Sculpture et statue Beaux-Arts

Achetez Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Handmade & Painted Art Toy Collectible Artwork par les artistes pop Nugg Life NY. Hommage aux plantes sur le thème du cannabis/marijuana avec des accents colorés peints à la main. Mini Nug mesure environ 2,5 à 3 pouces de haut et est fait à la main, peint et assemblé avec un conteneur de livraison NYC. Tirage limité à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins

D*Dog Grin Édition Limitée Vinyle Art Jouet de Collection Œuvre d'art par le graffeur de rue Ron English- POPaganda Popaganda x D*Face Dean Stockton x Fabriqué par Monsters. Édition limitée 2019 signée et numérotée à 250 exemplaires. Certificat d'authenticité inclus. Présentée dans son coffret. Format de l'illustration : 6 x 15 pouces. D*Face et Ron English-POPAganda en collaboration avec l'atelier de sculpture sur vinyle Made by Monsters. Sculpture inspirée du D*Dog emblématique de D*Face, ornée du Grin Skull signature de Ron English-POPAganda. Le jouet d'art DDog ​​Grin est une œuvre collaborative créée par deux artistes de renom : Ron English-POPaganda et DFace (Dean Stockton). Tous deux sont reconnus pour leur contribution au monde du street art et des jouets design, et cette collaboration met en lumière leurs styles uniques et leur synergie créative. Ron English-POPaganda est un artiste contemporain américain, célèbre pour son style « POPaganda » caractéristique, qui mêle références culturelles populaires et savantes, combinant souvent des images de marques et des publicités reconnaissables à des messages subversifs. Il a créé de nombreux jouets d'art, sculptures et peintures tout au long de sa carrière. D*Face, ou Dean Stockton, est un artiste de rue britannique qui a acquis une renommée internationale pour son travail visuellement saisissant, caractérisé par un mélange de pop art, de graffiti et de graphisme. Ses créations se distinguent souvent par des couleurs vives, des images percutantes et un commentaire social incisif. Le jouet d'art DDog ​​Grin est une fusion des styles de ces deux artistes, donnant naissance à une œuvre visuellement captivante et qui invite à la réflexion. Cette figurine d'art représente un chien arborant le sourire caractéristique de Ron English-POPoganda, tout en intégrant des éléments pop art et graffiti propres à DFace. Cette édition limitée est non seulement un objet de collection, mais aussi un témoignage du talent des artistes à créer une œuvre cohérente qui met en valeur leurs dons respectifs.

Lis Plus Moins

HYPE Box Limited Boîte en bois sérigraphiée à la main, sculpture technique mixte, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Skewville. Édition très limitée, faite main et signée, 2021

Lis Plus Moins

Chem-Dawg Mini Nugs Mini Nugs en édition limitée, jouets d'art faits main et peints, œuvres d'art de collection par des artistes pop, Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Chaque Mini Nug, édition limitée 2022, mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement fabriquée à la main. Livrée dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Numérotée et signée, cette édition limitée est composée de 20 exemplaires.

Lis Plus Moins

Faces - Œuvre d'art exclusive NYCC en édition limitée, technique mixte, sculpture en silicone, réalisée par l'artiste de rue et graffeur moderne Jake Waldron. L'incroyable Jake Waldron vous présentera en exclusivité pour le Comic Con de New York 2014 une série de ses sculptures « faces ». Tirée à seulement 10 exemplaires, chaque sculpture encadrée, réalisée en silicone et en techniques mixtes, est signée et numérotée.

Lis Plus Moins

Sculpture Popcorn Bowie en techniques mixtes par Yusuke Hanai x Netflix, édition limitée, œuvre d'art moderne pop graffiti street art. Édition limitée numérotée et estampillée de 500 exemplaires (2023). Sculpture, figurine, dimensions : 2 x 7,3 cm, bol : 8,27 x 8,27 cm. Neuve en boîte. Synthèse artistique entre culture pop et art urbain : Popcorn Bowie de Yusuke Hanai x Netflix Dans le paysage du graffiti pop et du street art contemporain, « Popcorn Bowie », sculpture en techniques mixtes réalisée par Yusuke Hanai en collaboration avec Netflix, s'impose comme une œuvre majeure. Créée en 2023, cette œuvre témoigne du talent de l'artiste et propose un commentaire culturel qui fait le lien entre le monde du divertissement et celui des beaux-arts. Numérotée et estampillée, cette figurine au design unique est éditée à 500 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection. De dimensions compactes (5 x 18,5 cm), elle est présentée dans un bol de 21 x 21 cm, neuve dans son emballage d'origine. Yusuke Hanai, artiste japonais reconnu pour son style singulier puisant son inspiration dans l'esthétique traditionnelle japonaise et la culture surf internationale, a insufflé à « Popcorn Bowie » un caractère à la fois ludique et profond. Cette œuvre est un hommage à l'ère du street art, où convergent la spontanéité du graffiti et la fascination du pop art pour la culture de masse. La sculpture rend hommage à la figure emblématique de David Bowie, un sujet tout indiqué pour une œuvre qui cherche à incarner l'esprit du pop art, avec son dialogue constant avec la culture populaire et les célébrités. La posture décontractée du personnage, associée à la présence d'un bol de pop-corn, suggère un moment de détente et de divertissement, thèmes fréquemment explorés dans le travail de Hanai. Le titre de l'œuvre, « Popcorn Bowie », évoque un sentiment de plaisir décontracté tout en faisant référence à cette icône musicale légendaire, connue pour sa personnalité transformatrice et anticonformiste. Cette dualité est au cœur du street art : la rencontre quotidienne de l'extraordinaire et du banal, ponctuée d'étincelles de génie. Matérialité et signification dans Popcorn Bowie : un artefact contemporain Sur le plan matériel, « Popcorn Bowie » est une symphonie de matériaux variés, illustrant la tradition du pop art urbain qui consiste à utiliser une diversité de matériaux pour créer des œuvres aux multiples facettes. La nature mixte de la sculpture – incluant probablement des éléments tels que la résine, la peinture et peut-être des substances plus insolites – fait écho au principe du graffiti, qui utilise tous les matériaux disponibles pour communiquer avec le public. Chaque sculpture, faisant partie d'une série limitée, porte la marque de l'exclusivité et constitue une pièce tangible de la vision de Hanai, estampillée et numérotée pour garantir son authenticité et sa valeur de collection. Le récit que raconte « Popcorn Bowie » est un reflet de notre époque : une œuvre moderne puisant dans diverses facettes de la vie contemporaine. La collaboration avec Netflix, géant du divertissement, met en lumière la rencontre entre les racines underground du pop art et les phénomènes culturels grand public. Ce partenariat témoigne de l'évolution du pop art urbain et du graffiti, où les mouvements contre-culturels dialoguent désormais ouvertement avec les entreprises, marquant ainsi un nouveau chapitre dans l'histoire de cet art. Implications culturelles de la collaboration de Yusuke Hanai avec Netflix Les implications culturelles d'une telle collaboration sont immenses. « Popcorn Bowie » de Yusuke Hanai devient un objet de plaisir visuel et un témoin de son époque. Elle symbolise la disparition des frontières entre les différentes disciplines artistiques et la reconnaissance croissante du pop art urbain dans le contexte plus large de la production culturelle. Le lien de la sculpture avec Netflix – une plateforme qui a révolutionné la manière dont les histoires sont racontées et consommées – confère à l'œuvre une pertinence contemporaine, en faisant un artefact moderne à la fois œuvre d'art et commentaire culturel. En somme, « Popcorn Bowie » est plus qu'une sculpture ; c'est un sujet de conversation qui invite à réfléchir à la nature de l'art, du divertissement et des espaces qui les séparent. Œuvre en édition limitée, elle représente la vision unique de l'artiste et capture l'esprit de l'époque de sa création. Les collectionneurs et les admirateurs d'art urbain pop et de graffiti trouveront dans « Popcorn Bowie » une convergence de fantaisie et de profondeur, une caractéristique du parcours artistique de Yusuke Hanai et un exemple vibrant de l'évolution continue de l'art inspiré de la rue.

Lis Plus Moins

Punk Skunk - Astrobite Lemon - Figurine de collection en vinyle, édition limitée moyenne, œuvre d'art de Ron English, graffeur de rue - POPaganda x SFBI Originals. Figurine Punk Skunk Astrobrite jaune citron, taille moyenne, par SFBI Originals x Ron English - POPaganda. La figurine mesure environ 20 à 23 cm de haut.

Lis Plus Moins

Bunny Boy - Sculpture en résine coulée en édition limitée Lavande, œuvre de l'artiste de rue graffeur et artiste pop moderne Faile. Édition limitée 2006 à 200 exemplaires Petites éraflures sur le bout de la chaussure droite ; légère salissure en surface. FAILE (né en 1975) Bunny Boy (Lavande), 2006 Résine coulée 5 pouces (12,7 cm) (hauteur) Édition de 200 Produit par l'artiste.

Lis Plus Moins

La vie est belle - Sculpture en résine orange vif en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2022 Édition limitée signée et numérotée à 70 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 12 x 7 pouces Édition limitée signée à 70 exemplaires. Dimensions : 7 x 12 x 1,75 pouces (17,8 x 30,5 x 4,4 cm). Comprend un étui en plexiglas et une sculpture en résine signée par l’artiste.

Lis Plus Moins

Sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée, par Daniel Arsham. Édition limitée. Œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture en quartz sélénite signée, édition limitée à 500 exemplaires (2020). Dimensions : 3,58 x 5,35 x 12,21 cm. Représente une Porsche 911 Turbo 930 blanche ornée de cristaux de quartz érodés stylisés. État impeccable. Présentée dans sa boîte d'origine. Sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée, par Daniel Arsham La sculpture en quartz sélénite « Porsche 911 Turbo 930 érodée » de Daniel Arsham, sortie en 2020, est une pièce de collection d'une précision remarquable, fusionnant design industriel, beaux-arts et esthétique de la dégradation liée au temps. Cette œuvre sculpturale en édition limitée explore en trois dimensions la fascination d'Arsham pour l'archéologie fictive et les vestiges du futur. Produite à 500 exemplaires, chaque pièce mesure 9,1 x 13,6 x 31 cm et est moulée en quartz sélénite. La sculpture réinterprète l'emblématique Porsche 911 Turbo 930 comme si elle avait été mise au jour après des décennies d'érosion naturelle, mêlant ingénierie mécanique et formations minérales organiques dans une forme hybride saisissante et contemplative. Une fusion entre design et art conceptuel La série de véhicules érodés de Daniel Arsham est devenue emblématique de son œuvre, symbolisant la rencontre entre la réussite humaine et le passage du temps. La Porsche 911 Turbo, symbole intemporel de précision et de performance, devient le réceptacle du langage visuel spéculatif d'Arsham. Cette sculpture capture un instant de transformation : la carrosserie immaculée du véhicule est fracturée et partiellement recouverte de dépôts cristallins stylisés. Réalisée en quartz sélénite, la forme du véhicule est à la fois préservée et érodée, évoquant les thèmes de la mémoire, de la perte et de la permanence. La finition blanc mat du quartz contraste magnifiquement avec les excroissances cristallines incrustées, qui semblent perforer la surface du véhicule de l'intérieur. Ces érosions imitent les processus géologiques naturels, mais sont stylisées pour correspondre à l'approche caractéristique d'Arsham en matière de décomposition et de ruine. L'effet est à la fois futuriste et ancestral, faisant de la sculpture une relique d'un monde où la culture humaine et la nature dialoguent sans cesse. Intégrité de l'édition et valeur de collection Chaque sculpture de cette édition limitée à 500 exemplaires est signée individuellement par Daniel Arsham et présentée dans un coffret orné du logo de son atelier. Le coffret lui-même devient un prolongement de l'œuvre, grâce à une typographie réfléchissante et un graphisme audacieux qui renforcent le concept. Accompagnée d'un certificat d'authenticité, cette pièce s'inscrit dans la démarche plus large d'Arsham, qui explore des objets de design de collection brouillant la frontière entre art et artefact. La sculpture, à la fois petite et imposante, peut être exposée seule ou intégrée à une collection d'art. Elle trouve naturellement sa place dans les intérieurs contemporains, les collections muséales et les galeries, tout en séduisant les passionnés d'automobile et de design. La texture du quartz, alliée à un savoir-faire artisanal minutieux, confère à chaque pièce un caractère unique, tant par sa finition que par ses détails. Art urbain pop et graffiti à travers le prisme de la sculpture L'artiste américain Daniel Arsham travaille à la croisée de la sculpture, de l'architecture et de l'iconographie pop. Bien qu'il ne soit pas graffeur au sens traditionnel du terme, son œuvre est profondément imprégnée de l'esthétique et de l'énergie de l'art urbain, notamment à travers ses collaborations avec des artistes de rue et son utilisation de formes emblématiques de la culture. La sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée illustre parfaitement cette philosophie : réinventer un artefact culturel comme une œuvre intemporelle, transformée par les forces de l'entropie et de l'imagination. S'inscrivant dans la continuité du Street Pop Art et du graffiti, elle invite le spectateur à repenser ce qui est préservé et ce qui est oublié dans le flux du temps.

Lis Plus Moins

Libertee - Impression pigmentaire d'archives sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue graffiti et légende pop moderne Denial. Sculpture signée, édition limitée à 100 exemplaires, 2020, format 4x8 DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

Lis Plus Moins

Baccarat Black 200% Be@rbrick Crystal Glass Art Toy by Medicom Designer Luxury Limited Edition Artwork Collectable Art Figure. 2021 Baccarat x Bearbrick Medicom Jouet d'art en cristal de verre noir Taille 200% Neuf dans sa boîte. Kawaii envahit la planète Baccarat ! Collaboration entre Baccarat et Medicom Toy Le Be@rbrick Baccarat Black 200% est un emblème du partenariat novateur entre le savoir-faire de Baccarat en cristal et l'influence de Medicom Toy dans le secteur des jouets de collection. Sortie en 2021, cette pièce symbolise la fusion entre le luxe haut de gamme et la culture pop urbaine, et s'adresse aux collectionneurs et passionnés de ces deux univers. Conception et savoir-faire Illustrant l'essence du luxe sous une forme ludique, la transformation de Be@rbrick par Baccarat met en lumière le savoir-faire méticuleux de la cristallerie française. Les dimensions et la qualité artisanale de cette pièce témoignent de l'engagement de Baccarat envers l'excellence, alliant la silhouette familière du jouet au luxe du cristal au plomb. Importance artistique Le parcours artistique de la Be@rbrick, à travers l'interprétation de Baccarat, la place au cœur du Street Pop Art. Cette pièce incarne l'esprit du mouvement, alliant l'accessibilité et le charme du street art à la grandeur de l'artisanat de luxe. Le voyage de Be@rbrick dans le luxe Élevant un symbole de la culture pop au rang d'objet d'art luxueux, le Be@rbrick de Baccarat incarne l'esprit d'aventure de cette collaboration. L'ours en cristal noir, iconique par sa forme, explore désormais un nouvel univers, bousculant les codes du luxe et du street art. Valeur de collection et exclusivité Le caractère exclusif de l'édition limitée du Baccarat Black 200% Be@rbrick en fait une pièce de collection très recherchée. Elle incarne l'essence du luxe et du design contemporains et fait le lien entre les univers traditionnellement distincts des objets d'art et des jouets de créateurs. Impact culturel Cette pièce de collection est bien plus qu'un simple objet esthétique et matériel ; elle incarne une évolution culturelle, une fusion où le luxe rencontre le pop art urbain. Le Baccarat Be@rbrick symbolise cette forme d'art en pleine mutation, une pièce de collection qui trouve un écho auprès d'un public et dans des contextes variés. Avec cette création, Baccarat et Medicom Toy ont réalisé bien plus qu'un simple jouet d'art : ils ont façonné une icône culturelle à l'avant-garde du pop art urbain et du graffiti.

Lis Plus Moins

Jack Frost - Mini Nug Édition Stoned Eye, édition limitée, jouet d'art de collection fait main et peint par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Édition limitée 2021 à 15 exemplaires. Hommage à la plante de cannabis/marijuana, orné de détails colorés peints à la main. Chaque mini-pépite mesure environ 6 à 7,5 cm de haut et est entièrement réalisée à la main, peinte et assemblée. Livrée dans un emballage new-yorkais. Édition limitée signée et numérotée. C'est la saison, espèce de petit animal ! Jack Frost est là pour t'illuminer et te plonger dans l'ambiance des fêtes. De son aspect givré à sa fumée dense, quelques bouffées suffiront à te mettre de bonne humeur. Rassure-toi, il ne te tuera pas comme dans les films d'horreur, il est plutôt du genre doux et amusant, te déconnectant complètement comme si tu jouais avec Frosty en personne. Chaque Mini Nug mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement faite à la main. Cette version est entièrement sculptée à la main et est livrée avec un bocal opaque de petites têtes :). Le tout est présenté dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Édition limitée à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins

Peinture murale originale de style métro, réalisée par l'artiste de rue Rek Santiago. Sculpture de train style urbain, signée et réalisée au marqueur aérosol original en 2010. Œuvre unique. Dimensions : 20,25 x 5 x 1,75 pouces. Signé/tagué sur le devant Rekone. Graffiti original peint à la main sur mur, style métro, à fixer au mur. Présenté avec sa boîte. La boîte présente des marques de peinture réalisées par l'artiste. Quelques salissures et imperfections dues à l'âge, en très bon état.

Lis Plus Moins

Block Boys - Blok Boy - Sculpture originale en époxy avec fleurs bleu sarcelle et rouges, œuvre de l'artiste de rue et de pop art moderne Devin James. Sculpture Lego signée 2021, format 6x11, représentant des garçons en briques avec une fleur rouge sur fond bleu sarcelle, personnage Lego original. La fusion esthétique dans Blok Boy Devin James, figure emblématique du street art et du graffiti, enrichit la scène artistique avec « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers », une sculpture originale en résine époxy qui résonne profondément avec l'essence à la fois ludique et introspective du pop art moderne. Signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité, cette œuvre se distingue par ses dimensions imposantes de 15 x 28 cm. La sculpture « Blok Boy », représentant un personnage Lego, capture l'esprit fantaisiste des jouets d'enfance tout en intégrant la profondeur sophistiquée de l'art contemporain. Créée en 2021, cette sculpture fusionne avec art la simplicité iconique des briques Lego et la complexité de la nature humaine, illustrant une juxtaposition souvent explorée par le street art. La teinte bleu turquoise n'est pas un simple choix de couleur : elle véhicule un message, véhiculant une sensation de tranquillité et de profondeur comparable à celle de l'océan. Au sein de cette étendue sereine, des touches de rouge – incarnées par des fleurs – introduisent un contraste dynamique, symbolisant la passion, la vitalité et la vie. L'intégration de ces fleurs rouges rompt la monotonie et confère à la sculpture une intensité émotionnelle, faisant écho aux expériences humaines de conflit, de beauté et d'épanouissement. Le choix de l'époxy comme matériau pour « Boys-Blok Boy » est délibéré : il permet d'obtenir une finition lumineuse qui donne à l'œuvre une présence quasi vivante. La transparence du matériau capte et joue avec la lumière, offrant à la sculpture une apparence changeante qui dépend de son environnement. Ainsi, l'œuvre reflète la nature dynamique et évolutive du pop art urbain, intrinsèquement sensible à son contexte. Symbolisme dans le pop art urbain « Blok Boy » sert de toile sur laquelle Devin James illustre avec brio les thèmes de la nostalgie et de la modernité. La figurine Lego, incontournable des jouets d'enfance, est ici réinterprétée comme un emblème d'innocence et de créativité. Pourtant, la transformation de ce jouet en œuvre d'art majeure symbolise la perte de l'innocence et marque le passage à l'âge adulte. C'est là l'essence même du street art pop : s'emparer d'objets familiers et quotidiens et les sublimer pour exprimer des problématiques sociétales plus profondes. Le jeu du bleu turquoise et des fleurs rouges au sein de « Blok Boy » évoque également la tradition du graffiti, qui utilise des visuels éclatants pour formuler des messages forts. Les graffeurs ont depuis longtemps fait du paysage urbain leur support, employant souvent des contrastes de couleurs saisissants pour souligner leurs propos. Devin James transpose ce principe dans l'espace tridimensionnel, utilisant la couleur pour inviter le spectateur à un dialogue avec l'œuvre. Reflet de l'artiste dans l'œuvre d'art Au-delà des qualités esthétiques et symboliques de la sculpture, « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers » est aussi le reflet de Devin James lui-même. Reconnu pour son style unique qui marie le street art à une esthétique pop art moderne et raffinée, James crée des œuvres à la fois accessibles et profondes. Sa signature réside dans sa capacité à imprégner ses pièces de multiples significations, incitant souvent le spectateur à réfléchir à la frontière entre l'enfance et l'âge adulte, entre l'insouciance et le sérieux, entre simplicité et complexité. Dans cette sculpture, les expériences et les perspectives personnelles de James sont distillées dans la forme du « Blok Boy ». L'œuvre devient un sujet de conversation, suscitant des discussions sur le rôle de l'art dans l'espace public, la marchandisation des souvenirs d'enfance et le potentiel du street art à enrichir le monde des beaux-arts. Avec cette pièce, James continue de repousser les limites du street art et du graffiti. « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers » témoigne de l'évolution du street art et du graffiti. Par sa maîtrise des formes, des couleurs et des matériaux, Devin James présente une sculpture qui est à la fois un clin d'œil ludique à l'enfance et une réflexion profonde sur la condition humaine. L'œuvre est une fusion vibrante entre jouet et totem, une manifestation physique de l'esprit du pop art urbain – enraciné dans le monde urbain et pourtant tourné vers l'universel.

Lis Plus Moins

Finish Your Breakfast Serial Box & Card Set 001 - Édition limitée en 4 couleurs, impression offset d'archives sur papier cartonné avec numérotation à chaud par Naturel. Édition numérotée 2022 de 300 exemplaires. Impression offset 4 couleurs sur papier cartonné avec numérotation à chaud. Carte de basket-ball Michael Jordan Bulls de 2,5 à 3,5 pouces. Édition limitée signée 2022 à 250 exemplaires - Coffret 30,5 x 20,3 x 10,2 cm. Coffret et carte « Finish Your Breakfast » série 001, objets d'art de Naturel-Lawrence Atoigue Exploration du coffret et de la carte « Finish Your Breakfast » n° 001 de Naturel Le coffret et la carte « Finish Your Breakfast » (référence 001) de Naturel, alias Lawrence Atoigue, se situent au croisement de la nostalgie sportive et de l'art contemporain, capturant l'essence du pop art, du street art et du graffiti. Cette collection en édition limitée, sortie en 2022, comprend une série de tirages offset d'archives sur papier cartonné, chacun numéroté à chaud et présenté dans un coffret spécialement conçu. Tiré à 300 exemplaires numérotés, ce coffret contient une carte de 6,35 x 8,89 cm représentant l'emblématique Michael Jordan dans son uniforme des Chicago Bulls. De plus, une édition limitée et signée de 250 exemplaires du coffret de 30,55 x 20,32 x 10,16 cm renforce le caractère collector de cet objet d'art. Vision artistique de Naturel et intégration du pop art Atoigue, alias Naturel, imprègne son œuvre d'un mélange d'abstraction géométrique et de références à la culture pop, créant des pièces qui séduisent les amateurs d'art et de sport. La série « Finish Your Breakfast » ne fait pas exception, illustrant son talent pour allier des images saisissantes à une approche stylistique unique. Son interprétation de la silhouette de Michael Jordan n'est pas seulement la représentation d'un moment sportif, mais une véritable célébration pop art d'une figure iconique. L'œuvre s'inscrit dans l'esthétique du street art et du graffiti, offrant une vision contemporaine et audacieuse de la tradition des cartes de sport à collectionner. Impact de « Finish Your Breakfast » sur le marché des objets de collection d'art et de sport La collection « Finish Your Breakfast » de Naturel est bien plus qu'un simple hommage aux objets de collection sportifs ; elle fait le lien entre les beaux-arts et la culture urbaine. Son attrait réside dans sa capacité à capturer l'esprit d'une époque où Michael Jordan régnait en maître, tout en le réinventant à travers l'art contemporain. L'utilisation de techniques d'impression d'archives et d'une numérotation à chaud ajoute une touche de luxe et d'exclusivité, transformant la traditionnelle carte de sport en une œuvre d'art marquante, à la fois dans le mouvement pop art et dans l'univers des objets de collection haut de gamme. Attrait pour les collectionneurs et pertinence future Coffret en édition limitée « Finish Your Breakfast » séduit collectionneurs et investisseurs. Son mélange de culture pop, d'histoire du sport et d'innovation artistique en fait une pièce de collection unique et recherchée. Créé par Naturel, artiste reconnu pour son langage visuel singulier fusionnant graphisme, illustration et palettes de couleurs audacieuses, ce coffret renforce encore son statut d'objet de convoitise. Reflet des tendances actuelles du pop art et du street art, il préfigure un avenir où art et collection convergeront de manière inédite et passionnante. En somme, le coffret « Finish Your Breakfast » Serial Box & Card 001 de Naturel illustre parfaitement la convergence du sport, de l'art et de la culture. Il témoigne de l'héritage durable de Michael Jordan, de l'esprit novateur du street art et de la vision transformatrice de Lawrence Atoigue, artiste qui repousse sans cesse les limites de l'art contemporain.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art unique en son genre, découpée au pochoir dans un billet d'un dollar, réalisée en technique mixte et encadrée par l'artiste populaire de street art et de culture pop RYCA - Ryan Callanan. Œuvre originale signée de 2017, format 6 x 2,5 pouces (15,2 x 6,4 cm). Pièce de 6,4 x 15,5 cm (2-1/2 x 6-1/8 pouces) découpée au pochoir « RYCA Cheese Dollar ». Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions encadrées : 6,25 x 9,75 pouces (15,9 x 24,8 cm). « Cheese Dollar » de RYCA : une œuvre marquante du street art pop et du graffiti. « Cheese Dollar », une œuvre de Ryan Callanan (RYCA), illustre avec force la fusion entre le street art et la monnaie traditionnelle. Cette œuvre unique, réalisée en techniques mixtes et signée en 2017, incarne l'esprit de l'incursion du street art dans la culture populaire et le débat économique. Mesurant 15,2 x 6,4 cm (6,25 x 9,75 pouces une fois encadrée), elle témoigne du savoir-faire méticuleux et de la profondeur de réflexion de Callanan. Dans « Cheese Dollar », RYCA utilise la technique du pochoir sur un véritable billet d'un dollar, symbole du consumérisme et du capitalisme, pour le réinventer avec un message à la fois fantaisiste et incisif. En détournant ce symbole omniprésent de la valeur, Callanan insuffle humour et critique au débat sur le rôle de l'argent dans la société moderne. Le titre de l'œuvre, « Cheese », terme familier pour désigner l'argent, joue davantage sur l'intersection du langage et du symbolisme souvent explorée dans le pop art urbain. Importance des techniques mixtes dans l'œuvre de RYCA La nature mixte de « Cheese Dollar » témoigne de l'approche novatrice de RYCA en matière de street art, mêlant matériaux et techniques non traditionnels pour créer une œuvre inédite. L'utilisation d'un véritable billet d'un dollar comme support invite le spectateur à repenser la valeur que nous attribuons à la monnaie et aux objets que nous jugeons dignes d'une transformation artistique. La signature de Callanan, en bas à droite, est un gage d'authenticité et atteste de la participation de l'artiste à la transformation de l'objet. Cette œuvre de RYCA reflète son intérêt plus large pour la société de consommation, les valeurs et les thèmes de la culture populaire. En s'appropriant et en détournant la monnaie, « Cheese Dollar » devient un vecteur de commentaire social, s'inscrivant dans la tradition du street art et du graffiti, œuvres destinées à provoquer et à alimenter le débat public. Le choix de l'encadrer élève cette œuvre du statut de simple objet de transaction à celui d'œuvre d'art protégée et précieuse, complexifiant ainsi son interprétation et sa signification. L'influence continue de RYCA dans les milieux artistiques L'œuvre « Cheese Dollar » de RYCA symbolise l'influence constante de l'artiste sur la scène du street art et du graffiti. À travers ce type d'œuvres, Callanan continue de bousculer les perceptions et de captiver le public grâce à un subtil mélange de références culturelles et de commentaires. Cette pièce contribue à un dialogue sur le matérialisme inhérent à la culture contemporaine, utilisant l'art pour interroger et critiquer les systèmes de valeurs qui dominent notre société. Alors que le street art et le graffiti continuent d'évoluer, des artistes comme RYCA jouent un rôle crucial en orientant le débat et en remettant en question l'ordre établi. Des œuvres telles que « Cheese Dollar » garantissent que le discours reste aussi dynamique et multiforme que les formes artistiques elles-mêmes, offrant de nouvelles perspectives et un éclairage nouveau sur l'interaction complexe entre art, culture et économie. Par son art, RYCA capture l'essence de son époque et façonne l'avenir de la perception et de la compréhension du street art.

Lis Plus Moins

Mini Nug Gâteau de Mariage, édition limitée, jouet d'art de collection fait main et peint par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Exclusivité New York Comic Con 2021. Hommage à la plante de cannabis/marijuana, orné de détails colorés peints à la main. Ce mini nugget mesure environ 6 à 7,5 cm de haut et est entièrement réalisé à la main, peint et livré dans un emballage new-yorkais. Édition limitée à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins

Achetez VINYLTOY Dunny édition limitée Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork par l'artiste ARTIST. 2022 Édition limitée de XXXX Taille XXXX INFO

Lis Plus Moins

Casque d'Or Golden Heart Original Metal Boîte aux lettres française Sculpture de boîte aux lettres par C215 - Œuvre de Christian Guémy, artiste de rue graffiti. Sculpture originale en métal, signée et réalisée à la main en 2014. Œuvre unique. Créée en 2014, « Casque d'Or » est une œuvre peinte à la bombe sur une boîte postale recyclée de 119,4 x 30,5 x 30,5 cm (47 x 12 x 12 pouces). La signature et le titre de l'artiste, « C215 / Casque d'Or », sont inscrits sur le dessus. Faisant partie d'une série rendant hommage au cinéma français, cette pièce célèbre le réalisateur Jacques Becker et présente un portrait saisissant de Simone Signoret, l'actrice principale de son film « Casque d'Or » (1952). Sculpture de boîte aux lettres Casque d'Or par C215 – Le cinéma français immortalisé dans le pop art et le graffiti Créée en 2014, Casque d'Or est une sculpture unique, peinte à la main, du célèbre artiste de rue français Christian Guémy, connu internationalement sous le nom de C215. Mesurant 119 x 30 x 30 cm, cette œuvre imposante est réalisée à partir d'une boîte aux lettres métallique française recyclée, transformée en un hommage monumental au cinéma français et au patrimoine urbain. La sculpture présente des portraits lumineux peints à la bombe, notamment une représentation d'une beauté saisissante de l'actrice Simone Signoret, vedette du chef-d'œuvre cinématographique de Jacques Becker, Casque d'Or (1952). Avec ses jaunes vifs et sa patine éclaboussée, la boîte aux lettres conserve sa vocation d'objet public utilitaire, tandis que C215 la réinterprète en un support d'hommage et de mémoire culturelle. L'œuvre est signée et porte l'inscription C215 / Casque d'Or sur le dessus, l'ancrant à la fois comme une expression personnelle et un artefact historique au sein de l'œuvre de l'artiste. C215 et la poétique urbaine de l'objet oublié Né en France, Christian Guémy s'est imposé comme une figure majeure du street art et du graffiti grâce à son utilisation de pochoirs superposés et à ses portraits d'une grande force émotionnelle. Reconnu pour sublimer les éléments urbains du quotidien – portes, boîtiers électriques, murs abandonnés – en espaces de connexion humaine, C215 aborde cette boîte aux lettres sculpturale avec la même ferveur. Ses pochoirs, découpés à la main, révèlent un savoir-faire méticuleux qui allie spontanéité urbaine et maîtrise technique. Dans « Casque d'Or », Guémy met en lumière Simone Signoret, non seulement comme légende du cinéma, mais aussi comme symbole de force et de complexité. Son trait capture son aura cinématographique, tandis que l'installation sur une boîte aux lettres publique évoque le croisement entre identité nationale, communication et nostalgie. C'est une audacieuse réappropriation de l'espace public comme lieu sacré de narration culturelle. La peinture en aérosol comme médium, la boîte aux lettres comme toile La peinture aérosol demeure le médium principal de Casque d'Or, enrichissant le vocabulaire du graffeur tout en l'orientant vers des dimensions sculpturales et archivistiques. Les teintes orange vif et jaune évoquent la couleur classique des boîtes aux lettres françaises, mais sont intensifiées par le style d'application de Guémy : superposées, texturées et patinées. La boîte aux lettres elle-même, avec ses fentes et son lettrage en relief, conserve sa géométrie utilitaire, ancrant l'imagerie fantastique dans l'infrastructure physique. Elle devient sculpture non par son retrait de la rue, mais par sa réinterprétation. Le piédestal la surélève davantage, suggérant une monumentalité sans la détacher de ses racines architecturales. S'inscrivant dans la grande tradition du Street Pop Art et du graffiti, cette transformation incarne le pouvoir du genre à réinterpréter le familier comme réceptacle d'un mythe personnel et collectif. Cinéma, identité et héritage de la culture française à travers l'art urbain Casque d'Or s'inscrit dans une série plus vaste de C215 célébrant les icônes du cinéma français, un projet ancré dans le respect de la culture et l'activisme créatif. En choisissant un symbole de communication publique – la boîte aux lettres – comme fondement de cette œuvre, Guémy souligne l'idée que l'art peut s'exprimer dans la rue avec autant de force que sur grand écran. Le portrait de Signoret porte en lui des strates d'histoire française, de féminité et d'influence médiatique, tandis que son format sculptural le rend à la fois portable et permanent. Cette fusion entre portrait artistique, tradition du graffiti et référence historique place l'œuvre au cœur du Street Pop Art et du graffiti contemporains. Elle n'est pas seulement un hommage à un film, mais aussi un rappel que la ville elle-même est une galerie, ses surfaces attendant de parler, de se souvenir et de se réinventer.

Lis Plus Moins

Achetez SCULPTURE Edition Limitée Modern Pop Graffiti Street Art Artwork. 2022 SIGNÉ? & Edition Limitée Numérotée de XXX Artwork Sculpture Taille XXXX INFO

Lis Plus Moins

Quinqueflor Mordida #11 Original 100% Recycled, Hand Cut Iron Lak Aerosol Paint Can Sculpture Artwork by graffiti street artist modern pop artist Canlove. Peinture en aérosol originale signée de 2015, technique mixte Affiché avec Sculpture murale personnalisée en forme de boîte, format 8x8, prête à être accrochée au mur. « Nous avons baptisé ces créations florales Metaliflora et nous expérimentons différentes formes depuis quelques années. Nous nous sommes lancés le défi de créer l'utilisation la plus efficace et la plus réussie possible d'une bombe de peinture recyclée. La fleur a éclos naturellement. Cette série est en partie un retour aux sources. Lorsque nous avons commencé à découper ces fleurs, nous ne les peignions pas comme nous le faisons souvent maintenant. Nous avons exploré cette approche brute avec certaines de nos autres créations. Il nous semblait naturel de l'intégrer également à cette série. Le processus d'ouverture de la bombe produit toujours un motif unique à l'intérieur, car le mouvement de la bille laisse des traces sur la peinture encore fraîche. Chaque fleur est découpée à la main et aucune n'est identique à une autre. Chaque pièce est absolument unique. Et chaque boîte que nous avons expédiée était peinte sur mesure. » - Canlove

Lis Plus Moins

Warm Thoughts - Statue en polystone Golden Touch, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti Death and Milk, artiste pop moderne. Statue Mighty Jaxx en polystone de 20 cm de haut, édition limitée 2021, par Death and Milk. La douce geisha revient dotée d'un don particulier : celui de transformer tout ce qu'elle touche en or. Célèbre pour ce nouveau pouvoir, elle attire tous ceux qui souhaitent devenir son compagnon. Assise au bord du crâne, elle joue avec son pouvoir, trempant son doigt dans la source d'or et le métamorphosant instantanément, tout en réfléchissant à qui sera sa prochaine victime.

Lis Plus Moins

Étude de motif - Sculpture de chaussure de basket en cuir bleu en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Ceeze Fine Art. Sculpture murale signée 2021, édition limitée n° 1 sur 50. Dimensions : 17 x 20 x 1,2 cm. Inspirée de la chaussure Air Jordan 2 bleue HPM. Œuvre d'art de Ceeze. Encadrée et prête à accrocher. En hommage à l'emblématique Air Jordan 2 « Blue » de Don C, Ceeze revisite ce coloris à travers un patron déstructuré d'Air Jordan 1. L'artiste utilise du daim pleine fleur et du cuir nappa d'agneau, découpant et assemblant les pièces du patron, chacune accompagnée d'une légende, sur une toile encadrée, signée et numérotée. Dimensions : 17 x 20 x 1,2 cm.

Lis Plus Moins

Panneau d'affichage WCA MSK Édition limitée Sculpture en plastique et encre par l'artiste de rue Risk Rock Fine Art. Sculpture 2022, édition limitée à 50 exemplaires. Dimensions : 9,5 x 13,5 x 2,5 cm. Affiche publicitaire collector RISK, avec les logos RISK, WCA et MSK en détail. Réplique d'une des premières affiches de Risk à Los Angeles. Dimensions : 24 x 34 x 6,5 cm. Édition limitée à 50 exemplaires.

Lis Plus Moins

Soul Rider The Welcome, sculpture en polyrésine en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste Dulk-Antonio Segura Donat. Édition limitée 2023 à 100 exemplaires. Œuvre en résine coulée peinte. Dimensions : 37,1 × 22,9 × 22,9 cm. Édition limitée à 100 exemplaires numérotés, accompagnés d’un certificat d’authenticité et présentés dans un coffret en bois. Neuf. The Welcomer Soul Rider par Dulk : Fantaisie et symbolisme dans l’art urbain pop et le graffiti « The Welcomer Soul Rider » est une sculpture surréaliste en polyrésine créée par Antonio Segura Donat, artiste espagnol de beaux-arts et de street art mondialement connu sous le nom de Dulk. Faisant partie de sa série « Soul Rider », cette œuvre explore la mythologie caractéristique de Dulk à travers des formes ludiques et des personnages symboliques puisant leurs racines dans la fantasy, l'écologie et une narration complexe. Juchée sur un socle en forme de champignon à pois, une créature aux couleurs acidulées, combinant les traits d'un lapin, d'une licorne et d'un familier fantastique, se tient immobile, tandis qu'un autre personnage, masqué et cornu, la chevauche, une trompette levée en plein chant. Cette composition imaginative et théâtrale fusionne théâtralité et allégorie dans un format qui allie profondeur narrative et précision quasi-littérale, en faisant un exemple saisissant de street art et de graffiti en trois dimensions. Le personnage principal arbore une corne de licorne torsadée, des yeux en spirale surdimensionnés et un col de bouffon, mêlant l'innocence animale à une symbolique cérémonielle. Son expression est figée dans une béatitude confuse, marque de fabrique de l'ambiguïté émotionnelle de Dulk. Son corps rose contraste avec les tons froids du socle en forme de champignon, qui recèle des personnages et des détails cachés, comme une petite chenille accrochée à son bord. Le cavalier à l'arrière, aux oreilles allongées et coiffé d'un couvre-chef en forme de gland, porte un masque noir et brandit un instrument de musique, comme pour annoncer une arrivée. Cette scène dynamique évoque le rituel, la procession et une célébration surréaliste, offrant un récit à la fois ludique et poignant sur l'identité, la transformation et l'observation. Narration symbolique et dissonance ludique dans l'univers visuel de Dulk L'œuvre de Dulk explore souvent la dualité : lumière et ombre, célébration et extinction, innocence et déclin. Dans « The Welcomer Soul Rider », les personnages semblent surgir d'un folklore oublié ou d'un monde parallèle, leurs traits à la fois exagérés et précis. La palette pastel adoucit leur excentricité, leur conférant une présence accessible tout en préservant le mystère. Le langage visuel mêle des influences issues du street art, des contes classiques et de l'allégorie écologique. À l'instar de nombreuses œuvres de Dulk, cette sculpture soulève plus de questions qu'elle n'apporte de réponses, invitant le spectateur à en déchiffrer le sens par l'émotion et l'imagination. Le socle en forme de champignon joue un rôle important en tant que symbole de régénération et d'écosystèmes cachés. Il fait office à la fois de trône et de scène. Le cadenas surdimensionné à sa base suggère la présence d'un élément magique ou secret. Dulk utilise fréquemment ce type d'indices visuels pour suggérer que le monde recèle bien plus que ce que l'on voit. Le masque porté par le sonneur de trompette évoque les thèmes de l'identité et de la voix, symbolisant peut-être la protection, la cérémonie ou le déguisement. Ces objets et ces formes témoignent de la complexité et de la richesse souvent présentes dans le street art et le graffiti, où une fantaisie apparente dissimule une urgence sous-jacente. Le rôle de Dulk dans la narration sculpturale au sein du pop art urbain Antonio Segura Donat s'est imposé comme une figure majeure de l'art contemporain, fusionnant ses racines muralistes avec une pratique sculpturale qui transforme les récits muraux en objets tangibles. L'œuvre « The Welcomer Soul Rider » illustre comment son art transcende les supports, conservant la clarté émotionnelle et l'humour visuel de ses peintures murales tout en explorant la texture, le volume et l'espace. Elle se présente comme une scène suspendue dans un conte inachevé, à la fois figée dans le temps et pleine de mouvement. La sculpture s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti en privilégiant l'accessibilité et l'immédiateté visuelle tout en bousculant les conventions des beaux-arts par le biais de la conception des personnages, de la superposition symbolique et d'une satire mordante. L'esthétique de Dulk emprunte aux films d'animation, à l'iconographie urbaine et au folklore, créant un style à la fois profondément personnel et universellement accessible. Son œuvre invite à la réflexion sur l'écologie, l'empathie et les récits oniriques qui sommeillent en nous. Le Cavalier de l'Âme Bienvenue comme Mythe de Collection et Totem Émotionnel « The Welcomer Soul Rider » est bien plus qu'une simple sculpture décorative : c'est un totem émotionnel, un mythe moderne figé dans la résine. Le soin apporté par Dulk à la posture, aux couleurs et à la disposition des accessoires captive le spectateur à chaque regard, lui révélant de nouvelles significations et des figures cachées. Cette œuvre s'inscrit dans le courant croissant des sculptures d'art contemporain centrées sur des personnages, puisant leur inspiration dans l'art urbain tout en atteignant le niveau des œuvres de galerie. Qu’on l’apprécie individuellement ou au sein de la série Soul Rider, The Welcomer possède une voix singulière. Son appel, doux mais persistant, fait écho au message artistique de Dulk : protéger l’imagination, embrasser la dualité et célébrer celles et ceux qui portent des histoires à travers le chaos de notre monde moderne. À travers des personnages à la fois étranges et familiers, Dulk construit un univers qui s’exprime avec aisance dans le langage du street art et du graffiti, tout en conservant une signature indéniable.

Lis Plus Moins

Vaccin par inhalation Trivaac HPM, édition limitée faite main, techniques mixtes, objets récupérés, sculpture à la bombe aérosol, œuvre d'art de l'artiste de rue graffeur et artiste pop moderne Eddie Colla. Sculpture réalisée et imprimée à partir de bombes de peinture, signée et numérotée HPM, édition limitée à 30 exemplaires (2020). Ces œuvres d'art ne sont pas des dispositifs médicaux. « J’ai initialement créé ces faux vaccins inhalés comme accessoires pour deux installations réalisées avec D Young V, Epilogue et Memento Mori. Ces installations exploraient les possibilités apocalyptiques. Ces bombes de peinture recyclées étaient censées représenter des vaccins inhalés jetés, distribués par l’Organisation mondiale de la santé lors d’une pandémie mondiale. Les étiquettes contiennent des informations sur la posologie et les principes actifs. J’ai effectué de nombreuses recherches sur les pandémies précédentes, comme la grippe aviaire (H1N1). L’idée était de créer un objet aussi réaliste que possible, évoquant une tentative ratée de contenir une pandémie mondiale. » Eddie Colla Représentation artistique des pandémies mondiales Les œuvres d'Eddie Colla, intitulées « Vaccin inhalé Trivaac », réalisées en techniques mixtes, offrent une vision étrangement prémonitoire des crises sanitaires mondiales, à travers le prisme du street art et du graffiti. Cette série en édition limitée, composée de seulement 30 pièces signées et numérotées, intègre des objets de récupération et des bombes de peinture pour former des sculptures qui se dressent comme des artefacts poignants, témoins de possibles scénarios apocalyptiques. Créées dans le cadre de deux installations réalisées avec l'artiste D Young V, « Épilogue » et « Memento Mori », les sculptures de Colla ont été conçues pour représenter des vaccins inhalés jetés, distribués par l'Organisation mondiale de la Santé lors d'une pandémie mondiale fictive. Ces installations exploraient les thèmes de la vulnérabilité humaine, de l'effondrement de la société et des interventions mises en œuvre lors de tels événements catastrophiques. Les sculptures elles-mêmes, conçues pour imiter l'apparence et les détails informatifs de véritables dispositifs médicaux, résonnent avec le réalisme et l'urgence d'un monde aux prises avec la menace des pandémies. Les recherches approfondies de Colla sur les crises sanitaires passées, comme la grippe H1N1, ont inspiré la création de cette sculpture en aérosol. Les étiquettes de chaque bombe indiquent la dose d'application et les ingrédients actifs, renforçant ainsi l'authenticité des œuvres. Ce souci du détail amplifie non seulement l'impact visuel des sculptures, mais leur confère également une dimension narrative qui les ancre dans le contexte réel des urgences de santé publique. Commentaire culturel à travers les médias mixtes Les sculptures « Vaccin par inhalation Trivaac » interrogent avec force le point de rencontre entre l'art, la science et la réponse sociétale aux défis sanitaires mondiaux. En utilisant des bombes de peinture recyclées, Colla réinterprète le banal et inscrit son travail dans une perspective de recyclage et de développement durable. Ces thèmes sont de plus en plus pertinents dans le discours contemporain. Ces sculptures transforment la bombe de peinture, outil omniprésent dans le street art, en un réceptacle de sens profond, interrogeant la culture du jetable et les conséquences des déchets médicaux. Cet ensemble d'œuvres questionne également l'efficacité et l'accessibilité des interventions de santé, soulignant le décalage entre la finalité prévue des dispositifs médicaux et leur utilisation réelle en situation de crise. Les sculptures de Colla évoquent une histoire d'utilisation et d'urgence, à une époque où ces objets étaient vitaux pour la survie. Le tirage limité de ces pièces souligne leur caractère unique en tant qu'œuvres d'art, tout en faisant allusion à la raréfaction des ressources qui peut survenir en temps de crise. Le pouvoir évocateur du street art, du pop art et du graffiti La contribution d'Eddie Colla au Street Pop Art et au graffiti se caractérise par sa capacité à susciter des réactions fortes grâce à des œuvres qui font le lien entre art et réalité. Ses sculptures ne sont pas de simples objets passifs ; elles incitent à la réflexion, poussant les spectateurs à s'interroger sur l'état du monde et nos réactions face aux dangers imminents. Dans la tradition du street art, ces œuvres sont à la fois accessibles et complexes, visuellement saisissantes et riches de sens. La série « Trivaac Inhalation Vaccine » souligne le pouvoir évocateur du street art et du graffiti pour commenter et dialoguer avec l'actualité. À travers cette série, Colla étend le champ narratif du street art au-delà des murs pour l'investir dans le domaine tridimensionnel, offrant un lien tangible avec les problématiques qui imprègnent notre conscience collective. En somme, les sculptures « Trivaac Inhalation Vaccine » d'Eddie Colla incarnent les qualités novatrices et réflexives du Street Pop Art et du graffiti. En mêlant art et critique sociale, Colla captive l'imagination et suscite le débat, confirmant ainsi son statut d'artiste observateur et acteur des grands enjeux de notre époque. Son œuvre nous rappelle l'impact de l'art sur l'interprétation, la compréhension et la remise en question du monde qui nous entoure.

Lis Plus Moins

Étude 001 - Sculpture de chaussure en résine en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue et graffeur moderne Matthew Senna. Étude en résine coulée n° 001 Semelle 28 x 10 x 2 cm. Édition signée de 50 exemplaires. Se fixe au mur ou se pose sur une table. Matthew Senna, artiste multimédia basé à Los Angeles, mêle son quotidien à l'exploration des enjeux socioculturels pour créer des œuvres exceptionnelles qui suscitent la réflexion et l'émotion par leur beauté, leur narration et leur authenticité. Son travail met en lumière l'histoire des objets du quotidien et leur impact culturel sur la société, ce qui lui a valu l'admiration d'un public passionné et d'une critique élogieuse.

Lis Plus Moins

Lost Space Boy - Sculpture en polystone Draco, édition limitée, œuvre de l'artiste Kerby Rosanes, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. Édition limitée 2022, neuve en boîte. Mesurant 15 cm de haut et 23 cm de long, la figurine « Lost Space Boy : Draco » de Kerby Rosanes est réalisée en polystone. La constellation du Dragon est gravée sur le corps translucide, en hommage au groupe d'étoiles qui a inspiré cette pièce.

Lis Plus Moins

Sculpture artistique Uzi Shoeuzi Olive en polystone, moulée et peinte à la main, ornée de cristaux Swarovski, en édition limitée, œuvre de l'artiste J-LDN, célèbre pour ses peintures de rue pop et graffiti. Édition limitée 2021 à 50 exemplaires, taille réelle 19 cm. Chaque sculpture Uzi est livrée en quatre parties à assembler magnétiquement grâce au système Shoeuzi Magnafix, avec une boîte, un support et des gants. Moulée et peinte à la main en résine de polystone. Neuve en boîte. Certificat d'authenticité signé. Édition Olive Cristallisée 2021 ornée de 750 cristaux Swarovski posés à la main. J-LDN a créé une sculpture exclusive pour cette édition, avec des emplacements sculptés pour chaque cristal.

Lis Plus Moins

Sculpture en bronze « Seeing Bronze Figure Sculpture » ​​20e anniversaire de Kaws - Brian Donnelly, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. 2022 Signée/Estampillée Pied Édition Limitée à 250 exemplaires Dimensions de l'œuvre 3,5" x 3,3" x 4,3" Kaws Tous droits réservés Série 20e anniversaire BFF Sculpture en métal bronze Figurine. L'art visionnaire de KAWS : « Voir la sculpture de figure en bronze » La sculpture « Seeing Bronze Figure » ​​de KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, révèle une synthèse profonde entre art urbain et beaux-arts. Commémorant le 20e anniversaire de la collaboration de KAWS avec AllRightsReserved (ARR), cette sculpture symbolise l'ascension de l'artiste, de ses débuts dans l'art urbain subversif aux sommets de la scène artistique contemporaine. Coulée en bronze, un matériau chargé d'histoire, cette figurine en édition limitée mesure 8,9 x 8,4 x 10,9 cm et marque une étape importante dans la carrière de l'artiste et l'histoire du pop art et du graffiti. Cette pièce de collection mêle l'esprit ludique de la série BFF de KAWS à la gravité de la sculpture. Elle possède une dualité, incarnant l'esthétique accessible du street art tout en exhalant l'exclusivité de l'art contemporain grâce à son édition limitée. Chaque sculpture, signée et estampillée au pied, représente un fragment tangible de l'héritage de l'artiste, un souvenir précieux pour ceux qui souhaitent posséder un morceau d'histoire de l'art. KAWS : Estomper les frontières entre les formes d’art Brian Donnelly, originaire des États-Unis, a marqué durablement le monde de l'art sous le nom de KAWS. Son parcours, des tags de graffiti aux œuvres d'art mondialement reconnues, est un récit de transformation et d'acceptation culturelles. Profondément ancré dans les sous-cultures new-yorkaises, KAWS a élevé le street art à de nouveaux sommets, l'utilisant comme un moyen d'explorer, de questionner et de redéfinir les notions de valeur et de permanence dans l'art. La sculpture « Seeing Bronze Figure » ​​reflète cette démarche en intégrant le pop art urbain au domaine des objets d'art de collection. En choisissant le bronze, KAWS confère à son personnage BFF un statut qui le fait passer du monde éphémère du street art à celui d'une œuvre d'art pérenne, réservée à travers l'histoire aux sujets les plus prestigieux. Cette sculpture devient ainsi un commentaire sur la démocratisation de l'art, faisant de KAWS une figure centrale du débat sur l'estompement des frontières entre les différentes disciplines artistiques. L'héritage de la collaboration entre KAWS et ARR L'alliance entre KAWS et AllRightsReserved témoigne du pouvoir de la collaboration dans l'évolution de l'art. Depuis leur première collaboration en 2010, ARR a joué un rôle essentiel dans l'amplification de la vision de KAWS, transformant ses personnages en sculptures qui trouvent un écho auprès d'un public international et forgeant un héritage au sein du street art et du marché de l'art en général. Cette figurine en bronze, créée à l'occasion du 20e anniversaire, symbolise la longévité et le succès de leur partenariat ainsi que l'essor du graffiti, des espaces urbains aux collections prestigieuses. Chaque édition limitée de la série marque une étape importante de ce parcours novateur, fusionnant culture urbaine et patrimoine artistique et projetant le street art dans les années à venir. La sculpture de KAWS : un phare culturel L'influence de KAWS sur l'évolution du street art et du graffiti est indéniable. Son œuvre a joué un rôle déterminant dans l'élévation de la perception du street art, lui conférant une voix et une stature comparables aux formes d'art traditionnelles. La sculpture « Seeing Bronze Figure » ​​est un phare culturel, illustrant la position unique de KAWS comme trait d'union entre les communautés, les cultures et les formes artistiques. Chaque sculpture de la série du 20e anniversaire, à la croisée du street art et des beaux-arts, célèbre collectivement le rôle de KAWS comme innovateur et iconoclaste. Ces œuvres marquent une étape importante dans la carrière de l'artiste et représentent le dialogue et la fusion continus entre le street art et le monde de l'art établi. Sous l'impulsion de Brian Donnelly, le street art a trouvé une nouvelle forme d'expression qui continue de questionner, d'interpeller et d'inspirer.

Lis Plus Moins

95 Neon Shoeuzi 75% Sculpture artistique Uzi en polystone moulée et peinte à la main, en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste J-LDN, célèbre pour ses peintures de rue pop et graffiti. Édition 2021 limitée à 600 exemplaires, taille 75 %. Chaque sculpture Uzi est livrée en quatre parties, assemblées magnétiquement grâce au système Shoeuzi Magnafix, avec une boîte, un support et des gants. Moulée et peinte à la main en résine de polystone. Neuve en boîte. Shoeuzi à 75 % célèbre l'emblématique Air Max 95 Neon avec un design entièrement revisité. Cette édition 95 Neon capture l'essence même de cette paire de sneakers comme aucune autre création Shoeuzi auparavant.

Lis Plus Moins

POPek - Sculpture en porcelaine en édition limitée représentant une chambre à encens, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Whatshisname. Édition limitée 2021 de 2,74 m (9 pieds) de haut, par Whatshisname. Jamais utilisée. La porcelaine peinte à la finition brillante met en valeur les courbes élégantes du POPek. Des ouvertures judicieusement placées permettent à la fumée de s'échapper de cette pièce unique, conférant à ce POPek une atmosphère hors du commun. Le POPek (Brûleur d'encens) est doté d'une base amovible pour un nettoyage facile. Le POPek (Brûleur d'encens) est la première pièce en porcelaine de l'univers POPIKI.

Lis Plus Moins

Jumper - Figurine de collection en vinyle gris clair, édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti de rue Colus. La figurine Jumper de Colus est fabriquée en résine de haute qualité. Colus et Kidrobot ont déjà collaboré pour les récentes figurines Ravenous. Colus explore les thèmes de la moralité et de la mortalité à travers des œuvres symboliques, audacieuses et contrastées, empreintes d'une atmosphère underground qui laisse planer le doute. La boîte présente de légères éraflures.

Lis Plus Moins

Sculpture en résine peinte en chrome doré « Keep Smiling » de Mr Brainwash - Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture signée et numérotée, édition limitée à 18 exemplaires, 2023. Dimensions de l'œuvre : 10,75 x 6,75 x 1,5 pouces. Boîte avec inscription « Keep Smiling » en coloris jaune or chromé. Le message éclatant de Thierry Guetta en résine La sculpture « Keep Smiling » de Thierry Guetta, artiste mondialement connu sous le nom de Mr. Brainwash, illustre avec éclat comment le street art, le pop art et le graffiti peuvent insuffler une dimension à la fois visuelle et émotionnelle au sein du monde des beaux-arts. Cette œuvre en édition limitée, produite à seulement 18 exemplaires, est réalisée en résine et recouverte d'une peinture or chromé, reflétant le style caractéristique de Guetta qui marie la spontanéité du street art à l'audace du pop art. Ses dimensions (27,3 x 17,1 x 3,8 cm) en font une œuvre imposante mais accessible, idéale pour les collections privées comme pour les expositions publiques. Accompagnée d'un coffret reprenant la vibrante teinte or chromé de l'œuvre, la sculpture se suffit à elle-même tout en s'inscrivant dans un récit plus vaste que l'artiste développe depuis le début de sa carrière. Ce récit transparaît dans le message de la sculpture : « Keep Smiling ». En choisissant ces mots, Guetta touche à un sentiment universel, prônant la positivité et la résilience face aux épreuves de la vie. L'utilisation de l'or, couleur associée à la richesse, au succès et souvent à l'opulence, contraste avec l'accessibilité et la simplicité du street art, créant une tension dynamique caractéristique de son œuvre. Matérialité et savoir-faire dans la sculpture de Guetta Le choix de la résine par Guetta, matériau reconnu pour sa durabilité et son fini brillant, permet la création de sculptures à la fois esthétiques, robustes et pérennes. La surface réfléchissante de la peinture or chromée utilisée dans « Keep Smiling » interagit avec la lumière et l'espace, animant la sculpture et lui assurant une présence remarquable dans n'importe quel environnement. Ce choix de matériau et de finition reflète également la volonté de l'artiste de sublimer l'esthétique brute et souvent âpre du street art, l'élevant ainsi au rang des beaux-arts. Le savoir-faire requis pour la réalisation d'une telle œuvre est considérable. La résine doit être moulée avec précision, la peinture chromée appliquée avec expertise et la finition polie avec minutie, garantissant ainsi l'homogénéité de la qualité et de l'apparence de chaque édition limitée. Ce niveau d'exigence témoigne de la professionnalisation et de la maturation du street art, dont des artistes comme Guetta repoussent sans cesse les limites. L'influence de Guetta sur l'évolution du street art Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, est une figure controversée et pourtant incontestablement influente du monde de l'art contemporain. Ses œuvres, dont « Keep Smiling », fusionnent les origines underground du street art avec l'attrait commercial et grand public du pop art. Les sculptures de Guetta, souvent empreintes de messages optimistes et d'une iconographie reconnaissable, ont contribué à la reconnaissance croissante du street art au sein du monde des beaux-arts. Le tirage limité de « Keep Smiling » crée un sentiment d'exclusivité qui contraste parfois avec l'esprit d'inclusion du street art. Guetta parvient cependant à concilier ces deux aspects en veillant à ce que le message de son œuvre reste ancré dans les principes du Street Pop Art : accessibilité, force émotionnelle et impact visuel saisissant. À travers son travail, Guetta a ouvert le dialogue sur la valeur et la place du street art dans la culture contemporaine, incitant à une réévaluation des frontières entre art « savant » et art « populaire ». La sculpture « Keep Smiling », avec sa finition chromée dorée et son message d'optimisme, illustre parfaitement comment le street art s'est mué en une forme d'art sophistiquée et respectée. L'œuvre de Guetta témoigne du pouvoir transformateur de l'art et de sa capacité à transmettre des messages qui trouvent un écho auprès d'un large public. À travers de telles créations, l'univers autrefois underground du graffiti et du street art continue d'influencer positivement le paysage toujours plus vaste des beaux-arts.

Lis Plus Moins

La vie est belle - Sculpture en résine coulée, peinte et revêtue thermiquement, édition limitée 2015, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée , 2015. Dimensions de l'œuvre : 8,75 x 5,5 pouces. Tirage limité à 100 exemplaires. Signés, numérotés et datés à la main. Découvrez la réédition spéciale de la sculpture « La vie est belle ». Réalisée en résine coulée résistante, elle est revêtue d'un film thermique décliné dans huit couleurs emblématiques de Mr. Brainwash. Chaque sculpture sera signée, numérotée et datée par l'artiste. Très léger éclat de peinture au verso.

Lis Plus Moins

Statue Apvshkin, édition limitée, sculpture en résine, œuvre d'art de l'artiste de rue SSUR- Ruslan Karablin x Medicom Fine Art. Sculpture signée de 2021, édition limitée, hauteur : 35,5 cm (14 pouces). A. PVSHKIN SSVRILLA Présenté avec boîte

Lis Plus Moins

Sculpture en polystone Camden Maid, édition limitée, œuvre de l'artiste Brandalised, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. 2021 20 cm - Vous avez un secret à cacher ? Un problème à ignorer ? Un historique de navigation douteux ? Ou vous souhaitez simplement oublier une année difficile ? Camden Maid de Brandalised est là pour vous aider ! Quels que soient vos secrets, elle les dissimulera dans le mur, où personne ne les trouvera. C'est la personne idéale et la plus fiable pour cacher des secrets. Cette figurine de collection en polystone détaillée arbore la peinture au pochoir que vous appréciez tant dans nos collaborations Brandalised. Des détails incroyables ornent la pièce, des plis du mur soulevé aux traits du visage de Camden Maid. Possédez une œuvre d'art urbain iconique comme jamais auparavant. Sous licence BRANDALISED™ © Full Colour Black Ltd. MMXXII

Lis Plus Moins

Modern Bouquet 3.0 - Sculpture florale originale Royalty en résine de béton et rose, réalisée par l'artiste de rue et graffeuse Jenna Morello, artiste pop moderne. Sculpture de rose originale et unique de 2021, signée et tamponnée. De véritables roses sont préservées à jamais dans de la résine coulée dans du béton. Dimensions : 3 x 3 x 3 cm. Chaque pièce est accompagnée d'un sceau d'authenticité. Intersection de la modernité et de l'intemporalité dans le pop art urbain « Modern Bouquet 3.0 - Royalty » de Jenna Morello illustre parfaitement comment le street art et le graffiti repoussent sans cesse les limites des formes d'art traditionnelles. Cette œuvre originale, réalisée en techniques mixtes, témoigne du dialogue permanent entre la nature éphémère du street art et la permanence de la sculpture. En encapsulant une rose naturelle, préservée à jamais dans de la résine et enchâssée dans une matrice de béton, Morello crée un contraste saisissant entre la fragilité du vivant et la résilience des matériaux artificiels. Ses dimensions (7,6 x 7,6 x 7,6 cm) contrastent avec la profondeur de son concept. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art, « Modern Bouquet 3.0 - Royalty » offre l'opportunité d'acquérir une œuvre qui incarne l'esprit du street art sous une forme tangible. Contrairement aux graffitis éphémères qui peuvent être recouverts ou s'estomper avec le temps, cette sculpture constitue un témoignage permanent de l'expression de l'artiste. Sa taille compacte invite à une interaction directe, permettant d'examiner de plus près les détails complexes et le jeu des matériaux, à l'instar de la découverte intime d'une œuvre de street art cachée dans une ruelle. Dans l'art moderne, la sculpture de Morello est un phare du potentiel novateur inhérent au pop art urbain et au graffiti. Elle incarne la nature évolutive du genre, démontrant que l'esprit du street art peut transcender les supports traditionnels comme la toile et le mur pour créer de nouvelles formes d'expression qui remettent en question notre perception de l'art et de son rôle dans la société. Bouquet Moderne 3.0 - Symbolisme royal et savoir-faire dans l'œuvre de Jenna Morello L'œuvre de Morello est une méditation profonde sur le passage du temps et la préservation de la beauté. L'utilisation d'une rose naturelle suggère un instantané de la beauté éphémère de la nature, tandis que son enrobage de résine évoque le désir de retenir des moments voués à disparaître. La texture brute et industrielle du béton contraste avec la délicatesse de la rose, créant un symbole aux multiples facettes de l'intrusion de l'environnement urbain dans la vie naturelle. Cette œuvre, signée d'un tampon en béton, renforce son authenticité, l'ancrant dans le monde physique, à l'instar des tags de graffiti qui capturent la présence de l'artiste dans le paysage urbain. Cette œuvre trouve un écho dans la sphère du street art et du graffiti par l'utilisation de matériaux urbains courants et la présentation d'un objet familier, mais détourné : le bouquet. Offerte généralement pour exprimer son affection, la rose est ici recontextualisée comme un commentaire sur le processus artistique, où les artistes de rue déposent souvent la beauté dans des lieux inattendus. Chaque sculpture, portant un sceau d'authenticité, reflète l'authenticité recherchée par les artistes de rue qui apposent leur signature unique dans l'espace public. L'œuvre de Morello capture l'essence même de la capacité du street pop art à trouver l'harmonie dans la contradiction, mêlant l'organique au synthétique, le temporaire au durable.

Lis Plus Moins

Achetez Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Handmade & Painted Art Toy Collectible Artwork par les artistes pop Nugg Life NY. Hommage aux plantes sur le thème du cannabis/marijuana avec des accents colorés peints à la main. Mini Nug mesure environ 2,5 à 3 pouces de haut et est fait à la main, peint et assemblé avec un conteneur de livraison NYC. Tirage limité à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins

Peinture originale à la bombe acrylique « Rabbit A Frame » (panneau de signalisation routière) par Blake Jones. Œuvre unique d'art urbain et d'artiste pop. Peinture originale signée, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol sur un panneau de signalisation routière recyclé (cadre en A). Dimensions : 23,75 x 45,25 pouces. Rabbit A Frame de Blake Jones – Fantaisie urbaine sur toile recyclée, œuvre d'art pop art et graffiti. « Rabbit A Frame » est une œuvre originale de 2020, réalisée à l'acrylique et à la bombe aérosol par l'artiste américain de street art Blake Jones. Elle est apposée sur un panneau de signalisation de chantier récupéré. Mesurant 60,3 x 115 cm, cette pièce unique transforme une infrastructure routière fonctionnelle en une toile ludique et dynamique. Peint directement sur le motif réfléchissant orange et blanc emblématique du panneau, le lapin, personnage caractéristique de Jones, apparaît avec curiosité dans le coin inférieur, insufflant humour et innocence à ce symbole de prudence. Cette collision inattendue entre forme et personnage est au cœur de la pratique du street art et du graffiti, où les déchets urbains deviennent un lieu d'expression créative, de subversion et de narration visuelle. Recontextualiser l'utilité par le biais du personnage L'inclusion du lapin – figure récurrente dans l'univers cartoon de Blake Jones – ancre l'œuvre dans sa pratique artistique plus large, qui consiste à utiliser le design de personnages pour susciter la joie, la curiosité et l'absurde. Les grands yeux et les lignes arrondies du lapin contrastent fortement avec la géométrie rigide et la fonction utilitaire du panneau de chantier en forme de A. L'artiste a laissé visible l'inscription « LYONS PINNER » au pochoir sur la barre inférieure, renforçant ainsi l'authenticité de l'œuvre en tant qu'objet récupéré d'une infrastructure urbaine réelle. Cette juxtaposition de fonction municipale et d'expression personnelle crée un récit à plusieurs niveaux, où le langage visuel rigide de la signalétique publique est adouci par une expression d'émerveillement. La démarche de Jones n'efface pas le passé de l'objet ; elle l'amplifie par une intervention esthétique. Esthétique des supports, des surfaces et de la rue Blake Jones utilise une combinaison de peinture acrylique au pinceau et d'aérosol pour obtenir un contraste saisissant et une netteté remarquable sur la surface métallique réfléchissante. La texture du panneau, avec ses rayures, ses bosses et sa peinture écaillée, offre un support granuleux et tactile qui renforce la présence physique de l'œuvre. Chaque imperfection de la surface devient partie intégrante de la composition finale, ancrant l'œuvre dans la rue. L'utilisation de matériaux provenant de panneaux de signalisation routière renforce l'essence même du Street Pop Art et du graffiti : un art créé dans, par et pour l'espace public. Le lapin, représenté en turquoise vif avec des détails noirs expressifs, apporte une touche de personnalité au panneau, transformant la prudence en une salutation ludique plutôt qu'en une mise en garde. Blake Jones et l'art de se réapproprier les récits urbains « Rabbit A Frame » est bien plus qu'une simple peinture d'objets astucieuse : c'est une réflexion sur la façon dont les matériaux du quotidien peuvent devenir porteurs de joie, de personnalité et de transformation artistique. Blake Jones continue d'estomper la frontière entre les déchets de la rue et l'art de collection, utilisant des matériaux trouvés comme support pour des récits centrés sur les personnages. Son œuvre réintroduit l'humanité dans des espaces souvent dominés par la standardisation et le silence. Cette pièce invite les spectateurs à percevoir l'humour et l'imagination qui se cachent dans le tissu même de leur environnement quotidien. S'inscrivant dans le mouvement Street Pop Art & Graffiti Artwork, elle nous rappelle avec éclat que l'art ne se limite pas aux toiles ou aux murs des galeries. Il peut s'épanouir dans la rue, sur les panneaux que nous ignorons, et à travers les personnages qui animent ces lieux. Blake Jones se réapproprie ces espaces avec style, malice et un charme indéniable.

Lis Plus Moins

Sculpture en résine en édition limitée de l'artiste pop moderne Josh Keyes. Édition limitée 2017 présentée dans son coffret. « The Collector » est la troisième sculpture de Josh Keyes issue de notre collection Signature. Initialement une magnifique peinture, elle est désormais une sculpture d'une grande finesse, sublimée par une élégante finition blanc mat. Dimensions : environ 45,7 cm (L) x 17,8 cm (l) x 22,9 cm (H). Matériau : résine. « The Collector » de Josh Keyes est une remarquable illustration du pop art moderne, fusionnant l'esthétique du street art et les exigences de l'art contemporain. Cette sculpture en résine, en édition limitée de 2017, est la troisième de la célèbre série Signature de Keyes, qui met en valeur la force narrative de ses œuvres et leur souci du détail. La transition de la toile à la sculpture Conçue initialement comme une peinture, « Le Collectionneur » s'est transformée en une œuvre tridimensionnelle aboutie, conservant la finesse des détails et la profondeur thématique de son prédécesseur bidimensionnel. Le passage de la peinture à la sculpture a permis une nouvelle interprétation de la vision de Keyes, la présentant dans un matériau tangible et palpable. La finition blanche mate de la sculpture met en valeur sa silhouette sophistiquée, soulignant la pureté des lignes et le contraste saisissant entre le sujet et son environnement. Avec ses dimensions d'environ 46 cm de longueur, 18 cm de largeur et 23 cm de hauteur, la sculpture impose sa présence. Moulée en résine, un matériau reconnu pour sa durabilité et sa capacité à reproduire les détails avec précision, « Le Collectionneur » est une œuvre à la fois robuste et délicate, témoignant du talent de Keyes pour explorer la complexité de la forme et de la matière. Une déclaration dans le domaine du street art pop et du graffiti « The Collector » s'inscrit dans le courant du street art et du graffiti par son impact et sa présence. Malgré sa finition impeccable, l'œuvre porte l'esprit du street art : elle interpelle le spectateur, aborde des thèmes environnementaux et interroge l'interaction entre le monde naturel et les constructions humaines. Le rhinocéros, sujet récurrent dans l'œuvre de Keyes, est représenté aux côtés d'un lampadaire, une juxtaposition qui invite à réfléchir à l'empiètement de l'urbanisation sur les habitats naturels. Dans le contexte plus large du travail de Josh Keyes, « The Collector » est une œuvre emblématique qui témoigne de son intérêt pour les thèmes écologiques et post-apocalyptiques. L'art de Keyes met souvent en scène des animaux sauvages en milieu urbain, explorant les frontières entre civilisation humaine et nature, un thème qui trouve un écho profond dans notre société actuelle, soucieuse de l'environnement. L'impact culturel du « Collectionneur » En tant qu'œuvre d'art, « The Collector » transcende la simple esthétique pour engager un dialogue culturel. Elle explore visuellement les conflits et la coexistence entre la vie urbaine et la nature. La blancheur immaculée de la sculpture sert de toile, soulignant les ombres et les contours de l'œuvre et permettant à la forme de devenir le récit central. Cette absence de couleur suggère une tabula rasa, une page blanche, invitant le public à de multiples interprétations. L'œuvre de Josh Keyes, et plus particulièrement « The Collector », s'inscrit dans l'esprit du pop art moderne en puisant dans une imagerie reconnaissable et en la réinterprétant dans un nouveau contexte. Ce faisant, il crée un discours à la fois accessible et profond, à l'instar du street art et des graffitis qui ornent les murs des villes du monde entier. Ce discours témoigne de l'omniprésence des changements environnementaux et de l'impact omniprésent de l'activité humaine sur le monde naturel. En conclusion, « The Collector » de Josh Keyes est une œuvre profonde qui saisit l'essence des enjeux contemporains à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Sa transformation d'une peinture détaillée en une forme sculpturale lui permet d'occuper l'espace physique et d'établir un contact direct et tactile avec le public. À travers cette œuvre, Keyes continue de questionner les spectateurs, les incitant à réfléchir à l'intersection des mondes humain et animal et à l'équilibre fragile à maintenir entre progrès et préservation. La sculpture, disponible en quantité limitée, est non seulement une œuvre d'art, mais aussi un objet de collection qui reflète les défis écologiques et culturels actuels de notre société.

Lis Plus Moins

Mini-nuggets Blueberry Yum Yum, édition limitée, jouet d'art fait main et peint, œuvre d'art de collection par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Chaque Mini Nug, édition limitée 2022, mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement fabriquée à la main. Livrée dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Numérotée et signée, cette édition limitée est composée de 20 exemplaires.

Lis Plus Moins

Carreau Colombe Géométrique - Série Blue Dream Editions, édition limitée, impression d'art pigmentaire d'archives sur carreau avec base en liège, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Shepard Fairey. Colombe géométrique (bleue) Shepard Fairey Édition limitée à 225 exemplaires + 25 épreuves d'artiste Impression numérique sur carreau. Carreau avec base en liège Signature et numérotation laser 15 × 15 cm 5,9 × 5,9 po 2021 « La série Dream Editions invite les artistes à puiser au plus profond de leur imagination pour créer des œuvres dont ils ont toujours rêvé, mais qu'ils n'avaient jamais eu l'occasion de réaliser jusqu'à présent. Cette initiative novatrice et révolutionnaire repousse les limites de leur créativité, témoignant du savoir-faire acquis par ce secteur. Au fil des ans, Underdogs a développé d'innombrables éditions limitées et pièces uniques, explorant une grande variété de supports, de formes, de matériaux et de procédés. » - Underdogs

Lis Plus Moins

Sculpture en résine d'astronaute érodée par Daniel Arsham x Billionaire Boys Club, édition limitée, pop graffiti, art urbain. Édition limitée numérotée à 500 exemplaires (2023). Sculpture pop art de 21,6 x 30,5 cm représentant un astronaute stylisé américain moderne, avec des éléments érodés, en résine blanche et cristal concassé. Présentée dans sa boîte d'origine. Royaumes qui s'entrecroisent : la sculpture d'astronaute érodée de Daniel Arsham « L’Astronaute érodé » est une œuvre d’art moderne saisissante, à la croisée du pop art, du street art et de l’archéologie. Fruit d’une collaboration entre l’artiste renommé Daniel Arsham et la marque de mode et lifestyle Billionaire Boys Club, cette sculpture en édition limitée explore les notions de temps, d’espace et de matière. Tirée à 500 exemplaires numérotés, l’œuvre mesure 21,6 x 30,5 cm et est réalisée en résine blanche et en cristal concassé, incarnant un futurisme décrépit. Le travail de Daniel Arsham se caractérise par son concept fétiche d’« archéologie fictionnelle », dont « L’Astronaute érodé » est un exemple frappant. La figure, un astronaute stylisé à l’américaine, est réinterprétée à travers le prisme de l’érosion, suggérant le passage du temps et la fragilité des entreprises humaines. La résine blanche évoque la pureté et l’ambition de l’exploration spatiale. L'intégration de cristaux concassés confère à l'œuvre une profondeur supplémentaire, créant une texture qui évoque des siècles d'érosion. Cette pièce témoigne de la sensibilité esthétique partagée par Arsham et Billionaire Boys Club, unissant l'univers du pop art et du graffiti à la minutie artisanale de la sculpture. « L'Astronaute érodé » transcende les contraintes bidimensionnelles traditionnelles du street art, insufflant l'énergie brute et l'esprit de la rue dans une forme tridimensionnelle qui interpelle et captive le regard. Dans le contexte du pop graffiti et du street art, « L'Astronaute érodé » est une manifestation physique des thèmes récurrents dans ces genres : la remise en question des icônes culturelles, la déconstruction des mythes modernes et le dialogue entre passé et futur. La sculpture d'Arsham invite à réfléchir aux récits que nous construisons autour du progrès et à l'empreinte que nous laissons sur l'histoire. L'édition limitée « L'Astronaute érodé » n'est pas qu'un objet de collection ; c'est un sujet de conversation qui abolit la frontière entre art et objet, entre l'éphémère et l'éternel. Cette œuvre audacieuse reflète l'évolution du street art et du graffiti, capturant l'esprit d'exploration et l'esthétique de l'érosion qui caractérisent Daniel Arsham. Les collectionneurs et les amateurs des sculptures de Daniel Arsham et des créations novatrices du Billionaire Boys Club trouveront dans « Eroded Astronaut » une pièce maîtresse pour leurs collections. Chaque sculpture, numérotée individuellement, est un fragment d'un récit plus vaste qui évoque le passage du temps et la fascination intemporelle pour l'exploration spatiale. Cette œuvre témoigne du pouvoir de la collaboration pour repousser les limites du street art et du graffiti et explorer des territoires inexplorés.

Lis Plus Moins

HIVE B-006H.Battle, sculpture en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Vectormobb. Sculpture en vinyle à l'échelle 1/2 (40,5 cm) - Édition limitée à 300 exemplaires - Création de Johnny (Vectormobb). ZCWO x VECTORMOBB HIVE B-006H. Les abeilles sont essentielles à la vie sur Terre grâce à la pollinisation. Ces insectes extraordinaires n'attaquent que lorsqu'ils se sentent menacés ; ils méritent donc une ruche digne de ce nom, capable de dissuader les intrus qui convoitent leur miel. HIVE B-006H - Sculpture inspirée de la Bataille Star Wars par Vectormobb. L'effervescence artistique : HIVE B-006H Battle par Vectormobb Dans un monde où culture pop et conscience environnementale se rencontrent, HIVE B-006H Battle de Vectormobb est une œuvre monumentale d'art pop moderne qui transcende la simple esthétique. Conçue par Johnny de Vectormobb, cette sculpture en vinyle de 40 cm (16 pouces) à l'échelle 1/2 incarne la fusion de la conscience écologique et des visuels saisissants de la science-fiction, notamment l'imagerie emblématique de « Star Wars ». Thèmes convergents : L'écologie rencontre l'iconographie pop La figurine HIVE B-006H Battle n'est pas qu'un simple objet de collection, c'est une véritable œuvre d'art. Limitée à 300 exemplaires, elle présente un nid d'abeilles lumineux et des yeux qui lui donnent vie, créant un effet à la fois visuellement saisissant et thématiquement poignant. Les abeilles, pollinisatrices essentielles de nos écosystèmes, sont ici représentées sous une forme à la fois sanctuaire et guerrière, reflétant leur rôle vital dans notre monde et la nécessité de protéger ces insectes infatigables. L'utilisation d'un casque de Stormtrooper réinventé en ruche s'inspire de la notoriété de la franchise « Star Wars » et offre une nouvelle perspective sur ces personnages. Elle suggère un récit où le naturel et l'artificiel fusionnent, où les soldats habituellement anonymes d'un empire galactique deviennent les gardiens de la nature, symbolisant une harmonie potentielle entre technologie et environnement. La vision créative de VECTORMOBB : une synthèse de l'art et du plaidoyer La vision créative de Vectormobb, notamment à travers cette œuvre, symbolise le pouvoir transformateur du street art. HIVE B-006H Battle transcende la frontière entre art et engagement, exploitant la force évocatrice d'icônes populaires pour aborder des problématiques actuelles. Elle incarne physiquement le dialogue entre progrès humain et monde naturel, un dialogue de plus en plus pressant dans notre société contemporaine. Cette sculpture en vinyle est un phare de l'esprit du street art, qui consiste souvent à réinterpréter le familier pour créer une œuvre inédite et stimulante. À travers cette pièce, Vectormobb prolonge le débat dans les lieux fréquentés par les amateurs d'art et les collectionneurs, suscitant des discussions sur la conservation, la coexistence et notre rôle dans la préservation de notre planète. La performance artistique de HIVE B-006H Battle témoigne du rôle des artistes contemporains dans la construction du discours public par l'expression créative. En intégrant les images emblématiques de « Star Wars » à la problématique cruciale de la conservation des abeilles, Vectormobb signe une œuvre aussi percutante par son message que par sa conception. Cette pièce nous rappelle avec force que l'art peut refléter nos passions et catalyser le changement, nous incitant à réfléchir à l'équilibre délicat entre la préservation de notre patrimoine culturel et la sauvegarde de notre avenir environnemental.

Lis Plus Moins

Mona Lisa Grin - Impression pigmentaire d'archives sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue et de graffiti Ron English, légende de la pop moderne - POPaganda. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné des lettrages traditionnels de style sauvage pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

Lis Plus Moins

Achetez Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Handmade & Painted Art Toy Collectible Artwork par les artistes pop Nugg Life NY. Hommage aux plantes sur le thème du cannabis/marijuana avec des accents colorés peints à la main. Mini Nug mesure environ 2,5 à 3 pouces de haut et est fait à la main, peint et assemblé avec un conteneur de livraison NYC. Tirage limité à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins