin apporté à leur image. Le motif gangster présent dans cette séance photo illustre comment les artistes hip-hop se sont approprié et ont réinterprété les symboles culturels pour exprimer puissance, assurance et créativité. Importance artistique et historique Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » illustre l'interaction entre musique, mode et art qui a défini les débuts du hip-hop. Les matériaux de qualité archivistique utilisés pour sa production garantissent la préservation des moindres détails de l'image, des textures des costumes aux expressions des membres du groupe. Son format 20x16 pouces amplifie l'impact visuel de la photographie, en faisant une pièce incontournable pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Ce tirage en édition limitée célèbre non seulement les Cold Crush Brothers, pionniers du hip-hop, mais témoigne également de la synergie créative entre musique et art visuel durant cette période charnière. À travers l'objectif de Joe Conzo Jr, l'image capture l'esprit d'innovation et d'expression personnelle qui continue d'influencer la culture contemporaine. Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » est à la fois un document historique et une œuvre d'art moderne dynamique qui rend hommage aux racines du hip-hop.

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Il était une fois en Utopie - Impression texturée de luxe résistante aux UV par Rhymezlikedimez - Robin Velghe Œuvre d'art en édition limitée, tirage sur papier d'art Coventry Rag Fine Art, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée 2023 (à déterminer) - Illustration texturée de luxe avec impression UV - Format : 23,4 x 15,68 pouces - Travis Scott, album de rap Utopia - Style artistique affirmé - Gaufrage et éléments dorés - Impression UV sur papier Coventry Rag « Once Upon A Time In Utopia Deluxe Textured UV Archival Print », une œuvre de Rhymezlikedimez, pseudonyme de l'artiste Robin Velghe, est un véritable régal pour les yeux, à la croisée du pop art et du street art. Cette édition limitée de 2023, dont le nombre d'exemplaires reste à déterminer, rend hommage à la musique rap de Travis Scott, et plus particulièrement à son album « Utopia ». Chaque exemplaire est signé et numéroté par Velghe, garantissant l'exclusivité de l'œuvre. L'estampe mesure 59,4 x 39,8 cm et est réalisée avec soin sur du papier d'art Coventry Rag, réputé pour sa texture luxueuse et sa grande résistance. Cette estampe texturée de luxe, protégée par UV, offre des couleurs riches et vibrantes, un design complexe qui capture l'essence même de l'univers visuel de l'album, ainsi qu'un gaufrage et des éléments en feuille d'or qui lui confèrent une dimension tactile et une touche d'opulence. Le talent de Velghe s'exprime pleinement dans une composition complexe qui fusionne des éléments fantastiques et des symboles ancrés dans le réel, reflétant la richesse et la complexité de la musique de Scott. L'impression UV de qualité archivistique garantit l'éclat de chaque couleur et texture, capturant l'énergie de l'album et la vivacité du design de Velghe. Cette estampe de luxe témoigne du talent de Rhymezlikedimez pour allier la force brute du street art traditionnel à la finesse de l'estampe d'art. L'œuvre qui en résulte est un véritable joyau pour collectionneurs, offrant une expérience à la fois visuelle et sensorielle, et invitant le spectateur à découvrir une vision méticuleusement élaborée de l'utopie, interprétée à travers le prisme imaginatif de Velghe. L'utilisation unique des textures et des reflets illustre l'esprit novateur du street art pop contemporain, tandis que les artistes repoussent sans cesse les limites de leurs médiums. « Once Upon A Time In Utopia » se présente comme un carrefour dynamique de musique, d'art visuel et de commentaire culturel, une œuvre qui trouve un écho aussi bien auprès des fans de Travis Scott que des connaisseurs d'art urbain moderne.

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Sac à dos style messager Reporter Cold Crush Brothers Art Mode par Kothai x Joe Conzo Jr Objet d'art vestimentaire Œuvre d'art Article de collection. Sacoche Kothai Messenger, édition limitée 1995 (épuisée). Vêtement de créateur, art et mode. Neuf avec étiquette, vintage, jamais porté. Photo vintage du groupe de hip-hop rap Cold Crush Brothers par Joe Conzo Jr. RB86N 3700536404958. Dimensions : 35,5 x 26,5 x 6,5 cm. Bandoulière : 76 cm. Provenant de la collection personnelle de Joe Conzo. Sacoche bandoulière Cold Crush Brothers Le sac bandoulière Reporter Cold Crush Brothers est une fusion rare et remarquable de mode, d'art et de culture hip-hop. Conçu par Kothai en collaboration avec le célèbre photographe Joe Conzo Jr., ce modèle en édition limitée illustre la rencontre entre le street art, le pop art et le graffiti, le tout dans un objet à porter. Le sac arbore une saisissante photographie en noir et blanc des légendaires Cold Crush Brothers, prise par Conzo, reconnu pour avoir documenté les débuts du mouvement hip-hop. Lancé en 1995 et désormais épuisé, ce sac est à la fois un accessoire de mode et une pièce de collection. Photographies emblématiques des Cold Crush Brothers et de Joe Conzo Jr. Les Cold Crush Brothers sont un groupe fondateur de l'histoire du hip-hop, incarnant l'énergie et la créativité des débuts du genre. Leur influence dépasse le cadre musical, façonnant le paysage culturel et artistique du Bronx à la fin des années 1970 et dans les années 1980. Joe Conzo Jr., souvent considéré comme le premier photographe du hip-hop, a immortalisé l'essence de cette époque à travers son objectif. Son travail, dont l'image orne ce sac, capture l'esprit de résilience et d'expression qui a défini le mouvement. La photographie transpose le charisme du groupe et l'énergie vibrante du hip-hop dans un accessoire de mode accessible au quotidien. Le design et la valeur de collection du sac messager Kothai Conçu par Kothai, ce sac arbore un design élégant de type messager et un extérieur en similicuir résistant. Ses dimensions (35,5 x 26,5 x 6,5 cm) et sa bandoulière ajustable de 76 cm le rendent à la fois pratique et stylé. La photographie en noir et blanc de Joe Conzo Jr. orne le devant, transformant le sac en une véritable œuvre d'art urbain. Fruit de la collaboration entre Kothai et Conzo, ce sac fusionne les codes visuels et musicaux du hip-hop avec le design contemporain. Neuf, dans sa boîte d'origine avec étiquettes, il n'a jamais été porté. Ce sac est rare, car il fait partie d'une édition limitée désormais épuisée. L'héritage de l'art dans la mode et la culture urbaine Bien plus qu'un simple accessoire, ce sac célèbre la culture hip-hop et son influence sur le street art et le graffiti. Orné d'une image emblématique issue du portfolio de Joe Conzo Jr., il rend hommage aux racines de l'art urbain et aux pionniers qui ont marqué toute une génération. Son édition limitée et sa qualité de fabrication exceptionnelle en font une pièce de collection très recherchée par les passionnés de hip-hop, de mode et d'art contemporain. Fruit de la collaboration entre Kothai et Joe Conzo Jr., ce sac messager illustre parfaitement comment la mode peut devenir un support d'expression artistique, faisant de cette sacoche un objet culturel intemporel.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez 30 tirages pigmentaires d'archives HPM embellis à la main en édition limitée sur du papier Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² par Keo X-Men graffiti street artiste pop art moderne. 30 Grand (MF DOOM Tribute) 14 x 24 pouces Orné à la main, signé et numéroté par KEO dans une édition limitée embellie de 25 Une partie des bénéfices a été reversée à la succession de MF DOOM.

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Planche de skateboard Charles Street Deck en édition limitée, sérigraphiée par l'artiste de la culture pop urbaine Ricky Powell. 2020 Signé et numéroté au verso Charles Street Shuffle, impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid 32 x 8 pouces (81,3 x 20,3 cm) Édition 5/75 Numéroté à l'encre au verso et sorti le 20 janvier 2020. L'intégration de la culture skate et du pop art urbain dans la planche "Charles Street Deck" de Ricky Powell La planche de skateboard « Charles Street Deck », une édition limitée signée Ricky Powell, illustre parfaitement l'intégration de la culture skate à l'univers du street art et du graffiti. Sortie le 20 janvier 2020, cette pièce fait partie d'une série exclusive limitée à 75 exemplaires, chacun signé et numéroté au verso. La planche arbore le motif « Charles Street Shuffle », une impression pigmentaire d'archives sur une planche de skate naturelle pressée à froid, au profil cintré, mesurant 81 x 20 cm. Ce format, idéal pour la pratique du skateboard, sert de support à l'expression artistique de Ricky Powell, imprégnée de culture street art. Le numéro 5/75, inscrit à l'encre au verso, atteste de son authenticité et de sa place au sein de cette série très recherchée. L'œuvre de Ricky Powell sur la « Charles Street Deck » capture l'énergie brute et l'esprit rebelle propres au street art et au skateboard. La sérigraphie utilisée pour sa création rend hommage à l'éthique du « fait maison » qui caractérise ces deux sous-cultures. L'impression détaillée et résistante reflète la robustesse requise pour la pratique du skateboard, tout comme l'œuvre d'art doit résister à l'usure de la rue. « La terrasse de Charles Street » de Ricky Powell : un artefact culturel La planche « Charles Street Deck » n'est pas qu'un simple skateboard : c'est un véritable objet culturel, fusion d'art et de performance sportive. Elle rend hommage à la vie urbaine vibrante et aux paysages qui ont longtemps servi de toile de fond aux artistes de rue et aux skateurs. Le choix de Powell de créer une pièce à la fois fonctionnelle et artistique témoigne de l'évolution du Street Pop Art, où les objets du quotidien se transforment en supports d'expression. Cette planche, ornée de silhouettes en mouvement, capture le dynamisme de la culture urbaine. Les personnages, figés en plein shuffle, immortalisent la vie dans la rue, faisant écho au mouvement et à la fluidité du skateboard. Ce récit visuel rejoint la dimension narrative du graffiti, où chaque œuvre transmet un instant, une émotion, un message de l'artiste. L'importance de l'œuvre de Ricky Powell dans le street art La contribution de Ricky Powell au monde de l'art, à travers des œuvres comme la « Charles Street Deck », est essentielle pour valoriser la culture urbaine et la rendre accessible à un public plus large. En fusionnant les univers du skateboard et du street art, il crée un pont entre différentes formes d'expression urbaine, soulignant leur valeur intrinsèque en tant qu'art et commentaire social. Le caractère limité de cette planche renforce son attrait, à l'instar d'une œuvre de graffiti rare, visible uniquement en un seul lieu et pour une durée limitée. Le travail de Powell sur cette planche illustre également le potentiel du street art à investir de nouveaux espaces et à toucher de nouveaux publics. D'abord vierge, la planche de skateboard devient une exposition itinérante de la vision de Powell, transportée à travers les rues et les skateparks, à l'image du graffiti qui diffuse ses messages à tous les passants. La planche « Charles Street » de Ricky Powe célèbre la rencontre entre la culture skate et le street art, témoignant de la créativité qui s'épanouit en milieu urbain. Tirée à 75 exemplaires (édition limitée à 5/75), elle sillonne les rues ou orne les murs des collectionneurs, incarnant l'esprit de la rue, l'essence du mouvement et la force indéniable de l'art urbain.

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Tapis Cactus Jack pour Fragment Imagination, édition limitée, objet d'art de collection, œuvre d'art du graffeur de rue Travis Scott. Produit neuf de 2021, jamais exposé

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Cut The Record - MF Doom Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Tavar Zawacki - Ci-dessus Artiste de rue graffiti Art pop moderne. La série « Cut The Record » a été créée exclusivement pour cette sortie et faisait partie de ma plus récente exposition, Remix. C'était une série très personnelle, car j'ai sélectionné dix de mes musiciens préférés à représenter et à remixer. Ces dix musiciens font partie de mes favoris ; j'écoute leur musique au quotidien. Pour mon exposition, j'ai quelque peu détourné le sens du terme « remix » pour l'adapter à l'échange et à l'échantillonnage de différentes gravures sur bois, similaires mais présentes sur les œuvres. Les dix musiciens sélectionnés pour la série « Cut The Record » ont tous soit vu leur musique remixée, soit réalisé eux-mêmes des remixes.

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Il était une fois en utopie - Impression giclée par Rhymezlikedimez - Œuvre de Robin Velghe - Édition limitée sur papier d'art blanc brillant Moab Entrada - Artiste de rue graffiti pop. Édition limitée signée et numérotée 2023 (nombre d'exemplaires à déterminer). Dimensions de l'œuvre : 23,4 x 15,68 pouces. Illustration stylisée de l'album « Utopia » de Travis Scott (rap). « Il était une fois en utopie », œuvre de Rhymezlikedimez, pseudonyme artistique de Robin Velghe, est une impression giclée captivante qui explore les frontières thématiques et stylistiques du graffiti, du pop art et du street art. Signée et numérotée, cette édition limitée est imprimée sur papier d'art Moab Entrada d'un blanc éclatant. Reconnue pour sa capacité à restituer des couleurs vibrantes et des détails d'une grande précision, elle capture l'essence même de l'art numérique de Velghe sous une forme tangible. L'œuvre propose un récit visuel du concept d'utopie, interprété à travers le prisme de l'univers musical de Travis Scott. L'illustration de Velghe, riche en allégories et en symboles, fusionne éléments fantastiques et réels pour dépeindre un paysage surréaliste où les lois du monde physique sont réinventées. Grâce à une palette de couleurs rayonnantes et à des personnages dynamiques, Velghe invite le spectateur dans un univers où imagination et musique fusionnent en une symphonie visuelle. Chaque personnage et élément de cette estampe contribue à l'histoire d'Utopia, un lieu d'harmonie et de perfection idéalisée. La figure centrale, illuminée et puissante, représente l'énergie et la créativité que la musique peut inspirer. Les personnages environnants se livrent à une danse de mouvement et d'émotion, tandis que des éléments du street art traditionnel, tels que des formes exagérées et des lignes expressives, insufflent à la scène un sentiment de mouvement et de rythme. Cette estampe en édition limitée reflète non seulement les thèmes musicaux et lyriques de l'œuvre de Travis Scott, mais incarne également l'esprit du street art contemporain. L'œuvre de Velghe est reconnue pour sa capacité à transcender l'écran numérique et à s'intégrer au paysage artistique physique, comblant ainsi le fossé entre la création virtuelle et l'appréciation dans le monde réel. « Il était une fois en Utopie » témoigne de la convergence de la musique, de l'art et de la culture, capturant l'essence vibrante de l'art de Rhymezlikedimez et le dialogue permanent entre les différentes formes d'expression créative. L'œuvre célèbre le potentiel illimité de l'imagination, incarnant l'esprit d'une génération qui trouve réconfort et inspiration à la croisée des expériences auditives et visuelles.

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Sérigraphie Prophets Of Rage New Day Rising de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 2 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 600 exemplaires, 2017. Œuvre d'art de taille 18x24, sérigraphie. Groupe de rap Prophets Of Rage, poing levé. L'art visuel et la musique produisent souvent des images iconiques qui traversent le temps, et la sérigraphie « Prophets Of Rage New Day Rising » de Shepard Fairey en est un parfait exemple. Créée en 2017, cette œuvre offre une représentation visuelle saisissante du groupe de rap Prophets of Rage, connu pour sa musique engagée et son activisme. Tirée à seulement 600 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre est une pièce de collection exclusive. Chaque tirage, de 45,7 x 61 cm, est une sérigraphie bicolore réalisée à la main sur papier d'art crème moucheté, témoignant du travail minutieux de Fairey et de son souci de la qualité. Figure incontournable du street art contemporain, souvent associé à sa marque Obey, Fairey imprègne ses œuvres de références à la culture pop et de messages politiques, et cette sérigraphie ne fait pas exception. L'image centrale d'un poing levé est un symbole universel de résistance et de solidarité. Ce motif, sur fond d'étoile rouge, fait écho à l'esprit radical du groupe et évoque la longue tradition de l'art contestataire. L'intégration de figures squelettiques et d'images apocalyptiques en périphérie souligne le message de bouleversement politique et la nécessité d'un changement systémique véhiculé par le groupe. Cette estampe n'est pas qu'un simple produit dérivé pour les fans ; elle s'impose comme une œuvre majeure du pop art, du street art et du graffiti. L'œuvre de Fairey fait le lien entre art et commentaire social, incarnant l'esprit des racines militantes et engagées du hip-hop. Le contraste saisissant des couleurs et la présence d'un globe terrestre en arrière-plan suggèrent un appel à l'action mondial, à l'image du rayonnement international du hip-hop. De plus, « Prophets Of Rage New Day Rising » de Fairey illustre la capacité du street art à élever la culture populaire et la pensée politique au rang d'art majeur. En s'appropriant le langage visuel de la rue et l'urgence de la critique sociale du rap, Fairey livre une réflexion puissante sur le rôle de l'artiste comme commentateur social et sur le potentiel de l'art à susciter le débat. Cette œuvre nous rappelle la force de l'expression visuelle dans la culture populaire et sa capacité à saisir l'esprit d'un mouvement, d'un moment, ou, dans ce cas précis, l'énergie brute d'un groupe comme Prophets of Rage.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Kanye West, The Bear Look, tirage d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art par l'artiste King Saladeen, légende du street art pop graffiti. 2021 Signé - Titre : Kanye West, The Bear Look - Dimensions : 56 x 71 cm - Édition limitée à 250 exemplaires, signés et numérotés par King Saladeen

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Entrez dans le Wu-Tang - Tirage d'art en édition limitée surdimensionné à base de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Naturel, légende du street art pop graffiti. Épreuve d'imprimerie PP 2022 Signée et marquée PP Édition limitée à 36 exemplaires Édition PP de 5 exemplaires Format 18x18 Record Store Day 2022

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Perdu dans la Forêt des Rêves Bleus, jouet d'art basse fidélité par Luke Chueh, sculpture de collection en édition limitée, œuvre d'art de rue pop graffiti. Édition limitée 2024 à 500 exemplaires. Œuvre d'art de taille 4x7. Neuve en boîte. Figurine en vinyle estampé représentant Winnie l'Ourson stylisé avec un casque audio. La vision low-fi de Luke Chueh en vinyle « Perdu dans la Forêt des Rêves Bleus » est une sculpture de collection en édition limitée (2025) créée par le célèbre artiste de street art Luke Chueh. Reconnu pour ses personnages empreints de psychologie, Chueh réinterprète avec originalité le célèbre ours jaune en vinyle. Cette figurine stylisée fusionne nostalgie et mélancolie, réinventant un personnage emblématique de l'enfance en une figure moderne et introspective, plongée dans la solitude et la musique. L'édition est limitée à 500 exemplaires et chaque sculpture est réalisée en vinyle résistant à la finition lisse, avec des contrastes de couleurs saisissants et des détails précis. Mesurant 10 x 18 cm, chaque sculpture est livrée neuve dans sa boîte d'origine, estampillée pour garantir son authenticité. Symbolisme à travers la forme minimaliste L'œuvre représente un ours jaune mat, debout, les mains dans les poches d'un grand sweat à capuche rouge. Ce design minimaliste est rendu iconique par un casque audio noir qui recouvre les oreilles, suggérant un repli sur soi. Dépourvu d'expression faciale, le regard vide et le petit museau accentuent l'introspection de l'ours. Le choix minimaliste de Chueh invite le spectateur à projeter sa propre interprétation de l'état d'esprit et du contexte de l'ours. En plaçant ce personnage dans une pose aussi austère et anthropomorphisée, l'artiste explore les thèmes de la solitude, de l'évasion et du repli sur soi au sein de la société de consommation moderne. Esthétique pop urbaine contemporaine Luke Chueh, artiste américain, a développé un langage visuel qui fusionne symbolisme pop culture et forte charge émotionnelle. Cette figurine en vinyle s'inspire de l'art du graffiti et de la culture des jouets de collection. Elle évoque à la fois la douceur des dessins animés et l'isolement propre à la vie numérique moderne. « Perdu dans la Forêt des Rêves Bleus » incarne en trois dimensions le street art et le graffiti, proposant un remix culturel où l'innocence enfantine est bouleversée par l'introspection adulte. Le sweat à capuche rouge vif contraste avec la silhouette jaune pâle de l'ours, renforçant la simplicité visuelle comme outil narratif. Art Toy comme artefact émotionnel Cette pièce de collection transcende le simple objet de curiosité pour devenir une forme sculpturale de récit. Perdu dans la Forêt des Rêves Bleus communique une profonde quiétude par la posture et la couleur plutôt que par une expression manifeste. L'ours est figé dans un moment d'introspection sonore, faisant écho à l'utilisation constante que fait Chueh de ses personnages comme vecteurs de commentaires émotionnels. Appartenant à la série Low Fidelity, cette figurine rend hommage à la retraite mentale souvent trouvée grâce à l'écoute de musique au casque. Qu'elle soit exposée seule ou au sein d'une collection plus vaste, l'œuvre résonne comme un objet de contemplation pour ceux qui apprécient la fusion du design de jouets et des sensibilités des beaux-arts au sein du mouvement Street Pop Art et Graffiti.

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Achetez SCULPTURE Edition Limitée Modern Pop Graffiti Street Art Artwork. 2022 SIGNÉ? & Edition Limitée Numérotée de XXX Artwork Sculpture Taille XXXX INFO

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J'en ai marre de ce faux voyou Dead Prez. Sérigraphie de Mark Drew, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 2019 à 200 exemplaires. Sérigraphie 17x11 de Lucy van Pelt et Pig Pen pensant « J'en ai marre de ce faux scénario de rap RNB de voyou ». Commentaires de Mark Drew sur la pop urbaine à travers Peanuts et Dead Prez L'estampe sérigraphique de Mark Drew, sortie en 2019 et intitulée « I'm Sick Of That Fake Thug », fusionne avec brio la culture musicale et l'imagerie nostalgique des dessins animés. Connu pour ses remixes originaux des personnages de Peanuts avec des paroles hip-hop classiques, Drew s'inspire de la voix révolutionnaire de Dead Prez pour créer un commentaire percutant sur l'authenticité et la culture urbaine au sein de l'industrie musicale. Cette édition sérigraphique artisanale, limitée à 200 exemplaires signés et numérotés, mesure 43 x 28 cm et utilise un contraste visuel saisissant pour renforcer son message. L'estampe met en scène Lucy van Pelt et Pig Pen, dont les contours noirs se détachent sur un fond jaune et blanc chaleureux. Drew y capture un moment de critique tiré des paroles de Dead Prez, l'ancrant visuellement dans l'innocence de la bande dessinée de Schulz. Juxtaposition stylistique et subversion culturelle L'œuvre se nourrit de la juxtaposition. La familiarité enfantine de Peanuts contraste avec l'un des groupes de hip-hop les plus engagés politiquement et socialement des années 2000. Pig Pen, connu pour son allure débraillée, devient le porte-parole inattendu d'une frustration face aux représentations inauthentiques dans l'industrie du R&B et du rap. Cette contradiction renforce l'engagement du spectateur, l'incitant à repenser sa consommation culturelle. La technique constante de Drew, qui consiste à superposer la simplicité des dessins animés vintage à des textes hip-hop percutants, transforme ses estampes en vecteurs de dialogue culturel. Cette œuvre en particulier utilise ses formes épurées, sérigraphiées, et sa typographie expressive pour délivrer une vérité percutante, dissimulée sous un voile d'humour et de nostalgie. Processus et format limité dans le pop art urbain Réalisée selon la technique traditionnelle de la sérigraphie artisanale, l'œuvre de Drew s'inscrit dans la tradition tactile du street art et du graffiti. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 exemplaires témoigne de l'implication directe de l'artiste et de son attachement à l'authenticité, renforçant paradoxalement la critique même inscrite dans le message de l'estampe. La palette de couleurs maîtrisée (noir, jaune et blanc) confère à l'œuvre un rythme visuel qui soutient la dimension poétique du sujet tout en la rendant accessible grâce à des personnages reconnaissables. Les estampes de Drew ne sont pas des reproductions numériques de masse, mais des œuvres d'art de collection qui préservent l'esprit rebelle du graffiti. Le récit hip-hop en cours de Mark Drew Basé à Tokyo, Mark Drew continue d'enrichir les débats autour du hip-hop, de la nostalgie et du commentaire culturel à travers ses œuvres de street art pop. Sa réinterprétation d'icônes pop américaines emblématiques, replacées dans le contexte de la culture hip-hop mondiale, trouve un écho intergénérationnel. En associant la critique de Dead Prez à des personnages comme Lucy et Pig Pen, Drew rend hommage non seulement à la force des textes et à l'activisme, mais souligne également comment l'art visuel peut amplifier les vérités émotionnelles et sociales véhiculées par la musique. Chaque estampe de cette série possède une valeur artistique indéniable et reflète le dialogue permanent entre art, résistance et authenticité.

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4 Éléments du Hip Hop PP Épreuve d'Imprimeur Tirage d'Archives par BG183 Édition Limitée Tirage sur Papier Beaux-Arts Œuvre d'Artiste Pop Moderne. Épreuve d'imprimerie PP signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 13x20 Pigments d'archivage L'importance des quatre éléments du hip-hop dans l'art urbain pop et le graffiti La culture hip-hop a marqué son empreinte grâce à sa musique et à ses expressions visuelles vibrantes, notamment dans le street art et le graffiti. L'estampe d'archive « Les 4 Éléments du Hip Hop » de BG183 est une édition limitée qui capture l'essence de ce mouvement influent. Les estampes en édition limitée comme celle-ci, en particulier celles signées et estampillées « Épreuve d'Imprimeur » (EI), revêtent une grande valeur dans le monde de l'art contemporain. Elles sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés désireux de posséder un morceau d'histoire du hip-hop. Cette estampe d'archive est un véritable trésor d'iconographie hip-hop, saisissant les quatre éléments fondateurs de cette culture : le DJing, le MCing, le breakdance et le graffiti. Chaque élément est représenté avec minutie, témoignant de la profonde compréhension et du respect de l'artiste pour le hip-hop. Les platines du DJ, le micro du MC, les chaussures dynamiques du breakdancer et les bombes de peinture aux couleurs vives sont autant de symboles qui expriment l'influence majeure du hip-hop sur le street art et le graffiti. Ces tirages d'art de haute qualité sont réalisés avec des pigments de qualité supérieure sur papier beaux-arts, garantissant ainsi leur longévité et la fidélité de leurs couleurs. Leur format, généralement de 33 x 51 cm environ, en fait une pièce de collection idéale, pouvant être exposée dans divers contextes, d'un atelier privé à une exposition publique. L'utilisation de pigments d'archivage souligne la volonté de préserver l'œuvre pour les générations futures, témoignant de l'influence durable de la culture hip-hop. Le point de rencontre entre le pop art et le hip-hop dans le graffiti L'influence du hip-hop doit être équilibrée dans le street art et le graffiti. Autrefois perçu comme une forme de vandalisme, le graffiti est devenu un moyen d'expression et de narration urbaine respecté, en grande partie grâce au hip-hop. L'œuvre de BG183 illustre cette transformation, témoignant de l'élévation du graffiti au rang de forme d'art à part entière. Cette pièce, en particulier, représente de façon saisissante la manière dont le pop art a intégré et réinterprété le langage visuel du hip-hop pour toucher un public plus large. Les éléments visuels empruntés au hip-hop se mêlent aux couleurs vives, aux lignes audacieuses et à la sensibilité graphique caractéristiques du pop art. Cette fusion crée un genre artistique unique – le street art – qui fait écho à l'esprit rebelle du hip-hop tout en embrassant l'attrait populaire de la culture pop. L'estampe de BG183 est une toile vibrante où ces deux univers se rencontrent, créant un dialogue visuel qui interroge les origines de la culture urbaine et sa place actuelle dans la culture dominante. La valeur de telles estampes dépasse leur simple attrait esthétique ; Ce sont des artefacts culturels témoignant de l'évolution du hip-hop. Le hip-hop a connu un parcours remarquable, passant de sous-culture à phénomène mondial, à l'image des couches de peinture et d'encre qui caractérisent l'art du graffiti. La mention « PP » indique que cette estampe fait partie d'un sous-ensemble particulier de l'édition, généralement réservé à l'artiste et à ses proches, ce qui renforce son exclusivité et sa valeur auprès des collectionneurs. Valeur de collection et impact culturel des œuvres d'art inspirées du hip-hop L'attrait des œuvres de street art et de graffiti inspirées du hip-hop réside dans leur capacité unique à immortaliser un moment de l'histoire culturelle. Des estampes comme « 4 Elements of Hip Hop » de BG183 sont bien plus que de simples objets décoratifs ; elles sont des instantanés d'un mouvement qui a marqué des générations. Collectionneurs et fans de hip-hop sont attirés par ces œuvres pour leur impact visuel, leur authenticité et leur importance historique. Ces estampes en édition limitée font le lien entre les débuts difficiles du hip-hop dans la rue et son statut actuel de force culturelle majeure. Elles sont souvent produites en quantités limitées afin de préserver leur valeur et leur caractère unique, notamment les épreuves d'artiste. Posséder une épreuve d'artiste, c'est posséder un exemplaire du tirage initial, souvent plus intimement lié à la vision originale de l'artiste. L'estampe d'archive « 4 Elements of Hip Hop » de BG183 incarne l'énergie vibrante du hip-hop et son empreinte indélébile sur le street art et le graffiti. En tant qu'œuvre d'art moderne, elle se situe au carrefour du passé et du présent, offrant un récit visuel à la fois intemporel et actuel. Entre les mains des collectionneurs, ces estampes ne sont pas seulement des acquisitions esthétiques, mais aussi les témoins de l'histoire en constante évolution du hip-hop et de son influence profonde sur l'art et la culture contemporains.

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Ils disent que le rap a changé Dr. Dre Snoop Dogg AP Sérigraphie par Mark Drew Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop, de rue et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2019 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre 17,01 x 10,98 Commentaire de Mark Drew sur l'évolution du hip-hop L'œuvre de Mark Drew, « They Say Raps Changed Dr Dre Snoop Dogg », est une sérigraphie d'artiste qui témoigne de l'évolution du paysage hip-hop à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Tirée à la main sur papier d'art, cette sérigraphie est une pièce majeure du travail de Drew, illustrant son exploration constante du dialogue entre musique et arts visuels. Mesurant 43,2 x 27,9 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée. Elle est signée par Drew et porte le cachet AP, attestant de son statut d'épreuve d'artiste et de son exclusivité au sein de la série. La phrase « They say rap's changed » fait directement référence à l'évolution de la culture et de la musique hip-hop, un thème récurrent dans l'œuvre de Drew. Utilisant la sérigraphie, une technique riche d'histoire dans le pop art et le street art, Drew crée un lien visuel entre la perception actuelle du hip-hop et ses origines. Cette œuvre fait office de rappel nostalgique et d'invitation à réfléchir à la façon dont le genre a évolué et s'est transformé au fil des ans. Interaction entre la musique et les arts visuels dans l'œuvre de Drew L'interaction entre musique et arts visuels a toujours été au cœur du travail de Mark Drew. Ses sérigraphies, souvent inspirées de paroles de morceaux hip-hop emblématiques, transcendent la simple représentation ; elles interrogent la portée culturelle des mots et des images qui les accompagnent. Dans « They Say Raps Changed », l'utilisation de personnages de bandes dessinées vintage, associée à cette phrase percutante, souligne le contraste entre passé et présent, l'évolution d'une forme d'art et la nature universelle du changement. Le choix de Drew d'utiliser une épreuve d'artiste pour cette estampe met en lumière le caractère expérimental et novateur de son art. Les épreuves d'artiste sont souvent le document final sur lequel l'artiste peaufine les détails de l'estampe ; elles confèrent une immédiateté et une authenticité très prisées dans le street art et le graffiti. Cette œuvre en particulier, avec ses lignes nettes et ses couleurs vives, témoigne du talent de Drew en tant que graveur et de sa compréhension du pouvoir du street art à communiquer des messages complexes de manière accessible. La sérigraphie « They Say Raps Changed » est une œuvre culturelle qui capture l'esprit d'un moment particulier de l'histoire du hip-hop, tout en alimentant les débats contemporains sur le genre. Mark Drew continue ainsi de contribuer au discours sur le street art, le pop art et la convergence entre culture visuelle et musique. Ses estampes, d'une grande force esthétique, offrent un regard historique, établissant des ponts entre différentes époques et genres et invitant le spectateur à explorer les liens profonds qui les unissent.

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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Wu-Tang is for the Children, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Jason Naylor, artiste de rue de la contre-culture.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirage d'art en édition limitée, pigment d'archivage, représentant l'ours Rihanna de l'année, réalisé par l'artiste King Saladeen, légende du street art pop et du graffiti. 2021 Signé - Titre : Rihanna Bear Of The Year Look - Dimensions : 56 x 71 cm - Édition limitée à 250 exemplaires, signés et numérotés par King Saladeen

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MBDTF Ours - Collier Roi Horus Peluche Édition Limitée Objet d'Art de Collection Œuvre d'Artiste Greedee Arts Ours King Horus de 45,7 cm (18 pouces), MBDTF, 2022, jouant la version GarageBand de « Runaway Piano » popularisée par Kanye West. Neuf, sans emballage de vente au détail. Décryptage du symbolisme et de l'impact culturel de l'ours MBDTF L'ours MBDTF, une peluche design en édition limitée, est porteur d'une forte charge culturelle, notamment dans le domaine du street art et du graffiti. Créée par l'artiste Greedee Arts, cette pièce de 45 cm de haut est bien plus qu'un simple objet d'art statique : c'est une expérience multimédia immersive qui diffuse une version GarageBand de la mélodie de piano du célèbre morceau « Runaway » de Kanye West. Greedee Arts a choisi de ne pas commercialiser l'œuvre dans son emballage d'origine, ce qui renforce son authenticité et sa valeur de collection. Fusion artistique dans le pop art urbain Par essence, le street art est un amalgame d'éléments culturels populaires et savants, intégrant souvent les médias de masse, l'iconographie et des messages percutants dans des œuvres accessibles au plus grand nombre. L'ours MBDTF témoigne de cette fusion, puisant dans le lexique visuel du hip-hop, un genre qui a transcendé la musique pour influencer la mode, le langage et le mode de vie. Greedee Arts a exploré cette veine culturelle, créant un objet à la fois hommage et témoignage tangible d'un récit plus vaste auquel les passionnés de musique et d'art s'identifient. Le collier du roi Horus qui orne la peluche n'est pas un simple accessoire, mais un symbole riche d'iconographie. Horus, divinité de l'Égypte antique, était souvent représenté comme un faucon associé au pouvoir, à la victoire et au ciel. Ici, le collier est un point d'ancrage visuel qui relie l'ours aux thèmes de la royauté, de la persévérance et du divin – des éléments fréquemment explorés dans l'œuvre de Kanye West et, plus largement, dans la culture hip-hop. Narration et présence de l'art graffiti L'art du graffiti a longtemps été le miroir de la société, reflétant ses problèmes, ses sentiments et les courants sous-jacents de la rue. Dynamique, souvent non autorisé, il s'exprime toujours dans un langage visuel où le message compte autant que l'esthétique. L'Ours MBDTF, bien que n'étant pas une œuvre de graffiti traditionnelle, incarne cet esprit par son statut d'objet d'art. Il est conçu pour être vu, pour susciter la réflexion et pour contribuer au dialogue permanent entre la culture urbaine et la culture dominante. Le choix de Greedee Arts de contourner les circuits de distribution traditionnels témoigne de sa volonté de préserver l'œuvre de toute commercialisation, une valeur fondamentale de la culture graffiti. Cette stratégie garantit que l'Ours MBDTF demeure une pièce de collection exclusive, un trésor pour les passionnés de culture urbaine et d'art. L'Ours MBDTF n'est pas seulement un objet de collection, mais une œuvre de commentaire culturel qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti. Il est un point de rencontre entre la passion, l'art et le commentaire culturel. Greedee Arts a su capturer un instant, un esprit du temps, reliant la musique influente de Kanye West à l'univers tactile des collectionneurs et amateurs d'art. Grâce à sa musique intégrée et à son collier emblématique, cette peluche offre un point de contact tangible avec le monde évocateur et souvent fugace du street art. Dans la lignée des objets de collection, des pièces comme l'Ours MBDTF jouent un rôle crucial. Elles perpétuent la tradition du street art sur de nouveaux supports et marchés, assurant ainsi la continuité du dialogue entre l'artiste et le public à travers des formes évolutives. En embrassant l'esprit du street art et de la culture pop, Greedee Arts a créé bien plus qu'un simple objet : un véritable artefact culturel en résonance avec l'art et la musique contemporains. Ces œuvres constituent des instantanés essentiels du paysage culturel, préservant la vitalité et l'expression du street art pour les générations futures, qui pourront ainsi l'étudier, l'apprécier et s'en inspirer.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Sérigraphie Headspin par Rosy One, 3 couleurs, tirée à la main sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Œuvre d'art de 39,4 x 27,6 cm. Sérigraphie. Sérigraphie Rosy One Headspin, édition limitée, style pop urbain L'estampe sérigraphique « Headspin » de 2022, signée par l'artiste de graffiti suisse Rosy One, est une œuvre rare, audacieuse et vibrante qui célèbre le mouvement, le rythme et l'art urbain pop et graffiti, incarné par un personnage fort. Tirée à la main selon un procédé de sérigraphie trois couleurs sur papier d'art, cette édition limitée à seulement 35 exemplaires signés et numérotés mesure 100 x 70 cm. La composition captive immédiatement le regard avec son personnage stylisé effectuant une rotation sur la tête – un clin d'œil évident au rôle fondateur du breakdance dans la culture hip-hop et graffiti. Par des traits de pinceau dynamiques, des éléments graphiques et une anatomie abstraite, Rosy One capture non seulement le mouvement de la danse, mais aussi l'énergie et l'attitude propres à l'expression urbaine. L'identité de Rosy One dans l'esthétique du graffiti et de la pop urbaine Rosy One, artiste basée à Lausanne, en Suisse, est profondément ancrée dans la culture hip-hop depuis le début des années 1990 et est internationalement reconnue pour son style unique, fusionnant graffiti, imagerie de bande dessinée et iconographie subculturelle. Elle est l'une des rares graffeuses de renom à réussir le passage de l'art mural brut aux éditions de collection, conservant son esthétique caractéristique sur les deux supports. Connue pour son style caricatural, ses palettes saturées et son regard à la fois humoristique et critique, son œuvre reflète souvent le dynamisme de la culture urbaine. « Headspin » s'inscrit dans cette continuité visuelle, transformant une action associée au b-boying en un jeu de mots visuel imprégné de graffiti, à la fois objet d'art et emblème culturel. Symbolisme visuel et théorie des couleurs dans Headspin par Rosy One Réalisée dans des tons vibrants de bleu, de jaune et de noir, l'œuvre exploite l'impact visuel de la théorie des couleurs à fort contraste. Les mains surdimensionnées du personnage, sa coiffe stylisée et son corps incliné créent une rotation littérale autour du centre de la composition. Des accents graphiques tels que des étoiles, des spirales concentriques et des expressions faciales exagérées poussent le langage visuel vers la caricature, tandis que les racines graffiti de l'artiste restent visibles dans les contours épais et les formes inspirées des bulles. La simplicité délibérée de la palette de couleurs renforce la clarté et le mouvement, donnant l'impression que le personnage est à la fois en mouvement et figé dans le temps. Cette approche fait écho à la nature éphémère du graffiti et à l'essence performative de la culture urbaine. Le tourbillon comme artefact moderne du street art pop et du graffiti À la fois sérigraphie et œuvre graphique narrative, Headspin s'impose comme un témoignage contemporain de l'histoire de la rue. Elle rend hommage à l'âge d'or du hip-hop, lorsque breakdancers et graffeurs partageaient le même espace culturel, contribuant chacun au rythme visuel et physique de la rue. La transposition de cette synergie par Rosy One en une forme d'art à part entière préserve et ravive l'esprit de rébellion, d'athlétisme et d'absurdité comique qui caractérise le meilleur de la culture graffiti. Cette édition limitée est non seulement une pièce de collection, mais aussi un manifeste visuel pour celles et ceux qui perçoivent le graffiti non seulement comme un mouvement artistique, mais comme une culture vivante et en perpétuel mouvement.

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Sculpture en résine d'astronaute érodée par Daniel Arsham x Billionaire Boys Club, édition limitée, pop graffiti, art urbain. Édition limitée numérotée à 500 exemplaires (2023). Sculpture pop art de 21,6 x 30,5 cm représentant un astronaute stylisé américain moderne, avec des éléments érodés, en résine blanche et cristal concassé. Présentée dans sa boîte d'origine. Royaumes qui s'entrecroisent : la sculpture d'astronaute érodée de Daniel Arsham « L’Astronaute érodé » est une œuvre d’art moderne saisissante, à la croisée du pop art, du street art et de l’archéologie. Fruit d’une collaboration entre l’artiste renommé Daniel Arsham et la marque de mode et lifestyle Billionaire Boys Club, cette sculpture en édition limitée explore les notions de temps, d’espace et de matière. Tirée à 500 exemplaires numérotés, l’œuvre mesure 21,6 x 30,5 cm et est réalisée en résine blanche et en cristal concassé, incarnant un futurisme décrépit. Le travail de Daniel Arsham se caractérise par son concept fétiche d’« archéologie fictionnelle », dont « L’Astronaute érodé » est un exemple frappant. La figure, un astronaute stylisé à l’américaine, est réinterprétée à travers le prisme de l’érosion, suggérant le passage du temps et la fragilité des entreprises humaines. La résine blanche évoque la pureté et l’ambition de l’exploration spatiale. L'intégration de cristaux concassés confère à l'œuvre une profondeur supplémentaire, créant une texture qui évoque des siècles d'érosion. Cette pièce témoigne de la sensibilité esthétique partagée par Arsham et Billionaire Boys Club, unissant l'univers du pop art et du graffiti à la minutie artisanale de la sculpture. « L'Astronaute érodé » transcende les contraintes bidimensionnelles traditionnelles du street art, insufflant l'énergie brute et l'esprit de la rue dans une forme tridimensionnelle qui interpelle et captive le regard. Dans le contexte du pop graffiti et du street art, « L'Astronaute érodé » est une manifestation physique des thèmes récurrents dans ces genres : la remise en question des icônes culturelles, la déconstruction des mythes modernes et le dialogue entre passé et futur. La sculpture d'Arsham invite à réfléchir aux récits que nous construisons autour du progrès et à l'empreinte que nous laissons sur l'histoire. L'édition limitée « L'Astronaute érodé » n'est pas qu'un objet de collection ; c'est un sujet de conversation qui abolit la frontière entre art et objet, entre l'éphémère et l'éternel. Cette œuvre audacieuse reflète l'évolution du street art et du graffiti, capturant l'esprit d'exploration et l'esthétique de l'érosion qui caractérisent Daniel Arsham. Les collectionneurs et les amateurs des sculptures de Daniel Arsham et des créations novatrices du Billionaire Boys Club trouveront dans « Eroded Astronaut » une pièce maîtresse pour leurs collections. Chaque sculpture, numérotée individuellement, est un fragment d'un récit plus vaste qui évoque le passage du temps et la fascination intemporelle pour l'exploration spatiale. Cette œuvre témoigne du pouvoir de la collaboration pour repousser les limites du street art et du graffiti et explorer des territoires inexplorés.

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Lyric Bomb - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 5x8 sur aluminium argent satiné de 0,30 mm par Fil Fury, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Je suis fasciné par les formes graphiques audacieuses, les objets que l'on peut tenir en main et qui possèdent un design symétrique. La grenade à main est un véritable coup dur pour la conscience. Elle est belle à regarder, mais elle représente une horreur immense. La première grenade à main a été inventée et fabriquée dans une usine de ma ville natale, Birmingham. Ce Brummie voulait la réinterpréter. Je voulais me réapproprier ces objets et leur donner une dimension positive. » – Fil Fury

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Tirage photo de DJ Charlie Chase 89 par Joe Conzo Jr, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 20x16, pigments d'archivage, reproduction d'art du DJ Charlie Chase lors d'un concert en 1989. DJ Charlie Chase : Photo de 1989 par Joe Conzo Jr dans Street Pop Art & Graffiti Artwork La photographie de DJ Charlie Chase, prise en 1989 par Joe Conzo Jr., est une œuvre visuelle majeure dans le contexte du street art et du graffiti. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pouces) sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², immortalise un moment charnière de l'évolution culturelle du hip-hop. La photographie illustre le lien entre le talent musical de DJ Charlie Chase et la créativité visuelle qui imprègne les espaces urbains à travers les mouvements du graffiti et du pop art. La contribution de Joe Conzo Jr. aux récits culturels Joe Conzo Jr., photographe new-yorkais de naissance et d'éducation, est reconnu pour avoir documenté les débuts du hip-hop. Son œuvre préserve l'atmosphère brute et énergique de ce mouvement culturel émergent de la fin du XXe siècle. Cette photographie du DJ Charlie Chase témoigne non seulement de la maîtrise technique de son objectif, mais aussi de sa capacité à saisir l'essence même de la culture hip-hop. Ses clichés deviennent souvent un médium pour le street art et le graffiti, car ils tissent des liens entre musique, culture et le récit visuel propre aux communautés urbaines. DJ Charlie Chase et la culture hip-hop DJ Charlie Chase, figure emblématique des débuts du hip-hop, est connu pour son rôle au sein du duo Cold Crush Brothers. Comptant parmi les premiers DJ latinos à avoir marqué le genre, sa contribution est essentielle à la représentation de la diversité dans le hip-hop. Cette image de 1989 le saisit en plein concert, platines et public en arrière-plan, symbolisant l'énergie d'un mouvement qui a redéfini la musique et l'art à travers le monde. L'énergie qui se dégage de cette image fait écho au dynamisme des graffitis et des installations de street art, où rythme et mouvement se traduisent par des lignes audacieuses et des compositions vibrantes. Le médium artistique et l'interprétation moderne L'utilisation d'une impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada garantit le caractère intemporel de cette œuvre. Tirée à seulement cinq exemplaires, signés et numérotés en 2023, cette édition limitée est une pièce de collection rare, en parfaite harmonie avec l'esprit du street art et du graffiti. Le langage visuel de la photographie, avec ses éléments superposés de mouvement, de communauté et de créativité, inspire les artistes urbains à la réinterpréter en graffiti et en fresques murales. Ces réinterprétations prolongent le récit de la photographie, l'inscrivant dans un dialogue culturel plus vaste et en constante évolution. Cette photographie de Joe Conzo Jr. fait le lien entre passé et présent, capturant l'essence même de la culture hip-hop tout en inspirant des expressions artistiques contemporaines dans les domaines du street art et du graffiti.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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XXXtentacion I Édition limitée, sérigraphie HPM technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 lb par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie technique mixte signée et rehaussée à la main sur papier épais 200 lb. Format : 15,2 x 22,9 cm. Sortie : 16 janvier 2020. Tirage : 10 exemplaires.

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Fanion Tupac 1 couleur, édition limitée, sérigraphie 1 couleur sur feutre avec franges, œuvre d'art de tapisserie par l'artiste de graffiti Mike Giant Art. MIKE GIANT, Fanion Tupac, 2021. Sérigraphie une couleur sur feutre avec franges, 45,7 x 60,9 cm (18 x 24 po). Édition limitée à 50 exemplaires, avec certificat d'authenticité signé. Le tatoueur de renommée mondiale Mike Giant a perfectionné son art au Nouveau-Mexique en s'imprégnant constamment de graffiti, de heavy metal, de punk rock, de BMX, de skateboard et de hip-hop. Ses œuvres en noir et blanc sillonnent désormais le monde sous forme de tatouages, de peintures, de photographies, d'estampes d'art, de vêtements streetwear et bien plus encore.

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Un ours en peluche musical basse fidélité « One with Nature » par Luke Chueh, sculpture de collection en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue pop graffiti. Édition limitée 2024 à 250 exemplaires. Œuvre d'art de taille 4x7. Neuve en boîte. Figurine en vinyle estampé représentant un ours en tenue camouflage avec un casque audio. Un seul être avec la nature : une protestation silencieuse en vinyle par Luke Chueh L'œuvre « One with Nature » de Luke Chueh, sortie en 2024, capture l'atmosphère profondément introspective de sa pratique artistique mêlant Street Pop Art et graffiti. Cette figurine en vinyle en édition limitée, d'une hauteur de 18 cm et estampillée pour garantir son authenticité, fusionne une sérénité émotionnelle avec un symbolisme riche et complexe. Elle représente un ours stylisé – un motif récurrent dans l'œuvre de Chueh – portant un casque audio et un sweat à capuche camouflage, les mains dans les poches. Appartenant à la série « Low Fidelity Music Bear », cette édition limitée à 250 exemplaires explore avec subtilité les thèmes de la solitude, de la visibilité et de la tension entre survie et sérénité dans la vie moderne. Le motif de camouflage comme métaphore moderne Le camouflage, traditionnellement associé à la guerre et à la dissimulation, devient ici une contradiction visuelle. Au lieu de se cacher, l'ours est exposé au grand jour, suggérant un désir d'effacement face au brouhaha incessant de la culture contemporaine. Cette dualité est caractéristique de l'approche de Luke Chueh, où des personnages innocents, aux allures de dessins animés, se chargent de sens et de mélancolie. « One with Nature » ​​exploite cette esthétique pour évoquer la carapace émotionnelle que portent nombre d'individus confrontés à la surstimulation de la société moderne. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, ce mélange d'innocence et de fardeau psychologique est central, et Chueh le maîtrise avec brio grâce à une forme minimaliste et des détails symboliques. Faible fidélité et isolement émotionnel Dans cette série de sculptures, le concept de « basse fidélité » ne renvoie pas à la qualité sonore, mais à l'expérience d'une déconnexion émotionnelle. Le visage inexpressif et la posture repliée sur soi de l'ours, associés à des écouteurs qui isolent du monde extérieur, évoquent un sentiment de repli face à une surcharge de stimuli extérieurs. Cette posture est familière à ceux qui utilisent la musique comme un bouclier contre le bruit, au sens propre comme au figuré. La sculpture invite le spectateur à réfléchir à ce que signifie être présent sans être vu, et à la manière dont la vie urbaine a transformé l'introspection en mécanisme de défense. La capacité de Luke Chueh à matérialiser ces états émotionnels abstraits dans des formes épurées en vinyle témoigne de sa maîtrise du médium et de sa pertinence au sein du mouvement du graffiti. Un objet de collection chargé de sens culturel Objet de collection emblématique du street art, « One with Nature » ​​relève à la fois de l'art contemporain et du commentaire culturel. L'expression sereine de l'ours en vinyle et sa tenue d'inspiration militaire révèlent un paradoxe entre vulnérabilité et préparation. Sortie en 2024 dans une édition limitée à 250 exemplaires, chaque sculpture témoigne du savoir-faire et de l'intention qui caractérisent le travail de Chueh au sein de la scène street art et graffiti. Collectionneurs et admirateurs perçoivent cette figurine non comme un simple jouet, mais comme un objet chargé d'émotion : une réflexion sur la survie, le silence et le prix de la dissimulation. Dans un monde où règne le chaos visuel, l'ours de Chueh se dresse, silencieux, camouflé et pourtant conscient.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Affiche de concert en édition limitée Schoolboy Q Concrete 2014 (Rap Music Event), impression numérique 4 couleurs sur papier photo ultra brillant de qualité archive, par MFG - Matt Goldman Max Goldman pour l'artiste musical Skrillex. Programmation avec Schoolboy Q | Gaslamp Killer | Salva | Nosaj Thing | Groundislava | Them Jeans | Keltronix | SUS BOY. Impression numérique 4 couleurs, 40 x 50 cm, papier photo ultra brillant de qualité archive. Édition limitée à 100 exemplaires. Sortie en 2014. L'un des concerts les plus mémorables que j'aie produits : Schoolboy Q et une poignée d'artistes ont investi les deux étages de Los Globos à Silverlake pour un événement inoubliable. SUS BOY a créé les visuels originaux du concert, et l'affiche est le fruit d'une collaboration entre lui et MFG (Matt Goldman). .

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Go Ninja ! Tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Gabe Swarr, artiste de rue de la contre-culture. Un crossover inspiré des films TMNT (Teenage Mutant Ninja Turtles) et Vanilla Ice.

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Achetez SCULPTURE Limited Run MEDIA Sculpture Artwork par l'artiste de rue graffiti artiste pop moderne ARTIST. INFO

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Xlarge Gorilla Dcon Cartoon OG 2019 - Figurine en vinyle édition limitée or avec chaîne en métal doré, œuvre d'art de collection créée par l'artiste de graffiti de rue D*Face x Medicom. Jouet d'art en édition limitée 2019 avec pendentif XL en métal véritable et logo, dimensions 6 x 9,5. Emballage d'origine inclus. L'intersection entre culture urbaine et expression artistique s'incarne dans la figurine Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG 2019, une pièce de collection en vinyle en édition limitée. Fruit de la collaboration remarquable de D*Face avec Medicom, elle illustre la synergie entre le street art et le design d'objets de collection haut de gamme. Avec ses dimensions impressionnantes de 15 x 24 cm, cette œuvre d'art ne passe pas inaperçue. D*Face, alias Dean Stockton, s'est imposé comme une figure incontournable du street art. Originaire de Londres, son travail critique souvent les normes sociétales contemporaines, le consumérisme et l'influence de la culture pop, fortement inspirée par la culture streetwear à la fois brute et vibrante de Los Angeles, et plus particulièrement par la marque XLARGE. Cette pièce, agrémentée d'un pendentif en métal véritable orné du logo XL, est bien plus qu'un simple jouet : c'est une fresque portable, un fragment de street art destiné aux collectionneurs. Créée en 2019, cette pièce s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art, où chaque objet est bien plus qu'un simple produit : c'est une histoire, un récit figé dans le temps, reflet de son environnement. L'éclat doré du vinyle et le poids de la chaîne métallique confèrent une touche de luxe tangible à la nature traditionnellement éphémère du street art. Elle capture l'essence du style iconique de D*Face, visible sur les murs du monde entier, des rues animées de Londres aux ruelles ensoleillées de Los Angeles. Les collectionneurs du Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG n'acquièrent pas seulement une œuvre de street art ; ils héritent d'un fragment du dialogue entre culture urbaine et art contemporain. La disponibilité limitée de cette figurine en fait un objet de collection très recherché, séduisant non seulement les fans de D*Face, mais aussi tous ceux qui apprécient le croisement des formes artistiques. Pour ceux qui ont suivi l'ascension du street art vers la notoriété, cet objet de collection est une reconnaissance tangible de sa place légitime au panthéon de l'histoire de l'art.

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Trap Former$ Édition Limitée Figurine de Collection en Vinyle Art Œuvre d'Art de l'artiste de graffiti de rue Fatoh. Robot Lamborghini Transformer Hip-hop tendance 2021, 18-20 cm. Édition limitée à 10 exemplaires, avec poster !

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Sérigraphie « Renegade Jay-Z » de Mark Drew, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2025. Œuvre d'art de format 12x16, sérigraphie représentant Lucy van Pelt écoutant des disques et pensant : « Écoutez-vous vraiment de la musique ou vous contentez-vous de la parcourir en diagonale ? » Sérigraphie Renegade Jay-Z par Mark Drew L'estampe sérigraphique de Mark Drew, intitulée « Renegade Jay-Z » (2025), fusionne la nostalgie des comics et les paroles du hip-hop pour créer une œuvre puissante, à la croisée du street art et du graffiti. Tirée à la main sur papier d'art, cette édition limitée à 200 exemplaires mesure 30,5 x 40,5 cm et illustre le style caractéristique de Drew, qui juxtapose les personnages vintage de la BD Peanuts à des paroles de morceaux de rap emblématiques. L'œuvre fait notamment référence à une phrase de « Renegade », chanson de Jay-Z et Eminem, placée dans une bulle de dialogue au-dessus du personnage de Lucy, tirée de la BD Peanuts de Charles Schulz. Par un trait audacieux, une composition sérigraphiée et un choix judicieux de couleurs, Drew transforme une forme visuelle familière en un commentaire incisif sur les habitudes d'écoute et la profondeur culturelle d'une génération. Composition et références culturelles L'œuvre représente Lucy, assise, l'air grave, devant une platine vinyle, entourée de pochettes et de pochettes de disques. Un fond jaune et blanc, aux accents de bande dessinée déformée, pulse derrière elle, soulignant le rythme visuel de la composition. Au-dessus de sa tête, un texte manuscrit en gras interroge : « Écoutez-vous vraiment la musique, bande d'idiots, ou vous contentez-vous de la survoler ? » Ces paroles, initialement prononcées par Jay-Z dans le morceau « Renegade », constituent à la fois une critique et une réflexion sur la manière dont le public consomme l'art. Le ton du personnage contraste avec la gravité du texte, créant une tension entre l'innocence de Peanuts et la critique sociale complexe des paroles de hip-hop. En remplaçant le dialogue original de la BD par une citation rap, Drew attire l'attention sur la complexité du rap, à la fois poétique et provocateur, et invite à une écoute plus attentive. Techniques et influences du Street Pop Art Mark Drew, Australien installé à Tokyo, est internationalement reconnu pour ses sérigraphies qui fusionnent icônes de la pop culture et histoire du rap. Ses tirages en édition limitée sont réalisés à la main avec un soin extrême apporté à la netteté des lignes, à la superposition des trames et aux contrastes. La sérigraphie sur papier beaux-arts confère à l'œuvre une présence tactile qui la transcende par rapport à la reproduction numérique. Chaque pièce de cette série porte la signature unique de Drew, apposée à la main, et un numéro d'édition, garantissant son authenticité et sa valeur de collection. Sa technique s'inspire de la tradition du graffiti, qui consiste à se réapproprier l'espace public et culturel, à réinterpréter des images trouvées et à superposer des textes pour en modifier le sens. C'est cette synthèse entre pop culture et commentaire culturel brut qui assure à Drew une place de choix dans le street art et le graffiti contemporains. Impact et poursuite de la série « Renegade Jay-Z » fait partie d'une série plus vaste de Mark Drew qui célèbre le talent d'écriture des icônes du hip-hop à travers un prisme visuel à la fois familier et subversif. Chaque opus est généralement rapidement épuisé grâce à la communauté internationale de fans de Drew et à l'écho que son travail trouve auprès d'un public appréciant à la fois la qualité des textes de rap et la nostalgie visuelle des classiques. Cette édition 2025 souligne la pertinence intemporelle des jeux de mots de Jay-Z tout en rendant hommage à un art historiquement considéré comme enfantin ou vulgaire. En appliquant une technique digne d'un musée aux cases de bande dessinée et aux citations de rap, Drew affirme la place de ces deux formes d'expression dans le discours culturel dominant, rappelant aux spectateurs que même dans l'esthétique urbaine, la précision et le sens sont primordiaux.

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Buste de Slick Rick en édition limitée, figurine de collection en résine, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti Def Jam. Statue de buste de Slick Rick (2020), œuvre de Def Jam Buste en résine à l'effigie de l'artiste iconique, la légende du hip-hop Slick Rick. Hauteur : 20 cm. Parmi les invités VIP et les artistes actuels et anciens de Def Jam – 2 Chainz, Fabolous, Jadakiss, Teyana Taylor, TJ Porter, Fetty Luciano, Slick Rick, Suzi Wu, le PDG de Def Jam, Paul Rosenberg, Joseline Hernandez, DJ Premier –, une programmation 100 % féminine menée par DJ Jazzy Joyce, Nyla Symone et Odalys a enflammé la soirée. Un stand éphémère de Scarr's Pizza a régalé les convives, tandis que Courvoisier et Heineken ont contribué à l'ambiance festive. Les VIP ont profité d'animations exclusives : un terrain de basketball PUMA et une épicerie fine Snipes animée par les invités spéciaux Stretch et Bobbito, proposant des t-shirts en édition limitée et les chaussures PUMA x Def Jam Clyde Court. Une performance surprise de Freddy & Jason, le duo emblématique de Def Jam – Fabalous et Jadakiss – a clôturé la soirée en beauté.

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MC Action MC Supersized Édition Limitée Figurine d'Art en Résine de Collection Œuvre d'Art de l'artiste de graffiti de rue Ron English- POPaganda. Figurine en résine de 9,5 cm (3,75 pouces), moulée et peinte à la main, sous blister. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée.

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Boyz N The Hood, impression giclée en édition limitée 4 couleurs sur papier d'art de Joshua L Johnson, artiste de rue rare et célèbre du pop art. Impression giclée 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), signée et numérotée, édition limitée à 60 exemplaires, inspirée de Boyz N The Hood.

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Signal perdu, tout va bien - Big Poppa, œuvre d'art originale et unique peinte à la main sur Ron English - POPaganda Can't You See, jouet d'art en vinyle. Figurine peinte à la main par Dead St. 1/1. Technique mixte, acrylique, peinture aérosol

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