Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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MC Action MC Supersized Édition Limitée Figurine d'Art en Résine de Collection Œuvre d'Art de l'artiste de graffiti de rue Ron English- POPaganda. Figurine en résine de 9,5 cm (3,75 pouces), moulée et peinte à la main, sous blister. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée.

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Le graffiti est un crime 12x18 - Peinture originale technique mixte, art pop moderne, artiste de graffiti sur véritable panneau de rue en métal par Cope2. Œuvre originale signée de 2020, réalisée à la bombe de peinture, représentant une lettre bulle sur un véritable panneau de rue en métal. Dimensions : 12 x 18 pouces. Panneau « Le graffiti est un crime ». Le graffiti comme forme d'art urbain pop et d'œuvres d'art graffiti Le graffiti, souvent perçu comme un acte de rébellion ou illégal, s'est progressivement imposé comme une forme d'art reconnue, attirant une attention considérable dans le domaine du pop art et du street art contemporain. Cette transformation est parfaitement illustrée par l'œuvre du célèbre graffeur Cope2. Son œuvre intitulée « Graffiti Is A Crime 12x18-I Original Mixed Media Painting » en est une représentation saisissante. Créée en 2020, cette œuvre n'est pas une simple expression de la culture urbaine, mais une icône majeure du graffiti. Il s'agit d'une peinture originale à la bombe, signée, représentant des lettres bulles sur un véritable panneau de signalisation métallique. Mesurant 30 x 45 cm, cette pièce capture l'essence du street art et du graffiti, mêlant l'énergie brute du street art à la sophistication du pop art contemporain. Le choix d'un véritable panneau de signalisation métallique comme support en dit long sur la volonté de l'artiste d'estomper les frontières entre légalité et illégalité, art et vandalisme. En transformant un symbole d'autorité et de réglementation, un panneau de signalisation, en œuvre d'art, Cope2 remet en question la perception traditionnelle du graffiti. Ce détournement d'un panneau de signalisation, objet généralement associé à la loi et à l'ordre, en support pour le graffiti, traditionnellement considéré comme une forme de rébellion, crée un contraste saisissant et une réflexion critique sur les conceptions sociétales de l'art et de l'expression. La signification culturelle du graffiti dans l'art moderne L'œuvre « Graffiti Is A Crime » n'est pas qu'une simple création artistique ; c'est un manifeste sur l'impact culturel et sociétal du graffiti. Historiquement associé aux mouvements underground, le graffiti a souvent servi de moyen d'expression aux marginaux. Cependant, comme en témoignent les œuvres d'artistes tels que Cope2, il a transcendé ces frontières, s'imposant dans le monde de l'art contemporain et devenant une forme d'expression créative reconnue. Cette métamorphose du graffiti, passé du vandalisme à une forme d'art respectée, est essentielle pour comprendre la dynamique de l'art moderne. Elle reflète l'évolution des conceptions de ce qui constitue l'art et de ceux qui ont le droit de le définir. En intégrant des éléments de la culture populaire, les graffeurs ont apporté une nouvelle dimension au monde de l'art, une dimension qui trouve un écho auprès d'un public plus large et qui reflète les enjeux sociétaux contemporains. Ce changement a non seulement offert aux graffeurs comme Cope2 une plateforme pour exprimer leur talent, mais a également suscité une réévaluation du rôle du street art dans l'histoire de l'art. Impact sur la perception du street art et du graffiti L'importance de « Graffiti Is A Crime » et d'œuvres similaires dans le contexte du street art et du graffiti réside dans leur capacité à remettre en question et à redéfinir les frontières de l'art traditionnel. Ces œuvres ne sont pas seulement l'expression d'une créativité individuelle, mais aussi de puissants outils de critique sociale. Elles représentent une forme de démocratie artistique, où la rue devient une galerie, accessible à tous et non plus seulement à une élite. Cette démocratisation de l'art par le graffiti conteste les paradigmes artistiques traditionnels et encourage une conception plus inclusive de ce que peut être l'art. De plus, l'acceptation et la célébration croissantes du graffiti dans les galeries et les expositions d'art témoignent d'une évolution culturelle. Elles représentent une reconnaissance grandissante de la valeur artistique et du commentaire social inhérents à ces œuvres. Le parcours du graffiti, des rues aux galeries, témoigne de l'évolution de la perception de ce qui est considéré comme de l'art légitime. Il souligne l'importance du contexte, du médium et du message dans le monde de l'art, prouvant que la créativité est sans limites et que l'art peut émerger des endroits les plus inattendus. L'œuvre « Graffiti Is A Crime » de Cope2 est une pièce maîtresse dans l'histoire du street art et du graffiti. Elle incarne l'essence même du parcours du graffiti, de la marge à l'avant-garde de l'art moderne. Cette œuvre n'est pas seulement une démonstration de talent artistique, mais aussi un symbole d'évolution culturelle, remettant en question les perceptions établies et redéfinissant les frontières de l'art. De ce fait, elle occupe une place particulière dans l'histoire de l'art moderne, symbolisant la nature dynamique et en constante évolution de l'expression artistique.

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« La mémoire d'une molécule », estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Figurine de collection en vinyle Mcfly en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de la culture pop moderne Joe Ledbetter. Figurine McFly en vinyle, inspirée de Retour vers le futur et jouant sur les mots, par Joe Ledbetter et 3DRetro (édition 2021). Fruit d'une expérience ratée, d'un accident industriel ou d'une imagination débordante, Marty McFly, le héros de Retour vers le futur, se transforme en une mouche adolescente branchée et cool à quatre bras. Lunettes de soleil, hoverboard rose iconique et indispensable guide de paris (euh… almanach), McFly est vraiment stylé. Édition limitée à 200 exemplaires. Figurine McFly en vinyle (12,7 cm) sous licence officielle, sculptée par Dave Bondi. La figurine McFly en édition limitée est une pièce innovante, à la croisée de la nostalgie et du pop art contemporain. Créée par Joe Ledbetter en collaboration avec 3DRetro, cette pièce de collection rend un hommage ludique au personnage de Marty McFly, héros du film culte « Retour vers le futur ». Ledbetter, artiste pop culture moderne reconnu pour son style décalé et satirique, réinvente le personnage emblématique en une mouche adolescente et cool, dotée de quatre bras, témoignant de son goût pour le mélange de références culturelles familières et de touches inattendues. Conçue avec un souci du détail méticuleux, la figurine McFly arbore des lunettes de soleil et est équipée de l'emblématique hoverboard rose, rappelant la tenue iconique de Marty dans le film. Dans l'une de ses quatre mains, elle tient un « Almanach des sports », clin d'œil à l'élément déclencheur qui a semé le chaos dans l'intrigue du film. Cette figurine est bien plus qu'un simple objet statique ; C'est un point de rencontre entre l'art et l'histoire du cinéma, réinterprété à travers le prisme de l'imagination débordante et irrévérencieuse de Ledbetter. Avec seulement 200 exemplaires disponibles, ce produit sous licence officielle est un incontournable pour les collectionneurs et les fans de « Retour vers le futur », ce qui témoigne de sa rareté et de sa valeur. Chaque figurine en vinyle de 12,5 cm est sculptée par Dave Bondi, soulignant ainsi la dimension collaborative de cette création. La figurine McFly capture l'essence même de l'influence de la culture pop sur l'art, en l'intégrant à l'esthétique brute et accessible du street art. Elle illustre comment des moments et des personnages iconiques peuvent être transformés et célébrés au sein de la communauté artistique. Véritable œuvre d'art à collectionner, McFly est une vibrante célébration de la culture pop, interprétée par l'imagination d'un artiste visionnaire du mouvement d'art urbain.

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Rode Vlinder dans Vuur Artwork Giclee Limited Edition Print on 315 gsm Etching Cotton Rag Paper by Pop Culture Graffiti Artist Handiedan. Estampe d'art giclée 315 g/m², papier coton, gravure, 42 x 52 cm (image et papier), signée et numérotée, logo en relief, édition limitée à 77 exemplaires, 2020 Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/416245862 Utilise l' application Artivive

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Cohérence - 5 Peinture originale Peinture en aérosol, acrylique, techniques mixtes sur panneau de bois encadré par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Ces dernières années, Cope2 a collaboré avec des marques prestigieuses telles que Time Magazine, Converse et Adidas. Son travail s'est même étendu au monde virtuel avec des apparitions dans des jeux vidéo comme Mark Eckos: Getting Up et Rockstar Games: Grand Theft Auto IV. Au milieu des années 1990, Cope2 a progressivement quitté la rue pour s'imposer dans le milieu artistique des galeries. À cette époque, le street art n'était pas aussi populaire qu'aujourd'hui et, pour le grand public, il restait inextricablement lié aux ghettos, au trafic de drogue, etc. L'artiste n'a jamais caché son passé difficile et se refuse à l'idéaliser pour valoriser sa carrière et son image artistique. Au contraire, il confie : « Franchement, il n'y a pas de quoi être fier de se débrouiller, mais j'ai eu mon premier enfant à 16 ans, mon fils. Alors, il fallait bien que je gagne ma vie pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa mère. »

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BraveHeart vs BraveHeart, œuvre d'art giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Brandon Sopinsky.

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Abracadabra - Sérigraphie en édition limitée rouge bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste de la culture pop Cleon Peterson. 2022. 30,5 x 55,9 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 100 exemplaires. « Abracadabra » est une sérigraphie noire et rouge créée par Cleon Peterson, artiste contemporain américain reconnu pour ses œuvres provocatrices et souvent controversées. Le travail de Cleon Peterson explore fréquemment les thèmes de la violence, du chaos et des conflits sociaux, puisant dans une variété de références culturelles, politiques et historiques. L'estampe « Abracadabra » présente une imagerie graphique audacieuse, caractéristique du style de Cleon Peterson. L'œuvre intègre des éléments de magie, de lapins et de dynamiques de pouvoir, rendus dans un contraste marqué de noir et de rouge, une palette de couleurs récurrente chez l'artiste. La sérigraphie est une technique d'impression polyvalente où l'encre est appliquée sur un support à travers un écran de soie, un pochoir masquant certaines zones. Le travail de Cleon Peterson a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier, notamment lors d'expositions personnelles au Museum of Contemporary Art de Denver et à la galerie Over the Influence de Los Angeles. Son art suscite souvent des discussions sur les problèmes de société et le comportement humain, invitant les spectateurs à confronter leurs propres perspectives et croyances.

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Sérigraphie Chaos Mandala de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts Cream Speckletone, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. 2025 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée à 550 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie Cette estampe Chaos Mandala fusionne deux concepts et esthétiques apparemment opposés : le chaos et l’harmonie. J’ai toujours été fasciné par le chaos cyclique des affiches et des graffitis qui s’accumulent dans les rues, puis sont déchirés par les hommes et les éléments. Il y a une beauté dans la superposition et dans l’acceptation du fait qu’il existe trop de variables d’attraction et de répulsion pour que nous puissions toutes les contrôler. Pour moi, la philosophie à adopter est : « Profite du voyage et savoure l’éphémère. » – Shepard Fairey – OBEY Sérigraphie Chaos Mandala de Shepard Fairey Chaos Mandala de Shepard Fairey est une sérigraphie en édition limitée (2025), signée et numérotée, qui fusionne harmonieusement les traditions du Street Pop Art et du graffiti dans un dialogue visuel contemplatif. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art crème moucheté, l'œuvre a été produite à 550 exemplaires. Au centre de la composition, le mandala de Fairey ancre un tourbillon de motifs, de couleurs et de mouvement. Cette sérigraphie, réalisée à la main avec une minutie extrême, reflète la fascination de l'artiste pour l'ordre, le désordre et leur coexistence dans les environnements urbains. Elle s'inspire de motifs récurrents dans l'œuvre de Shepard Fairey, notamment son étoile emblématique et l'iconographie associée à la marque OBEY. Il en résulte une saisissante méditation sur l'impermanence, la superposition et l'harmonie visuelle à travers le chaos. Symétrie visuelle et désordre contrôlé Au premier abord, Chaos Mandala évoque un symbole de géométrie sacrée, avec ses pétales symétriques et son équilibre radial rayonnant depuis un emblème central en forme d'étoile, OBEY. La netteté des lignes du mandala contraste avec un fond d'une richesse chaotique, composé de pochoirs usés, de textures projetées, de coulures et de fragments d'affiches délavés. Cette tension entre précision et érosion organique incarne la dualité que Shepard Fairey explore souvent dans son œuvre. Les éléments de fond simulent la dégradation urbaine, rappelant le bruit visuel des murs couverts de tracts, de propagande et de graffitis. L'utilisation des techniques de pochoir et de sérigraphie renvoie directement aux méthodes du street art, tandis que le choix des couleurs – rouge vif, bleu glacé et crème doux – confère à l'œuvre une présence puissante tout en invitant à un examen attentif de sa surface stratifiée. La dimension philosophique de la pratique de Shepard Fairey Shepard Fairey, né aux États-Unis en 1970, utilise depuis longtemps le street art et le graffiti comme tribune pour ses commentaires socio-politiques. Chaos Mandala révèle une dimension philosophique plus profonde dans son œuvre. Plus qu'une simple décoration, cette pièce témoigne d'une acceptation de l'imprévisibilité et de la nature éphémère de l'expression publique. Elle reconnaît que la beauté naît non seulement du design, mais aussi de l'entropie. Les affiches se dégradent. La peinture s'écaille. Les couches s'accumulent et disparaissent. Fairey capture ce cycle de vie, non pas en le rejetant, mais en l'intégrant à son esthétique. Le mandala – symbole spirituel traditionnel d'harmonie – devient un réceptacle pour l'imprévisible, élevant la tension entre permanence et érosion au rang de point focal formel et émotionnel. Technique, texture et intégration symbolique L'estampe a été réalisée avec un soin méticuleux par sérigraphie sur un papier speckletone crème de haute qualité, une surface tactile choisie pour sa texture et sa chaleur visuelle. Chaque couche imprimée renforce l'idée d'expérience cumulative et d'interaction avec l'environnement. L'étoile OBEY de Fairey, placée au centre, consolide l'identité culturelle qui définit son art public depuis des décennies, tout en se transformant en un havre de paix au sein du chaos environnant. Avec cette œuvre, Fairey poursuit son engagement à créer des œuvres de Street Pop Art et de graffiti qui brouillent les frontières entre la rue et la galerie, entre l'expression rebelle et le symbolisme structuré. Chaos Mandala est plus qu'un objet esthétique : c'est une réflexion conceptuelle sur le magnifique désordre de la création artistique humaine.

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Sérigraphie 4 couleurs en édition limitée Indivisible HPM, tirée à la main sur papier d'archivage Coventry Rag, par Saber Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Il s'agit d'une estampe grand format (101,6 x 71,1 cm) réalisée par sérigraphie et technique mixte (peinture aérosol et crayon) sur papier d'archivage Coventry Rag. Chaque estampe est unique grâce à l'utilisation de la peinture aérosol et du crayon. Les bords sont frangés à la main. « Cette estampe était une expérience de A à Z. C'est une œuvre multidimensionnelle en techniques mixtes, car l'original était une vidéo conceptuelle. À partir de cette expérience vidéo, j'ai pu capturer l'image finale pour la transposer au format estampe. Briser le drapeau américain imprimé sur verre et saisir les instants précis de sa fragmentation n'a pas été une mince affaire, mais au fur et à mesure de l'évolution du processus, le résultat a évolué lui aussi. J'ai vraiment mis tout mon cœur dans le travail manuel. Dans les couches de l'estampe se cachent des tags bruts à la peinture aérosol, enfouis sous des fontaines multicolores. J'ai également dessiné au crayon et peint à la bombe par-dessus les estampes, tissant ainsi ces couleurs et ces gestes à travers l'image. » - Saber

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Woods Provocateurs, édition limitée, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés, par Stanley Donwood, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Estampe de l'événement The Provocateurs (Chicago). Sérigraphie 24 x 36 pouces, signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires. Cachet de l'éditeur ART ALLIANCE en bas à gauche.

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MC Supersized - Black Light Magic Yellow Grin, figurine en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection McSupersized par l'artiste Ron English - POPaganda, œuvre d'art pop moderne. Édition limitée 2017 neuve en boîte, dimensions : 11 1/5 × 9 2/5 × 5 7/10 po

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Deux œuvres d'art qui arrivent, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Scott Listfield .

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Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art de qualité supérieure, par Eric Pagsanjan, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Banned 1s par Eric Pagsanjan | SneakerHeroes x Quiccs, sérigraphie 4 couleurs, édition limitée à 88 exemplaires, signée et numérotée par l'artiste. Dimensions : 45,7 cm x 61 cm. « Peu de chaussures dans l'histoire de la gamme Air Jordan, longue de plus de 30 ans, sont aussi tristement célèbres que la Air Jordan 1 noire et rouge. Cette sneaker, surnommée la « Jordan 1 interdite », a toujours occupé une place importante dans l'histoire, de la légende qui entoure sa création à l'engouement suscité par ses rééditions. Voici comment tout a commencé. La légende raconte que Michael Jordan a été condamné à une amende de 5 000 $ par la NBA à chaque fois qu'il portait ces chaussures lors de leur lancement en 1984, car elles enfreignaient le règlement de la ligue concernant les uniformes. Nike a exploité cette situation, créant une campagne publicitaire jouant sur le côté interdit… » – Eric Pagsanjan

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Test Print 11 Tirage sérigraphique manuel 20 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par les artistes pop Steve Seeley x Curtis Readel Œuvre d'art rare. Tirage d'essai original de 2019, découpé à la main et signé par Steve Seeley et Curtis Readel. Numéroté 1/1. Format 18x24. Épreuve d'essai, 2019. Artistes POP!NK variés, dont Steve Seeley et Curtis Readel. Nombre de couleurs variable, de 8 à 20, sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, 160 lb (625 g/m²). Bords frangés. 45,7 x 61 cm. Exemplaire unique signé par Steve Seeley et Curtis Readel ; numéroté 1/1. Imprimé par POP!NK Editions.

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Cruelty Is the Message, sérigraphie rouge de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Cleon Peterson Édition limitée à 125 exemplaires Œuvre d'art Format 44x14 Impression sérigraphique. Déchiffrer la palette rouge : « La cruauté est le message » par Cleon Peterson La sérigraphie « Cruelty Is the Message Red » de Cleon Peterson déploie un récit visuellement saisissant, imprégné des contrastes marqués du pop art urbain et de l'esprit rebelle du graffiti. Sortie en 2024, cette édition limitée rejoint le panthéon des œuvres de Peterson, reconnu pour sa représentation sans concession de la violence, du pouvoir et du chaos. L'œuvre, d'un format imposant de 112 x 35,5 cm, témoigne de l'exploration sans relâche par Peterson des courants sous-jacents de la société, minutieusement réalisée à la main sur un papier d'art Coventry Rag de 290 g/m². L'interprétation vivante de Peterson sur la dynamique sociétale Cette série limitée à seulement 125 exemplaires est une collection exclusive où chaque estampe est signée et numérotée, soulignant la valeur et le caractère de collection de l'œuvre de Peterson. Avec ses teintes rouges et noires audacieuses, cette édition plonge le spectateur dans un univers tumultueux où conflit et turbulence sont les thèmes dominants. Le rouge, souvent associé au danger, à la passion et à l'agressivité, vibre dans toute la composition, renforçant l'impact des luttes et des confrontations représentées. Le choix par Peterson du papier Coventry Rag de haute qualité sublime la sérigraphie, un médium traditionnellement lié à l'art contemporain et à la production de masse, brouillant davantage les frontières entre l'art de galerie et l'expression urbaine. Les bords frangés à la main confèrent à chaque estampe une touche unique, suggérant la nature personnelle de l'art urbain malgré le caractère limité de l'œuvre. La résonance culturelle de l'œuvre de Peterson « Cruelty Is the Message Red » dresse un miroir à la société qu'elle critique, révélant la capacité de Peterson à naviguer entre l'art comme vecteur de plaisir esthétique et l'art comme outil de commentaire profond. L'envergure et la réalisation de cette œuvre l'inscrivent pleinement dans le discours du pop art urbain, qui invite souvent les spectateurs à se confronter à des réalités dérangeantes et à s'interroger sur les messages sous-jacents véhiculés par une imagerie crue et sans concession. À travers son langage visuel singulier, Peterson ne se contente pas de relater les aspects les plus sombres du comportement humain, mais suscite également une réflexion sur la nature cyclique de la domination et de la soumission, du contrôle et de la révolte. Son œuvre résonne avec l'air du temps et les problématiques sociales contemporaines, rappelant avec force la lutte permanente contre l'oppression et l'injustice. « Cruelty Is the Message Red » de Cleon Peterson est une œuvre marquante du pop art urbain et du graffiti. Elle affirme avec audace la vision de l'artiste, offrant un récit aussi percutant que complexe. Cette sérigraphie confirme la réputation de Peterson comme figure majeure de l'art moderne. Elle continue de provoquer, d'interpeller et d'inspirer le public, réaffirmant le pouvoir des arts visuels à saisir et à questionner les dynamiques de pouvoir au sein de la société.

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MickyMask B Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Bill Barminski, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Panneau de sortie double face, œuvre d'art en techniques mixtes sur panneau de signalisation MTA, réalisée par l'artiste de culture pop urbaine Cope2. Né en 1968 à New York sous le nom de Fernando Carlo Jr., Cope 2 a exposé ses œuvres lors d'expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger. Artiste autodidacte et figure légendaire du graffiti, il contribue depuis plus de 30 ans à la culture urbaine. Comptant parmi les graffeurs les plus prolifiques de New York, il a commencé à taguer son nom dans le South Bronx en 1978. Il a développé son style dans le métro et les rues du Bronx, créant des œuvres de graffiti tout au long des années 1980 et 1990 et acquérant une reconnaissance internationale pour son style unique. Au début du nouveau millénaire, Cope2 abordait une nouvelle étape de sa carrière, se concentrant de plus en plus sur sa place dans le milieu artistique des galeries et des musées. Bien qu'il ait commencé à travailler sur toile bien avant les années 2000, c'est à cette époque qu'il a opéré un tournant décisif en acceptant d'exposer systématiquement en intérieur. Que l'on considère le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme un acte de vandalisme irresponsable, une chose est sûre : ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public jusqu'aux plus grandes galeries du monde.

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Figurine artistique en vinyle McVandul Walk par Vandul, édition limitée, sculpture de collection, œuvre d'art raffinée d'un artiste de rue pop graffiti. Édition limitée 2025 à 100 exemplaires. Œuvre d'art de taille 4x7. Neuve en boîte. Estampillée/imprimée/certificat d'authenticité. Figurine/sculpture en vinyle, objet de collection. Figurine en vinyle McVandul Walk par Vandul Street, œuvre d'art pop art et graffiti. La figurine McVandul Walk, œuvre de l'artiste de rue Vandul, célèbre pour son style pop et graffiti, est une critique acerbe de la société de consommation, habilement présentée sous la forme d'une sculpture d'art de collection. Sortie en édition limitée à 100 exemplaires en 2025, cette figurine en vinyle de 10 x 18 cm est livrée neuve dans sa boîte, accompagnée d'un certificat d'authenticité estampillé, soulignant son exclusivité et sa valeur pour les collectionneurs. Le travail de Vandul fusionne fréquemment la culture du jouet et l'esthétique du graffiti, utilisant des images commerciales familières pour susciter un dialogue sur le marketing, l'identité et la marchandisation de la nostalgie de l'enfance. Cette figurine réinterprète les couleurs et les motifs immédiatement reconnaissables d'une icône mondiale du fast-food à travers le personnage emblématique de Vandul, sans visage et à capuche. Manches rayées rouges et blanches, chaussures jaunes surdimensionnées et tête jaune vif se fondent dans une posture légèrement avachie, suggérant à la fois familiarité et anonymat. Dans le style caractéristique de Vandul, l'absence de traits faciaux gomme l'individualité, faisant du personnage un symbole pour quiconque évolue dans un environnement façonné par l'influence des entreprises. L'œuvre rappelle à quel point les marques de consommation imprègnent profondément l'identité personnelle et culturelle. L'emballage renforce le propos de l'œuvre. La boîte rouge, ornée d'un sourire stylisé jaune, fait écho au marketing ludique de la restauration rapide tout en constituant un élément sculptural saisissant à part entière. L'iconographie graphique imposante, à la fois festive et satirique, plonge le spectateur dans une tension entre la joie des souvenirs d'enfance et les réalités de la société de consommation. Le graffiti apposé sur le côté affirme la paternité de l'œuvre dans un format où le marketing domine généralement, inversant le récit de la propriété commerciale à la réappropriation artistique. À la croisée du pop art urbain et du graffiti, McVandul Walk se situe au carrefour de plusieurs disciplines créatives : jouets design, art urbain sculptural et satire visuelle. Les figurines en vinyle de Vandul fonctionnent souvent comme des sculptures portables, faisant le lien entre les murs des galeries et les interventions urbaines. Cette édition particulière capture l'essence même du marché de l'art contemporain, où les figurines d'art sont devenues très recherchées pour leur commentaire culturel autant que pour leur qualité artisanale. Le travail de Vandul continue de repousser les limites de l'expérience du street art, au-delà des murs. McVandul Walk n'est pas simplement une figurine à exposer ; c'est une réflexion concise sur l'influence du marketing, la persistance des images de l'enfance à l'âge adulte et leur réappropriation à travers le prisme de la culture graffiti. Pour les collectionneurs et les amateurs de pop art urbain, cette édition limitée est à la fois un sujet de conversation et un témoignage de la finesse d'observation culturelle de Vandul.

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Étiquette d'expédition « Beanie Hat Boy Original Permanent Marker Slap-Up Label Drawing Art » par l'artiste de graffiti DrNuse69, œuvre d'art de rue moderne. Étiquette d'art graffiti originale signée Slap Up, 2022, 4,25 x 5,5 pouces, taguée au marqueur sur une étiquette d'envoi prioritaire USPS.

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Estampe d'archives Om Skull de Graham Yarrington, édition limitée sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street art. Estampe signée et numérotée 2022, édition limitée à 80 exemplaires, format 13 x 19 pouces, impression pigmentaire d'archives Exploration de la synthèse spirituelle et urbaine dans « Om Skull » de Graham Yarrington L'œuvre « Om Skull » de Graham Yarrington témoigne de la fusion entre l'iconographie spirituelle et l'esthétique moderne du street art et du graffiti. Ce tirage d'art en édition limitée, datant de 2022, offre une juxtaposition visuelle unique, mariant l'ancienne syllabe sacrée « Om » au symbole universellement reconnu du crâne. Tirée à 80 exemplaires signés et numérotés, cette pièce est imprimée sur papier d'art 100 % coton, au format 33 x 48 cm. Réalisée avec des pigments d'art de qualité archivistique, elle garantit la longévité de ses couleurs vibrantes et de ses détails minutieux. Le crâne y est représenté non comme un symbole morbide, mais comme un support pour le symbole transcendant « Om », invitant à une profonde réflexion sur l'existence et la nature éphémère de la vie. Les couleurs de l'arc-en-ciel qui émanent du symbole contrastent avec le crâne monochrome, symbolisant le passage du matériel au mystique. L'œuvre de Yarrington n'est pas simplement une représentation, mais une invitation à explorer les intersections de la vie, de la mort et de la spiritualité dans le contexte de l'art contemporain. La contribution de Graham Yarrington au discours sur l'art contemporain La contribution de Yarrington au mouvement du Street Pop Art et du graffiti se caractérise par son audace à aborder des sujets à la fois intemporels et actuels. Son estampe d'archive « Om Skull » illustre sa capacité à dialoguer avec des thèmes existentiels profonds, tout en employant un langage visuel accessible et profondément ancré dans l'expérience urbaine. L'œuvre s'adresse à une génération aussi familière avec le lexique du street art qu'avec les symboles de la sagesse ancestrale. Cette édition limitée souligne l'engouement des collectionneurs et des amateurs pour l'œuvre de Yarrington, désireux de posséder une pièce de ce discours visuel. Le crâne, symbole présent dans d'innombrables traditions artistiques, est réinventé par Yarrington, acquérant une pertinence contemporaine qui fait écho aux complexités de la vie moderne. En somme, « Om Skull » reflète la vision de l'artiste, où le spirituel et le urbain convergent, créant un espace de réflexion et de connexion. À travers son œuvre, Yarrington continue de repousser les limites du Street Pop Art et du graffiti, assurant ainsi son évolution en tant que forme qui capture l'esprit du temps et aborde les questions éternelles de l'existence humaine.

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All City Legends, peinture originale au marqueur aérosol par Optimo NYC, œuvre unique sur papier beaux-arts, art urbain, artiste pop. Peinture originale signée, réalisée au feutre et à la peinture aérosol en 2022. Format : 7 x 9 pouces. All City Legends par Optimo NYC – Œuvres originales à la bombe et au marqueur, dans le style pop art et graffiti urbain. « All City Legends » est une œuvre originale de 2022, réalisée à la bombe aérosol et au marqueur par Optimo NYC sur papier beaux-arts de 18 x 23 cm. Cette œuvre unique en son genre capture l'essence même du graffiti – l'esprit de la ville – à travers une figure minimaliste, une phrase codée et les textures superposées du mouvement urbain. Le personnage principal, esquissé dans le style fluide et inimitable d'Optimo, porte un long manteau et un haut-de-forme, une présence stylisée récurrente dans son œuvre. Les mots « All City Legends » sont inscrits à la main sur le torse du personnage en lettres capitales, fusionnant figure et texte en un seul symbole de réputation, de mouvement et de légende. Le fond présente de doux dégradés de peinture rouge, violette, bleue et blanche, se croisant en diagonale comme des traînées de lumière ou des échos de la peinture. Il évoque la brume atmosphérique des gares et des dépôts de marchandises recouverts de graffitis, tout en conservant une clarté abstraite propre à la composition des beaux-arts. Personnages stylisés et symbolisme des graffitis Le personnage à chapeau haut-de-forme d'Optimo NYC est bien plus qu'une simple figure récurrente : c'est une icône d'identité et de présence, un symbole d'autorité urbaine rendu par le geste et l'attitude. L'absence de visage de cette figure évoque l'anonymat de la culture graffiti, où les noms sont connus mais les visages restent souvent dissimulés derrière des masques, des mouvements ou des légendes. Dans cette œuvre, la figure se dresse, imposante et silencieuse, sa silhouette nette se détachant sur le fond vaporeux. L'inscription « All City » sur sa poitrine n'est pas seulement une déclaration, mais aussi un hommage aux graffeurs qui ont investi chaque arrondissement, chaque ligne, chaque mur. Elle évoque la saturation, la notoriété et le rythme visuel d'un nom répété à l'infini sur les surfaces d'une métropole. Optimo honore ce code avec respect, mêlant le langage de la hiérarchie du graffiti à la poétique de la sobriété visuelle. Texture, mouvement et flux d'énergie du spray Le fond d'« All City Legends » porte l'énergie du transit et de la répétition. Des diagonales vaporisées aux teintes pastel douces se mêlent à des couches de mouchetures noires et blanches près du bas de la feuille, créant une sensation de vitesse et de mouvement superposé. Ces textures ne se contentent pas d'encadrer le personnage ; elles suggèrent l'environnement, la mémoire et une urgence cinétique. Le travail d'Optimo repose souvent sur cet équilibre entre mouvement et maîtrise : la peinture est appliquée en arcs spontanés tandis que le tracé reste précis et chirurgical. La tension entre ces techniques reflète le processus du graffiti lui-même : rapide, concentré, imprévisible et pourtant précis. Chaque dégradé, chaque surpulvérisation et chaque goutte de cette œuvre reflète les matériaux bruts de la ville, réassemblés en un vocabulaire artistique. Respect du graffiti et récit du pop art urbain « All City Legends » incarne la capacité unique d'Optimo NYC à honorer la tradition tout en faisant évoluer le genre. Figure emblématique du graffiti new-yorkais, il imprègne chacune de ses œuvres d'un profond respect pour les codes, le statut et l'évolution stylistique. Cette peinture est un hommage discret mais puissant à ceux qui ont acquis leur notoriété non par le tapage médiatique, mais par la couverture médiatique, par l'impact qu'ils ont laissé sur toute la ville, un tag après l'autre. Son format est certes intimiste, mais son message est universel. C'est un hommage personnel et une archive publique, un murmure visuel qui fait écho au grondement des tunnels du métro et des toits. Dans le paysage du street art et du graffiti, « All City Legends » d'Optimo se dresse comme un hommage raffiné aux noms qui ont marqué l'histoire du graffiti et façonné les villes – un art fait de lignes, d'esprit et de la mémoire viscérale du mouvement.

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Qui a fait frire Roger Rabbit ? Tirage d'art sur papier buvard perforé Seroquel par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. La folie des dessins animés rencontre la culture pharmaceutique Qui a fait frire Roger Rabbit ? L'estampe « Seroquel Blotter Paper » de Ben Frost réinterprète le personnage animé iconique Roger Rabbit dans le contexte du marketing pharmaceutique moderne. Tirée en édition limitée (19 x 19 cm) sur papier buvard perforé, cette estampe pigmentaire d'archives explore avec une précision satirique la collision entre la culture pop et le conditionnement des médicaments. Mettant en scène le personnage animé arborant un sourire maniaque à côté d'une notice de Seroquel XR, l'estampe est perforée à la main par Zane Kesey et produite en édition signée et numérotée. Cette œuvre critique la façon dont la société normalise les troubles mentaux par le biais du marketing et interroge la coexistence de l'animation, de la nostalgie et des produits pharmaceutiques dans un même message visuel. Image de marque satirique et ironie médicale Frost fusionne la personnalité exubérante de Roger Rabbit avec le Seroquel, un médicament utilisé pour traiter les troubles de l'humeur, afin d'amplifier les effets surréalistes de l'hyperstimulation et de la sédation. En transformant l'aspect clinique d'une boîte de médicament en une toile ludique et chaotique pour un personnage de dessin animé, Frost brouille la frontière entre traitement et évasion. Son utilisation précise du langage utilisé sur l'emballage de la quétiapine, incluant les informations posologiques et les avertissements, est pourtant détournée par le comportement erratique de Roger Rabbit. Le message sous-jacent interroge la manière dont les médicaments sont commercialisés dans une culture qui instrumentalise à la fois la maladie mentale et la nostalgie de l'enfance. Subversion matérielle sous forme de buvard Le format buvard est essentiel à la portée conceptuelle de l'œuvre. Traditionnellement associé à la distribution de LSD, le buvard évoque une filiation psychédélique et suggère une perception altérée de la réalité. En plaçant un personnage de dessin animé sur un fond imitant un médicament, Frost bouleverse les attentes liées au sérieux du design pharmaceutique par l'absurde. La perforation fragmente physiquement l'image, faisant écho à la fragmentation de la conscience et des émotions dans les expériences médicamenteuses et animées. Ce format permet à l'œuvre de commenter simultanément la culture de la drogue, les médias de divertissement et le marketing de la santé mentale. La provocation visuelle de Ben Frost L'artiste australien Ben Frost s'est fait connaître en détournant la publicité, les logos pharmaceutiques et les dessins animés grand public pour en faire un commentaire social incisif. Son art urbain, à la croisée du pop art et du graffiti, explore la psychologie du consommateur à travers des couleurs vives, des images reconnaissables et des juxtapositions percutantes. « Qui a frit Roger Rabbit ? » est un exemple frappant de cette approche, mêlant l'esthétique de l'enfance à la froideur clinique du monde médical. Frost confronte le spectateur à des contradictions qu'il néglige parfois au quotidien, tirant humour et tension de l'alliance troublante entre la folie des dessins animés et la stabilité imposée. Il ne s'agit pas seulement d'une stimulation visuelle, mais d'une question enveloppée dans un emballage auquel on nous enjoint de faire confiance.

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Hum - Chicago 2011 Music Limited Edition Gig Poster - Impression sérigraphique artisanale 7 couleurs sur papier d'art par John Vogl pour Hum. The Hideout Block Party / AV Fest, Chicago, 10/09/11. 45,7 x 61 cm. Sept sérigraphies imprimées sur papier Speckletone français « amidon menthe ». Édition signée et numérotée de 400 exemplaires.

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Achetez Melt- Hot Lava 7 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier d'art 250 g/m² par Efdot Rare Street Art célèbre artiste pop. 2021 Édition limitée signée et numérotée de 50 œuvres d'art taille 18 x 24 MELT est une œuvre d'art classique d'Efdot mettant en valeur son personnage emblématique Blob avec un motif inspiré du vitrail. Il s'agit de la quatrième édition de "MELT avec un coloris intitulé "Hot Lava". Détails de la sérigraphie : Édition de /50' signée et numérotée par l'artiste Sérigraphie 7 couches sur papier 250GSM. Dimensions : 18 x 24 pouces Certificat d'authenticité inclus Conçu et imprimé à Brooklyn.

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The Big Lebowski Édition Limitée 2 Couleurs Sérigraphie à l'encre Métallique tirée à la main sur papier d'art découpé par Matt Dye- Blunt Graffix Artiste de rue Graffiti Art Pop Moderne.

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« The Wedding is Off » - Sérigraphie artisanale en édition limitée, 5 couleurs violettes, sur papier Cougar d'archivage, par Greg Gossel, artiste pop art urbain rare. Édition limitée 2015, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 19 x 25 Impression 5 couleurs 19 x 25 pouces sur papier blanc Cougar sans acide et de qualité archive

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Let Us Prey - Figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art sanglante de l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Cette annonce concerne la version sanglante de « Let Us Prey » de Frank Kozik. Édition limitée à 100 exemplaires dans le monde. Piégés dans un monde cruel où le papier est source de revenus et de bonheur, nous avons transformé tout « échange » en un concept bien éloigné d'un sourire échangé avec un inconnu. Nos prières murmurées sont devenues des demandes de richesse et de biens matériels pour assurer notre longévité et veiller sur nos comptes bancaires plutôt que sur nos amis. En collaboration avec le célèbre artiste et directeur artistique de Kidrobot, Frank Kozik, la figurine « Let Us Prey » capture l'avidité contemporaine, comprimée entre deux mains pleines d'espoir qui, autrefois, priaient pour bien plus que de l'argent. Représentant avec sa hauteur de 25 cm la manière dont la culture populaire reflète notre économie et notre statut social actuels, la figurine en vinyle « Let Us Prey » de Frank Kozik est l'objet idéal pour nous rappeler l'équilibre à trouver entre nos personnalités virtuelles et nos véritables aspirations à l'épanouissement personnel.

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Mossiae - Bourgogne - Sérigraphie artisanale 24 couleurs sur papier satiné Somerset 330 g/m² par l'artiste pop graffiti Fin DAC - Œuvre d'art de rue rare en édition limitée Findac . Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 24,8031 x 33,8583 cm « Mossiae - Bourgogne » de Fin DAC : Une symphonie en sérigraphie L'œuvre « Mossiae - Burgundy » de Fin DAC illustre la transition du street art pop vers les beaux-arts grâce à un procédé d'impression sérigraphique méticuleux. Cette sérigraphie artisanale en 24 couleurs sur papier Somerset Satin 330 g/m² est une pièce rare dans l'œuvre de l'artiste, incarnant la rencontre entre le dynamisme brut du street art et la précision de la production artistique haut de gamme. Limitée à 150 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par Fin DAC, attestant de son exclusivité et de l'implication directe de l'artiste dans sa création. Comprendre la nuance artistique de Fin DAC dans « Mossiae - Bourgogne » L'œuvre, mesurant 63 x 86 cm, illustre l'esthétique singulière de Fin DAC, qu'il nomme « Esthétique Urbaine ». Dans « Mossiae - Bourgogne », le sujet est une figure féminine à l'allure presque éthérée, se détachant sur un fond bordeaux profond. Le visage est marqué par le style caractéristique de Fin DAC : des lignes nettes et précises, et une touche de couleur vibrante autour des yeux, qui font office à la fois de masque et de fenêtre sur l'âme. Ce motif visuel est un clin d'œil à ses influences classiques du portrait, avec une touche contemporaine qui capture l'essence même du pop art graffiti. Impact culturel et réception de l'œuvre « Mossiae-Bourgogne » du CAD de Fin L'influence de Fin DAC sur le street art pop est manifeste dans des œuvres telles que « Mossiae - Burgundy », très recherchées par les collectionneurs et les amateurs. Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple création visuelle : c'est un véritable artefact culturel qui capture l'esprit du street art contemporain. L'accueil réservé à cette œuvre témoigne de la reconnaissance et de la valorisation croissantes de l'art inspiré du graffiti au sein des collections d'art. La vision de l'artiste en tirages en édition limitée Le choix de la sérigraphie pour « Mossiae - Burgundy » est délibéré, permettant à Fin DAC d'explorer le jeu des textures et des couleurs sur papier, un médium qui préserve l'essence tactile du street art. Le tirage limité de cette estampe garantit à chaque exemplaire une place unique dans le parcours artistique de Fin DAC, tout en offrant au collectionneur un lien tangible avec sa vision. En somme, « Mossiae - Burgundy » témoigne de la maîtrise de son médium par Fin DAC et de sa capacité à communiquer des récits profonds à travers le langage visuel du pop art urbain. Son œuvre, à la croisée de l'expression spontanée et de la sophistication des galeries, fait de lui une figure incontournable de l'art contemporain.

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Face Yachting 84 Œuvre d'art originale et unique, peinture à l'huile et techniques mixtes sur panneau de masonite, par le célèbre artiste impressionniste moderne Peter Keil. Peinture originale signée de Peter Keil, datant de 1984, mesurant 24 x 12 pouces (61 x 30,5 cm), représentant un grand visage et des bateaux sur le lac. Le visage d'enfant de Peter Keil en 1984 : une fusion entre l'expressionnisme et le pop art urbain « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil illustre avec éclat la rencontre entre les techniques impressionnistes modernes et l'esprit du street art et du graffiti. Cette œuvre originale, une peinture à l'huile sur carton, mesure 30 x 40 cm et révèle le style singulier de Keil, souvent reconnu pour son approche spontanée et audacieuse de l'art moderne. Représentant un visage d'enfant géant, le tableau capture l'innocence et l'expressivité propres à l'enfance, à travers le prisme du style impressionniste et vibrant de Keil. Caractéristique des œuvres originales de Peter Keil, cette pièce présente quelques écaillures de peinture sur la joue, conséquence naturelle de la technique de l'empâtement et de la fragilité du carton. Ces écaillures n'altèrent en rien l'impact de l'œuvre ; au contraire, elles enrichissent son récit, reflétant le passage du temps et l'histoire tactile du processus créatif de Keil. Cet élément de texture, fréquent dans les œuvres originales de Keil, souligne l'émotion brute et sans filtre qu'il cherche à capturer chez ses sujets. Interprétation du langage artistique de Keil dans Child's Face '84 Interpréter « Visage d'enfant '84 » de Keil exige de comprendre son langage artistique, qui fusionne les formes abstraites de l'impressionnisme avec les couleurs vibrantes et l'immédiateté émotionnelle du street art. Le portrait qu'il dresse dépasse la simple représentation des traits d'un enfant ; il explore le caractère et les émotions transmis par des formes exagérées et une riche palette de couleurs. Les grands yeux lumineux dominent la composition, véritables fenêtres sur l'âme de l'enfant, et font écho à la profondeur de l'expérience humaine que Keil cherche à explorer à travers son art. Le choix du carton comme support témoigne de la volonté de Keil de combler le fossé entre les beaux-arts conventionnels et les matériaux plus accessibles et quotidiens souvent utilisés dans le street art, le pop art et le graffiti. Ce choix non conventionnel reflète une démocratisation de l'art, thème central du street art, qui vise à rendre l'art accessible et compréhensible par un large public. En utilisant le carton, Keil remet en question les normes artistiques traditionnelles et s'inscrit dans une forme d'expression artistique ancrée dans les réalités de la vie urbaine. L'influence durable de l'approche de Keil en matière de portrait L'influence durable de l'approche de Peter Keil en matière de portrait est manifeste dans « Visage d'enfant '84 ». Son œuvre, souvent rattachée à l'impressionnisme moderne, trouve un écho dans un large éventail de formes artistiques, notamment le pop art urbain et le graffiti. La contribution de Keil à ces genres réside dans sa capacité à insuffler à la peinture de portrait traditionnelle une immédiateté et une authenticité brute, caractéristiques de l'art urbain. Ce tableau, avec ses contours audacieux et ses couleurs éclatantes, témoigne de l'esprit novateur de Keil et de son impact sur l'art contemporain. De plus, la vivacité de l'œuvre, une signature de Keil, souligne le potentiel expressif du pop art urbain et du graffiti. « Visage d'enfant '84 » illustre comment ces genres peuvent transmettre des récits émotionnels complexes, remettant en question l'idée reçue selon laquelle le street art se limite au commentaire public ou à la critique sociale. Le portrait de Keil est une célébration de l'individualité et de l'esprit humain, capturées dans le regard d'un enfant et exprimées par la peinture. « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil est une œuvre majeure qui illustre la rencontre entre l'impressionnisme moderne et l'univers dynamique du street art et du graffiti. La spontanéité de son exécution, l'éclat de ses couleurs et la richesse de ses textures contribuent à son attrait intemporel et à son statut de témoignage éloquent de la vision artistique de Keil. Portant les marques de sa création, cette œuvre continue de fasciner et d'inspirer, offrant un aperçu de la profondeur et de la diversité de son travail.

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« Bouquet d'hommes d'affaires », œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signé au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 8,25 x 11,75. Inspiré de l'art du sable de Sunae.

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Ce que vous avez tenu ne vous a jamais appartenu. Tirage giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Spray Happiness - Édition limitée rouge, sérigraphie artisanale 3 couleurs avec embellissements à la peinture acrylique sur papier d'art frangé à la main par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue graffiti, pop art moderne. 2018 Édition limitée signée et numérotée à 75 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 30 x 22,5 Sérigraphie 3 couleurs et éclaboussures de peinture à la main sur papier d'art d'archive déchiré à la main, 57,2 x 76,2 cm (30 x 22 po), édition de 75 exemplaires.

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Figurine de collection en vinyle en édition limitée Young MC, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Avant MC Supersized, il y avait Young MC. Le personnage emblématique de Ron English (POPoaganda) est immortalisé dans toute sa jeunesse sous la forme d'une figurine en vinyle de 18 cm, présentée dans une boîte conçue par Ron English (POPoaganda). Un nouvel opus dans la collection POPaganda de Ron.

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No Sleep Till Brooklyn - 73 - Orange Red 4-Color Mixed Edition, tirage sérigraphique en édition limitée réalisé à la main sur papier d'art par Tim Oliveira, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs varient d'un tirage à l'autre. 76 couleurs et variantes de sérigraphie différentes dans une seule édition. Signée et numérotée, avec date tamponnée au dos. Le nom de ce tirage a une double signification pour moi. J'ai décidé de le sortir le 5 août en hommage à la légende des Beastie Boys, MCA (Adam Yauch), à l'occasion de son anniversaire. Enfant, presque tous les jours après l'école, je prenais mon ballon de basket et filais au parc ou au club de jeunes pour quelques parties improvisées. La plupart du temps, j'écoutais les Beastie Boys sur mon walkman pendant le trajet. Ils ont toujours été une grande influence pour moi. Par ailleurs, je ne dormirai pas tant que je n'aurai pas suffisamment d'œuvres pour une exposition solo à Brooklyn. Ce ne sera peut-être pas pour tout de suite, mais je continuerai à jongler entre ma vie de famille, un travail stable et mon art, quitte à passer de nombreuses nuits blanches… - Tim Oliveira

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Sérigraphie « Vote For Light » de Jamie Reid, tirée à la main sur papier d'art vélin, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Sérigraphie de 19,6 x 24,41 cm représentant des personnes portant des masques et le slogan « Votez pour la lumière ». Légère imperfection au milieu de la marge gauche. « Vote For Light » de Jamie Reid est une remarquable incarnation de l'esprit du temps, capturée dans le médium de la sérigraphie. Tirée à la main sur un luxueux papier Wove Fine Art, cette œuvre, créée en 2015, est une fusion entre la vision de Reid et les courants culturels de son époque. Tirée à seulement 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par Reid lui-même, elle garantit son authenticité et son exclusivité. L'œuvre, mesurant 49,8 x 62 cm, présente une image saisissante de personnes portant des masques, une imagerie qui fait écho aux expériences contemporaines de la population mondiale. Le slogan indélébile « Vote For Light », inscrit au centre du portrait des personnages masqués, délivre un message fort, un appel à l'action ou un plaidoyer pour l'espoir en ces temps incertains. La sérigraphie, traditionnellement associée au pop art, est ici utilisée avec brio pour brouiller les frontières entre le street art, le graffiti et l'art contemporain. Le choix de Reid d'utiliser cette méthode témoigne de son engagement à préserver l'authenticité et la spontanéité propres au street art et au graffiti. « Vote For Light » de Jamie Reid est bien plus qu'une simple estampe : c'est un symbole, un commentaire social et une invitation au dialogue. À l'instar de la plupart des œuvres à la croisée du pop art, du street art et du graffiti, cette pièce ne se contente pas de refléter le point de vue de l'artiste, elle invite également le spectateur à l'introspection et à une réflexion sur le monde qui l'entoure. Puisant son inspiration dans les événements et les sentiments de son époque, l'œuvre offre un instantané de l'histoire, immortalisé à jamais sur papier d'art.

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Stack - Pink Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Supremex Weirdo Dave. Weirdo Dave a créé une illustration pour les planches de skateboard Supreme Stack. Sorties en jaune, noir et rose, ces planches faisaient partie de la première semaine de la collection automne/hiver 2021 de Supreme. La planche jaune est ornée d'un collage de photos abstraites et du logo Supreme horizontal qui la traverse en son centre. La planche de skateboard Supreme Stack (jaune) est sortie le 21 août 2021.

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Achetez SCULPTURE Limited Run MEDIA Sculpture Artwork par l'artiste de rue graffiti artiste pop moderne ARTIST. INFO

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I See Static Blue AP Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Couleur tirée à la main sur papier d'art crème moucheté Édition limitée Œuvre d'art Obey Pop Culture Épreuve d'artiste. Épreuve d'artiste (AP) 2016 signée par Shepard Fairey - OBEY et marquée AP. Édition limitée. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. « Statique, c'est tout ce que je vois. Augmentez la paix. » Je vois du bleu statique AP par Shepard Fairey L'épreuve d'artiste sérigraphique « I See Static Blue » (2016) de Shepard Fairey illustre la tension entre distorsion et perception dans l'art urbain, le pop art et le graffiti contemporains. Réalisée avec une précision magistrale sur papier d'art Speckletone couleur crème, signée et marquée AP par l'artiste, cette sérigraphie artisanale de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) instaure un dialogue visuel énigmatique entre l'influence des médias et la quête de paix. L'utilisation par Fairey d'une géométrie rigoureuse, de motifs d'interférence verticaux et de superpositions symboliques invite le spectateur à une confrontation hypnotique avec le bruit sensoriel et la propagande. Langage visuel ancré dans le pouvoir et la critique des médias Dans « I See Static Blue », le lexique visuel de Fairey fusionne perturbation optique et clarté idéologique. Le texte « Static Is All That I See » apparaît incrusté dans un champ de lignes bleues rayonnantes, imitant visuellement les parasites d'un téléviseur analogique et évoquant métaphoriquement le brouillard mental engendré par le flux incessant de messages et la surveillance. Des visages, fragmentés par des lignes de distorsion, bordent l'axe central, suggérant la fragmentation de l'identité à l'ère de l'information. En dessous, un œil omniscient plane, orné d'un crâne en son centre, soulignant les thèmes du contrôle, de la mortalité et du regard omniprésent de l'autorité médiatique. L'œuvre met en lumière la saturation d'images qui, à la fois, anesthésient et captivent l'attention, offrant un commentaire sur la surcharge cognitive et l'endoctrinement idéologique. Art urbain pop et graffiti comme message et médium L'œuvre de Fairey se situe au carrefour de la rébellion et du raffinement, où l'esthétique urbaine est sublimée par une rigueur graphique. « I See Static Blue » puise son inspiration dans les fréquences visuelles de l'ère psychédélique et les fusionne avec la rigidité structurelle de l'art de propagande. Shepard Fairey, né aux États-Unis en 1970, demeure l'une des figures les plus engagées politiquement du street art et du graffiti. Il utilise la répétition, des palettes de couleurs restreintes et des symboles iconographiques pour déconstruire les discours des entreprises et des gouvernements. La présence du mot « Obey » sous l'œil rappelle sa campagne de subversion originelle, transformant la publicité en art et l'instruction en satire. Le message visuel n'est jamais passif : il interpelle. Couleur, symbolisme et format d'épreuve d'artiste Réalisée dans des tons froids de bleu cobalt, de pourpre sourd et de crème, cette estampe dégage une gravité psychologique plus intense que nombre d'œuvres politiquement engagées de Fairey. La symétrie et l'équilibre suggèrent une dualité, mais l'effet visuel saisissant du dessin désoriente et interpelle. Cette édition d'artiste (EA) revêt une valeur supplémentaire, non seulement en tant qu'œuvre de Shepard Fairey, mais aussi en tant que variante limitée, méticuleusement signée et marquée à la main. L'alliance de lignes acérées et d'une complexité symbolique confère à l'œuvre une dimension à la fois esthétique et intellectuelle, témoignant de la pertinence constante de Fairey qui utilise la structure visuelle du street art et du graffiti pour exprimer sa réflexion et résister.

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Affiche de concert en édition limitée du film Sex Bob-omb 2010, impression sérigraphique artisanale en 3 couleurs sur papier d'art par Jeremy Wheeler. Le groupe musical Sex Bob-omb, tiré du film Scott Pilgrim vs. the World. Sex Bobomb, Rock It, Crash et The Boys, le 10 août 2010 à Toronto, Canada.

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Sérigraphie artisanale bicolore sur papier chiffon de coton, par l'artiste Dave Kinsey. Édition limitée, œuvre d'art pop. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2007. Format : 18 x 24 pouces. Publiée par BLK/MRKT Editions Visual Communication. L'estampe sérigraphique « Knowledge » de Dave Kinsey est une œuvre en édition limitée, créée par l'artiste Dave Kinsey en collaboration avec la galerie BLK/MRKT. Dave Kinsey est un artiste contemporain américain reconnu pour son style unique, mélange d'art urbain, de graphisme et de beaux-arts. Il est largement reconnu pour ses œuvres qui invitent à la réflexion et qui abordent souvent des questions sociales, politiques et environnementales. BLK/MRKT est une galerie d'art et une agence créative fondée en 1997 par Kinsey et son épouse, Amanda Fairey. Ils représentent divers artistes contemporains et travaillent en étroite collaboration avec eux pour produire des estampes en édition limitée, des œuvres originales et d'autres projets créatifs. La galerie s'engage à promouvoir et à soutenir les artistes émergents qui repoussent les frontières artistiques traditionnelles. L'estampe sérigraphique « Knowledge » présente une composition audacieuse et colorée, caractéristique du style de Kinsey. L'œuvre explore le concept de connaissance, son importance et son influence sur notre compréhension du monde. Elle combine formes abstraites, motifs et textures, lui conférant une apparence vibrante et dynamique. Cette édition limitée est généralement signée et numérotée par Dave Kinsey, ce qui en fait un objet de collection très recherché par les amateurs d'art et les fans de son travail.

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Mon Cœur et mon Âme, une peinture acrylique originale de Raid71, une œuvre d'art sur toile réalisée par un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée de 2023, format 24x48 , représentant Mickey Mouse stylisé avec des tatouages ​​Disney et Star Wars sur toute la surface. La tapisserie culturelle de l'art original de Raid71 Raid71, reconnu pour son style visuel saisissant et imaginatif, affirme sa présence avec « My Heart and Soul ». Le format de la toile, 61 x 122 cm, offre à l'artiste un vaste espace pour explorer la profondeur et la complexité de la transformation du personnage. L'utilisation de l'acrylique permet à Raid71 de superposer et de texturer l'œuvre, lui conférant une dimension qui donne vie aux tatouages. Ces derniers sont bien plus que de simples ornements ; ils racontent des histoires imbriquées, faisant référence aux univers riches de Disney et de Star Wars, qui ont profondément marqué la culture populaire. Dans cette peinture, l'artiste explore les notions d'identité et d'héritage : comment les personnages et les histoires de notre enfance restent ancrés en nous, à l'instar d'une encre indélébile sur la peau. La juxtaposition d'un personnage traditionnellement sage orné de tatouages ​​généralement associés à un mode de vie alternatif interroge la perception du spectateur et l'invite à établir des liens avec l'image. Le street art et le graffiti ont toujours été un moyen pour les artistes de fusionner des éléments emblématiques de la culture populaire avec l'énergie brute et intense de la rue. « My Heart and Soul », une peinture acrylique originale de Raid71, illustre cette synthèse en réinterprétant Mickey Mouse, personnage universellement apprécié, à travers une mosaïque de tatouages ​​inspirés de Disney et de Star Wars. Cette œuvre originale, signée par l'artiste et datée de 2023, témoigne de la manière dont le street art et l'iconographie de la pop culture peuvent se rencontrer de façon aussi vibrante qu'inattendue. Importance de l'acrylique dans le street art pop et le graffiti La peinture acrylique est un médium particulièrement adapté aux besoins expressifs du street art et du graffiti. Sa polyvalence et son séchage rapide permettent à des artistes comme Raid71 de travailler spontanément, une approche souvent essentielle dans le milieu du street art. L'acrylique offre également la durabilité nécessaire aux œuvres destinées à des environnements variés, des galeries aux collections privées. Dans « My Heart and Soul », Raid71 utilise l'acrylique pour créer des textures et des superpositions qui imitent l'aspect et le toucher des tatouages ​​sur la peau, une prouesse qui exige à la fois talent et une connaissance intime du médium. Il en résulte une œuvre qui s'impose non seulement comme une peinture, mais aussi comme l'incarnation de la maîtrise technique et de la vision créative de l'artiste. La place de Raid71 au panthéon du street art pop et du graffiti Des artistes comme Raid71 redéfinissent le paysage du street art et du graffiti, prouvant que ce genre ne se limite pas aux fresques murales ou aux œuvres éphémères. En transposant l'esprit du street art sur la toile, ils créent des œuvres qui s'intègrent à un contexte artistique plus traditionnel, tout en conservant la dimension subversive et l'immédiateté propres à cet art. « My Heart and Soul » témoigne de cette évolution, démontrant comment le street art peut être à la fois accessible et sophistiqué. Cette peinture affirme que des personnages comme Mickey Mouse, que certains pourraient considérer comme de simples divertissements pour enfants, recèlent une signification plus profonde et peuvent devenir de puissants symboles lorsqu'ils sont réinterprétés à travers le prisme du street art. Valeur de collection et attrait durable des œuvres originales Les œuvres originales de street art et de graffiti occupent une place de choix dans le cœur des collectionneurs. « My Heart and Soul », pièce unique, possède une valeur intrinsèque qui dépasse son attrait visuel. La signature de l'artiste renforce son authenticité et crée un lien direct entre l'artiste et le collectionneur. Collectionneurs et amateurs sont attirés par l'originalité et la touche personnelle de ces œuvres. Dans un monde où les reproductions et les estampes abondent, une œuvre originale est une création singulière qui capture un moment du parcours artistique de l'artiste. La peinture de Raid71, avec ses détails minutieux et ses références culturelles, n'est pas seulement une œuvre d'art ; c'est un morceau d'histoire, un instantané de la convergence actuelle entre culture pop et street art. En résumé, « My Heart and Soul » de Raid71 célèbre le street art et le graffiti, un genre qui repousse sans cesse les limites et remet en question notre perception de l'art et de la culture. À travers la peinture acrylique sur toile, Raid71 nous invite à réfléchir à nos liens avec les icônes de notre enfance et les récits qui façonnent notre monde. Cette œuvre est une représentation audacieuse du potentiel créatif à la croisée du street art et de la culture pop, un potentiel que Raid71 exploite avec talent et vision.

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Queen In Blood Diamonds, sérigraphie négative de Jamie Reid, tirée à la main sur papier d'art vélin, édition limitée. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 250 exemplaires. Sérigraphie 17 x 24,5 cm représentant Élisabeth II, reine d'Angleterre, dans un style démoniaque, avec l'inscription « God Save Great Britain ». Édition spéciale brocante. Reine des diamants de sang : Sérigraphie négative de Jamie Reid La sérigraphie « The Queen In Blood Diamonds » de Jamie Reid, réalisée en 2020, est une œuvre provocatrice et stimulante, véritable illustration du street art pop. Mesurant 43 x 62 cm, cette édition limitée présente une représentation audacieuse de la reine Elizabeth II, teintée de noirceur, sur laquelle est superposé le message « God Save Great Britain ». Reid, artiste britannique reconnu pour sa contribution au mouvement punk, notamment grâce à sa collaboration avec les Sex Pistols, poursuit avec cette estampe saisissante son approche rebelle et engagée. Tirée à 250 exemplaires signés et numérotés, cette pièce illustre parfaitement la fusion entre symboles iconiques et commentaire social, caractéristique du street art et du graffiti. La Reine et l'iconographie du pouvoir dans le pop art urbain Dans cette sérigraphie, Reid s'attaque à l'une des figures les plus emblématiques de l'histoire britannique moderne : la reine Élisabeth II. La reine symbolise depuis longtemps la puissance, l'empire et la tradition britanniques. Pourtant, la représentation qu'en fait Reid est loin d'être un portrait respectueux. Au contraire, le visage de la reine est rendu dans un style presque démoniaque et grotesque, les tons rouge foncé et noirs accentuant la dimension sinistre de l'œuvre. L'expression « diamants de sang » dans le titre évoque la controverse historique entourant l'implication de l'Empire britannique dans l'exploitation des ressources coloniales, souvent au prix de vies humaines. L'œuvre de Reid critique ici la complicité de la monarchie dans ces injustices. La phrase « God Save Great Britain » contraste fortement avec la révérence habituellement témoignée à la monarchie britannique. Elle évoque le slogan controversé « God Save the Queen », que Jamie Reid avait déjà détourné dans ses travaux antérieurs avec les Sex Pistols. L'utilisation de lettres découpées, à la manière de lettres de rançon, dans cette estampe crée une atmosphère de rupture, une technique courante dans le pop art urbain et le graffiti. Cette approche invite le spectateur à remettre en question les récits établis de l'identité nationale, du pouvoir et de la loyauté envers la couronne. Sérigraphie artisanale : un processus de rébellion Le processus de création de cette œuvre en édition limitée s'inscrit pleinement dans l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Chaque tirage de cette série est réalisé à la main sur papier vélin d'art, ce qui rend chaque exemplaire unique. Cette technique artisanale confère à l'œuvre une authenticité et une spontanéité remarquables. Dans un monde de plus en plus dominé par la production de masse, les tirages artisanaux préservent un sentiment d'individualité et de savoir-faire, à l'instar des fresques murales et des graffitis qui ornent les milieux urbains. L'expérience de Reid en graphisme et son engagement politique influencent les choix esthétiques de ce tirage. La sérigraphie permet d'obtenir des aplats de couleur vifs, caractéristiques du pop art. Parallèlement, la texture brute du tirage, avec son aspect vieilli, fait écho à la nature éphémère du graffiti. Les éclaboussures rouge foncé en arrière-plan évoquent le sang, renforçant ainsi le message d'exploitation et de violence impériales. Le contraste entre l'aspect lisse, presque brillant, du visage de la reine et l'arrière-plan chaotique et granuleux symbolise la disparité entre l'image soignée de la royauté et les dures réalités de l'histoire. Art urbain punk, pop et politique L'engagement de Jamie Reid dans le mouvement punk est essentiel pour comprendre la dimension politique et subversive de cette œuvre. À la fin des années 1970, ses créations pour les Sex Pistols, dont la pochette iconique de « God Save the Queen », utilisaient des techniques de collage, une typographie inspirée des demandes de rançon et des images détournées de symboles britanniques pour protester contre l'ordre établi. « The Queen In Blood Diamonds » s'inscrit dans cette tradition de subversion punk, où l'art devient une forme de résistance et de provocation. Cette estampe incarne également les caractéristiques du street art et du graffiti, notamment leur utilisation agressive de symboles publics et reconnaissables. Figure emblématique de l'establishment, la reine devient une cible de critiques. À l'instar du street art et du graffiti, qui réapproprient souvent l'espace public, cette estampe cherche à se réapproprier les symboles culturels pour questionner et démanteler le statu quo. L'utilisation de la reine par Reid invite ainsi les spectateurs à repenser leurs conceptions de l'autorité et de la tradition, tout comme les graffeurs contestent les espaces aseptisés des villes modernes. Le style démoniaque avec lequel Reid représente le visage de la reine s'inscrit dans la tradition de la satire grotesque de l'art britannique, qui remonte à des artistes comme William Hogarth. En déformant les traits de l'un des visages les plus reconnaissables au monde, Reid la transforme d'un symbole de stabilité et de continuité en un symbole de corruption et de violence conspirationniste. Les éclaboussures de rouge vif évoquent la violence du bain de sang, tandis que l'expression ricanante ajoute une dimension d'ironie troublante à l'œuvre. Édition limitée et importance de la sortie de 2020 Cette édition limitée à 250 exemplaires a été produite en 2020, année marquée par d'importants bouleversements sociaux et politiques à travers le monde. Dans le contexte de la pandémie mondiale, de la montée des manifestations contre le racisme systémique et de l'examen approfondi des injustices historiques, « Queen In Blood Diamonds » s'impose comme un puissant manifeste sur la nécessité d'affronter les vérités dérangeantes de l'histoire et du pouvoir. L'année 2020 a également vu la reprise des débats sur l'héritage du colonialisme, nombreux étant ceux qui réclament une plus grande responsabilisation et des réparations pour les crimes commis au nom de l'empire. La décision de Reid de produire cette œuvre en cette période de turbulences confère une urgence supplémentaire à son message. En publiant cette estampe en 2020, Reid s'assure que les thèmes de l'exploitation, du pouvoir et de la résistance restent plus que jamais d'actualité. Dans ce contexte, la reine n'est pas seulement une figure historique, mais aussi un symbole des structures d'autorité persistantes qui continuent de façonner notre monde actuel. Comme pour une grande partie du travail de Reid, cette œuvre n'est pas seulement une création artistique, mais un appel à l'action, une protestation visuelle qui interpelle le public. « Queen In Blood Diamonds » de Jamie Reid est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti. L'œuvre mêle l'iconique au grotesque, utilisant la figure de la reine Élisabeth II pour critiquer l'héritage de l'impérialisme britannique et les injustices qui en découlent encore aujourd'hui. Grâce à sa technique de sérigraphie artisanale, à l'audace de ses couleurs et à son imagerie engagée, cette estampe s'impose à la fois comme une œuvre d'art et un acte de résistance.

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Écoutez, bande de cons ! - Sérigraphie en édition limitée rouge bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² par Cleon Peterson, artiste de street art et pop. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires.

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