Dissection d'une veuve noire, œuvre pop, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste moderne Nychos. Édition limitée signée et numérotée de 111 exemplaires, format 20,4 x 24 pouces, 2021. Cette œuvre est basée sur la fresque murale « Dissection d'une veuve noire » et peut être admirée depuis 2014 dans le quartier Gängeviertel à Hambourg. À la croisée de la science et du pop art urbain « Dissection d'une veuve noire » est une œuvre majeure de Nychos, artiste contemporain reconnu pour ses créations pop complexes et ses profondes racines dans le street art et le graffiti. Cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art, capture l'essence de la fresque originale qui orne le quartier de Gängeviertel à Hambourg depuis 2014. Numérotée et signée, cette œuvre, tirée à seulement 111 exemplaires, mesure 52 x 61 cm et illustre la fascination de l'artiste pour la dissection anatomique, dans un style qui fusionne précision biologique et art urbain. L'approche de Nychos face à la dissection de la veuve noire est à la fois clinique et créative, révélant les différentes strates de l'anatomie dans un style qui évoque les manuels médicaux, mais réinterprété à travers le prisme du pop art. Son utilisation de couleurs vibrantes pour illustrer les entrailles de la veuve noire, contrastant fortement avec son enveloppe sombre, invite à un dialogue entre l'opacité souvent présente dans le street art et la clarté et la transparence de l'illustration scientifique. Technique et savoir-faire dans l'œuvre de Nychos La technique employée par l'artiste pour son œuvre « Dissection d'une veuve noire » repose sur une superposition méticuleuse de couleurs et de formes, témoignant de sa grande maîtrise et de sa profonde compréhension du sujet et du médium. Le procédé d'impression giclée, reconnu pour sa capacité à restituer les nuances de l'œuvre originale, sublime le travail minutieux de Nychos, préservant ainsi la richesse des textures et des teintes de la fresque. La transformation de « Dissection d'une veuve noire », d'une fresque monumentale à une estampe de collection, illustre la fluidité avec laquelle le street art et le graffiti peuvent traverser différents espaces et contextes. L'art de Nychos embellit non seulement les paysages urbains, mais trouve également sa place dans l'intimité des collections privées, faisant dialoguer l'énergie brute de la rue avec l'univers raffiné des amateurs d'art contemporain. La veuve noire, symbole souvent associé au danger et au charisme, est réinterprétée dans l'œuvre de Nychos, devenant un support d'exploration de la complexité du vivant. Cette œuvre transcende la simple représentation ; elle explore les subtilités cachées sous les apparences, un thème qui fait écho à la nature stratifiée du graffiti et du street art. L'héritage de « La dissection d'une veuve noire » « Dissection d'une Veuve Noire » témoigne de l'héritage de Nychos dans le domaine du street art et du graffiti. Cette estampe en édition limitée occupe une place de choix, reflétant l'évolution du street art vers une forme qui transcende les frontières de l'espace public pour accéder au statut d'œuvre d'art de collection. L'œuvre de Nychos, et plus particulièrement cette pièce, illustre le pouvoir transformateur du street art et son dialogue constant avec la culture populaire et les mouvements artistiques contemporains. « Dissection d'une Veuve Noire » est un spectacle visuel saisissant et une invitation à explorer les intersections entre l'art, la science et le paysage urbain, incitant à une réévaluation de ce qui constitue l'art moderne dans notre conscience collective.

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Companion Flayed - Figurine de collection en vinyle rouge blush, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Le compagnon de KAWS écorché en rouge blush : une expression vibrante du pop art urbain La figurine « The Companion Flayed in Blush Red » est une pièce maîtresse de l'œuvre foisonnante de KAWS, le célèbre artiste pop contemporain. Intégrée à une vaste série lancée en 2016, cette édition limitée et ouverte captive par sa couleur saisissante et son design complexe. Conservée dans son emballage d'origine scellé, la figurine mesure 26,7 x 11,4 x 6,4 cm et illustre avec force l'interaction entre l'esthétique du street art et le marché des objets de collection. KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, a bâti sa réputation sur la création de figurines profondément imprégnées des motifs du Street Pop Art et du graffiti. « The Companion », sans doute sa création la plus emblématique, a été réinterprétée sous diverses formes, chacune révélant une facette différente de son caractère et de la philosophie de l'artiste. Les versions « écorchées », comme celle-ci en rouge blush, dévoilent la structure interne de la figurine, offrant une dissection à la fois littérale et figurative de sa forme. La résonance culturelle de la série Companion de KAWS L'édition Companion Flayed Blush Red incarne un moment culturel majeur pour KAWS et le monde de l'art en général, coïncidant avec son exposition acclamée « Where The End Starts » à Fort Worth, au Texas. À l'instar des autres figurines de la série, elle mesure 28 cm de haut, dégageant une présence à la fois imposante et intime. Diffusée sur des plateformes telles que KAWSONE, le MoMA et le Musée d'Art Moderne de Fort Worth, la série Companion témoigne de la reconnaissance et de la célébration de l'art urbain au sein d'espaces artistiques prestigieux. La série Companion Flayed, avec son intérieur exposé et vibrant, offre une réflexion puissante sur la nature de l'exposition émotionnelle et physique. La teinte rouge blush ajoute une dimension de chaleur et de connexion, contrastant avec la perception souvent froide et impersonnelle du street art. KAWS joue avec la dichotomie entre le moi intérieur et l'image extérieure, invitant à contempler la complexité de l'identité et les façades que nous arborons. Impact et potentiel de collection des Flayed Companions de KAWS L'édition Companion Flayed Blush Red est non seulement une pièce visuellement saisissante, mais aussi un objet de collection de grande valeur. Le choix d'une édition ouverte témoigne de la volonté de KAWS de démocratiser l'accès à l'art, permettant ainsi à un plus grand nombre de passionnés de posséder une part de sa vision. Cette démarche s'inscrit dans l'esprit du street art, qui met traditionnellement l'accent sur l'accessibilité et l'engagement communautaire. Avec son emballage intact et son état impeccable, cette édition particulière est un objet très recherché, tant par les collectionneurs de jouets d'art moderne que par les admirateurs de KAWS. Son attrait esthétique et son importance dans l'histoire du street art et du graffiti en font une œuvre aux multiples facettes, à la fois un artefact culturel et un témoignage de l'influence durable de KAWS sur l'art contemporain. Le Companion Flayed Blush Red affirme avec audace la porosité des frontières entre art commercial, culture urbaine et beaux-arts, une frontière que KAWS explore avec une finesse inégalée.

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Noir Flower Woman Blue AP Silkscreen Print par Shepard Fairey - OBEY Artist Proof Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Format 18x24 Sérigraphie d'une femme tenant une grande fleur de lotus. « L’estampe Obey Noir Flower Woman s’inspire de l’Art déco et des pochettes d’albums Dark Wave. L’image se prête à plusieurs interprétations. Je la perçois avant tout comme un hommage aux idéalistes qui protègent l’environnement, œuvrent pour la justice et cultivent l’optimisme. Nous sommes tous confrontés à des défis et des hostilités, mais les forces extérieures ne peuvent contrôler notre force intérieure ni notre idéalisme. C’est nous qui le contrôlons ! L’idéalisme mène à l’action. Ceux qui commettent l’injustice comptent sur l’apathie pour rester impunis. Nourrissez votre idéalisme, et vos actions constructives suivront. Une partie des bénéfices de cette estampe sera reversée à Greenpeace afin de soutenir son action pour renforcer la protection de l’environnement et lutter contre le changement climatique. » – Shepard Fairey. L'œuvre « Noir Flower Woman Blue AP » de Shepard Fairey témoigne de l'harmonieuse fusion entre pop art et street art, avec un clin d'œil unique à la culture graffiti. Réalisée en sérigraphie artisanale sur papier d'art, cette estampe de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) capture une femme tenant délicatement une fleur de lotus géante. Cette œuvre captivante, initialement publiée en tant qu'épreuve d'artiste en 2022, est une pièce rare non seulement en raison de son tirage limité, mais aussi grâce à la touche personnelle apportée par Fairey à travers sa signature et le sigle distinctif « AP ». Au premier abord, « Noir Flower Woman Blue AP » semble fortement influencée par l'Art déco et l'esthétique des pochettes d'albums Dark Wave. Pourtant, sous ses apparences visuelles se cache un message profond. Shepard Fairey puise son inspiration chez ces idéalistes qui restent engagés dans la protection de l'environnement, défendent la justice et cultivent un optimisme inébranlable, même face à l'adversité. Son œuvre affirme que les défis extérieurs ne sauraient jamais obscurcir la lumière éclatante de la résilience et de l'idéalisme intérieurs. Loin d'être de simples spectateurs passifs, Fairey invite chacun à puiser dans son idéal pour le transformer en actions concrètes. Ce message résonne d'autant plus fort qu'une partie des bénéfices de la vente de cette estampe est reversée à Greenpeace dans son combat acharné contre le changement climatique et pour une meilleure protection de l'environnement. Cette œuvre de Fairey n'est pas qu'une simple création artistique ; c'est un emblème qui illustre la convergence entre attrait visuel et engagement militant, une caractéristique qui distingue son art des genres pop, street art et graffiti. En s'immergeant dans les détails complexes de « Noir Flower Woman Blue AP », les spectateurs sont invités à réfléchir, à réagir et à agir pour le monde qui les entoure.

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Panneau de rue métallique Peace & Freedom Dove, édition limitée, sérigraphie bicolore sur matériau de panneau de rue, graffiti, pop art moderne par l'artiste Shepard Fairey x Beyond The Streets. Panneau de rue réfléchissant en métal 2021 avec certificat d'authenticité signé. Édition limitée à 350 exemplaires. Dimensions : 24 x 24 pouces.

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Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs tirée à la main « Universal Dignity » sur papier crème moucheté par Shepard Fairey, œuvre d'art de rue rare, artiste pop OBEY. Tirage en édition limitée signé, 2022. 45,7 cm x 61 cm. Édition limitée à 600 exemplaires. Disponible le 3 juin 2022. « L’œuvre “Dignité universelle” vise à promouvoir la paix, l’égalité et l’humanité. Je souhaite qu’elle repose sur le principe fondamental que TOUS les êtres humains méritent le respect et la dignité humaine. Cela s’applique au sens universel de la dignité : être valorisé et respecté pour ce que l’on est, pour ce en quoi l’on croit et pour la façon dont on vit. Je me considère comme un citoyen du monde et, bien que je pense que les nations aient une fonction structurelle, tous les êtres humains devraient être égaux et la vie de chacun a la même valeur, quel que soit son lieu de résidence. » – Shepard Fairey

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Remio Study- 04 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture en aérosol, acrylique sur papier beaux-arts, par le célèbre artiste de graffiti de rue Remio. Technique mixte sur papier beaux-arts. Format : 54 x 50 pouces. Sortie : 31 janvier 2020. Tirage : 1 exemplaire. Massif

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Sérigraphie Sub-Standard de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 5 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 550 exemplaires (2023). Sérigraphie au format 12 x 24 pouces. Cette estampe, « Sub-Standard », dénonce le lien entre la cupidité des entreprises, les énergies fossiles, le réchauffement climatique et l’effondrement des écosystèmes. Les pratiques courantes, imposées par des acteurs comme Standard Oil et ses nombreuses filiales, devraient être redéfinies comme étant de qualité inférieure. Si nous voulons préserver la santé de notre planète et éviter la catastrophe, nous ne pouvons pas permettre aux grandes compagnies pétrolières de privilégier les profits au détriment de la planète et des populations (ainsi que de nombreuses autres espèces menacées). N’oublions pas que les grandes compagnies pétrolières, déjà très rentables, sont subventionnées par vous, contribuables, à hauteur de 50 milliards de dollars par an. En comparaison, les énergies renouvelables ne sont subventionnées qu’à hauteur du quart de cette somme. Nous devons exiger un changement. Une partie des bénéfices de cette estampe est reversée à Greenpeace USA pour soutenir ses actions en faveur d’une planète saine. – Shepard Fairey – OBEY La sérigraphie intitulée « Sub-Standard » de Shepard Fairey, issue de sa série OBEY, est une œuvre d'art contemporain saisissante qui porte un regard critique sur le problème urgent de la dégradation de l'environnement, liée à l'influence des entreprises et à la dépendance aux énergies fossiles. Tirée à seulement 550 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre est une déclaration audacieuse, tant par sa forme que par son fond, mêlant l'esthétique du pop art, du street art et du graffiti sur un papier d'art crème moucheté. Mesurant 30,5 x 61 cm, chaque tirage 5 couleurs, réalisé à la main, témoigne du talent technique de Fairey et de son engagement pour le commentaire social. Figure emblématique de la culture pop et du street art, Shepard Fairey utilise son art pour remettre en question l'ordre établi et susciter une réflexion sur les enjeux mondiaux les plus pressants. « Sub-Standard » cible plus particulièrement les conséquences des actions de l'industrie des énergies fossiles sur le changement climatique et la destruction de l'environnement. La référence de Fairey à Standard Oil et à ses successeurs met en lumière un héritage de politique environnementale privilégiant le profit à la santé de la planète, soulignant l'urgence d'une transformation des pratiques des entreprises. L'œuvre emploie un symbolisme puissant, juxtaposant un motif industriel à un arrière-plan évoquant un monde naturel en détresse, reflétant ainsi le propos de Fairey sur le conflit entre intérêts économiques et responsabilité environnementale. Un aspect important de cette œuvre réside dans sa dimension militante. Une partie des recettes de « Sub-Standard » est reversée à Greenpeace USA, finançant les actions de l'organisation pour lutter contre les atteintes à l'environnement et promouvoir le développement durable. Ce soutien financier s'inscrit pleinement dans le message de l'œuvre, établissant un lien direct entre art, militantisme et soutien concret à la préservation de l'environnement. Le choix de Fairey de souligner l'écart entre les subventions aux énergies fossiles et celles aux énergies renouvelables renforce l'appel à l'action de l'estampe, plaidant pour une réévaluation des investissements publics dans une perspective de santé planétaire à long terme. Dans le paysage de l'art moderne, « Sub-Standard » de Shepard Fairey se distingue comme une œuvre qui non seulement capture l'avant-garde esthétique du mouvement artistique OBEY, mais incarne également une profonde conscience sociale et environnementale, faisant progresser le débat dans le domaine de l'activisme artistique.

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Collage d'icônes en bas - Tirage sérigraphique 3 couleurs grand format en édition limitée, réalisé à la main sur papier crème moucheté avec bords frangés à la main par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 76,2 x 97,8 cm (30 x 38,5 pouces). Édition limitée à 70 exemplaires numérotés. 31 octobre 2016. Papier d'archivage 100 % coton, bords frangés. Cachet de la maison d'édition OBEY en bas à gauche. Signée par Shepard Fairey.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Estampe d'archive Optimus Prime Transformer par Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 6x8, pigments d'archivage, beaux-arts, Optimus Prime Transformer debout dans un style glitch. Optimus Prime : un artefact moderne de l'expression pop art Dans l'interaction dynamique entre culture populaire et art, Optimus Prime s'impose comme une icône monumentale. L'estampe d'archives d'Adam Lister (2023) capture le redoutable leader des Transformers dans un style qui harmonise l'esthétique des jeux vidéo rétro avec les tendances avant-gardistes de l'art contemporain. Cette série limitée à seulement 50 exemplaires témoigne de l'exclusivité souvent recherchée dans l'univers du graffiti et du street art. Chaque estampe est méticuleusement réalisée sur un papier d'art mat pressé à chaud de 300 g/m², conférant une dimension tangible à l'esthétique par ailleurs numérique du glitch art. L'interprétation d'Optimus Prime par Lister, dans un style glitch, constitue un puissant récit visuel explorant les thèmes de l'héroïsme, de la technologie et de la transformation. L'utilisation de pigments d'archives garantit que chaque œuvre d'art non seulement restitue le personnage avec éclat, mais résiste également à l'épreuve du temps, à l'image de l'héritage durable de la franchise Transformers elle-même. Le format 6x8 de l'œuvre invite le spectateur à interagir avec elle de manière personnelle, faisant écho à l'expérience intime de la contemplation d'une œuvre de street art dans un espace public. De l'animation à l'impression d'archives : l'évolution d'un leader L'évolution d'Optimus Prime, de personnage animé à sujet d'œuvre d'art, reflète la transformation de la perception de l'art à l'ère moderne. Figure centrale de la saga Transformers, Optimus Prime incarne le leadership, la force et l'intégrité morale. Le choix de Lister de représenter ce personnage dans un style pixelisé et glitché en dit long sur la rencontre entre les influences de l'enfance et la sophistication de l'art contemporain. La transformation de ce personnage, de l'écran à une estampe en édition limitée, fait écho à celle du street art, passé d'un mouvement underground à une forme d'expression artistique reconnue. Cette œuvre d'Adam Lister puise dans la nostalgie des années 1980, époque où les Transformers ont captivé l'imagination des enfants comme des adultes. En représentant Optimus Prime dans un style moderniste, Lister établit un pont entre passé et présent, offrant une réflexion sur l'influence durable des icônes de la culture populaire. Son œuvre fait également allusion à la transformation des médias, soulignant la progression des animations dessinées à la main aux créations numériques, et maintenant, aux œuvres d'art multimédias qui fusionnent le design numérique avec les techniques traditionnelles d'impression d'art. Adam Lister et l'esthétique de la nostalgie numérique Adam Lister, artiste américain, est reconnu pour son talent à distiller des images complexes en leurs essences géométriques. En choisissant de représenter Optimus Prime, personnage souvent associé au changement et à l'adaptabilité, Lister interroge le pouvoir transformateur de l'art. Son approche unique des beaux-arts – puisant son inspiration dans le pop art urbain et le graffiti – remet en question les frontières traditionnelles des médiums artistiques. Optimus Prime, tel que le représente Lister, n'est pas seulement la représentation d'un personnage, mais l'incarnation de l'influence de l'ère numérique sur l'art. Le style glitch, avec sa suggestion de fragmentation et de reconstruction numériques, fait écho à l'impact du monde numérique sur la culture et la société. L'œuvre de Lister est un dialogue avec le spectateur, l'invitant à réfléchir au rôle de la technologie dans l'art et au pouvoir des icônes de la culture populaire de transcender leurs supports d'origine. À travers ses tirages en édition limitée, Adam Lister offre aux collectionneurs et aux amateurs l'opportunité d'acquérir une œuvre d'art à la fois création moderne et hommage au passé. L'illustration d'Optimus Prime, aux couleurs vives et aux lignes nettes, célèbre le pouvoir d'inspiration de la culture populaire et le talent de l'artiste pour exploiter cette inspiration et créer une œuvre unique et stimulante. Elle témoigne de la pertinence toujours actuelle de personnages comme Optimus Prime et de la capacité de l'art à les réinventer pour toucher un public toujours plus large.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée et imprévue sur papier beaux-arts 310 g/m² par Nawer, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « La perfection me hante. Elle captive mon imagination et trouble mon sommeil. Elle introduit une dissonance dans ma perception de la réalité. Le pire, c'est que la perfection est inaccessible et que je ne l'atteindrai jamais. Le mieux que l'on puisse faire, c'est d'essayer de s'en approcher. C'est pourquoi, au-delà de la perfection, il s'agit de tenter d'y échapper ; de regarder au-delà et de s'immerger dans l'espace autre que celui qu'occupe l'inaccessible. C'est là que j'ai puisé la matière et l'inspiration de cette série. J'ai utilisé la couleur et l'espace. Mon but était d'aider les destinataires à trouver la profondeur, car la profondeur permet d'échapper à la perfection. » – Nawer

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Burn Your Wonder Bra - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée OG sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Épreuve d'artiste AP 2021 signée et marquée AP, tirage en édition limitée Burn Your Wonder Bra - OG, Wonder Woman nue DC Comics Pop Art. Brûlez votre Wonder Bra : une déclaration audacieuse de Denial dans le Street Pop Art « Burn Your Wonder Bra » est une superbe estampe d'art en édition limitée, réalisée en 2021 par Denial, artiste reconnu du street art et de la pop culture contemporaine. Reconnu pour son art provocateur et satirique qui repousse les limites, Denial s'est imposé comme une figure influente des mouvements Street Pop Art et Graffiti. Cette œuvre, initialement une épreuve d'artiste (AP) en édition limitée, signée et marquée par l'artiste, est imprimée sur un papier d'art MOAB premium de 290 g/m², ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. Réinterpréter l'imagerie emblématique à travers la culture pop « Burn Your Wonder Bra » rend hommage à la figure classique de Wonder Woman, icône intemporelle de l'histoire de la bande dessinée et de la culture populaire contemporaine. Denial réinterprète ce symbole de force et de féminité avec une touche rebelle et satirique. La composition audacieuse, dans le style des comics, met en scène Wonder Woman dans sa tenue bleue et rouge emblématique, mais avec une représentation impertinente et sans complexe qui remet en question les notions traditionnelles de beauté et de représentation féminine. Cette œuvre reflète le style caractéristique de Denial, mêlant des éléments de l'art de la bande dessinée vintage à un commentaire moderne et engagé. L'inscription « Burn Your Wonder Bra », inscrite en haut de l'œuvre, ajoute une dimension supplémentaire, faisant référence au mouvement féministe des années 1960 et 1970 qui rejetait les attentes de la société envers les femmes. En fusionnant ce contexte historique avec une esthétique pop art, Denial crée un dialogue visuel provocateur sur l'émancipation, la liberté et les rôles de genre dans la société actuelle. L'utilisation de couleurs primaires vives, de contours noirs épais et de techniques d'ombrage en demi-teintes s'inspire des œuvres de Roy Lichtenstein tout en y insufflant la brutalité et l'attitude propres au street art. Le déni : une voix dans l'art pop et graffiti de rue moderne Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est un artiste canadien qui a marqué la scène artistique internationale. Son œuvre est reconnue pour ses visuels audacieux et colorés, ainsi que pour son commentaire incisif sur la société de consommation, la politique et la culture populaire. En créant un art à la fois visuellement saisissant et intellectuellement stimulant, Denial invite les spectateurs à questionner les normes et les valeurs de la société. Son art puise souvent dans la culture graffiti et les traditions du pop art, ce qui explique son écho auprès du public urbain et des collectionneurs. « Burn Your Wonder Bra » illustre la capacité de Denial à réinterpréter des images familières avec un regard critique. L'œuvre met en lumière son talent pour fusionner les techniques des beaux-arts et les influences du street art, produisant un résultat à la fois rebelle et raffiné. L'édition limitée d'épreuves d'artiste de cette estampe renforce sa rareté et son attrait pour les collectionneurs de street art, de pop art et de graffiti. L'impact du slogan « Burn Your Wonder Bra » sur l'art contemporain « Burn Your Wonder Bra » est une œuvre marquante du mouvement Street Pop Art, témoignant du talent unique de Denial pour fusionner la nostalgie des comics avec les thèmes modernes du féminisme, de la liberté et de la résistance. En utilisant Wonder Woman comme symbole, Denial transforme une figure emblématique de la pop culture en une représentation de la libération et de l'expression de soi. Le titre provocateur invite à rejeter les normes obsolètes et à affirmer son individualité, faisant écho aux problématiques sociales contemporaines. Tirage pigmentaire d'archive de haute qualité sur papier d'art MOAB 290 g/m², il garantit sa durabilité et sa richesse, en faisant une pièce de collection précieuse. Cette œuvre souligne la contribution constante de Denial à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti, confirmant son statut d'artiste n'hésitant pas à bousculer les conventions tout en célébrant l'imagerie iconique.

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Achetez The Empresses- H10-4 Suiko Pop Street Artwork Edition Limitée Giclee & Giltter Sérigraphie sur Feuille d'Aluminium par l'Artiste Moderne Urban Graffiti Damien Hirst. Signé 2022 Matériaux : Impression Giclée laminée sur composite d'aluminium, sérigraphiée avec des paillettes. Dimensions de l'oeuvre : 100 x 100 cm Détails complémentaires : Signé et numéroté sur l'étiquette 39.37x39.37 Suiko, une composition qui évoque la vie à bien des égards, porte le nom de la première impératrice du Japon enregistrée. Bien que la légende raconte que plusieurs femmes avaient régné avant Suiko (554-628 CE), son ascension au pouvoir après l'assassinat de son frère Sushun en 592 CE a marqué une rupture avec la tradition d'installer des dirigeants masculins. On se souvient de Suiko pour les influences chinoises et coréennes qu'elle a apportées au pays, notamment la mise en œuvre du calendrier chinois, l'arrivée d'artisans chinois et coréens et, peut-être plus particulièrement, l'établissement du bouddhisme. Dans Suiko, des ailes jumelées de différentes tailles émanent du centre de l'œuvre, produisant un cercle concentrique symétrique, un arrangement de composition qui rappelle le symbolisme bouddhiste et le cycle de vie. Ce motif circulaire est remarquablement défini par des lignes scintillantes de rouge qui traversent la composition en diagonale du centre pour rejoindre chaque coin. Avec les ailes sur un fond rouge, les lignes traversent les paires d'ailes désincarnées où les corps existaient autrefois. Comme c'est le cas pour chaque œuvre de la série, Suiko apparaît dans un état constant de transformation, les papillons bougeant et évoluant au fur et à mesure que l'on se tient devant l'œuvre. Alors que les subtilités peuvent être vraiment appréciées de près l'impression, de loin, la composition prend une nouvelle vie. De ce point de vue, Suiko se révèle avoir un arrangement d'ailes en ballon, qui sont organisés autour du motif central de cercles concentriques et complétés par des arrangements externes d'autres ailes. Cet agencement s'apparente à une structure biologique ou moléculaire, évocatrice des organismes qu'elle représente.

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Blondie Live at the Roundhouse - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 2 couleurs noires sur papier crème moucheté par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare OBEY Pop Artwork Artiste. Live at the Roundhouse (Noir) Sérigraphie 45,7 x 61 cm Édition limitée à 150 exemplaires 23 juin 2017 Dimensions : 45,7 x 61 cm. Blondie, artiste punk rock, concert au Roundhouse de Londres, Angleterre, 2017. Affiche du concert.

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Carte NY Tripway II Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Cope2 œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Au début du nouveau millénaire, Cope2 abordait une nouvelle étape de sa carrière, se concentrant de plus en plus sur sa place dans le milieu artistique des galeries et des musées. Bien qu'il ait commencé à travailler sur toile bien avant les années 2000, c'est à cette époque qu'il a opéré un tournant décisif en acceptant d'exposer systématiquement en intérieur. Que l'on considère le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme un acte de vandalisme irresponsable, une chose est sûre : ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public jusqu'aux plus grandes galeries du monde.

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Hug Life - Beast 3D Within, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Philip Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Imprimé avec un effet 3D rouge/bleu basique.

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Achetez VINYLTOY Édition Limitée Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de Collection par Pop Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Sérigraphie « Je n'aime que toi » de Gary Taxali, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art Arches blanc, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre d'art de 29 x 23 cm. Sérigraphie. Signification et savoir-faire de la sérigraphie « I Love Only You » de Gary Taxali La sérigraphie « I Love Only You » de Gary Taxali est un exemple éclatant d'art urbain contemporain, à la croisée du pop art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, créée en 2014, témoigne du mélange unique de bandes dessinées vintage, d'esthétique publicitaire et d'images ludiques propre à Taxali. Ce style unique ancre son travail dans l'héritage du pop art tout en repoussant ses limites vers les scènes du street art et du graffiti. Reconnu pour son style distinctif, Taxali marie souvent le rétro et le moderne, et cette œuvre ne fait pas exception. Il s'agit d'une impression artisanale en six couleurs sur papier Arches Fine Art blanc, un choix qui reflète le dévouement de l'artiste à l'artisanat et à la qualité. Le papier Arches est prisé des artistes pour sa texture et sa durabilité, gage de sa longévité et de sa valeur de collection. Le tirage limité de « I Love Only You », avec seulement 50 exemplaires signés et numérotés, renforce son exclusivité et son attrait auprès des collectionneurs. Ses dimensions d'environ 74 x 58 cm en font une pièce imposante, idéale pour une mise en valeur. La sérigraphie, une méthode rendue célèbre par l'icône du Pop Art Andy Warhol, permet à Taxali d'obtenir des couleurs vives et des images nettes, saisissantes et chargées d'émotion. Exploration du continuum du pop art dans le street art à travers l'œuvre de Taxa li L'œuvre de Gary Taxali est souvent saluée pour sa capacité à saisir l'esprit du Pop Art et à le transposer sur le support plus brut et expressif du street art. « I Love Only You » illustre parfaitement ce métissage. Le sujet – un personnage fantasque interagissant directement avec un objet inanimé, lui insufflant affection et personnalité – incarne l'intérêt du Pop Art pour le quotidien et le commercial. Cependant, les lignes audacieuses de Taxali et la présence de l'œuvre, à la croisée du Street Art, du Pop Art et du graffiti, évoquent également le caractère spontané et authentique de ces formes d'art. Les personnages de Taxali rappellent les dessins animés des années 1930, tout en possédant une dimension contemporaine qui parle au public d'aujourd'hui. Le caractère ludique de l'œuvre, associé à son message direct et simple, est caractéristique de la capacité du street art à toucher un large public. Ce chevauchement entre l'art savant et l'art populaire, entre les murs des galeries et les coins de rue, est une caractéristique déterminante de la pratique artistique de Taxali et inscrit « I Love Only You » dans le dialogue permanent de l'art en tant qu'expérience publique et personnelle. Valeur culturelle et artistique de la sérigraphie de Taxali « I Love Only You » représente non seulement un mélange de styles artistiques, mais incarne également une prise de position culturelle qui fait écho à l'esprit du Pop Art et du Street Art. Ces deux mouvements ont souvent cherché à estomper les frontières entre culture « savante » et culture « populaire », et l'estampe de Taxali contribue à ce débat. Elle juxtapose des techniques artistiques commerciales à des pratiques artistiques reconnues, suggérant que l'art peut être à la fois accessible et sophistiqué. L'estampe de Taxali occupe une place de choix dans le monde de l'art pour son attrait esthétique et son commentaire sur l'amour, la société de consommation et l'interaction entre texte et image. La phrase « I Love Only You », juxtaposée à divers objets, évoque la marchandisation des émotions et des relations, un thème fréquemment exploré dans le Pop Art et le Street Art. En présentant ce commentaire par la sérigraphie – une technique associée à la production de masse –, Taxali souligne la tension entre unicité et ubiquité, un débat omniprésent dans les discussions sur l'art public. L'attrait durable de « I Love Only You » de Gary Taxali L'œuvre « I Love Only You » de Gary Taxali témoigne du rôle de l'artiste comme trait d'union entre passé et présent, entre beaux-arts et culture urbaine. Par la minutie avec laquelle il réalise cette estampe et le choix judicieux du médium, Taxali a créé une œuvre visuellement captivante, riche de sens et de contexte. À la croisée du Pop Art et du graffiti, elle continue de susciter l'intérêt, d'alimenter les débats et de refléter la culture qu'elle représente et critique. La rareté et la qualité artisanale de l'estampe en font une pièce de collection recherchée, incarnant l'esprit du Pop Art et l'éthique irrévérencieuse et démocratique du street art et du graffiti. Avec « I Love Only You », Taxali a immortalisé un moment de l'histoire de l'art tout en contribuant à son évolution.

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Papier buvard Soar LSD, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par MAD, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Estampe d'art en édition limitée « The Pride Heart » à pigments d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main, par l'artiste Jenna Morello, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archive sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main. Format : 16 x 20 pouces. « The Pride Heart » de Jenna Morello est une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, capturant l'essence du street art contemporain avec une sensibilité pop art. Incarnant l'esprit vibrant du graffiti, cette édition limitée est une œuvre marquante, vibrante de couleurs et d'une grande profondeur émotionnelle. Limitée à 50 exemplaires signés et numérotés, chaque tirage, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est unique et porte une touche personnelle. La signature de l'artiste authentifie chaque estampe et établit un lien direct entre la créatrice et le collectionneur. Le papier d'art Moab Entrada 290 g/m², choisi par Morello, est réputé pour sa durabilité et sa capacité à retenir des couleurs riches, garantissant ainsi la pérennité des teintes éclatantes de « The Pride Heart ». Les bords frangés à la main ajoutent une touche artisanale, rompant avec la précision mécanique souvent associée à la gravure. Cette technique confère une dimension organique, suggérant l'énergie brute et urbaine caractéristique du street art. L'œuvre est une métaphore visuelle de la passion et de la diversité, représentées par un cœur composé de roses multicolores aux teintes chatoyantes. Une flèche, symbole traditionnel des épreuves et des tribulations de l'amour, transperce le cœur, contrastant les couleurs vives avec sa palette monochrome. Cette juxtaposition illustre la capacité de Morello à fusionner l'iconographie classique avec une touche de modernité, une caractéristique de sa vision artistique. « The Pride Heart » de Jenna Morello témoigne de l'attrait intemporel du street art et de sa capacité à transmettre des messages profonds par l'expression publique. Cette œuvre, qui incarne une affirmation forte au sein du pop art et du graffiti, invite à la réflexion sur les thèmes de l'amour, de la diversité et de la résilience. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les amateurs de cette forme d'art unique.

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Rollins Capitalism - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, signée par Henry Rollins, sur papier d'art Speckletone de qualité supérieure par Shepard Fairey. Œuvre d'art de rue rare, artiste pop OBEY. Sérigraphie signée et numérotée par Henry Rollins, ROLLINS CAPITALISME, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 1200 exemplaires, 28 août 2012 Henry Rollins est un de mes héros depuis que j'ai découvert Black Flag en 1984. Son goût musical exceptionnel et sa production prolifique, son engagement politique, son éthique de travail hors du commun et sa conscience sociale sont pour lui un modèle. Il est constamment en tournée et reste très attentif à l'actualité mondiale. Avant la récession de 2008, il avait une chronique dans son émission télévisée où il déclarait : « Le président affirme que les fondamentaux de l'économie sont solides… Moi, je dis : apprenez le chinois ! » Sa nouvelle tournée s'intitule CAPITALISME et je suis certain qu'il aura beaucoup de choses pertinentes, drôles et peut-être même prophétiques à dire. J'ai eu l'honneur d'illustrer son concept pour la tournée, en le représentant en Oncle Sam vaincu. Quelques tirages, signés par Henry et moi, sont disponibles sur mon site. Le reste sera disponible lors de sa tournée, un événement à ne pas manquer. Procurez-vous un tirage avant que le capitalisme américain ne s'effondre sous le poids de son propre ego. – Shepard Fairey

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Panneau de signalisation du métro MTA - Œuvre d'art en techniques mixtes sur panneau de signalisation MTA, réalisée par l'artiste de culture pop urbaine Cope2. Authentique panneau de métro MTA d'origine : il s'agit d'un panneau métallique de 35,5 x 130 cm (14 x 51 pouces) peint à la bombe par cope2. Né en 1968 à New York sous le nom de Fernando Carlo Jr., Cope 2 a exposé ses œuvres lors d'expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger. Artiste autodidacte et figure légendaire du graffiti, il contribue depuis plus de 30 ans à la culture urbaine. Comptant parmi les graffeurs les plus prolifiques de New York, il a commencé à taguer son nom dans le South Bronx en 1978. Il a développé son style dans le métro et les rues du Bronx, créant des œuvres de graffiti tout au long des années 1980 et 1990 et acquérant une reconnaissance internationale pour son style unique. Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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La bande est là Charlie - Illustration du jeu Squid, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de la culture pop Raid71. Édition limitée signée de 2022 (210 exemplaires), format 5x5 pouces.

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Walk on the Wild Side, estampe sérigraphique technique mixte de Faile, peinture acrylique en aérosol sur papier d'art épais Lennox à bords frangés, étiré à la main, œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée (2023). Œuvre de 18,11 x 25 pouces, sérigraphie, peinture acrylique et peinture aérosol, technique mixte. Un chien qui aboie est collé sur un mur de briques tandis qu'une femme élégante passe avec son chien dans les rues de New York. Exploration du récit urbain : « Walk on the Wild Side » de Faile L'estampe sérigraphique « Walk on the Wild Side » de Faile, réalisée en technique mixte, témoigne avec force de l'interaction dynamique entre le pop art urbain et le graffiti. Cette œuvre en édition limitée à seulement cent exemplaires capture l'énergie de la vie urbaine grâce à ses couches méticuleusement travaillées d'acrylique et de peinture aérosol sur un papier d'art Lenox épais, frangé et étiré à la main. Mesurant 46 x 63,5 cm, cette œuvre est bien plus qu'une simple déclaration visuelle : elle s'inscrit dans le dialogue esthétique de New York. Faile, un duo d'artistes reconnu pour son art percutant qui orne souvent les espaces urbains, a su donner vie à l'essence même de la rue sur une toile tangible. L'utilisation du chien aboyant, motif emblématique récurrent dans leur travail, sur fond de mur de briques, en dit long sur l'énergie indomptée de la ville. Le contraste entre la rudesse de la rue et l'apparence soignée de la femme qui passe avec son chien crée une juxtaposition au cœur même du pop art urbain. Cette image capture l'essence même du caractère éclectique de New York, où le raffinement et la rudesse coexistent. La technique de sérigraphie employée par Faile pour cette œuvre est un clin d'œil aux méthodes traditionnelles du pop art, tandis que l'ajout d'acrylique et de peinture en aérosol lui confère une profondeur tactile souvent associée au graffiti. Le choix des matériaux – le papier d'art épais Lenox aux bords irréguliers et frangés – souligne davantage encore le mélange du raffinement et de l'énergie urbaine. Chaque élément de l'estampe, du support à l'image, est un choix délibéré qui met en lumière le récit de la coexistence et du contraste. Symbolisme et style dans l'art de Faile inspiré par la rue Le symbolisme de « Walk on the Wild Side » est complexe, les affiches représentant des chiens aboyant étant une signature de l'héritage urbain de Faile. Ces affiches, souvent présentes sur les murs de briques de la ville, incarnent la voix de la rue : forte, sans complexe et farouchement territoriale. En transposant ce symbole sur un papier d'art de qualité, Faile abolit le fossé entre la nature éphémère du street art et la permanence recherchée par les collectionneurs d'art. La femme, représentée dans un style classique, presque vintage, et son chien domestiqué contrastent fortement avec l'expression sauvage et indomptée des chiens aboyant. C'est un jeu visuel sur la dualité de la nature humaine et les normes sociales qui régissent notre image publique face à nos instincts profonds. Le style de Faile dans cette estampe est indéniablement ancré dans le pop art urbain. Les lignes audacieuses, les contrastes saisissants et la superposition de différents supports témoignent d'une esthétique née dans la rue. Leurs œuvres reflètent souvent le brouhaha visuel de la ville — publicités, affiches politiques, graffitis — qui rivalisent pour capter l'attention. « Walk on the Wild Side » est une sélection de ce chaos, présentée avec une clarté qui permet d'apprécier chaque élément pour sa valeur et sa contribution à l'ensemble. La résonance culturelle de l'estampe en techniques mixtes de Faile « Walk on the Wild Side » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui vibre au rythme de New York. Faile a capturé un instant, une scène quotidienne qui se déroule sur les trottoirs de la métropole, et l'a sublimée en une œuvre d'art qui invite à la contemplation. La sérigraphie nous rappelle le rythme effréné de la ville, le choc permanent des cultures et la beauté qui naît des associations inattendues. Cette œuvre célèbre l'identité new-yorkaise, un instantané du quotidien transformé en extraordinaire par le prisme du pop art urbain et du graffiti. Le tirage limité de l'estampe lui confère une exclusivité, créant un lien tangible entre son acquéreur et la scène du street art new-yorkais. Signée et numérotée par l'artiste, chaque estampe est une pièce originale de l'héritage artistique de Faile. Les collectionneurs de « Walk on the Wild Side » acquièrent bien plus qu'une simple œuvre d'art ; Ils préservent un fragment du récit culturel de la ville, qui continue d'influencer la trajectoire du street art et du graffiti à l'échelle mondiale. Au final, « Walk on the Wild Side » de Faile est bien plus qu'une simple sérigraphie en techniques mixtes ; c'est un emblème de la voix de la rue, un dialogue entre le sauvage et le cultivé, et un témoignage de l'attrait intemporel de l'art urbain. L'œuvre capture l'essence d'une ville à la fois toile et muse, inspirant sans cesse des artistes comme Faile à créer des œuvres aussi provocatrices que visuellement saisissantes.

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Many Faces - Tirages pigmentaires d'archives HPM en édition limitée, rehaussés à la main, sur papier beaux-arts, par l'artiste de graffiti urbain Abstrk. Édition limitée unique de 15 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces.

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Prière des Ancêtres, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 15 exemplaires. Œuvre d'art 24x18

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Harley Quinn Batman Animated 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, style urbain et de collection Pour célébrer le 80e anniversaire de Batman, Harley Quinn s'offre une nouvelle figurine Bearbrick. Cette fois-ci, elle est inspirée de la série animée américaine de 1992, Batman : La Série Animée, elle-même basée sur les comics DC. Diffusée pendant trois ans, la série est désormais commercialisée sous forme de figurines de collection par le géant japonais du jouet Medicom Toy. Ce coffret Bearbrick comprend une figurine à 100 % et une autre à 400 %, mesurant respectivement 7 cm et 28 cm.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Toile sans titre III Œuvre originale unique en son genre, technique mixte acrylique et peinture à la bombe sur toile tendue sur châssis, par Crash - John Matos, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture originale signée, réalisée à la bombe aérosol et à l'acrylique en 2022, format 12x12 « Toile sans titre III » de John Matos : Une symphonie de couleurs et de formes « Untitled Canvas III », une œuvre originale en techniques mixtes du célèbre graffeur Crash, de son vrai nom John Matos, illustre son rôle essentiel dans l'évolution du street art et du graffiti. Reconnu pour son utilisation vibrante de l'acrylique et de la peinture aérosol, Crash continue de capturer l'énergie dynamique de la vie urbaine sur des toiles montées sur châssis. Cette œuvre, réalisée en 2022, est une toile carrée de 30 x 30 cm qui vibre de l'intensité et du chaos maîtrisé qui caractérisent Crash. La maîtrise de Crash dans le street art pop et le graffiti Dans « Untitled Canvas III », la maîtrise de Crash dans la manipulation des acryliques et des peintures en aérosol pour créer des œuvres texturées et superposées est manifeste. L'œuvre présente un ensemble de formes géométriques et de couleurs vives qui s'imbriquent et se chevauchent, créant une impression de profondeur et de mouvement. Ses lignes audacieuses et ses angles aigus caractéristiques reflètent l'influence du graffiti, tout en intégrant diverses formes et couleurs, évoquant le mouvement pop art. Chaque élément de cette œuvre est soigneusement travaillé pour maintenir un équilibre visuel, faisant écho au rythme et à la pulsation de la vie urbaine. Un regard plus attentif sur « Toile sans titre III » L'œuvre « Untitled Canvas III » de Crash témoigne de son talent artistique et de sa capacité à communiquer par le langage visuel. Vue dans son ensemble, elle révèle des formes apparemment abstraites qui suggèrent un récit laissé à l'interprétation du spectateur. Cette dimension énigmatique, caractéristique de son travail, invite le public à explorer la toile et à tisser des liens personnels avec les images. Le format de l'œuvre lui confère une dimension intime, favorisant une interaction unique entre elle et celui qui la contemple. L'influence de l'œuvre de Crash sur l'art contemporain L'influence de John Matos sur le monde de l'art, à travers son personnage Crash, a été profonde, notamment dans les scènes du pop art urbain et du graffiti. « Untitled Canvas III » témoigne de sa pertinence et de son innovation constantes en tant qu'artiste. Son œuvre a joué un rôle déterminant dans la remise en question des frontières et des perceptions traditionnelles des beaux-arts, faisant résonner la voix authentique de la rue dans l'atmosphère raffinée des galeries. En tant qu'original signé, cette pièce possède un attrait particulier, offrant aux collectionneurs un lien tangible avec l'énergie et l'esprit de l'art urbain contemporain. En résumé, « Untitled Canvas III » de Crash est une œuvre vibrante, représentative du pop art urbain et du graffiti. Elle incarne l'essence du parcours artistique de Matos, révélant son style distinctif qui a à la fois défini et transcendé les genres qu'il explore. L'œuvre se présente comme un récit coloré de la vie urbaine et un apport significatif au discours de l'art moderne.

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Mickey Mouse R&W 2020 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle édition limitée, objets de collection urbains Medicom 2020 Disney Mickey Mouse Rouge et Blanc 400 % + 100 %

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Vans Anaheim Factory Old Skool 36 DX - Pointure 6 - Chaussures rares, édition limitée, pièce de collection. La Old Skool 36 DX Anaheim Lips rend hommage à notre première usine Vans à Anaheim, en Californie, en reprenant des détails de la Old Skool originale et en offrant un confort modernisé grâce à des semelles intérieures Ortholite® améliorées. La Old Skool 36 DX Anaheim Lips arbore également des détails rétro tels que le numéro de modèle et la palette de couleurs d'origine, des imprimés réédités, une bande de renfort plus brillante, des lacets en coton, une doublure en toile d'origine et une empeigne en daim et textile pour un look authentique.

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L'art en action - Tirage d'art en édition limitée Kaws Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Jeff Gillette, légende du street art pop graffiti. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Format : 40,6 x 50,8 cm. Sortie : 3 décembre 2021. Tirage limité à 100 exemplaires.

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Sérigraphie acrylique Freedom Art HPM par Mr. Brainwash - Thierry Guetta, imprimée sur papier d'art fin à bords frangés, édition limitée, œuvre d'art pop street art. 2024 Signée et numérotée Peinture acrylique appliquée à la main Ornée HPM Édition limitée à 75 exemplaires Dimensions de l'œuvre 22x30 Hommage à Jackson Pollock Drizzle Art. Célébrer le dynamisme du pop art urbain et rendre hommage à Jackson Pollock Le pop art urbain et le graffiti ont marqué de leur empreinte l'art contemporain, notamment grâce aux artistes qui bousculent les codes esthétiques conventionnels. Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, est l'un d'eux ; son œuvre s'inspire de la culture du street art. Son estampe « Freedom Art HPM Acrylic Silkscreen Print » est un hommage direct au légendaire Jackson Pollock, célèbre pour sa technique de peinture par ruissellement. Cette pièce en édition limitée présente une sérigraphie quatre couleurs sur papier d'art à bords frangés, imprégnée de l'énergie et de l'esprit anarchique propres au pop art urbain. Le style unique de M. Brainwash Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, est un artiste de rue de renom dont l'œuvre se caractérise par son caractère provocateur et la fusion de la culture pop et de l'esthétique du street art. Né en France et installé aux États-Unis, Mr. Brainwash a profondément marqué les scènes du Street Pop Art et du graffiti. L'œuvre « Freedom Art HPM » illustre parfaitement sa démarche artistique : s'approprier des éléments reconnaissables de la culture populaire et de l'histoire pour les réinterpréter à travers les techniques brutes et expressives du street art. Tirée à seulement 75 exemplaires, « Freedom Art HPM » propose une synthèse unique entre le style de Mr. Brainwash et l'énergie dynamique de l'action painting de Jackson Pollock. Chaque exemplaire est rehaussé de peinture acrylique appliquée à la main, ce qui en fait une pièce unique. Les dimensions généreuses de 22 x 30 pouces permettent d'apprécier pleinement la vivacité et le mouvement de la technique du drizzle, conférant à chaque œuvre un sens du mouvement et de la spontanéité profondément ancrés dans l'éthique du street art et l'héritage de Pollock. Un hommage contemporain à Jackson Pollock La série « Freedom Art HPM » de Mr. Brainwash est un hommage contemporain à Jackson Pollock, artiste qui a révolutionné le monde de l'art grâce à ses techniques expressionnistes abstraites. En intégrant la célèbre technique du « drizzle » de Pollock à ses sérigraphies, Mr. Brainwash rend hommage à une figure dont l'œuvre a, à bien des égards, préfiguré l'expression libre et débridée du street art. Les embellissements acryliques appliqués à la main font le lien entre le processus mécanique de la sérigraphie et le toucher humain inhérent à la peinture, faisant écho à l'importance accordée par Pollock à la dimension physique de la création artistique. Dans cette série, Guetta capture l'essence de l'art de Pollock tout en l'imprégnant de sa sensibilité street art, créant ainsi un dialogue entre deux formes d'art qui, bien que séparées par des décennies, partagent un même esprit de rébellion contre la tradition. Les œuvres « Freedom Art HPM » incarnent l'esprit d'innovation et l'audace de transgression des normes que défendent les deux artistes. Les collectionneurs et les amateurs d'expressionnisme abstrait, de pop art urbain et de graffiti trouveront dans ces estampes une célébration de l'exploration intrépide de l'art et du dépassement des limites. L'héritage du street art dans l'expressionnisme moderne Alors que le Street Pop Art et le graffiti continuent d'évoluer, des artistes comme Mr. Brainwash illustrent le dialogue permanent entre l'art urbain contemporain et l'art moderne dans son ensemble. Les œuvres de la série « Freedom Art HPM » représentent bien plus qu'une simple beauté esthétique ; elles incarnent la quête incessante de la liberté d'expression artistique, rendant hommage au passé tout en se tournant résolument vers l'avenir. Chaque estampe, rehaussée à la main, est un spectacle visuel et un récit, témoignant de la volonté inlassable de l'art de défier, de redéfinir et de s'exprimer. Avec la série « Freedom Art HPM », Thierry Guetta a créé bien plus qu'une simple collection d'estampes ; il a tissé une filiation reliant l'expressionnisme radical de Jackson Pollock au monde vibrant et en perpétuelle mutation du street art. Cette collection, en édition limitée mais à l'impact immense, est un témoignage du pouvoir transformateur de l'art, célébrant sa capacité à interpeller, inspirer et refléter la complexité de l'expérience humaine à travers des couleurs, des formes et des mouvements audacieux. À travers cette œuvre, Mr. Brainwash continue de façonner le pouls du Street Pop Art et du graffiti, assurant sa place dans la continuité des artistes qui refusent de rester silencieux dans leur quête d'émancipation créative.

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Dark Icons - Figurine de collection en vinyle Spooky Mick en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Gus Fink. Figurine articulée FinkyToy Spooky Mickey 6x9 sous blister, neuve et en parfait état, signée et numérotée 2019 par Gus Fink, par FinkyToy

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« You Are an Eagle », œuvre d'art giclée en édition limitée sur papier d'art texturé aquarelle, par l'artiste de graffiti pop culture Shark Toof. 2018​ Signé Édition limitée numérotée à 100 exemplaires . Format de l'œuvre : 16 x 16 pouces. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée. 40,6 x 40,6 cm (55,9 x 55,9 cm encadrée). Papier beaux-arts 245 g/m² à texture aquarelle.

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« We Own the Future », sérigraphie artisanale bicolore sur papier d'art crème moucheté, par l'artiste pop graffiti Shepard Fairey - Obey x Antonino D'Ambrosio . Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. 2013. Signée par Shepard Fairey et Antonino D'Ambrosio. Édition limitée numérotée à 450 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Shepard Fairey X Antonino D'Ambrosio, « We Own the Future », The Makers of Fire, « Transform Our World With Creative Response », 2013. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Édition limitée à 450 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. La sérigraphie « We Own the Future » ​​de Shepard Fairey fait partie de sa série OBEY Giant, devenue emblématique de son travail d'artiste de rue et de graphiste. Reconnu pour ses images audacieuses et iconiques et ses messages percutants, Fairey a créé de nombreuses œuvres qui suscitent le débat et remettent en question les normes sociales. « We Own the Future » ​​ne fait pas exception. L'estampe présente un design saisissant avec une figure centrale entourée d'une typographie audacieuse et d'un collage de motifs et de formes. L'œuvre évoque un sentiment d'émancipation et d'optimisme, incitant le spectateur à réfléchir à son rôle dans la construction de l'avenir. Comme dans beaucoup d'œuvres de Fairey, on y retrouve sa signature chromatique, notamment le rouge, pour un impact visuel fort. Bien que Shepard Fairey soit souvent associé à son affiche iconique « Hope » mettant en scène Barack Obama lors de la campagne présidentielle de 2008, « We Own the Future » ​​n'a aucun lien direct avec Obama. Cette œuvre fait plutôt partie de l'ensemble du travail de Fairey, qui englobe une gamme de thèmes et de messages qui tournent souvent autour des problèmes sociaux, de l'activisme et du pouvoir de l'individu.

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Tasse et pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 3x10, logo BMW sur une grande tasse fine contenant des pinceaux ayant servi à peindre des couleurs vives. Tasses et pinceaux par Joshua Vides : Commentaire artisanal sur l’art urbain pop et le graffiti « Cup & Brushes » est une sculpture en céramique originale de Joshua Vides, créée en 2023. Peinte et sculptée à la main, cette pièce unique fait partie de sa série « Shattered Dreams ». Haute de 25 cm et large de 7,5 cm, elle est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente un gobelet de peintre stylisé, rempli de pinceaux trempés dans différentes couleurs. L'objet est orné d'un logo BMW déformé, rendu avec le trait noir et blanc caractéristique de Vides et son aspect imparfait, presque caricatural. Il en résulte une fusion satirique entre image de marque et réalisme d'atelier, réalisée sous une forme statique en céramique, mais qui résonne de l'énergie vibrante et subversive du street art et du graffiti. La sculpture frappe d'emblée, apparaissant comme un objet du quotidien figé dans le temps. Le gobelet haut et fin imite un récipient standard en plastique ou en verre, typique de l'atelier d'un artiste, ici transposé dans la céramique. À l'intérieur, cinq pinceaux, chacun trempé dans une couleur primaire différente, émergent, leurs angles et leurs pointes variant, comme figés en pleine utilisation. Des éclaboussures de peinture ornent les manches des pinceaux, évoquant des actions, des mouvements et une présence humaine passés. Le logo BMW, volontairement imprécis, semble dessiné d'une main irrégulière, suggérant une critique ou une pointe d'humour plutôt qu'une admiration. Vides métamorphose le symbolisme des entreprises en une texture malléable, déstabilisant son autorité ostentatoire en le réinsérant dans l'environnement brut du travail créatif. Tension matérielle et commentaire visuel Joshua Vides est connu pour sa capacité à distordre la réalité à travers des formes sculpturales aux allures d'esquisses, aplatissant des objets tridimensionnels en représentations caricaturales. Dans « Cup & Brushes », cette illusion visuelle est secondaire par rapport à la texture et au concept. Les surfaces en céramique brillante sont rehaussées de coulures, de taches et de coups de pinceau, célébrant le désordre de la création tout en pointant du doigt la culture de l'image lisse qui occulte souvent le travail. En peignant le logo d'une voiture de luxe sur une tasse utilitaire servant à nettoyer les pinceaux, Vides crée un contraste saisissant entre aspiration et effort, entre fantasme consumériste et réalité créative. Ce type de subversion visuelle est au cœur du Street Pop Art et du graffiti. Vides utilise la matérialité de la sculpture pour interroger la valeur perçue de la marque par rapport au processus. Les pinceaux, outils souvent négligés dans la création du spectacle, deviennent le spectacle lui-même. La tasse, humble et fonctionnelle, devient alors un piédestal pour la critique. En figeant une scène d'atelier dans la céramique, Vides invite les spectateurs à s'interroger sur ce qui est glorifié et ce qui est caché derrière un design soigné et une image de marque mondiale. Joshua Vides et le langage de la ligne en trois dimensions Joshua Vides est reconnu internationalement pour ses transformations monochromes, dans un style bande dessinée, d'objets du quotidien, d'environnements et de collaborations de mode. Si nombre de ses installations utilisent des lignes nettes et des contrastes marqués pour simuler la bidimensionnalité, « Cup & Brushes » met en avant la texture, la couleur et le volume. Cette œuvre marque une évolution significative dans sa pratique : il ne se contente plus de contours plats, mais construit une critique émotionnelle et culturelle à travers l'objet et la forme. La série « Shattered Dreams », dont est issue cette sculpture, explore en continu l'interaction entre ambition, identité, finalité artistique, capitalisme et fidélité à la marque. L'emblème BMW, déformé et placé négligemment, symbolise les thèmes plus larges de la consommation et du rêve de réussite. La sculpture suggère que derrière chaque marque prestigieuse se cache un assemblage désordonné de pinceaux : utilisés, trempés, tachés et réutilisés dans une quête d'expression créative. Tasses et pinceaux : protestation statique et hommage artistique Cup & Brushes est bien plus qu'une nature morte rendant hommage aux outils : c'est un poème sculptural sur le travail invisible qui sous-tend la culture visuelle. L'œuvre invite le spectateur à regarder au-delà du logo, au-delà de l'espace épuré de la galerie, pour pénétrer dans l'atelier de l'artiste, où les objets ne sont sacrés que lorsqu'ils sont signés, ni valorisés tant qu'ils ne sont pas vendus. Joshua Vides fait émerger cette tension, la capturant dans la céramique et la scellant dans l'esthétique du Street Pop Art et du graffiti. Cette sculpture nous rappelle que même le luxe naît du labeur, et que chaque coup de pinceau recèle une histoire digne d'être sculptée.

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Let There Be Dark Red Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY x Niagara Tirage à la main 3 couleurs sur papier d'art vélin naturel Coventry Rag 320 g/m² Œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artiste. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Sérigraphie au format 24 x 18 pouces. « J'ai choisi une image de Ron et Niagara où je les trouve tous deux magnifiques. Il y a un bel équilibre entre l'agressivité directe de Ron, dans sa pose où il fixe son adversaire droit dans les yeux, le poing levé, et l'étreinte apparemment timide de Niagara. Mais quiconque connaît Niagara sait que, derrière son air calme, elle tire les ficelles. J'ai ajouté un couteau à cran d'arrêt qu'elle caresse du doigt, pour accentuer son côté femme fatale, et parce que cela collait bien à mon idée de titre : « Bonnie et Clyde étaient des poids légers ». » - Shepard Fairey - OBEY Exploration des univers audacieux de « Let There Be Dark » de Shepard Fairey : une icône du street art pop L'estampe sérigraphique « Let There Be Dark Red » de Shepard Fairey illustre avec force la relation symbiotique entre le pop art urbain et la culture visuelle contemporaine. Cette œuvre en édition limitée, créée en collaboration avec Niagara, est un récit visuel qui capture l'énergie et les courants subversifs qui animent ce mouvement artistique. Tirage artisanal en trois couleurs sur papier d'art vélin naturel Coventry Rag Vellum 320 g/m², elle témoigne de la maîtrise de Fairey et de son engagement indéfectible à repousser les frontières du street art pour l'intégrer au domaine de l'art contemporain. Réalisée en 2019, cette œuvre fait partie d'une série très exclusive, limitée à 150 exemplaires signés et numérotés. Ses dimensions, 61 x 46 cm, sont significatives non seulement par leur impact visuel, mais aussi par leur capacité à plonger le spectateur au cœur d'une dynamique à la fois provocatrice et maîtrisée qui caractérise la composition. Le choix des sujets par Fairey, Ron et Niagara, est particulièrement révélateur. Leurs représentations sont rendues par un contraste saisissant de noir, de blanc et d'un rouge imposant, soulignant leurs postures iconiques et l'atmosphère chargée qu'elles incarnent. L'intention narrative de Fairey derrière « Let There Be Dark » est aussi captivante que la force visuelle de l'œuvre. Selon ses propres termes, il capture l'essence des personnalités de Ron et Niagara, juxtaposant la frontalité agressive de Ron à la disposition apparemment délicate mais rusée de Niagara. L'ajout d'un couteau à cran d'arrêt, subtilement caressé par Niagara, ajoute une dimension de danger et un clin d'œil à l'archétype de la femme fatale. Cette imagerie n'est pas simplement décorative ; c'est un acte délibéré visant à défier et à subvertir les attentes du spectateur, une marque de fabrique du style de Fairey qui a consolidé sa place dans le street art et le graffiti. Le titre, « Let There Be Dark », invite à l'interprétation, jouant sur la phrase biblique « Que la lumière soit », suggérant un renversement ou une acceptation de l'ombre et de la complexité sur la simplicité et la lumière. Ce renversement symbolise la critique culturelle plus profonde souvent présente dans l'œuvre de Fairey, où les dichotomies du bien et du mal, de la lumière et de l'obscurité, sont non seulement remises en question, mais aussi déconstruites. Au-delà des dimensions visuelles et thématiques, la valeur de collection de cette estampe est renforcée par ses qualités artistiques. L'utilisation du papier d'art Coventry Rag Vellum, réputé pour sa durabilité et sa texture lisse, garantit la préservation de l'éclat des couleurs et de la précision des lignes. Ce choix de papier témoigne de la compréhension nuancée qu'a Fairey des matériaux et de leur rôle dans l'élévation du street art au rang d'art reconnu. L'estampe sérigraphique « Let There Be Dark Red » de Shepard Fairey est une représentation authentique de l'esprit du pop art urbain. Elle fait le lien entre l'expressivité brute du street art et la précision de la sérigraphie. Avec son édition limitée et la signature de l'artiste, cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui capte l'air du temps et le dialogue permanent entre le street art et le monde de l'art contemporain. C'est un exemple frappant de la manière dont le pop art urbain continue de façonner et d'influencer notre langage visuel et nos échanges culturels.

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Aimez le monde dans lequel vous vivez. Sérigraphie de Kunstrasen, imprimée à la main en 16 couleurs sur papier d'art Somerset, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art de format 24x24. Sérigraphie Aime le monde dans lequel tu vis, par Kunstrasen – Sérigraphie 16 couleurs dans le style pop art et graffiti. « Love The World You Live In » est une sérigraphie artisanale 16 couleurs de 2023, réalisée par l’artiste allemande Kunstrasen et éditée à 50 exemplaires numérotés et signés. Mesurant 61 x 61 cm et imprimée sur papier d’art Somerset, cette œuvre illustre la maîtrise de Kunstrasen, qui associe narration visuelle et authenticité tactile. Elle représente une jeune fille assise, en niveaux de gris, rendue avec une précision délicate, à la manière d’un pochoir, serrant contre elle un cœur rouge vif orné d’une carte des continents. La figure se détache sur un fond hyperréaliste de carton ondulé déchiré, opposant fragilité et résilience, tant visuellement que conceptuellement. Chaque couche de cette estampe multicolore a été appliquée à la main, garantissant une riche profondeur de tons et un équilibre saisissant entre qualité artistique et sensibilité urbaine brute. Récit visuel et commentaire social Le message de Kunstrasen dans « Aime le monde dans lequel tu vis » est à la fois intime et universel. La jeune fille qui examine avec douceur le cœur en forme de globe terrestre évoque les thèmes de la bienveillance, de l'empathie et de la réflexion sur l'état du monde. Le détail des continents peints à l'intérieur du cœur symbolise la responsabilité de l'humanité d'aimer et de protéger notre planète. Le choix d'une esthétique du carton, exécuté avec une maîtrise illusionniste remarquable, attire l'attention sur les problèmes de précarité et d'abandon social, notamment face à la multiplication des crises environnementales et humanitaires. Le contraste saisissant entre les tons feutrés de la silhouette et le rouge vif du cœur capte immédiatement le regard, guidant le spectateur vers le cœur émotionnel de l'œuvre. L'approche minimaliste et pourtant chargée d'émotion de Kunstrasen permet au spectateur d'entrer en contact direct avec le thème, sans distraction. Le rôle de Kunstrasen dans le street art, le pop art et le graffiti Reconnu pour sa fusion de compositions au pochoir et d'iconographie engagée, Kunstrasen est devenu une figure majeure du paysage en constante évolution du street art et du graffiti. Son nom, qui signifie « herbe artificielle », est une critique de la superficialité de la culture moderne. Ses œuvres, souvent subversives ou à forte connotation sociale, utilisent la clarté visuelle et l'ironie pour toucher un large public. « Love The World You Live In » se distingue de certaines de ses œuvres plus satiriques par son ton doux et compatissant. Ici, la critique n'est pas criée, mais ressentie : elle est transmise par une imagerie symbolique qui invite à l'introspection. En faisant référence à des matériaux urbains comme le carton tout en utilisant des techniques d'impression traditionnelles des beaux-arts, Kunstrasen brouille les frontières entre art public et art exposé en galerie, renforçant ainsi l'accessibilité et la pertinence de son message. Valeur de production et importance pour les collectionneurs Imprimée sur papier d'art Somerset, réputé pour sa qualité d'archivage et sa texture riche, cette sérigraphie 16 couleurs est une prouesse technique impressionnante. La superposition minutieuse et la parfaite synchronisation des couleurs témoignent de l'engagement de Kunstrasen envers le savoir-faire artisanal et la profondeur conceptuelle. Chaque tirage est réalisé à la main, signé et numéroté, et fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, ce qui en fait un objet de collection alliant rareté et portée sociale. « Love The World You Live In » illustre comment le street art, le pop art et le graffiti peuvent dépasser le simple cadre de la protestation pour devenir un espace de guérison et de responsabilité. Pour les collectionneurs, cette œuvre offre non seulement une force esthétique, mais aussi un récit profondément actuel et pertinent sur la bienveillance, la communauté et la dimension émotionnelle du monde moderne.

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Game of Thrones - A Song of Fire and Ice Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art brillant de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Mark Hammermeister.

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Krylon Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (2020). Dimensions de l'œuvre : 8 x 31,875 pouces. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 18 juillet 2019 En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Prenez votre temps - Édition limitée holographique, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier holographique Lava 10 pt par Dr. Dax, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Prenez votre temps et conservez-le. « “La valeur du temps dépend de la façon dont on l’emploie” est une devise qui m’a obsédée pendant le confinement et la distanciation sociale. J’ai consacré la majeure partie de mon temps à poursuivre un cheminement spirituel et à développer ma créativité dans mon atelier. Alors que le temps semblait s’écouler plus lentement, j’ai pris davantage conscience de sa valeur et de l’importance de ne pas le gaspiller. Au cours de ces nombreuses réflexions, j’ai puisé mon inspiration dans les couleurs d’une époque de ma jeunesse, qui me rappellent des jours meilleurs. » – Dr Dax

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Bad Blood Deck, impression d'art en édition limitée avec transfert de pigments d'archivage sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art et de graffiti Brian Viveros. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8,25 x 31,875 pouces. Sortie : 3 septembre 2021.

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Figure n° 3, impression sérigraphique en couleur tirée à la main en édition limitée sur papier d'art en coton 250 g/m² par ASVP Rare Street Art, artiste pop célèbre. Sérigraphie artisanale en trois couches sur papier coton 250 g/m² de 18 pouces sur 24 pouces, édition de 25 exemplaires signés et numérotés par l'artiste.

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Victor Martinez/Beaten Up - Tigers - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art similaire à : Victor Martinez/Beaten Up- Tigers

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« After Dark Artwork Giclée en édition limitée, impression d'art sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton » par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Inspirée du roman « After Dark » de Haruki Murakami. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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