🔥 Vente d'art urbain et de graffiti pop art – Réductions à durée limitée sur des chefs-d'œuvre urbains

Marilyn Monroe - Bogart & Becall Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main HPM Sérigraphie sur toile par Steve Kaufman SAK Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état. Rare reproduction de Marilyn Monroe avec la star du cinéma rétro Humphrey Bogart et l'actrice Lauren Bacall .

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Billet de 500 dollars - Édition limitée verte, peinture à l'huile rehaussée à la main, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Billet de 500 dollars américains de 1934, signé et encadré sur mesure en 1995, à l'effigie du président américain William McKinley. Billet de 500 dollars vert, édition limitée, peinture à l'huile rehaussée à la main, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman Cette sérigraphie sur toile, reprenant le recto du billet de 500 dollars américain de 1934 à l'effigie du président William McKinley, est une œuvre saisissante de street art et de graffiti signée Steve Kaufman, artiste pop moderne légendaire. Cette édition limitée, encadrée sur mesure, est une reproduction du recto du billet de 500 dollars vert, rehaussée à la main par une peinture à l'huile HPM. Créée en 1995, cette œuvre illustre avec force la manière dont Kaufman transforme les symboles historiques et culturels en chefs-d'œuvre modernes et vibrants. Steve Kaufman et son influence sur le street art, le pop art et le graffiti Né en 1960 aux États-Unis, Steve Alan Kaufman fut l'élève et l'assistant d'Andy Warhol avant de développer son propre style artistique. Il a enrichi les techniques du pop art de Warhol en y intégrant des embellissements à la main, des éléments de graffiti et des palettes de couleurs originales, faisant de ses œuvres des pièces de collection uniques. La contribution de Kaufman au Street Pop Art et au graffiti s'est traduite par une profonde exploration de l'imagerie culturelle américaine, notamment la monnaie, les figures historiques et les symboles emblématiques de la consommation. Son œuvre explore fréquemment les thèmes du capitalisme, de la nostalgie et du pouvoir des images reconnaissables à susciter l'émotion et le débat. Cette reproduction d'un billet de 500 dollars illustre parfaitement la capacité de Kaufman à fusionner l'iconographie financière et l'esthétique du street art. Grâce à l'utilisation d'embellissements à la peinture à l'huile appliqués à la main et de techniques de sérigraphie, l'œuvre acquiert une richesse tactile qui contraste avec le design traditionnel de la monnaie américaine. En réinterprétant le billet dans des couleurs vives, Kaufman insuffle une nouvelle vie à un objet généralement associé à la puissance économique et à l'exclusivité. Symbolisme du billet de 500 dollars dans le pop art et la culture du graffiti urbain Le billet de 500 dollars, notamment la série de 1934 à l'effigie du président William McKinley, est une pièce de monnaie américaine rare et désormais hors circulation. Autrefois en circulation, ces billets de forte valeur ont été retirés du marché et sont aujourd'hui principalement prisés des collectionneurs. Dans le contexte du street art et du graffiti, la représentation de ces billets de grande valeur interroge les notions de richesse, de valeur et de nature éphémère de l'argent. La réinterprétation du billet par Kaufman, dans des teintes vives de vert et de jaune, le transforme d'un instrument monétaire en une œuvre visuelle saisissante. Le contraste entre le design structuré et officiel du billet original et l'application expressive de la couleur, inspirée du graffiti, crée une tension captivante. Cette réinvention invite le spectateur à repenser la signification de l'argent au-delà de son rôle traditionnel dans les transactions, le transformant en une expression artistique du pouvoir, de l'histoire et de la portée culturelle. L'utilisation par Kaufman de la superposition, des textures et des détails à main levée confère à l'œuvre une énergie urbaine, presque rebelle, la faisant ressortir dans toute collection d'art pop moderne. L'héritage des œuvres d'art de Kaufman sur les billets de 500 dollars L'édition limitée de la sérigraphie HPM verte de Steve Kaufman, représentant un billet de 500 dollars, illustre parfaitement son approche qui allie symbolisme financier et innovation artistique. Encadrée sur mesure, cette œuvre est bien plus qu'un simple objet décoratif : elle incarne l'essence même du pop art urbain et du graffiti en remettant en question les notions traditionnelles de richesse et de statut social. La palette de couleurs audacieuses, les détails rehaussés à la main et la réinterprétation à grande échelle d'un billet de banque historique confèrent à cette pièce un attrait visuel captivant et une dimension intellectuelle stimulante. Grâce à des œuvres comme celle-ci, Kaufman a consolidé sa place de figure incontournable du pop art moderne, influençant des artistes qui continuent de fusionner les techniques des beaux-arts avec la culture urbaine. Sa réinterprétation du billet de 500 dollars témoigne de son talent pour sublimer des objets ordinaires en œuvres d'art extraordinaires, capables de saisir l'énergie et la complexité de la société contemporaine.

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« Bullet Holes », œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture acrylique en aérosol sur toile tendue, par le célèbre artiste de graffiti de rue RD-357. « Bullet Holes » par RD-357 : Cette œuvre originale sur toile tendue, réalisée à la bombe de peinture, est une peinture graffiti technique mixte. Elle représente le tag RD avec des impacts de balles et du béton en arrière-plan. Une pièce rare et exceptionnelle du prolifique artiste de rue Real Deal RD357.

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Cubisme abstrait 1 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture acrylique en aérosol sur toile tendue, par le célèbre artiste de graffiti de rue RD-357. Encadrement sur mesure 31,5 x 22,5 cm. « Cubisme abstrait 1 » par RD-357. Peinture originale sur toile tendue, technique mixte (peinture aérosol et graffiti), avec le tag RD et des couleurs cubistes en arrière-plan. Superbe œuvre originale rare du prolifique artiste de rue Real Deal RD357.

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Frank Sinatra « The Chairman », peinture à l'huile originale et unique sur toile encadrée, par Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne. Peinture à l'huile originale de Frank Sinatra, « The Chairman », signée et encadrée sur mesure en 1998 par Steve Kaufman SAK.

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AAVEI-2 Peinture en aérosol technique mixte originale, œuvre d'art sculpturale peinte à partir d'objets trouvés par l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Eddie Colla x D Young V. 2014. Signée par D Young V et Eddie Colla. Technique mixte originale : peinture acrylique en aérosol sur objets recyclés et bois. Dimensions : 55 x 42 cm. Grande peinture technique mixte sur bois avec un pistolet jouet récupéré et 3 bombes de peinture vintage. AAVEI-2 Collaboration avec D Young V et Eddie Colla 55 x 42 x 15 pouces Technique mixte sur bois, bombes aérosol, pistolet à peinture 2014

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Œuvre originale unique de 1987, réalisée à la peinture en aérosol et à partir d'objets récupérés sur bois recyclé par le célèbre artiste de graffiti de rue Eddie Colla. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2019 avec des éléments de récupération. Dimensions : 34 x 34 cm. « 1987 » 86 x 86 cm (34 x 34 pouces) Technique mixte sur bois 2019 Signé et titré au dos

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Incognito - Sérigraphie en édition limitée, 20 couleurs, tirée à la main, sur papier 100 % coton blanc éclatant, par Tavar Zawacki - Œuvre rare de street art d'un artiste pop célèbre. Format du papier : 84 cm de large x 116 cm de haut (33 pouces de large x 45,5 pouces de haut). Papier Somerset 330 g/m², sans acide, blanc éclatant, 100 % coton. Tous les tirages ont des bords frangés à la main. CARACTÉRISTIQUES DE L’IMPRESSION : Incognito a été imprimé au studio Mother Drucker Print Studio à Berlin. Incognito est une impression sérigraphique traditionnelle en quadrichromie (CMJN). Le motif comporte plus de 20 couleurs différentes. Tous les tirages sont signés, datés, gaufrés et tamponnés au verso.

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Ancien billet de 500 dollars - Édition limitée rouge, rehaussée à la main, peinture à l'huile, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti SAK, art pop moderne. Toile en édition limitée signée et numérotée de 2003, l'image est en parfait état — recto du billet de 500 dollars américains de 1934 représentant le président américain William McKinley. Dans le paysage vibrant du pop art contemporain, « Old 500 Dollar Bill - Red Limited Edition » s'impose comme une œuvre symbolique de Steve Kaufman, alias SAK. Figure emblématique du street art, Kaufman fusionne l'héritage de l'Amérique traditionnelle avec l'énergie du graffiti. Cette toile en édition limitée est une sérigraphie HPM à l'huile, rehaussée à la main, qui témoigne du goût de l'artiste pour les couleurs vives et les images percutantes. Créée en 2003, cette œuvre fait partie d'une série signée et numérotée, gage de son exclusivité et de sa valeur pour les collectionneurs. Elle représente le recto du billet de 500 dollars américains de 1934, avec le portrait du président William McKinley en son centre. L'interprétation de Kaufman insuffle une touche de modernité à ce symbole d'une importance économique ancestrale, juxtaposant la valeur historique du billet à la nature éphémère, souvent subversive, du street art. La toile est décrite comme étant en parfait état, ce qui suggère que la qualité de l'œuvre de Kaufman est préservée, permettant ainsi aux couleurs vives et aux détails complexes de ressortir pleinement. En réinterprétant la monnaie, un élément récurrent de la critique du consumérisme propre au pop art, l'œuvre de Kaufman témoigne du pouvoir transformateur de l'art sur le quotidien. Son utilisation de la sérigraphie s'inscrit dans la lignée des techniques des pionniers du pop art, tandis que la peinture à l'huile rehaussée à la main apporte une dimension tactile souvent présente dans les textures du street art. « Old 500 Dollar Bill - Red Limited Edition » de Steve Kaufman est un exemple frappant de street pop art qui fait le lien entre le respect de l'histoire et la critique contemporaine. C'est une œuvre qui capture l'esprit de son époque, reflétant la valeur et le symbolisme de l'argent à travers le regard d'un artiste aussi à l'aise avec une bombe aérosol qu'avec un pinceau.

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Peinture à l'huile originale et unique sur toile représentant un billet d'un dollar à l'effigie de George Washington, par Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne. Œuvre originale signée, encadrée et tendue sur châssis, datant de 2002. Dimensions : 27 x 44 pouces.

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Statue de la Liberté Étoiles - Bleu Rouge Peinture à l'huile originale et unique sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne. Œuvre originale signée sur toile non tendue, datant de 2001. Bon état. Dimensions : 38 x 42 pouces.

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Nouvelle peinture à l'huile originale et unique sur toile, intitulée « Bill Drizzle », de Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne, pour un montant de 100 $. 1998 SAK - Toile originale signée « Billet de 100 dollars ». STEVE KAUFMAN. À vendre : « Billet de 100 dollars » est une peinture originale de l'artiste, une œuvre d'art RARE entièrement signée par le regretté et talentueux assistant d'Andy Warhol, STEVE KAUFMAN ! Rare et très recherchée par les collectionneurs. Absolument magnifique ! Dimensions : 60,4 x 36,3 cm.

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Panneau de signalisation du métro MTA - Œuvre d'art en techniques mixtes sur panneau de signalisation MTA, réalisée par l'artiste de culture pop urbaine Cope2. Authentique panneau de métro MTA d'origine : il s'agit d'un panneau métallique de 35,5 x 130 cm (14 x 51 pouces) peint à la bombe par cope2. Né en 1968 à New York sous le nom de Fernando Carlo Jr., Cope 2 a exposé ses œuvres lors d'expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger. Artiste autodidacte et figure légendaire du graffiti, il contribue depuis plus de 30 ans à la culture urbaine. Comptant parmi les graffeurs les plus prolifiques de New York, il a commencé à taguer son nom dans le South Bronx en 1978. Il a développé son style dans le métro et les rues du Bronx, créant des œuvres de graffiti tout au long des années 1980 et 1990 et acquérant une reconnaissance internationale pour son style unique. Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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Only You Can Hear 12 Color Glitter HPM Embellished Hand-Tired Limited Edition Serigraph Print on Thick Fine Art Paper by Romero Britto Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Femme avec oiseau décontracté, édition limitée à 300 exemplaires, rehaussée de paillettes à la main, 1996, imprimée chez Serigraphic Technique Specialists et publiée par la galerie N Miller.

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Plan du métro MTA - Vert citron et violet. Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture acrylique en aérosol sur un plan du métro new-yorkais en papier recyclé, par un artiste de rue populaire. Carte du métro new-yorkais peinte à la main, couleur vert citron et violet. Pièce unique originale. 56 x 84 cm. Au début du nouveau millénaire, Cope2 abordait une nouvelle étape de sa carrière, se concentrant de plus en plus sur sa place dans le milieu artistique des galeries et des musées. Bien qu'il ait commencé à travailler sur toile bien avant les années 2000, c'est à cette époque qu'il a opéré un tournant décisif en acceptant d'exposer systématiquement en intérieur. Que l'on considère le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme un acte de vandalisme irresponsable, une chose est sûre : ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public jusqu'aux plus grandes galeries du monde.

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Cartes du métro de New York IV Édition limitée Peinture en aérosol Embellie à la main Impressions pigmentaires HPM d'archives sur papier Moab Fine Art par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2019. Tirage d'art en édition limitée à 15 exemplaires, signé et numéroté. Format : 43,2 cm x 61 cm (17 x 24 pouces). « Plans du métro de New York IV », 2019. Tirage pigmentaire d'archive en couleurs avec embellissements à la main sur papier Moab Fine Art. Édition limitée à 15 exemplaires. Signée et numérotée au crayon en bas à gauche. Une déchirure de 1,25 cm (0,5 pouce) est visible sur la bordure inférieure gauche. L'intégration des récits urbains : les cartes du métro de New York de Cope2 IV « New York City Subway Maps IV » de Cope2 est une fusion dynamique entre l'énergie brute du graffiti et l'esthétique raffinée du Pop Art moderne, incarnant le pouls de la vie urbaine sur un objet tangible témoignant du quotidien new-yorkais. Cette série limitée de 2019, composée de seulement 15 exemplaires signés et numérotés, représente une contribution majeure au mouvement du Street Pop Art et du graffiti. Chaque pièce, de format 43 x 61 cm, est une impression pigmentaire d'archive rehaussée à la main sur papier Moab Fine Art, offrant un mélange unique de culture urbaine et d'art contemporain. La signature de Cope2 authentifie l'œuvre, et son numéro d'édition est inscrit au crayon en bas à gauche. L'un des exemplaires présente une petite déchirure de 1,3 cm, ajoutant à son authenticité. L'œuvre constitue une archive visuelle de l'histoire du graffiti new-yorkais, immortalisant cet art spontané, souvent éphémère, qui orne les plans du métro de la ville. Originaire du Bronx, Cope2 apporte à son travail authenticité et crédibilité, fort d'une réputation de plus de trente ans sur la scène graffiti. Son œuvre « New York City Subway Maps IV » reflète la nature complexe et stratifiée de l'art urbain, où tags et symboles s'entremêlent pour raconter l'histoire des divers habitants de la ville. À la croisée du street art et des beaux-arts chez Cope2 L'œuvre de Cope2 se situe à la croisée du street art et des beaux-arts, capturant l'essence de l'un dans la forme de l'autre. Ses pièces dépassent la simple représentation du graffiti ; elles sont le fruit de l'expérience vécue de l'artiste et de son interaction avec l'environnement urbain. Les couleurs vives et saturées, ainsi que les coups de pinceau énergiques, évoquent l'âge d'or du graffiti des années 1980 et 1990, lorsque des artistes comme Cope2 ne se contentaient pas d'embellir la ville, mais marquaient des territoires et exprimaient des identités. Le format limité de « New York City Subway Maps IV » et les embellissements réalisés à la main par Cope2 lui-même garantissent que chaque estampe est une œuvre unique, incarnant à la fois l'esprit du street art originel et la touche personnelle de l'artiste. La série encapsule la brutalité de la culture graffiti tout en la sublimant par la technique de l'estampe d'art, remettant en question les notions traditionnelles de ce qui constitue l'art et de qui est considéré comme un artiste. L'œuvre de Cope2 célèbre le langage visuel de la rue, présenté dans le contexte des beaux-arts. Elle offre un récit profondément ancré dans le tissu culturel new-yorkais, offrant un aperçu d'un mouvement qui a évolué de la marge vers le courant dominant. La série « New York City Subway Maps IV » rend non seulement hommage à l'histoire du street art, mais affirme également sa place dans la continuité de l'art contemporain. À travers son travail, Cope2 continue d'influencer et de façonner le dialogue autour du street art et du graffiti, garantissant ainsi que le dynamisme de la culture urbaine demeure un élément essentiel du discours du monde de l'art.

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Nasty Nas - Cut The Record Original One of Kind Mixed Media on Laser Cut Wood Panel With Industrial Resin Painting Artwork by Popular Street Graffiti Artist Tavar Zawacki (Ci-dessus). Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Dimensions : 22 x 22 pouces (56 x 56 cm). Sortie : 6 mai 2016. Cut the Record (Nas), 2014. Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Diamètre : 22 pouces (55,9 cm). Édition 1/1. Signée au verso. La série « Cut The Record » a été créée exclusivement pour cette sortie et faisait partie de ma plus récente exposition, Remix. C'était une série très personnelle, car j'ai sélectionné dix de mes musiciens préférés à représenter et à remixer. Ces dix musiciens font partie de mes favoris, des artistes que j'écoute quotidiennement. Pour mon exposition, j'ai quelque peu détourné le sens du terme « remix » pour l'adapter à l'échange et à l'échantillonnage de différentes gravures sur bois, similaires mais présentes sur les œuvres. Chacun des dix musiciens sélectionnés pour la série « Cut The Record » a soit vu sa musique remixée, soit réalisé ses propres remixes. Depuis la sortie de l'album Illmatic en 1994, je crois que je ne me suis pas arrêté une semaine sans l'écouter. C'est l'un de mes albums préférés.

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Tu sonnes comme un disque rayé. Œuvre originale unique en son genre, à l'encre sur maille de nylon et cadre en aluminium, réalisée par le légendaire artiste de graffiti de rue House33. YOU SOUND LIKE A BROKEN DISORD (Écran), 2021 Encre sur maille de nylon et cadre en aluminium 68 × 52 po 172,7 × 132,1 cm HOUSE33 : BAD INFLUENCES, une exposition célébrant les artistes qui ont influencé HOUSE33 à travers la sérigraphie : un outil qui transforme les objets du quotidien en œuvres d'art accessibles et inspirantes. L'exposition présente une série de toiles sérigraphiées uniques, des planches de skateboard grand format, des panneaux en bouleau de la Baltique imprimés, une série de sérigraphies originales réutilisées et une sérigraphie d'exposition en édition limitée. HOUSE33, une émanation du studio de design et fonderie typographique emblématique House Industries, est né d'une expérimentation créative hybride entre art et commerce, suite à une conversation entre Andy Cruz, fondateur de House Industries, et le créateur de mode britannique Simon « Barnzley » Armitage, figure mythique du streetwear londonien, autour de pochettes d'albums, de hot rods, de la théorie du chaos et de Brothel Creepers. Cette conversation a conduit House Industries, Barnzley et le designer Jeremy Dean à créer ensemble HOUSE33 et sa boutique phare à Soho, à Londres, au début des années 2000. Ce qui avait commencé comme une source d'inspiration pour des explorations typographiques et illustratives est devenu un véritable laboratoire créatif collaboratif pour les vêtements, l'art et le lettrage, ancré dans l'art de la sérigraphie.

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Remio Study- 04 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture en aérosol, acrylique sur papier beaux-arts, par le célèbre artiste de graffiti de rue Remio. Technique mixte sur papier beaux-arts. Format : 54 x 50 pouces. Sortie : 31 janvier 2020. Tirage : 1 exemplaire. Massif

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Œuvre d'art Street Shatter Art en résine époxy et bois, technique mixte, sur rue, signée et encadrée, sculpture/peinture de l'artiste de la culture pop urbaine Sechor. Œuvre signée de 2021, format 20x20, prête à accrocher. Sculpture murale originale encadrée, technique mixte, réalisée en époxy mélangé à des copeaux de bois sur un véritable panneau de signalisation « Ne pas entrer », dans un cadre fait main, prête à être accrochée.

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Triumph, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 17 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure, par Pose, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée signée, découpée à la main, 2021, 36 x 25,75 pouces

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Queen - Blue Original One of a Kind Peinture technique mixte, acrylique, peinture en aérosol sur panneau de bois encadré avec cadre de table personnalisé par le célèbre artiste de street art et de graffiti Greg Gossel. Œuvre originale signée et encadrée, 2017, Greg Gossel, Reine (Bleue), technique mixte sur panneau de bois entoilé, avec cadre sur mesure, 45,7 x 61 cm (18 x 24 po).

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Œuvre originale unique de Lady Shiva, technique mixte (peinture et marqueurs), réalisée sur papier d'art artisanal à bords frangés par la célèbre artiste de graffiti de rue Lady Pink. Illustration originale signée et datée de 2019, réalisée aux marqueurs de peinture sur papier frangé fait main. Format : 6 x 18 pouces. Lady Shiva de Lady Pink : La mythologie rencontre la résistance dans le pop art urbain « Lady Shiva », une œuvre de Lady Pink créée en 2019 à l'aide de techniques mixtes et de marqueurs sur papier d'art artisanal à la texture irrégulière, fusionne la mythologie aztèque avec le symbolisme du graffiti et la résistance sociale. Mesurant 15 x 45 cm, cette pièce unique illustre son engagement constant pour l'émancipation féminine et la réappropriation culturelle à travers le langage du Street Pop Art et du graffiti. La figure centrale est une femme vibrante, quasi divine, dotée de six bras, ornée de crânes, de symboles de paix et de marques faciales audacieuses. Elle tient des bombes de peinture et des chaînes, une référence directe aux outils et aux luttes du mouvement graffiti. La composition mêle iconographie traditionnelle et énergie cartoonesque, puisant son inspiration dans l'art mésoaméricain et la rébellion visuelle contemporaine. La figure de la déesse centrale fait référence à la divinité hindoue Shiva, puissant symbole de destruction et de transformation, ici réinterprétée à travers le prisme de la culture urbaine. Son expression est féroce, provocante et jubilatoire. Elle est entourée de serpents, d'oiseaux et de symboles ornementaux dessinés dans une palette de roses, de violets et de verts saturés – un choix esthétique qui reflète l'histoire de Lady Pink, qui a défié les récits dominés par les hommes dans le graffiti en s'appropriant son espace avec des couleurs et des formes assumées. Allégorie visuelle du pouvoir, de la culture et de la résistance Le récit se déploie avec des contrastes saisissants et un symbolisme riche. D'un côté, un policier grotesque au visage de porc, menotté à la déesse, serre une bombe de peinture comme s'il l'avait confisquée ou qu'il était incompris. De l'autre, des figures mythiques – parées de colliers de crânes et de serpents – se rallient à la cause de la déesse. Le design des personnages est ludique, mais le message est sans équivoque. Lady Pink utilise l'humour et la caricature pour exposer les cycles de surveillance, d'effacement culturel et de contrôle systémique. Les chaînes et les poings serrés transforment l'œuvre en une allégorie de l'émancipation – où l'art, l'identité et l'héritage deviennent des instruments de résistance. Il ne s'agit pas d'une représentation passive de la rébellion – elle est active, dynamique et festive. La déesse manie le graffiti comme une arme de réinvention. Ses yeux, ourlés d'épais cils, laissent couler des larmes stylisées qui évoquent à la fois la tristesse et la force. Son sourire, aux dents acérées, interpelle le spectateur. Cette hybridité émotionnelle – la férocité mêlée à la joie – est au cœur du style de Lady Pink. Elle construit une mythologie visuelle où mémoire culturelle et rébellion contemporaine se rencontrent au carrefour du genre, de l'histoire et de la peinture. L'iconographie du graffiti repensée à travers une vision féministe Lady Pink, née Sandra Fabara en Équateur et ayant grandi à New York, est une figure pionnière du graffiti depuis les années 1980. Son œuvre fusionne avec constance l'énergie de la rue et des récits personnels et politiques, notamment d'un point de vue féministe. « Lady Shiva » témoigne de son rôle dans la transformation du graffiti en un espace d'inclusion et de critique culturelle. Plutôt que d'adhérer aux conventions hyper-masculines du tag et du bombing, elle intègre des motifs anciens, des illustrations de personnages et du symbolisme pour livrer un commentaire social plus profond. Dans « Lady Shiva », l'association du papier fait main, des traits épais de marqueur et du sujet mythologique s'accorde avec la nature tactile et éphémère du graffiti. Les bords non polis, les textures de pinceau visibles et les aplats de couleurs vives évoquent l'immédiateté des murs de la rue et des carnets de croquis. Cette physicalité renvoie aux racines du médium : accessible, brut et profondément personnel. L'œuvre refuse le lisse au profit de la présence, conférant à la déesse une qualité brute et vivante. À travers Lady Shiva, Lady Pink ne se contente pas de créer une déesse ; elle forge une arme narrative. L’œuvre se mue en une déclaration murale miniature, tissant un lien entre puissance spirituelle, art ancestral et résistance vécue par les femmes artistes qui revendiquent l’espace public. C’est un sortilège visuel lancé à la bombe et au marqueur, invoquant la transformation dans le langage du Street Pop Art et du graffiti.

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Étude nocturne II Dessin original à l'encre sur papier beaux-arts par Sheefy McFly, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original au marqueur signé, 2020, format 18x24 Étude nocturne encadrée II, 2020. Encre sur papier, 61 x 45,7 cm (feuille). Signée et datée sur le bord droit. Dimensions encadrées : 70 x 55 cm.

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Œuvre d'art originale Word, technique mixte, bois et clôture de construction, sculpture réalisée par l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Skewville. Word, début du XXIe siècle. Bois et plastique. 203,2 x 68,6 x 9,5 cm. Signé à l'encre au verso. 2007 Légères salissures superficielles ; quelques débris organiques dans certains coins.

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A Bathing Ape 28e anniversaire 1000% - BE@RBRICK rose, figurine de collection en vinyle, édition limitée, art urbain #3 2021 Medicom x A Bathing Ape Bape Neuf en boîte

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A Bathing Ape 28e anniversaire 1000% - Figurine d'art en vinyle BE@RBRICK édition limitée verte, jouet d'art urbain à collectionner #4 2021 Medicom x A Bathing Ape Bape Neuf en boîte

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XLARGE x D*FACE - Gris anthracite 1000% BE@RBRICK Édition limitée, œuvre d'art en vinyle Medicom Toy, figurine de collection. 2020 Une collaboration entre l'artiste britannique D*Face et XLARGE : une excellente nouvelle pour les fans de Bearbricks, et plus particulièrement pour les collectionneurs de modèles à 1000 %. Ce design exclusif associe le gorille OG de XLARGE, icône classique de D*Face.

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Somewhere Over The Rainbow, œuvre originale unique en son genre, réalisée à l'encre et à la peinture en aérosol sur bois découpé à la main par le célèbre artiste de graffiti de rue Peter Van Flores. Gravure sur bois originale signée de 2022, intitulée « Somewhere Over The Rainbow ». Hommage à Money. Encre, peinture aérosol et colle de blé sur plusieurs couches de bois découpées à la main. Pièce unique.

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Young Until I Die 1 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte (peinture en aérosol, acrylique et pochoir) sur papier Royal Sundance 270 g/m² par le célèbre artiste de graffiti de rue Pez. 2021. Œuvre signée, technique mixte sur papier Royal Sundance 270 g/m², 50 × 70 cm (19,69 × 27,56 pouces), encadrée professionnellement en noir avec passe-partout flottant.

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Happy All-Stars 1 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte (peinture en aérosol et acrylique) sur toile de lin tendue sur châssis, par le célèbre artiste de graffiti de rue Pez. 2021, œuvre signée, technique mixte, toile 61 x 61 cm (24 x 24 pouces) montée sur châssis, prête à accrocher Les créations artistiques d'El Pez se distinguent par leurs couleurs vives et éclatantes, ainsi que par leurs thèmes joyeux et insouciants. Son poisson emblématique au sourire radieux apparaît fréquemment aux côtés d'autres personnages, tels que des oiseaux, des chats et une variété d'êtres anthropomorphes. Les poissons si caractéristiques d'El Pez ont été peints sur les murs et diverses surfaces à travers le monde, dans des villes comme Barcelone, Miami, Londres, Paris et bien d'autres. Ce motif récurrent du poisson symbolise la joie de vivre et le bonheur que El Pez s'efforce de partager à travers son art. Figure incontournable du graffiti et du street art, El Pez a participé à de nombreux festivals et événements artistiques, et ses œuvres ont été exposées dans des galeries du monde entier. Il a collaboré avec d'autres artistes de rue de renom et est considéré comme une figure majeure de l'art urbain contemporain.

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Union Pacific Chilled Express Original One of Kind Peinture Acrylique sur Bois Encadré Vieilli Cloué par le Populaire Artiste de Graffiti de Rue Lyric One. Panneau de bois original peint à la main, signé et prêt à accrocher, réalisé à la peinture acrylique avec des rivets en relief réalistes. Dimensions : 24 x 36 pouces. Sortie : 15 août 2019. Capturer l'essence du mouvement éphémère dans l'art urbain « Union Pacific Chilled Express » est une saisissante peinture acrylique originale du célèbre graffeur Lyric One. Réalisée en 2019 sur un panneau de bois vieilli et clouté, orné de rivets en relief réalistes et mesurant 61 x 91 cm, cette œuvre incarne la fusion du pop art urbain et du graffiti. Elle évoque le dynamisme et l'activité commerciale qui animent le monde ferroviaire, rendant hommage à la nature éphémère du fret et de l'art. Récits industriels dans l'œuvre de Lyric One L'exploration artistique du monde des transports et de l'industrie par Lyric One se cristallise dans cette œuvre majeure. Le sujet – un wagon frigorifique de l'Union Pacific, utilisé pour le transport de denrées périssables sur de longues distances – est une source d'inspiration inhabituelle pour les artistes. Pourtant, Lyric One sublime cet objet industriel du quotidien en une véritable œuvre d'art, capturant avec minutie les textures et les surfaces qui racontent une histoire de voyage, de commerce et d'écoulement du temps. L'œuvre, signée et prête à être accrochée, a été dévoilée le 15 août 2019. Elle témoigne de la capacité de l'artiste à transposer l'esprit du pop art urbain sur différents supports. Le choix du bois vieilli et le souci du détail, comme les rivets en relief, évoquent les textures des environnements urbains. Ces rivets ajoutent une dimension tactile à l'œuvre et font écho à la nature industrielle du transport ferroviaire – chacun pouvant symboliser les innombrables connexions et jonctions qui jalonnent les réseaux ferroviaires. Symbolisme et esthétique dans l'art du graffiti Dans « Union Pacific Chilled Express », le contraste entre la fonction pratique du service de transport frigorifique et l'expression vibrante du graffiti est saisissant. Les lettres bleu glacier, audacieuses, se détachant sur le fond blanc immaculé, captivent le regard et plongent le spectateur dans un univers où l'industrie et l'art se rencontrent. Les motifs de flocons de neige symbolisent non seulement la réfrigération, mais ajoutent aussi une touche de fragilité, un clin d'œil subtil à l'impermanence, thème récurrent dans le street art et le monde du commerce. L'œuvre de Lyric One témoigne du dynamisme du pop art urbain. À chaque coup de pinceau sur le bois, l'artiste donne vie au bourdonnement des voies ferrées, au froid des soutes à marchandises et à l'omniprésence de l'industrie dans notre quotidien. L'œuvre n'est pas une simple pièce statique à admirer ; elle participe activement au débat sur le rôle de l'industrie dans la société et l'influence omniprésente du commerce sur notre culture visuelle. Cette œuvre de Lyric One nous rappelle que le pop art urbain et le graffiti ne se limitent pas aux murs et aux ruelles, mais constituent des formes d'expression dynamiques capables de transformer n'importe quelle surface en un récit. « Union Pacific Chilled Express » célèbre cette polyvalence et le talent des artistes de rue pour saisir l'essence du mouvement, de l'activité économique et de la nature éphémère de la vie dans leurs créations.

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Dessin original et visionnaire de style pop art moderne, réalisé à la feuille d'or et au crayon graphite sur bois encadré par l'artiste Craww. Dessin au crayon, technique mixte, à la feuille d'or, signé en 2014, sur bois encadré, 12 x 16 pouces

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Hollow Breath, œuvre originale unique en son genre, peinture au fusain et acrylique sur bois encadré, par Craww, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture acrylique originale signée de 2013, dimensions 23,5 x 31,5 cm, sur panneau de bois encadré, prête à être accrochée. Explorer les profondeurs du Souffle Creux de Craww « Hollow Breath », une œuvre originale et captivante du célèbre artiste de street art Craww, illustre avec force comment l'énergie brute du pop art et du graffiti peut être canalisée dans des médiums artistiques plus traditionnels. Cette pièce unique, créée en 2013, est une symphonie de fusain et d'acrylique sur un panneau de bois entoilé, témoignant de la maîtrise de l'artiste pour ces deux matériaux. L'œuvre de 59,7 x 80 cm offre un espace généreux à la vision sombre et onirique de Craww. Signée par l'artiste, « Hollow Breath » capture l'essence du style caractéristique de Craww, souvent marqué par des figures féminines éthérées enlacées à des éléments naturels. La peinture explore des thèmes récurrents dans son œuvre : la dualité de la beauté et de la mélancolie, et l'équilibre subtil entre la vie et la mort. Le fusain confère à la peinture une douceur, permettant des dégradés subtils et une certaine profondeur, tandis que l'acrylique apporte une vivacité qui perce le voile monochrome. Technique et symbolisme dans le souffle creux de Craww Dans « Souffle creux », l'utilisation du fusain et de la peinture acrylique par Craww n'est pas un simple choix de prédilection, mais une décision délibérée visant à exprimer des états émotionnels complexes. Le fusain, avec son aspect fumé et diffus, crée une impression d'impermanence et de fragilité, faisant écho à la nature éphémère de la vie. Parallèlement, l'acrylique, réputée pour son intensité et sa clarté, met en valeur les points focaux de la toile, tels que les lys et les roses, symboles de pureté et de passion. Le panneau de bois encadré constitue un support idéal pour cette œuvre, sa solidité contrastant fortement avec la délicatesse des images. Cette juxtaposition reflète les contrastes présents dans l'ensemble du travail de Craww, où force et vulnérabilité coexistent souvent. La texture du bois confère à l'œuvre une dimension organique, l'ancrant dans le monde naturel qui influence fréquemment l'art de Craww. La position unique de Craww dans l'art contemporain Craww occupe une place unique dans l'art contemporain, faisant le lien entre les univers souvent distincts du street art et des beaux-arts. « Hollow Breath » témoigne de sa capacité à naviguer entre ces deux mondes, insufflant l'immédiateté et l'authenticité du street art dans un format traditionnellement associé aux galeries et aux musées. L'originalité de cette œuvre et sa capacité à être accrochée immédiatement en font non seulement une œuvre d'art, mais une pièce maîtresse qui trouvera sa place dans la collection d'un amateur d'art. La beauté mélancolique de « Hollow Breath » trouve un écho chez ceux qui connaissent le travail de Craww dans l'espace public. Pourtant, elle s'impose également comme une œuvre d'art à part entière, invitant à l'interprétation et à l'admiration, que l'on soit familier ou non avec son street art. Cette polyvalence et cette large audience rendent l'œuvre de Craww particulièrement captivante sur la scène artistique contemporaine. « Hollow Breath » incarne le charme envoûtant de la vision artistique de Craww, fusionnant la fluidité du fusain avec l'intensité de l'acrylique sur une toile aussi résistante que le bois. Cette peinture originale est un exemple frappant de la façon dont le pop art urbain et le graffiti peuvent transcender leurs racines urbaines pour créer un art à la fois profond et accessible, capable d'émouvoir et de fasciner dans le calme d'un espace intérieur.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Gold 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection par Bape - A Bathing Ape x Medicom . 2022 A Bathing Ape Bearbrick Rare à collectionner , neuf en boîte

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Silver 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine d'Art de Collection Bape - A Bathing Ape. 2022 A Bathing Ape Bearbrick Rare à collectionner , neuf en boîte

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He-Man & Battle Cat, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Madsaki x MOTU. En 2020, Madsaki et Mattel Creations se sont associés pour créer ces figurines exclusives Madsaki x Masters of the Universe HE-MAN et BATTLE CAT. La sculpture mesure 42,5 cm de haut. MADSAKI et MATTEL CREATIONS s'associent pour créer cette pièce exclusive et iconique : une réplique miniature de la sculpture monumentale HE-MAN® et BATTLE CAT® qui avait captivé les fans et les critiques d'art lors de l'exposition solo « 1984 » de MADSAKI à la galerie Kaikai Kiki de Tokyo en 2020. Mesurant 43 cm de haut et sculptée dans un style cartoon des années 80, rehaussée d'une profusion de graffitis urbains contemporains époustouflants, cette sculpture présente fièrement le héros le plus célèbre d'Eternia, HE-MAN, et le féroce BATTLE CAT®, brouillant ainsi les frontières entre jouet et œuvre d'art. Chaque sculpture est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé à la main par MADSAKI et de gants blancs pour en prendre soin. Livrée en boîte. MADSAKI x MOTU – He-Man et Battle Cat dans un style pop art et graffiti. La sculpture en vinyle en édition limitée He-Man & Battle Cat de MADSAKI, produite en collaboration avec Mattel Creations en 2020, est une fusion saisissante de nostalgie, de culture pop et de rébellion urbaine – une contribution incontournable au monde du street art et du graffiti. Initialement dévoilée comme pièce maîtresse de l'exposition personnelle de MADSAKI en 1984 à la galerie Kaikai Kiki de Tokyo, cette version réduite de 43 cm (17 pouces) capture l'énergie débordante de son homologue monumentale tout en offrant une dose explosive d'absurdité cartoon des années 80, rendue dans un style coloré et audacieux, typique du graffiti. Avec le vert fluorescent, le rose électrique et l'orange vif comme palette dominante, l'œuvre transforme deux des personnages les plus emblématiques de la franchise Les Maîtres de l'Univers – He-Man et Battle Cat – en figures de street art contemporaines. Bien plus qu'un simple hommage, la version de MADSAKI réinvente ces personnages comme des avatars de la mythologie pop, filtrés par le regard d'un graffeur. L'armement, l'armure et la pose restent fidèles à l'esthétique de l'animation originale, mais les couleurs exagérées et le style de peinture chaotique propulsent cette œuvre d'art dans un nouveau domaine où coexistent les beaux-arts, les objets de collection en vinyle et la sensibilité graffiti. La nostalgie instrumentalisée dans les néons urbains La démarche de MADSAKI s'enracine dans la culture du remix, pierre angulaire du Street Pop Art. En s'appropriant le langage visuel de l'enfance – Musclor étant l'un des héros animés les plus emblématiques des années 1980 – et en le soumettant à la distorsion visuelle de la saturation néon et des contours agressifs, il transforme le kitsch en critique. Il ne s'agit pas simplement de se souvenir des dessins animés du samedi matin, mais de faire de ces souvenirs une arme et d'examiner comment le divertissement commercial a façonné l'identité, la masculinité et le fantasme dans la culture capitaliste tardive. Battle Cat, habituellement symbole de force et d'énergie brute et primitive, devient une bête imbibée de néon, incarnation de l'absurdité postmoderne, vêtue de rose shocking et de vert radioactif. MADSAKI le métamorphose d'une bête de guerre en un monument codé par graffiti, symbole de l'excès culturel. Musclor, brandissant toujours son épée, ressemble moins à un défenseur héroïque qu'à un gladiateur psychédélique issu de l'inconscient d'un artiste de rue nourri aux VHS et à l'ironie. De la toile au vinyle : la mutation street pop de MADSAKI MADSAKI est un habitué des réinterprétations d'icônes. Reconnu pour ses versions expressives de chefs-d'œuvre occidentaux et de personnages de manga, il fusionne l'esthétique urbaine japonaise avec l'héritage du graffiti new-yorkais. Sa collaboration avec Mattel sur la sculpture en vinyle représente l'évolution naturelle du Street Pop Art : là où les murs des galeries rencontrent les étagères des collectionneurs, et où la nostalgie, loin d'être passive, se radicalise. Cette figurine brouille les frontières entre sculpture et installation urbaine. Le choix des couleurs évoque l'esthétique des bombes de peinture, et les surfaces brillantes rappellent le raffinement des fresques murales en vinyle et du design des jouets. À l'instar de KAWS, Sket-One ou Ron English, MADSAKI prouve que le vinyle sculptural peut être un moyen de confrontation, et non un simple objet de consommation. La figurine est livrée avec un certificat signé à la main et des gants de présentation, renforçant ainsi son statut d'œuvre d'art et d'artefact culturel. La place de MADSAKI dans le canon du graffiti-pop L'œuvre de MADSAKI, He-Man & Battle Cat, est une pièce maîtresse du street art et du graffiti contemporains. Elle allie satire, précision technique, attrait pour les collectionneurs et critique culturelle. Plutôt que de dissocier l'art du jouet ou le populaire du savant, MADSAKI fusionne toutes les catégories en une œuvre percutante qui remet en question la nostalgie du spectateur et ses conceptions de l'art. Cette sculpture n'est pas un simple clin d'œil aux fans : c'est une véritable subversion. Elle transforme les héros de l'enfance en avatars fluorescents de l'identité postmoderne, rendus dans le chaos chromatique du langage graffiti. En insufflant l'esprit de la rue dans l'enveloppe plastique des icônes pop mondiales, MADSAKI s'impose comme l'un des artistes qui redéfinissent la culture visuelle, un coup de spray, une sculpture et un cri à la fois.

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HIVE B-006H.Battle, sculpture en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Vectormobb. Sculpture en vinyle à l'échelle 1/2 (40,5 cm) - Édition limitée à 300 exemplaires - Création de Johnny (Vectormobb). ZCWO x VECTORMOBB HIVE B-006H. Les abeilles sont essentielles à la vie sur Terre grâce à la pollinisation. Ces insectes extraordinaires n'attaquent que lorsqu'ils se sentent menacés ; ils méritent donc une ruche digne de ce nom, capable de dissuader les intrus qui convoitent leur miel. HIVE B-006H - Sculpture inspirée de la Bataille Star Wars par Vectormobb. L'effervescence artistique : HIVE B-006H Battle par Vectormobb Dans un monde où culture pop et conscience environnementale se rencontrent, HIVE B-006H Battle de Vectormobb est une œuvre monumentale d'art pop moderne qui transcende la simple esthétique. Conçue par Johnny de Vectormobb, cette sculpture en vinyle de 40 cm (16 pouces) à l'échelle 1/2 incarne la fusion de la conscience écologique et des visuels saisissants de la science-fiction, notamment l'imagerie emblématique de « Star Wars ». Thèmes convergents : L'écologie rencontre l'iconographie pop La figurine HIVE B-006H Battle n'est pas qu'un simple objet de collection, c'est une véritable œuvre d'art. Limitée à 300 exemplaires, elle présente un nid d'abeilles lumineux et des yeux qui lui donnent vie, créant un effet à la fois visuellement saisissant et thématiquement poignant. Les abeilles, pollinisatrices essentielles de nos écosystèmes, sont ici représentées sous une forme à la fois sanctuaire et guerrière, reflétant leur rôle vital dans notre monde et la nécessité de protéger ces insectes infatigables. L'utilisation d'un casque de Stormtrooper réinventé en ruche s'inspire de la notoriété de la franchise « Star Wars » et offre une nouvelle perspective sur ces personnages. Elle suggère un récit où le naturel et l'artificiel fusionnent, où les soldats habituellement anonymes d'un empire galactique deviennent les gardiens de la nature, symbolisant une harmonie potentielle entre technologie et environnement. La vision créative de VECTORMOBB : une synthèse de l'art et du plaidoyer La vision créative de Vectormobb, notamment à travers cette œuvre, symbolise le pouvoir transformateur du street art. HIVE B-006H Battle transcende la frontière entre art et engagement, exploitant la force évocatrice d'icônes populaires pour aborder des problématiques actuelles. Elle incarne physiquement le dialogue entre progrès humain et monde naturel, un dialogue de plus en plus pressant dans notre société contemporaine. Cette sculpture en vinyle est un phare de l'esprit du street art, qui consiste souvent à réinterpréter le familier pour créer une œuvre inédite et stimulante. À travers cette pièce, Vectormobb prolonge le débat dans les lieux fréquentés par les amateurs d'art et les collectionneurs, suscitant des discussions sur la conservation, la coexistence et notre rôle dans la préservation de notre planète. La performance artistique de HIVE B-006H Battle témoigne du rôle des artistes contemporains dans la construction du discours public par l'expression créative. En intégrant les images emblématiques de « Star Wars » à la problématique cruciale de la conservation des abeilles, Vectormobb signe une œuvre aussi percutante par son message que par sa conception. Cette pièce nous rappelle avec force que l'art peut refléter nos passions et catalyser le changement, nous incitant à réfléchir à l'équilibre délicat entre la préservation de notre patrimoine culturel et la sauvegarde de notre avenir environnemental.

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Skeletor, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti de rue Madsaki x MOTU. En 2020, Madsaki et Mattel Creations se sont associés pour créer ces figurines exclusives Madsaki x Masters of the Universe SKELETOR. 8,5 x 11 MADSAKI et MATTEL CREATIONS s'associent pour créer cette figurine exclusive et iconique : une réplique miniature de la sculpture monumentale de SKELETOR qui avait captivé fans et critiques d'art lors de l'exposition solo « 1984 » de MADSAKI à la galerie Kaikai Kiki de Tokyo en 2020. Cette version miniature arbore une couleur exclusive. Mesurant 28 cm de haut (jusqu'au sommet du bâton), avec une expression faciale réalisée à la bombe de peinture, ses couleurs vives contrastent avec les figurines HE-MAN et BATTLE CAT déjà produites. SKELETOR, le plus célèbre méchant d'Eternia, est ici sublimé en une figurine unique, imprégnée des souvenirs d'enfance de l'artiste, de ses jouets bon marché préférés et de son respect pour la culture qui l'a profondément marqué. Chaque figurine est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé à la main par MADSAKI et de gants blancs pour prendre soin de votre œuvre d'art. Présenté avec boîte

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Toile sans titre I Œuvre originale du genre Technique mixte acrylique et peinture à la bombe sur toile tendue sur châssis par Crash - John Matos, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture originale signée, réalisée à la bombe aérosol et à l'acrylique en 2022, format 12x12 Le langage visuel de Crash dans « Untitled Canvas I » « Untitled Canvas I », une œuvre originale du célèbre graffeur John Matos, alias Crash, illustre de façon saisissante la capacité du street art et du graffiti à saisir l'essence visuelle de la vie urbaine. Cette peinture de 30 x 30 cm, réalisée en technique mixte acrylique et aérosol sur une toile montée sur châssis, témoigne de l'influence durable de Crash sur la scène du graffiti. Signée, elle illustre le mélange unique de maîtrise technique et d'expression spontanée qui caractérise son œuvre. L'exploration des formes et des couleurs par Crash L'œuvre présente une symphonie de couleurs vibrantes et de formes abstraites, chaque élément étant méticuleusement superposé pour créer une composition harmonieuse. L'utilisation de la peinture en aérosol par Crash est manifeste dans les fonds doux et atmosphériques et les lignes angulaires et nettes, qui confèrent à la pièce sa texture et sa profondeur caractéristiques du graffiti. L'acrylique ajoute richesse et solidité aux formes, soulignant la polyvalence et l'étendue du talent de l'artiste. « Untitled Canvas I » est une danse vibrante de couleurs et de formes qui traduit l'énergie dynamique des rues dont Crash est issu. L'intersection du street art et du pop art dans l'œuvre de Crash « Untitled Canvas I » symbolise la capacité de Crash à fusionner la force brute du street art et l'imagerie audacieuse du pop art. Cette œuvre, par son utilisation saisissante de motifs issus de la culture pop et de techniques de street art, témoigne d'une profonde compréhension des deux genres. La fusion de ces styles opérée par Matos a joué un rôle déterminant dans l'ascension du graffiti des rues aux galeries, jetant ainsi un pont entre des univers artistiques distincts. La contribution de John Matos à l'art contemporain Avec des œuvres comme « Untitled Canvas I », John Matos s'est imposé comme un pionnier du pop art urbain et du graffiti. Ses contributions ont contribué à abolir les frontières entre l'art savant et la culture urbaine, instaurant un dialogue qui a enrichi le discours sur l'art contemporain. À l'instar de nombreuses de ses créations, cette œuvre n'est pas un simple objet, mais un élément vivant du récit vibrant et en constante évolution du street art. En substance, « Untitled Canvas I » de Crash est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un récit, une affirmation et une célébration de la culture qui a façonné John Matos en tant qu'artiste. C'est un vibrant témoignage du pouvoir du pop art urbain et du graffiti à communiquer, à interpeller et à captiver.

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Toile sans titre III Œuvre originale unique en son genre, technique mixte acrylique et peinture à la bombe sur toile tendue sur châssis, par Crash - John Matos, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture originale signée, réalisée à la bombe aérosol et à l'acrylique en 2022, format 12x12 « Toile sans titre III » de John Matos : Une symphonie de couleurs et de formes « Untitled Canvas III », une œuvre originale en techniques mixtes du célèbre graffeur Crash, de son vrai nom John Matos, illustre son rôle essentiel dans l'évolution du street art et du graffiti. Reconnu pour son utilisation vibrante de l'acrylique et de la peinture aérosol, Crash continue de capturer l'énergie dynamique de la vie urbaine sur des toiles montées sur châssis. Cette œuvre, réalisée en 2022, est une toile carrée de 30 x 30 cm qui vibre de l'intensité et du chaos maîtrisé qui caractérisent Crash. La maîtrise de Crash dans le street art pop et le graffiti Dans « Untitled Canvas III », la maîtrise de Crash dans la manipulation des acryliques et des peintures en aérosol pour créer des œuvres texturées et superposées est manifeste. L'œuvre présente un ensemble de formes géométriques et de couleurs vives qui s'imbriquent et se chevauchent, créant une impression de profondeur et de mouvement. Ses lignes audacieuses et ses angles aigus caractéristiques reflètent l'influence du graffiti, tout en intégrant diverses formes et couleurs, évoquant le mouvement pop art. Chaque élément de cette œuvre est soigneusement travaillé pour maintenir un équilibre visuel, faisant écho au rythme et à la pulsation de la vie urbaine. Un regard plus attentif sur « Toile sans titre III » L'œuvre « Untitled Canvas III » de Crash témoigne de son talent artistique et de sa capacité à communiquer par le langage visuel. Vue dans son ensemble, elle révèle des formes apparemment abstraites qui suggèrent un récit laissé à l'interprétation du spectateur. Cette dimension énigmatique, caractéristique de son travail, invite le public à explorer la toile et à tisser des liens personnels avec les images. Le format de l'œuvre lui confère une dimension intime, favorisant une interaction unique entre elle et celui qui la contemple. L'influence de l'œuvre de Crash sur l'art contemporain L'influence de John Matos sur le monde de l'art, à travers son personnage Crash, a été profonde, notamment dans les scènes du pop art urbain et du graffiti. « Untitled Canvas III » témoigne de sa pertinence et de son innovation constantes en tant qu'artiste. Son œuvre a joué un rôle déterminant dans la remise en question des frontières et des perceptions traditionnelles des beaux-arts, faisant résonner la voix authentique de la rue dans l'atmosphère raffinée des galeries. En tant qu'original signé, cette pièce possède un attrait particulier, offrant aux collectionneurs un lien tangible avec l'énergie et l'esprit de l'art urbain contemporain. En résumé, « Untitled Canvas III » de Crash est une œuvre vibrante, représentative du pop art urbain et du graffiti. Elle incarne l'essence du parcours artistique de Matos, révélant son style distinctif qui a à la fois défini et transcendé les genres qu'il explore. L'œuvre se présente comme un récit coloré de la vie urbaine et un apport significatif au discours de l'art moderne.

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Sérigraphie stellaire artisanale en 4 couleurs sur papier vélin Coventry Rag 320 g/m² à bords frangés, par l'artiste pop Lefty Out There. Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 40 exemplaires. Format 24x36.

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Le plus grand de tous les temps 2 Muhammad Ali x Floyd Patterson Œuvre d'art pop street Édition limitée Impression giclée sur papier aquarelle épais par l'artiste moderne Alec Monopoly Brand. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 36 x 24 pouces. Petite déchirure de 2,5 cm au milieu inférieur

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Le plus grand de tous les temps 4 (endommagé) Muhammad Ali x Leon Spinks Œuvre d'art pop street en édition limitée Impression giclée sur papier aquarelle épais par l'artiste moderne Alec Monopoly Brand. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 36 x 24 pouces. Déchirure jusqu'au milieu de la partie droite, sur environ 7,5 cm.

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Le plus grand de tous les temps 3 Muhammad Ali x Sonny Liston Œuvre d'art pop street en édition limitée Impression giclée sur papier aquarelle épais par l'artiste moderne Alec Monopoly Brand. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 36 x 24 pouces.

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Étiquette de carte du métro MTA - Œuvre d'art originale unique en son genre, dessinée au marqueur sur une carte du métro MTA par l'artiste populaire de la culture pop et du street art Stay High 149 - Wayne Roberts. Peinture/dessin original encadré et signé, datant de 2011, représentant un plan du métro new-yorkais (MTA). Dimensions : 22,75 x 32,25 pouces.

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Œuvre originale unique de Mur, peinture à la bombe et acrylique sur toile tendue, par un artiste populaire de street art et de culture pop (droits d'auteur réservés). Peinture originale encadrée et signée de 2000, dimensions 32 x 40 pouces. Dimensions encadrées : 41,5 x 33,5 pouces

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« Des yeux comme ceux-là », œuvre d'art originale et unique, collage de peinture à la bombe aérosol, technique mixte, sur toile tendue, par l'artiste pop Indie184 - Soraya Marquez. Peinture originale unique signée de 2017, format 35,5 x 48 pouces. Toile non doublée.

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