Eau

Imagine Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Leslie Ditto. Artiste : Leslie Ditto Titre : Imagine Technique : Impression giclée Dimensions : 40,6 x 50,8 cm Édition : 100 exemplaires

Lis Plus Moins

Hollow Breath, œuvre originale unique en son genre, peinture au fusain et acrylique sur bois encadré, par Craww, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture acrylique originale signée de 2013, dimensions 23,5 x 31,5 cm, sur panneau de bois encadré, prête à être accrochée. Explorer les profondeurs du Souffle Creux de Craww « Hollow Breath », une œuvre originale et captivante du célèbre artiste de street art Craww, illustre avec force comment l'énergie brute du pop art et du graffiti peut être canalisée dans des médiums artistiques plus traditionnels. Cette pièce unique, créée en 2013, est une symphonie de fusain et d'acrylique sur un panneau de bois entoilé, témoignant de la maîtrise de l'artiste pour ces deux matériaux. L'œuvre de 59,7 x 80 cm offre un espace généreux à la vision sombre et onirique de Craww. Signée par l'artiste, « Hollow Breath » capture l'essence du style caractéristique de Craww, souvent marqué par des figures féminines éthérées enlacées à des éléments naturels. La peinture explore des thèmes récurrents dans son œuvre : la dualité de la beauté et de la mélancolie, et l'équilibre subtil entre la vie et la mort. Le fusain confère à la peinture une douceur, permettant des dégradés subtils et une certaine profondeur, tandis que l'acrylique apporte une vivacité qui perce le voile monochrome. Technique et symbolisme dans le souffle creux de Craww Dans « Souffle creux », l'utilisation du fusain et de la peinture acrylique par Craww n'est pas un simple choix de prédilection, mais une décision délibérée visant à exprimer des états émotionnels complexes. Le fusain, avec son aspect fumé et diffus, crée une impression d'impermanence et de fragilité, faisant écho à la nature éphémère de la vie. Parallèlement, l'acrylique, réputée pour son intensité et sa clarté, met en valeur les points focaux de la toile, tels que les lys et les roses, symboles de pureté et de passion. Le panneau de bois encadré constitue un support idéal pour cette œuvre, sa solidité contrastant fortement avec la délicatesse des images. Cette juxtaposition reflète les contrastes présents dans l'ensemble du travail de Craww, où force et vulnérabilité coexistent souvent. La texture du bois confère à l'œuvre une dimension organique, l'ancrant dans le monde naturel qui influence fréquemment l'art de Craww. La position unique de Craww dans l'art contemporain Craww occupe une place unique dans l'art contemporain, faisant le lien entre les univers souvent distincts du street art et des beaux-arts. « Hollow Breath » témoigne de sa capacité à naviguer entre ces deux mondes, insufflant l'immédiateté et l'authenticité du street art dans un format traditionnellement associé aux galeries et aux musées. L'originalité de cette œuvre et sa capacité à être accrochée immédiatement en font non seulement une œuvre d'art, mais une pièce maîtresse qui trouvera sa place dans la collection d'un amateur d'art. La beauté mélancolique de « Hollow Breath » trouve un écho chez ceux qui connaissent le travail de Craww dans l'espace public. Pourtant, elle s'impose également comme une œuvre d'art à part entière, invitant à l'interprétation et à l'admiration, que l'on soit familier ou non avec son street art. Cette polyvalence et cette large audience rendent l'œuvre de Craww particulièrement captivante sur la scène artistique contemporaine. « Hollow Breath » incarne le charme envoûtant de la vision artistique de Craww, fusionnant la fluidité du fusain avec l'intensité de l'acrylique sur une toile aussi résistante que le bois. Cette peinture originale est un exemple frappant de la façon dont le pop art urbain et le graffiti peuvent transcender leurs racines urbaines pour créer un art à la fois profond et accessible, capable d'émouvoir et de fasciner dans le calme d'un espace intérieur.

Lis Plus Moins

Le jour où le temps s'est arrêté, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art Moab Rag 290 g/m² par Jana Brike, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Le titre du tableau est un véritable paradoxe, bien sûr. Il est lié à ma perception de la réalité en état méditatif. Le thème lui-même s'inspire à la fois de la relation entre une jeune fille et sa tribu, et plus librement du mythe des trois Grâces. Il explore ma conception de la beauté. La beauté est un sentiment. Elle ne se limite pas à la simple apparence. Elle englobe le courage, la sagesse, la force et les imperfections qui font de chacun un être unique. La beauté est un sentiment, et il faut ressentir quelque chose pour la percevoir. La beauté est un cœur qui rayonne, et il faut ouvrir les yeux de son cœur pour la voir. Cette œuvre était sans aucun doute plus ambitieuse que toutes mes précédentes. Plus détaillée. De plus, avant celle-ci, je peignais rarement, voire jamais, plus d'une figure. Mes personnages étaient toujours solitaires, prisonniers de leur propre univers clos. À partir de cette œuvre, les relations entre les personnages de mon travail sont devenues de plus en plus importantes pour moi. » – Jana Brike

Lis Plus Moins

Œuvre d'art LA River, impression giclée en édition limitée sur papier d'art Pearl, par l'artiste de graffiti pop culture Saber. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Papier nacré 27x19,25 Los Angeles a toujours été un véritable vivier de créativité, de diversité et d'innovation. Parmi ses formes d'expression les plus influentes et audacieuses figure le street art, et notamment le graffiti, qui a marqué de son empreinte indélébile le paysage urbain tentaculaire de la ville. Témoignage de cette culture vibrante, l'œuvre d'art LA River Artwork est une pièce exceptionnelle créée par le célèbre artiste de graffiti Saber, figure emblématique de la pop culture. Originaire de Los Angeles, Saber est une figure incontournable du graffiti, repoussant sans cesse les limites et établissant de nouvelles normes pour le genre. Ses créations dynamiques et complexes capturent l'énergie, la complexité et l'authenticité de l'environnement urbain. L'œuvre LA River Artwork est un exemple éclatant de son talent et de son esthétique unique. Cette édition limitée témoigne du dévouement et de la précision que Saber met dans son art, capturant la nature transformatrice du graffiti qui insuffle vie et narration aux structures urbaines les plus banales. Réalisée en 2019, cette impression giclée offre une qualité et un niveau de détail impeccables. Limitée à seulement 100 exemplaires, chaque estampe a été méticuleusement signée et numérotée par Saber, soulignant son exclusivité et sa valeur en tant qu'objet de collection. Le choix d'un papier nacré de 68,6 x 48,9 cm (27 x 19,25 pouces) rehausse l'éclat de l'œuvre, lui conférant un fini chatoyant qui ajoute profondeur et dimension. Ce support, souvent privilégié pour les reproductions d'art, garantit longévité, netteté et une expérience visuelle immersive. L'art du graffiti, souvent perçu à ses débuts comme du simple vandalisme, est aujourd'hui reconnu comme une véritable forme d'expression artistique, avec Saber à son avant-garde. L'œuvre « LA River » témoigne de la transformation du genre et de sa relation en constante évolution avec la culture populaire. Plus qu'une simple œuvre d'art, c'est un récit, un fragment de l'âme de Los Angeles, immortalisé en couleurs et en formes par l'un de ses artistes les plus emblématiques.

Lis Plus Moins

Anatomie du requin, œuvre d'art, impression giclée en édition limitée sur papier aquarelle italien pressé à chaud, par Max Dalton, artiste de graffiti de la culture pop. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans. La deuxième édition estivale du festival novateur Sea Walls : Murals for Oceans, organisé par PangeaSeed, se tiendra du 17 au 26 juillet 2015 à Cozumel, au Mexique. Sea Walls : Murals for Oceans est le premier mouvement du genre à œuvrer pour la protection des océans grâce à l'art public et à l'activisme (ARTivisme). Pour cette deuxième édition, PangeaSeed présentera plus de 25 artistes contemporains de renommée internationale qui collaboreront afin de mettre en lumière les enjeux environnementaux urgents des océans, tout en sensibilisant et en inspirant les individus et les communautés à la protection de l'écosystème le plus précieux de la planète : l'océan.

Lis Plus Moins

Longear Tiger P-40 Mixed Media Dessin sur papier Fine Art par Derek Hess graffiti street artiste moderne art original à vendre. 2014 Signé Encadré Original Mixed Media Peinture Dessin Oeuvre Taille 17x16 Cette pièce comprend un flotteur à cadre en métal noir de 1/2 pouce monté avec un verre mat de 2 pouces, un support en mousse et du matériel prêt à accrocher. "Mon premier lot a été réalisé en 2010/2011 et présenté lors du plus grand festival de mariganes du monde à Water Valley Mississippi, c'était génial. Tous ont été fabriqués à l'aide d'un stylo, d'encre et d'acrylique. Mon père était pilote de B-26 et mon père a aidé à susciter l'intérêt pour le sujet. Deux des pièces présentent une basse rock transformée avec un B-26. Celles-ci sont complètement différentes de ce que je fais normalement, quoi que "normal" signifie. Quoi qu'il en soit, c'était juste très amusant à faire Alors que certaines des pièces intenses que je fais, je sens que je dois les faire, comme pour les purger de mon système, qui fonctionne la moitié du temps (j'ai tendance à emporter ce truc avec moi). une grande distraction." -Derek Hess

Lis Plus Moins

Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Hsiao Ron Cheng. Hsiao Ron Cheng, un artiste exceptionnel originaire de Taipei, à Taïwan, et membre du collectif d'artistes Prisma.

Lis Plus Moins

Impression giclée en édition limitée de l'œuvre « Brine Artwork » sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 16 pouces.

Lis Plus Moins

Reconnaissance Spirituelle - Tirages Pigmentaires d'Archives en Édition Limitée sur Papier Blanc Naturel 290 g/m² par Ben Kehoe, Artiste de Rue Graffiti, Art Pop Moderne. « Spiritual Reconnaissance » est une édition limitée à 100 exemplaires de l'estampe de Ben Kehoe. L'image mesure environ 28 cm de haut sur 58 cm de large. L'œuvre est imprimée sur un papier blanc naturel épais de 290 g/m².

Lis Plus Moins

D*Dogs Fallin' in Gorilla Deck Édition Limitée Sérigraphiée Skateboard Art par l'artiste de la culture pop urbaine D*Face x XLarge. Édition limitée numérotée à 30 exemplaires (2019), variante pailletée. Un singe lâche des bombes canines. Édition rare avec paillettes appliquées à la main sur le logo inférieur et contreplaqué intérieur en bois coloré. Noyau rouge ou jaune.

Lis Plus Moins

Riez au visage de... Œuvre d'art en édition limitée Giclée sur papier aquarelle italien pressé à froid, par Nosego, artiste de graffiti de la culture pop. « Riez au visage de… » par Nosego. Impression d’art Giclée sur papier aquarelle italien pressé à froid. Bords frangés à la main. Embelli à la main. 61 x 46 cm. Édition limitée à 50 exemplaires (signés et numérotés).

Lis Plus Moins

Autocollant « Dangerous When Wet » Slap-Up Label, illustration originale de Saber, dessin original au marqueur permanent sur autocollant brillant à effet flamme par un artiste de graffiti, œuvre d'art urbain moderne. Tag original Slap Up Graffiti Art signé en 2020, format 4x4, réalisé au marqueur sur l'étiquette Dangerous When Wet (autocollant Uline S-176). En parfait état. Remettre en question les conventions avec le pop art urbain La série « Dangerous When Wet Label Uline S-176 Sticker », créée par le célèbre graffeur Saber (de son vrai nom Ryan Weston Shook), représente un point de rencontre fascinant entre innovation dans le street art et messages de prévention. La collection 2020 de Saber, composée d'œuvres de 10 x 10 cm réalisées au marqueur, incarne l'essence même du street art pop et du graffiti. Elle détourne les étiquettes d'avertissement, initialement destinées à signaler un danger potentiel, en les transformant en supports qui interrogent et suscitent la réflexion sur les risques inhérents à notre quotidien et sur la nature des menaces perçues. Fluidité et permanence dans l'art de Saber Les étiquettes d'avertissement choisies par Saber sont traditionnellement conçues pour alerter sur les dangers physiques immédiats des substances réagissant avec l'eau. Cependant, en y intégrant sa signature, Saber invite à un dialogue sur la fluidité de l'art et sa capacité à marquer durablement les paysages, tant physiques que culturels. Par le biais du tag, ces autocollants, qui servaient autrefois un seul but utile, deviennent une réflexion sur la juxtaposition du danger et de la beauté, de l'impermanence et de la pérennité. Ceci touche au cœur même de l'éthique du graffiti : créer un art capable de résister aux intempéries, à l'image des substances contre lesquelles les étiquettes originales mettent en garde. Sabre et affirmation de la présence artistique Chaque tag original signé, véritable œuvre de graffiti, est une affirmation de présence, une déclaration d'identité artistique dans un espace traditionnellement réservé aux avertissements et aux interdictions. Le choix du sticker « Dangereux lorsqu'il est mouillé » résonne particulièrement fort cette année, marquée par des défis mondiaux, où la métaphore du danger lorsqu'il est mouillé peut s'étendre aux idées, mouvements et expressions qui gagnent en ampleur et en puissance au contact des mutations sociales et politiques. En explorant ce thème, Saber utilise le langage du street art et du graffiti pour appréhender la complexité de la communication dans l'espace public. Son œuvre mérite d'être reconnue pour son esthétique et sa capacité à interagir avec les messages inscrits dans notre environnement et à les transformer. Figure respectée du street art, Saber repousse sans cesse les limites de l'interaction artistique avec la société et de son impact sur celle-ci. Chacune de ses créations est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un défi, une interrogation, une affirmation, le tout symbolisant le pouvoir et le potentiel du street art à recontextualiser et redéfinir les symboles qui nous entourent.

Lis Plus Moins

Châle en dentelle - Variante métallisée - Sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Justin Anville - Artiste de street art rare et célèbre du pop art. Épreuve d'artiste (AP) 30″ x 24″, sérigraphie 5 couleurs sur papier blanc cougar 100 lb, signée sur une édition de 5 exemplaires. Variante avec feuille d'aluminium.

Lis Plus Moins

Sirènes - Édition limitée blanche, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signée en 2021. 66 x 81 cm. Sérigraphie artisanale sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires. « L’une de mes principales sources d’inspiration est la colère. Si je ressens de la colère face à quelque chose, c’est que je suis passionné par ce sujet. Cela me donne envie d’en faire de l’art », explique-t-il. Pourtant, son art n’aborde pas la violence de manière superficielle et ne l’utilise pas comme un outil de provocation à proprement parler. – Cleon Peterson

Lis Plus Moins

La mer monte aussi : La Bête, sérigraphie en édition limitée 7 couleurs tirée à la main sur papier Cougar Cover 100 lb par Tim Doyle, artiste de street art rare et célèbre du pop art. La mer monte aussi : La Bête par Tim Doyle Édition limitée à 100 exemplaires (signés et numérotés) Sérigraphie 7 couleurs sur papier Cougar 100 lb Couverture surdimensionnée à 24" x 36" Imprimé avec ♥ par Nakatomi Inc. « L’idée de la montée des eaux et de l’arrivée des animaux marins (mythiques ou non) dans des zones où on ne les voit pas d’habitude me fascine. » – Tim Doyle

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Mur de briques en cascade Tats Cru Peinture originale à la bombe de peinture par BG183 Œuvre d'art unique sur toile tendue sur châssis par un artiste pop art de rue. Peinture à la bombe aérosol, œuvre originale prête à accrocher, format 12x12 (2017) Mur de briques « Cascade » par BG183 de Tats Cru – Œuvre originale à la bombe aérosol, style street art pop et graffiti. « Water Fall Brick Wall » est une œuvre originale réalisée en 2017 à la bombe aérosol sur une toile de 30 x 30 cm (12 x 12 pouces) montée sur châssis. Cette pièce unique est une incarnation visuelle de l'héritage graffiti new-yorkais, mêlant une maîtrise illustrative exceptionnelle à la texture et à l'iconographie de la décrépitude urbaine. Le titre fait référence à la fois à une cascade d'eau et au flux rythmique de la peinture sur une surface patinée, évoquant l'histoire complexe des murs de graffitis où des années de tags, de traces effacées et de nouveaux graffitis convergent en un sédiment visuel. BG183 canalise cette histoire grâce à une technique à l'aérosol méticuleusement maîtrisée, utilisant des dégradés subtils, des formes audacieuses et des superpositions texturées pour imiter la profondeur et la permanence d'un mur de briques rongé par le temps, la peinture et l'énergie du graffiti. BG183 et la tradition Tats Cru En tant que membre fondateur de Tats Cru, BG183 a joué un rôle déterminant dans la redéfinition du graffiti, tant dans la rue que dans les galeries. Reconnu pour sa maîtrise technique, des graffitis wildstyle aux personnages hyper-détaillés, son œuvre conserve l'énergie de la rue, même transposée sur toile. « Water Fall Brick Wall » illustre cette capacité à intégrer l'esthétique brute du graffiti au langage des beaux-arts sans en altérer la puissance. La composition, à la fois audacieuse et équilibrée, est structurée par des couches à la fois spontanées et maîtrisées, une marque caractéristique d'un artiste fort de plusieurs décennies d'expérience sur les murs, les trains et les fresques murales communautaires. L'influence de Tats Cru sur la culture visuelle hip-hop, l'art public et le muralisme transparaît directement dans cette œuvre, lui conférant authenticité et force. Texture et profondeur de la surface de la peinture en aérosol La surface de « Water Fall Brick Wall » vibre de textures : contours flous, estompages marqués et coulures évoquent la stratification des graffitis au fil du temps. BG183 utilise la toile non comme un simple fond, mais comme un élément sculptural, conférant une présence visuelle à chaque couche de peinture. La palette chromatique, mêlant bleus froids et tons chauds, fait référence au mouvement de l’eau sur la brique dégradée, tout en conservant une grande vivacité. Les bords de l’œuvre rappellent la douceur de la pulvérisation, se fondant dans le châssis de la galerie et permettant ainsi à l’œuvre d’exister sans cadre. Cette présentation prête à être accrochée confirme l’idée que le street art s’intègre à l’espace des beaux-arts sans perdre son lien avec les surfaces extérieures et l’expression spontanée. L'énergie urbaine dans l'art de rue, le pop art et le graffiti « Water Fall Brick Wall » se dresse comme une explosion concentrée du langage brut du graffiti, réassemblée pour une contemplation intérieure. C'est un hommage aux strates de l'infrastructure urbaine : des murs qui portent les noms, les messages et les identités accumulés au fil du temps. BG183 ne cherche pas à reproduire le graffiti ; il en réinterprète l'essence, offrant une œuvre qui est à la fois le portrait d'un mur et un récit visuel autonome. Dans le débat plus large entre le Street Pop Art et le Graffiti, cette peinture représente le pont entre l'authenticité codée de la rue et la réalisation en atelier. Elle concentre le rythme visuel, la conscience spatiale et le respect culturel du graffiti dans chaque couche de peinture et dans chaque centimètre de tension superficielle. Ce n'est pas seulement une œuvre d'art : c'est une déclaration d'un graffeur qui a marqué son époque, signée à la bombe et construite de briques et de mouvement.

Lis Plus Moins

PangeaSeed West Coast Limited Edition 6-Color Hand-Tiled Silkscreen Print on 100lb Frech Speckletone Cover Stock Paper by Jim Mazza Graffiti Street Artist Modern Pop Art. La deuxième édition estivale du festival novateur Sea Walls : Murals for Oceans, organisé par PangeaSeed, se tiendra du 17 au 26 juillet 2015 à Cozumel, au Mexique. Sea Walls : Murals for Oceans est le premier mouvement du genre à œuvrer pour la protection des océans grâce à l'art public et à l'activisme (ARTivisme). Pour cette deuxième édition, PangeaSeed présentera plus de 25 artistes contemporains de renommée internationale qui collaboreront afin de mettre en lumière les enjeux environnementaux urgents des océans, tout en sensibilisant et en inspirant les individus et les communautés à la protection de l'écosystème le plus précieux de la planète : l'océan. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

Lis Plus Moins

« Les Enfants de la Guerre », tirages d'art giclée en édition limitée sur papier photo d'archivage, par Ben Kehoe, artiste de graffiti, de street art et de culture pop.

Lis Plus Moins

Tequila Carousel, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art Landfall, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Josh Keyes. Édition limitée à 175 exemplaires. Tirage d'art de 46 x 66 cm (18 x 26 pouces) sur papier 290 g/m². Signé et numéroté à la main. L'univers hybride créé par Keyes oscille entre surréalisme et photoréalisme, un mélange troublant qui nous plonge dans un sentiment d'insécurité et nous expose à un avenir incertain et inquiétant. Au cœur de son œuvre réside la préoccupation pour notre survie et l'avenir de la Terre. Cette préoccupation est mise en lumière par la représentation d'animaux perdus et déracinés de leur milieu naturel. En danger et loin de leur écosystème, ils sont relégués dans des situations dioramiques fantastiques.

Lis Plus Moins

No Sleep Till Brooklyn - 73 - Orange Red 4-Color Mixed Edition, tirage sérigraphique en édition limitée réalisé à la main sur papier d'art par Tim Oliveira, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs varient d'un tirage à l'autre. 76 couleurs et variantes de sérigraphie différentes dans une seule édition. Signée et numérotée, avec date tamponnée au dos. Le nom de ce tirage a une double signification pour moi. J'ai décidé de le sortir le 5 août en hommage à la légende des Beastie Boys, MCA (Adam Yauch), à l'occasion de son anniversaire. Enfant, presque tous les jours après l'école, je prenais mon ballon de basket et filais au parc ou au club de jeunes pour quelques parties improvisées. La plupart du temps, j'écoutais les Beastie Boys sur mon walkman pendant le trajet. Ils ont toujours été une grande influence pour moi. Par ailleurs, je ne dormirai pas tant que je n'aurai pas suffisamment d'œuvres pour une exposition solo à Brooklyn. Ce ne sera peut-être pas pour tout de suite, mais je continuerai à jongler entre ma vie de famille, un travail stable et mon art, quitte à passer de nombreuses nuits blanches… - Tim Oliveira

Lis Plus Moins

Tirages d'art en édition limitée Cecaelia, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'art, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Sarah Joncas. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Format de l'œuvre : 11 x 14 pouces.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Mope Bhytpn - La carte Kid imprimée sur carte à collectionner GAS par SSUR - Ruslan Karablin. Œuvres imprimées 2022 pour les manifestations contre la guerre en Ukraine. Édition limitée. SSURO Images jouit d'une renommée internationale depuis le début des années 90. Ses messages percutants et mémorables, d'une grande force visuelle, sont présents dans son art et ses marques de streetwear depuis près de trois décennies. SSUR a créé des visuels pour certaines des marques les plus prestigieuses au monde. Cartes GAS inspirées par les racines et l'histoire de sa ville natale, Odessa, en Ukraine. La carte « Mope Bhytpn - The Kid » de Ruslan Karablin : un symbole de résilience En 2022, l'artiste Ruslan Karablin, alias SSUR, a lancé « Mope Bhytpn - The Kid » dans le cadre de la série de cartes à collectionner GAS, mêlant ses racines dans le street art à un récit poignant sur fond de guerre en Ukraine. Cette édition limitée puise son inspiration dans les origines ukrainiennes de Karablin, à Odessa, et confère à la carte une signification profondément personnelle et historique. SSUR : Créer des récits visuels pour une sensibilisation mondiale SSUR est une figure emblématique de la culture pop et du street art depuis le début des années 90, créant des images à l'écho international. Son œuvre capture souvent l'essence de l'instant, délivrant des messages forts grâce à des images saisissantes et des éléments textuels percutants. La carte « Mope Bhytpn - The Kid » s'inscrit dans cette tradition, constituant une protestation visuelle contre le conflit en Ukraine, tout en puisant dans la richesse de l'histoire et de la culture de la région. Chaque carte de cette série n'est pas un simple objet de collection ; c'est une œuvre d'art qui porte le poids de l'actualité et le lien personnel de l'artiste avec celle-ci. La capacité de SSUR à transmettre des messages complexes dans un format visuellement captivant fait de son travail une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Cartes GAS : Fusion de l'art et de l'activisme GAS Cards est devenu synonyme de la rencontre entre le street art, le graffiti et l'activisme. « Mope Bhytpn - The Kid » illustre parfaitement cette fusion, incarnant l'accessibilité du street art et la popularité du pop art, tout en prenant position sur des problématiques contemporaines. Le format carte à collectionner constitue un support novateur pour l'art engagé, permettant une large diffusion de ces messages et enrichissant l'expérience du collectionneur. L'imagerie de la carte, évoquant le street art de Karablin, rappelle avec force l'innocence perdue durant la guerre en Ukraine. Le jeune personnage, sur fond d'un passé à la fois idyllique et marqué par les conflits, représente la résilience du peuple ukrainien et de sa culture. La carte « Mope Bhytpn - The Kid » de SSUR est bien plus qu'un objet de collection : elle témoigne du pouvoir de l'art à refléter son époque, à susciter la réflexion et à inspirer l'action. Le travail de Ruslan Karablin avec GAS Cards continue de faire le lien entre les mondes de l'art et du commentaire social, créant des œuvres aussi significatives que visuellement saisissantes.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art représentant des rivages, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par NoseGo, artiste de graffiti de la culture pop. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard créatif d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans. La deuxième édition estivale du festival novateur Sea Walls : Murals for Oceans, organisé par PangeaSeed, s'est tenue du 17 au 26 juillet 2015 à Cozumel, au Mexique. Sea Walls : Murals for Oceans est le premier mouvement du genre à contribuer à la protection des océans grâce à l'art public et à l'activisme (ARTivisme). Le deuxième festival d'été annuel de PangeaSeed réunira plus de 25 artistes contemporains de renommée internationale qui collaboreront pour mettre en lumière les enjeux environnementaux urgents des océans, tout en sensibilisant et en inspirant les individus et les communautés à la protection de l'écosystème le plus important de la planète : l'océan.

Lis Plus Moins

Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Sérigraphie Clementine AP de Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art Speckletone Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. Épreuve d'artiste AP 2012 Signée et marquée AP Tirage original limité Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie d'une femme flottant dans l'eau, inspirée par la musique de Neil Young Le style unique de Shepard Fairey est devenu une référence dans le pop art, le street art et le graffiti. Parmi ses œuvres les plus remarquables figure la sérigraphie « Clementine AP », une épreuve d'artiste réalisée en 2012. Cette pièce illustre la méticulosité et l'ingéniosité créative dont Fairey fait preuve avec constance. Il s'agit d'une sérigraphie artisanale sur papier Speckletone Fine Art, témoignant de son souci du détail et de sa volonté de créer des œuvres de haute qualité, à la texture unique et tangible. L'œuvre représente une femme, visiblement influencée par la musique de Neil Young, flottant sereinement sur l'eau. Cette sérénité contraste avec la présence du tag iconique « Hello My Name is », un élément incontournable de la culture urbaine souvent associé aux graffitis. Cette juxtaposition entre calme et énergie brute illustre la capacité de Fairey à combiner des éléments issus d'inspirations variées en une œuvre cohérente et captivante. De plus, l'estampe est ornée d'éléments de graffiti, un clin d'œil aux origines de l'artiste qui ajoute profondeur et texture à la narration de l'œuvre. Autre point essentiel à souligner concernant la sérigraphie « Clementine AP » : son exclusivité. En tant qu'épreuve d'artiste (AP), elle fait partie du premier tirage réalisé par l'artiste avant la finalisation de l'édition. Ces épreuves sont très recherchées par les collectionneurs d'art pour leur rareté et leurs détails uniques. Signée par Fairey lui-même et portant la mention « AP », cette œuvre témoigne de l'influence profonde de l'artiste sur le monde de l'art contemporain. Ses dimensions (45,7 x 61 cm) en font une pièce idéale pour l'exposition, offrant aux spectateurs une immersion dans l'univers et la vision créative de Shepard Fairey.

Lis Plus Moins

Reproduction d'art de la cathédrale, impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Kari-Lise Alexander. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Tirage giclée de 18 x 18 pouces. « Cathédrale », une estampe giclée sur papier d'art 290 g/m² de Kari-Lise Alexander, est une œuvre captivante qui fusionne l'esthétique de la pop culture et l'authenticité brute du graffiti. Cette édition limitée de 25 exemplaires, signée et numérotée, datant de 2017 et mesurant 45,7 x 45,7 cm, témoigne de la vision unique d'Alexander dans l'art contemporain. Bien que distincte du street art et du graffiti traditionnels, son œuvre porte en elle le même esprit d'expression personnelle et la même résonance culturelle qui caractérisent ces formes artistiques. « Cathédrale » d'Alexander invite à l'introspection et à l'admiration, et trouvera assurément une place de choix dans les collections des amateurs d'art moderne.

Lis Plus Moins

No Sleep Till Brooklyn - 72 Jaune Vert 4 Couleurs Mixtes Édition Tirage Sérigraphique en Édition Limitée Tiré à la Main sur Papier Beaux-Arts par Tim Oliveira Rare Street Art Artiste Pop Célèbre. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs varient d'un tirage à l'autre. 76 couleurs et variantes de sérigraphie différentes dans une seule édition. Signée et numérotée, avec date tamponnée au dos. Le nom de ce tirage a une double signification pour moi. J'ai décidé de le sortir le 5 août en hommage à la légende des Beastie Boys, MCA (Adam Yauch), à l'occasion de son anniversaire. Enfant, presque tous les jours après l'école, je prenais mon ballon de basket et filais au parc ou au club de jeunes pour quelques parties improvisées. La plupart du temps, j'écoutais les Beastie Boys sur mon walkman pendant le trajet. Ils ont toujours été une grande influence pour moi. Par ailleurs, je ne dormirai pas tant que je n'aurai pas suffisamment d'œuvres pour une exposition solo à Brooklyn. Ce ne sera peut-être pas pour tout de suite, mais je continuerai à jongler entre ma vie de famille, un travail stable et mon art, quitte à passer de nombreuses nuits blanches… - Tim Oliveira

Lis Plus Moins

No Sleep Till Brooklyn 59 - Édition mixte rouge et noire 4 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier d'art par Tim Oliveira, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs varient d'un tirage à l'autre. 76 couleurs et variantes de sérigraphie différentes dans une seule édition. Signée et numérotée, avec date tamponnée au dos. Le nom de ce tirage a une double signification pour moi. J'ai décidé de le sortir le 5 août en hommage à la légende des Beastie Boys, MCA (Adam Yauch), à l'occasion de son anniversaire. Enfant, presque tous les jours après l'école, je prenais mon ballon de basket et filais au parc ou au club de jeunes pour quelques parties improvisées. La plupart du temps, j'écoutais les Beastie Boys sur mon walkman pendant le trajet. Ils ont toujours été une grande influence pour moi. Par ailleurs, je ne dormirai pas tant que je n'aurai pas suffisamment d'œuvres pour une exposition solo à Brooklyn. Ce ne sera peut-être pas pour tout de suite, mais je continuerai à jongler entre ma vie de famille, un travail stable et mon art, quitte à passer de nombreuses nuits blanches… - Tim Oliveira

Lis Plus Moins

Là où les séquoias rencontrent la mer, tirage d'art en édition limitée AP Archival Pigment Fine Edition sur papier Signa Smooth 300 g/m² par l'artiste Amy Sol, légende du street art pop graffiti. Épreuve d'artiste AP 2021 Signée et numérotée 19,5 x 19,5 cm Édition limitée à 35 exemplaires Là où les séquoias rencontrent la mer : une épreuve d'artiste en édition limitée d'Amy Sol « Là où les séquoias rencontrent la mer » est une œuvre saisissante d'Amy Sol, artiste reconnue pour sa contribution unique au Street Pop Art et son talent pour fusionner la beauté de la nature avec la présence sereine et contemplative de ses sujets. Créée en 2021 comme épreuve d'artiste, cette œuvre capture l'instant magique où les séquoias géants rencontrent les douces vagues de la mer. Tirée à seulement 35 exemplaires, chacun signé et numéroté par Sol elle-même, cette édition limitée confère à cette pièce une valeur inestimable en tant qu'objet de collection dans le domaine de l'art contemporain et de l'inspiration graffiti. Imprimée sur papier Signa Smooth 300 g/m², elle offre une grande fidélité des couleurs et une texture remarquable, donnant vie à la composition sereine d'Amy Sol. L'exploration artistique de la nature et de la solitude par Amy Sol Le style d'Amy Sol est profondément ancré dans une imagerie douce et naturaliste, mêlant souvent des éléments naturels à des figures humaines contemplatives. Dans « Là où les séquoias rencontrent la mer », son art transporte le spectateur dans une scène forestière sereine où l'immensité des séquoias contraste avec la délicatesse d'une silhouette solitaire, debout à la lisière de la forêt, le regard tourné vers l'eau. Ses tons pastel feutrés et ses ombres délicates confèrent à la scène une atmosphère onirique, permettant au spectateur de ressentir le calme et l'isolement qui s'en dégagent. Les ombres de créatures ressemblant à des ours, projetées entre les arbres, ajoutent une dimension intrigante à la composition, suggérant une harmonie tacite entre la présence humaine et la faune sauvage. Cette scène paisible illustre la capacité d'Amy Sol à transmettre des émotions et des récits par la subtilité des détails et de la composition. En inscrivant la figure féminine dans l'immensité du paysage d'arbres et d'eau, Sol explore les thèmes de la solitude et de la contemplation, soulignant le lien profond qui unit l'individu au monde naturel. Son approche caractéristique, qui consiste à combiner des couleurs douces à des détails complexes, invite le spectateur à explorer la profondeur et l'harmonie de la scène, offrant un moment d'introspection et de paix. Le pop art urbain et l'influence des graffitis Bien que l'œuvre d'Amy Sol ne présente pas d'emblée les visuels audacieux du graffiti traditionnel, son intégration des principes du Street Pop Art est manifeste dans la manière dont elle propose ses créations sous forme d'estampes de collection en édition limitée. Le Street Pop Art, mouvement qui fusionne l'accessibilité de la culture pop et l'expressivité brute du street art, s'accorde parfaitement avec la démarche de Sol, qui consiste à produire des éditions limitées, à l'instar de cette épreuve d'artiste. Cette approche préserve l'exclusivité et la valeur de chaque pièce, à l'image des œuvres éphémères et symboliques que les graffeurs créent souvent. « Where Redwoods Meet the Sea » de Sol incarne cette philosophie, offrant une œuvre à la fois accessible à tous et précieuse pour les collectionneurs. Le recours aux éditions limitées permet à l'œuvre d'Amy Sol de se situer à la croisée des beaux-arts et du street art, séduisant ainsi les collectionneurs d'art traditionnel comme les amateurs d'art urbain. Son choix de ne produire que 35 épreuves d'artiste pour cette œuvre confère à chaque tirage une rareté particulière, reflétant la nature éphémère du street art et le désir de saisir l'instant. Cette pratique moderne, propre au Street Pop Art, en accroît la valeur et en fait une pièce de choix pour les amateurs d'art contemporain imprégné d'esthétique urbaine. La valeur de collection du lieu où les séquoias rencontrent la mer En tant qu'épreuve d'artiste en édition limitée, « Là où les séquoias rencontrent la mer » acquiert une valeur particulière, notamment auprès des collectionneurs en quête d'œuvres uniques, signées directement par l'artiste. Chaque tirage, réalisé sur un papier Signa Smooth 300 g/m² de haute qualité, garantit la longévité et la richesse des détails de la scène imaginée par Sol. Ce type de papier sublime les subtiles transitions de couleurs, permettant au spectateur d'apprécier chaque nuance de ce paysage paisible. Ses dimensions de 49,5 x 49,5 cm (19,5 x 19,5 pouces) lui confèrent une grande polyvalence et lui permettent de s'intégrer harmonieusement à tous les intérieurs, apportant une présence à la fois discrète et marquante à toute collection. « Là où les séquoias rencontrent la mer » d'Amy Sol est bien plus qu'une simple estampe : c'est une réflexion intime sur la solitude, la nature et le mouvement de l'art moderne. Le mariage réussi du pop art urbain et d'éléments naturalistes par Amy Sol offre aux collectionneurs une œuvre contemporaine d'une grande profondeur émotionnelle et d'une qualité artistique indéniable. Chaque épreuve d'artiste en édition limitée témoigne de son talent pour créer des œuvres aussi captivantes visuellement que significatives, offrant un espace où les spectateurs peuvent renouer avec la nature et explorer la sérénité de son art.

Lis Plus Moins

Châle en dentelle, sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Justin Anville, artiste pop art célèbre et rare. Sérigraphie 5 couleurs 30″ x 24″ sur papier Cougar White 100 lb, signée, édition limitée à 40 exemplaires.

Lis Plus Moins

Shark Bite - Édition limitée Rook Brand, sérigraphie à l'encre métallique 4 couleurs tirée à la main sur papier kraft moucheté français par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

Lis Plus Moins

Sérigraphie Voyage par Icy & Sot, imprimée à la main en 5 couleurs sur papier d'art français de 110 lb, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Œuvre d'art au format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. L'importance de la sérigraphie « Voyage » dans l'œuvre d'Icy & Sot La sérigraphie « Voyage » d'Icy & Sot illustre avec force leur art, puisant son inspiration dans les thèmes et les styles propres au street art et au graffiti. Réalisée avec minutie en 2015, cette estampe artisanale en cinq couleurs sur papier d'art français de 200 g/m² témoigne de la maîtrise technique du duo et de leur engagement profond envers les problématiques sociales. Tirée à seulement 50 exemplaires, cette édition limitée, signée et numérotée, mesure 45,7 x 61 cm et constitue une pièce de collection de choix pour les amateurs de street art. Processus créatif et maîtrise technique dans « Voyage » Le processus artistique à l'origine de « Voyage » est aussi complexe que son message. La sérigraphie, technique prisée par de nombreux artistes de rue pour sa polyvalence et son éclat, permet un niveau de détail et une saturation des couleurs qui amplifient l'impact visuel de l'œuvre. Chaque couche de couleur est appliquée successivement à travers un écran de sérigraphie, pour composer l'image finale. Cette méthode minutieuse témoigne du dévouement d'Icy & Sot au savoir-faire artisanal et de leur capacité à réinventer les techniques traditionnelles au service de récits contemporains. Récit visuel et symbolisme dans « Voyage » L'imagerie de « Voyage » est d'une beauté saisissante et évocatrice, juxtaposant l'innocence et la dure réalité des migrations. Au cœur de l'œuvre se trouve un groupe d'enfants dans une petite barque, symbole universel du voyage et de la vulnérabilité. Entourés par l'immensité des vagues, au sein de la silhouette d'une femme, les enfants font écho à l'expérience collective de ceux qui entreprennent de périlleux voyages en quête d'une vie meilleure. Ceci s'inscrit dans la démarche artistique d'Icy & Sot, qui s'attache à aborder les crises humanitaires mondiales. « Voyage » dans le contexte du pop art urbain et du graffiti « Voyage » s'inscrit pleinement dans le domaine du street art et du graffiti, non seulement par sa méthode de création, mais aussi par son accessibilité et sa pertinence. Icy & Sot ont toujours cherché à rendre leur art à la fois visuellement saisissant et conceptuellement accessible, une caractéristique manifeste dans cette estampe. L'utilisation de l'espace public comme support pour le street art se reflète dans le choix d'une édition limitée pour « Voyage », démocratisant ainsi l'accès à l'œuvre et lui permettant de toucher un public plus large, à l'image de l'interaction du street art avec le public. La pertinence artistique et sociale de « Voyage » Le commentaire social inhérent à « Voyage » est indéniable et constitue une marque de fabrique du travail d'Icy & Sot. En représentant des enfants – souvent perçus comme les membres les plus innocents et les plus vulnérables de la société – à bord d'une frêle embarcation, les artistes livrent un message poignant sur la fragilité de la vie et la résilience de l'esprit humain. À l'instar de nombre de leurs œuvres, cette pièce agit comme un catalyseur visuel pour les discussions sur les enjeux sociaux pressants, illustrant le rôle du street art comme vecteur de réflexion et de dialogue sociétaux. Héritage et potentiel de collection de « Voyage » Œuvre en édition limitée, « Voyage » confère à l'ensemble Icy & Sot un caractère exclusif et prestigieux sur le marché des collectionneurs. Tirée en petit nombre, chaque estampe capture un instant et l'évolution du parcours artistique de ces deux artistes. La matérialité de la sérigraphie permet de diffuser leur message au-delà de la durée de vie éphémère des fresques murales, assurant ainsi la pérennité du dialogue qu'elles suscitent au sein des collections privées et des expositions. L'impact durable de « Voyage » L'estampe sérigraphique « Voyage » d'Icy & Sot est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un manifeste, un sujet de conversation et un témoignage historique du contexte socio-politique de son époque. Elle incarne l'esprit du pop art urbain et du graffiti, et résume l'esthétique et le message auxquels Icy & Sot ont consacré leur carrière. À travers des œuvres comme « Voyage », les artistes continuent de questionner, d'éduquer et de captiver le public, confirmant ainsi leur place dans l'histoire de l'art contemporain.

Lis Plus Moins

« Change Starts Within », une œuvre d'art rehaussée à la main, imprimée en édition limitée sur papier d'art par Erik Otto, artiste de graffiti de la culture pop. Erik Otto - « Le changement commence à l'intérieur », estampe d'art giclée, rehaussée à la main par l'artiste, signée et numérotée, édition limitée à 10 exemplaires.

Lis Plus Moins

Impression d'art en édition limitée, épreuve d'artiste, pigment d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste Amy Sol, œuvre d'art moderne. Épreuve d'artiste AP 2016, signée et marquée, édition limitée, format 18x24 La Coupe Mioras : un chef-d'œuvre de pop art urbain moderne par Amy Sol « Mioras Cup Artist Proof » est une œuvre d'art envoûtante créée par Amy Sol, artiste américaine reconnue pour son style doux et surréaliste, souvent imprégné de nature et de thèmes oniriques. Connue pour son esthétique contemporaine, l'œuvre de Sol trouve un écho auprès des amateurs de Street Pop Art et d'éléments de graffiti, notamment grâce à sa modernité et à son lien avec les thèmes de la nature et de l'humanité. L'estampe « Mioras Cup », réalisée en 2016 en tant qu'épreuve d'artiste, est une pièce majeure de son portfolio, une création en édition limitée qui allie valeur et mystère. Imprimée sur papier Moab Entrada 290 g/m², réputé pour sa haute qualité et ses propriétés d'archivage, cette estampe préserve l'éclat et la finesse des détails de l'œuvre originale. L'approche artistique unique d'Amy Sol L'approche artistique d'Amy Sol se distingue par son atmosphère onirique, privilégiant une palette de couleurs pastel douces et des formes organiques. Ses œuvres regorgent d'éléments inspirés par la nature, tels que des fleurs, des oiseaux et des feuilles, entrelacés de figures féminines qui expriment une profonde introspection et un lien intime avec l'environnement. « Mioras Cup » illustre parfaitement ce style : une figure féminine centrale est entourée d'une végétation luxuriante et éthérée, et des oiseaux semblent émerger naturellement de son environnement. Cette harmonie visuelle entre l'humain et la nature est un motif récurrent dans l'œuvre de Sol, conférant à ses créations une profondeur émotionnelle qui touche le spectateur. L'épreuve d'artiste de « Mioras Cup », au format 45,7 x 61 cm, est réalisée avec le plus grand soin afin de restituer chaque détail de la technique de Sol. Le papier Moab Entrada, un choix haut de gamme pour l'impression d'art, sublime les textures délicates et les couleurs subtiles, préservant ainsi la fidélité de l'œuvre originale et permettant aux collectionneurs de l'apprécier telle que l'artiste l'a conçue. Ce papier est privilégié pour sa qualité d'archivage, garantissant que les nuances subtiles et les détails complexes de l'œuvre d'art restent intacts au fil du temps. L'attrait moderne du pop art urbain dans l'œuvre de Sol Bien que l'œuvre d'Amy Sol ne relève pas du graffiti au sens traditionnel du terme, son approche des tirages en édition limitée s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art, qui vise à intégrer des pièces de collection de grande qualité au monde des beaux-arts. Dans le Street Pop Art et le graffiti, le lien entre l'artiste et son public est primordial, et les tirages limités sont souvent privilégiés pour préserver l'authenticité et l'exclusivité de l'œuvre. En créant la Coupe Mioras comme une épreuve d'artiste signée et marquée, Sol préserve ce sentiment de rareté, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. Cette démarche reflète l'influence du passage du street art de l'espace public à l'univers privé des collectionneurs, alliant accessibilité et exclusivité. Dans la Coupe Mioras, la combinaison de formes humaines et naturelles peut être perçue comme une réflexion moderne sur les thèmes de l'identité et de l'environnement. Sa capacité à communiquer ces thèmes à travers des visuels doux et surréalistes inscrit Sol dans un mouvement contemporain qui apprécie le savoir-faire des beaux-arts et l'accessibilité, inspirée par l'art urbain, du Street Pop Art. La Coupe Mioras d'Amy Sol continue de captiver les spectateurs et les collectionneurs, ce qui en fait une pièce précieuse de toute collection d'art moderne.

Lis Plus Moins

Cacophonie, une impression pigmentaire d'archives multiple peinte à la main sur 3 niveaux de panneau acrylique découpé au laser, prête à être accrochée, par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre d'art en acrylique découpée au laser, format 18 x 18 pouces. « La Fille aux Poissons Rouges a été créée il y a près de dix ans. J'y reviens souvent, et c'est le personnage que j'ai créé depuis le plus longtemps. J'écris souvent des histoires pour ces personnages afin de m'aider dans la création de mes œuvres, mais elles ne sont généralement jamais partagées avec le public. La Fille aux Poissons Rouges est née en Chine continentale et a été élevée principalement par son père. Sa mère est décédée d'un cancer lorsqu'elle avait 18 mois. Enfant, elle était souvent très malade et on lui a finalement diagnostiqué une déficience du système immunitaire, bien qu'aucun diagnostic précis n'ait jamais été établi. C'est pourquoi elle porte toujours un masque et des gants. Son père élevait des poissons rouges pour gagner sa vie et lui a appris le métier dès son plus jeune âge. Ils travaillaient côte à côte et recevaient rarement des visites en raison de sa maladie. Être souvent très malade et avoir perdu sa mère ont rendu son enfance difficile. Comme la plupart des enfants, elle a cherché une explication à son malheur, une raison pour laquelle tout cela lui était arrivé, à elle et à son père. Finalement, elle a cru que sa maladie et le cancer de sa mère étaient une punition de la nature. Une malédiction pour avoir joué avec la nature en élevant des poissons rouges. » Finalement, son père décéda lui aussi. Contrainte de gagner sa vie et, par défi au destin, elle immigra clandestinement à Hong Kong. Il existe un célèbre marché aux poissons rouges à Mong Kok, rue Tung Choi, plus communément appelée « rue aux poissons rouges ». Son système immunitaire étant affaibli, le plus grand danger pour elle était les autres. En guise de défi au destin, elle s'installa dans l'une des villes les plus densément peuplées du monde. Elle obtint un étal rue Tung Choi. C'est là son défi : défier le destin et triompher, devenir maîtresse de son propre destin. Ces images sont des vignettes de sa vie à Hong Kong. Je n'ai jamais donné de nom à ce personnage. On la voit parfois avec un ghetto-blaster, car la musique devient une compagne essentielle de sa vie principalement solitaire. Dans l'œuvre « Cacophonie », je voulais qu'elle soit littéralement entourée par la ville. D'une certaine manière, je pense avoir essayé de créer un personnage qui incarne nombre de qualités auxquelles j'aspire. Pour me les rappeler. – Eddie Colla

Lis Plus Moins

Ailurophile Glow SuperJanky Édition Limitée Superplastic Janky Vinyl Art Toy Collectible Artwork by Modern Design Artist Junko Mizuno. Figurine SuperJanky Janky Superplastic en vinyle, neuve en boîte, phosphorescente, édition limitée 2021. Cette figurine de 20 cm (8 pouces) est une création de la légendaire mangaka Junko Mizuno, inspirée de son personnage « Azure Ailurophile ».

Lis Plus Moins

WODH #2 Œuvre d'art Giclée en édition limitée sur papier d'art par l'artiste de graffiti de la culture pop Aaron Glasson x Celeste Byers. Journée mondiale des océans à Hawaï 2015 Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard créatif d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans. La deuxième édition estivale du festival novateur Sea Walls : Murals for Oceans, organisé par PangeaSeed, s'est tenue du 17 au 26 juillet 2015 à Cozumel, au Mexique. Sea Walls : Murals for Oceans est le premier mouvement du genre à contribuer à la protection des océans grâce à l'art public et à l'activisme (ARTivisme). Le deuxième festival d'été annuel de PangeaSeed réunira plus de 25 artistes contemporains de renommée internationale qui collaboreront pour mettre en lumière les enjeux environnementaux urgents des océans, tout en sensibilisant et en inspirant les individus et les communautés à la protection de l'écosystème le plus important de la planète : l'océan.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art « Gardien de la Mer », impression giclée en édition limitée sur papier aquarelle français pressé à froid, par l'artiste de graffiti pop culture Dragon76. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Impression giclée d'art 45,7 x 61 cm sur papier aquarelle français pressé à froid. Édition limitée à 50 exemplaires + 10 tirages uniques rehaussés à la main. Signé et numéroté. Imprimé avec ♥ par Static Medium.

Lis Plus Moins

Primer I, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier chiffon velours mat 315 g/m² par Dave Pollot, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Édition limitée à 100 exemplaires. Dimensions : 61 x 87 cm (marge de 5 cm incluse). Imprimé sur papier chiffon mat velours, 315 g/m². Signé et numéroté par l’artiste.

Lis Plus Moins

Protégez la planète bleue - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs sur papier Coventry Rag 100 % coton, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2022. Sérigraphie signée et numérotée, bords frangés à la main, 76 x 104 cm (30 x 41 pouces), sur papier Coventry Rag 100 % coton de qualité archive. Édition limitée à 75 exemplaires, signés et numérotés. Imprimé par Obey Giant. « Protect The Blue Planet » témoigne de l’engagement de Shepard Fairey à utiliser son art comme vecteur de défense de l’environnement, fusionnant les univers du pop art, du street art et du graffiti. Cette sérigraphie bicolore en édition limitée, réalisée à la main, révèle la relation complexe entre l’humanité et son environnement. Imprimée sur du papier Coventry Rag 100 % coton, le choix de ce matériau souligne l’engagement de Fairey envers un art durable. Le format de l’œuvre, 76 x 104 cm, offre une expérience immersive, accentuée par ses bords frangés à la main, qui lui confèrent une dimension tactile et organique, évoquant les bords bruts des affiches de rue. En s’associant à la fondation PangeaSeed pour la sortie de cette œuvre à l’occasion du Mois de la Terre, Fairey incarne les préoccupations environnementales urgentes de notre époque. Au cœur de l’œuvre se trouve la représentation d’une baleine franche de l’Atlantique Nord, espèce menacée, qui rayonne d’un mandala contenant la Terre. Ce mandala, puisant ses racines dans diverses traditions culturelles, symbolise l'harmonie, l'unité et l'interdépendance des écosystèmes planétaires. Les ornements floraux qui le composent s'épanouissent comme symboles d'une harmonie florissante, tandis que la présence contrastée de flammes rappelle avec force la menace omniprésente du réchauffement climatique. Le texte « Protégeons la planète bleue » et « Un océan, un peuple », associé à la palette de bleus choisie, attire l'attention sur le lien indissociable entre la santé des océans et un monde durable. Figure emblématique du street art, Fairey a toujours repoussé les limites de son art, et avec « Protégeons la planète bleue », il brouille une fois de plus les frontières entre expression artistique, activisme et responsabilité sociale, rappelant au monde son rôle dans la sauvegarde de la planète. Pour célébrer le Mois de la Terre, en collaboration avec la Fondation PangeaSeed, j'ai le plaisir de vous présenter « Protégeons la planète bleue », une œuvre mettant en scène une baleine franche de l'Atlantique Nord, espèce menacée, émanant d'un mandala dont la Terre est le point central. Dans plusieurs cultures, le mandala symbolise l'harmonie, l'unité et la plénitude, des concepts essentiels pour appréhender l'interdépendance des écosystèmes, des peuples et des espèces de notre planète. Le mandala arbore des ornements floraux, symboles d'harmonie épanouie, mais aussi des flammes, rappelant les dangers du réchauffement climatique. Les inscriptions « Protégeons la planète bleue » et « Un océan, un peuple », intégrées à l'œuvre, ainsi que la palette de couleurs bleues, soulignent le lien crucial entre la santé des océans et celle de notre planète. – Shepard

Lis Plus Moins

Découvrez l'estampe d'archive Variant Archival Print de Dragon76 en édition limitée sur papier Canson Aquarelle Fine Art 310 g/m² à bords frangés, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street artiste. Tirage signé et numéroté 2025, édition limitée à 25 exemplaires, format 24x36, pigments d'archivage, beaux-arts. Découvrez Variant : La fusion audacieuse de street art pop et de mythe moderne de Dragon76 Découvrez l'estampe Variant Archival Print de Dragon76, une œuvre emblématique du street art pop et du graffiti contemporains, qui mêle spectacle visuel et réflexion socio-environnementale. Imprimée sur papier d'art Canson Aquarelle 310 g/m² à bords frangés, cette estampe pigmentaire grand format (61 x 91 cm) est une édition 2025 signée et numérotée, limitée à 25 exemplaires. Le langage visuel immersif de Dragon76, qui mêle symbolisme futuriste, culture urbaine et mythologie de la nature, s'exprime pleinement dans cette édition collector signée à la main, transformant l'art en un vecteur de narration cinématographique. Iconographie des astronautes et paysage culturel Au cœur de Discover Variant se dresse une figure solitaire, coiffée d'un casque d'astronaute high-tech, dont l'expression est à la fois calme et résolue. Le casque est orné de graffitis, d'insignes et de références visuelles puisant dans l'iconographie orientale et occidentale. Cette fusion reflète l'hybridité culturelle de l'artiste, né à Shiga, au Japon, et actif à l'international depuis son domicile new-yorkais. Le visage dissimulé sous le casque est un avatar de l'humanité confrontée à l'inconnu, enveloppée non seulement d'une armure, mais aussi d'identité, d'histoire et de convictions. La combinaison est entourée de formes de vie aquatiques – un poisson ressemblant à une carpe koï, des coraux et des vagues – mêlant l'exploration spatiale aux mystères des profondeurs marines. Il en résulte une construction onirique qui se lit à la fois comme une fresque, une peinture et une image cinématographique. La couleur comme récit, la composition comme énergie Dragon76 est reconnu pour ses palettes de couleurs explosives et son utilisation des dégradés pour créer une ambiance et structurer l'espace narratif. « Discover Variant » utilise un fond bicolore, mêlant un rouge-orangé flamboyant et un bleu océan électrique. Ces tons complémentaires ne se contentent pas de s'équilibrer : ils dynamisent l'œuvre, rendant le mouvement palpable. L'intensité holographique des poissons, la tension ondulante de l'eau et les textures mécaniques de l'équipement de l'astronaute sont minutieusement superposés grâce à des techniques de dessin numérique et de peinture traditionnelle. L'impression sur papier Canson Aquarelle haut de gamme à bords frangés confère à l'œuvre une dimension tactile qui participe à sa narration. Elle élève l'énergie brute de l'œuvre au rang d'œuvre d'art digne d'un musée. Le rôle de Dragon76 dans le graffiti moderne et l'art de la culture pop La réputation internationale de Dragon76 repose sur sa fusion d'afrofuturisme, de cyberpunk, de manga et de calligraphie urbaine. Qu'il s'agisse de fresques monumentales ou de tirages d'art exclusifs, son œuvre aborde l'urgence climatique, l'unité interculturelle et les futurs possibles. « Discover Variant » se situe au carrefour de ces thèmes, faisant écho à la puissance du graffiti traditionnel tout en exploitant le potentiel narratif des technologies modernes et du folklore. L'artiste, dont le véritable nom n'est pas divulgué, demeure une figure incontournable de la diffusion de la culture graffiti dans les galeries, l'estampe et les collaborations internationales. Dans cette édition limitée à 25 exemplaires, chaque tirage « Discover Variant » devient une pièce rare d'art urbain pop et de graffiti, transcendant les genres, les frontières et les formats.

Lis Plus Moins

Planche de skateboard Paul's Boutique Deck Limited Edition Archival Pigment Print, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Ricky Powell. 2019 Signé et numéroté au verso Transfert d'impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid Taille : 8 x 31,875 pouces Sortie : 19 novembre 2019 Ricky Powell (1961-2021) Paul's Boutique, 2019 Impression pigmentaire d'archives en couleurs sur planche de skate 32 x 8 pouces (81,3 x 20,3 cm) Éd. 37/75 Numéroté à l'encre au verso. La fusion de la culture skate et du pop art urbain dans la planche Paul's Boutique de Ricky Powell La convergence de la culture skate et du street art pop incarne une forme d'expression urbaine singulière, qui a acquis une grande notoriété et le respect du milieu artistique. Ce mélange unique est magnifiquement illustré dans la planche de skateboard Paul's Boutique Deck, une édition limitée ornée d'une impression pigmentaire d'archives réalisée par le célèbre artiste de street art pop Ricky Powell. Sortie le 19 novembre 2019, cette pièce célèbre l'esthétique urbaine et les sensibilités de la culture pop, incarnant l'esprit de la rue grâce à son design saisissant et ses références culturelles. L'héritage artistique et l'influence urbaine de Ricky Powell Ricky Powell, né en 1961 et disparu en 2021, était une figure emblématique du street art. Reconnu pour ses photographies brutes et spontanées qui capturaient l'essence même de la vie urbaine new-yorkaise et de l'âge d'or du hip-hop, l'œuvre de Powell transcende le simple attrait visuel. Son incursion dans l'univers du skateboard avec la planche Paul's Boutique a consolidé sa réputation d'artiste capable de naviguer avec aisance entre les médiums tout en restant profondément ancré dans la culture urbaine. La planche elle-même, mesurant 81 x 20 cm, témoigne du sens du détail de Powell et de son talent pour raconter une histoire par l'image. L'impression pigmentaire d'archives présente des couleurs à la fois vibrantes et caractéristiques de l'époque où Powell s'épanouissait. Numérotée 37 sur 75, chaque pièce de cette série limitée porte l'empreinte de la vision de Powell, sa signature et sa numérotation au verso soulignant l'exclusivité et le caractère collector de l'œuvre. Les planches de skateboard comme supports d'expression pour le street art Les planches de skateboard sont depuis longtemps reconnues comme des supports d'expression artistique, souvent ornées de motifs reflétant le style ou la philosophie du skateur. Cependant, lorsque des artistes comme Ricky Powell s'emparent de ce médium, les planches transcendent leur fonction première et deviennent de véritables œuvres d'art urbain. La planche Paul's Boutique, avec son impression pigmentaire d'archives sur une planche naturelle pressée à froid et à profil incliné, se transforme en une fresque mobile, une œuvre de graffiti portable qui porte l'esprit indomptable du street art partout où elle va. Le choix de la planche de skateboard comme support est délibéré et témoigne de l'importance subculturelle du skateboard dans le paysage urbain. C'est un clin d'œil à l'esprit DIY des skateurs et des artistes de rue, une célébration des mouvements contre-culturels qui ont façonné l'esthétique et les philosophies de générations entières. Le travail de Ricky Powell sur cette planche brouille les frontières entre art et utilité, entre galeries et rues, créant une œuvre qui trouve aussi bien sa place dans une collection privée que sur les rampes et les trottoirs de la ville. La planche Paul's Boutique Deck est un vibrant hommage au pop art et au graffiti, figures emblématiques de la culture urbaine. Fruit du travail de Ricky Powell, cette planche de skateboard en édition limitée symbolise la synergie entre l'art et les sous-cultures qui l'inspirent. Témoin d'histoire, elle capture l'âme de la ville sur le bois et témoigne du pouvoir de l'art à sublimer les récits de la rue.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

Lis Plus Moins

Achetez Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Handmade & Painted Art Toy Collectible Artwork par les artistes pop Nugg Life NY. Hommage aux plantes sur le thème du cannabis/marijuana avec des accents colorés peints à la main. Mini Nug mesure environ 2,5 à 3 pouces de haut et est fait à la main, peint et assemblé avec un conteneur de livraison NYC. Tirage limité à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins