Peinture aérosol blanc mat Hense, œuvre d'art réalisée par Montana MTN en édition limitée, crossover graffiti street art. Édition limitée 2024 à 500 exemplaires, couleur blanc mat, bombe de peinture avec coffret en bois personnalisé, motif Montana MTN, dimensions 3x8, remplie de peinture. Peinture aérosol blanc mat Hense, illustration de Montana MTN La bombe de peinture blanche mate Hense est une édition limitée 2024, produite par Montana Colors en collaboration avec l'artiste contemporain américain Alex Brewer, connu sous le nom de Hense. Reconnu pour ses fresques abstraites monumentales et son langage visuel unique, Hense allie des techniques issues du graffiti à la sensibilité de la peinture abstraite. Son œuvre, qui s'étend sur plusieurs décennies, a évolué des gares de triage d'Atlanta aux galeries et aux murs des villes du monde entier. Cette collaboration avec Montana MTN transpose son style dans un objet d'art de collection, créant un pont entre la peinture aérosol fonctionnelle et l'expression artistique à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Quand le pop art urbain rencontre la sculpture en bombe aérosol de collection Cette édition limitée révèle la sensibilité vibrante et abstraite de Hense à travers une composition mêlant formes organiques et géométrie aux tons pastel. Avec un agencement équilibré de rouges, de roses et de bleus superposés à des aplats de couleur arrondis, la bombe aérosol transforme un objet utilitaire en une œuvre d'art sculpturale. La peinture aérosol blanc mat haut de gamme de Montana MTN remplit la bombe, tandis que l'extérieur devient une toile pour l'approche de Hense en matière d'abstraction graffiti contemporaine. L'édition est scellée de la signature imprimée de Hense et soigneusement présentée dans un coffret en bois sur mesure, reflétant la nature hybride du graffiti, de la culture urbaine et de l'objet de collection. Édition de l'objet d'art et spécifications techniques Chaque pot de cette édition limitée 2024 est produit et numéroté individuellement, à seulement 500 exemplaires dans le monde. Le motif est imprimé directement sur un pot de 400 ml de peinture Montana Colors à basse pression, préservant ainsi les propriétés de la peinture tout en sublimant son esthétique. Le pot est muni d'un bouchon en plastique assorti et d'un emballage de collection : un coffret en bois naturel, gravé au laser du logo Montana et de la signature de Hense, prêt à être exposé. Cette œuvre est distribuée officiellement dans le cadre de la série Montana MTN Limited Edition, reconnue pour mettre en lumière des artistes de renom du Street Pop Art et du graffiti du monde entier. L'héritage du graffiti et de l'abstraction moderne Alex Brewer est né et a grandi à Atlanta, en Géorgie, où il a commencé à peindre sous le nom de Hense au début des années 1990. Il s'est fait connaître grâce à ses graffitis traditionnels, avant de se tourner vers des œuvres abstraites de grande envergure qui recouvrent des bâtiments entiers et des murs publics. Sa technique utilise souvent la peinture en aérosol, les rouleaux et les pinceaux pour créer des compositions dynamiques et superposées qui brouillent les frontières entre beaux-arts et graffiti. La bombe de peinture blanche mate Hense incarne cette évolution, servant à la fois de pièce de collection et de symbole de l'intégration du street art dans les galeries, les musées et le monde du design en général. Cette édition Montana Colors témoigne de l'impact de l'artiste et représente concrètement la croissance continue du mouvement à travers des œuvres d'art basées sur l'objet.

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Billie is Beautiful - Sculpture en bombe de peinture blanche en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la pop culture Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Shadowplay, impression sérigraphique bicolore réalisée à la main sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par l'artiste de graffiti pop Baghead, œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Édition limitée 2019, signée et numérotée à 50 exemplaires, format 20x24

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Parlez du fond du cœur - N'abandonnez jamais. Sérigraphie artisanale HPM 10 couleurs sur papier beaux-arts à bords frangés, par l'artiste Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée. Édition limitée HPM de 2018, signée et numérotée à 25 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 44 x 36 cm. Mr Brainwash – Estampe de la série néon de Thierry Guetta. Sérigraphie dix couleurs sur papier d'art de qualité archive, rehaussée d'éclaboussures de peinture réalisées à la main. Chaque estampe est imprimée sur du papier d'art de qualité archive déchiré à la main, signée et numérotée, et porte une empreinte digitale au dos. Plusieurs exemplaires disponibles ; vous pourriez recevoir un article différent de celui présenté sur la photo.

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« La revanche des incompris », édition limitée rehaussée à la main, impression giclée sur toile tendue, galerie wrap, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée HPM de 25 exemplaires, signée à la main, 2013, format 12x16 pouces. Shark Toof est né et a grandi à Los Angeles, en Californie, où il a commencé à peindre des graffitis en 1985 avant d'obtenir son diplôme de l'Art Center College of Design. Sea Walls : Murals for Oceans est le premier mouvement du genre à contribuer à la protection des océans par le biais de l'art public et de l'activisme (ARTivisme). Le deuxième festival d'été annuel de PangeaSeed réunira plus de 25 artistes contemporains de renom du monde entier, qui collaboreront pour mettre en lumière les problèmes environnementaux urgents des océans, tout en sensibilisant et en inspirant les individus et les communautés à protéger l'écosystème le plus important de la planète : l'océan.

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Papier buvard Double Vision, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par CES, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Papier buvard Fomo, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre de Wayne White inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 6 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez DESSIN sur une œuvre d'art moderne Street Pop MOYENNE. 2022 Signé Original XXXX MEDIA Dessin Taille XXXX INFO

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Papier buvard Fat Cap, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Mike Giant, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archive signé sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2019. Tirage : 50 exemplaires.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« Les balances finissent mal » Peinture acrylique originale de Ben Frost, œuvre unique réalisée sur un emballage de méthadone pharmaceutique recyclé par un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2025. Dimensions : 6,9 x 8,6 pouces (17,5 x 21,8 cm). Réalisée sur un emballage de méthadone recyclé. Représentation stylisée de Stitch (Lilo & Stitch). Les balances finissent mal : L'original subversif de Ben Frost Ben Frost, artiste australien contemporain reconnu pour ses juxtapositions saisissantes, continue de bousculer les normes culturelles avec son œuvre originale unique de 2025, intitulée « Snitches Get Stitches ». Cette peinture acrylique illustre parfaitement l'esthétique caractéristique de Frost, fusionnant iconographie pop et déchets pharmaceutiques. L'œuvre présente une version stylisée et hyper-expressive de Stitch, personnage du film Disney « Lilo & Stitch », peinte à la main sur un emballage de méthadone recyclé de 17,5 x 21,8 cm. En utilisant des contenants de médicaments récupérés comme support, Frost transforme des déchets médicaux en une œuvre d'art urbain pop et graffiti provocatrice et contrastée. Le surréalisme pop rencontre la critique pharmaceutique L'œuvre transporte le spectateur dans un espace étrange où s'entrechoquent innocence et contrôle institutionnalisé. Stitch, représenté dans une pose frénétique, la langue tirée, incarne à la perfection le chaos au sein d'un système rigide. L'emballage de la méthadone, généralement associé au traitement de la toxicomanie et à la réglementation, devient un nouveau champ de bataille pour la rébellion visuelle de Frost. Les lignes acérées du marketing et les informations posologiques contrastent avec le personnage fantaisiste et caricatural, créant une juxtaposition saisissante qui critique à la fois la dépendance et l'évasion marchandisée. L'utilisation d'emballages pharmaceutiques n'est pas fortuite. Frost puise systématiquement ses matériaux dans des produits cliniques réels, intégrant ainsi des réflexions sur la marchandisation de la santé, la construction de la dépendance et le langage visuel de la confiance. En peignant directement sur la boîte qui contenait autrefois un médicament contre la dépendance aux opioïdes, Frost interroge la manière dont les produits pharmaceutiques et les médias servent de palliatifs aux maux plus profonds de la société. L'instrumentalisation de la nostalgie par Ben Frost Frost est connu pour son exploration de l'économie de la nostalgie : son œuvre déconstruit la sentimentalité que nous accordons aux icônes de l'enfance en les plongeant dans des contextes adultes et impitoyables. Dans cette pièce, Stitch devient un emblème de rébellion, non plus un compagnon extraterrestre câlin, mais un agent de perturbation malicieux au sein d'un système médical aseptisé. Le titre « Snitches Get Stitches » (Les balances finissent mal) renforce encore le message. C'est un clin d'œil codé à l'éthique des sous-cultures, à la résistance à l'autorité et à la vengeance contre la trahison, le tout enveloppé dans l'esthétique sucrée d'un personnage animé adoré. Cette nostalgie instrumentalisée est au cœur de la pratique de Frost. Il mélange bandes dessinées vintage, anime et identité visuelle de dessins animés avec la publicité médicale et les excès du capitalisme pour créer un cercle vicieux de culture de masse. Ses œuvres sont immédiatement accessibles, mais délibérément empreintes d'une critique acerbe. « Snitches Get Stitches » s'inscrit parfaitement dans cette lignée, poursuivant l'engagement de l'artiste à lever le voile du confort pour exposer un système dépendant d'images anesthésiantes et de mécanismes de défense chimiques. Emballages recyclés comme toile contemporaine La réutilisation est essentielle à l'éthique et à l'attrait visuel de cette œuvre. Les emballages pharmaceutiques recyclés servent non seulement de matériau, mais aussi de message. Le recyclage concret d'objets utilisés dans le traitement de la toxicomanie devient le symbole d'un processus plus vaste de réadaptation culturelle. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, la surface n'est jamais neutre. Le choix de Frost d'utiliser une boîte de méthadone transforme les déchets en témoignage et oblige le spectateur à repenser la place de l'art et ce qu'il est autorisé à critiquer. Avec « Snitches Get Stitches », Ben Frost poursuit sa fusion radicale de commentaire médico-industriel et de distorsion pop surréaliste, offrant une œuvre subversive et de collection, à la croisée du design commercial vandalisé et de la provocation artistique. L'échelle de l'œuvre, son authenticité matérielle et son langage visuel iconique en font non seulement une pièce maîtresse de la production de Frost en 2025, mais aussi un instantané d'une culture tiraillée entre rébellion édulcorée et dépendance contrôlée.

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Sérigraphie « The Return Gold » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de Cleon Peterson (2025). Tirage sérigraphique 20x20 représentant un guerrier à cheval brandissant une épée ensanglantée. Sortie en janvier 2025, en pleine période des incendies en Californie. Sérigraphie dorée « Le Retour » : La vision du conflit et du pouvoir selon Cleon Peterson L'estampe sérigraphique « The Return Gold » de Cleon Peterson est une puissante représentation du conflit et de la résilience humaine, exprimée à travers le langage du street art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, disponible en janvier 2025, est réalisée sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, offrant une richesse tactile qui complète son impact visuel saisissant. Mesurant 50,8 x 50,8 cm, l'œuvre représente un guerrier solitaire à cheval, brandissant une épée ensanglantée. Entièrement réalisée à l'encre dorée sur le fond blanc immaculé du papier, elle dégage une aura de grandeur et de violence, incarnant la dualité du triomphe et de la destruction. Cleon Peterson et son style emblématique Cleon Peterson est reconnu pour son approche graphique et minimaliste de la narration, explorant souvent les thèmes de la violence, du pouvoir et de la survie. Son œuvre est profondément ancrée dans la tension entre chaos et ordre, avec des compositions austères qui suscitent des émotions brutes. « The Return Gold » illustre parfaitement ce style, présentant une scène à la fois élégante et troublante. L'utilisation par Peterson de formes simplifiées et de silhouettes audacieuses permet aux spectateurs de se concentrer sur les éléments narratifs de l'œuvre, tandis que l'or y ajoute une dimension symbolique liée à la richesse, au pouvoir et à l'héritage. Publiée pendant les incendies de Californie de 2025, cette œuvre acquiert une pertinence accrue, faisant écho aux thèmes de la destruction et de la résilience. Symbolisme et impact visuel dans Le Retour de l'or La figure centrale de « The Return Gold » est un guerrier imposant à cheval, brandissant une épée encore dégoulinante de sang. Cette image évoque les thèmes de la conquête, de la survie et de la nature cyclique de la violence. Le cheval, symbole intemporel de puissance et de liberté, renforce l'intensité dramatique de l'œuvre. La palette monochrome dorée amplifie son impact, créant une luminosité qui contraste avec la gravité du sujet. Les bords frangés du papier soulignent le caractère brut de l'œuvre, ancrant son esthétique raffinée dans l'authenticité tactile de l'art urbain. Valeur de collection et contexte de The Return Gold Imprimée sur papier d'art haut de gamme Coventry Rag, « The Return Gold » témoigne du dévouement de Cleon Peterson à l'artisanat et à la profondeur narrative. Chaque tirage est signé et numéroté, garantissant son exclusivité au sein d'une édition limitée, non précisée mais très attendue. Sa sortie, en pleine crise des incendies en Californie, lui confère une signification particulière, établissant un lien entre les thèmes de l'œuvre et l'actualité. À la fois estampe d'art et œuvre de street art, « The Return Gold » brouille les frontières entre tradition et modernité, offrant aux collectionneurs une pièce riche de sens et d'une beauté saisissante. Elle reflète la maîtrise de Peterson dans l'art de condenser des expériences humaines complexes en formes minimalistes et audacieuses.

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Sérigraphie 4 couleurs en édition limitée Indivisible HPM, tirée à la main sur papier d'archivage Coventry Rag, par Saber Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Il s'agit d'une estampe grand format (101,6 x 71,1 cm) réalisée par sérigraphie et technique mixte (peinture aérosol et crayon) sur papier d'archivage Coventry Rag. Chaque estampe est unique grâce à l'utilisation de la peinture aérosol et du crayon. Les bords sont frangés à la main. « Cette estampe était une expérience de A à Z. C'est une œuvre multidimensionnelle en techniques mixtes, car l'original était une vidéo conceptuelle. À partir de cette expérience vidéo, j'ai pu capturer l'image finale pour la transposer au format estampe. Briser le drapeau américain imprimé sur verre et saisir les instants précis de sa fragmentation n'a pas été une mince affaire, mais au fur et à mesure de l'évolution du processus, le résultat a évolué lui aussi. J'ai vraiment mis tout mon cœur dans le travail manuel. Dans les couches de l'estampe se cachent des tags bruts à la peinture aérosol, enfouis sous des fontaines multicolores. J'ai également dessiné au crayon et peint à la bombe par-dessus les estampes, tissant ainsi ces couleurs et ces gestes à travers l'image. » - Saber

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Art en action - Tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² par Jeff Gillette, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format : 40,6 x 50,8 cm. Tirage pigmentaire d’archives. Édition limitée à 100 exemplaires (2021), signée et numérotée. Tirage pigmentaire d'archive sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Format : 40,6 x 50,8 cm. Sortie : 21 juillet 2021. L'estampe d'archives « Art in Action Haring » de Jeff Gillette est un hommage au légendaire artiste de rue et militant social Keith Haring. Jeff Gillette, l'artiste à l'origine de cette œuvre, est reconnu pour ses interprétations post-apocalyptiques de personnages et de paysages emblématiques de l'art contemporain. Dans cette pièce, il intègre le style et le langage visuel si caractéristiques de Keith Haring à sa propre expression artistique. L'estampe met en valeur les lignes audacieuses, les formes géométriques et les figures emblématiques de Haring, parfaitement intégrées à l'imagerie post-apocalyptique de Jeff Gillette. Il en résulte une œuvre fascinante qui reflète l'héritage et l'influence de Keith Haring, tout en restant fidèle à la vision artistique de Gillette. Imprimée sur papier d'archives avec des encres et des matériaux de haute qualité, cette œuvre garantit la vivacité et la précision des couleurs et des détails pour les années à venir. Ce procédé d'impression permet aux amateurs d'art et aux collectionneurs d'apprécier l'œuvre sans craindre la décoloration ou la détérioration au fil du temps. Les collectionneurs et les amateurs des œuvres de Keith Haring et de Jeff Gillette trouveront peut-être dans cette estampe un ajout précieux à leurs collections, car elle illustre de manière captivante la fusion de deux styles artistiques distincts.

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Sérigraphie artisanale bicolore « Tête de mort de clown d'anniversaire », édition limitée, encres rose et vert fluorescent sur papier cartonné blanc coton de qualité archive, par MFG-Matt Goldman Artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Étiquette violette blanchie HPM Technique mixte unique par Saber Feutre peint à la main sur papier beaux-arts Graffiti Street Artiste Art pop moderne. 2023 Édition Unique Mixte Signée et Numérotée Série Originale Édition de 40 HPM Dessiné à la main Technique Mixte, Peinture en Aérosol, Peinture Acrylique, Marqueurs et Marqueurs Permanents Taille de l'Œuvre 6x8 Mini Dessin sur Papier Beaux-Arts Épais. Exploration de l'essence du street art et du graffiti Le street art et le graffiti représentent une fusion vibrante et dynamique entre la culture urbaine underground et l'esthétique colorée et audacieuse du pop art. Ce mélange unique a donné naissance à un mouvement majeur de la scène artistique contemporaine, capturant l'essence de la vie urbaine et son énergie palpitante. Caractérisé par son esprit rebelle, ce mouvement s'affranchit souvent des contraintes des formes artistiques traditionnelles et exprime une vision brute et sans filtre de la société. Étiquette violette blanchie HPM Technique mixte Pièce unique par Saber L'œuvre intitulée « White Washed Purple Tag HPM Mixed Media Unique » de l'artiste Saber est un exemple parfait de cet art. Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, graffeur américain de renom, a joué un rôle essentiel dans l'intégration du graffiti et du street art dans les galeries d'art. Né en 1976, Saber demeure une figure influente de la scène street art, reconnu pour son style distinctif, caractérisé par une utilisation dynamique de la couleur, des tags audacieux et une esthétique avant-gardiste en résonance avec l'esprit de la culture urbaine. L'œuvre elle-même est une peinture au marqueur réalisée à la main sur papier beaux-arts, qui exhale l'énergie brute et la spontanéité propres au street art. Cette œuvre en techniques mixtes fait partie d'une série originale unique, éditée à 40 exemplaires. L'utilisation par Saber de peinture en aérosol, de peinture acrylique, de marqueurs et de feutres permanents aboutit à une œuvre visuellement saisissante et tactile grâce à la superposition des matériaux. Ses dimensions modestes (15 x 20 cm) peuvent paraître réduites, mais son impact est considérable. Son format compact capture l'immédiateté du graffiti, art où l'espace est souvent précieux et où les artistes doivent transmettre leur message de façon concise et percutante. Le papier beaux-arts épais témoigne de la durabilité et de la pérennité de cette forme d'art, à l'image des murs qui portent le poids des récits urbains. Importance artistique et impact culturel L'œuvre « White Washed Purple Tag » de Saber témoigne de l'impact culturel du street art et du graffiti. En transposant cet art des ruelles et des wagons de métro sur du papier d'art de qualité, l'artiste a revalorisé la perception du graffiti, le faisant reconnaître comme une forme de commentaire social et comme un art à part entière, à la fois légitime et sophistiqué. La technique mixte employée dans l'œuvre illustre la polyvalence et l'ingéniosité des artistes de rue, souvent contraints de s'adapter à des environnements variés et d'utiliser les matériaux disponibles. La technique du blanchiment, fréquemment utilisée par les autorités municipales pour recouvrir les graffitis, est ici réappropriée et transformée en support, créant un contraste saisissant avec le violet éclatant du tag. Cette réappropriation symbolise la lutte des artistes de rue pour la reconnaissance et le droit à l'espace public. Le tag violet, signature de l'œuvre de Saber, n'est pas qu'un simple nom : c'est une affirmation d'identité, une déclaration d'existence audacieuse dans un monde en perpétuelle mutation. Dans le contexte du pop art contemporain, l'œuvre de Saber fait le lien entre la culture urbaine et l'art savant, reflétant l'évolution des mentalités quant à ce qui est considéré comme précieux et digne d'intérêt dans le monde de l'art. Ses œuvres sont collectionnées et admirées pour leur esthétique et leur capacité à saisir l'esprit d'une génération de plus en plus urbanisée, connectée et diverse. La présence de cette pièce au sein de la collection d'œuvres mixtes rappelle le pouvoir transformateur de l'art. Elle célèbre l'individualité et la créativité, incitant les spectateurs à dépasser les apparences et à découvrir la beauté des messages et des histoires souvent négligés ou ignorés. « White Washed Purple Tag HPM Mixed Media Unique » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un fragment d'histoire culturelle, une tranche de vie urbaine et un symbole de rébellion artistique.

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Lithographie offset sur lin « Star Spangled Shadows » par Faile, imprimée sur papier d'art en lin, édition limitée, tirée à la main, style street art pop, graffiti. Lithographie offset en édition limitée signée, 2023, format 36x22, représentant le drapeau américain en motif zigzag stylisé. Réflexions culturelles dans la lithographie offset sur lin « Star Spangled Shadows » de Faile « Star Spangled Shadows » est une lithographie offset sur lin saisissante, réalisée par le collectif d'artistes Faile, reconnu pour ses contributions originales à l'art urbain et au graffiti. Cette lithographie signée, éditée en 2023, mesure 91,4 x 55,9 cm et propose une interprétation moderne du drapeau américain, représenté par un motif en zigzag stylisé. Cette œuvre témoigne de la capacité de Faile à insuffler aux symboles classiques une esthétique contemporaine du street art, invitant le spectateur à repenser l'iconographie de la nation et de l'identité. Dans cette œuvre, les rayures traditionnelles du drapeau américain sont réinventées en une série de motifs en zigzag dynamiques, créant une impression de mouvement et de tension. Les étoiles, disposées en grille, flottent au-dessus des rayures, suggérant à la fois continuité et changement. Le choix d'un papier d'art en lin pour l'impression souligne les qualités texturales de l'œuvre et fait écho à l'utilisation historique du lin dans la confection des drapeaux, renforçant ainsi la profondeur conceptuelle de l'œuvre. Cette estampe s'inscrit dans une exploration plus vaste, menée par Faile, des symboles culturels et de leurs interprétations au sein du langage visuel du street art et du graffiti. En déconstruisant un emblème aussi puissant de l'identité américaine, Faile invite à un dialogue sur les fondements de la nation, ses réalités actuelles et les zones d'ombre projetées par ses idéaux. Le motif en zigzag peut être perçu comme une métaphore du paysage politique et social complexe et souvent tumultueux des États-Unis, suscitant des réflexions sur l'avenir du pays. La finesse du trait et la composition soignée de « Star Spangled Shadows » caractérisent l'approche raffinée de Faile en matière de street art. Alors que de nombreux artistes de rue privilégient l'immédiateté de la peinture en aérosol et des pochoirs, le processus de gravure de Faile repose sur une technique méticuleuse garantissant un haut niveau de détail et de précision. Cette méticulosité n'altère en rien l'accessibilité de l'œuvre ; au contraire, elle renforce sa capacité à communiquer avec un large public, un principe fondamental du street art. Tirage artisanal, « Star Spangled Shadows » illustre la fusion entre savoir-faire et production de masse propre à la lithographie, un procédé aux racines historiques profondes que la pratique contemporaine de Faile réinvente. Le choix de la lithographie offset est particulièrement significatif, compte tenu de l'association de ce médium avec la diffusion d'informations et la propagande. Ce lien fait écho à l'engagement critique de l'œuvre envers le symbolisme national. Les collectionneurs et amateurs d'art urbain et de graffiti apprécieront « Star Spangled Shadows » pour son esthétique et son commentaire culturel. Par son utilisation audacieuse de la couleur, sa sensibilité graphique et la richesse de ses significations, l'œuvre de Faile repousse sans cesse les limites de l'art urbain. Avec sa réinterprétation du drapeau américain, ce tirage démontre le potentiel de l'art urbain à servir de plateforme pour réexaminer et réinventer les symboles qui façonnent notre conscience collective.

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Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art de qualité supérieure, par Eric Pagsanjan, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Banned 1s par Eric Pagsanjan | SneakerHeroes x Quiccs, sérigraphie 4 couleurs, édition limitée à 88 exemplaires, signée et numérotée par l'artiste. Dimensions : 45,7 cm x 61 cm. « Peu de chaussures dans l'histoire de la gamme Air Jordan, longue de plus de 30 ans, sont aussi tristement célèbres que la Air Jordan 1 noire et rouge. Cette sneaker, surnommée la « Jordan 1 interdite », a toujours occupé une place importante dans l'histoire, de la légende qui entoure sa création à l'engouement suscité par ses rééditions. Voici comment tout a commencé. La légende raconte que Michael Jordan a été condamné à une amende de 5 000 $ par la NBA à chaque fois qu'il portait ces chaussures lors de leur lancement en 1984, car elles enfreignaient le règlement de la ligue concernant les uniformes. Nike a exploité cette situation, créant une campagne publicitaire jouant sur le côté interdit… » – Eric Pagsanjan

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Dunny Kidrobot en résine, édition limitée Breaking Free, œuvre d'art de collection réalisée par l'artiste de graffiti de rue Whatshisname. Nouveauté 2022 : La pression de se conformer aux attentes de sa famille, aux normes sociales et aux promesses de bonheur véhiculées par la publicité. Mais il est possible de s’en libérer. Cette collaboration entre Kidrobot et l’artiste londonien Whatshisname utilise le support des toilettes Dunny pour explorer le conflit intérieur entre les aspects de notre identité imposés par le monde extérieur et notre désir d’authenticité. Cette figurine en résine de 20 cm, pleine de force, représente une personne qui se rebelle contre les contraintes du monde et s’affirme pleinement.

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« Calamity is All I See », tirages d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, réalisés par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Caitlin Hackett. Artiste : Caitlin Hackett Titre : « Calamity is All I See » Technique : Tirage pigmentaire d’archives Édition : 40 exemplaires Signatures : Signé et numéroté par l’artiste Dimensions : 28 x 35,5 cm

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Et puis les choses se sont améliorées - Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Mare139 Silver Chrome Limited Edition Rare Spray Paint Can Artwork Crossover du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN x Mare139 Carlos Rodriguez. Édition limitée 2012 à 300 exemplaires : bombe de peinture Montana MTN x Mare139 Carlos Rodriguez, vendue sans boîte. « Street Play » par Martha Cooper x Mare139 Carlos Rodriguez. Mare139 : L’alchimiste du street art et de la sculpture Carlos Rodriguez, plus connu sous le pseudonyme de Mare139, est une figure incontournable de l'histoire du street art. Son parcours, des bas-fonds du métro new-yorkais aux galeries d'art prestigieuses, illustre l'évolution du graffiti en tant que forme d'art à part entière. La bombe de peinture « Mare139 Silver Chrome Limited Edition », fruit d'une collaboration avec Montana MTN et sortie en 2012, est un hommage tangible à sa carrière exceptionnelle. Cette pièce de collection rare, limitée à 300 exemplaires et présentée sans boîte, est un véritable objet qui incarne l'essence même de la contribution de Mare139 au mouvement graffiti. L'art de Mare139 ne se limite pas à la bombe de peinture. Il est également reconnu pour ses sculptures métalliques, qui transposent le dynamisme fluide de son street art dans la solidité de formes tridimensionnelles. Son œuvre « Street Play » de Martha Cooper et son rôle majeur dans le documentaire culte « Style Wars » sont des moments clés qui ont inscrit son nom dans l'histoire du street art. Son influence témoigne du pouvoir du graffiti dans la construction de la culture urbaine et de sa capacité à forger des souvenirs inoubliables dans l'esprit de son public. L'héritage de Mare139 dans la culture graffiti L'héritage de Mare139 dans le graffiti est multiple. Pionnier du mouvement graffiti new-yorkais, il a joué un rôle déterminant dans la popularisation de cet art, le faisant passer des tunnels du métro à l'espace public. Son style unique, mélange de lignes nettes et de courbes fluides, est devenu une référence pour les graffeurs du monde entier. La bombe de peinture « Mare139 Silver Chrome » symbolise cet héritage, témoignant de sa crédibilité dans la rue et de son rôle dans l'essor du graffiti. La bombe elle-même, avec sa finition chromée argentée élégante, est un clin d'œil aux matières premières de l'artiste. À la fois récipient de peinture et support, elle représente Mare139 en pleine création, offrant une réflexion sur le processus créatif et sur l'artiste. Cet objet, dépouillé de toute présentation traditionnelle, affirme avec force l'impact de Mare139 sur le monde de l'art : sans fioritures, sans artifices et d'une authenticité sans compromis. L'évolution artistique de Carlos Rodriguez 'Mare139' L'évolution de Carlos Rodriguez, alias Mare139, d'artiste de rue à figure respectée de l'art contemporain, est un véritable récit de transformation. Ses sculptures, qui intègrent souvent des éléments du langage visuel du graffiti, témoignent de sa capacité à explorer différents médiums artistiques tout en conservant l'essence de ses racines urbaines. L'œuvre de Mare139 a enrichi le paysage visuel et alimenté le débat critique sur la valeur et l'impact du street art. La sortie de la bombe de peinture « Mare139 Silver Chrome » par Montana MTN célèbre le parcours de l'artiste. Chaque bombe en édition limitée est un fragment de cette histoire, une manifestation tangible de l'influence durable de Mare139 sur le pop art et le graffiti. Alors que Mare139 continue de créer, ses contributions relient le passé, le présent et l'avenir du graffiti, nous rappelant le pouvoir de cet art d'innover, d'inspirer et de susciter le changement. Dans le milieu artistique, les contributions de Mare139 témoignent du pouvoir transformateur de l'art et de sa capacité à remodeler les perceptions et à ouvrir de nouvelles voies. Son œuvre continue d'inspirer artistes et passionnés, assurant ainsi que la voix vibrante et rebelle de la rue demeure un élément essentiel du débat artistique. Tandis que le pop art urbain et le graffiti continuent d'évoluer, l'influence d'artistes comme Mare139 sera vénérée, commémorée et revisitée par ceux qui comprennent l'impact profond de ces mouvements sur notre patrimoine culturel collectif.

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Achetez Atlas - Sérigraphie 6 couleurs tirée à la main en édition limitée standard sur papier d'archive déchiré à la main par Mr Brainwash x Rubik graffiti street artiste pop art moderne. Chaque tirage est signé et numéroté par l'artiste, avec une empreinte de pouce au dos. Imprimé sur du papier d'archives déchiré à la main.

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« Dark as a Dungeon », édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier Cougar Natural 130 lb, par Bernie Wrightson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Dissection de la Petite Sirène - Feuille d'anatomie n° 24 Tirage à la main 1 couleur Sérigraphie en édition limitée sur papier Munken Pure 300 g/m² par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2018, format 11x17 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 200 exemplaires. Année : 2018. Estampille et cachet d’authenticité. Numéroté et signé par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie des personnages de dessins animés de la culture populaire. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’intéresser aux détails de l’anatomie des personnages de dessins animés.

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« Agreed to Descend », édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier Cougar Natural 130 lb, par Bernie Wrightson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste (EA) 2014 Signée et marquée EA Format 20x30 Chaque estampe mesure 20 × 30 cm et est signée par l'artiste lui-même, Bernie Wrightson. Il s'agit d'impressions sérigraphiques réalisées à la main sur papier Cougar Natural épais de 130 lb.

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Poupée russe gigogne, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Assiette en céramique Akira Pill, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, format 10x10, objet d'art de collection. Présentation de l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill : une convergence entre le pop art urbain et le design de collection L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill est une pièce unique dans l'univers du design de collection et du pop art urbain. Lancée dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée illustre à merveille l'alliance harmonieuse entre objet utilitaire et œuvre d'art. La collaboration entre Supreme et le manga AKIRA dépasse le simple cadre commercial pour donner naissance à un objet de collection célébrant l'esthétique de la culture urbaine et du graphisme japonais. Plus qu'une simple assiette, l'assiette Supreme AKIRA Pill est une véritable toile qui met en lumière la rencontre fascinante entre l'audace de Supreme et le style graphique saisissant d'AKIRA. Fabriquée en céramique de haute qualité, elle allie durabilité et esthétique, se prêtant aussi bien à un usage quotidien qu'à la décoration. L'illustration, représentant un personnage en pleine action, avalant une pilule, est réalisée dans un noir et blanc contrasté, insufflant à cet objet statique le dynamisme et l'énergie brute des planches du manga original. L'image est accompagnée de la phrase « ILS SONT COMME DES BONBONS ! », ajoutant une dimension narrative et intrigante à l'œuvre. L'esprit de cette collaboration est palpable dans cet objet d'art unique. L'œuvre présentée capture l'essence de la série AKIRA, tandis que l'intégration du logo Supreme la replace dans l'univers de la mode urbaine haut de gamme. Le choix de modifier le logo Supreme et de l'apposer sur la pilule témoigne du talent de la marque pour intégrer harmonieusement des références à la culture populaire dans ses produits. Cette technique séduit non seulement les fans du manga, mais aussi les adeptes de la marque Supreme, dont l'identité est subtilement tissée dans le récit. Le dessous de la plaque fait partie intégrante de l'œuvre, arborant le logo Supreme Box classique dans ses couleurs vives d'origine. Ce détail, signature de la marque, est un clin d'œil à ses racines dans les cultures du skateboard et du streetwear, et constitue un gage d'authenticité pour les collectionneurs. L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill est une œuvre d'art pop et graffiti de rue. L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill témoigne de l'évolution du street art et du graffiti. Elle incarne l'essence même de l'art contemporain : à la fois fonctionnelle et provocatrice, profondément ancrée dans la culture underground. Bien plus qu'un simple produit dérivé, cette assiette est un fragment de l'histoire du street art, immortalisé dans une céramique émaillée. Son design reflète les points communs du street art et du graffiti : spontanéité, audace et provocation. Pourtant, il est sublimé par le prisme du pop art, qui transforme l'objet du quotidien en une œuvre extraordinaire. Cette collaboration symbolise la manière dont le street art brouille les frontières entre art commercial et art savant, invitant à une réflexion sur la valeur et la signification de l'art dans les objets du quotidien. En tant qu'œuvre d'art, l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill prolonge l'héritage de son inspiration manga vers de nouveaux horizons. Elle représente concrètement l'impact culturel de la série AKIRA sur l'univers du roman graphique et, plus largement, sur la culture pop. Pour Supreme, cette assiette vient enrichir sa collection d'objets à la fois contemporains et intemporels, des pièces qui captent l'air du temps tout en conservant un caractère exclusif et un potentiel de collection. Dans le domaine du street art et du graffiti, des objets comme l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill remettent en question les conceptions traditionnelles de l'art. Ils insufflent à nos intérieurs la vitalité et l'audace du street art, en fusionnant avec la fonctionnalité des objets du quotidien. Plus qu'un simple plat pratique, cette assiette est un objet de conversation, un commentaire culturel et une œuvre d'art à collectionner, incarnant à la perfection l'esprit novateur et transformateur du street art.

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Green Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée numérotée de 50 exemplaires (2022) - Illustration pour skateboard - Format 8,25 x 31,87 Naturellement, cet artiste s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine, tout en conservant une pertinence indéniable et en s'attachant à susciter la réflexion. Il explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels, inscrits dans la mémoire collective de la civilisation occidentale. Autrement dit, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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En hommage à Vincent Jen Chin, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey x Gordon Cheung, œuvre d'art de rue rare OBEY Pop. Sérigraphie signée et numérotée EN HOMMAGE À VINCENT JEN CHIN 45,7 cm x 61 cm Édition limitée à 350 exemplaires 18 août 2021 Légères bosses à l'extrême bas du côté gauche. Dans cette crise pandémique politisée, où l'ancien dirigeant de la nation la plus puissante du monde a qualifié le coronavirus de « virus chinois » et ses diverses variantes, les conséquences de la culpabilisation raciste ont entraîné une forte augmentation des crimes haineux contre les Asiatiques. J'espère que cette collaboration entre Shepard et moi-même permettra de sensibiliser le public à la longue histoire de la haine anti-asiatique et à l'important héritage de Vincent Chin, dont la mort prématurée en 1982 a galvanisé la population et l'a incitée à revendiquer les droits civiques des Américains d'origine asiatique. Ce moment crucial de l'histoire exige une mobilisation générale où la diaspora asiatique doit faire entendre sa voix haut et fort. Il est essentiel de s'unir, de plaider pour le changement et de construire collectivement des ponts de compréhension, par-delà les plafonds de verre et les murs de la haine. - Gordon Cheung

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All City Legends, peinture originale au marqueur aérosol par Optimo NYC, œuvre unique sur papier beaux-arts, art urbain, artiste pop. Peinture originale signée, réalisée au feutre et à la peinture aérosol en 2022. Format : 7 x 9 pouces. All City Legends par Optimo NYC – Œuvres originales à la bombe et au marqueur, dans le style pop art et graffiti urbain. « All City Legends » est une œuvre originale de 2022, réalisée à la bombe aérosol et au marqueur par Optimo NYC sur papier beaux-arts de 18 x 23 cm. Cette œuvre unique en son genre capture l'essence même du graffiti – l'esprit de la ville – à travers une figure minimaliste, une phrase codée et les textures superposées du mouvement urbain. Le personnage principal, esquissé dans le style fluide et inimitable d'Optimo, porte un long manteau et un haut-de-forme, une présence stylisée récurrente dans son œuvre. Les mots « All City Legends » sont inscrits à la main sur le torse du personnage en lettres capitales, fusionnant figure et texte en un seul symbole de réputation, de mouvement et de légende. Le fond présente de doux dégradés de peinture rouge, violette, bleue et blanche, se croisant en diagonale comme des traînées de lumière ou des échos de la peinture. Il évoque la brume atmosphérique des gares et des dépôts de marchandises recouverts de graffitis, tout en conservant une clarté abstraite propre à la composition des beaux-arts. Personnages stylisés et symbolisme des graffitis Le personnage à chapeau haut-de-forme d'Optimo NYC est bien plus qu'une simple figure récurrente : c'est une icône d'identité et de présence, un symbole d'autorité urbaine rendu par le geste et l'attitude. L'absence de visage de cette figure évoque l'anonymat de la culture graffiti, où les noms sont connus mais les visages restent souvent dissimulés derrière des masques, des mouvements ou des légendes. Dans cette œuvre, la figure se dresse, imposante et silencieuse, sa silhouette nette se détachant sur le fond vaporeux. L'inscription « All City » sur sa poitrine n'est pas seulement une déclaration, mais aussi un hommage aux graffeurs qui ont investi chaque arrondissement, chaque ligne, chaque mur. Elle évoque la saturation, la notoriété et le rythme visuel d'un nom répété à l'infini sur les surfaces d'une métropole. Optimo honore ce code avec respect, mêlant le langage de la hiérarchie du graffiti à la poétique de la sobriété visuelle. Texture, mouvement et flux d'énergie du spray Le fond d'« All City Legends » porte l'énergie du transit et de la répétition. Des diagonales vaporisées aux teintes pastel douces se mêlent à des couches de mouchetures noires et blanches près du bas de la feuille, créant une sensation de vitesse et de mouvement superposé. Ces textures ne se contentent pas d'encadrer le personnage ; elles suggèrent l'environnement, la mémoire et une urgence cinétique. Le travail d'Optimo repose souvent sur cet équilibre entre mouvement et maîtrise : la peinture est appliquée en arcs spontanés tandis que le tracé reste précis et chirurgical. La tension entre ces techniques reflète le processus du graffiti lui-même : rapide, concentré, imprévisible et pourtant précis. Chaque dégradé, chaque surpulvérisation et chaque goutte de cette œuvre reflète les matériaux bruts de la ville, réassemblés en un vocabulaire artistique. Respect du graffiti et récit du pop art urbain « All City Legends » incarne la capacité unique d'Optimo NYC à honorer la tradition tout en faisant évoluer le genre. Figure emblématique du graffiti new-yorkais, il imprègne chacune de ses œuvres d'un profond respect pour les codes, le statut et l'évolution stylistique. Cette peinture est un hommage discret mais puissant à ceux qui ont acquis leur notoriété non par le tapage médiatique, mais par la couverture médiatique, par l'impact qu'ils ont laissé sur toute la ville, un tag après l'autre. Son format est certes intimiste, mais son message est universel. C'est un hommage personnel et une archive publique, un murmure visuel qui fait écho au grondement des tunnels du métro et des toits. Dans le paysage du street art et du graffiti, « All City Legends » d'Optimo se dresse comme un hommage raffiné aux noms qui ont marqué l'histoire du graffiti et façonné les villes – un art fait de lignes, d'esprit et de la mémoire viscérale du mouvement.

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Qui a fait frire Roger Rabbit ? Tirage d'art sur papier buvard perforé Seroquel par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. La folie des dessins animés rencontre la culture pharmaceutique Qui a fait frire Roger Rabbit ? L'estampe « Seroquel Blotter Paper » de Ben Frost réinterprète le personnage animé iconique Roger Rabbit dans le contexte du marketing pharmaceutique moderne. Tirée en édition limitée (19 x 19 cm) sur papier buvard perforé, cette estampe pigmentaire d'archives explore avec une précision satirique la collision entre la culture pop et le conditionnement des médicaments. Mettant en scène le personnage animé arborant un sourire maniaque à côté d'une notice de Seroquel XR, l'estampe est perforée à la main par Zane Kesey et produite en édition signée et numérotée. Cette œuvre critique la façon dont la société normalise les troubles mentaux par le biais du marketing et interroge la coexistence de l'animation, de la nostalgie et des produits pharmaceutiques dans un même message visuel. Image de marque satirique et ironie médicale Frost fusionne la personnalité exubérante de Roger Rabbit avec le Seroquel, un médicament utilisé pour traiter les troubles de l'humeur, afin d'amplifier les effets surréalistes de l'hyperstimulation et de la sédation. En transformant l'aspect clinique d'une boîte de médicament en une toile ludique et chaotique pour un personnage de dessin animé, Frost brouille la frontière entre traitement et évasion. Son utilisation précise du langage utilisé sur l'emballage de la quétiapine, incluant les informations posologiques et les avertissements, est pourtant détournée par le comportement erratique de Roger Rabbit. Le message sous-jacent interroge la manière dont les médicaments sont commercialisés dans une culture qui instrumentalise à la fois la maladie mentale et la nostalgie de l'enfance. Subversion matérielle sous forme de buvard Le format buvard est essentiel à la portée conceptuelle de l'œuvre. Traditionnellement associé à la distribution de LSD, le buvard évoque une filiation psychédélique et suggère une perception altérée de la réalité. En plaçant un personnage de dessin animé sur un fond imitant un médicament, Frost bouleverse les attentes liées au sérieux du design pharmaceutique par l'absurde. La perforation fragmente physiquement l'image, faisant écho à la fragmentation de la conscience et des émotions dans les expériences médicamenteuses et animées. Ce format permet à l'œuvre de commenter simultanément la culture de la drogue, les médias de divertissement et le marketing de la santé mentale. La provocation visuelle de Ben Frost L'artiste australien Ben Frost s'est fait connaître en détournant la publicité, les logos pharmaceutiques et les dessins animés grand public pour en faire un commentaire social incisif. Son art urbain, à la croisée du pop art et du graffiti, explore la psychologie du consommateur à travers des couleurs vives, des images reconnaissables et des juxtapositions percutantes. « Qui a frit Roger Rabbit ? » est un exemple frappant de cette approche, mêlant l'esthétique de l'enfance à la froideur clinique du monde médical. Frost confronte le spectateur à des contradictions qu'il néglige parfois au quotidien, tirant humour et tension de l'alliance troublante entre la folie des dessins animés et la stabilité imposée. Il ne s'agit pas seulement d'une stimulation visuelle, mais d'une question enveloppée dans un emballage auquel on nous enjoint de faire confiance.

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Madison Avenue Baby Milo Vert-Noir, œuvre d'art en édition limitée de l'artiste de graffiti urbain Bape. 2021 2G72-182-049 / Vert / F Madison Ave New York City Assiette avec objet d'art représentant un bébé singe Milo

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Joker - Darkest Knight, sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Brian Ewing, artiste pop art célèbre et rare. Batman Joker Darkest Knight Édition limitée à 50 exemplaires, signés et numérotés (2021)

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Horloge murale Bapex Type 4, édition limitée, objet d'art de collection, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Bape - A Bathing Ape. Cadran de montre Bapex Type 4 2021, utilisable comme horloge murale, neuf dans sa boîte.

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Lutteurs de Lucha Libre, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore rose fluo et vert fluo sur papier cartonné blanc coton de qualité archive, par MFG-Matt Goldman Artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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L'art en action - Tirage d'art en édition limitée Kaws Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Jeff Gillette, légende du street art pop graffiti. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Format : 40,6 x 50,8 cm. Sortie : 3 décembre 2021. Tirage limité à 100 exemplaires.

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Une fille déguisée en Rikku, édition limitée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Ian Francis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ian Francis - Une fille déguisée en Rikku, 2009. Éditions BLK/MRKT. Sérigraphie 3 couleurs sur papier 100 % coton. Tirage limité à 100 exemplaires. Dimensions : 45,7 x 61 cm. Signée, numérotée et estampillée. Inspirée du personnage du jeu vidéo Final Fantasy.

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Flèches embellies inconnues 2015 Édition limitée Impression sérigraphique HPM embellie à la main, peinture, peinture en aérosol, pochoir sur papier beaux-arts par Tavar Zawacki - Artiste de rue graffiti ci-dessus Art pop moderne. Je ne me souviens plus du nom de cette œuvre, si vous le connaissez, merci de me contacter.

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« Still Human », une œuvre d'art en édition limitée, estampe giclée sur papier aquarelle pressé à froid 300 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Alex Kirzhner.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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The Big Lebowski Édition Limitée 2 Couleurs Sérigraphie à l'encre Métallique tirée à la main sur papier d'art découpé par Matt Dye- Blunt Graffix Artiste de rue Graffiti Art Pop Moderne.

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