Abstraction abstraite verte, œuvre originale unique à l'huile sur carton, par l'artiste post-moderne Samuel Kamen. XXe siècle, 10,5 x 14 pouces, signé, original

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Studio Session 613 #3/8 Édition mixte 8 couleurs Tirage sérigraphique en édition limitée tiré à la main sur papier Arches Fine Art par Tim Oliveira Rare Street Art Artiste célèbre d'œuvres pop. Séance Studio 2016 n° 613, édition limitée à 8 exemplaires, exemplaire n° 5/8. Format : 22 x 30 pouces. Signée et numérotée au crayon, imprimée sur papier beaux-arts Arches 100 % coton BFK Rives, avec deux bords frangés et deux bords naturels.

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Sérigraphie Fragile Cargo AP de Shepard Fairey - OBEY Artist Proof - Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art - Édition limitée - Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie d'un éléphant et d'un visage de femme avec une influence de billet d'avion vintage stylisé. « Cette affiche OBEY Fragile Cargo est une fusion de plusieurs inspirations. L'éléphant et ma femme Amanda en méditation font référence à la philosophie bouddhiste selon laquelle l'être humain fait partie intégrante de la nature, et non l'inverse, et doit vivre en harmonie avec elle. L'expression « Rise Above » évoque la transcendance, mais est aussi le titre d'une de mes chansons préférées de Black Flag. Les éléments graphiques rappellent également l'esthétique des étiquettes et des billets de voyage, qui présentent une dichotomie : voyager est formidable pour élargir ses horizons culturels, mais a un impact carbone considérable. Le karma nous invite à considérer les conséquences de nos actes. Toutes mes impressions sont réalisées sur du papier recyclé ou issu de sources durables. Une partie des bénéfices de cette affiche sera reversée à Greenpeace pour soutenir son action en faveur de la protection de l'environnement et de la lutte contre le changement climatique. » – Shepard Fairey. Plongeant au cœur du pop art et du street art, la sérigraphie « Fragile Cargo AP » du célèbre artiste Shepard Fairey témoigne de la confluence dynamique de l'art, de la philosophie et de la conscience environnementale. Tirée et réalisée à la main avec une méticulosité extrême sur papier d'art, cette épreuve d'artiste en édition limitée de 2022 révèle une fusion complexe de sources d'inspiration. La composition, avec ses images saisissantes d'un éléphant juxtaposées au visage serein d'Amanda, l'épouse de Fairey, puise largement dans la philosophie bouddhiste. L'œuvre souligne l'interdépendance de l'humanité et de la nature, insistant sur la conviction que les humains ne dominent pas la nature, mais en font intrinsèquement partie. Ce subtil mélange d'expression artistique et de réflexions philosophiques est une marque de fabrique du travail de Fairey. L'expression « Rise Above », inscrite dans l'œuvre, revêt une double signification. Tout en symbolisant la transcendance et en s'inscrivant dans la réflexion philosophique plus large qui sous-tend l'estampe, cette œuvre rend également hommage à l'une des chansons préférées de Fairey, interprétée par Black Flag, groupe emblématique du punk rock américain. Parallèlement, les éléments graphiques, évoquant les étiquettes de voyage et les billets d'avion vintage, invitent à une réflexion sur la complexité des voyages modernes. L'attrait du voyage, source d'enrichissement culturel, est mis en balance avec son impact environnemental, notamment l'empreinte carbone qui y est associée. Fidèle à cette conscience écologique, Fairey veille à ce que toutes ses estampes soient produites sur du papier recyclé ou issu de sources durables. De plus, une partie des recettes de la vente de « Fragile Cargo AP » est reversée à Greenpeace, soulignant ainsi l'engagement de Fairey en faveur de la protection de l'environnement et de la lutte contre les graves défis du changement climatique. À travers cette œuvre, Shepard Fairey tisse une tapisserie complexe de splendeur visuelle, de profondeur philosophique et d'engagement environnemental, réaffirmant son statut de figure emblématique du pop art et du street art.

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Pop Sub Final #5 Édition limitée 2 couleurs, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Ayejay, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée numérotée de 100 exemplaires, 2014. Format de l'œuvre : 7x7 pouces. Pop Sub Final #5 Sérigraphie par Ayejay : La culture crunk à l’état brut Pop Sub Final #5 d'Ayejay est une œuvre de street art pop et graffiti audacieuse et irrévérencieuse qui célèbre l'esprit exacerbé de l'identité subculturelle à travers un minimalisme affirmé. Sortie en 2014 en édition limitée numérotée à 100 exemplaires, cette sérigraphie bicolore de 18 x 18 cm, réalisée à la main, est une pièce saisissante qui fusionne humour, rébellion et une esthétique brute dans un format compact. La silhouette squelettique, en train de toaster avec un gobelet siglé « Crunk Juice », offre une image à la fois humoristique et incisive, mêlant la culture hip-hop crunk de la fin des années 2000 aux traditions visuelles punk et hardcore. La phrase « Crunk's Not Dead » explose en lettres rouge sang irrégulières au-dessus de la silhouette, véhiculant un message de défi dans un style à la fois parodique et engagé. La voix graphique d'Ayejay dans l'expression pop de rue Ayejay, alias Justin Aversano, est un artiste américain qui puise son inspiration dans l'esthétique des fanzines, des flyers punk et du graphisme underground pour créer des compositions épurées et percutantes. Pop Sub Final #5 illustre son talent pour condenser des commentaires culturels complexes en un langage visuel brut et viscéral. La silhouette squelettique en noir et blanc, à la fois détaillée et exagérée, flirte avec le grotesque cartoon, tandis que la typographie rouge à fort contraste ponctue l'œuvre d'une urgence presque anarchique. Composée de seulement deux couleurs, l'impression mise sur sa simplicité, laissant l'énergie de la composition captiver pleinement le regard. Jouant avec l'absurde tout en rendant hommage aux traditions visuelles de la culture urbaine, elle se révèle à la fois comique et culturellement pertinente. Nostalgie subversive et humour de rue Cette œuvre capture un moment culturel précis tout en critiquant la nature éphémère des tendances grâce à la permanence de l'imprimé. La forme squelettique brandissant un verre est un hommage sarcastique au crunk, à la fois phénomène musical et culturel. Loin de s'éteindre, l'esprit du genre est rendu comme immortel, satirique et d'une confiance inébranlable. L'utilisation d'images squelettiques rattache cette œuvre aux motifs punk classiques et à l'iconographie du tatouage, tandis que le texte exagéré imite les pochettes de disques hardcore et le design d'affiches DIY. En condensant toute cette densité visuelle et culturelle dans un tirage de 18 x 18 cm, Ayejay souligne comment des œuvres de petit format peuvent avoir un impact considérable lorsqu'elles s'appuient sur une expression culturelle authentique. Édition artisanale et pertinence culturelle Tirée à seulement 100 exemplaires, chaque pièce de cette édition porte l'empreinte artisanale qui est au cœur de la démarche artistique d'Ayejay et de l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. L'utilisation de papier beaux-arts et de techniques de sérigraphie ancre l'œuvre dans la tradition, mais le message et la manière de l'interpréter sont résolument modernes. Pop Sub Final #5 se dresse comme un témoignage visuel d'un humour irrévérencieux et d'une préservation culturelle. Elle célèbre la pérennité des voix underground tout en raillant l'idée qu'une scène ou un esprit puisse véritablement disparaître. À travers cette estampe, Ayejay réaffirme que l'art audacieux et satirique peut préserver et transformer les mémoires culturelles en symboles de résistance percutants et permanents.

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The Collaborator - Édition limitée rouge, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. On aperçoit un personnage debout, les mains menottées levées au-dessus de la tête ; l'autre, au premier plan, représente la silhouette d'un policier assis, brandissant un fusil. L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« Time Passing », estampe d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2019).

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Estampe d'art en édition limitée « The Pride Heart » à pigments d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main, par l'artiste Jenna Morello, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archive sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main. Format : 16 x 20 pouces. « The Pride Heart » de Jenna Morello est une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, capturant l'essence du street art contemporain avec une sensibilité pop art. Incarnant l'esprit vibrant du graffiti, cette édition limitée est une œuvre marquante, vibrante de couleurs et d'une grande profondeur émotionnelle. Limitée à 50 exemplaires signés et numérotés, chaque tirage, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est unique et porte une touche personnelle. La signature de l'artiste authentifie chaque estampe et établit un lien direct entre la créatrice et le collectionneur. Le papier d'art Moab Entrada 290 g/m², choisi par Morello, est réputé pour sa durabilité et sa capacité à retenir des couleurs riches, garantissant ainsi la pérennité des teintes éclatantes de « The Pride Heart ». Les bords frangés à la main ajoutent une touche artisanale, rompant avec la précision mécanique souvent associée à la gravure. Cette technique confère une dimension organique, suggérant l'énergie brute et urbaine caractéristique du street art. L'œuvre est une métaphore visuelle de la passion et de la diversité, représentées par un cœur composé de roses multicolores aux teintes chatoyantes. Une flèche, symbole traditionnel des épreuves et des tribulations de l'amour, transperce le cœur, contrastant les couleurs vives avec sa palette monochrome. Cette juxtaposition illustre la capacité de Morello à fusionner l'iconographie classique avec une touche de modernité, une caractéristique de sa vision artistique. « The Pride Heart » de Jenna Morello témoigne de l'attrait intemporel du street art et de sa capacité à transmettre des messages profonds par l'expression publique. Cette œuvre, qui incarne une affirmation forte au sein du pop art et du graffiti, invite à la réflexion sur les thèmes de l'amour, de la diversité et de la résilience. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les amateurs de cette forme d'art unique.

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Block Boys - Blok Boy - Sculpture originale en époxy avec fleurs bleu sarcelle et rouges, œuvre de l'artiste de rue et de pop art moderne Devin James. Sculpture Lego signée 2021, format 6x11, représentant des garçons en briques avec une fleur rouge sur fond bleu sarcelle, personnage Lego original. La fusion esthétique dans Blok Boy Devin James, figure emblématique du street art et du graffiti, enrichit la scène artistique avec « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers », une sculpture originale en résine époxy qui résonne profondément avec l'essence à la fois ludique et introspective du pop art moderne. Signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité, cette œuvre se distingue par ses dimensions imposantes de 15 x 28 cm. La sculpture « Blok Boy », représentant un personnage Lego, capture l'esprit fantaisiste des jouets d'enfance tout en intégrant la profondeur sophistiquée de l'art contemporain. Créée en 2021, cette sculpture fusionne avec art la simplicité iconique des briques Lego et la complexité de la nature humaine, illustrant une juxtaposition souvent explorée par le street art. La teinte bleu turquoise n'est pas un simple choix de couleur : elle véhicule un message, véhiculant une sensation de tranquillité et de profondeur comparable à celle de l'océan. Au sein de cette étendue sereine, des touches de rouge – incarnées par des fleurs – introduisent un contraste dynamique, symbolisant la passion, la vitalité et la vie. L'intégration de ces fleurs rouges rompt la monotonie et confère à la sculpture une intensité émotionnelle, faisant écho aux expériences humaines de conflit, de beauté et d'épanouissement. Le choix de l'époxy comme matériau pour « Boys-Blok Boy » est délibéré : il permet d'obtenir une finition lumineuse qui donne à l'œuvre une présence quasi vivante. La transparence du matériau capte et joue avec la lumière, offrant à la sculpture une apparence changeante qui dépend de son environnement. Ainsi, l'œuvre reflète la nature dynamique et évolutive du pop art urbain, intrinsèquement sensible à son contexte. Symbolisme dans le pop art urbain « Blok Boy » sert de toile sur laquelle Devin James illustre avec brio les thèmes de la nostalgie et de la modernité. La figurine Lego, incontournable des jouets d'enfance, est ici réinterprétée comme un emblème d'innocence et de créativité. Pourtant, la transformation de ce jouet en œuvre d'art majeure symbolise la perte de l'innocence et marque le passage à l'âge adulte. C'est là l'essence même du street art pop : s'emparer d'objets familiers et quotidiens et les sublimer pour exprimer des problématiques sociétales plus profondes. Le jeu du bleu turquoise et des fleurs rouges au sein de « Blok Boy » évoque également la tradition du graffiti, qui utilise des visuels éclatants pour formuler des messages forts. Les graffeurs ont depuis longtemps fait du paysage urbain leur support, employant souvent des contrastes de couleurs saisissants pour souligner leurs propos. Devin James transpose ce principe dans l'espace tridimensionnel, utilisant la couleur pour inviter le spectateur à un dialogue avec l'œuvre. Reflet de l'artiste dans l'œuvre d'art Au-delà des qualités esthétiques et symboliques de la sculpture, « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers » est aussi le reflet de Devin James lui-même. Reconnu pour son style unique qui marie le street art à une esthétique pop art moderne et raffinée, James crée des œuvres à la fois accessibles et profondes. Sa signature réside dans sa capacité à imprégner ses pièces de multiples significations, incitant souvent le spectateur à réfléchir à la frontière entre l'enfance et l'âge adulte, entre l'insouciance et le sérieux, entre simplicité et complexité. Dans cette sculpture, les expériences et les perspectives personnelles de James sont distillées dans la forme du « Blok Boy ». L'œuvre devient un sujet de conversation, suscitant des discussions sur le rôle de l'art dans l'espace public, la marchandisation des souvenirs d'enfance et le potentiel du street art à enrichir le monde des beaux-arts. Avec cette pièce, James continue de repousser les limites du street art et du graffiti. « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers » témoigne de l'évolution du street art et du graffiti. Par sa maîtrise des formes, des couleurs et des matériaux, Devin James présente une sculpture qui est à la fois un clin d'œil ludique à l'enfance et une réflexion profonde sur la condition humaine. L'œuvre est une fusion vibrante entre jouet et totem, une manifestation physique de l'esprit du pop art urbain – enraciné dans le monde urbain et pourtant tourné vers l'universel.

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Delorean 1,21 Gigawatts, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Marie Bergeron, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Why All The Change Of Heart II Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. INFO

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Bloom Édition Limitée, tirages pigmentaires d'archives HPM rehaussés à la main sur papier coton épais 290 g/m² par l'artiste graffiti Jason Naylor, art pop moderne. 2022 Édition signée et numérotée de 45 exemplaires, œuvre rehaussée à la main à l'encre et à la peinture en aérosol, 18x24 pouces Tirage HPM Bloom 2022 rehaussé à la main par Jason Naylor Jason Naylor est un artiste américain largement reconnu pour ses palettes de couleurs vibrantes et son langage visuel optimiste au sein du Street Pop Art et de l'art graffiti. Bloom, sorti en 2022, est un tirage pigmentaire d'archives HPM en édition limitée rehaussé à la main, produit sur papier coton épais de 290 g/m². Chaque tirage est signé et numéroté, avec un rehaut manuel supplémentaire réalisé à l'encre et à la peinture en aérosol, garantissant qu'aucune œuvre n'est identique. En tant que multiple peint à la main, l'édition fait le pont entre précision numérique et intervention physique, reflétant l'expérience de Naylor dans la création de fresques murales à grande échelle et le design graphique contemporain. Sa pratique se concentre constamment sur la positivité, l'inclusivité et l'expression chromatique audacieuse, positionnant fermement Bloom dans le paysage évolutif du Street Pop Art et de l'art graffiti moderne. Saturation des couleurs et abstraction organique dans le Street Pop Art et l'art graffiti Bloom présente une composition dynamique de formes organiques superposées, incluant des fleurs stylisées, des formes botaniques abstraites, un œil expressif unique et des éléments sculpturaux fluides rendus dans des dégradés arc-en-ciel intenses. Le spectre néon se déploie harmonieusement sur les pétales, les feuilles et les formes géométriques courbes, créant un effet lumineux qui rappelle les dégradés d'aérosol et les techniques de mélange murales. L'arrière-plan présente des contrastes tonaux profonds qui accentuent l'éclat des éléments du premier plan, renforçant la sensation de mouvement dimensionnel. L'utilisation par Naylor de dégradés numériques lisses combinée à un rehaut physique à la peinture en aérosol reflète la manière dont le Street Pop Art et l'art graffiti contemporains intègrent des techniques de rue traditionnelles aux processus d'impression raffinés. La composition évite la symétrie rigide, privilégiant au contraire un agencement fluide qui semble spontané tout en restant soigneusement équilibré. Éditions rehaussées à la main dans le Street Pop Art et l'art graffiti contemporains Les éditions HPM rehaussées à la main revêtent une importance particulière car chaque exemplaire reçoit une intervention physique directe de l'artiste au-delà de la couche de base imprimée. Dans Bloom, les accents d'encre et de peinture en aérosol introduisent des variations subtiles dans le tracé, la saturation et la texture de la surface, améliorant la présence tactile de l'œuvre. Imprimé sur du papier coton épais de 290 g/m², le support d'archives favorise une conservation à long terme tout en maintenant un fini mat et doux qui complète les champs de couleurs saturés. L'approche de Jason Naylor démontre comment le Street Pop Art et l'art graffiti continuent d'évoluer grâce à des méthodes de production hybrides, fusionnant sensibilités murales, design numérique et impression d'art pour créer des œuvres contemporaines de collection qui conservent la vitalité et l'immédiateté de la culture urbaine.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Pez. Pez (XXe siècle) Danger 2019 Mini-impressions giclées en couleurs sur papier Somerset 29,2 x 20,1 cm (11-1/2 x 7-7/8 pouces) Édité par Graffiti Prints, Royaume-Uni

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée et imprévue sur papier beaux-arts 310 g/m² par Nawer, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « La perfection me hante. Elle captive mon imagination et trouble mon sommeil. Elle introduit une dissonance dans ma perception de la réalité. Le pire, c'est que la perfection est inaccessible et que je ne l'atteindrai jamais. Le mieux que l'on puisse faire, c'est d'essayer de s'en approcher. C'est pourquoi, au-delà de la perfection, il s'agit de tenter d'y échapper ; de regarder au-delà et de s'immerger dans l'espace autre que celui qu'occupe l'inaccessible. C'est là que j'ai puisé la matière et l'inspiration de cette série. J'ai utilisé la couleur et l'espace. Mon but était d'aider les destinataires à trouver la profondeur, car la profondeur permet d'échapper à la perfection. » – Nawer

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Supreme Gucci Smashup Pill - Transfert d'impression pigmentaire d'archives en édition limitée Inverse Fine Art sur planche de skateboard naturelle pressée à froid par l'artiste de graffiti de rue Denial - Daniel Bombardier. Édition limitée numérotée de 50 exemplaires (2022) - Illustration de skateboard - Format 8,25 x 32 pouces Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8,25 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022. Du logo Gucci à ceux de Louis Vuitton et Supreme, en passant par les parfums Chanel et les cartes de crédit, il utilise ces produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. Il les recontextualise ainsi et les transforme de simples objets commerciaux en éléments de son héritage culturel.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Smokey Robinson - Sérigraphie en édition limitée rouge 3 couleurs tirée à la main sur papier crème moucheté par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artiste. Signée par Fairey et le légendaire musicien Smokey Robinson. Sérigraphie 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Édition limitée à 450 exemplaires. 2010. « J'étais stupéfait quand Smokey m'a contacté pour réaliser un portrait commémorant ses 50 ans de carrière musicale, et un peu nostalgique en repensant à l'influence qu'il a eue sur moi quand j'étais enfant. Smokey est venu au studio pour passer un moment avec moi et signer les tirages. C'est un homme vraiment sympathique et optimiste, qui croque la vie à pleines dents ; c'est peut-être pour ça qu'il n'a pas pris une ride depuis 30 ans. Croyez-le ou non, Smokey a signé chaque tirage de sa magnifique signature, réalisée avec une grande minutie. Rien que pour ça, ça vaut le coup d'en acheter un. Quand on cite le nom de Smokey Robinson, on pense immédiatement à la Motown. C'est compréhensible, car ce sont les tubes de Robinson, d'abord à la tête des Miracles, puis en solo, qui ont propulsé le célèbre label dans les années 60. » – Shepard Fairey

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Affiche de concert en édition limitée Cybertronic Spree 2019 - Sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier métallisé - Œuvre d'art sur papier beaux-arts par Tim Doyle pour le groupe The Cybertronic Spree, Transformers. Petit pli à l'extrême gauche, dans le coin inférieur extérieur de l'image.

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Putain 2 Édition Limitée 2 Couleurs Tirage Sérigraphique Manipulé à la Main sur Papier Beaux-Arts par Aelhra Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. 2012 Édition limitée signée et numérotée à 30 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Atmos x Coca-Cola Type-5 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection. Édition limitée 2021 Coca-Cola Atmos Collaboration, neuve dans sa boîte scellée

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Achetez AK-47 Lotus - Grand format en édition limitée tirée à la main en sérigraphie 4 couleurs sur papier de coton Coventry Rag personnalisé par l'artiste de rue Graffiti Shepard Fairey. 2022 Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires Taille 30x41 "Les sérigraphies grand format AK-47 Lotus et AR-15 Lily sont inspirées par les manifestants de la guerre du Vietnam qui mettaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale amenés pour réprimer leurs manifestations pour la paix. Je suis un pacifiste, que ce soit cela signifie trouver des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter la guerre au niveau international ou trouver des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter la violence armée à la maison. Je ne suis pas contre le deuxième amendement, donc les trolls peuvent se calmer… Je ne suis pas intéressé par le bavardage macho, je viens Je veux que moins de gens meurent inutilement. Brady United fait du bon travail pour prévenir la violence armée, ils recevront donc une partie des bénéfices de ces deux tirages. Merci de votre attention.⁠" -Shepard Fairey

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Supreme Exit - Red Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Supreme. Sortie en mars 2021 pour la collection printemps-été 2021 de Supreme, la planche de skateboard Supreme Exit a rencontré un vif succès auprès des skateurs et des collectionneurs. Elle arbore le logo Supreme classique ainsi qu'une image de personne en train de courir, motif généralement associé à un panneau de sortie de secours.

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Comment vous sentez-vous ? Tirage d'art en édition limitée, pigment d'archivage, sur papier beaux-arts, par l'artiste Victor Castillo, légende du street art pop graffiti. 2022 Victor Castillo « La Tierra de la Culebra » Tirage pigmentaire d'archives signé et numéroté par l'artiste Edition de 75 18x18

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ABSDUNK Tirage d'art en édition limitée à base de pigments d'archivage sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste ABSTRK, figure emblématique du street art pop graffiti. Tirage d'art signé et numéroté 23/23, sur papier Moab Entrada Fine Art 290 g/m². Édition limitée à 23 exemplaires. Signé et numéroté 23/23.

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Mona Lisa Grin - Impression pigmentaire d'archives sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue et de graffiti Ron English, légende de la pop moderne - POPaganda. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné des lettrages traditionnels de style sauvage pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Œuvre d'art murale rouge, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Scott Listfield .

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Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, bicolore, représentant une pom-pom girl chinoise, sur papier d'art de qualité supérieure, par ASVP, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée signée de 2012, format 15x20

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Mace Ave Deck Fine Art Original One of Kind Peinture à la bombe sur planche de skateboard naturelle par l'artiste de street art et de graffiti Cope2. Planche de skate Paint on Natural - Dimensions : 7,25 x 29,375 pouces - Sortie : 29 novembre 2021 - Tirage : 1 Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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Massacre à la tronçonneuse - Œuvre d'art d'horreur, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Robin Davey. Horror Show est un hommage illustré aux meilleurs et aux pires films d'horreur de série Z de ces dernières années.

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Sérigraphie « Idéaux des poids lourds de Muhammad Ali » par Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main sur papier d'art Speckletone, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 500 exemplaires (2023). Sérigraphie de 18 x 24 pouces représentant le visage du boxeur Muhammad Ali jeune, en costume. « À partir d'une photo incroyable d'Howard Bingham, fournie par son fils Dustin, je souhaitais mettre en lumière le rôle d'Ali en tant que citoyen engagé et militant. Ali était un défenseur des droits civiques, objecteur de conscience à la guerre du Vietnam, philanthrope et messager de la paix des Nations Unies. J'admire qu'Ali ait défendu ses convictions même au risque d'être emprisonné et de voir sa carrière de boxeur s'arrêter. Le YMCA de Chestnut Street, où nous avons réalisé la fresque murale à l'effigie d'Ali, se situe à quelques pas de son école d'enfance et était un lieu qu'il fréquentait assidûment dans sa jeunesse. Je suis très reconnaissant au YMCA de nous avoir offert ce magnifique mur, en lien direct avec la vie d'Ali. Un projet de cette envergure n'aurait pu aboutir sans la généreuse collaboration de nombreuses personnes. » – Shepard Fairey. Peu d'artistes du pop art et du street art ont atteint une notoriété et une influence aussi grandes que Shepard Fairey, le créateur de la marque OBEY. Sa sérigraphie « Muhammad Ali Heavyweight Ideals » témoigne de son talent d'artiste et de son engagement à mettre en lumière des figures emblématiques à la profonde signification culturelle. S'inspirant d'une photographie saisissante d'Howard Bingham, la représentation par Fairey d'un jeune Muhammad Ali en costume est une réflexion poignante sur l'héritage du boxeur, bien au-delà du ring. Cette œuvre ne se contente pas de souligner Ali comme un athlète de classe mondiale, mais aussi comme un homme profondément impliqué dans les enjeux socio-politiques de son époque. Son opposition farouche à la guerre du Vietnam, son rôle dans le mouvement des droits civiques et ses actions ultérieures en tant que philanthrope et Messager de la paix des Nations Unies symbolisent une vie de conviction et d'engagement. Dans cet hommage, Fairey magnifie ces idéaux, dépeignant Ali comme une légende de la boxe et un militant prêt à risquer sa carrière et sa liberté pour ses convictions. Le choix du lieu pour la fresque, le YMCA de Chestnut Street, revêt une signification particulière. Situé à quelques pas de l'école d'enfance d'Ali et lieu de prédilection du jeune boxeur, le mur du YMCA offre une toile authentique, reliant les années de formation d'Ali à son héritage durable. À travers cette œuvre, la minutie des détails de Fairey, alliée à sa compréhension nuancée de la vie d'Ali, enrichit le récit du street art et du pop art. Elle souligne le potentiel de ce médium, non seulement à captiver visuellement, mais aussi à susciter une réflexion sur l'impact profond de ses sujets sur l'histoire et la culture.

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Not By Victory, édition limitée, sérigraphie et techniques mixtes rehaussées à la main sur panneau de bois encadré, par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Depuis 2005, ses collages et pochoirs ornent les espaces publics de la baie de San Francisco, de Los Angeles et de Miami. Le travail d'Eddie a commencé à se faire connaître au niveau national lorsque ses œuvres de street art ont intégré des images de Barack Obama durant la campagne présidentielle de 2008. Sa popularité grandissante lui a valu une reconnaissance sur les blogs, des mentions dans six ouvrages et une participation aux expositions de la « Manifest Hope Art Gallery » lors de la Convention nationale démocrate de 2008 et de l'investiture présidentielle à Washington D.C. Ses créations ont été déclinées sur de nombreux supports : autocollants, couvertures d'albums et de magazines.

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Veil, édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Peace Guard 2 4-Color Hand-Tiled Limited Edition Silkscreen Print on Fine Speckletone Art Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Sérigraphie signée et numérotée 2016 PEACE GUARD 2, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, 29 novembre 2016 Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Estampe d'art en édition limitée Hello Kitties AP Archival Pigment Fine Edition sur papier Signa Smooth 300 g/m² par l'artiste Matthew Grabelsky, légende du street art pop graffiti. Épreuve d'artiste AP 2021 Signée et marquée AP 30x35,5 Édition limitée de Chatte Mère avec Chatons stylisés Hello Kitty sous forme humanisée dans le métro Sur impression grand format. En explorant l'univers éclectique de l'art contemporain, on découvre souvent des mélanges audacieux de réalité et d'imagination. C'est le cas de « Hello Kitties » de Matthew Grabelsky. Cette œuvre d'art raffinée marie avec brio l'esthétique urbaine du street art à la nostalgie ludique de la culture pop, offrant un tableau fantaisiste sur fond de rame de métro. Grabelsky, figure reconnue du street art et du graffiti, démontre son talent pour insuffler des éléments fantastiques aux scènes du quotidien. L'œuvre, réalisée avec minutie à l'aide de pigments d'archivage sur papier Signa Smooth 300 g/m², occupe une généreuse surface de 30 x 35,5 cm. La figure centrale, une chatte à l'air serein et aux yeux bleus perçants, structure la composition. Mais ce sont ses compagnons – trois chatons vêtus de tenues Hello Kitty – qui insufflent à la scène une touche d'irrévérence espiègle. Ces personnages, vêtus de survêtements rose vif, dégagent une innocence enfantine, un contraste saisissant avec le décor banal du métro. Leur apparence humanisée, juxtaposée à des traits félins, interroge la perception de la réalité du spectateur, l'incitant à explorer les profondeurs de son imagination. Sortie en tant qu'épreuve d'artiste en 2021, « Hello Kitties » témoigne de la vision artistique unique de Grabelsky. Chaque tirage est signé et marqué AP, ce qui en rehausse la valeur et l'exclusivité. L'œuvre invite les spectateurs à suspendre leur incrédulité et à s'émerveiller devant l'extraordinaire, tout en se remémorant une icône de la culture pop. C'est une célébration du surréalisme au cœur de l'ordinaire, illustrant le pouvoir transformateur de l'art.

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Achetez The Empresses- H10-4 Suiko Pop Street Artwork Edition Limitée Giclee & Giltter Sérigraphie sur Feuille d'Aluminium par l'Artiste Moderne Urban Graffiti Damien Hirst. Signé 2022 Matériaux : Impression Giclée laminée sur composite d'aluminium, sérigraphiée avec des paillettes. Dimensions de l'oeuvre : 100 x 100 cm Détails complémentaires : Signé et numéroté sur l'étiquette 39.37x39.37 Suiko, une composition qui évoque la vie à bien des égards, porte le nom de la première impératrice du Japon enregistrée. Bien que la légende raconte que plusieurs femmes avaient régné avant Suiko (554-628 CE), son ascension au pouvoir après l'assassinat de son frère Sushun en 592 CE a marqué une rupture avec la tradition d'installer des dirigeants masculins. On se souvient de Suiko pour les influences chinoises et coréennes qu'elle a apportées au pays, notamment la mise en œuvre du calendrier chinois, l'arrivée d'artisans chinois et coréens et, peut-être plus particulièrement, l'établissement du bouddhisme. Dans Suiko, des ailes jumelées de différentes tailles émanent du centre de l'œuvre, produisant un cercle concentrique symétrique, un arrangement de composition qui rappelle le symbolisme bouddhiste et le cycle de vie. Ce motif circulaire est remarquablement défini par des lignes scintillantes de rouge qui traversent la composition en diagonale du centre pour rejoindre chaque coin. Avec les ailes sur un fond rouge, les lignes traversent les paires d'ailes désincarnées où les corps existaient autrefois. Comme c'est le cas pour chaque œuvre de la série, Suiko apparaît dans un état constant de transformation, les papillons bougeant et évoluant au fur et à mesure que l'on se tient devant l'œuvre. Alors que les subtilités peuvent être vraiment appréciées de près l'impression, de loin, la composition prend une nouvelle vie. De ce point de vue, Suiko se révèle avoir un arrangement d'ailes en ballon, qui sont organisés autour du motif central de cercles concentriques et complétés par des arrangements externes d'autres ailes. Cet agencement s'apparente à une structure biologique ou moléculaire, évocatrice des organismes qu'elle représente.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Gashadokuro Peluche Guts 8" - Sunset Édition Limitée Dunny Kidrobot Jouet d'art en tissu et plastique Œuvre d'art de collection par street graffiti Kid Robot. Peluche lapin disséquée, édition limitée 2021, neuve en boîte, format 20 cm (8 pouces), avec peau en plastique transparent laissant apparaître les entrailles. Couleurs : rouge et orange. Dans le monde du pop art, du street art et du graffiti, Kid Robot est devenu un nom reconnu pour ses créations distinctives et novatrices qui mêlent esthétique urbaine et artisanat traditionnel. Le Dunny « Gashadokuro 8 » Plush Guts - Sunset, édition limitée, perpétue cette tradition. Cette œuvre d'art en édition limitée de 2021 présente une figurine de lapin disséquée de 20 cm, révélant de manière fascinante les entrailles d'une peluche aux teintes vibrantes de rouge et d'orange. Confectionnée avec une enveloppe en plastique transparent, elle offre aux spectateurs un aperçu intime de l'univers de ce jouet iconique. L'inspiration du Dunny Gashadokuro puise ses racines dans le folklore japonais. Gashadokuro, qui signifie « squelette affamé », désigne les esprits de ceux qui ont connu un destin tragique, morts de faim ou au combat, et qui n'ont jamais reçu de sépulture digne. Le design de ce Dunny capture l'essence de ces récits. Les yeux barrés d'une croix, symbole de mort dans l'univers du dessin animé, associés au cœur brisé en peluche, visible à travers la coque translucide, racontent l'histoire poignante d'une vie à la fin tragique. Désormais, cette âme trouve son existence encapsulée. À l'intérieur d'un Dunny, avec sa texture pelucheuse et son système circulatoire finement brodé, la figurine artistique Gashadokuro 8" Plush Guts Dunny Art Figure - Sunset Edition est bien plus qu'un simple jouet pour les collectionneurs et les passionnés. Elle incarne l'histoire, la culture et l'art contemporain, ce qui en fait une pièce maîtresse pour toute collection de Dunny ou un chef-d'œuvre à part entière, source de nombreuses discussions.

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Autocollant drapeau américain « Made in USA », illustration originale de Saber, dessin original au marqueur permanent sur autocollant brillant drapeau américain par un artiste de graffiti, œuvre d'art de rue moderne. 2020 Drapeau américain signé Fabriqué aux États-Unis Amérique Graffiti Art original Slap Up Tag 4x4 Marqueur Tagué sur autocollant. Dévoiler le récit américain à travers le graffiti : l’art des autocollants drapeau « Made in USA » Le drapeau américain, symbole puissant, est un motif récurrent dans diverses formes d'art, notamment au sein du monde vibrant du street art et du graffiti. Dans ce contexte, l'autocollant « Made in USA » se distingue comme un support d'expression privilégié, en particulier entre les mains des graffeurs. Recouverts de tags originaux, ces autocollants deviennent de véritables vecteurs miniatures de commentaires culturels et politiques, réinterprétant un symbole national dans le paysage urbain. L'interprétation de l'iconographie américaine par Saber Le célèbre graffeur Saber Ryan Weston Shook a largement contribué à ce mouvement. Ses dessins originaux au marqueur indélébile, apposés sur des autocollants brillants à l'effigie du drapeau américain, dépassent le simple cadre esthétique ; ils constituent une forme d'art urbain moderne qui capture l'essence de l'identité américaine et l'esprit de son peuple. Son œuvre, créée en 2020 et signée, incarne un récit brut et captivant. Chaque tag mesure 10 x 10 cm, un petit mais saisissant témoignage du talent et de la vision de l'artiste. L'utilisation du drapeau américain comme toile de fond est particulièrement marquante, compte tenu de ses fortes connotations de patriotisme, de liberté et d'identité nationale. En superposant ses tags à ce symbole, Saber bouleverse la perception habituelle du spectateur, l'invitant à repenser la signification du « Made in USA » dans le contexte du street art. Ses traits audacieux et affirmés ouvrent un dialogue sur la propriété, la créativité et la définition même du « made in USA ». L'évolution du taggage et sa pertinence culturelle Le tag a évolué, passant de simples signatures à des œuvres d'art complexes qui communiquent l'identité et le statut de l'artiste au sein de la communauté graffiti. C'est une pratique profondément ancrée dans l'histoire du street art, qui capte l'attention et s'approprie l'espace. Concernant les stickers « Made in USA » de Saber, ces tags ne sont pas seulement des marques de territoire, mais des affirmations d'existence. Le choix de marqueurs or et argent ajoute une touche d'ironie, contrastant la valeur perçue des métaux précieux avec la valeur souvent mal comprise du graffiti. La pertinence culturelle de cet art est immense. Il s'inscrit dans les débats actuels sur la fierté nationale et la société de consommation, interrogeant l'authenticité du label « Made in USA » à l'ère de la mondialisation. De plus, elle incarne l'esprit du Street Pop Art, un genre qui emprunte à la culture populaire pour créer un art à la fois accessible et profondément significatif. Entre les mains de Saber, l'autocollant drapeau se transforme en manifeste, une déclaration affirmant que l'art de rue, créé par le plus grand nombre, est aussi profondément américain que le drapeau lui-même. Les autocollants « Made in USA » ornés des tags de Saber représentent un microcosme du récit plus vaste que le Street Pop Art et le graffiti ne cessent de raconter. À travers ces œuvres, des artistes comme Saber affirment leur place dans l'histoire américaine, façonnant une version du drapeau aussi diverse, complexe et vibrante que la nation qu'il représente. Ces autocollants ne sont pas de simples tags ; ce sont les emblèmes d'une culture qui célèbre la liberté d'expression et l'empreinte indélébile de l'individualité.

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Abstraction Pollock Rouge Vert Œuvre originale unique en son genre Peinture à l'huile sur papier vélin par l'artiste post-moderne Samuel Kamen. XXe siècle, 12,25 x 14,5 pouces, signé, original

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Jackpot - Édition limitée rouge, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² découpé à l'emporte-pièce, par Marly Mcfly, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 16x16 Je suis une artiste autodidacte originaire de Newport News, en Virginie. Dès mon enfance, je dessine de tout : des dessins animés aux bandes dessinées, en passant par les figurines et les athlètes. Mes pensées et mes expériences se reflètent dans mes œuvres, où se mêlent des couleurs vives et des motifs audacieux, ainsi que des images de mon enfance, pour mieux m’exprimer.

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Figurine d'art en vinyle signée RISK-OLEUM Red Dawn of The Canmans Artist Edition 213 par Risk Rock x Comikaze, édition limitée, sculpture de collection, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti pop. Figurine Riskoleum, neuve en boîte, signée sur la boîte. Édition limitée à 200 exemplaires. Format : 10 x 18 cm. Figurine d'art en vinyle estampillé Riskoleum . Mad Society Kings, Art Work Rebels, Angels Will Rise, West Coast Artists (AWR/MSK/TSL/WCA), artiste de rue et de graffiti Risk Rock. Figurine en vinyle avec bras articulés et toit amovible révélant un compartiment de rangement. Œuvre signée RISK-OLEUM Red Canman 213 par Risk Rock, dans la catégorie Street Pop Art et Graffiti. La figurine RISK-OLEUM Red Canman 213 Artist Edition, signée par l'artiste, est une pièce de collection en vinyle créée en 2013 par Kelly Graval, alias Risk Rock, graffeur de Los Angeles. Sortie en partenariat avec Comikaze, cette pièce rare, éditée à seulement 200 exemplaires, arbore la signature de Risk sur sa boîte, ce qui en fait un objet de collection recherché par les amateurs de figurines inspirées du graffiti. Conçue pour ressembler à une bombe aérosol classique, animée par des bras, des pieds et un couvercle amovible, la figurine fusionne fonction sculpturale et langage visuel de la culture graffiti. Mesurant environ 18 cm et réalisée en vinyle, la figurine RISK-OLEUM rend hommage aux outils du graffiti tout en incarnant un personnage stylisé à l'identité urbaine affirmée. Cette édition particulière, baptisée 213 Risk Rock Red, fait non seulement référence à l'indicatif régional de Risk, mais consacre également l'œuvre comme une représentation physique de son héritage dans le Street Pop Art et le Graffiti. Langage graphique, fonctionnalités et emballage Cette figurine en vinyle s'inspire directement de l'esthétique des marques de peinture en aérosol traditionnelles, tout en intégrant l'iconographie personnelle de Risk. Un motif à carreaux rouges orne la partie centrale, imitant le branding de produits et faisant référence aux influences punk et au style graffiti de la côte ouest américaine. Les gants rouge sang, les pieds éclaboussés de peinture et l'icône du diable malicieux sur le devant confèrent à la figurine une présence affirmée. Ses bras articulés et sa casquette amovible révèlent un intérieur creux, lui permettant de servir à la fois de sculpture et d'objet de rangement. L'emballage de cette édition spéciale renforce son statut : la figurine est présentée dans une boîte imprimée personnalisée intitulée « Dawn of The Canmans », ornée du tag audacieux de Risk, transformant ainsi la boîte en une œuvre d'art à part entière. Ces éléments de design illustrent comment forme, message et potentiel de collection s'unissent dans le genre Street Pop Art et Graffiti. Affiliations et importance culturelle des groupes de graffeurs Risk Rock est une figure emblématique du graffiti à Los Angeles et membre fondateur de plusieurs crews parmi les plus respectés de la région, dont AWR (Art Work Rebels), MSK (Mad Society Kings), WCA (West Coast Artists) et TSL (The Seventh Letter). Son apport à la culture graffiti s'étend sur plusieurs décennies et comprend des occupations d'autoroutes, des fresques murales de grande envergure, des expositions d'art contemporain et des collaborations avec des designers. Cette figurine incarne cette histoire, avec des références aux crews de Risk mises en évidence au dos. L'inclusion de plusieurs noms de crews fait de ce Canman bien plus qu'un simple jouet : une véritable archive miniature de l'histoire du graffiti de la côte ouest américaine. Chaque détail reflète le rôle de Risk en tant qu'innovateur et historien du mouvement. Statut d'édition limitée et pertinence pour les collectionneurs Édition limitée à 200 exemplaires numérotés et signés, la figurine RISK-OLEUM Red Canman 213 revêt une valeur considérable sur le marché de l'art de collection. Son emballage authentifié par l'artiste, son design fonctionnel et ses références culturelles profondes en font une pièce très recherchée par les collectionneurs d'objets liés au graffiti, de figurines en vinyle et de sculptures pop. Véritable artefact, elle fusionne l'héritage du graffiti à la bombe aérosol avec l'univers en pleine expansion du street art et du graffiti. Avec son design interactif unique et ses racines culturelles, cette figurine incarne la fusion entre tradition urbaine et art contemporain. La capacité de Risk à naviguer avec aisance entre la rue, les galeries et le monde des objets d'art est parfaitement retranscrite dans cette édition, offrant aux collectionneurs une pièce authentique et stylisée de l'histoire du graffiti.

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Machine à sous Shark Toof, édition limitée, sérigraphie à l'encre métallique bicolore sur papier d'art Cougar Fine Art 130 lb, par l'artiste de rue Shark Toof, art pop moderne. 2016 Signé Édition limitée numérotée à 4 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Encres pailletées/métalliques. « La machine à sous Shark Toof était une suite logique, car elle constitue déjà une image iconographique en soi. Le concept original réside dans le fait que le jackpot est représenté par des cigarettes, en lien avec le motif du paquet de cigarettes Shark Toof. Autrement dit, en cédant à votre petit plaisir coupable, le jackpot vous offrira encore plus de petits plaisirs coupables. » - Shark Toof

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Peinture à l'huile originale Red Carpet Imperial de Dred66 - Tyree Davis, une œuvre d'art sur support en mousse montée sur une feuille acrylique, issue du street art pop. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2001. Dimensions : 32 x 12 pouces (81 x 30,5 cm). Elle représente deux personnes partageant un repas accompagné de vin sur un immense tapis rouge. Signée, datée et titrée au dos. Imperial / Red Carpet / Dred66 / Mars 2001 L'essence de « Red Carpet Imperial » par Tyree Davis « Red Carpet Imperial » témoigne avec brio du talent artistique de Tyree Davis, alias Dred66, figure emblématique du street art et du graffiti. Cette huile sur toile originale, œuvre unique réalisée sur un support en mousse contrecollée sur une plaque acrylique, illustre la fusion entre l'esthétique du street art et la technique traditionnelle de la peinture à l'huile. Créée en 2001, cette toile signée, de dimensions généreuses (81 x 30 cm), représente une scène à la fois intime et grandiose : deux personnes partageant un repas autour d'une table, une bouteille de vin à la main, sur un immense tapis rouge. « Red Carpet Imperial » de Davis incarne l'esprit du street art en faisant entrer l'intime dans la sphère publique. Les sujets de la peinture – deux individus savourant un simple repas partagé – sont universels. Pourtant, ils se détachent sur un fond qui évoque la grandeur et l'exubérance. Ce contraste, esquissé par les tons à la fois terreux et audacieux de la peinture à l'huile, évoque un récit qui célèbre et critique les dynamiques culturelles et sociales. C'est un instantané de vie qui s'intéresse autant à l'environnement qu'aux individus qui le composent. Style caractéristique de Dred66 et influence artistique Le style caractéristique de Tyree Davis transparaît dans « Red Carpet Imperial », une œuvre qui harmonise l'énergie brute du street art avec la sophistication d'une pièce de galerie. Le fond de la toile porte les marques distinctives du graffiti : tagué, signé et daté par l'artiste, un clin d'œil à la tradition où les artistes marquent leur territoire et s'approprient l'espace. Cet élément relie la pratique du street art aux conventions établies des beaux-arts, créant un dialogue entre deux univers souvent perçus comme disparates. La texture du support en mousse confère à la peinture une impression de relief. Parallèlement, le montage sur une plaque acrylique apporte une touche de modernité, évoquant le vitrage protecteur des installations de street art. Ces choix de matériaux témoignent d'une réflexion approfondie de Davis sur le médium et le message, assurant à « Red Carpet Imperial » une résonance authentique avec le street art, tout en occupant un espace physique et conceptuel différent. Avec « Red Carpet Imperial », Davis propose un commentaire culturel d'une actualité brûlante, aussi pertinent aujourd'hui qu'au début du millénaire. Le titre de l'œuvre, « Impérial », suggère une critique des structures sociales et de la séduction du luxe, un thème profondément ancré dans l'ADN du pop art urbain. Le tableau invite le spectateur à réfléchir aux inégalités et aux contradictions qui imprègnent la vie moderne en plaçant une scène du quotidien dans un contexte évoquant richesse et luxe. De plus, son année de création, 2001, le situe à une époque où le pop art urbain commençait à être largement reconnu comme une forme d'art à part entière. Tyree Davis a contribué à cette reconnaissance grandissante par son œuvre, jetant un pont entre la rue et la galerie et remettant en question les idées préconçues sur la valeur et la place du graffiti et du pop art urbain dans l'histoire de l'art. Héritage et influence continue L'œuvre « Red Carpet Imperial » de Tyree Davis continue d'influencer la communauté du street art et le monde de l'art en général. Elle illustre avec force comment l'esthétique et les thèmes du pop art urbain peuvent être transposés dans différents médiums et contextes, tout en conservant leur impact et leur résonance. L'œuvre de Davis, grâce à son langage visuel audacieux et à son commentaire social sous-jacent, invite à un dialogue permanent sur les intersections entre l'art, la culture et la société. Ce dialogue est aussi essentiel aujourd'hui qu'il y a vingt ans. « Red Carpet Imperial » est bien plus qu'une simple peinture ; c'est un fragment de tissu social, un document historique et un symbole de la capacité intemporelle du pop art urbain à communiquer, à interpeller et à captiver. Tyree Davis, alias Dred66, a créé une œuvre qui est à la fois le reflet et la critique du monde qui l'entoure, s'assurant ainsi une place de choix dans l'histoire du pop art urbain.

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Mutant Vinyl Hardcore 7 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier français couleur crème, par l'artiste Scarecrowoven Macabre Art Pop Artwork. Imprimé sur papier aquarelle pressé à froid, édition signée et numérotée de 50 exemplaires. 18 x 24 pouces.

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Papier buvard Happy Helmet, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Il expose actuellement à l'échelle locale et internationale, et son travail a été présenté dans de nombreuses expositions aux États-Unis, en Europe et en Asie. Ce qui frappe d'emblée dans l'art de Frost, c'est l'utilisation non conventionnelle de supports et de techniques variés : de la traditionnelle toile carrée aux boîtes en carton, de la peinture acrylique à la bombe aérosol. Ce n'est pas un hasard si une grande partie de son œuvre est constituée d'images de dessins animés détournées, comme celles des Simpson, des Looney Tunes, des Schtroumpfs, de Winnie l'Ourson, etc., qu'il réinterprète dans un nouveau contexte artistique sans en altérer le sens originel.

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Habibi - Demon HPM Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print With Acrylic & Diamond Dust on Photographique Rag Paper by Urban Graffiti Modern Artist Marwan Shahin. Édition limitée signée et numérotée de 33 exemplaires (2022) de la série « HABIBI » de Marwan Shahin, un portrait iconique de la chanteuse libanaise Fairuz interprété à travers différentes étapes de l'expérience amoureuse. Cette édition très limitée à 33 exemplaires, dont chaque tirage est agencé avec une délicatesse extrême grâce à un filigrane de poussière de diamant, produit des effets kaléidoscopiques visuellement enivrants. Habibi : Démon de Marwan Shahin – Le miroir le plus sombre de l'amour Habibi : Démon, de Marwan Shahin, s'impose comme l'œuvre la plus provocatrice de sa série HABIBI – un portrait brut et sans concession de l'amour dans ce qu'il a de plus perverti et de plus destructeur. Signée et numérotée dans une édition limitée à seulement 33 exemplaires, cette giclée de 2022, rehaussée à la main sur papier Photographique Rag, combine acrylique et poudre de diamant avec un vocabulaire visuel violent qui la distingue du reste de la collection. Par un contraste chromatique saisissant, un tracé hallucinatoire et une iconographie surréaliste inspirée de l'horreur, Shahin capture un amour qui a sombré dans l'obsession, la vengeance ou la déchéance émotionnelle. Au centre de l'œuvre, le visage de la légendaire chanteuse libanaise Fairuz est transfiguré en un crâne rougeoyant – yeux perçants, lèvres effilochées en une grimace squelettique, et couronné de cornes menaçantes. L'utilisation symbolique du rouge et du noir évoque le danger, la rage et un pouvoir interdit, tandis que le fond cyan tourbillonnant entraîne le spectateur dans un tourbillon émotionnel désorientant. Cette composition capte l'attention, non seulement par sa force esthétique, mais aussi par sa portée thématique : la séduction et la toxicité de l'amour lorsqu'il bascule dans l'autodestruction. Violence symbolique et répercussions culturelles Marwan Shahin métamorphose Fairuz – icône de mélancolie romantique et de nostalgie poétique – en une muse démoniaque, incarnant la façon dont l'amour peut se muer en folie, en emprise ou en fragmentation spirituelle. Cette transformation n'est pas fortuite. Dans la série HABIBI, Demon représente l'étape terminale du cycle romantique cartographié par Shahin : du désir à la révélation, puis à l'effondrement émotionnel. Ici, le visage de Fairuz est rongé par un trouble intérieur, faisant écho visuellement aux cicatrices émotionnelles dissimulées derrière les apparences et les conventions sociales. L'agressivité visuelle est à peine atténuée par la présence scintillante de poussière de diamant, qui orne l'arrière-plan de reflets hypnotiques. Cette superposition de glamour et de déclin fait écho à la dualité présente dans toute l'œuvre de Shahin : la beauté masquant la souffrance, l'intimité corrompue par l'ego et la mémoire cristallisée par le traumatisme. L'utilisation par Shahin de motifs optiques et de textures stylisées transforme ce portrait en un kaléidoscope de chaos — l'amour moderne peint avec une pulsation gothique. Un coup de maître mêlant art urbain pop et brutalisme émotionnel Habibi : Demon n'est pas qu'un simple remix de la culture pop ou une œuvre de graffiti expérimentale. C'est une expression émotionnelle brute, traduite dans le langage du street art, exécutée avec une technique irréprochable et une profonde perspicacité psychologique. La maîtrise graphique de Shahin – un mélange d'héritage visuel du Moyen-Orient, de symbolisme révolutionnaire et d'iconographie pop occidentale – fait de cette estampe à la fois une œuvre visuelle captivante et une arme émotionnelle. Dans le street art, les artistes immortalisent souvent des héros, satirisent des leaders ou réinterprètent l'histoire. Mais dans cette œuvre, Shahin érige la douleur émotionnelle elle-même en sujet. Fairuz, squelettique, n'est ni une caricature ni une méchante. Elle est un archétype – le démon auquel nous sommes tous confrontés lorsque nous faisons face à la part d'ombre de nos propres désirs, trahisons et chagrins d'amour. Cette œuvre ose dire ce que les autres n'osent pas : que l'amour, lorsqu'il est perverti, peut devenir monstrueux – et qu'il y a une beauté étrange et terrifiante dans cette vérité. Habibi : Demon est une œuvre provocatrice qui s'intègre parfaitement à toute collection sérieuse d'art pop ou de graffiti, et une réflexion sur les extrêmes émotionnels qui définissent à la fois les relations humaines et l'iconographie moderne.

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L'Hirondelle (Sauvons nos mers) Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Meggs, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sea Walls : Murals for Oceans, de PangeaSeed, est le premier mouvement du genre à œuvrer pour la protection des océans grâce à l'art public et à l'activisme (ARTivisme). Le festival réunira 30 artistes contemporains de renommée internationale, venus du monde entier, qui collaboreront pour mettre en lumière les enjeux environnementaux cruciaux des océans. Des ateliers pédagogiques seront proposés aux jeunes de la région afin qu'ils en apprennent davantage sur les problèmes environnementaux marins critiques qui affectent leur île et sur les actions qu'ils peuvent entreprendre pour préserver les océans. Sea Walls a pour ambition d'éduquer et d'inspirer les individus et les communautés à protéger l'écosystème le plus précieux de la planète : l'océan.

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