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Après la pluie, œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signé au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 8,25 x 11,75. Inspiré de l'art du sable de Sunae.

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Icarus, sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts jaune par Raid71, artiste de street art célèbre et réputé pour ses œuvres pop. Référence à l'avion et au vaisseau spatial de La Planète des Singes.

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Castle- PP Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée, œuvre d'art Mario sur papier beaux-arts par l'artiste de culture pop moderne Scott Listfield . Épreuve d'imprimerie PP 2014 signée , tirage pigmentaire d'archive 11x14 représentant un astronaute contemplant un château européen, debout sur un tuyau de Mario (jeu vidéo). Dans l'univers dynamique du pop art moderne, on observe une intersection fascinante entre les éléments de la culture populaire et les techniques artistiques contemporaines. L'estampe « Castle - PP Archival Pigment Print », créée par le célèbre artiste de la pop culture Scott Listfield, illustre parfaitement cette fusion. Réalisée en 2014, cette œuvre en édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, témoigne de la vision et de la créativité uniques de Listfield. Puisant dans le vocabulaire visuel des jeux vidéo et de l'architecture historique, l'estampe met en scène un astronaute, symbole de la soif d'exploration de l'humanité, contemplant un château européen. Mais ce qui rend l'image encore plus captivante, c'est la position de l'astronaute : perché sur un tuyau de Mario, clin d'œil à l'un des jeux vidéo les plus emblématiques de tous les temps. Le choix du pigment d'archivage comme médium est particulièrement remarquable. Il garantit la longévité de l'œuvre et restitue les nuances des détails minutieux de Listfield. Ces estampes sont bien plus que de simples œuvres d'art ; Ce sont des témoignages historiques qui perpétuent l'esprit de la culture populaire de leur époque. La signature de l'artiste et la mention « PP Printers Proof » authentifient l'estampe et lui confèrent une valeur inestimable parmi les objets de collection. En juxtaposant la grandeur ancestrale d'un château européen à la figure d'un astronaute contemporain et à un élément de jeu vidéo, Listfield établit un pont entre les époques, remettant en question nos perceptions et suscitant une réflexion profonde sur le temps, la culture et la continuité de l'histoire humaine, au sein du vaste champ de l'art pop, du street art et du graffiti.

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« That's No Moon », estampe d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art, par l'artiste Max Dalton, légende du street art pop et du graffiti. Édition numérotée 2022 de 350 exemplaires, format 18x24

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L'œuvre d'art « Mescalito's Cosmic Gazebo », une impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Sam Chivers. Tirage giclée 16,5 x 23,5 cm sur papier d'art Hahnemühle. « Mescalito », estampe giclée avec détails à la feuille d'or, par Sam Chivers. Format A2 (42 x 59,4 cm). Signée et numérotée par l'artiste. Édition limitée à 20 exemplaires.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Filles avec des étoiles dans les cheveux 13 Œuvre d'art Impression giclée en édition limitée sur papier d'art épais par l'artiste de graffiti de la culture pop Gene Guynn.

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Achetez une œuvre d'art de collection VINYLTOY Sculpture en vinyle en édition limitée par Pop Street Artist. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Téléportation sur Mars. Dessin original au crayon graphite sur papier beaux-arts par Ana Bagayan, artiste de rue spécialisée dans le graffiti et le pop art moderne. Dessin original de 2014, signé au verso, 4,25 x 6,5 pouces.

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Tirage d'archive Filling Holes par Dalek - James Marshall, édition limitée sur papier d'art Somerset Fine Art 300 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Estampe signée et numérotée de 2019, édition limitée à 50 exemplaires. Dimensions : 17,72 x 23,62 pouces. Impression pigmentaire d'art d'archives. Combler les trous par Dalek : Précision et jeu dans l’art urbain pop et le graffiti « Filling Holes » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée de 2019, réalisée par l'artiste américain James Marshall, alias Dalek. Tirée à 50 exemplaires sur papier d'art Somerset 300 g/m², cette œuvre de 45 x 60 cm est signée et numérotée par l'artiste. Reconnu pour ses abstractions centrées sur des personnages et ses constructions géométriques pop, Dalek est une figure emblématique de l'évolution du street art et du graffiti. Son travail fusionne le langage visuel des dessins animés, du graffiti, des graphismes de skate et la précision vectorielle en des compositions hyper-saturées, empreintes de caractère, d'attitude et de rigueur formelle. « Filling Holes » met en scène l'un des avatars visuels emblématiques de Dalek – son Space Monkey – dans une composition dense et mécanique, empreinte de mouvement surréaliste et d'une tension ludique. La figure centrale apparaît comme un organisme robotique gris, orné d'un symbole USB sur la tête, doté d'un œil immense, d'une bouche en forme de museau et de dents acérées comme celles d'un requin, bordant sa mâchoire interne rose. De multiples membres et articulations mécaniques jaillissent de la figure selon des angles inattendus, tandis que d'autres appendices étranges et des formes aux allures de dessins animés interagissent avec l'espace. Une créature rose fantaisiste, semblable à un ver, sourit dans le coin inférieur, ajoutant une touche d'absurdité à ce chaos maîtrisé. La composition joue avec la perspective et la superposition, créant une profondeur qui évoque à la fois le style du graffiti et la narration des cases de bande dessinée. Le singe spatial de Dalek et l'évolution des personnages dans les récits urbains À la fin des années 1990, Dalek introduit le Space Monkey comme un avatar stylisé servant à la fois de commentaire psychologique, d'humour subversif et de récit personnel. Dans Filling Holes, la figure adopte une forme plus évoluée, robotique : mi-machine consciente, mi-jouet numérique, mi-symbole de protestation. La composition semble chirurgicale, mais son sujet est ludique et chargé d'émotions codées. Cette dualité est au cœur de la pratique de Dalek, où l'esthétique de la culture pop coexiste avec une logique de conception complexe. L'œil inexpressif et les extensions mécaniques de la figure évoquent la surcharge numérique et la distorsion identitaire, tandis que les couleurs vives et les bords arrondis ancrent l'œuvre dans l'accessibilité et la familiarité. Cette contradiction stylisée s'inscrit pleinement dans la philosophie du Street Pop Art et du graffiti, où le langage de la rébellion se dissimule souvent sous des formes soignées. L'art de Dalek invite les spectateurs à interpréter le chaos comme une structure intentionnelle, à percevoir la répétition comme un motif et à reconnaître que l'humour et l'anxiété puisent souvent leur source à la même chose. Le titre, Filling Holes (Combler les lacunes), peut évoquer une réparation émotionnelle, une interférence technologique ou une fragmentation urbaine – autant de concepts ancrés dans l’expérience vécue de la navigation au sein de systèmes qui déconstruisent continuellement l’identité. Précision, géométrie et esthétique du graffiti contemporain La formation de Dalek en mathématiques, en design graphique et en culture urbaine influence la géométrie précise de ses compositions. « Filling Holes » illustre sa capacité à équilibrer forme et fonction, puisant son inspiration dans la dynamique spatiale du graffiti et la théorie des couleurs du pop art. Son utilisation de contours noirs, d'aplats de couleur et d'une structure symétrique témoigne d'une profonde compréhension de la composition murale, ici adaptée au papier beaux-arts. Le choix des couleurs est délibéré : des gris sourds contrastent avec des roses vifs et des verts turquoise, créant des points focaux visuels et un rythme au sein de cet espace restreint. Imprimée sur papier Somerset 300 g/m², l'œuvre conserve une texture qui met en valeur ses qualités architecturales. Le procédé d'impression pigmentaire d'archivage garantit la profondeur des couleurs et la netteté des contours, permettant à chaque forme de conserver sa forme et sa tonalité. Comme toutes les éditions limitées de Dalek, cette pièce fonctionne à la fois comme objet de collection et comme micro-récit – un fragment d'un langage plus vaste et évolutif qui aborde les thèmes des systèmes, du surréalisme et de l'étrange joie du chaos maîtrisé. Combler les lacunes comme artefact conceptuel et hymne visuel Filling Holes représente la synthèse unique de Dalek sur la culture visuelle moderne : une œuvre puisant dans les dessins animés de l’enfance, les interfaces numériques, le design industriel et les codes du graffiti. Plus qu’une simple composition de formes et de figures, c’est un diagramme psychologique rendu par des aplats de couleur et des lignes épurées. La présence robotique, le port USB et la répétition optique suggèrent un monde où l’identité est constamment branchée et reprogrammée, et où le jeu masque des circuits critiques plus profonds. La place de James Marshall dans le paysage du Street Pop Art et du graffiti est incontestable, grâce à sa capacité à faire évoluer l’art figuratif vers une innovation formelle. Filling Holes est un instantané de cette évolution : une œuvre aussi précise qu’imprévisible, construite à partir des matériaux de la vie moderne et du vocabulaire de la rébellion visuelle. C’est du surréalisme pop affûté à l’extrême, se répétant à l’infini en boucles vibrantes d’émotion et de maîtrise.

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Sérigraphie artisanale bicolore Spock en édition limitée sur feuille de papier métallisé, par Craig Drake, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Inspiré de Spock. Sérigraphie sur papier métallisé. Édition limitée à 25 exemplaires. Dimensions approximatives : 40 x 50 cm.

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ComplexCon x Mutated Deck Set Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Takashi Murakami TM/KK. Ensemble de 3 planches de skateboard artistiques imprimées en édition limitée 2019 ComplexCon x Mutated Deck Set par Takashi Murakami : Mutation chromatique dans l’art urbain pop et graffiti Le triptyque ComplexCon x Mutated Deck Set de Takashi Murakami, sorti en 2019, est une édition limitée d'une estampe pigmentaire d'art de haute qualité, transférée sur un ensemble de trois planches de skateboard en bois naturel de 20 x 79 cm. Produit sous le label TM/KK de Murakami et présenté pour la première fois lors du phénomène culturel ComplexCon, ce triptyque illustre la maîtrise de l'artiste en matière d'imagerie pop hyper-saturée, de symbolisme et de design de personnages mutants. La composition met en scène une créature chaotique et joyeusement monstrueuse, entourée d'yeux, de flore psychédélique et de fleurs souriantes, offrant une explosion visuelle qui fusionne le surréalisme pop japonais avec l'énergie brute du Street Pop Art et du graffiti. Les planches forment une seule et même image lorsqu'elles sont exposées ensemble, centrée sur une grande figure mutante ressemblant à un ours, avec des dents acérées en barres de couleur, des yeux en spirale et des membres griffus qui s'étendent sur toute la partie inférieure. Les fleurs souriantes et les champignons multicolores, signature de Murakami, ainsi que des personnages latéraux amorphes, peuplent l'image. Chaque personnage est rendu par des contours épais aux dégradés néon et aux détails surréalistes, provoquant une saturation sensorielle évoquant un psychédélisme animé. L'image est à la fois fantaisiste, agressive et obsédante. Le langage visuel de Murakami n'est ici ni doux ni mignon ; il est sauvage, carnavalesque et délibérément déstabilisant. Les figures vibrent des contradictions émotionnelles qui animent les mondes mutants de Murakami. Les contributions de Takashi Murakami à ComplexCon et le skateboard comme toile ComplexCon s'est imposé comme une plateforme culturelle mondiale célébrant la fusion de l'art, de la mode, du design et de l'identité urbaine. La présence de Murakami à l'édition 2019 a été marquée par la sortie de ce set de planches de skate, offrant aux participants une pièce de collection en édition limitée, véritable œuvre d'art digne d'un musée. Les planches de skate, souvent utilisées par les artistes du mouvement Street Pop Art et Graffiti, offrent un support dynamique et riche de sens culturel. Leur rôle historique de supports pour les sous-cultures s'inscrit dans la volonté de Murakami de rendre l'art à la fois démocratique et immersif. En choisissant ce médium, Murakami poursuit sa démarche visant à remettre en question les frontières entre biens de consommation et beaux-arts. Le set de planches Mutated, bien qu'imprimé et destiné à la collection, conserve son statut d'objet urbain par excellence : symbole de mouvement, de rébellion juvénile et de narration visuelle. Ce format permet à son œuvre de s'épanouir non seulement sur les murs des galeries, mais aussi dans les mains et les foyers de celles et ceux qui perçoivent la culture comme fluide et plurielle. L'impression haute définition sur bois naturel offre une fidélité éclatante tout en préservant l'authenticité du matériau. Mutation symbolique et saturation émotionnelle dans le langage visuel contemporain L'utilisation par Murakami de personnages mutants dans cette œuvre reflète sa fascination pour la transformation postmoderne et la surcharge émotionnelle. La figure principale est un amalgame d'innocence et de chaos, entourée de formes fongiques et de fleurs anthropomorphes. Ces personnages reflètent des sentiments de surstimulation, d'addiction numérique et de fragmentation de la culture populaire. La superposition chaotique d'éléments reflète l'éthique du graffiti : occuper la surface, dominer l'espace, laisser une trace indélébile. L'œuvre s'inscrit pleinement dans la tradition du street art et du graffiti en instrumentalisant la mignonnerie, la transformant en une force primitive. Les fleurs ne sont pas douces ; elles observent. Les couleurs n'apaisent pas ; elles crient. Cette tension émotionnelle devient une forme de résistance culturelle, une affirmation que l'art peut être à la fois éblouissant et dérangeant. L'utilisation de la mutation comme thème récurrent chez Murakami inscrit son œuvre dans un dialogue direct avec l'obsession du street art pour la métamorphose, le jeu identitaire et la distorsion. La synthèse culturelle de Murakami et l'évolution du surréalisme pop urbain Takashi Murakami, né au Japon en 1962, continue d'influencer la culture visuelle mondiale grâce à ses projets multidisciplinaires qui unifient production commerciale et profondeur philosophique. Le jeu de cartes ComplexCon x Mutated en est un exemple frappant : il présente non seulement une composition foisonnante de couleurs et de chaos, mais aussi un artefact conceptuel qui témoigne de la capacité de l'art à muter, à l'instar de son sujet. Son œuvre fait dialoguer le folklore japonais, les traumatismes de l'après-guerre, les médias contemporains et l'esthétique urbaine à travers des personnages à l'apparence ludique mais d'une grande complexité. Ce jeu de cartes sert à la fois d'archive et d'outil d'activation, transformant des matériaux de la rue en visions à collectionner, unissant la clarté des beaux-arts à la puissance émotionnelle de la rue. Les formes mutantes de Murakami ne sont pas des déviations, mais des évolutions. Elles représentent la direction que prennent le Street Pop Art et le Graffiti : des expressions superposées, ludiques et pourtant d'une honnêteté brutale, reflétant le surréalisme et la saturation de notre culture actuelle.

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Lost Space Boy - Sculpture en polystone Draco, édition limitée, œuvre de l'artiste Kerby Rosanes, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. Édition limitée 2022, neuve en boîte. Mesurant 15 cm de haut et 23 cm de long, la figurine « Lost Space Boy : Draco » de Kerby Rosanes est réalisée en polystone. La constellation du Dragon est gravée sur le corps translucide, en hommage au groupe d'étoiles qui a inspiré cette pièce.

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SuperStar Destroyer - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue Bill McMullen - Billions. Édition limitée 2021 Star Wars Adidas The SuperStar Destroyer, créée par l'artiste Bill McMullen (Billions), est le troisième volet d'une trilogie de figurines en vinyle représentant des véhicules. Elle propose une nouvelle interprétation de ses influences majeures : les sneakers, le hip-hop et la science-fiction. Produite par Munky King.

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Après la pluie, tirage d'art en édition limitée avec pigments d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par l'artiste Naoto Hattori, légende du street art pop graffiti. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée. Tirage pigmentaire d'archive sur papier beaux-arts 310 g/m². Format : 40,6 x 50,8 cm. Sortie : 11 avril 2016. Tirage : 30 exemplaires. « J’aime le ciel dégagé après la pluie. Tout est vivifiant, l’air est pur et embaume la terre. Parfois, j’ai l’impression que mes pensées sont sombres et qu’il pleut, mais cela finit toujours par se dissiper et je peux alors apercevoir un ange, comme la première étoile du soir. » – Naoto Hattori

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« Bigger on the Inside » Dr Who, sérigraphie de Tracie Ching, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée au dos (2013). Sérigraphie 18x24 pouces représentant le vaisseau spatial TARDIS (cabine de police) de Doctor Who. Édition spéciale 50e anniversaire de la série Doctor Who. Plus grand à l'intérieur Doctor Who Sérigraphie de Tracie Ching L'estampe sérigraphique « The Bigger on the Inside » de Tracie Ching, inspirée de Doctor Who, est un hommage saisissant au 50e anniversaire de l'une des séries de science-fiction les plus appréciées de tous les temps. Cette sérigraphie artisanale en édition limitée, créée en 2013, capture l'essence du TARDIS, le vaisseau spatial emblématique du Docteur, dans une composition saisissante et riche en superpositions. Signée et numérotée au dos, et limitée à 40 exemplaires, cette œuvre mêle l'esthétique du street art et du graffiti à une approche futuriste, presque hypnotique. La technique de la sérigraphie lui confère une texture riche et une profondeur remarquable, en faisant une pièce visuellement dynamique, à la fois nostalgique et contemporaine. Concept visuel et conception de l'impression L'interprétation du TARDIS par Tracie Ching joue avec les notions de mouvement et de distorsion temporelle, deux éléments fondamentaux de l'univers de Doctor Who. L'estampe présente de multiples images superposées de la cabine de police bleue, créant un effet de cascade qui suggère que le vaisseau passe d'une dimension à l'autre. Les contours géométriques nets et l'éclairage à fort contraste renforcent l'impression d'énergie cinétique, donnant vie à l'œuvre. Les tons bleu profond, associés à une technique de demi-teintes soigneusement appliquée, confèrent à la pièce une profondeur atmosphérique qui fait écho au mystère et à l'excitation du voyage dans le temps. La typographie joue un rôle important dans la composition, avec le titre « Doctor Who » présenté dans un style épuré et futuriste. L'intégration du logo de la série et de la mention « Le cinquantième anniversaire » en bas de l'estampe souligne le caractère festif de l'œuvre. Cette approche minimaliste et audacieuse permet au TARDIS de rester le point focal tout en rendant hommage à cet événement historique de la série. Cet équilibre entre design graphique et savoir-faire artistique confère à cette estampe un caractère unique, à la fois comme objet de collection et comme œuvre remarquable d'art urbain pop et de graffiti contemporain. Le TARDIS comme icône du street art et du graffiti Le TARDIS fascine depuis longtemps le street art et le graffiti, symbolisant l'aventure, l'évasion et les possibilités infinies du temps et de l'espace. Les artistes de rue l'ont souvent représenté sur des fresques, des pochoirs et des affiches collées, l'intégrant à des décors urbains inattendus pour créer l'illusion de sa matérialisation dans le monde réel. Le design de la cabine de police est une image iconique, immédiatement reconnaissable même pour ceux qui ne connaissent pas Doctor Who, ce qui en fait un puissant symbole visuel dans l'art public. L'interprétation du TARDIS par Ching pousse ce concept plus loin en explorant ses propriétés métaphysiques. En illustrant la cabine de police comme si elle oscillait entre différents moments du temps, l'œuvre reflète le fonctionnement du graffiti et du street art : éphémères, en perpétuelle évolution et existant sous de multiples formes. La superposition des couches du TARDIS dans l'œuvre reflète la manière dont le street art se construit souvent, les artistes ajoutant de nouveaux tags, motifs et textures aux œuvres existantes, créant ainsi une toile évolutive de narration visuelle. Ce parallèle entre le voyage dans le temps et la nature fluide du street art et du graffiti renforce l'idée que le TARDIS est bien plus qu'un simple artefact de science-fiction : c'est un symbole de réinvention artistique. L'importance de la sérigraphie en édition limitée Tirée artisanalement en sérigraphie, « Bigger on the Inside » bénéficie d'un savoir-faire unique, impossible à reproduire numériquement. La superposition des encres, la texture du papier d'art et la précision de l'impression contribuent à son caractère distinctif. Disponible à seulement 40 exemplaires, cette œuvre est une pièce de collection exclusive, fusionnant l'univers de Doctor Who avec l'esthétique du street art et du graffiti. Son tirage limité renforce son attrait, conférant à chaque exemplaire une valeur culturelle et artistique indéniable. Le talent de Tracie Ching pour allier culture pop et techniques graphiques modernes et complexes fait de cette sérigraphie une œuvre phare de l'art urbain contemporain. Sa vision du TARDIS capture l'émerveillement et la magie de Doctor Who tout en repoussant les limites de la narration visuelle. Par sa composition dynamique, ses textures riches et sa profondeur conceptuelle, cette œuvre témoigne de la puissance de l'alliance entre la mythologie de la science-fiction et l'univers expressif et en constante évolution du street art et du graffiti.

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Achetez Night Lights Artwork Giclee Limited Edition Print sur Fine Art Paper par Pop Culture Graffiti Artist Scott Listfield .

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Œuvre d'art murale rouge, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Scott Listfield .

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Yoda - Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée standard sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Marly Mcfly. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 40 exemplaires. Format de l'œuvre : 16x16. Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Yoda, héros stylisé de Star Wars. L'estampe d'art « Yoda » en édition limitée, réalisée sur papier pigmentaire d'archives, est une nouvelle création remarquable de Marly Mcfly, artiste reconnu pour sa fusion vibrante de graffiti, d'art urbain et de culture pop. Lancée en 2021, cette collection exclusive est limitée à seulement 40 exemplaires, chacun portant la signature de l'artiste et un numéro d'identification unique. Imprimées sur un format carré de 40 x 40 cm, ces estampes sont bien plus que de simples œuvres d'art : ce sont de véritables pièces de collection. Le papier d'art Moab Entrada 290 g/m², choisi pour sa qualité exceptionnelle, garantit une longévité et une tenue des couleurs optimales, préservant ainsi la beauté de chaque estampe. Mcfly a choisi Yoda, héros emblématique de Star Wars, célèbre pour sa sagesse et sa maîtrise de la Force, comme sujet de cette œuvre. En représentant Yoda à travers le prisme du street art stylisé, l'artiste rend hommage à ce personnage emblématique tout en lui insufflant une nouvelle perspective. Les superpositions complexes d'éclaboussures de peinture et les lignes audacieuses, caractéristiques du style de McFly, offrent un arrière-plan dynamique au visage sage et serein de Yoda, soulignant l'importance du personnage dans la saga Star Wars et la culture populaire. L'œuvre dégage une énergie propre au street art, souvent caractérisé par un mélange éclectique de couleurs et de textures, à l'image de la nature imprévisible des murs urbains. Le travail de McFly se distingue par sa capacité à transporter le spectateur dans un univers où les éléments fantastiques de Star Wars rencontrent la force brute et expressive du street art. Cette rencontre crée une représentation unique de Yoda qui trouve un écho auprès des fans de Star Wars et des amateurs d'art. Chaque tirage de cette édition limitée représente une intersection unique entre le fandom et les beaux-arts, témoignant du talent de McFly pour transposer des personnages iconiques dans de nouveaux espaces d'expression artistique. Son travail avec Yoda n'est pas seulement une représentation du personnage, mais une prise de position au sein du dialogue dynamique et en constante évolution entre le street art et la culture populaire, offrant une vision nouvelle d'un visage familier.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'œuvre « Soundwave » de l'artiste de graffiti pop culture Scott Listfield . Œuvre d'art signée et numérotée 2024, format 16 x 20, édition limitée à 50 exemplaires. Transformers, film, série télévisée, bande dessinée, robot, super-héros, Soundwave, illustration pour platine cassette audio. Soundwave de Scott Listfield : une fusion audacieuse de culture pop et de street art « Soundwave », une estampe giclée de Scott Listfield, est un vibrant hommage à l'imagerie emblématique de la culture pop et à l'interaction dynamique entre nostalgie et modernité. Sortie en 2024, cette œuvre en édition limitée mesure 40,6 x 50,8 cm et fait partie d'une série exclusive de seulement 50 exemplaires signés et numérotés. Réalisée sur papier beaux-arts avec des encres d'archivage, l'estampe illustre la capacité de Listfield à allier un réalisme précis à une réflexion culturelle, capturant l'essence même du street art et du graffiti. L'œuvre met en scène Soundwave, personnage légendaire des Transformers, dominant un astronaute pensif, un thème récurrent dans le travail de Listfield. Le décor d'un paysage urbain crépusculaire offre un cadre cinématographique qui magnifie la grandeur du robot, dont le design, évoquant un magnétophone, rend hommage aux origines de Soundwave dans la culture pop des années 1980. L'astronaute, minuscule face à l'imposante silhouette, lève les yeux au ciel, suscitant un sentiment d'émerveillement, de nostalgie et de fascination pour la technologie et l'héroïsme. La représentation minutieuse du design complexe de Soundwave, contrastant avec les tons sombres du ciel et de l'environnement urbain, crée un puissant récit visuel qui invite le spectateur à s'interroger sur son propre rapport aux icônes culturelles et au passage du temps. Culture pop et art urbain dans Soundwave L'œuvre Soundwave de Scott Listfield fait le lien entre la culture pop et le street art en réinventant un personnage emblématique de Transformers dans un contexte à la fois surréaliste et profondément parlant. Soundwave, avec sa double identité de robot et de magnétophone, symbolise la convergence de la technologie et du divertissement qui a marqué une époque. En plaçant le personnage dans un paysage urbain contemporain aux côtés de sa figure d'astronaute, Listfield met en lumière l'impact durable de ces artefacts culturels et leur capacité à susciter l'admiration à travers les générations. L'intégration d'éléments de magnétophone Soundwave rattache l'œuvre à l'ère analogique de la musique et du divertissement, un thème récurrent dans le travail de Listfield. Cette référence nostalgique contraste avec les tonalités futuristes du robot et du décor urbain, instaurant un dialogue entre passé et présent. L'astronaute, souvent utilisé comme métaphore du spectateur, introduit une dimension introspective, incitant le public à réfléchir à son propre rapport à la culture populaire et à son rôle dans la construction des identités individuelles et collectives. Impression giclée et détails artistiques Le procédé d'impression giclée utilisé pour Soundwave préserve la minutie et le souci du détail de Scott Listfield. Imprimée sur papier beaux-arts avec des encres d'archivage, l'œuvre restitue les couleurs vibrantes et les textures subtiles caractéristiques du style de Listfield. Le format 40 x 50 cm offre une expérience visuelle immersive, révélant les détails mécaniques complexes de Soundwave et les tonalités atmosphériques du paysage urbain. La qualité des matériaux garantit la longévité de l'estampe, faisant d'elle une pièce précieuse pour toute collection d'art. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 50 exemplaires est signé et numéroté par l'artiste, ce qui lui confère une authenticité et une exclusivité particulières. Le tirage restreint renforce son attrait auprès des collectionneurs, offrant une occasion rare d'acquérir une œuvre issue de l'exploration stimulante de la culture pop et du Street Pop Art par Listfield. Scott Listfield : Un mélange de surréalisme et de nostalgie culturelle Scott Listfield est reconnu pour son talent unique à mêler paysages surréalistes et éléments iconiques de la culture populaire. Son personnage d'astronaute, souvent placé dans des décors inattendus, lui permet d'explorer les thèmes de l'isolement, de l'émerveillement et du rapport de l'humain à la technologie et aux médias. Soundwave illustre parfaitement cette approche, mêlant la nostalgie d'un personnage culte de Transformers à la tonalité introspective de son récit d'astronaute. À travers des œuvres comme Soundwave, Listfield continue de redéfinir les frontières du street art et du graffiti, utilisant son style unique pour engager le spectateur dans un dialogue sur la culture, la mémoire et l'imagination. Cette œuvre célèbre non seulement l'héritage de Soundwave en tant qu'icône de la culture populaire, mais invite également le public à réfléchir à son propre rôle en tant qu'acteur de l'histoire en constante évolution de l'expression culturelle.

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Estampe d'archives Night Song par Adrian Cox, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier chiffon Moab Entrada blanc brillant 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Exploration de l'essence de Night Song d'Adrian Cox (estampe d'archives) « Night Song » d'Adrian Cox est une œuvre captivante, inscrite dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti. Cette estampe d'art en édition limitée, réalisée sur papier pigmentaire d'archive, témoigne de la fusion des influences pop contemporaines et de l'énergie brute et expressive du street art. Imprimée sur papier Moab Entrada Rag blanc éclatant de 290 g/m², l'œuvre répond au désir du collectionneur moderne pour des pièces à la fois accessibles et profondes, ancrées dans des techniques modernes tout en flirtant avec la nature éphémère du graffiti. L'estampe, de format 45,7 x 61 cm, offre un récit visuel qui brouille la frontière entre le fantastique et le réel, une exploration thématique commune du Street Pop Art et du graffiti. Tirée à seulement 50 exemplaires, « Night Song » doit son attrait à son exclusivité : chaque exemplaire est signé et numéroté par Cox lui-même en 2023. Cette pratique rappelle la dimension personnelle souvent présente dans le street art, où chaque œuvre est unique, imprégnée de son environnement et de son époque. La dynamique visuelle de Night Song Au premier regard, « Night Song » captive par son audace dans l'utilisation des couleurs et des formes. L'estampe présente une juxtaposition saisissante : un ciel nocturne constellé d'étoiles, cerné d'un contour flamboyant, peut être interprété comme un portail ou une frontière entre différents mondes. Cette imagerie trouve un écho particulier dans le Street Pop Art et le graffiti, où le dialogue entre l'œuvre et son environnement est primordial. Ici, la frontière pourrait représenter l'espace souvent contesté du street art dans l'espace public, un lieu où la beauté rencontre la résistance, où le ciel nocturne peut être englouti par les flammes du regard critique ou des politiques publiques. Les figures qui composent l'œuvre – spectrales et d'un autre monde – portent en elles une force narrative. Elles font à la fois partie intégrante du paysage et s'en détachent nettement, à l'image des graffeurs qui laissent leur empreinte sur la toile urbaine. L'utilisation de papier chiffon pour l'estampe souligne les qualités textuelles du street art, où le médium interagit avec le message et où l'expérience tactile est aussi essentielle que l'expérience visuelle. Importance culturelle et potentiel de collection « Night Song » s'impose comme une œuvre d'art de collection incontournable. Son édition limitée garantit que chaque exemplaire est un fragment d'histoire, un point d'ancrage dans l'évolution constante du street art et du graffiti. Ce type d'œuvre séduit le collectionneur moderne par son dynamisme, son originalité et sa capacité à communiquer des thèmes complexes à travers le prisme de la culture pop et de l'esthétique urbaine. Le choix du papier Moab Entrada Rag est un gage de qualité et de pérennité, contrastant avec la nature éphémère du street art traditionnel. Le papier Entrada Rag est réputé pour sa reproduction des couleurs, un atout essentiel pour préserver les teintes vives et les contrastes profonds qui font la singularité de « Night Song ». En transposant l'immédiateté et le dynamisme du street art sur un support conçu pour durer, Cox fait le lien entre la nature éphémère du graffiti et la permanence recherchée par les collectionneurs. La contribution d'Adrian Cox à l'art moderne « Night Song » d'Adrian Cox est une contribution majeure au débat sur l'art contemporain. Elle reflète la réflexion actuelle sur la place du street art, du pop art et du graffiti dans le monde de l'art. À l'instar de nombreuses autres œuvres du genre, elle remet en question la conception traditionnelle des beaux-arts. Elle repousse les limites, au sens propre comme au figuré, et invite le spectateur à reconsidérer ses idées préconçues sur la valeur, la permanence et la place de l'art dans nos vies. Œuvre inclassable, « Night Song » symbolise la manière dont les artistes contemporains fusionnent styles et philosophies. Le travail de Cox se situe au carrefour de l'esprit rebelle du street art et de l'appropriation de la culture de masse et de l'iconographie par les artistes pop. Célébrant à la fois l'expression individuelle et l'expérience collective, à l'image des plus belles œuvres de street art, elle s'adresse aussi bien aux communautés qu'aux individus. La virtuosité d'Adrian Cox dans « Night Song » témoigne de la fusion entre culture pop et art urbain, un mélange qui continue de fasciner et de susciter la réflexion. C'est une estampe qui capture l'esprit de notre époque, où les frontières entre l'art savant et l'art accessible sont de plus en plus floues et où la voix de la rue est aussi puissante et poignante que celle de n'importe quelle galerie établie.

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Off! You Will Do What We Say 2 Color hand-drawed limited edition silkprinted on True White Speckle Tone Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Estampe signée en édition limitée, 2019. 45,7 cm x 61 cm. Tirage limité à 600 exemplaires. 11 juillet 2019. Le groupe punk rock OFF!, composé de membres de Black Flag, Circle Jerks, Redd Kross, The Burning Brides et The Black Heart Procession, réalise un film intitulé « Watermelon ». Selon leur chanteur Keith Morris, leur slogan « You will do what we say »… serait un mantra du programme MK Ultra ressuscité de l'ombre. – Shepard Fairey

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Convergence des réalités alternatives - Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée inversée sur papier d'art 300 g/m² par l'artiste de la culture pop Ana Bagayan. Épreuve d'artiste (EA). Papier beaux-arts 300 g/m². Format : 43 x 56 cm. Sortie : 15 août 2014. Tirage : 15 exemplaires.

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Achetez Yoshinoya Archival Pigment Fine Art Edition limitée Archival Pigment Print sur 290gsm Moab Fine Art Paper par l'artiste pop Scott Listfield. 2018 Signé & numéroté édition limitée de 50 oeuvre taille 14 x 18 Tirage pigmentaire d'archivage sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Taille : 14 x 18 pouces Sortie : 09 novembre 2018 Série de : 50

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie artisanale en édition limitée de la série ICON « Football du lycée San Dimas » en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. La cabine téléphonique qui permet de voyager dans le temps, tirée du film Bill & Ted's Excellent Adventure. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Off! You Will Do What We Say - Aqua Drab 2-Color Hand-Tiped Limited Edition Silkprint on True White Speckle Tone Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Estampe signée en édition limitée 2022. 45,7 cm x 61 cm. Tirage limité à 400 exemplaires. 26 mai 2022. Le groupe punk rock OFF!, composé de membres de Black Flag, Circle Jerks, Redd Kross, The Burning Brides et The Black Heart Procession, réalise un film intitulé « Watermelon ». Selon leur chanteur Keith Morris, leur slogan « You will do what we say »… serait un mantra du programme MK Ultra ressuscité de l'ombre. – Shepard Fairey

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Vulcan Vasquez Rocks LA Star Trek Sérigraphie par Justin Van Genderen Tirage à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art sérigraphiée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée au dos, 2014. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie de la série « Location, Location, Location » représentant Spock, personnage vulcain de science-fiction (Star Trek, séries télévisées et films), à Los Angeles (LA), debout sur Vasquez Rocks, au lever ou au coucher du soleil. Vulcan Vasquez Rocks LA Star Trek Sérigraphie par Justin Van Genderen La sérigraphie « Vulcan Vasquez Rocks LA Star Trek » de Justin Van Genderen illustre parfaitement comment le street art et le graffiti peuvent fusionner nostalgie culturelle et modernisme minimaliste. Cette sérigraphie artisanale de 2014, limitée à 50 exemplaires, offre une représentation saisissante de Vasquez Rocks, dans le comté de Los Angeles, lieu emblématique de l'univers Star Trek. L'œuvre capture ce paysage austère et presque extraterrestre dans une composition graphique audacieuse, renforçant l'importance cinématographique de ce site naturel et rendant hommage à l'une des franchises de science-fiction les plus cultes de l'histoire. La vision artistique derrière la sérigraphie L'approche de Van Genderen pour cette œuvre met l'accent sur le minimalisme, utilisant des formes géométriques nettes, une palette de couleurs restreinte et de forts contrastes pour créer une composition visuellement saisissante. Les imposantes formations rocheuses sont rendues dans une ombre profonde, juxtaposées à un soleil massif et lumineux qui domine l'arrière-plan. Une silhouette solitaire, représentant Spock ou un voyageur de l'univers Star Trek, se dresse au sommet, renforçant un sentiment d'isolement et d'exploration. La typographie est audacieuse et futuriste, avec le mot « Vulcan » en évidence en haut, renforçant le thème extraterrestre. L'utilisation de l'espace et de la couleur dans l'estampe reflète des influences majeures du street art et du graffiti, notamment dans sa manière de simplifier des paysages complexes en visuels percutants. Les textures et les finitions vieillies évoquent une esthétique vintage rappelant les affiches de science-fiction classiques, ajoutant à l'attrait intemporel de l'œuvre. En éliminant les détails superflus, Van Genderen crée une image immédiatement reconnaissable mais ouverte à l'interprétation, permettant aux spectateurs de projeter leurs propres récits sur la scène. Vasquez Rocks, un site culturel et artistique emblématique Vasquez Rocks est depuis longtemps un lieu de prédilection pour les cinéastes, notamment dans le domaine de la science-fiction. Ses formations rocheuses déchiquetées et d'apparence irréelle ont servi de décor à de nombreux épisodes de Star Trek, en faisant un symbole intemporel d'exploration et de découverte. En choisissant ce site pour son œuvre, Van Genderen puise dans une mémoire culturelle collective, utilisant les techniques du street art et du graffiti pour réinterpréter un lieu familier et lui conférer une dimension nouvelle et stimulante. La silhouette solitaire qui se détache sur les rochers ajoute une dimension narrative à la composition, invitant à s'interroger sur l'identité et le but de ce personnage. Qu'on y voie Spock contemplant l'inconnu ou un voyageur anonyme perdu dans l'immensité de l'espace, la scène incarne les thèmes de la solitude, de la curiosité et de la quête éternelle de sens. Le soleil levant ou couchant renforce cette impression de transition et d'intemporalité, consolidant l'idée d'exploration comme un voyage à la fois personnel et universel. L'importance de la sérigraphie en édition limitée Faisant partie de la série « Location Location Location », cette estampe poursuit l'exploration par Van Genderen de la manière dont les lieux – réels ou fictifs – façonnent les récits culturels. Chaque œuvre de la série distille l'essence d'un lieu spécifique dans une esthétique minimaliste et cinématographique, puisant dans le pop art urbain et le graffiti pour créer un sentiment d'immédiateté et d'impact. Cette édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée au dos, lui confère une exclusivité qui en fait une pièce de collection prisée des amateurs d'art et des fans de Star Trek. Le procédé d'impression en sérigraphie lui confère une qualité tactile et artisanale, la distinguant des reproductions numériques et des estampes produites en masse. Chaque estampe présente de légères variations, renforçant l'unicité de l'œuvre et son lien avec les techniques d'impression traditionnelles. Le format 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) assure à l'œuvre une forte présence visuelle, qu'elle soit exposée dans une galerie, une collection privée ou intégrée à une installation d'art urbain. La sérigraphie Star Trek de Van Genderen, « Vulcan Vasquez Rocks LA », illustre parfaitement la rencontre entre la culture pop, l'histoire du cinéma et l'art urbain contemporain (graffiti). En transformant un lieu réel en une représentation abstraite et symbolique de l'exploration et de la mythologie de la science-fiction, l'œuvre continue de toucher un public sensible à la narration visuelle et au charme intemporel de l'univers visionnaire de Star Trek.

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SuperStar Destroyer - Figurine de collection en vinyle blanc en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Bill McMullen - Billions. Édition limitée 2021 Star Wars Adidas The SuperStar Destroyer, créée par l'artiste Bill McMullen (Billions), est le troisième volet d'une trilogie de figurines en vinyle représentant des véhicules. Elle propose une nouvelle interprétation de ses influences majeures : les sneakers, le hip-hop et la science-fiction. Produite par Munky King.

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Marching to Oblivion Nightshift Silkscreen Print by Dalek- James Marshall 13 Color Hand-Tired on Nightshift Card Stock Fine Art French Paper Co Limited Edition Screenprint Artwork. Édition limitée à 12 exemplaires, signée et numérotée, 2025. Œuvre d'art au format 18x24. Sérigraphie. Marching to Oblivion Nightshift par Dalek (James Marshall) dans Street Pop Art & Graffiti Artwork « Marching to Oblivion Nightshift » est une sérigraphie en édition limitée (2025) de l'artiste américain James Marshall, alias Dalek. Tirée à la main, cette sérigraphie utilise treize couleurs sur un papier cartonné bleu Nightshift fourni par la French Paper Company, un choix de matériau qui confère profondeur et richesse à la palette néon saturée. Chaque exemplaire de cette édition de douze mesure 45,7 x 61 cm et est signé et numéroté par l'artiste. Dalek est reconnu pour sa capacité à fusionner la puissance graphique du graffiti avec la subtilité conceptuelle de l'esthétique pop contemporaine. Cette estampe illustre parfaitement cette approche : un personnage en pleine marche sur un support minimaliste est saisi dans un instant d'animation chaotique. Elle s'inscrit dans la tradition de Dalek, qui fusionne art urbain, pop art et graffiti, offrant une technique artisanale, une logique cartoonesque et une réflexion complexe sur la répétition, l'identité et le mouvement. Conception de personnages et théorie des couleurs en mouvement Le personnage de « Marching to Oblivion Nightshift » est une version évoluée du Space Monkey emblématique de Dalek, apparu pour la première fois dans ses œuvres du début des années 2000. Réalisée dans des tons contrastés de vert, de violet et de bleu, la figure jongle avec des maillets et des orbes, arborant une expression oscillant entre joie frénétique et précision mécanique. Les formes, à la fois nettes et ludiques, se situent à la frontière entre les dessins animés du samedi matin et l'esthétique du graffiti. Ses membres hypertrophiés, ses yeux démesurés et sa posture dynamique projettent énergie et volume, qualités essentielles au Street Pop Art et au graffiti. Ces formes émergent du fond avec une netteté saisissante grâce à la précision de la sérigraphie, où chaque couleur est appliquée à la main, l'une après l'autre. L'œuvre joue avec la profondeur spatiale et l'illusion de surface, créant à la fois un spectacle et une réflexion sur la répétition et la performance. Matériaux et techniques d'impression L'engagement de Dalek envers la gravure d'art est manifeste dans le niveau de détail et de maîtrise requis pour réaliser une sérigraphie 13 couleurs sur papier français foncé. Le choix du papier Nightshift Blue rompt délibérément avec les fonds blancs traditionnels, offrant une base profonde qui intensifie l'éclat des encres néon. Ce choix technique renforce le contraste tout en ancrant le personnage dans une atmosphère nocturne. Le procédé artisanal rend hommage aux racines du street art, forme d'art physique et laborieuse, et inscrit l'œuvre dans la tradition des arts appliqués. Chaque alignement de couleur, chaque marque de repérage, chaque bord net témoigne du travail minutieux qui a présidé à la création de l'image, faisant de chaque exemplaire à la fois une œuvre achevée et un témoignage du processus créatif. Dans le contexte du street art, du pop art et du graffiti, cette fidélité d'impression fait écho au dévouement des artistes qui peignent à la main les fresques et les graffitis. Positionnement contemporain et intention artistique « Marching to Oblivion Nightshift » se situe au carrefour de l'art figuratif, de la culture urbaine et de l'édition d'art. James Marshall continue de définir un territoire visuel unique où ses personnages ne s'expriment pas par les mots, mais par la posture, le mouvement et la répétition. Ce silence permet aux spectateurs de projeter leurs propres récits sur la scène, créant un dialogue en accord avec l'éthique participative du street art. La tension entre joie et oubli dans le titre suggère une réflexion plus profonde sur la routine, le spectacle et la distraction dans la vie moderne. En publiant cette œuvre dans une édition volontairement limitée à douze exemplaires, Dalek souligne l'importance de l'intention et de la rareté, concepts clés qui contrastent avec la reproductibilité de l'image numérique. À travers des projets comme « Marching to Oblivion Nightshift », Dalek renforce la place du Street Pop Art et du Graffiti comme discipline sérieuse et évolutive, capable d'allier théorie critique, plaisir visuel et maîtrise technique.

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Spacemonkey - Moutarde Édition Limitée Sculpture en Vinyle Art Œuvre d'Art de Collection par l'artiste Pop Moderne Dalek - James Marshall. Édition limitée 2022, neuve en boîte, illustration estampée/imprimée, taille 6,5

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Achetez Space Monkey - Mustard Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de collection par l'artiste pop moderne Dalek- James Marshall. 2022 édition limitée neuve dans la boîte estampillée/imprimée taille 6,5

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Impression giclée translucide par Dalek - Œuvre de James Marshall, édition limitée sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 19,69 x 19,69 cm. Translucide par Dalek : Géométrie psychédélique et déconstruction des personnages dans l’art urbain pop et le graffiti Translucid est une estampe giclée en édition limitée de 2022, signée James Marshall, alias Dalek. Tirée à 50 exemplaires sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², cette œuvre de 50 x 50 cm est signée et numérotée par l'artiste. Le travail de Dalek explore la intersection du surréalisme numérique, de l'abstraction animée et du démantèlement de personnages, le tout à travers le prisme d'une saturation à contraste élevé et d'une syntaxe visuelle urbaine. Dans Translucid, Dalek revisite son univers Space Monkey en le propulsant par une explosion de superpositions translucides, de mouvements déconstruits et de répétitions psychédéliques, incarnant pleinement l'énergie et la philosophie du Street Pop Art et du graffiti. Au centre de la composition se dresse une figure hyper-stylisée aux membres bulbeux, aux yeux cyclopéens et à la posture agressive. Les couleurs sont électriques : verts néon, roses acides, bleus ciel et noir profond s’entrechoquent au sein d’un motif rythmé et bouclé. Chaque forme semble se dupliquer en traînées décalées, créant une impression de mouvement, d’écho et de distorsion dimensionnelle. Les bras s’étendent sauvagement, l’un d’eux se tendant vers l’espace tandis que des faisceaux géométriques jaillissent de la tête de la figure, tels un cri visuel. Derrière le personnage principal, des répliques semi-transparentes ondulent, évoquant un accéléré, un décalage numérique ou une animation multi-images figée dans une immobilité stratifiée. Couleur, répétition et chaos hyper-contrôlé La structure visuelle de Dalek dans Translucid est loin d'être fortuite. Sa maîtrise précise des lignes, des courbes et des aplats crée une impression d'hallucination assistée par la machine : un équilibre harmonieux et ordonné, tout en conservant une vitalité fiévreuse. L'arrière-plan se pare d'ombres circulaires douces et de formes évoquant des bulles, contrastant avec les explosions plus nettes du premier plan. Il en résulte une tension entre folie cinétique et symétrie graphique. Ce jeu imite la philosophie visuelle du graffiti, où la répétition, les tags et les symboles superposés deviennent des marques d'identité au sein d'un chaos maîtrisé. L'effet de translucidité est un élément clé. Ombres, lignes fantomatiques et silhouettes en écho suggèrent la multiplicité d'un sujet unique, brouillant la frontière entre l'original et le dupliqué. Cette approche reflète la saturation numérique de la culture visuelle contemporaine, où les icônes sont constamment remixées, réutilisées et diffusées en boucle sur les écrans. Dalek capture cette sensation d'écho et de surcharge visuelle sous forme d'œuvre d'art, reflétant le pouls de la rue dans un carré de 50 cm. Mutation du singe de l'espace et dialogue visuel avec la culture moderne La figure de Translucid pourrait bien provenir de l'emblématique Space Monkey de Dalek, mais elle a ici muté en quelque chose de plus abstrait et dynamique. Alors que les œuvres précédentes présentaient Space Monkey comme un observateur plat et énigmatique, Translucid métamorphose le personnage en un vecteur de mouvement, de forme et de puissance. Il danse, attaque et dysfonctionne, n'étant plus passif mais pleinement intégré au chaos qu'il contemplait autrefois. Le sourire déformé, les yeux irradiants et les membres déconnectés créent une atmosphère de joie paradoxale et d'épuisement numérique. L'œuvre de Dalek s'inscrit parfaitement dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, grâce à une énergie vibrante et une liberté conceptuelle qui n'en demeurent pas moins rigoureuses. Il distille la culture pop, le rythme des jeux vidéo et l'esthétique des murs de graffiti en une composition qui communique sans récit. Translucid ne raconte pas d'histoire ; elle émet une fréquence. C'est une peinture que l'on peut presque entendre en l'observant attentivement. Translucide comme artefact de l'abstraction pop et de l'identité contemporaine Imprimée sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², la texture et la tenue des pigments confèrent à Translucid une dimension de collection, tout en préservant l'esthétique urbaine caractéristique de l'œuvre de Dalek. Chaque exemplaire offre la même intensité et la même profondeur de couleur, capturant avec une précision absolue chaque ombre portée et chaque point de collision. À la fois objet et symbole, elle nous rappelle que la culture visuelle n'est pas linéaire et que la répétition peut être à la fois expressive et déstabilisante. La contribution de James Marshall au canon du Street Pop Art et du graffiti continue de s'enrichir grâce à des œuvres comme Translucid. Cette pièce encapsule le langage de la répétition, le design cinétique et le commentaire psychédélique, tout en respectant l'attachement de Dalek à l'abstraction ancrée dans l'évolution du personnage. Translucid ne vise pas la résolution ; elle explore le mouvement, la multiplicité et la joie fragmentée de naviguer dans un monde où le sens se superpose, se duplique et vibre d'une vie infinie.

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Tirage d'art d'archives « Feux de signalisation » par Adrian Cox, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier chiffon Moab Entrada blanc brillant 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format de l'œuvre : 17 x 17 pouces. La vision artistique de l'estampe d'archives Signal Fires d'Adrian Cox « Signal Fires » d'Adrian Cox est une contribution fascinante à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti. Cette estampe d'art en édition limitée, réalisée sur papier pigmentaire d'archivage, capture l'essence même de la fusion entre la sensibilité traditionnelle du pop art et l'esprit audacieux et débridé du street art et du graffiti. Imprimée sur papier Moab Entrada Rag blanc éclatant de 290 g/m², un support choisi pour ses qualités d'archivage exceptionnelles et son rendu des couleurs remarquable, l'œuvre représente une vision moderne du pop art, tout en rendant hommage à l'influence durable du street art. Les dimensions de cette estampe exclusive sont de 43 x 43 cm (17 x 17 pouces), formant un carré parfait, un format quelque peu atypique dans l'univers de l'art inspiré du graffiti, où l'asymétrie et l'irrégularité sont souvent de mise. Tirée à seulement 50 exemplaires, cette édition limitée garantit à chaque collectionneur une pièce unique, chaque estampe étant méticuleusement signée et numérotée par Cox en 2023. Cette touche personnelle est une caractéristique essentielle du street art, où l'engagement direct de l'artiste envers son œuvre est primordial. Interprétation du symbolisme des feux de signalisation « Feux de signalisation » captive l'imagination du spectateur par son récit visuel saisissant, sur fond de coucher de soleil spectaculaire. La silhouette solitaire, au bord de la mer, drapée d'un manteau bleu vibrant et brandissant un faisceau lumineux, invite à la contemplation de la solitude, du besoin de repères et de la quête de lien social. Ces thèmes résonnent profondément dans le street art et le graffiti. Le faisceau, contraste lumineux avec le crépuscule, suggère le désir humain fondamental de communiquer et de créer des liens malgré les distances. Ce concept reflète la manière dont le street art interagit avec son public dans le paysage urbain. Le jeu subtil d'ombre et de lumière, le rendu méticuleux du paysage marin et le format circulaire de l'œuvre témoignent de la complexité et de la profondeur du street art, souvent perçu comme du simple vandalisme, mais ici élevé au rang d'art à part entière, capable de susciter des émotions profondes. L'estampe, à l'instar d'un graffiti, occupe un espace à la fois partie intégrante du monde naturel et distinctement séparé de celui-ci, créant un dialogue entre l'environnement et l'œuvre d'art. Impact culturel et esthétique des feux de signalisation L'importance culturelle de « Signal Fires » au sein du mouvement du street art et du graffiti est indéniable. L'œuvre incarne l'essence même du street art : l'accessibilité, l'engagement du public et une approche démocratisée de la consommation artistique. Pourtant, grâce à la technique de l'estampe d'art, Cox élève ces principes en une forme à la fois collectionnable et durable. Le choix du papier chiffon Moab Entrada renforce cette impression, garantissant la pérennité des riches textures et couleurs de l'estampe, en contraste frappant avec la nature éphémère du street art. Cette juxtaposition du transitoire et du permanent reflète une réflexion plus profonde au sein de la communauté du street art, où l'acte de création est souvent un instant fugace, soumis aux éléments et à la dynamique changeante du paysage urbain. Dans « Signal Fires », Cox capture et cristallise cette beauté éphémère, offrant un moment de réflexion et de permanence dans un monde en perpétuel mouvement. Adrian Cox et la continuité de l'art inspiré de la rue Le rôle d'Adrian Cox dans le débat actuel sur l'art moderne se trouve encore renforcé par « Signal Fires ». Son œuvre est un fil vibrant dans la tapisserie du Street Pop Art et du graffiti, repoussant les limites de ces genres vers des territoires nouveaux et passionnants. L'estampe de Cox se dresse comme un phare d'innovation et de synthèse intergenre dans un monde où les frontières entre les différentes formes d'art s'estompent de plus en plus. L'œuvre est un régal pour les yeux et un point de bascule conceptuel qui invite le spectateur à repenser les frontières entre l'art savant et le street art, entre la galerie et la ruelle. Elle témoigne du pouvoir de l'art à transcender ces frontières, à communiquer universellement et à toucher l'âme humaine en profondeur. « Signal Fires » d'Adrian Cox capture l'essence de notre époque, une période caractérisée par la rencontre des formes d'art traditionnelles et de l'énergie vibrante des rues. Elle témoigne de la vision de l'artiste et du pouvoir durable du Street Pop Art et du graffiti à résonner profondément et significativement avec le public.

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Œuvre d'art Alien Crossing, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Scott Listfield .

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Space Invader London - Sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs vertes sur papier beaux-arts par Raid71, artiste pop art célèbre et rare. Un Space Invader du jeu détruit une représentation de la véritable ville de Londres, au Royaume-Uni.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirages d'art en édition limitée de Bowie, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'art, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop CES. Papier coton d'archivage 17 x 22 pouces. Tirage limité à 25 exemplaires, signés et numérotés par l'artiste.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Affiche WODH n°3, œuvre d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art, par l'artiste de graffiti pop culture Celeste Byers. Journée mondiale des océans à Hawaï 2015 Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard créatif d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans. La deuxième édition estivale du festival novateur Sea Walls : Murals for Oceans, organisé par PangeaSeed, s'est tenue du 17 au 26 juillet 2015 à Cozumel, au Mexique. Sea Walls : Murals for Oceans est le premier mouvement du genre à contribuer à la protection des océans grâce à l'art public et à l'activisme (ARTivisme). Le deuxième festival d'été annuel de PangeaSeed réunira plus de 25 artistes contemporains de renommée internationale qui collaboreront pour mettre en lumière les enjeux environnementaux urgents des océans, tout en sensibilisant et en inspirant les individus et les communautés à la protection de l'écosystème le plus important de la planète : l'océan.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Scott Listfield , représentant un château. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2014). Château de Scott Listfield : une interprétation pop-culturelle de paysages surréalistes « Castle », une estampe giclée de Scott Listfield, illustre de façon saisissante son style caractéristique, mêlant paysages surréalistes et imagerie de la culture pop. Créée en 2014, cette édition limitée mesure 28 x 35,5 cm et est signée et numérotée (35 exemplaires). Imprimée sur papier d'art, l'œuvre témoigne du souci du détail de Listfield et de son talent pour tisser un récit par la juxtaposition. Reconnu pour sa figure récurrente d'astronaute, Listfield utilise ce personnage comme un prisme pour explorer les thèmes de l'isolement, de l'exploration et de la nostalgie culturelle. L'œuvre représente un astronaute solitaire, debout sur un tuyau d'un vert éclatant, devant un imposant château de style médiéval et des montagnes majestueuses. La juxtaposition de cet astronaute futuriste et d'un paysage traditionnel, presque féerique, crée un contraste saisissant qui invite le spectateur à s'interroger sur les liens entre passé, présent et futurs imaginés. Le tuyau vert – un clin d'œil subtil à l'iconographie du jeu vidéo – apporte une touche ludique à la composition, mêlant l'exploration de la culture moderne par Listfield à son approche picturale des paysages classiques. Le rôle de la nostalgie dans le pop art urbain L'œuvre « Château » de Scott Listfield illustre son talent pour mêler nostalgie et thèmes contemporains, une caractéristique du Street Pop Art. La figure de l'astronaute, un motif récurrent dans son travail, sert à la fois de métaphore pour le spectateur et de symbole d'exploration et de déconnexion. Associée à l'architecture historique du château, l'œuvre crée un récit à la fois intemporel et résolument moderne. Le tuyau vert introduit une dimension pop culture, évoquant l'imagerie des jeux vidéo rétro tout en ancrant la scène dans un univers familier. Ce mélange d'éléments disparates est au cœur de la démarche artistique de Listfield. En intégrant un symbole de modernité et des références culturelles dans un cadre historique ou naturel, il instaure un dialogue entre les souvenirs du spectateur et sa perception de l'avenir. « Castle » célèbre la manière dont les artefacts culturels – qu'il s'agisse d'un château médiéval ou d'une icône du jeu vidéo – recèlent de multiples significations et demeurent ouverts à la réinterprétation. La précision de l'impression giclée Le procédé d'impression giclée utilisé pour « Castle » garantit une reproduction fidèle du travail minutieux de Scott Listfield et de sa palette de couleurs éclatantes. Imprimée sur un papier beaux-arts texturé, l'œuvre gagne en profondeur et donne vie aux détails complexes du château et de l'astronaute. Les encres d'archivage de haute qualité assurent sa longévité, faisant de cette œuvre un choix idéal pour les collectionneurs soucieux à la fois de son esthétique et de sa durabilité. Tirée à seulement 35 exemplaires, l'œuvre « Castle » offre une exclusivité qui séduira les admirateurs de Listfield et les collectionneurs de Street Pop Art. Chaque estampe est signée et numérotée par l'artiste, garantissant son authenticité et son lien avec l'ensemble de son œuvre. Le tirage restreint souligne le caractère unique de la pièce et renforce son attrait auprès des amateurs d'art. Scott Listfield : Explorer la culture à travers le surréalisme Scott Listfield est devenu une figure majeure du street art et du graffiti, reconnu pour ses compositions stimulantes qui mêlent références à la culture populaire et univers oniriques. L'utilisation de la figure de l'astronaute invite le spectateur à parcourir ses œuvres comme un explorateur, découvrant des symboles culturels familiers dans des contextes inédits. L'art de Listfield repousse les frontières traditionnelles, invitant le public à se questionner sur la nostalgie, la modernité et leur point de rencontre. Castle illustre parfaitement le talent de Listfield pour la narration visuelle. En plaçant un astronaute solitaire dans un décor mêlant architecture historique et références modernes ludiques, il crée une œuvre qui résonne chez le spectateur à de multiples niveaux. L'œuvre reflète non seulement la fascination de l'artiste pour les symboles culturels, mais invite également à une réflexion sur la relation en constante évolution entre l'humanité et ses créations. Castle constitue une contribution unique au répertoire du street art et du graffiti contemporains, alliant précision, imagination et commentaire culturel en une œuvre cohérente et captivante.

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Just Like Us AP Modok Marvel Édition Limitée Impression Giclée sur Papier Beaux-Arts par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Épreuve d'artiste 2014 Signée et marquée AP Œuvre de format 8x10 Modok Flying Ninja Kick Tirage giclée Mondo x Marvel par Mike Mitchell Comme nous AP Modok Marvel dans l'art de rue pop art et graffiti « Just Like Us AP Modok Marvel » de Mike Mitchell est une interprétation vibrante et humoristique de l'un des méchants les plus excentriques de Marvel. Sortie en 2014 sous forme d'épreuve d'artiste, cette édition limitée, imprimée en giclée, fait partie de la série « Just Like Us » de Mitchell, où il réinvente des personnages de la pop culture avec une touche satirique. Ce tirage de 20 x 25 cm (8 x 10 pouces) représente Modok dans un style caricatural et exagéré, mêlant l'esthétique du street art et du graffiti à l'humour caractéristique de Mitchell. La représentation ludique de Modok Modok, personnage créé par Marvel Comics, est connu pour sa tête disproportionnée, ses implants cybernétiques et son allure menaçante. Cependant, dans cette version, Mitchell dépouille le personnage de son côté intimidant et le remplace par un charme presque comique. Avec son air renfrogné exagéré, ses membres minuscules qui s'agitent et ses réacteurs qui le propulsent, Modok ressemble davantage à un enfant frustré qu'à un conquérant surdoué. L'œuvre de Mitchell excelle à sortir ses personnages de leur contexte habituel et à les présenter dans des situations quotidiennes ou absurdes. En représentant Modok dans un mouvement exagéré, il transforme ce personnage généralement sinistre en une figure amusante et attachante. Les contours nets et précis, ainsi que l'application de couleurs plates, rappellent l'esthétique des bandes dessinées classiques, renforçant la dimension nostalgique, thème récurrent du street art et du graffiti. Influence stylistique et commentaire culturel L'œuvre « Just Like Us » d'AP Modok Marvel témoigne de la manière dont le street art réinterprète les icônes culturelles. Son style visuel évoque les dessins animés d'antan, mêlant des éléments de la bande dessinée à une sensibilité design moderne. Le fond aux tons chauds sépia renforce l'effet rétro, faisant ressortir le personnage et ancrant l'ensemble dans une atmosphère nostalgique. La capacité de Mitchell à réduire un personnage à ses traits essentiels tout en y insufflant de l'humour témoigne de la nature du pop art et de son lien avec la culture de consommation. Le street art remet souvent en question notre perception des images familières en les présentant de manière inattendue. Ici, l'aura de puissance habituelle de Modok est contrebalancée par son expression grotesque et ses mouvements frénétiques, le rendant plus humain que machine. Cette transformation, outre son aspect comique, invite le public à repenser son rapport aux figures de la culture populaire. La série Just Like Us et son impact La série « Just Like Us » de Mike Mitchell est largement reconnue pour ses réinterprétations ludiques de personnages cultes. Cette collection met en scène de nombreuses icônes du cinéma, de la bande dessinée et de la télévision, chacune dépeinte de manière à la rendre plus accessible ou, au contraire, absurdement banale. En plaçant des personnages extraordinaires dans des situations humoristiques ou quotidiennes, Mitchell les dépouille de leur aura surhumaine et rappelle aux lecteurs l'absurdité inhérente à de nombreux récits de fiction. Dans l'univers du street art et du graffiti, où la parodie et la satire sont monnaie courante, la démarche de Mitchell séduit autant les collectionneurs que les fans occasionnels. Son œuvre capture l'enthousiasme des fans tout en se moquant des traits exagérés qui caractérisent ces personnages. « Just Like Us » d'AP Modok Marvel s'inscrit parfaitement dans cette esthétique, prouvant que même les super-vilains les plus redoutables peuvent être réduits à des caricatures amusantes. Pourquoi, tout comme nous, AP Modok Marvel se démarque Cette estampe en édition limitée reste très recherchée par les amateurs de street art et de Marvel Comics. L'alliance d'une illustration numérique nette, de couleurs audacieuses et d'une réinterprétation humoristique d'un méchant emblématique en fait une pièce captivante et originale qui enrichira toute collection. La capacité de Mitchell à révéler l'absurdité de personnages célèbres tout en conservant une grande maîtrise artistique est ce qui rend son œuvre si captivante. Elle fait le lien entre la culture de la bande dessinée et le monde des beaux-arts, démontrant comment le pop art urbain peut être à la fois ludique et stimulant. « Just Like Us » d'AP Modok (Marvel) illustre comment des artistes comme Mike Mitchell continuent de redéfinir les frontières de l'art contemporain en transformant la culture populaire en quelque chose de frais, d'inattendu et d'indéniablement divertissant.

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Édition limitée Phone Home ICON Series, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Système de communication téléphonique ET Home tiré du célèbre film sur des extraterrestres amicaux. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Impact culturel St Pauls 2 couleurs Tirage sérigraphique en édition limitée à la main sur papier beaux-arts par Raid71 Rare Street Art Artiste pop célèbre. Un Space Invader du jeu détruit une représentation de la véritable église Saint-Paul.

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Œuvre d'art Ozymandias, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Scott Listfield .

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Obsidian 4 - Dysnomia - Feuille 6 couleurs, embellie à la main, sérigraphie en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par Justin Anville, artiste pop art célèbre et rare. Sérigraphie 6 couleurs sur papier métallisé, impression à fond perdu - 40,6 x 50,8 cm - signée et numérotée (avec rehauts peints à la main) - édition limitée à 20 exemplaires « La surface calcinée se replie pour révéler des rivières de méthane liquide autour de la fille d'Éris. Lorsque des atomes de carbone modifiés sont conçus et alignés à la perfection, la forme humaine transcende la mort. La structure la plus complexe qui soit, l'esprit, possède un potentiel illimité pour engendrer la création et l'évolution dans l'univers. » - Anville

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Papier buvard Space Hand, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par Bunnie Reiss, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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