Virus

Joker Brand - Peinture originale unique en son genre, technique mixte acrylique et peinture aérosol, sur bois encadré, par Ben Frost, artiste de graffiti de rue populaire. 2022 « Joker Brand » - Acrylique et peinture aérosol sur panneau - Variante verte/rose 60 cm x 60 cm (23,5 x 23,5 pouces) Signée, titrée et datée au verso

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Papier buvard Mickey au masque à gaz, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ron English - POPaganda, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 14,2 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'œuvre peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Quarantaine liée au coronavirus : œuvre originale et multi-tags, réalisée au marqueur/dessin sur une étiquette d'avertissement par la légende du graffiti Saber, artiste de rue urbain. Marqueur signé 2020 Original Coronavirus Quarantine Jaune Biohazard Slap Up Graffiti Art Tag 7x5 Multi Tagged on High Visibility Virus Covid-19 Warning Label Rouge, Violet et Argent Marqueur. Faire face à une crise mondiale grâce au pop art urbain L'œuvre originale de Saber, « Coronavirus Quarantine », réalisée au marqueur et recouverte de multiples tags, capture l'esprit d'une époque dominée par la pandémie. Signée et datant de 2020, cette œuvre est bien plus qu'un simple graffiti : c'est un document historique qui immortalise un moment où le monde était aux prises avec le défi sans précédent de la COVID-19. Saber, figure influente de la scène graffiti, s'empare d'une étiquette jaune fluo de risque biologique, symbole désormais omniprésent du virus, et la transforme en une toile. Ses dimensions, 18 x 13 cm, peuvent paraître modestes, mais son impact est immense. Par l'utilisation de tags vibrants et chaotiques qui se superposent à l'avertissement clair « Coronavirus Quarantine », Saber détourne le message alarmiste de l'étiquette, invitant à une réflexion sur la nature de la pandémie qui dépasse la simple peur et la prudence. Cette œuvre constitue un commentaire profond sur les enjeux mondiaux durant la crise de la COVID-19. Les tags de l'artiste de graffiti détournent l'usage des étiquettes d'avertissement, objets censés signaler un danger et inciter à l'obéissance. Ces tags, souvent perçus comme un acte de rébellion dans l'espace public, remettent ici en question le discours dominant sur la pandémie en conférant une dimension individuelle et humaine à l'étiquette d'avertissement, par nature impersonnelle et clinique. L'impact de l'art de Saber dans le contexte du pop art urbain Dans le contexte du street art, l'œuvre « Coronavirus Quarantine » de Saber se distingue comme un reflet poignant de notre époque. Le street art a toujours eu cette capacité unique à interpeller son public de manière directe et urgente. Ici, l'œuvre exprime visuellement l'angoisse collective, la confusion et la résilience vécues pendant les périodes de confinement. La juxtaposition de tags de graffiti formels, presque anarchiques, dans l'œuvre de Saber témoigne de la nature incontrôlée de la réaction du public face à la pandémie : ordre et désordre, obéissance et rébellion. L'année 2020 restera marquée par ses bouleversements majeurs en matière de santé, d'économie et de société à l'échelle mondiale. Dans ce contexte, le street art et les graffitis comme celui de Saber deviennent des symboles de résistance et des témoignages de la résilience humaine. L'étiquette « risque biologique », autrefois simple panneau fonctionnel, est recontextualisée en une œuvre d'art qui provoque, interroge et perdure, à l'image de l'esprit humain face aux épreuves de la pandémie. Saber, l'artiste américain à l'origine de cette œuvre marquante, a une fois de plus prouvé pourquoi il est considéré comme une légende du graffiti. Sa capacité à capter l'air du temps et à le traduire en un art à la fois provocateur et introspectif garantit la pertinence et la résonance de son travail, non seulement au sein de la communauté du street art, mais aussi auprès de ceux qui découvrent son art dans ces mêmes espaces publics si profondément transformés par la pandémie de coronavirus.

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Estampe sur bois « In This Together » de Ravi Amar Zupa, tirée à la main sur un panneau de bois recyclé, édition limitée. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 40 exemplaires. Gravure sur bois de 10 x 14,5 cm (4 x 5,75 pouces) sur panneau de bois légèrement vieilli, prête à être accrochée. Représentant un Jolly Roger avec une tête de mort et des os croisés surmontés d'une couronne. Inscription : « Distanciation sociale avec amour 2020. Ensemble face à cette situation. » « Unis face à l’adversité » est une estampe saisissante de Ravi Amar Zupa, artiste reconnu pour ses estampes artisanales d’une grande finesse sur panneaux de bois recyclé. Cette œuvre en édition limitée, faisant partie d’une collection de seulement 40 exemplaires, reflète une période marquée par la pandémie mondiale et incarne l’esprit de solidarité et de résilience. Mesurant 10 x 14,5 cm, cette pièce compacte et puissante est prête à être accrochée. Son aspect légèrement vieilli lui confère un charme brut. L’estampe représente le Jolly Roger, emblème iconique de la piraterie, couronné et portant une tête de mort, ici réinterprété pour symboliser l’unité dans l’adversité. Symbolisme et technique dans l'œuvre de Zupa Le choix des images et du texte par Ravi Amar Zupa dans « Ensemble » est à la fois évocateur et d'une grande actualité. Associés à une couronne, le crâne et les os croisés symbolisent traditionnellement la mort et le pouvoir. Cependant, dans le contexte de cette œuvre, ils acquièrent une nouvelle signification : ils représentent la lutte collective et la nécessité de maîtriser la crise avec compassion, comme le suggère l'expression « Distanciation sociale avec amour ». La technique de la gravure sur bois, une forme traditionnelle d'estampe, confère à l'œuvre une dimension intemporelle et l'inscrit dans une longue tradition d'expression artistique. Parallèlement, le panneau de bois de récupération rappelle l'importance du développement durable et de l'ingéniosité. Résonance culturelle de l'œuvre d'art La résonance culturelle de « In This Together » au sein de la scène du street art et du graffiti est significative. L'œuvre capture un sentiment partagé qui a transcendé les frontières pendant la pandémie : la solidarité. Le travail de Zupa explore souvent des thèmes à forte portée sociale et politique, et cette pièce ne fait pas exception. Elle touche au cœur même du rôle social du street art : commenter, unir et inspirer. Cette œuvre n'est pas seulement le reflet de notre époque, mais aussi un cri de ralliement, un message de soutien et d'empathie qui a profondément résonné en cette période d'incertitude mondiale. La collectionnabilité et l'impact sur l'art contemporain L'intérêt de « In This Together » réside dans son édition limitée, signée et numérotée par Zupa, ce qui lui confère une exclusivité particulière. Son format la rend accessible, tandis que son message et sa qualité d'exécution en font une pièce de choix pour toute collection d'art urbain contemporain et de graffiti. L'impact de l'œuvre est renforcé par son support – la gravure sur bois sur panneau de bois – qui allie techniques artistiques traditionnelles et thèmes modernes, séduisant ainsi un large public d'amateurs d'art et de collectionneurs. « In This Together » de Ravi Amar Zupa est une œuvre d'art contemporain saisissante, en résonance avec l'esprit communautaire de l'art urbain et du graffiti. Grâce à la technique traditionnelle de la gravure sur bois sur bois de récupération, Zupa crée une œuvre à la fois témoin de son époque et intemporelle. Elle symbolise l'unité et l'amour dans une année marquée par la séparation et l'incertitude, offrant un message d'espoir et de solidarité aussi universel que puissant.

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Pandemonium, estampe sérigraphique couleur à bords frangés tirée à la main sur papier beaux-arts, par l'artiste recherché Hijack, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires numérotés à la main et estampillés par l'artiste (2020). Œuvre d'art découpée à la main, format 22x22. Estampe caritative pour la Banque alimentaire mondiale contre la Covid-19 par Hijack. Présentation de « Pandémonium » par Hijack : une réflexion de street art pop sur la crise mondiale Créée en pleine période de crise sanitaire liée à la COVID-19, l'œuvre « Pandemonium » de l'artiste de rue Hijack capte l'esprit collectif d'un monde en proie à l'incertitude et aux bouleversements. Cette sérigraphie couleur, réalisée à la main sur papier d'art, est une impression en sérigraphie aux couleurs franches, incarnant la réponse poignante de l'artiste à l'impact de la pandémie sur la société. Hijack, dont le véritable nom contribue à son image énigmatique, est devenu une figure incontournable de la scène street art et graffiti contemporaine, avec des œuvres qui explorent souvent l'actualité et les problématiques sociales. Cette œuvre en édition limitée, de format 56 x 56 cm, est à la fois une déclaration visuelle et une initiative philanthropique : les bénéfices de sa vente seront reversés aux banques alimentaires internationales pendant la pandémie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun numéroté à la main et estampillé par l'artiste, « Pandemonium » devient une pièce de collection historique, immortalisant l'esprit du début des années 2020. Symbolisme et technique dans « Pandémonium » de Hijack « Pandémonium » offre un équilibre saisissant entre l'immédiateté du graffiti et la précision calculée de la sérigraphie pop art. L'image représente une silhouette en tenue de protection, dont la posture évoque un soignant et un agent de décontamination. Cette dualité souligne la réalité de première ligne face à la pandémie. L'utilisation de couleurs vives sur fond monochrome attire l'attention sur le sujet et insuffle à l'œuvre une vitalité inattendue au cœur de l'obscurité, caractéristique du street art et de sa capacité à révéler beauté et sens dans le sombre et le quotidien. Le papier beaux-arts sert de toile urbaine à Hijack, à l'instar des murs et des ruelles qui servent de support à d'autres graffeurs. Les bords irréguliers du papier font écho au caractère souvent brut et éphémère du street art, contrastant avec la permanence que symbolise cette édition limitée. C’est cette interaction entre le bref et le durable que Hijack explore dans « Pandemonium », réfléchissant à la nature éphémère de la pandémie tout en capturant un moment qui restera à jamais gravé dans l’histoire. La résonance culturelle du « pandémonium » dans le discours sur l'art urbain Dans le vaste discours du street art et du graffiti, « Pandemonium » résonne comme un artefact culturel, un phare de notre époque. L'œuvre illustre la manière dont les artistes de rue ont historiquement utilisé l'espace public et les supports accessibles pour refléter les sentiments de la société, susciter la réflexion et inspirer l'action. Le choix de Hijack de contribuer à une organisation caritative internationale par le biais de son art s'inscrit dans une tradition du street art qui consiste non seulement à commenter les problèmes sociaux, mais aussi à participer activement au changement sociétal. La représentation du personnage avec un flacon pulvérisateur portant l'inscription « COVID-19 » évoque un sentiment d'action et de responsabilité, une reconnaissance des efforts collectifs pour « purifier » le monde de la menace virale. Cette représentation dépasse la simple esthétique ; c'est un cri de ralliement, un hommage à la résilience de l'humanité face à une crise mondiale et un témoignage du rôle de l'art pour documenter, répondre et guérir les traumatismes collectifs. En tant qu'œuvre de street art, « Pandemonium » se distingue par sa capacité à saisir l'essence d'un événement mondial sans précédent, tout en conservant les éléments stylistiques et thématiques qui définissent le genre. L'œuvre de Hijack n'est pas seulement une réponse artistique à une pandémie ; c'est un témoignage historique et un commentaire sur la condition humaine, un rappel des bouleversements et des triomphes qui caractérisent notre époque. Dans l'histoire du street art, « Pandemonium » restera comme une réflexion poignante de l'ère de sa création, un témoignage du pouvoir de l'art à exprimer des émotions et des récits complexes. C'est un dialogue visuel entre l'artiste et le monde, une œuvre qui exprime la peur, l'espoir et l'esprit indomptable qui ont défini la réponse humaine à la pandémie de COVID-19. Avec « Pandemonium », Hijack contribue à la riche tapisserie du street art et du graffiti, qui continue d'évoluer et de résonner comme une voix du peuple dans l'espace public.

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Figurine What Party - Sculpture de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste moderne Kaws. Édition ouverte COVID 2020 épuisée. Format : 5,1 x 11,3 x 3,7 pouces. Neuf dans sa boîte. Pied imprimé. Black Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ? La figurine « What Party » en noir s'impose comme un symbole poignant dans l'œuvre de Kaws, artiste moderne influent dont les créations brouillent sans cesse les frontières entre art commercial et beaux-arts. Cette sculpture en vinyle, en édition limitée, mesure 13 x 29 x 9,5 cm, une taille à la fois intime et imposante qui lui permet de trouver sa place dans toute collection. Sortie en 2020, année marquée à l'échelle mondiale par la pandémie de COVID-19, cette pièce de collection prend une résonance particulière, son titre, « What Party », faisant écho à l'isolement de cette année et à l'absence soudaine de rassemblements et de célébrations. Façonnée en noir profond, la figurine est immédiatement reconnaissable comme une création de Kaws, avec ses yeux barrés caractéristiques et ses mains exagérées, éléments devenus emblématiques du langage visuel unique de l'artiste. Ce jouet n'est pas qu'un simple objet ludique ; c'est une œuvre d'art à part entière, percutante et porteuse de sens, qui interroge la condition humaine. Sa couleur éclatante peut être interprétée comme une lueur d'espoir ou un cri d'alarme, incitant à la réflexion sur les bouleversements de notre société, notamment durant cette période d'arrêt brutal du monde. Chaque sculpture est neuve et livrée dans sa boîte d'origine, garantissant qu'elle n'a jamais été exposée ni manipulée. Le pied imprimé de la figurine atteste de son authenticité, un critère essentiel pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Kaws. Bien que cette pièce ait été initialement proposée en édition ouverte, sa disponibilité a rapidement explosé face à une demande supérieure à l'offre, la rendant introuvable et la transformant en un objet de collection très recherché. La figurine « What Party » témoigne non seulement de l'influence durable de Kaws à la croisée du pop art, du street art et du graffiti, mais constitue également un commentaire culturel encapsulé dans du vinyle. Elle capture l'essence d'un moment historique unique, symbolisant l'aspiration collective à la connexion en période de bouleversements mondiaux et le pouvoir intemporel de l'art à refléter et à résonner avec l'esprit du temps.

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Marvin is Sick, œuvre d'art imprimée en édition limitée par giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky.

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Figurine de collection HazMad Spray Can Mutant, édition limitée, œuvre d'art en vinyle signée Jeremy MadL x Martian Toys. Coloris conçu par Jeremy MadL. 20 cm de haut, 6 points d'articulation, 2 paires de chaussures, gomme et Vans incluses. Effet sonore garanti ! Édition limitée à 250 exemplaires. La rue n'est plus un endroit sûr ! Non seulement vous devez vous cacher des flics et vous battre pour les murs contre les bandes rivales, mais en plus, être dehors, c'est la galère ! Le danger rôde de toutes parts, alors ce MadCan est paré pour continuer à s'amuser tout en restant protégé. Cette bombe de peinture Mad Mutant Vinyl de 20 cm est là pour dominer votre vinyle, habiller vos murs et vous rappeler de vous laver les mains. Conçue par le légendaire Jeremy Madl et fabriquée par les créateurs de jouets extraterrestres et déjantés de Martian Toys, préparez-vous à une bande de bombes de peinture mutantes, crasseuses et complètement déjantées, qui vont vous faire trembler !

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1 • 12 • 5 • 24 Peinture originale technique mixte sur toile par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2017, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol sur toile prête à accrocher, format 18 x 24 pouces. « À travers cela, nous sommes restés inébranlables, alors que notre défi était de renverser le destin. Mais cette possibilité s'est évanouie, n'est-ce pas ? Nous avons enduré ensemble, et souvent seuls, pour nous tous, pour demain et pour hier, pour ce qui aurait pu être et pour ce qui est, pour ce qui est et pour ce qui pourrait bien être, de peur de nous oublier et de nous servir de nos souvenirs, de nos échecs et de notre résilience, quand se tenir debout était tout ce qui comptait. » - Eddie 1 • 12 • 5 • 24 Peinture originale technique mixte sur toile par Eddie Colla 1 • 12 • 5 • 24 est une puissante œuvre originale sur toile, réalisée en technique mixte par l'artiste de rue Eddie Colla. Créée en 2017, cette œuvre signée mesure 45,7 x 61 cm et est exécutée à l'acrylique et à la bombe aérosol. Elle incarne l'énergie brute et la narration complexe qui caractérisent le Street Pop Art et le graffiti. L'œuvre présente un portrait saisissant d'un individu masqué, rendu dans des tons de noir et de sépia très contrastés, avec des textures et des effets d'usure qui évoquent les thèmes de la résilience, de la rébellion et de la survie. Eddie Colla est reconnu pour sa capacité à saisir la charge psychologique et émotionnelle des luttes contemporaines à travers son art. Ses personnages, souvent masqués ou vêtus d'équipements de protection, reflètent les thèmes de l'identité, de la résistance et des troubles sociaux. Les bords dentelés et la surface patinée de cette œuvre renforcent son esthétique industrielle et urbaine, lui conférant l'apparence d'un fragment d'une histoire plus vaste et méconnue. Ce tableau n'est pas qu'un simple portrait : c'est un récit encapsulé dans la texture, le symbole et la forme, invitant le spectateur à réfléchir aux implications profondes de la persévérance, de la résistance et de la mémoire. Eddie Colla et son influence sur le street art, le pop art et le graffiti Eddie Colla est un artiste de rue et peintre contemporain américain dont l'œuvre explore fréquemment les thèmes de la dégradation urbaine, de la désobéissance civile et de la persévérance existentielle. Son art est profondément influencé par la culture graffiti, l'esthétique punk et les récits dystopiques, et met souvent en scène des personnages masqués évoluant dans des environnements hostiles ou incertains. À travers son travail, Colla aborde les questions de liberté individuelle, de contrôle gouvernemental et des luttes des communautés marginalisées. 1 • 12 • 5 • 24 illustre parfaitement son langage visuel caractéristique : des personnages à l’identité floue, des textures superposées imitant des surfaces vieillies ou dégradées, et une numérotation ou une inscription cryptique suggérant des messages codés ou des histoires cachées. Son utilisation du pochoir et de la peinture en aérosol, combinée à des éléments peints à la main, fait le lien entre les beaux-arts et la culture urbaine, renforçant l’esprit éphémère et rebelle du graffiti. Cette œuvre est une représentation saisissante de son exploration continue des thèmes de la survie et de la mémoire, constituant à la fois une affirmation esthétique et une réflexion culturelle. Le symbolisme et la puissance esthétique de 1 • 12 • 5 • 24 La figure masquée de ce tableau se dresse comme un puissant emblème de protection et de contestation. Son regard, partiellement voilé mais intensément expressif, invite le spectateur à la contemplation : à quoi le sujet est-il confronté ? Quelles épreuves a-t-il endurées ? Le fond texturé et rugueux, ainsi que la palette de couleurs sourdes, amplifient le sentiment d’histoire qui imprègne l’œuvre, comme si le tableau lui-même avait été témoin de conflits invisibles et d’histoires tues. La présence de la numérotation énigmatique, 1 • 12 • 5 • 24, invite à l’interprétation, suggérant des thèmes tels que des messages codés, des dates importantes, ou une référence abstraite au temps et à la mémoire. Les surfaces texturées et vieillies de Colla reflètent la fugacité des paysages urbains et des expériences humaines. Les œillets dans la toile accentuent l'esthétique industrielle, renforçant l'idée qu'il ne s'agit pas simplement d'une œuvre d'art, mais d'une relique – un artefact d'un moment de résistance ou d'un futur imaginaire où la survie est un acte de défi. La capacité de l'œuvre à susciter l'émotion tout en préservant une part de mystère en fait un ajout fascinant au discours sur le street art et le graffiti. Collectionnabilité et impact culturel de l'œuvre d'Eddie Colla L'œuvre d'Eddie Colla a acquis une reconnaissance considérable dans le milieu de l'art urbain contemporain, ses pièces étant exposées dans des galeries et des installations publiques du monde entier. Son talent pour transposer la culture de la rue en art contemporain a rendu ses créations très recherchées par les amateurs de graffiti moderne et d'art dystopique. Cette œuvre originale, réalisée en techniques mixtes, possède une valeur unique car elle capture l'essence même de son style et de ses thèmes de prédilection. L'œuvre « 1 • 12 • 5 • 24 » témoigne de la résilience de l'expression humaine face à l'adversité. Elle trouve un écho auprès d'un public sensible à l'art à la fois visuellement saisissant et conceptuellement profond. L'alliance de détails peints à la main, de pochoirs et d'éléments industriels en fait une œuvre singulière dans le travail de Colla, soulignant l'importance de l'art comme moyen de résistance, de mémoire et de critique sociale.

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Icky Mouse, œuvre originale unique en son genre, peinture aux crayons de couleur sur papier recyclé, par Brandon Sopinsky, artiste de rue populaire. Dessin original aux crayons de couleur d'Icky Mouse par Brandon Sopinsky (2013)

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Achetez What Party Figure - Orange Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de collection par le légendaire artiste moderne Kaws. 2020 Épuisé COVID Open Edition Taille 5.1x11.3x3.7 Pied imprimé neuf dans la boîte Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ?

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Sérigraphie Pandemonium par TOMO77 x Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art crème moucheté, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. 2021 Signée par TOMO77 et Shepard Fairey & Édition limitée numérotée à 300 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie « TOMO77 a documenté une période marquée par l'isolement et la confusion, depuis les premiers jours angoissants de la pandémie jusqu'à plus d'un an de troubles politiques et sociaux. Au milieu de ce témoignage poignant d'incertitude, de tumulte et de division, TOMO77 nous laisse avec une question : Où voulons-nous aller à partir de maintenant ? » - Shepard Fairey - OBEY. L'œuvre collaborative de TOMO77 et Shepard Fairey, la sérigraphie « Pandemonium », représente avec force la période tumultueuse qui a marqué le début des années 2020. Cette pièce en édition limitée, tirée à la main en quatre couleurs sur papier d'art crème moucheté, est un véritable artefact culturel, incarnant l'essence même du pop art urbain et du graffiti. Signée par TOMO77 et Shepard Fairey, elle fait partie d'un tirage limité à 300 exemplaires numérotés, témoignant de sa valeur et de sa rareté. Ses dimensions (45,7 x 61 cm) offrent un support idéal aux motifs complexes et aux contrastes saisissants, caractéristiques du travail des deux artistes. La contribution de TOMO77 est particulièrement marquante, son œuvre explorant souvent les thèmes du comportement humain, des bouleversements sociaux et de l'influence du capitalisme, notamment à travers le prisme de l'immigration. L'estampe « Pandemonium » reflète ces thèmes, abordant le désarroi mondial et l'introspection lors de troubles sociaux et politiques majeurs. La collaboration de Shepard Fairey avec TOMO77 sur ce projet renforce la portée narrative de l'œuvre, l'héritage de Fairey dans le street art et l'art engagé enrichissant le cadre conceptuel de l'estampe. Grâce à leur travail commun, « Pandemonium » devient plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est une interrogation visuelle posée au public, l'invitant à réfléchir à la direction que prend l'humanité en temps de crise. L'estampe témoigne de la maîtrise technique de l'artiste et de son engagement à utiliser l'art comme outil de réflexion et de transformation.

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Stop The Virus, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie artisanale en noir et rouge (28 x 19 pouces). Imprimée sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 100 exemplaires. L'univers de Cleon Peterson est empreint d'une cruauté impitoyable, d'une débauche chaotique et d'une lutte sans fin contre le pouvoir et l'oppression. Ses compositions, d'une apparente simplicité, recèlent des connotations complexes et une critique troublante de la marginalisation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. À la vue de son œuvre, on comprend aisément que l'artiste ne prône pas la violence ; il l'utilise plutôt comme une arme dans sa lutte contre l'apathie.

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Viva Yalitza ! Édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 450 exemplaires . Œuvre d'art 18x24. Yalitza Aparicio, actrice de téléfilm. Sérigraphie 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée par Ernesto Yerena Montejano. Les bénéfices ont été reversés à l'association CIELO afin de soutenir les populations autochtones sans papiers touchées par la crise de la Covid-19 dans la région de Los Angeles.

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KAWS Companion 2020 - Figurine de collection en vinyle gris, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de street art Kaws. Édition 2020 épuisée de Kaws, objet de collection rare, dimensions : 17,13 x 8,86 x 3,15 pouces, neuf dans sa boîte. KAWS Companion 2020-Gris : Un emblème du collectivisme moderne La figurine KAWS Companion 2020-Grey, en édition limitée, est une incarnation poignante de la rencontre entre l'art moderne et la culture urbaine. Sortie en 2020 en édition ouverte mais désormais épuisée, cette pièce de KAWS – artiste reconnu pour son intégration du graffiti dans le monde de l'art – commémore le 20e anniversaire de la série Companion. Mesurant 43,5 x 22,5 x 8 cm, la figurine, allongée face contre terre, capture un sentiment universel de rétrospection et d'introspection, particulièrement pertinent en cette fin d'année tumultueuse. La palette de gris sobres offre un visuel épuré et élégant, renforçant la puissance narrative de la figurine. Le design plat de cette figurine en vinyle, un choix délibéré de KAWS, en fait une véritable œuvre d'art à collectionner et à exposer. Elle fait le lien entre le côté ludique d'un jouet et la gravité d'une sculpture, brouillant davantage les frontières entre le pop art urbain et les beaux-arts. Le KAWS Companion 2020-Grey, neuf dans sa boîte, est rapidement devenu un objet de collection rare, convoité par les amateurs d'art et les collectionneurs pour son attrait esthétique et sa représentation de l'esprit du mouvement artistique. L'esthétique contemplative dans la série Companion de KAWS Le KAWS Companion 2020-Grey enrichit le récit du Street Pop Art et du graffiti, capturant l'esprit introspectif d'une époque tout en préservant l'esthétique iconique de l'artiste. La forme allongée de la figurine instaure un dialogue silencieux entre l'œuvre et son spectateur, une caractéristique profondément ancrée dans le travail de KAWS. Ce Companion perpétue la tradition d'inviter à la contemplation grâce à un langage visuel à la fois accessible et complexe, témoignant de la maîtrise artistique de KAWS. Au-delà de son statut d'objet de collection, le KAWS Companion 2020-Grey est un artefact culturel, incarnant les expériences collectives de l'année à travers le prisme du street art. Son succès international est un hommage à l'influence de l'art de KAWS, confirmant le rôle central de l'artiste dans l'évolution du street art vers une forme d'art reconnue et respectée. KAWS Companion 2020-Gris : Célébration de deux décennies d’influence La sortie du KAWS Companion 2020-Grey marque vingt ans d'influence de la série Companion sur le street art et la culture pop. Cette pièce de collection n'est pas seulement le reflet du parcours artistique de KAWS ; elle témoigne de l'évolution du street art et de son impact profond sur la culture contemporaine. Le design du Companion, avec ses caractéristiques distinctives et la palette de gris emblématique de l'artiste, offre un commentaire visuel sur le passage du temps et la pertinence constante du street art dans le débat public. En tant qu'objet, le KAWS Companion 2020-Grey invite à l'admiration et à la contemplation, encourageant un dialogue sur les intersections entre art, commerce et société. Son statut d'édition épuisée renforce son attrait, en faisant une pièce importante pour celles et ceux qui cherchent à comprendre le pouvoir transformateur du street art et du graffiti. À travers cette figurine, KAWS célèbre l'héritage durable de la série Companion et son impact retentissant sur le monde de l'art.

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Impression giclée en édition limitée de l'œuvre « Sick Icky Mouse » sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Brandon Sopinsky. « Sick Icky Mouse » de Brandon Sopinsky : une macabre interprétation de Mickey Mouse de Disney. Le crâne de cette créature est mis à nu et sa fourrure prend une teinte verdâtre maladive. Tirage d'art Giclée en édition limitée, signé par le célèbre artiste Brandon Sopinsky.

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Arrêtez de demander la permission - Sérigraphie en édition limitée or avec transfert d'impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Art de skateboard par l'artiste de la culture pop urbaine Eddie Colla. Depuis 2005, ses collages et pochoirs ornent les espaces publics de la baie de San Francisco, de Los Angeles et de Miami. Le travail d'Eddie a commencé à se faire connaître au niveau national lorsque ses œuvres de street art ont intégré des images de Barack Obama durant la campagne présidentielle de 2008. Sa popularité grandissante lui a valu une reconnaissance sur les blogs, des mentions dans six ouvrages et une participation aux expositions de la « Manifest Hope Art Gallery » lors de la Convention nationale démocrate de 2008 et de l'investiture présidentielle à Washington D.C. Ses créations ont été déclinées sur de nombreux supports : autocollants, couvertures d'albums et de magazines.

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Achetez What Party Figure - Orange Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de collection par le légendaire artiste moderne Kaws. 2020 Épuisé COVID Open Edition Taille 5.1x11.3x3.7 Pied imprimé neuf dans la boîte Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ?

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Destroy America - Édition limitée noire, sérigraphie artisanale bicolore sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie artisanale 45,7 x 61 cm. Imprimée sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires. L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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OG Kickstarter 2020 CanBot - Jouet d'art en vinyle édition limitée phosphorescent de 5 oz, œuvre d'art de collection par le graffeur de rue Czee13. Canbot Canz OG, édition limitée 2020, neuve en boîte, issue du Kickstarter. Disponible uniquement en participant au financement participatif du Canbot Canz 2020. Coloris rare et limité phosphorescent : jaune/vert et citron vert. Le CanBot OG Kickstarter 2020 par Czee13 Le CanBot original du Kickstarter 2020 est un exemple éclatant de l'esprit novateur qui anime la communauté du street art et du graffiti. Cette figurine de collection en vinyle, en édition limitée et conçue par le célèbre graffeur Czee13, incarne la fusion entre art underground et design d'objets de collection. Sortie en édition spéciale pour les contributeurs du Kickstarter Canbot Canz entre 2019 et 2020, cette pièce rare brille d'une teinte jaune-vert citron vert, la transformant d'un simple objet de collection en une œuvre d'art nocturne baptisée Canz GID Glowa. La phosphorescence de cette figurine de 142 g (5 oz) rend hommage à la surprise et à l'émerveillement inhérents au street art : la capacité de modifier la perception selon le contexte. À la lumière du jour, le CanBot arbore une esthétique ludique et vibrante ; dans l'obscurité, il se métamorphose, à l'image des paysages urbains qui inspirent les graffeurs, révélant une nouvelle facette lumineuse. Cette capacité de transformation reflète la nature changeante du street art lui-même, en constante évolution et en réaction à son environnement. Ce CanBot n'est pas un simple jouet ; c'est une représentation de la culture et du savoir-faire du street art, traduite en une forme que l'on peut admirer aussi bien au creux de sa main qu'en exposition. Il incarne l'énergie et l'esprit de la rue, capturés dans la forme compacte d'une bombe aérosol, outil indispensable du graffeur. Le CanBot est un hommage à la bombe de peinture, réinventée en une figure anthropomorphe dotée d'une vie et d'une personnalité. Chaque CanBot OG Kickstarter 2020 est livré neuf dans sa boîte, préservant ainsi son état pour les collectionneurs et les passionnés. Acquérir cette pièce de collection était une expérience exclusive, réservée aux participants de la campagne de financement participatif, ajoutant une dimension d'exclusivité et de communauté à l'expérience de possession. En tant qu'édition limitée, le CanBot symbolise un moment particulier pour les contributeurs, un souvenir tangible de leur soutien aux arts et une célébration de la scène street art. Au sens large, le CanBot original de Kickstarter 2020, créé par Czee13, témoigne de la créativité et de l'esprit de collaboration de la communauté du street art. Il illustre le potentiel de l'art à transcender les espaces traditionnels et à s'intégrer au quotidien, nous rappelant la joie et l'émerveillement qu'il peut susciter. Objet de collection, il se situe au carrefour de l'art et du commerce, brouillant les frontières entre art savant et culture populaire et célébrant leur fusion dans l'univers contemporain des jouets d'art de collection.

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Lithographie offset en édition limitée sur feuille de papier perforée, œuvre surréaliste de l'artiste Naoto Hattori, intitulée « Multiform Blotter Art ». Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Dimensions de l'œuvre : 8,3 x 10,8 pouces. Feuille buvard perforée

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The Strain - Version 2 1 couleur Tirage à la main Édition limitée Sérigraphie sur papier beaux-arts par Phantom City Creative Rare Street Art Artiste célèbre d'œuvres pop. Illustrations de la série télévisée The Strain (FX) par Mondo.

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Figurine What Party - Sculpture en vinyle blanc en édition limitée, œuvre d'art de collection créée par le légendaire artiste moderne Kaws. Édition spéciale COVID 2020 (épuisée), format 5,1 x 11,3 x 3,7 pouces, neuve en boîte, imprimée au pied. White Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ? Figurine en vinyle blanc « What Party » de KAWS : Isolement, identité et sculpture dans l'art urbain pop et graffiti. « What Party White » est une sculpture en vinyle de KAWS, créée en 2020 et éditée en édition ouverte pendant le confinement mondial et la période de pause culturelle. Haute de 28,7 cm et mesurant 13 cm de large sur 9,4 cm de profondeur, la figurine est moulée en vinyle blanc brillant et représente la silhouette segmentée et boursouflée du personnage Chum, figure récurrente dans l'univers visuel de KAWS. Distribuée dans un coffret minimaliste orné d'un croquis de la sculpture, cette édition, sortie pendant la pandémie de COVID-19, est rapidement devenue un symbole de cette époque. La posture avachie du personnage, ses yeux clos et son langage corporel introspectif sont universellement compréhensibles, sans aucun texte. C'est un objet de réflexion, réalisé dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, à la croisée du produit de consommation, de la sculpture et du commentaire culturel. KAWS, Chum et le personnage comme substitut émotionnel La figure de Chum, apparue pour la première fois dans des œuvres antérieures de KAWS, est une réinterprétation du Bibendum Michelin, revisitée avec les yeux barrés d'une croix et les mains gantées caractéristiques de l'artiste. Dans « What Party », Chum prend une forme plus exagérée, évoquant un ballon. Les bras pendent, les épaules s'affaissent vers l'intérieur, et la présence de la figure se fait pesante malgré la finition brillante. C'est une sculpture qui parle par le silence. Dans l'édition blanche, tous les détails sont effacés, à l'exception des ombres et des formes. L'absence de couleur transforme Chum en une version fantomatique de lui-même, suscitant des interrogations sur la présence, l'identité et l'immobilité. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, ces figures expressives traduisent souvent l'humeur collective, et ici, Chum incarne un moment de calme planétaire où les fêtes, les interactions sociales et les rassemblements publics ont disparu. Simplicité des matériaux et impact sculptural Le vinyle utilisé pour « What Party White » possède un doux lustre, offrant un toucher à la fois familier et clinique. L'œuvre est dépourvue d'articulation, de visage hormis ses yeux fixes, et de tout détail hormis sa structure bombée. Pourtant, sa présence physique est saisissante. KAWS maîtrise la forme, l'équilibre et l'espace, conférant une profondeur émotionnelle même à l'objet le plus simple. L'édition est identifiée par un texte imprimé au pied, et la boîte elle-même fait partie intégrante de l'expérience, arborant un dessin monochrome de la figurine, à la fois schéma du produit et nécrologie visuelle. Cette présentation épurée élève cette figurine en vinyle au rang de sculpture, incitant le public à s'interroger sur la définition de l'émotion, de la mémoire et de la représentation sous forme d'objet de collection. Édition comme capsule temporelle dans l'art urbain pop et graffiti Sortie en 2020, l'édition « What Party White » est instantanément devenue un symbole d'absence et d'adaptation. Bien que techniquement présentée comme une édition ouverte, son tirage, limité par le contexte de l'année, l'a rendue épuisée et très recherchée. L'œuvre fonctionne comme une capsule temporelle, documentant non seulement une période de l'histoire mondiale, mais aussi une évolution dans la manière dont le public collectionne, interagit et perçoit l'art. KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, demeure l'un des artistes les plus influents du Street Pop Art et du graffiti, jetant un pont entre le minimalisme graphique inspiré de la rue et la sculpture. « What Party White » est une distillation de cet héritage, combinant vulnérabilité et design en une figure solitaire et isolée, s'interrogeant sur la disparition du bruit, du mouvement et du contact humain. La sculpture n'est pas une invitation à la fête, mais une question : que reste-t-il quand la musique s'arrête ?

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Achetez Z-Bonds - Zombie Apocalypse Propaganda Limited Edition 2-Color Hand-Pull Silkscreen Print on Fine Art Paper par Ron Guyatt Graffiti Street Artist Modern Pop Art. L'artiste Ron Guyatt a créé cette superbe affiche de propagande pour soutenir notre lutte contre l'apocalypse zombie imminente. Ces affiches sensibilisent la population à la nécessité d'une intervention militaire face à cette menace. Chaque affiche, signée et numérotée, mesure 45,7 x 61 cm et est disponible en édition limitée à 100 exemplaires.

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Covid No 19 - Sarcelle Limited Edition Archival Pigment Print sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Sarcelle Covid19 Chanel, désinfectant pour les mains inspiré du virus. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 cm x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Cacophonie, une impression pigmentaire d'archives multiple peinte à la main sur 3 niveaux de panneau acrylique découpé au laser, prête à être accrochée, par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre d'art en acrylique découpée au laser, format 18 x 18 pouces. « La Fille aux Poissons Rouges a été créée il y a près de dix ans. J'y reviens souvent, et c'est le personnage que j'ai créé depuis le plus longtemps. J'écris souvent des histoires pour ces personnages afin de m'aider dans la création de mes œuvres, mais elles ne sont généralement jamais partagées avec le public. La Fille aux Poissons Rouges est née en Chine continentale et a été élevée principalement par son père. Sa mère est décédée d'un cancer lorsqu'elle avait 18 mois. Enfant, elle était souvent très malade et on lui a finalement diagnostiqué une déficience du système immunitaire, bien qu'aucun diagnostic précis n'ait jamais été établi. C'est pourquoi elle porte toujours un masque et des gants. Son père élevait des poissons rouges pour gagner sa vie et lui a appris le métier dès son plus jeune âge. Ils travaillaient côte à côte et recevaient rarement des visites en raison de sa maladie. Être souvent très malade et avoir perdu sa mère ont rendu son enfance difficile. Comme la plupart des enfants, elle a cherché une explication à son malheur, une raison pour laquelle tout cela lui était arrivé, à elle et à son père. Finalement, elle a cru que sa maladie et le cancer de sa mère étaient une punition de la nature. Une malédiction pour avoir joué avec la nature en élevant des poissons rouges. » Finalement, son père décéda lui aussi. Contrainte de gagner sa vie et, par défi au destin, elle immigra clandestinement à Hong Kong. Il existe un célèbre marché aux poissons rouges à Mong Kok, rue Tung Choi, plus communément appelée « rue aux poissons rouges ». Son système immunitaire étant affaibli, le plus grand danger pour elle était les autres. En guise de défi au destin, elle s'installa dans l'une des villes les plus densément peuplées du monde. Elle obtint un étal rue Tung Choi. C'est là son défi : défier le destin et triompher, devenir maîtresse de son propre destin. Ces images sont des vignettes de sa vie à Hong Kong. Je n'ai jamais donné de nom à ce personnage. On la voit parfois avec un ghetto-blaster, car la musique devient une compagne essentielle de sa vie principalement solitaire. Dans l'œuvre « Cacophonie », je voulais qu'elle soit littéralement entourée par la ville. D'une certaine manière, je pense avoir essayé de créer un personnage qui incarne nombre de qualités auxquelles j'aspire. Pour me les rappeler. – Eddie Colla

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Forever | Never, œuvre d'art imprimée en édition limitée par giclée sur papier Hahnemühle Fine Art Rag, par l'artiste de graffiti pop culture Nimit Malavia. Nimit Malavia est un artiste visuel et illustrateur canadien reconnu pour ses œuvres complexes et imaginatives. Son style allie souvent la finesse du trait à une forte dimension narrative, puisant son inspiration dans diverses sources telles que la mythologie, les contes de fées et la culture contemporaine. L'œuvre de Malavia intègre généralement un mélange de techniques traditionnelles et numériques, notamment l'encre, l'aquarelle et Photoshop.

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Achetez What Party Figure - Orange Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de collection par le légendaire artiste moderne Kaws. 2020 Épuisé COVID Open Edition Taille 5.1x11.3x3.7 Pied imprimé neuf dans la boîte Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ?

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Charlie Mask Grin - Figurine de collection en vinyle édition limitée BTS, œuvre d'art de l'artiste de rue Ron English - POPaganda. Masque amovible en tissu, style Covid. Collection exclusive Charlie Brown x Made By Monsters

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Arrêtez de demander la permission - Sérigraphie blanche en édition limitée avec transfert d'impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Art de skateboard par l'artiste de la culture pop urbaine Eddie Colla. Depuis 2005, ses collages et pochoirs ornent les espaces publics de la baie de San Francisco, de Los Angeles et de Miami. Le travail d'Eddie a commencé à se faire connaître au niveau national lorsque ses œuvres de street art ont intégré des images de Barack Obama durant la campagne présidentielle de 2008. Sa popularité grandissante lui a valu une reconnaissance sur les blogs, des mentions dans six ouvrages et une participation aux expositions de la « Manifest Hope Art Gallery » lors de la Convention nationale démocrate de 2008 et de l'investiture présidentielle à Washington D.C. Ses créations ont été déclinées sur de nombreux supports : autocollants, couvertures d'albums et de magazines.

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The Strain - Version 1 1 couleur Tirage sérigraphique en édition limitée à la main sur papier d'art de qualité supérieure par Phantom City Creative Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Illustrations de la série télévisée The Strain (FX) par Mondo.

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Covid No 19 - Bleue, tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Gel hydroalcoolique Chanel Bleue Covid-19 (variante Virus). Tirage pigmentaire d'archives numéroté, signé et estampillé au verso sur papier d'art MOAB 290 g/m², format 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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AAVEI-2 Peinture en aérosol technique mixte originale, œuvre d'art sculpturale peinte à partir d'objets trouvés par l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Eddie Colla x D Young V. 2014. Signée par D Young V et Eddie Colla. Technique mixte originale : peinture acrylique en aérosol sur objets recyclés et bois. Dimensions : 55 x 42 cm. Grande peinture technique mixte sur bois avec un pistolet jouet récupéré et 3 bombes de peinture vintage. AAVEI-2 Collaboration avec D Young V et Eddie Colla 55 x 42 x 15 pouces Technique mixte sur bois, bombes aérosol, pistolet à peinture 2014

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Groundhog Day 731 Tirage d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Denial, légende du street art pop graffiti. Édition limitée signée 2022 à 25 exemplaires, format 18x24. 2 février 2020. Mensonges quotidiens liés au Covid avec Bill Murray dans le rôle d'un journaliste, d'après le film. Le Jour de la Marmotte 731 : Un chef-d’œuvre satirique du déni « Groundhog Day 731 » est une estampe d'art pigmentaire d'archives, provocatrice et visuellement saisissante, réalisée par Denial, l'artiste canadien de street art, pop art et graffiti Daniel Bombardier. Cette œuvre en édition limitée de 2022 s'inscrit dans l'exploration continue par Denial des thèmes de société, mêlant culture pop et critique. Imprimée sur papier Moab Entrada 290 g/m², l'œuvre mesure 45,7 x 61 cm et est limitée à 25 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. L'œuvre combine l'absurdité du rôle de Bill Murray en présentateur météo dans le film culte « Un jour sans fin » avec la nature surréaliste et répétitive de la vie moderne pendant la pandémie de COVID-19. Un événement mondial revisité par la culture pop « Un jour sans fin 731 » utilise le visage familier de Bill Murray comme un prisme satirique pour examiner la monotonie et la désinformation qui ont caractérisé le début de la pandémie. Le calendrier en arrière-plan, affichant en boucle le 2 février 2020, évoque une impression de répétition interminable, à l'image du film auquel il fait référence. L'expression absente de Murray et le titre modifié renforcent les thèmes de la confusion, de la désinformation et de la distorsion médiatique. En reliant cette imagerie aux cycles répétitifs de désinformation et aux récits changeants durant la crise de la COVID-19, « Denial » critique l'impact sociétal de la désinformation et la manière dont elle a façonné le vécu collectif de la pandémie. L'art du commentaire social dans le pop art urbain Denial est reconnu pour son talent à insuffler humour et critique à son œuvre, et « Groundhog Day 731 » ne fait pas exception. L'utilisation du personnage de Murray comme métaphore souligne le caractère surréaliste de la consommation médiatique moderne, où chaque jour semble être une redite du précédent. L'œuvre de Denial transcende le simple attrait visuel en intégrant des niveaux de signification qui abordent des expériences à la fois personnelles et collectives. Le fond rouge vif et les éléments graphiques audacieux s'inspirent du graffiti, tandis que la technique d'impression pigmentaire haute résolution apporte une touche de raffinement. Ces éléments créent une œuvre à la fois accessible et profondément stimulante, incarnant l'esprit du pop art urbain. L'impact du déni sur l'art contemporain « Groundhog Day 731 » illustre l’approche unique de Denial en matière de street art pop, où humour, nostalgie et critique s’entremêlent pour former un commentaire social percutant. Son œuvre, puisant ses racines dans l’esthétique du graffiti et de la culture pop, offre une tribune pour examiner les problématiques contemporaines avec un esprit incisif et une créativité visuelle remarquable. Cette estampe en édition limitée n’est pas seulement un témoignage d’un moment précis, mais aussi une réflexion plus large sur la nature cyclique de l’expérience humaine dans un monde saturé de médias. En combinant des visuels audacieux à un commentaire pertinent, Denial confirme son statut de figure majeure de l’art urbain contemporain.

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Figurine What Party - Sculpture de collection en vinyle jaune en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste moderne Kaws. Édition ouverte COVID 2020 épuisée. Format : 5,1 x 11,3 x 3,7 pouces. Neuf en boîte. Pied imprimé. Yellow Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ? La figurine jaune « What Party » s'impose comme un symbole poignant dans l'œuvre de Kaws, artiste moderne influent dont les créations brouillent sans cesse les frontières entre art commercial et beaux-arts. Cette sculpture en vinyle, en édition limitée, mesure 13 x 29 x 9,5 cm, une taille à la fois intime et imposante qui lui permet de trouver sa place dans toute collection. Sortie en 2020, année marquée à l'échelle mondiale par la pandémie de COVID-19, cette pièce de collection prend une résonance particulière, son titre, « What Party », faisant écho à l'isolement de cette année et à l'absence soudaine de rassemblements et de célébrations. Façonnée en jaune vif, la figurine est immédiatement reconnaissable comme une création de Kaws, avec ses yeux barrés caractéristiques et ses mains exagérées, éléments devenus emblématiques du langage visuel unique de l'artiste. Ce jouet n'est pas qu'un simple objet ludique ; c'est une œuvre d'art à part entière, percutante et porteuse de réflexions sur la condition humaine. Sa couleur éclatante peut être interprétée comme une lueur d'espoir ou un cri d'alarme, incitant à la réflexion sur les bouleversements de notre société, notamment durant cette période d'arrêt brutal du monde. Chaque sculpture est neuve et livrée dans sa boîte d'origine, garantissant qu'elle n'a jamais été exposée ni manipulée. Le pied imprimé de la figurine atteste de son authenticité, un critère essentiel pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Kaws. Bien que cette pièce ait été initialement proposée en édition ouverte, sa disponibilité a considérablement augmenté face à une demande supérieure à l'offre, et elle est rapidement devenue introuvable, faisant d'elle une pièce de collection très recherchée. La figurine « What Party » témoigne non seulement de l'influence durable de Kaws à la croisée du pop art, du street art et du graffiti, mais constitue également un commentaire culturel encapsulé dans du vinyle. Elle capture l'essence d'un moment historique unique, symbolisant l'aspiration collective à la connexion en période de bouleversements mondiaux et le pouvoir intemporel de l'art à refléter et à résonner avec l'esprit du temps.

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Alice au pays des merveilles - Tirages d'art en édition limitée à l'acide, réalisés avec des pigments d'archives sur papier d'archivage de musée en chiffon de coton 330 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop ABCNT. ABCNT x Silent Stage Gallery Alice au pays des merveilles Estampe d'art « Acid » Édition limitée à 100 exemplaires Dimensions : 45,7 cm x 61 cm (environ) Papier d'archivage 330 g/m² en coton brut Bordure à la main…

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KAWS Companion 2020 - Figurine de collection en vinyle marron, édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti Kaws. Édition 2020 épuisée de Kaws, objet de collection rare, dimensions : 17,13 x 8,86 x 3,15 pouces, neuf dans sa boîte. L'art de la réflexion dans KAWS Companion 2020 - Brun Marquant une étape importante dans l'art contemporain, le KAWS Companion 2020-Brown est une pièce de collection en vinyle célébrant le 20e anniversaire de l'emblématique KAWS Companion. Lancée le 17 décembre 2020, cette œuvre trouve un écho auprès d'un public international, reflétant l'expérience collective de cette année. La position allongée de la figurine, face contre terre, capture un moment de calme et de réflexion, une caractéristique qui en fait une pièce symbolique à exposer. Mesurant 43,5 x 22,5 x 8 cm, cette édition épuisée apporte une touche à la fois sombre et élégante à la série grâce à ses tons bruns terreux, contrastant avec la palette généralement vibrante de KAWS. Le KAWS Companion 2020-Brown incarne l'évolution du mouvement du street art, offrant une forme qui est à la fois un commentaire sur les événements de l'année et une célébration de deux décennies de contributions de KAWS au monde de l'art. Son design plat est un choix stylistique distinctif qui renforce sa valeur d'exposition, ce qui en fait une pièce prisée des collectionneurs et des amateurs d'art du graffiti urbain. KAWS Companion 2020-Brown : Un symbole de notre époque La figurine KAWS Companion 2020-Brown symbolise son époque, incarnant le sentiment de pause et de contemplation qui a marqué la fin de l'année 2020. Cette œuvre d'art de collection, neuve dans sa boîte, dépasse sa simple fonction d'objet. Elle acquiert une dimension narrative qui s'adresse à ses spectateurs avec une intimité rare pour une édition limitée. La silhouette mélancolique de la Companion rappelle avec émotion les défis de l'année, tandis que son existence en tant qu'œuvre d'art symbolise également l'espoir et la persistance de la créativité. La sortie de cette figurine témoigne de la compréhension qu'a KAWS de son public et du contexte culturel actuel, s'inscrivant pleinement dans l'essence du street art et du graffiti. Par sa posture et sa couleur, la Companion 2020-Brown communique un sentiment universel qui résonne dans différents contextes, apaisant le fossé entre l'art et le vécu. Companion 2020-Brown : La continuation de l'héritage de KAWS La figurine KAWS Companion 2020-Brown s'inscrit dans la lignée de l'artiste et constitue une contribution majeure au pop art urbain. Sa rareté, due à son épuisement, n'a fait qu'accroître sa valeur en tant que pièce d'histoire de l'art. KAWS, figure emblématique de l'intégration du street art dans le monde des objets de collection, témoigne de la maturité de son travail à travers cette figurine, offrant une pièce aussi contemplative que captivante. Le design plat de la Companion 2020-Brown lui confère une élégance singulière, invitant le spectateur à une interaction personnelle avec l'œuvre. Elle illustre le potentiel des figurines en vinyle à transcender leur simple perception d'objets ludiques pour devenir des expressions artistiques profondes. Alors que le pop art urbain continue de gagner en reconnaissance, la Companion 2020-Brown de KAWS témoigne de la richesse, de la diversité et de la capacité du genre à refléter les enjeux contemporains.

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« The Never Sleep - Zombie Apocalypse Propaganda », édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Ron Guyatt, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'artiste Ron Guyatt a créé cette superbe affiche de propagande pour soutenir notre lutte contre l'apocalypse zombie imminente. Ces affiches sensibilisent la population à la nécessité d'une intervention militaire face à cette menace. Chaque affiche, signée et numérotée, mesure 45,7 x 61 cm et est disponible en édition limitée à 100 exemplaires.

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Étiquette d'expédition haute visibilité avec marquage original, peinture/dessin au marqueur, par la légende du graffiti Saber, artiste de rue urbain. 2020 Marqueur Signé Collection Quarantine Slap Up Graffiti Art Tag 6.5x3 Tagué sur Virus Covid Quarantine Étiquette d'avertissement orange fluo haute visibilité.

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Tirage d'art d'archives « The Californian PP Printers Proof » de Jeff Soto, édition limitée sur papier d'art naturel de musée, œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'impression PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x36 Pigments d'archivage « The Californian » de Jeff Soto, épreuve d'imprimerie : une convergence entre art urbain et beaux-arts Jeff Soto, figure emblématique du pop art et du graffiti, présente « The Californian », une épreuve d'artiste (PP) qui incarne la rencontre entre l'esprit du street art et le raffinement de la gravure d'art. Tirée en édition limitée sur papier d'art naturel de qualité musée en 2019, chaque exemplaire de cette collection est signé et marqué « épreuve d'artiste » par Soto lui-même, attestant de son authenticité et de son caractère exclusif au sein du monde de l'art. De format 61 x 91 cm, cette estampe pigmentaire d'art représente l'exploration par Soto d'éléments thématiques et stylistiques profondément ancrés dans l'essence de la Californie, interprétés à travers un regard artistique contemporain. L'œuvre de Jeff Soto explore souvent le surréalisme et le fantastique, et « The Californian » ne fait pas exception. Cette œuvre est un récit visuel, riche en symbolisme et imprégné des éléments fantastiques caractéristiques du style de Soto. L'utilisation de couleurs éclatantes, de motifs complexes et de figures robotiques mêlées à des éléments naturels témoigne de la relation complexe entre la technologie et le monde naturel. L'œuvre de Soto contemple le paysage en constante évolution de la Californie, un lieu réputé pour ses avancées technologiques et sa beauté naturelle à couper le souffle. Technique et symbolisme dans « Le Californien » La création d'une épreuve d'artiste, telle que « The Californian », exige un savoir-faire et une attention au détail exceptionnels, faisant le lien entre l'énergie brute et expressive du street art et la précision de la gravure d'art. La mention « EP » est traditionnellement utilisée pour attester de la qualité de l'édition imprimée. Dans le cas des éditions limitées, elles sont souvent très recherchées par les collectionneurs pour leur fidélité à la vision originale de l'artiste. Le choix de Soto de créer une édition EP témoigne d'un attachement au processus traditionnel de la gravure et reconnaît l'estampe comme une œuvre d'art à part entière. Dans « The Californian », l'utilisation par Soto de pigments d'archivage sur papier beaux-arts garantit la préservation des riches textures et des profondeurs de couleur, offrant ainsi une estampe qui résiste à l'épreuve du temps, tant sur le plan physique que conceptuel. L'œuvre dialogue entre l'immédiateté et l'éphémère du graffiti et la pérennité des estampes d'art, permettant ainsi de l'apprécier dans des contextes variés, des murs urbains aux galeries d'art. Impact culturel du roman « The Californian » de Jeff Soto L'épreuve d'imprimerie « The Californian » témoigne de l'influence durable de Jeff Soto sur le street art et le graffiti. En transposant son œuvre des fresques murales monumentales au médium plus intimiste des estampes d'art, Soto permet à un public plus large de découvrir sa vision artistique. La portée culturelle de cette œuvre réside dans sa capacité à transmettre un récit à la fois personnel et universel, reflétant les racines californiennes de l'artiste tout en abordant les enjeux mondiaux liés à l'interaction entre l'innovation humaine et la nature. De plus, l'œuvre souligne le pouvoir transformateur du street art, d'une expression urbaine souvent éphémère à un témoignage pérenne de la culture contemporaine. L'œuvre de Soto, notamment sous la forme d'estampes en édition limitée comme « The Californian », alimente le débat sur le rôle du street art dans le monde de l'art contemporain, remettant en question les perceptions et encourageant une réévaluation des frontières entre street art, pop art et beaux-arts. « The Californian » de Jeff Soto est une représentation vibrante de la fusion entre la spontanéité du street art et la pérennité des estampes d'art. En tant qu'épreuve d'imprimerie PP, il s'agit d'une pièce de collection qui immortalise un moment du parcours artistique de Soto. Elle offre un aperçu des complexités et des dualités qui définissent l'identité californienne moderne et, plus largement, l'expérience humaine.

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Figurine What Party - Sculpture de collection en vinyle orange en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste moderne Kaws. Édition ouverte COVID 2020 épuisée. Format : 5,1 x 11,3 x 3,7 pouces. Neuf dans sa boîte. Pied imprimé. Orange Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ? La figurine « What Party » orange s'impose comme un symbole poignant dans l'œuvre de Kaws, artiste moderne influent dont les créations n'ont cessé de brouiller les frontières entre art commercial et beaux-arts. Cette sculpture en vinyle, en édition limitée, mesure 13 x 28,7 x 9,4 cm, une taille à la fois intime et imposante qui lui permet de trouver sa place dans toute collection. Sortie en 2020, année marquée à l'échelle mondiale par la pandémie de COVID-19, cette pièce de collection prend une résonance particulière, son titre, « What Party », faisant écho à l'isolement de cette année et à l'absence soudaine de rassemblements et de célébrations. Confectionnée dans un orange vif, la figurine est immédiatement reconnaissable comme une création de Kaws, avec ses yeux barrés caractéristiques et ses mains exagérées, éléments devenus emblématiques du langage visuel unique de l'artiste. Ce jouet n'est pas qu'un simple objet ludique ; c'est une œuvre d'art à part entière, percutante et porteuse de réflexions sur la condition humaine. Sa couleur éclatante peut être interprétée comme une lueur d'espoir ou un cri d'alarme, incitant à la réflexion sur les bouleversements de notre société, notamment durant cette période d'arrêt brutal du monde. Chaque sculpture est neuve et livrée dans sa boîte d'origine, garantissant qu'elle n'a jamais été exposée ni manipulée. Le pied imprimé de la figurine atteste de son authenticité, un critère essentiel pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Kaws. Bien que cette pièce ait été initialement proposée en édition ouverte, sa disponibilité a rapidement explosé face à une demande supérieure à l'offre, la rendant introuvable et la transformant en un objet de collection très recherché. La figurine « What Party » témoigne non seulement de l'influence durable de Kaws à la croisée du pop art, du street art et du graffiti, mais constitue également un commentaire culturel encapsulé dans du vinyle. Elle capture l'essence d'un moment historique unique, symbolisant l'aspiration collective à la connexion en période de bouleversements mondiaux et le pouvoir intemporel de l'art à refléter et à résonner avec l'esprit du temps.

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Ortiz Masked - 7.75 Deck Deck Édition Limitée Sérigraphiée, illustration de planche de skateboard par l'artiste de la culture pop urbaine DGK. Bois traditionnel 7 plis, concave moyen

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Impression giclée en édition limitée « Infested Artwork » sur papier aquarelle pressé à froid 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Alex Kirzhner.

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Covid No 19 - Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée mauve sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 19 exemplaires. Gel hydroalcoolique Chanel, variante mauve Covid-19. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Étiquette autocollante « Substance infectieuse » - Illustration originale de Saber - Dessin original au marqueur permanent sur papier d'emballage brillant - Autocollant de risque biologique par un artiste de graffiti - Œuvre d'art de rue moderne. Tag original Slap Up de 2020, signé, réalisé au marqueur 4x4 sur une étiquette d'avertissement de substance infectieuse et de risque biologique Uline S-180. En parfait état. Repenser la perception à travers le pop art urbain Le street art et le graffiti, caractérisés par leur énergie immédiate et leur résonance culturelle, ont le don de capturer l'esprit de leur époque. La série « Infectious Substance Warning Bio-Hazard Label Uline S-180 Sticker » de l'artiste de graffiti Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, illustre parfaitement ce phénomène. Avec sa collection de 2020 de tags originaux et signés, Saber fusionne l'univers des avertissements relatifs aux matières dangereuses et l'esprit rebelle du street art. Chaque tag, au format 4x4, porte son interprétation unique, transformant la signification inquiétante du symbole de risque biologique en une œuvre qui témoigne de l'impact profond des maladies infectieuses dans nos sociétés. Intervention artistique de Saber sur les symboles de risque biologique Le choix par Saber de l'étiquette de risque biologique comme support artistique est particulièrement révélateur. Ce symbole, conçu pour alerter sur les agents pathogènes dangereux, est recontextualisé dans son œuvre pour interroger la nature contagieuse des idées, la virulence de l'art et le pouvoir de l'expression d'imprégner et d'influencer la psyché collective. L'étiquette de substance contagieuse, censée protéger par l'avertissement, est recouverte par les tags de Saber qui, loin d'obscurcir le message ou d'en diluer la portée, y ajoutent une dimension supplémentaire, une signature artistique qui invite le spectateur à questionner les frontières entre sécurité, censure, santé publique et débat public. L'art urbain moderne comme commentaire social Dans le street art contemporain, les créations de Saber témoignent avec force du rôle de l'artiste en tant qu'observateur social. Son travail sur les autocollants Uline S-180 est une métaphore visuelle de l'année 2020, marquée par des crises sanitaires mondiales et une prise de conscience accrue des risques biologiques. En taguant ces autocollants, Saber établit un lien entre les agents infectieux contre lesquels ils mettent en garde et la contagion métaphorique de la peur, de la désinformation et des troubles sociaux qui ont caractérisé cette année. La permanence du marqueur sur l'autocollant brillant reflète l'impact durable des événements de l'année sur la conscience collective, garantissant que si les risques sont contenus, le débat qu'ils suscitent, lui, ne l'est pas. Dans chaque trait, dans chaque choix de couleur, l'art de Saber sur les autocollants relatifs aux risques biologiques interpelle et reflète la nature inflexible du street art et du graffiti. Figure reconnue de la scène graffiti, Saber, fort de ses racines et de ses contributions américaines, continue d'alimenter le débat sur le pouvoir du street art à redéfinir notre perception des symboles qui dominent nos espaces publics. Chaque étiquette est une réappropriation délibérée, une déclaration selon laquelle même les symboles les plus exemplaires peuvent devenir un moyen d'expression artistique durable.

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Josh a la dysenterie. Œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile tendue, par le célèbre artiste de graffiti de rue J-Flood. Peinture originale de 2010, signée au verso, 24 x 10 pouces. Quelques fines craquelures superficielles

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Œuvre originale unique de 1987, réalisée à la peinture en aérosol et à partir d'objets récupérés sur bois recyclé par le célèbre artiste de graffiti de rue Eddie Colla. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2019 avec des éléments de récupération. Dimensions : 34 x 34 cm. « 1987 » 86 x 86 cm (34 x 34 pouces) Technique mixte sur bois 2019 Signé et titré au dos

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