Druide tribal et autochtone

« Pattern of Corruption Black Gold AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY x Cleon Peterson Artist Proof Hand-Tiled 2 Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste (EA) 2015 Signée et marquée EA Tirage original limité à 150 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18 x 24 cm Image répétée d'un homme tribal avec un couteau ensanglanté et un motif de vigne de lotus Sérigraphie « Cleon Peterson et moi avons récemment collaboré à la réalisation d'une fresque murale dans le quartier de Wynwood à Miami. Satisfaits du résultat, nous avons décidé de créer une série de sérigraphies en édition limitée, inspirées de cette œuvre. Nos travaux respectifs explorent les thèmes récurrents de la fragilité de la société, de la sauvagerie humaine et de la corruption. L'image présente une dichotomie entre son motif floral classique hypnotique et des éléments sinistres qui s'y entremêlent, incitant le spectateur à regarder au-delà des apparences. » – Shepard Fairey « Pattern of Corruption Black Gold » est une œuvre saisissante, fruit de la collaboration entre deux figures emblématiques du street art : Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne OBEY, et Cleon Peterson. Tirage sérigraphique AP, cette pièce met en valeur le travail artisanal, un détail qui résonne particulièrement auprès des amateurs de street art et de pop art. L'art iconique de Shepard Fairey a toujours remis en question les normes sociales, incitant les spectateurs à s'interroger sur les complexités et les contradictions sous-jacentes de la société contemporaine. De même, les représentations chaotiques des interactions humaines par Cleon Peterson nous obligent à nous confronter aux aspects les plus sombres de l'humanité. Cette œuvre a été inspirée par la fresque murale que le duo a réalisée ensemble dans le quartier de Wynwood à Miami, réputé pour sa scène street art dynamique. Le tirage sérigraphique AP révèle avec clarté l'entrelacement harmonieux de leurs styles et messages artistiques. Le détail méticuleux d'un homme tribal brandissant un couteau ensanglanté, juxtaposé au motif de lotus et de vigne, invite à une introspection sur la dualité de la nature humaine. L'association de motifs tribaux et de motifs floraux classiques suggère non seulement un mélange de tradition et de modernité, mais constitue également une mise en garde. La beauté superficielle de l'œuvre peut séduire le spectateur, mais comme l'a mentionné Fairey lui-même, les sous-entendus sinistres nous incitent à approfondir notre compréhension et à questionner cette fascination. Tirée à seulement 150 exemplaires, cette œuvre a acquis une importance particulière auprès des collectionneurs et des amateurs. La sérigraphie bicolore réalisée à la main sur papier d'art témoigne du dévouement des artistes à leur art. « Pattern of Corruption Black Gold » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire poignant sur la fragilité de la société et les thèmes omniprésents de la corruption et de la sauvagerie humaine, thèmes que Fairey et Peterson ont explorés avec constance dans leurs travaux.

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Midnight Bison - Épreuve d'artiste - Tirage sérigraphique métallique en édition limitée, 1 couleur, tiré à la main sur papier d'art noir, par Dan Christofferson - Beeteeth, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Épreuve d'artiste AP. Veillez sur nous. Bison fantôme d'Amérique du Nord

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Figurine de collection Fauna Janky SuperPlastic x Julie West, édition limitée, en vinyle, illustration street art. La Fauna SuperJanky de l'artiste américaine Julie West est la déesse impitoyable de la forêt hantée. Cette monarque démoniaque est prête à déchaîner sa légion de serpents sur tout royaume qui la menace. Ornée d'une typographie royale gothique, de bois à l'esthétique acérée et d'un regard qui glace le sang de tout mortel. 20 cm de haut, en vinyle souple. Édition limitée à 666 exemplaires.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Dieux des mers du Sud, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Jacob Borshard présente cent quatre-vingts petits dieux polynésiens. « Représentation portative des diverses idoles cataloguées par Sir Beebort York à bord du HMS Terrier, commandé par l'estimé capitaine George Blueberry, lors de ses récentes explorations des dernières eaux inexplorées des mers du Sud. Gravure de J. Shardsley pour l'Encyclopaedia Novus Plumbeus, 1790. Exemplaires supplémentaires disponibles pour deux pence pièce auprès de Gooseberry Bros. Ltd., Londres. »

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Walking Shadows AP, épreuve d'artiste giclée, par Brian Mashburn. Œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste (EA) 2018, signée et marquée, édition limitée, format 24 x 13,75 pouces Walking Shadows AP : Une impression giclée sublimant le street art pop et le graffiti. « Walking Shadows AP », une épreuve d'artiste (giclée) de Brian Mashburn, est une synthèse entre l'esthétique du street art et la précision des beaux-arts. Réalisée en 2018, cette épreuve occupe une place de choix dans la collection de Mashburn et offre un aperçu de son processus créatif. Mesurant 61 x 35 cm, elle permet une immersion totale. Signée et marquée par l'artiste, cette édition limitée constitue un lien tangible avec sa vision et une pièce de collection recherchée par les amateurs de l'intégration subtile du graffiti dans la culture pop. Signature et signification dans l'art urbain pop et le graffiti La signature apposée sur une œuvre comme Walking Shadows AP est bien plus qu'un simple autographe ; elle est un gage d'authenticité et symbolise le lien intime de l'artiste avec son travail. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, une telle signature transforme l'estampe, d'une simple reproduction, en un objet d'une grande importance culturelle. La mention AP souligne d'autant plus sa rareté, les épreuves d'artiste étant généralement réservées à l'usage personnel de l'artiste ou à un cercle restreint de collectionneurs. Éléments artistiques de Walking Shadows AP Le titre de l'œuvre, « Ombres errantes », évoque la nature éphémère de la lumière et de la vie, thèmes récurrents dans l'œuvre de Mashburn. L'impression giclée est particulièrement adaptée à la restitution des subtiles nuances d'ombre et de ton qui caractérisent les paysages de Mashburn, emplis de brume et parsemés de troncs d'arbres décharnés. Les dimensions de cette estampe ont été choisies pour accentuer la dimension éthérée de la scène représentée, invitant le spectateur à contempler les instants fugaces qu'elle saisit. L'interaction entre le médium et le message Dans Walking Shadows AP, le choix du papier beaux-arts pour l'impression giclée confère à l'œuvre une texture et une profondeur supplémentaires. Ce choix témoigne de la volonté de Mashburn de combler le fossé souvent perçu entre l'énergie brute du street art et les techniques raffinées de la gravure d'art. Il en résulte une œuvre qui résonne avec l'authenticité du graffiti tout en conservant la délicatesse de l'esthétique pop art. Impact et héritage des estampes de Brian Mashburn L'influence de Brian Mashburn sur le Street Pop Art et le graffiti est considérable, et Walking Shadows AP en est un parfait exemple. Tirée en édition limitée, cette estampe est une pièce de collection précieuse, garantissant à chaque exemplaire un caractère exclusif. Alors que le street art gagne en reconnaissance dans le monde de l'art, les estampes de Mashburn constituent des jalons qui témoignent de l'évolution de cette forme d'art dynamique. Résonance culturelle de Walking Shadows AP L'impact culturel d'une œuvre comme Walking Shadows AP est indéniable. Dans un monde où la frontière entre art savant et art urbain s'estompe, le travail de Mashburn témoigne du potentiel du graffiti à exprimer des thèmes profonds et à trouver sa place dans les galeries. Cette épreuve d'artiste, par son imagerie évocatrice et son exécution impeccable, incarne l'esprit du pop art urbain et du graffiti, et continue de susciter l'admiration et le dialogue parmi les amateurs d'art et les critiques.

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Du côté ensoleillé de la rue - Impression sérigraphique bicolore jaune sur rouge, tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m², bords frangés, par l'artiste Cleon Peterson, œuvre d'art pop limitée. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 125 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 14 x 20,5 pouces. Édition limitée à 125 exemplaires. Sérigraphie artisanale 14 x 20,5 pouces (35,6 x 52 cm) jaune sur fond noir, sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Signée et numérotée. Cleon Peterson (né en 1973), « On the Sunny Side of the Street (Jaune) », 2021. Sérigraphie sur papier Coventry Rag, 52,1 x 35,6 cm (feuille). Édition limitée à 125 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de l'œuvre. Publiée par l'artiste. L'art de Peterson se caractérise par une forte contestation de l'ordre établi, et la colère, en tant que force créatrice, est omniprésente dans la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre la lassitude et le malaise les plus profonds de la société. Cet artiste installé à Los Angeles est à l'origine d'une série d'œuvres dystopiques : peintures, estampes, sculptures et fresques exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie. « Du côté ensoleillé de la rue » est une sérigraphie jaune de Cleon Peterson, artiste américain reconnu pour ses œuvres provocatrices et souvent sombres. Le travail de Peterson explore fréquemment les thèmes de la violence, des rapports de force et des troubles sociaux, reflétant la nature complexe et contradictoire de l'existence humaine. Cette sérigraphie en particulier, « Du côté ensoleillé de la rue », présente une tonalité différente de la plupart des autres œuvres de Peterson, de par son titre et sa couleur jaune. Il pourrait s'agir d'une tentative d'explorer le côté plus lumineux et optimiste de la vie, ou peut-être d'une vision contrastée des thèmes plus sombres présents dans ses autres créations. En tant qu'artiste, Peterson est reconnu pour sa capacité à créer des œuvres visuelles saisissantes qui marquent durablement les spectateurs.

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Châle en dentelle - Variante métallisée - Sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Justin Anville - Artiste de street art rare et célèbre du pop art. Épreuve d'artiste (AP) 30″ x 24″, sérigraphie 5 couleurs sur papier blanc cougar 100 lb, signée sur une édition de 5 exemplaires. Variante avec feuille d'aluminium.

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Fin d'Empire Édition Limitée Tirage à la Main Sérigraphie 2 Couleurs Imprimée sur Papier Chiffon Blanc Coventry par Cleon Peterson Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Fin de l'Empire, 2015. Sérigraphie en couleurs sur papier White Coventry Rag, 71,1 x 71,1 cm (feuille). Édition 2/150. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par l'artiste. L'univers de Cleon Peterson est empreint d'une cruauté impitoyable, d'une débauche chaotique et d'une lutte sans fin contre le pouvoir et l'oppression. Ses compositions, d'une apparente simplicité, recèlent des connotations complexes et une critique troublante de la marginalisation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. À la vue de son œuvre, on comprend aisément que l'artiste ne prône pas la violence ; il l'utilise plutôt comme une arme dans sa lutte contre l'apathie.

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La mer monte aussi : La Bête, sérigraphie en édition limitée 7 couleurs tirée à la main sur papier Cougar Cover 100 lb par Tim Doyle, artiste de street art rare et célèbre du pop art. La mer monte aussi : La Bête par Tim Doyle Édition limitée à 100 exemplaires (signés et numérotés) Sérigraphie 7 couleurs sur papier Cougar 100 lb Couverture surdimensionnée à 24" x 36" Imprimé avec ♥ par Nakatomi Inc. « L’idée de la montée des eaux et de l’arrivée des animaux marins (mythiques ou non) dans des zones où on ne les voit pas d’habitude me fascine. » – Tim Doyle

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Estampe typographique artisanale en édition limitée 3 couleurs de Tenochtitlan sur papier d'art classique lisse blanc naturel Neenah 13,5 PT par Saner, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Estampe signée 2022, imprimée en typographie 3 couleurs sur papier d'art Neenah Natural White Smooth Classic Crest 13,5 PT. Format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Sortie : 17 janvier 2022.

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Estampe d'archives Méduse par Swoon-Caledonia Curry, édition limitée sur papier d'art Hahnemühle 250 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 50 exemplaires (2024), format 13 x 19 pouces, impression pigmentaire d'archives. « Méduse. Je l'ai toujours aimée. Avant même d'en savoir plus sur elle, je la savourais instinctivement comme l'une des rares représentations durables du pouvoir féminin. Mais comme tout symbole qui perdure, son histoire est complexe. Violation, rage, et finalement Pégase naissant de sa tête tranchée. Son nom vient du grec ancien et signifie protecteur. Même dans la mort, quelque chose de triomphant s'éveille en elle. » - Swoon Méduse par Caledonia Curry, œuvre d'art pop art et graffiti de Swoon Street L'estampe d'archives Medusa en édition limitée de 2024, signée Caledonia Curry, alias Swoon, marque une étape importante dans l'évolution du street art et du graffiti. Réalisée sur papier d'art Hahnemühle 250 g/m², cette œuvre de 33 x 48 cm illustre la capacité de Swoon à intégrer des récits mythologiques, émotionnels et sociopolitiques dans un cadre visuel contemporain. Signée et numérotée à seulement 50 exemplaires, cette œuvre allie la dimension artisanale et intime des découpages de papier, héritage de l'artiste, à la permanence de l'impression pigmentaire d'archives de qualité muséale. Méduse, symbole de puissance et de transformation féminines, est non seulement d'une beauté saisissante, mais aussi riche de sens historique et de réinterprétations modernes à travers le regard de Swoon. Symbolisme et forme dans la Méduse de Swoon La figure de Méduse, emblématique de la mythologie grecque, prend une nouvelle dimension grâce au travail de lignes complexe et à la composition à plusieurs niveaux de Swoon. L'œuvre fusionne le portrait illustratif avec un écosystème tourbillonnant de formes botaniques, animales et organiques qui semblent émerger du visage lui-même. Une transition visuelle s'opère entre la solidité et l'abstraction, évoquant une métamorphose. Les éléments hybrides – serpents, plumes et structures anatomiques – servent non seulement de complexité décorative, mais aussi de points de convergence conceptuels, faisant référence à la violation, à la résistance et à la régénération. Cette version de Méduse n'est ni monstrueuse ni victime, mais sculptée en une figure protectrice, réinterprétée pour le public du street art contemporain. La composition originale, collée sur une porte en bois patinée, est fidèlement reproduite dans l'estampe, préservant la texture brute et la charge émotionnelle de l'original. L'approche narrative de Swoon en matière de pop art urbain Caledonia Curry, artiste américaine, est l'une des voix les plus respectées et novatrices du Street Pop Art et du graffiti. Sa pratique artistique mêle de façon unique les techniques traditionnelles de gravure à l'art public et aux installations in situ. L'œuvre « Méduse » s'inscrit dans l'engagement de longue date de Swoon à explorer les rôles des femmes, les traumatismes, l'héritage et la guérison dans l'espace public. Contrairement au graffiti conventionnel, axé sur les lettres et les tags, le travail de Swoon possède une profondeur narrative rarement rencontrée dans l'art urbain. Ses sujets reflètent souvent des voix sous-représentées et des iconographies anciennes réinterprétées à travers le langage de l'activisme moderne. Dans « Méduse », Swoon reconnecte la mythologie antique au discours contemporain sur l'autonomie, la survie et la contestation artistique. L'art de collection dans l'évolution de la gravure inspirée du graffiti Cette édition imprimée contribue à la reconnaissance croissante des œuvres inspirées du graffiti dans le monde de l'art de collection. Swoon milite depuis longtemps pour la création d'éditions d'art abordables qui préservent l'authenticité tout en touchant un public plus large. L'estampe pigmentaire d'archives Medusa confirme non seulement sa pertinence dans les cercles de l'art contemporain, mais sert également d'outil pédagogique, invitant les spectateurs à appréhender le graffiti et le street art non comme du vandalisme, mais comme une force culturelle complexe et évolutive. Édition limitée de 2024, elle fait le lien entre l'univers éphémère des collages et des murs et la permanence des œuvres sur papier haut de gamme, s'imposant comme une pièce maîtresse dans l'œuvre en constante expansion de Swoon.

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Achetez Protégez ce que vous aimez en édition limitée en polyrésine de l'artiste légendaire Dulk. 2022 "PROTECT WHAT YOU LOVE" 8" /6" (H/W) 20 cm /15 cm (H/W) Édition limitée de 50 COA en polyrésine numérotés et signés par Dulk Emballé dans une boîte en bois. Protect What You Love, le dernier membre d'Antonio Segura Donat (Dulk). La boîte est scellée et jamais ouverte, soyez prudent lorsque vous l'ouvrez car l'illustration est délicate.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre originale unique de Lady Shiva, technique mixte (peinture et marqueurs), réalisée sur papier d'art artisanal à bords frangés par la célèbre artiste de graffiti de rue Lady Pink. Illustration originale signée et datée de 2019, réalisée aux marqueurs de peinture sur papier frangé fait main. Format : 6 x 18 pouces. Lady Shiva de Lady Pink : La mythologie rencontre la résistance dans le pop art urbain « Lady Shiva », une œuvre de Lady Pink créée en 2019 à l'aide de techniques mixtes et de marqueurs sur papier d'art artisanal à la texture irrégulière, fusionne la mythologie aztèque avec le symbolisme du graffiti et la résistance sociale. Mesurant 15 x 45 cm, cette pièce unique illustre son engagement constant pour l'émancipation féminine et la réappropriation culturelle à travers le langage du Street Pop Art et du graffiti. La figure centrale est une femme vibrante, quasi divine, dotée de six bras, ornée de crânes, de symboles de paix et de marques faciales audacieuses. Elle tient des bombes de peinture et des chaînes, une référence directe aux outils et aux luttes du mouvement graffiti. La composition mêle iconographie traditionnelle et énergie cartoonesque, puisant son inspiration dans l'art mésoaméricain et la rébellion visuelle contemporaine. La figure de la déesse centrale fait référence à la divinité hindoue Shiva, puissant symbole de destruction et de transformation, ici réinterprétée à travers le prisme de la culture urbaine. Son expression est féroce, provocante et jubilatoire. Elle est entourée de serpents, d'oiseaux et de symboles ornementaux dessinés dans une palette de roses, de violets et de verts saturés – un choix esthétique qui reflète l'histoire de Lady Pink, qui a défié les récits dominés par les hommes dans le graffiti en s'appropriant son espace avec des couleurs et des formes assumées. Allégorie visuelle du pouvoir, de la culture et de la résistance Le récit se déploie avec des contrastes saisissants et un symbolisme riche. D'un côté, un policier grotesque au visage de porc, menotté à la déesse, serre une bombe de peinture comme s'il l'avait confisquée ou qu'il était incompris. De l'autre, des figures mythiques – parées de colliers de crânes et de serpents – se rallient à la cause de la déesse. Le design des personnages est ludique, mais le message est sans équivoque. Lady Pink utilise l'humour et la caricature pour exposer les cycles de surveillance, d'effacement culturel et de contrôle systémique. Les chaînes et les poings serrés transforment l'œuvre en une allégorie de l'émancipation – où l'art, l'identité et l'héritage deviennent des instruments de résistance. Il ne s'agit pas d'une représentation passive de la rébellion – elle est active, dynamique et festive. La déesse manie le graffiti comme une arme de réinvention. Ses yeux, ourlés d'épais cils, laissent couler des larmes stylisées qui évoquent à la fois la tristesse et la force. Son sourire, aux dents acérées, interpelle le spectateur. Cette hybridité émotionnelle – la férocité mêlée à la joie – est au cœur du style de Lady Pink. Elle construit une mythologie visuelle où mémoire culturelle et rébellion contemporaine se rencontrent au carrefour du genre, de l'histoire et de la peinture. L'iconographie du graffiti repensée à travers une vision féministe Lady Pink, née Sandra Fabara en Équateur et ayant grandi à New York, est une figure pionnière du graffiti depuis les années 1980. Son œuvre fusionne avec constance l'énergie de la rue et des récits personnels et politiques, notamment d'un point de vue féministe. « Lady Shiva » témoigne de son rôle dans la transformation du graffiti en un espace d'inclusion et de critique culturelle. Plutôt que d'adhérer aux conventions hyper-masculines du tag et du bombing, elle intègre des motifs anciens, des illustrations de personnages et du symbolisme pour livrer un commentaire social plus profond. Dans « Lady Shiva », l'association du papier fait main, des traits épais de marqueur et du sujet mythologique s'accorde avec la nature tactile et éphémère du graffiti. Les bords non polis, les textures de pinceau visibles et les aplats de couleurs vives évoquent l'immédiateté des murs de la rue et des carnets de croquis. Cette physicalité renvoie aux racines du médium : accessible, brut et profondément personnel. L'œuvre refuse le lisse au profit de la présence, conférant à la déesse une qualité brute et vivante. À travers Lady Shiva, Lady Pink ne se contente pas de créer une déesse ; elle forge une arme narrative. L’œuvre se mue en une déclaration murale miniature, tissant un lien entre puissance spirituelle, art ancestral et résistance vécue par les femmes artistes qui revendiquent l’espace public. C’est un sortilège visuel lancé à la bombe et au marqueur, invoquant la transformation dans le langage du Street Pop Art et du graffiti.

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Obsidian 1- 45- Variante rose 4 couleurs pleine page HPM embellie Sérigraphie en édition limitée sur papier beaux-arts par Justin Anville Rare Street Art Artiste célèbre du Pop Art. Obsidian 01 - '45' : Coiffée de son casque en vue de la répétition, Evelyn regrette légèrement d'avoir accepté le rôle de la méchante principale. Dès que le casque blindé et le vautour dressé l'entourent, elle savoure la facilité avec laquelle elle endosse ce rôle sinistre. Sérigraphie 4 couleurs - 40,6 x 50,8 cm - sur papier naturel lisse. Variante rose en édition limitée à 20 exemplaires (avec détails peints à la main). Signée et numérotée par l'artiste.

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Tirage sérigraphique en édition limitée 3 couleurs, tiré à la main, sur papier d'archivage 100 % coton, par Lucy McLauchlan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Noir/Mark. Épreuve d'artiste AP

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Ganas Collage Pochoir découpé au laser à la retraite sur planche à huile en édition limitée par l'artiste pop moderne Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 6,25 x 8,25 pouces. Dans l'univers du pop art moderne, la complexité et les nuances qui donnent vie à chaque création possèdent une gravité indéniable. L'une de ces œuvres profondes est « Ganas Collage Retired Laser Cut Stencil Artwork on Oil Board », minutieusement réalisée par le célèbre artiste pop Ernesto Yerena Montejano, figure emblématique de sa philosophie « Hecho Con Ganas », que l'on pourrait traduire par « Fait avec effort » ou « Fait avec volonté ». Cette pièce, sortie en 2022, souligne la dynamique évolutive du pop art, en tissant des liens avec des éléments évoquant le street art et le graffiti. Signée et numérotée, elle est d'une grande exclusivité, avec seulement 30 exemplaires disponibles pour les amateurs d'art. Ses dimensions, 15,9 x 21 cm, pourraient sembler modestes, mais la profondeur et la richesse de sens qu'elle recèle sont tout sauf cela. Le choix du médium par Montejano – le pochoir découpé au laser sur panneau huilé – témoigne de son engagement à préserver l'essence brute et organique du street art, tout en l'élevant au niveau et à la sophistication des œuvres dignes d'une galerie. En observant son travail, on perçoit les battements de l'activisme, une réflexion culturelle et un profond sentiment d'identité. Ses créations, souvent empreintes de couleurs vives et d'une imagerie saisissante, ne sont pas de simples démonstrations esthétiques, mais de véritables récits. Le « Ganas Collage » en est l'exemple parfait, offrant aux spectateurs une histoire visuelle qui invite à l'introspection et à une nouvelle appréciation du pop art. À une époque où l'art se redéfinit sans cesse, Montejano se dresse comme un phare d'innovation, d'authenticité et de pure « ganas ».

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Édition limitée Breed, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

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Masques de mimes - Hohokum, édition limitée, impression giclée sur papier d'art de qualité supérieure par Richard Hogg, artiste de rue de la contre-culture. Estampe originale de la série d'illustrations du jeu vidéo Hohokum de Richard Hogg.

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Pop Sub Final #4 Édition limitée 1 couleur, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Jacob Bannon, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée numérotée de 100 exemplaires, 2014. Format de l'œuvre : 7x7 pouces. Pop Sub Final #4 par Jacob Bannon : Un emblème sombre de l'expression pop urbaine Pop Sub Final #4 est une sérigraphie monochrome de 18 x 18 cm (7 x 7 pouces) de Jacob Bannon, publiée en 2014 en édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Imprimée sur papier d'art, cette image envoûtante incarne le langage visuel caractéristique de Bannon : une écriture qui s'épanouit dans l'émotion brute, la superposition de textures et le symbolisme existentiel. Le motif apparaît comme une fusion spectrale d'un crâne et d'une surface céleste cratérisée, évoquant des images lunaires sur lesquelles se superpose un visage humain décomposé. Réalisée en demi-teintes grossières et en dégradés vieillis, l'estampe ne se contente pas de suggérer la décomposition, mais l'intègre pleinement à sa construction visuelle. La rugosité tactile et les traits estompés invitent le spectateur à une interprétation émotionnelle plutôt qu'analytique. Cette technique inscrit l'œuvre dans le courant du Street Pop Art et du graffiti, où l'instinct prime souvent sur la perfection lisse. Jacob Bannon : Un signal brut dans le silence urbain Jacob Bannon est un artiste américain multidisciplinaire reconnu pour son travail en arts visuels, graphisme et musique, notamment en tant que chanteur du groupe Converge. Sa pratique artistique fusionne abstraction viscérale et intensité thématique, abordant souvent la mortalité, la souffrance émotionnelle et le déracinement spirituel. Ses œuvres se caractérisent par une superposition visuelle dense, des surfaces altérées et une volonté de traduire le son en image. Pop Sub Final #4 illustre parfaitement cette approche : une œuvre qui résonne comme un larsen. Elle capture l’écho fantomatique de l’angoisse urbaine, une identité usée, fruit de trop de manipulations. Cette estampe ne crie pas, elle vibre. Ce n’est pas une illustration, mais un signal. La gravure comme annihilation et révélation Sérigraphie artisanale monochrome, Pop Sub Final #4 doit sa signification au procédé physique aussi essentiel que l'image elle-même. L'encre est irrégulière, les textures chaotiques, et la décomposition des formes en ombres et vides reflète les thèmes récurrents chez Bannon. Avec ses 18 x 18 cm, le petit format intensifie l'énergie oppressante de l'œuvre, incitant le spectateur à examiner de plus près ce qui évoque un artefact décomposé. Cette édition limitée s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti : accessible, brut et conçu pour un impact maximal sans dilution. Elle ne se contente pas d'être accrochée au mur, mais s'imprègne dans l'expérience du spectateur comme un badge usé ou un symbole underground. Symbolisme et dissonance dans le langage pop de rue Le format circulaire qui renferme un visage évoquant un crâne évoque les symboles universels de la mortalité et du temps. L'estampe de Bannon s'oppose aux tendances décoratives en refusant d'en expliciter le sens, suscitant plutôt un sentiment de malaise, de perte et de ruine intemporelle. À l'inverse des vecteurs épurés ou des graphismes numériques, cette œuvre semble enfouie dans un registre émotionnel plus profond. Pop Sub Final #4 communique par des tonalités d'érosion, de dégradation et de silence. Au sein de la culture du street art et du pop art, souvent dominée par les couleurs vives et les icônes reconnaissables, la démarche de Bannon offre un antidote : la preuve que le street art et le graffiti peuvent murmurer avec la même force qu'ils hurlent. Son estampe est à la fois une méditation, une relique et une confrontation, le tout dans un carré austère.

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Notre véritable histoire, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2013 Édition limitée signée et numérotée à 100 exemplaires Œuvre d'art 18x24

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Mad Happy Monk Grin - Figurine de collection en vinyle noir fluorescent, édition limitée orange, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Figurine Mad Happy Monk de 2019, édition limitée signée, neuve dans sa boîte. Couleur orange fluo, 20 cm de haut. Signée à la main par Ron.

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Ganas Dignity & Love - Édition limitée rouge/or, sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2013, format 8x10.

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Tirage d'archives de fin de saison par Dulk - Antonio Segura Donat, édition limitée sur papier beaux-arts, œuvre d'art moderne d'artiste de rue, graffiti pop. Estampe signée et numérotée de 2018, édition limitée à 50 exemplaires, format 20x20, pigments d'archivage, représentant un oiseau stylisé composé de fleurs colorées dans un décor fantastique surréaliste. L'essence artistique de "End Of Season" de Dulk - Antonio Segura Donat « Fin de saison » est une estampe d'art saisissante de l'artiste Dulk, pseudonyme d'Antonio Segura Donat, reconnu pour ses incursions dans le pop art, le street art et le graffiti. Cette œuvre en édition limitée de 2018 est unique : seulement 50 exemplaires signés et numérotés, chacun mesurant 50 x 50 cm. Réalisée sur papier d'art de qualité supérieure, elle révèle le talent de Dulk pour fusionner éléments naturels et touches surréalistes, présentant un oiseau stylisé, amalgame de fleurs colorées sur fond de décor onirique. L'œuvre témoigne de la vision de Dulk, où faune et flore fusionnent pour créer un oiseau qui n'existe pas dans la réalité, mais qui prend vie dans l'imaginaire. Cet oiseau est composé d'une palette florale variée, chaque pétale et chaque couleur étant soigneusement sélectionnés pour contribuer à l'harmonie d'ensemble. Le paysage surréaliste dans lequel il évolue accentue encore le thème fantastique, invitant le spectateur dans un monde où la fin d'une saison engendre une transformation à la fois littérale et métaphorique. Génie technique et symbolisme dans l'œuvre de Dulk Pour créer « Fin de saison », Dulk utilise l'impression d'art pigmentaire d'archives, une méthode reconnue pour sa durabilité et sa capacité à reproduire fidèlement les couleurs et les détails originaux des œuvres. Cette technique garantit que chaque tirage conserve l'éclat et la profondeur de la peinture originale de l'artiste, assurant ainsi la pérennité de l'œuvre. Le papier beaux-arts confère aux tirages une dimension tactile, leur donnant une présence comparable au poids d'une œuvre de galerie. Le symbolisme de « Fin de saison » est riche et complexe, reflétant la réflexion de l'artiste sur le cycle de la vie et la beauté éphémère de la nature. L'oiseau, créature souvent associée à la liberté et au changement des saisons, est représenté dans un état de splendide déclin : son plumage, à la fois épanoui et fané, symbolise le passage inéluctable de la vie à la mort, de la vitalité à la dormance. Art urbain pop et graffiti : la contribution de Dulk à l'art contemporain Dulk est un artiste qui navigue entre art urbain, pop art et beaux-arts. « End Of Season » illustre parfaitement son talent pour créer des œuvres qui trouvent aussi bien leur place sur les murs d'une ville que dans une galerie privée. Son édition limitée renforce son attrait et en fait une pièce unique dans le paysage de l'art moderne. L'influence de l'artiste sur le street art, le pop art et le graffiti est considérable. Ses couleurs vibrantes et ses thèmes fantastiques capturent l'essence même de l'audace du graffiti et de l'attrait universel du pop art. L'œuvre de Dulk trouve un écho auprès d'un large public, séduisant aussi bien ceux qui sont captivés par la beauté et la complexité de la nature que ceux attirés par les éléments fantastiques et surréalistes de l'art urbain. « End Of Season » contribue de manière significative au débat sur ce qui constitue une œuvre d'art moderne dans le genre du street art. Elle transcende les frontières traditionnelles, invitant les spectateurs à trouver la beauté éphémère et à apprécier le talent artistique qui transforme la fin d'une saison en une célébration visuelle de la nature cyclique de la vie. Le récit artistique de Dulk témoigne du pouvoir transformateur de l'art, que ce soit sur la toile du monde naturel ou sur les surfaces concrètes des environnements urbains.

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Œuvre d'art Soul Messenger, impression giclée en édition limitée surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Dessin miniature original à l'encre Skully, réalisé à la main sur papier d'art par Nicole Gustafsson, artiste de street art contemporaine très en vogue. Dessin original signé de 2013, format 5x5

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Châle en dentelle, sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Justin Anville, artiste pop art célèbre et rare. Sérigraphie 5 couleurs 30″ x 24″ sur papier Cougar White 100 lb, signée, édition limitée à 40 exemplaires.

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Estampe giclée en édition limitée Kraven sur papier d'art de qualité supérieure, par Mike Mitchell, artiste de rue issu de la contre-culture. 2014 Mike Mitchell. Giclée 30,5 x 40,5 cm. Numérotée à la main. Signée par Mike Mitchell. Édition limitée à 105 exemplaires. Imprimée par Static Medium. Estampe Kraven de Mike Mitchell Estampe giclée Kraven de Mike Mitchell : Fusion de street art pop et de graffiti L'estampe giclée Kraven de Mike Mitchell est un exemple saisissant de son style de portrait caractéristique, mêlant réalisme et illustration audacieuse centrée sur le personnage. Sortie en 2014 en édition limitée à 105 exemplaires, cette estampe giclée de 30,5 x 40,5 cm capture l'essence de Kraven le Chasseur, personnage complexe et légendaire de l'univers des comics. Imprimée par Static Medium, elle est numérotée et signée à la main par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée dans le monde du street art et du graffiti. L'interprétation de Kraven par Mitchell est à la fois puissante et sobre, le représentant de profil, soulignant son intensité et sa présence imposante. Le rendu détaillé des traits du visage, associé à la riche texture de la fourrure de son vêtement, met en lumière la capacité de l'artiste à créer des portraits dynamiques, à la fois réalistes et cinématographiques. Cette œuvre illustre le talent de Mitchell pour saisir l'essence de figures iconiques tout en les réinventant dans un contexte artistique moderne. À la croisée de la culture pop et des beaux-arts L'œuvre de Mike Mitchell revisite souvent des figures de la culture populaire avec une esthétique mêlant portrait classique et thèmes contemporains. Son estampe de Kraven s'inscrit dans cette tradition en présentant le personnage non comme une simple illustration de bande dessinée, mais comme une figure digne et profondément humaine. Les tons feutrés et les ombres minutieuses confèrent à l'image une qualité picturale, l'élevant au-delà des représentations traditionnelles de la culture populaire. Kraven, connu pour être l'un des plus grands ennemis de Spider-Man, est souvent représenté dans des poses dynamiques. Mitchell, quant à lui, adopte une approche différente, le dépeignant dans un moment de contemplation. Ce choix stylistique permet au spectateur de percevoir le personnage au-delà de sa nature agressive habituelle, lui conférant une profondeur rarement explorée dans les représentations grand public. Le choix de se concentrer sur le profil de Kraven renforce cette dimension introspective, attirant l'attention sur ses traits fins et son attitude stoïque. Maîtrise technique et précision artistique L'utilisation de l'impression giclée par Mitchell garantit une préservation remarquable des détails de ses techniques numériques et manuelles. Les impressions giclées sont réputées pour leur haute résolution et la richesse de leurs couleurs, ce qui en fait un support de choix pour les artistes soucieux de préserver l'intégrité de leur œuvre originale. Les textures de l'estampe Kraven, des subtiles nuances de la carnation aux détails fins de la fourrure et du tissu, témoignent de la maîtrise de Mitchell dans le jeu de la lumière et de l'ombre. Le souci du détail de l'artiste s'étend au-delà du personnage lui-même, à la composition dans son ensemble. Le cadrage équilibré, l'utilisation judicieuse des espaces négatifs et la palette de couleurs soigneusement choisie contribuent à l'esthétique sophistiquée de l'estampe. Chaque élément est méticuleusement travaillé pour immerger le spectateur dans l'univers du personnage, faisant de cette œuvre bien plus qu'un simple hommage à la culture populaire : une véritable œuvre d'art. L'influence de Mike Mitchell sur le street art, le pop art et le graffiti. Mitchell s'est forgé une réputation grâce à des œuvres qui transcendent les disciplines artistiques. Son travail est fréquemment mis à l'honneur dans les galeries de pop culture, les expositions de street art et sur le marché de l'estampe d'art, témoignant de son large attrait. Sa capacité à faire le lien entre l'iconographie de la bande dessinée et le portrait de haute volée a consolidé sa place dans le monde du Street Pop Art et du graffiti. Son estampe Kraven illustre l'évolution de sa vision artistique. En transformant un personnage emblématique en un portrait classique et digne, Mitchell remet en question les représentations traditionnelles des figures de BD. Cette approche lui a valu la reconnaissance des collectionneurs et des amateurs d'art, assurant ainsi l'influence de son travail sur les mouvements artistiques contemporains et alternatifs. Figure majeure de la pop culture moderne, Mitchell repousse sans cesse les limites du Street Pop Art et du graffiti. Son estampe giclée Kraven incarne parfaitement son talent pour fusionner nostalgie et innovation artistique, créant une œuvre à la fois intemporelle et profondément personnelle.

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Recherche d'harmonie - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée, embellis à la main, sur papier d'art Moab 290 g/m² par Meggs, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Les pratiques coopératives de Meggs l'ont amené à collaborer avec divers artistes et marques issus de cultures du monde entier. Ses collaborations commerciales avec des entreprises telles que Nike, Stussy, Addict, New Balance, Burton et Endeavor Snowboards ont contribué à l'évolution constante de son talent et à l'élargissement de son champ de créations et d'idées.

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Impression giclée Ice Queen Jogjakarta Indonesia par Swoon- Caledonia Curry Artwork, édition limitée sur papier chiffon épais d'art, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Reine des glaces Jogjakarta par Caledonia Curry alias Swoon « Ice Queen Jogjakarta Indonesia » est une puissante estampe giclée de Caledonia Curry, artiste américaine de street art pop et graffiti reconnue internationalement sous le nom de Swoon. Créée en 2016 pour sa collection d'estampes « Street Series », cette œuvre immortalise une intervention urbaine à Yogyakarta, en Indonésie, sur un papier chiffon épais de qualité supérieure (48 x 33 cm). Tirée à 175 exemplaires numérotés et signés, cette estampe témoigne de l'engagement constant de Swoon à documenter les installations urbaines éphémères à travers des tirages d'art de haute qualité, qui restituent l'immédiateté de son travail public de façon permanente. L'expression du pop art urbain dans les installations mondiales de Swoon Dans « Reine des Glaces Jogjakarta », Swoon présente le portrait d'une figure royale, en harmonie avec la nature, appuyée contre un mur urbain recouvert de graffitis et de textures patinées. Réalisée dans son style caractéristique inspiré de la gravure sur bois, la Reine des Glaces arbore une composition complexe de feuilles et de plumes, projetant force, grâce et mysticisme. Le sujet apparaît à la fois délicat et redoutable, le regard perdu au loin, tandis que les marques de la culture graffiti tourbillonnent autour d'elle. L'estampe capture la juxtaposition, présente dans l'œuvre de rue originale, de la beauté artisanale aux conditions imprévisibles des murs extérieurs, instaurant un dialogue entre le naturel et le construit. À l'instar de nombreuses œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon, cette création met en lumière la présence humaine dans le contexte urbain et offre un témoignage visuel à l'environnement local. L'activité et l'empreinte mondiale de Caledonia Curry Née aux États-Unis, Caledonia Curry s'est fait connaître au début des années 2000 grâce au mouvement du street art new-yorkais et à ses portraits iconiques réalisés à l'aide de collages. Au fil de son évolution artistique, elle a étendu son champ d'action à des villes du monde entier, laissant derrière elle des œuvres qui témoignent d'une identité locale, d'une humanité partagée et d'une histoire sociale. « Ice Queen Jogjakarta » illustre son rayonnement international et sa sensibilité culturelle. Cette œuvre documente non seulement son intervention physique en Indonésie, mais reflète également son approche collaborative et immersive de la création artistique dans des contextes inconnus. Chaque figure créée par Curry possède une présence qui transcende les nationalités, incarnant des archétypes de résilience et de grâce au sein d'un chaos visuel. Cette œuvre, à l'instar d'autres présentées dans son catalogue d'estampes, est un instantané d'un récit global plus vaste qu'elle continue de construire. Préserver le patrimoine urbain grâce aux beaux-arts L'estampe giclée « Ice Queen Jogjakarta » illustre le talent de Curry pour transformer des collages éphémères en œuvres d'art de collection, sans en altérer la puissance émotionnelle originelle. Imprimée sur papier chiffon de qualité muséale, cette édition respecte la matérialité brute de la rue tout en élevant l'œuvre au rang d'objet de collection emblématique du street art pop et du graffiti. Elle se dresse à la fois comme une œuvre d'art et un document historique, préservant un instant précis dans un espace urbain étranger. L'ensemble de la collection d'estampes « Street Series » rend hommage à cette double vocation. Pour les passionnés de culture urbaine contemporaine et de pratiques artistiques internationales, cette estampe offre un aperçu de l'essence même de la démarche créative de Swoon et de son influence durable sur l'art public.

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Œuvre d'art Creature Comforts, impression giclée en édition limitée sur papier Museo Portfolio Rag, par l'artiste de graffiti pop culture Anthony Clarkson. Édition limitée à 25 exemplaires. Tirage d'art de 35,5 x 35,5 cm sur papier Museo Portfolio Rag. Signé et numéroté à la main par l'artiste.

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Planche de skateboard en édition limitée sérigraphiée par Roman Klonek, artiste de la culture pop urbaine. Édition limitée Kidrobot 2020 numérotée à 112 exemplaires. Mondialement connu pour son travail artistique du bois, Kidrobot transpose l'esthétique de l'artiste allemand Roman Klonek dans l'univers des skateboards design.

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Lithographie « Dieu Tortue », édition limitée, sur papier d'art, par Jeff Soto, artiste de rue pop et graffiti urbain. Dieu Tortue, 2007. Lithographie offset. Dimensions de l'image : 41,9 x 57,2 cm. Dimensions du papier : 45,7 x 61 cm. Édition numérotée et signée de 500 exemplaires.

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Œuvre d'art sauvage, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Après la tempête, impression d'art giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 24x30, 2019

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Planche de skateboard Dino Girl Deck en édition limitée, sérigraphiée par Faile, artiste de la culture pop urbaine. 2019, planche de skate en bois d'érable 7 plis, édition limitée à 150 exemplaires, 24,13 x 99,06 cm (9,5 x 39 po)

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Mayra Skull - Rook Brand, édition limitée, sérigraphie à l'encre métallique 4 couleurs tirée à la main sur papier kraft moucheté français, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Tenochtitlan - Tirage à chaud manuel en édition limitée 2 couleurs sur papier d'art classique lisse blanc naturel Neenah 13,5 PT par Saner, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Tirage d'art signé 2022, deux couleurs, impression à chaud, sur papier Neenah Natural White Smooth Classic Crest 13,5 PT. Format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Sortie : 17 janvier 2022. Tirage : 25 exemplaires.

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Sérigraphie Panacea de MEUBON, tirée à la main sur papier d'art blanc coquille d'œuf extra-fin, édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de 300 œuvres d'art au format 20,25 x 15,75 sérigraphie. ยาตำราหลวง สถานที่จำหน่าย มาตำราหง เภสัชกรรม- Royal Medicine, Lieu de vente, Pharmacie Ma Tamra Hong Panacée par MUEBON – Remède satirique dans l'art urbain pop et graffiti « Panacea » est une sérigraphie en édition limitée de 2022, réalisée à la main par l'artiste thaïlandais MUEBON sur papier d'art Superfine Eggshell White, au format 51,4 x 40 cm. Signée et numérotée à 300 exemplaires, cette œuvre fusionne l'esthétique traditionnelle thaïlandaise avec un vocabulaire satirique propre au street art. La composition imite la mise en page et le ton d'une enseigne de pharmacie thaïlandaise vintage, avec des références typographiques à la médecine royale, des informations sur l'emplacement et des symboles réglementaires. Dans ce cadre, MUEBON insère son personnage emblématique : un oiseau noir espiègle à la posture quasi humaine, prenant soin de rangées de plants de cannabis aux couleurs éclatantes. La juxtaposition de l'autorité de l'État, de la légitimité médicale et de la rébellion populaire est exécutée avec une clarté visuelle chirurgicale et une acuité conceptuelle remarquable. Chaque ligne, chaque fissure, chaque élément graphique contribue à un message plus large sur la légalité, l'hypocrisie et l'évolution des normes culturelles. Symbolisme médicinal et ironie sociopolitique L'utilisation du titre « Panacée » par MUEBON évoque l'idée d'un remède miracle, d'une solution universelle aux maux de la société. Pourtant, l'estampe suggère que ce qui est présenté comme un remède est souvent dissimulé derrière des mécanismes de contrôle et des contradictions. Le personnage, rendu avec une précision de couleur et de personnalité remarquables, arrose des plants de marijuana avec l'indifférence désinvolte de quelqu'un qui a banalisé le tabou. L'arrière-plan imite des textures de murs usés et des panneaux défraîchis, suggérant un avis public officiel, désormais détourné. L'écriture thaïe affiche en gras des phrases telles que « ยาตำราหลวง » et « สถานที่จำหน่าย » (Médicament royal et Lieu de vente), tandis que la figure centrale sape le ton bureaucratique par une rébellion punk. Cette collision visuelle est typique de MUEBON : elle mêle un humour caricatural à une critique institutionnelle dans le style du Street Pop Art et du graffiti, et sert à la fois de documentation et de protestation. Technique de sérigraphie et précision esthétique L'estampe est réalisée selon les méthodes traditionnelles de la sérigraphie, ce qui permet à chaque couleur de conserver une saturation intense et une netteté parfaite des contours. Imprimée sur un papier blanc coquille d'œuf extra-fin, la texture subtile de l'œuvre accentue l'effet d'enseigne vintage, renforçant l'illusion de vieillissement et d'usure. La superposition maîtrisée des images – saleté, texte, plantes, timbres et personnages – témoigne de la précision de MUEBON dans la traduction de récits politiques complexes en œuvres d'art vibrantes et accessibles. Riche en codes culturels locaux, l'œuvre est universellement compréhensible, ce qui en fait un exemple remarquable, au sein du Street Pop Art et du graffiti, de la manière dont une voix régionale peut atteindre une résonance internationale grâce à une composition visuelle forte et une clarté thématique. MUEBON et l'anatomie culturelle de la légitimité Panacea n'est pas qu'une simple estampe : c'est un dialogue entre droit, commerce et autonomie individuelle. MUEBON utilise l'humour et une satire teintée de culture pop pour explorer l'évolution des relations en Thaïlande avec le cannabis médical, le contrôle gouvernemental et les tabous culturels. Son oiseau emblématique devient le symbole du citoyen lambda, naviguant dans un système qui légalise sélectivement ce qu'il criminalisait autrefois. L'œuvre fonctionne comme une métaphore visuelle des liens étroits entre pouvoir, propagande et santé publique. Dans le contexte du street art et du graffiti, Panacea propose un récit à plusieurs niveaux, dissimulé sous forme de signalétique publique. Elle suscite le rire, encourage le dialogue et invite les spectateurs à repenser la notion d'autorité lorsqu'elle se réinvente à travers des couleurs vives et des contradictions symboliques. MUEBON confirme ainsi son statut de maître de l'ironie visuelle et de l'analyse culturelle, à travers le prisme de la résistance urbaine.

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Gravure en trois parties, édition limitée, avec impression à l'aquatinte sur papier d'art de qualité supérieure décoré à la main, par Zwy Milshtein, artiste de pop art et de graffiti. Gravure d'art en édition limitée, signée et numérotée, 1970. Artiste : Zwy Milshtein. Titre : Gravure en trois parties. Technique : Eau-forte avec aquatinte. Dimensions : 53 x 76 cm. Édition : Signée au crayon et numérotée 26/75. Zwy Milshtein : Un maître de la gravure à l'eau-forte et à l'aquatinte Le parcours artistique de Zwy Milshtein est marqué par le mouvement, non seulement à travers les frontières géographiques, mais aussi par l'évolution de son style et de sa technique si particuliers. Né en 1934 à Kichinev, aujourd'hui en Moldavie, Milshtein traverse une période tumultueuse, passant de la Russie à la Roumanie, puis à Israël, au cœur de la Seconde Guerre mondiale. C'est toutefois à Paris, où il s'installe en 1955, qu'il trouve son véritable foyer artistique. Il y acquiert une renommée de peintre et de graveur, notamment grâce à ses eaux-fortes et ses gravures qui saisissent la complexité de l'expérience humaine. Les chemins entrelacés de la gravure et de l'art urbain La « Troisième gravure » ​​de Milshtein témoigne du savoir-faire et de la profondeur de la gravure en tant qu'art. Réalisée en 1970, cette gravure à l'aquatinte, signée et numérotée, en édition limitée de 53 x 76 cm, illustre parfaitement la maîtrise de l'aquatinte par Milshtein – une technique permettant de créer des effets de tonalité, produisant des textures riches et une gamme de nuances qui confèrent aux estampes une qualité picturale. Cette œuvre, faisant partie d'une série exclusive numérotée 26/75, se distingue particulièrement par sa composition abstraite et l'utilisation fascinante de l'espace négatif, qui invite le spectateur à un dialogue visuel évoquant le street art et le graffiti contemporains. L'influence de Milshtein sur l'art contemporain L'influence de Milshtein sur le monde de l'art est largement documentée par de nombreuses expositions et rétrospectives. Son œuvre a été présentée à l'ARC, le Musée d'Art Moderne de Paris, et en 1978, la Bibliothèque nationale de France a accueilli une rétrospective de ses gravures. Parmi ses réalisations artistiques figure sa participation au projet de la Maison Hans Christian Andersen en 1997, où, aux côtés d'autres artistes européens de renom, il a rendu hommage au bicentenaire de la naissance de l'écrivain danois. Les choix esthétiques et la maîtrise technique déployés dans des œuvres telles que « Trois gravures » font écho aux stratégies visuelles du pop art et du graffiti. L'art de Milshtein, tout en étant distinctif par son médium et son exécution, partage l'esprit d'innovation et de subversion qui caractérise le street art. Ses gravures invitent le public à explorer les thèmes de l'identité, de la mémoire et de l'existence, à l'instar du street art et du graffiti dans le paysage urbain. Les contributions de Zwy Milshtein au monde de la gravure et ses explorations de l'aquatinte ont assuré sa réputation d'artiste d'une grande virtuosité et d'une profonde profondeur. « Trois gravures » illustre parfaitement son talent pour communiquer des idées complexes par l’estampe. Son œuvre continue d’inspirer et d’influencer les artistes, au sein et en dehors du pop art, du street art et du graffiti, confirmant ainsi la puissance et la pertinence intemporelles de son art.

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Le Tigre, édition limitée, sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier d'art Stonehenge 250 g/m² par Chris Saunders, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Œuvre de 24 x 24 pouces. Sérigraphie « Le Tigre » de Chris Saunders. « Cette œuvre est l'évolution d'une création réalisée il y a quelques années, à l'origine une simple esquisse. Je traversais alors une période de profonds bouleversements. Je ressentais un besoin impérieux de quitter mon métier d'artiste commercial pour me consacrer pleinement à mon art, et j'étais envahi par de nombreuses angoisses. Habituellement, face à ces changements, je m'efforce de prendre du recul et de faire confiance à mon intuition. Cette intuition a tendance à modeler ces expériences sous la forme de différents animaux qui m'accompagnent dans cette transition. Pour moi, le tigre représente l'instinct primaire, la capacité à lâcher prise, à se faire confiance et à suivre pleinement son intuition. Cette œuvre est bien plus impressionnante en réalité ; les photos ne rendent pas justice aux différentes couches et à la texture des encres utilisées. » – Chris Saunders

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Grems - Peinture aérosol rare en édition limitée noire, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Artiste complet à l'énergie débordante, Grems est de ces artistes infatigables qui repoussent sans cesse les limites. Ses deux principales tendances créatives, l'art et la musique, développées en parallèle, s'alimentent et se stimulent mutuellement pour une production toujours plus dynamique, créant ainsi l'inattendu tout en conservant son style unique et reconnaissable entre tous. Extrêmement actif et hyperproductif, sa créativité débordante a fait de son CV un véritable pavé : 6 albums solo, 8 collaborations avec Klub Sandwich, Disiz, Rouges à Lèvre, Olympe, PMPDJ, Foreign Beggars, 15 clips, de nombreuses expositions à travers le monde (Pékin, Perth, Séville, Mexique, Londres, Paris, Marseille, etc.), des murs couverts de ses graffitis (dont le Southbank Centre à Londres et le Musée Pompidou, le plus prestigieux musée d’art moderne de France), et des collaborations avec des marques comme Skullcandy, Nike, Swatch, Asics, Converse, Scott et Sixpack, pour n’en citer que quelques-unes. Grems a même trouvé le temps de créer Ussle, sa propre marque de vêtements.

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« Into The Forest », une œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile tendue sur châssis, par la célèbre artiste de graffiti de rue Mandy Tsung. 2013. Acrylique originale sur toile de Mandy Tsung, 12 x 9 pouces.

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Sérigraphie « Passage du temps » par Gats - Graffiti contre le système, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art au format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Exploration de « Le Passage du Temps » de Gats « Passage du temps » est une sérigraphie saisissante de l'artiste Gats, connu sous le pseudonyme de Graffiti Against The System. Cette œuvre de 2023 est une édition limitée numérotée et signée à 150 exemplaires, mesurant chacun 45,7 x 61 cm, et imprimée à la main sur papier d'art. Gats est reconnu pour son style unique, souvent caractérisé par des masques ou des visages ornés de motifs complexes, représentant la diversité de l'expérience humaine et le langage universel du graffiti. Cette œuvre en particulier porte la signature visuelle de l'artiste, riche en symbolisme sur le passage du temps, utilisant peut-être les bougies qui fondent et les formes entrelacées pour exprimer la nature éphémère de la vie et la pérennité de l'héritage artistique. À l'instar de nombreuses œuvres de street art et de graffiti, elle est porteuse d'un commentaire culturel et socio-politique, invitant à une profonde réflexion sur la fugacité de l'existence et les traces que nous laissons derrière nous.

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Sérigraphie Home Sick Copper HPM Collage par MCXT - Monica Canilao x Xara Thustra sur papier d'art Coventry Rag teinté à la main de 290 g/m² et papier métallisé, œuvre d'art pop street art en édition limitée. Sérigraphie signée et numérotée 2015, collage et fil, ornée HPM. Édition limitée n° 1, première d'une série de 30. Format 12 x 24 pouces sur papier Coventry Rag 290 g/m² teinté à la main. Papier métallisé épais cousu au bas de chaque estampe. Léger défaut en bas à gauche, côté marge. N° 1 « Home Sick Copper HPM Collage Silkscreen Print », une sérigraphie de MCXT, fruit d’une collaboration entre Monica Canilao et Xara Thustra, témoigne du dialogue riche et complexe qui unit le Street Pop Art et le graffiti. Cette œuvre en édition limitée, réalisée avec minutie sur papier d’art Coventry Rag teinté à la main et ornée d’une feuille métallique cousue au verso, illustre la convergence des différentes disciplines artistiques qui caractérisent le travail de ces artistes contemporaines. Savoir-faire dans « Home Sick Copper HPM » Le savoir-faire déployé dans « Home Sick Copper HPM » est immédiatement perceptible. Le choix du papier Coventry Rag 290 g/m² comme support témoigne de l'attachement des artistes à la qualité et à la durabilité. Ce papier épais, réputé pour son absorption de l'encre et sa capacité à préserver la richesse des couleurs, offre un fond luxueux aux sérigraphies et aux collages qui ornent sa surface. La coloration manuelle du papier confère à chaque tirage une qualité tactile unique, garantissant ainsi le caractère unique de chaque exemplaire de l'édition. L'ajout de papier métallisé épais, cousu plutôt que collé, est un clin d'œil aux techniques artisanales traditionnelles. Cette technique de couture du papier est une manifestation physique des thèmes du foyer et du lien social qui sont au cœur de l'œuvre. Le fil devient une métaphore des liens qui nous unissent aux lieux et aux personnes, tandis que la couture est un geste profondément personnel, presque intime, qui imprègne l'œuvre d'un sentiment de soin et d'attention. Esthétique et symbolisme Esthétiquement, « Home Sick Copper HPM » est une symphonie visuelle de symboles et de formes qui dansent sur le papier. Les éléments architecturaux, évoquant des structures fantastiques, émergent de l'estampe comme des monuments à l'imagination et à la mémoire. L'inclusion d'yeux, d'étoiles et d'autres icônes confère une dimension mystique à la composition, suggérant un récit à la fois personnel et archétypal. Le langage symbolique employé par Canilao et Thustra invite à l'interprétation, incitant le spectateur à réfléchir à la notion de foyer : ce que signifie être enraciné, ce que signifie être déconnecté, et le désir universel d'appartenance. En ce sens, l'œuvre transcende sa forme matérielle pour devenir un réceptacle d'expériences humaines partagées, à l'instar des plus belles œuvres de street art et de graffiti, qui servent souvent de miroir aux pensées et aux sentiments du spectateur. Reflets de l'art urbain pop et du graffiti « Home Sick Copper HPM » reflète l'esprit du Street Pop Art et du graffiti par son accessibilité et son mélange de techniques artistiques savantes et populaires. Le tirage limité n'altère en rien son accessibilité ; au contraire, il en valorise chaque exemplaire comme pièce de collection, tout en incarnant l'esprit démocratique du street art. L'œuvre mêle les pratiques artistiques conventionnelles à la culture rebelle et DIY du street art, créant un pont entre la galerie et le paysage urbain. La collaboration entre Monica Canilao et Xara Thustra célèbre l'esprit de collaboration souvent présent dans la culture du street art. En unissant leurs forces, les artistes combinent leurs visions et leurs compétences uniques pour créer une œuvre qu'aucune n'aurait pu réaliser seule. Ce partenariat et l'œuvre qui en résulte témoignent avec force du potentiel collaboratif du monde de l'art, faisant écho à la dimension communautaire des projets de street art. « Home Sick Copper HPM Collage Silkscreen Print » de MCXT est une pièce remarquable qui captive l'imagination et touche le cœur. Elle témoigne du pouvoir de la collaboration et de l'attrait intemporel d'un art qui relie l'intime à l'universel. En tant qu'objet d'art, il suscite la conversation, constitue une œuvre marquante et est réalisé avec amour, portant la marque indéniable d'artistes profondément engagés dans leur art et leur message.

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Outlandos D' Amour - Épreuve d'imprimeur Or Bleu PP, sérigraphie en édition limitée 8 couleurs tirée à la main sur papier Gold Treasury par Prefab77, artiste pop art célèbre et rare. Épreuve d'imprimerie PP 2015 Signée et marquée PP 23 x 32,87 Sérigraphie 8 couleurs sur papier doré, signée par l'artiste 58,5 x 83,5 cm Outlandos D'Amour Or Bleu PP par Prefab77 « Outlandos D'Amour Gold Blue » est une sérigraphie artisanale d'une rare finesse, réalisée en huit couleurs par Prefab77, collectif renommé d'artistes de street art, pop art et graffiti. Cette œuvre de 2015, mesurant 58,5 x 83,5 cm (23 x 32,87 pouces), est imprimée sur un luxueux papier doré et signée PP, attestant qu'il s'agit d'une épreuve d'artiste. Réputés pour leurs superpositions complexes et leurs récits audacieux, les artistes de Prefab77 confèrent à cette œuvre une présence saisissante, en faisant une pièce de choix pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain. Une déclaration saisissante dans le domaine du pop art urbain « Outlandos D'Amour Gold Blue » illustre à merveille le style distinctif de Prefab77, qui associe des images saisissantes à des thèmes puissants. La sérigraphie en huit couleurs confère à l'œuvre une profondeur et une intensité remarquables, superposant textes, motifs et portraits dans un jeu d'éléments dynamique. Le papier doré utilisé crée un fond lumineux, soulignant l'esthétique à la fois luxueuse et audacieuse qui caractérise le travail de Prefab77. Cette estampe, visuellement captivante et conceptuellement riche, reflète les thèmes de la rébellion, de l'émancipation et de l'identité culturelle. La vision de Prefab77 Prefab77 est un collectif d'artistes basé au Royaume-Uni, reconnu pour ses contributions marquantes au street art et au graffiti. Privilégiant le travail minutieux et la narration, le collectif fusionne les influences de la culture punk, de la mode et du commentaire social pour créer des œuvres qui résonnent profondément auprès du public contemporain. Leurs créations mettent souvent en scène des figures fortes et emblématiques sur des fonds complexes, incarnant un sentiment de force et de rébellion. « Outlandos D'Amour Gold Blue » illustre parfaitement leur capacité à fusionner les techniques des beaux-arts avec l'énergie brute du street art. Une œuvre d'art rare et de collection L'appellation « Épreuve d'imprimeur » confère à cette œuvre une rareté et une valeur exceptionnelles, la rendant particulièrement précieuse pour les collectionneurs en quête d'éditions exclusives d'œuvres emblématiques. Le procédé méticuleux de sérigraphie manuelle en huit couleurs garantit une netteté et une vivacité remarquables, tandis que le papier doré sublime son opulence. Signée et marquée par les artistes, cette estampe est non seulement un chef-d'œuvre visuel, mais aussi un artefact majeur du mouvement du street art. Son grand format renforce sa présence et en fait une pièce maîtresse saisissante pour toute collection. « Outlandos D'Amour Gold Blue » de Prefab77 est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est une célébration du pouvoir transformateur du pop art et du graffiti. Par sa conception complexe, sa résonance culturelle et sa rareté, cette pièce continue de captiver et d'inspirer les spectateurs, confirmant la réputation de Prefab77 comme un groupe novateur dans le monde de l'art contemporain.

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