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Ahsoka Tano - Cosmos - Sérigraphie en édition limitée, 8 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art à feuille holographique, par Joshua Budich, artiste pop moderne. Édition Cosmos 2022, signée et numérotée, édition limitée à 25 exemplaires, format 18x18, illustration Star Wars

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« Le Dragon Blanc », édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier épais, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée (2013), série VI. Format : 30,5 x 61 cm. Encre métallisée argentée effet pluie. Cette estampe est une collaboration entre Tim Doyle et Nick Derington. Elle est signée à la main d'un VII et présente des marges blanches. Inspirée du film Blade Runner. Sérigraphie « Le Dragon Blanc » de Tim Doyle « Le Dragon Blanc » de Tim Doyle est une œuvre visuellement saisissante, mélangeant art urbain pop et graffiti, influences cyberpunk et paysage urbain d'une précision méticuleuse. Créée en 2013, cette sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur papier épais fait partie d'une édition limitée à 300 exemplaires. Signée à la main d'un VII et dotée de marges blanches, elle utilise une encre argentée métallisée pour créer un effet de pluie scintillant qui sublime le paysage urbain nocturne. Réalisée en collaboration avec l'artiste Nick Derington, cette œuvre capture l'atmosphère électrique d'une métropole futuriste, puisant son inspiration directe dans le film Blade Runner. L'influence de Blade Runner sur l'esthétique urbaine Cette œuvre plonge le spectateur dans une ville dystopique où se mêlent enseignes au néon, ruelles obscures et un commerce traditionnel associé à des technologies futuristes. Inspirée par l'esthétique cinématographique de Blade Runner, la composition de Doyle reflète les éléments visuels marquants du film, notamment la fusion de marchés de rue asiatiques, de publicités sur des gratte-ciel et d'un paysage constamment humide et illuminé. La présence du dragon bleu néon, des panneaux de signalisation flottants et des silhouettes abritées sous des parapluies renforce l'atmosphère cyberpunk. Ces éléments créent un contraste saisissant entre la lumière artificielle et les silhouettes sombres des personnages arpentant les rues détrempées. La profondeur de la composition offre une expérience à plusieurs niveaux, guidant le regard du spectateur des personnages au premier plan vers les structures imposantes à l'arrière-plan. L'intégration de logos de marques reconnaissables, comme Atari et Koss, ajoute une touche de nostalgie tout en soulignant la nature consumériste de ce monde futuriste. Cette combinaison d'images commerciales et de réalisme urbain cru est une caractéristique du street art et du graffiti, reflétant un commentaire plus large sur l'évolution technologique et la fusion culturelle. L'approche de Tim Doyle en matière de pop art moderne Tim Doyle est reconnu pour son talent à transposer des atmosphères cinématographiques en sérigraphies qui conservent l'énergie brute du pop art urbain. Sa formation en illustration et en gravure lui permet de créer des œuvres à la fois graphiques et atmosphériques. Dans « Le Dragon Blanc », l'utilisation d'encre argentée métallisée confère à la pluie une qualité presque animée, insufflant la vie au décor urbain. L'équilibre subtil des tons bleus, rouges et foncés accentue le contraste saisissant entre éléments artificiels et naturels, renforçant la tension entre technologie et existence humaine dans un monde en perpétuelle évolution. La sérigraphie artisanale confère à cette estampe une qualité tangible et tactile que l'art numérique ne peut reproduire. La superposition d'encre crée une impression de profondeur, chaque trait contribuant aux détails complexes qui définissent la composition. Les marges blanches encadrent l'œuvre, lui donnant l'apparence d'un instant figé dans le temps – capturant une ville qui ne dort jamais, en constante évolution et pourtant prisonnière d'une esthétique intemporelle. L'héritage du dragon blanc dans le graffiti et le pop art urbain Dans le cadre de son exploration continue des paysages urbains inspirés du cinéma, Doyle nous livre avec « Le Dragon Blanc » un témoignage de l'influence durable du cyberpunk sur l'art moderne. Cette estampe en édition limitée, d'une facture méticuleuse et au récit immersif, fait le lien entre la nostalgie cinématographique et la culture visuelle contemporaine. L'alliance de la sérigraphie artisanale, de lignes graphiques audacieuses et de palettes de couleurs néon s'inscrit dans l'esthétique du street art et du graffiti, faisant de cette œuvre une pièce maîtresse du travail de Doyle. À travers cette estampe, Doyle et Derington transportent avec brio le spectateur dans un univers à la fois familier et futuriste, où la pluie ne cesse jamais et où les néons brillent sans cesse. « Le Dragon Blanc » est bien plus qu'une simple représentation d'une ville dystopique ; c'est un hommage au langage visuel qui a marqué des générations de rêveurs urbains, de conteurs et d'artistes.

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« Sitting Seven », édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier Muscletone blanc français de 140 lb, par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Nombre de mes tableaux, notamment les œuvres figuratives mettant en scène des modèles et des femmes, portent souvent des noms de planètes ou font référence à l'univers : « Galaxie », « Miss Mars », « Mercure », « Lune », etc. J'ai cherché, au fil des ans, à maintenir cette cohérence, à explorer la notion d'« espace » et de liberté infinie. L'apesanteur, c'est le moment où l'on échappe à l'attraction gravitationnelle, où l'on quitte l'atmosphère et où tout flotte. » – Camilo Pardo

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Œuvre de Groene Vlinder, impression giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton gravure 315 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan. Tirage d'art giclée avec réalité augmentée, papier coton 315 g/m², gravure sur papier chiffon, 42 x 54 cm (image et papier), signé et numéroté, logo en relief, édition limitée à 88 exemplaires, 2020 Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/416245862 Utilise l' application Artivive

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Sweet Sins - Sérigraphie HOM ornée, édition limitée, bicolore bleue, tirée à la main, sur papier Lenox 100 par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 250 exemplaires. Acrylique et encre sérigraphique sur papier Lenox 100. Coloris bleu/rouge. Signé, tamponné et numéroté par Faile.

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Takaashigani - Œuvre rose, impression giclée en édition limitée sur papier d'archivage 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Barnaby Ward. Il s'agit d'une reproduction d'art giclée de qualité galerie, imprimée sur du papier d'archivage 100 % coton avec des encres d'archivage. Chaque tirage est proposé en fonction de son format et comporte une marge d'au moins 2,5 cm.

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C'est enfin terminé ! Impression à la peinture en aérosol au pochoir HPM par Denial - Daniel Bombardier. Plusieurs œuvres peintes à la main sur bois encadré, prêtes à être accrochées. Artiste de rue graffiti unique, art pop moderne. Édition 2020 signée et numérotée à 20 exemplaires. Œuvre d'art unique à la peinture au pochoir HPM, format 11x15 sur bois encadré, prête à être accrochée. C'est enfin terminé ! Pochoir HPM à la bombe de peinture par Denial – Art urbain pop et graffiti Denial, alias Daniel Bombardier, présente « It's Finally Over », une œuvre multiple saisissante peinte à la main, fusionnant culture pop, nostalgie et commentaire politique. Créée en 2020, cette édition signée et numérotée à 20 exemplaires est réalisée à la peinture aérosol au pochoir sur un support en bois de 28 x 38 cm, ce qui en fait une pièce maîtresse audacieuse, prête à être accrochée. Reconnu pour sa fusion de l'esthétique pop art classique et de l'énergie brute du street art, Denial repousse sans cesse les limites en réinterprétant des codes visuels familiers de manière provocatrice et stimulante. La composition met en scène une figure féminine, dans le style des bandes dessinées, le visage déformé par l'émotion, des larmes ruisselant sur ses joues. Réalisée dans une palette de couleurs restreinte mais très contrastée, elle semble plongée dans le désespoir. La bulle de dialogue au-dessus de sa tête proclame « It's Finally Over », renforçant le sentiment dramatique. Cependant, l'arrière-plan rompt avec la scène pop art romantique traditionnelle, la remplaçant par une atmosphère chaotique et incandescente, marquée par une cascade de bombes. Ce contraste visuel entre la douleur personnelle et la destruction à grande échelle transforme l'œuvre, initialement inspirée de la bande dessinée, en une critique politique et sociale complexe. La symbolique derrière « C'est enfin terminé » La capacité de Denial à réinterpréter l'imagerie du pop art en critiques contemporaines est manifeste dans « It's Finally Over ». La femme en pleurs, motif souvent associé aux bandes dessinées romantiques du milieu du XXe siècle, est une représentation familière du chagrin d'amour, du désir ou de la perte personnelle. Cependant, Denial subvertit ce récit en la plaçant sur un fond de destruction guerrière, remettant en question la perception du spectateur quant à la véritable nature du deuil. L'expression « It's Finally Over » peut être interprétée de multiples façons, contribuant à la complexité de l'œuvre. Elle pourrait faire référence à la fin d'une relation personnelle, à l'effondrement des idéaux de la société, voire à la destruction causée par les conflits politiques et militaires. L'inclusion de bombes qui tombent imprègne directement l'œuvre des thèmes de la guerre, de la violence et du poids des événements historiques, en faisant une puissante métaphore visuelle de la convergence des luttes personnelles et mondiales. Les roses et les rouges vifs des cheveux et des lèvres de la femme contrastent fortement avec les éléments plus sombres et menaçants de l'arrière-plan, créant un effet visuel saisissant qui renforce l'intensité émotionnelle de l'œuvre. L'utilisation par Denial de techniques pop art, telles que les points de demi-teintes et les contours noirs épais, renforce encore le lien visuel avec les illustrations de bandes dessinées classiques tout en conservant l'énergie rebelle du street art. L'approche unique de Denial en matière d'art urbain pop et de graffiti L'œuvre de Denial remet constamment en question la société de consommation, la propagande politique et les discours médiatiques. En utilisant l'esthétique familière de la bande dessinée et en la réinterprétant dans une critique contemporaine, il invite le spectateur à s'interroger sur les thèmes de la manipulation, de la désillusion et des troubles sociaux. « It's Finally Over » illustre sa capacité à mêler humour, nostalgie et commentaire social incisif d'une manière à la fois visuellement captivante et intellectuellement stimulante. Sa technique au pochoir lui confère une grande précision tout en préservant l'énergie brute du graffiti. L'utilisation de peinture en aérosol et d'éléments peints à la main garantit l'unicité de chaque pièce de cette édition, renforçant ainsi son attrait pour les collectionneurs. Le choix de peindre sur bois encadré plutôt que sur toile ou papier confère une profondeur supplémentaire à l'œuvre, la faisant s'apparenter davantage à un objet de culture urbaine qu'à une estampe d'art traditionnelle. L'alliance, chez Denial, de l'esthétique épurée et soignée du pop art et de la nature rebelle du street art assure à son œuvre une accessibilité et une dimension subversive indéniables. Sa capacité à manipuler des images iconiques et à les réinterpréter dans des contextes modernes témoigne de son talent à la fois d'artiste et de critique culturel. L'impact de « C'est enfin fini » dans l'art urbain contemporain « It's Finally Over » reflète les angoisses modernes, explorant les thèmes de la guerre, des bouleversements émotionnels et du poids des cycles historiques. En s'appropriant une image communément associée à la romance et en l'imprégnant d'un récit plus profond et plus sinistre, Denial oblige le spectateur à repenser l'intersection du désespoir personnel et politique. L'œuvre invite le public à réfléchir au véritable sens du mot « fin », que ce soit dans les relations, les systèmes politiques ou l'état du monde en général. Figure majeure de l'art urbain contemporain, Denial continue de créer des œuvres qui résonnent à de multiples niveaux. Sa capacité à transformer les références à la culture populaire en déclarations de résistance, de critique et d'introspection consolide sa place dans le monde en constante évolution du street art et du graffiti. « It's Finally Over » est un exemple frappant de sa vision artistique, garantissant que son message perdure bien après le premier regard, suscitant la discussion et la réflexion chez ceux qui la contemplent.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Occupy Protester AP 2-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Speckletone Art Paper by Shepard Fairey, Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Épreuve d'artiste (EA) 2012 Signée et numérotée Manifestant Occupy, 2012 Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté 61 x 45,7 cm (feuille) EA (hors édition de 450 exemplaires) Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Occupy Wall Street « Manifestant d’Occupy » de Shepard Fairey : un phare du pop art urbain et de l’activisme « Manifestant d'Occupy » de Shepard Fairey est une représentation poignante de l'engagement de l'artiste dans le mouvement Occupy Wall Street et de son influence constante sur le pop art urbain et le graffiti. Tirage d'artiste (EA) de 2012, cette sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté était distincte de l'édition principale de 450 exemplaires, ce qui renforce sa rareté et son attrait auprès des collectionneurs et des amateurs du genre. Mesurant 61 x 46 cm, l'estampe est remarquable non seulement pour sa valeur artistique, mais aussi pour son puissant message politique. « Manifestant d'Occupy » représente une silhouette enveloppée dans une écharpe, dont seuls les yeux sont visibles, se détachant sur un fond de larges rayures rouges et noires. Cette image saisissante et chargée d'émotion reflète l'intensité et l'urgence du mouvement Occupy. Le chiffre « 99 % », mis en évidence dans l'œuvre, fait écho au message du mouvement, qui protestait contre les inégalités économiques et le pouvoir disproportionné des 1 % les plus riches de la population. Le choix par Fairey d'un papier à tons mouchetés confère à l'œuvre un aspect organique, suggérant le caractère populaire des manifestations. Impact culturel et politique de l'œuvre de Fairey Shepard Fairey est depuis longtemps un artiste qui utilise son œuvre pour commenter les enjeux sociaux et politiques. « Occupy Protester » s'inscrit dans cette tradition, incarnant l'esprit de résistance et l'appel au changement qui ont marqué le début des années 2010. Publiée par Obey Giant à Los Angeles, cette estampe constitue un document historique de l'époque, reflétant les sentiments et les émotions largement partagés par les participants du mouvement Occupy Wall Street. La capacité de Fairey à transmettre des messages forts à travers son art a consolidé sa position de figure incontournable du mouvement pop art urbain. L'héritage d'« Occupy Protester » dépasse largement sa date de sortie initiale. En tant qu'œuvre de pop art urbain, elle a joué un rôle déterminant en démontrant le potentiel de l'art à influencer le débat public et à catalyser le changement social. La signature de l'artiste et la numérotation figurant en bas de l'estampe rappellent l'engagement personnel et la voix de l'artiste à l'origine de cette œuvre. Cela témoigne du dévouement de Fairey à son art et de son soutien indéfectible aux mouvements qui cherchent à remettre en question le statu quo. L'héritage des manifestants d'Occupy dans l'art urbain « Occupy Protester » de Shepard Fairey est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; elle symbolise un moment charnière de l'histoire contemporaine. Elle représente la synergie entre l'art et l'activisme, et la manière dont le pop art urbain peut transcender les supports traditionnels pour s'ancrer dans la conscience collective. En tant que sérigraphie d'artiste, elle occupe une place particulière dans l'histoire du street art, marquant un tournant où l'art et l'artiste sont sortis de l'ombre pour investir l'arène de l'activisme politique. Cette estampe demeure une puissante expression visuelle, reflétant l'esprit d'un mouvement qui cherchait à redéfinir le pouvoir et les privilèges dans le monde moderne.

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Mme Rainbow Flower - SP 13 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier d'art de Takashi Murakami TM/KK, art de rue rare, artiste pop célèbre. Épreuve d'artiste SP State Artist Proof 2020, signée, édition limitée à 25 exemplaires. Rare sérigraphie de Takashi Murakami TM/KK, « Ms. Rainbow Flower », 50 x 50 cm (19,68 x 19,68 po). L'attrait des éditions limitées dans le street art pop : Ms. Rainbow Flower de Takashi Murakami L'œuvre de Takashi Murakami, « Ms. Rainbow Flower - SP 13-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper », illustre avec force la relation symbiotique entre le pop art urbain et les estampes en édition limitée. Figure emblématique du mouvement pop art, Takashi Murakami étend son champ d'expression au street art, brouillant les frontières entre art commercial et art savant. Cette épreuve d'artiste (EA) de 2020 témoigne du style unique de Murakami, qui mêle esthétique japonaise traditionnelle et culture pop contemporaine, créant une représentation colorée et optimiste, en résonance avec l'esprit du pop art et la spontanéité du street art. Cette œuvre fait partie d'une édition SP (Special Proof) exclusive de 25 exemplaires, soulignant la rareté et la valeur des éditions limitées sur le marché de l'art. Les épreuves d'artiste sont traditionnellement les premiers tirages d'une série, conservés de côté en raison de leur statut particulier et souvent signés de la main de l'artiste. La signature de Murakami sur « Ms. Rainbow Flower » authentifie l'estampe et souligne son importance en tant qu'œuvre issue directement du processus créatif de l'artiste. Chacune des treize couleurs est extraite à la main, un processus méticuleux et exigeant, qui confère à chaque estampe un caractère unique, même au sein d'une série. Takashi Murakami et son influence sur le pop art et le street art modernes L'influence de Murakami sur le pop art et le street art modernes est considérable. Son œuvre se caractérise souvent par des couleurs vives et éclatantes, ainsi que par l'intégration de motifs issus de la culture japonaise traditionnelle et populaire. Sa création, « Ms. Rainbow Flower », avec sa personnalité joyeuse et ses teintes psychédéliques, illustre parfaitement le « Superflat », un mouvement artistique post-moderne initié par Murakami, qui aplatit l'image et brouille les frontières entre les différents genres artistiques. Cette pièce, réalisée à la main selon la technique de la sérigraphie, rend également hommage aux méthodes du street art et du graffiti, où la main de l'artiste est essentielle à l'authenticité de l'œuvre. Mesurant 50 x 50 cm (19,68 x 19,68 pouces), cette sérigraphie est un format de collection, la rendant accessible aux amateurs d'art et aux collectionneurs avertis. Tirée à seulement 25 exemplaires, elle est rare et occupe une place de choix dans le monde du pop art et du graffiti. Les collectionneurs d'œuvres de Murakami apprécient leur attrait visuel et le commentaire sous-jacent que l'artiste intègre souvent à ses créations. « Ms. Rainbow Flower » de Murakami n'est pas une simple pièce décorative ; elle porte en elle le poids des symboles culturels et la fantaisie du pop art, imprégnée des interrogations philosophiques de l'artiste sur le monde de l'art et ses liens avec le commerce. Le rôle des éditions limitées dans le street art pop et le graffiti Les tirages en édition limitée comme « Ms. Rainbow Flower » jouent un rôle crucial dans la diffusion du street art et du graffiti. Ils permettent à ces formes d'art, traditionnellement éphémères, d'être préservées et appréciées au fil du temps. Dans le cas de « Ms. Rainbow Flower », le tirage limité est particulièrement significatif, car il représente un moment clé du parcours artistique de Murakami, capturant l'essence de son style en 2020. Posséder une telle œuvre, c'est participer à l'histoire du street art, de sa création dans la rue jusqu'à son intégration dans les galeries et les collections privées. Le statut d'épreuve d'artiste de ce tirage en fait un pont entre les archives de Murakami et le public. Il souligne la relation intime entre l'artiste et son œuvre, offrant un aperçu de son processus créatif et de l'élaboration de l'édition finale. Pour l'artiste, ces épreuves constituent un terrain d'expérimentation créatif avant la finalisation de la série. Pour le collectionneur, elles représentent un fragment de l'héritage de l'artiste, dont la valeur est susceptible d'augmenter avec le temps grâce à leur rareté et au prestige associé aux éditions limitées. En résumé, « Ms. Rainbow Flower - SP » de Takashi Murakami est bien plus qu'une simple représentation du pop art urbain et du graffiti ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit de son époque et la vision artistique de l'une des figures les plus influentes de l'art contemporain. Son existence en édition limitée souligne l'importance de la rareté et de l'interaction avec l'artiste dans le monde de l'art, offrant aux collectionneurs l'opportunité de posséder un fragment de l'univers vaste et coloré de Murakami.

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« Lightning Strikes HPM », sérigraphie en édition limitée rehaussée à la main sur papier Oralite Reflective Film Paper, par l'artiste Prefab77, œuvre d'art pop contemporaine. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main (2012). Dimensions de l'œuvre : 22 x 33 cm. Prefab77 (XXe siècle) *Éclairs*, 2012. Sérigraphie en couleurs avec embellissements à la main sur film réfléchissant Oralite. 83,8 x 55,9 cm (feuille). Édition 8/10. Signée et numérotée à l'encre en bas. Publiée par Lazarides, Londres. « Lightning Strikes HPM » est une sérigraphie de Prefab77, un collectif d'artistes britannique reconnu pour son art urbain et contemporain. Fondé au début des années 2000, le collectif rassemble des artistes issus de divers horizons, tels que le graphisme, les beaux-arts et le street art. Prefab77 est réputé pour son style unique, qui mêle des éléments de la culture pop, de la politique et du commentaire social à une esthétique audacieuse et brute. « Lightning Strikes HPM » (Hand-Painted Multiple) est une sérigraphie en édition limitée qui présente vraisemblablement la signature stylistique de Prefab77 : des images saisissantes, des pochoirs et des textures superposées. L'estampe pourrait inclure un mélange d'éléments graphiques et d'iconographie inspirés de la culture populaire (musique, cinéma, mode, etc.) ainsi que de thèmes politiques et sociaux. La mention « HPM » signifie que, bien qu'il s'agisse d'une édition limitée, chaque exemplaire est peint ou fini à la main, ce qui rend chaque estampe unique. Les collectionneurs d'art urbain et contemporain pourraient trouver dans « Lightning Strikes HPM » de Prefab77 un ajout attrayant et précieux à leur collection, car le collectif a acquis une reconnaissance et un public fidèle au fil des ans.

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Sérigraphie River of Blood Gold de Cleon Peterson, tirée à la main en 2 couleurs sur papier d'art Coventry Rag à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires (2023). Œuvre d'art de format 18x24, sérigraphie représentant 3 femmes nues stylisées, déprimées, tristes ou confuses dans une rivière. Plongeant au cœur des dimensions modernes de l'art, « Rivière d'or sanglant » de Cleon Peterson capture l'émotion brute avec éloquence et profondeur. Cette sérigraphie bicolore, réalisée à la main avec une minutie extrême sur un papier d'art Coventry Rag à la texture riche et frangée, témoigne de la confluence entre expériences humaines viscérales et expression artistique abstraite. À travers le portrait saisissant de trois femmes nues et stylisées, semblant plongées dans le désespoir, la tristesse ou la confusion, Peterson parvient à transmettre un récit qui fait écho au chaos et à l'introspection souvent inhérents à l'expérience humaine. Mesurant 45,7 x 61 cm, l'œuvre, à la palette monochrome saisissante, est ponctuée de détails complexes qui lui confèrent une profondeur évocatrice. La posture et l'expression de chaque figure invitent le spectateur à l'introspection, à la contemplation et à la recherche d'une connexion personnelle, transcendant ainsi les limites de la simple observation. Gisant au milieu de cette rivière mystérieuse, leur présence devient un puissant symbole de vulnérabilité, de tourments intérieurs et de l'omniprésence des émotions dans nos vies. L'œuvre de Peterson, une édition limitée signée et numérotée à seulement 100 exemplaires, incarne l'essence même du pop art, du street art et du graffiti. Elle illustre la capacité de l'artiste à s'approprier les formes artistiques conventionnelles et à les imprégner de multiples significations, invitant à l'appréciation et à une profonde contemplation. « Rivière d'or sanglant » témoigne du talent de Peterson, de sa compréhension des nuances humaines et de son engagement indéfectible à repousser les limites de la narration visuelle.

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Night Bender - Série Savage Sacred Young Minds 23 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. FAILE : Night Bender, sérigraphie 23 couleurs sur papier Coventry Rag 325 g/m², encre sérigraphique sur papier, édition limitée à 100 exemplaires, 58 cm x 89 cm, 2016

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Femme lion de mer, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

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« Walking Woods People », édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Œuvre d'art Bird Oysho, impression giclée en édition limitée sur papier 330 g/m² par l'artiste de graffiti de la culture pop Conrad Roset.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Estampe giclée Céline par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 12 x 13 pouces représentant une femme pâle avec une fleur dans les cheveux. La beauté éthérée de Céline par Bec Winnel L'estampe giclée intitulée « Céline », de l'artiste australienne Bec Winnel, est un chef-d'œuvre à la croisée du portrait traditionnel et du pop art urbain. Cette édition limitée, composée de seulement 25 exemplaires signés et numérotés, mesure 29 x 33 cm et captive le regard par la délicate représentation d'une femme au teint pâle, ornée d'une fleur dans les cheveux, un motif riche en symbolisme et empreint d'une douce introspection. Dans « Céline », Bec Winnel adopte une approche intimiste du portrait. Le visage pâle du sujet et les douces nuances rosées de ses cheveux offrent un contraste saisissant et pourtant tendre avec l'univers audacieux et souvent exubérant du pop art urbain et du graffiti. La fleur, symbole intemporel de la beauté éphémère de la nature, est rendue avec une telle minutie qu'elle semble murmurer des histoires sur la fugacité de la vie. Bien qu'ancrée dans les techniques des beaux-arts, l'œuvre communique l'essence même du street art par sa force émotionnelle et son accessibilité. L'impression giclée garantit une reproduction fidèle de chaque nuance des délicats dessins au crayon et au pastel de Winnel, faisant ainsi ressortir les subtiles variations de couleurs et de détails. Ce procédé de reproduction de haute qualité démocratise l'art, s'inscrivant dans l'esprit du Street Pop Art qui vise à rendre l'art accessible à un public plus large, au-delà des galeries et des collections privées. Bec Winnel et la scène artistique contemporaine Bec Winnel, bien que peut-être moins connue que certains artistes de rue, s'est forgée une place de choix sur la scène artistique contemporaine grâce à son style unique, mêlant réalisme et fantaisie. Son œuvre met souvent en scène des femmes plongées dans une profonde contemplation, entourées d'éléments naturels qui soulignent leur lien avec l'environnement et les cycles de la vie et de la mort. Ce lien fait écho aux préoccupations thématiques du Street Pop Art, qui explore fréquemment le dialogue entre le paysage urbain et la nature. « Céline » offre une pause poétique dans l'effervescence du monde du street art, invitant le spectateur à contempler la sensibilité humaine. Le tirage en édition limitée confère à l'œuvre une dimension exclusive, tout en permettant à l'artiste de Winnel de transcender le fossé entre le monde de l'art élitiste et la dimension démocratique du street art. En proposant une version sur papier d'art de son œuvre, elle invite un public plus large à s'approprier son art et à l'intégrer à leur propre espace. Le charme de « Céline » réside dans sa capacité à évoquer une beauté éthérée et une vulnérabilité touchante, des qualités souvent occultées par l'effervescence des espaces où s'expriment généralement le street art et le graffiti. L'œuvre reflète les aspects plus intimes et introspectifs de l'expérience humaine, à l'instar d'une fresque murale dissimulée dans un coin tranquille d'une rue animée. La force de « Céline » tient à l'invitation subtile qu'elle adresse au spectateur : ralentir, apprécier la beauté du silence et songer à la profondeur de l'expérience humaine. Le choix de Winnel de représenter une femme dans un moment de vulnérabilité est une prise de position puissante au sein du street art, souvent dominé par des thèmes plus exubérants et agressifs. Alors que « Celine » trouve sa place auprès des collectionneurs et des amateurs d’art, son récit se poursuit, toujours aussi pertinent aujourd’hui qu’en 2014. Il témoigne des possibilités de convergence entre les beaux-arts et le street art, et de la force de la beauté et de la vulnérabilité dans un monde souvent dur et impitoyable. À travers son art, Bec Winnel contribue à l’évolution du street art et du graffiti, veillant à ce que ce récit demeure aussi diversifié et complexe que l’expérience humaine elle-même.

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Interstellar Jelly Deck, impression d'art en édition limitée avec transfert de pigments d'archivage sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste Tara McPherson. Édition limitée 2022 à 50 exemplaires. Illustration de skateboard, format 8x32. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022.

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Bamba. Sérigraphie artisanale en édition limitée, 7 couleurs, avec feuille d'or, sur papier coton Canson 300 g/m², par Violeta Hernandez. Œuvre rare de street art et d'art pop d'une artiste célèbre. Tirage signé à la feuille d'or, 2022, 29 x 29 cm, édition limitée à 35 exemplaires. Cette œuvre est réalisée selon deux procédés manuels distincts : une sérigraphie six couleurs et un marquage à chaud sous pression. Le papier utilisé est un Canson 300 g/m², 100 % coton, sans acide. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste. Tirage limité à 35 exemplaires. De légères variations peuvent exister d'un exemplaire à l'autre, du fait de la fabrication artisanale. Dimensions : 74 x 74 cm (29 x 29 pouces). Bamba par Violeta Hernández – Une célébration à la feuille d'or du mythe, de l'identité et de la féminité moderne dans l'art urbain pop et le graffiti Bamba est une sérigraphie artisanale en sept couleurs, rehaussée d'une dorure à chaud, créée par Violeta Hernández en 2022. Cette œuvre en édition limitée, signée et numérotée (tirage restreint à seulement 35 exemplaires), mesure 74 x 74 cm et est imprimée sur papier coton Canson 300 g/m². Elle est le fruit d'un processus manuel complexe en deux étapes : une sérigraphie en six couches suivie d'un marquage à chaud sous pression. Ces couches successives confèrent à l'œuvre une profondeur, une texture et un relief chatoyant impossibles à reproduire numériquement. Chaque exemplaire est unique au sein de l'édition, révélant de subtiles variations d'encre et de dorure dues à l'application artisanale. Le papier beaux-arts 100 % coton, sans acide, garantit la longévité et la qualité d'archivage de l'œuvre, tandis que sa composition graphique audacieuse captive le regard avec une élégance saisissante. Violeta Hernández et le pouvoir de l'iconographie féminine Violeta Hernández, artiste mexicaine de renom, est reconnue pour son langage visuel saisissant, qui mêle précision graphique, motifs surréalistes et symbolisme culturel. Dans « Bamba », elle présente une figure féminine puissante aux traits marqués, aux grands yeux rouges et à l'expression à la fois calme et intense. Ses cheveux noirs ondulent avec dynamisme, ornés d'ailes orange vif aux oreilles, créant une présence éthérée et mythologique. La composition fusionne le sacré et l'imaginaire, avec une iconographie sur la robe de la figure comprenant un œil omniscient, des explosions cosmiques et une bête mythique stylisée. Ces symboles élèvent le personnage au-delà du simple portrait, le transformant en une divinité ou une protectrice moderne. Violeta Hernández explore souvent les thèmes de la féminité, de la force intérieure et de la mémoire ancestrale, utilisant un trait précis et des palettes éclatantes pour construire sa vision de l'identité. Cette œuvre transmet ce message avec une clarté visuelle et une présence affirmée. Savoir-faire en matière de matériaux et procédé de dorure à la feuille Le procédé de finition par marquage à chaud sous pression confère à Bamba son éclat le plus saisissant : des ornements dorés scintillants qui captent et reflètent la lumière de manière changeante. Cet effet doré renforce le mysticisme de la composition, mettant en valeur des éléments clés tels que les ailes ornementales et les symboles célestes. Les couches de sérigraphie sont réalisées en sept passages distincts, chacun aligné avec précision et appliqué manuellement. Ce processus minutieux garantit à chaque estampe la richesse tactile du travail artisanal, l'encre se déposant de manière palpable sur le support en coton. Le papier Canson 300 g/m² offre une surface luxueuse, sublimant l'impact visuel. Du fait du travail manuel de sérigraphie et de marquage à chaud, chaque exemplaire présente de subtiles différences, rendant chaque édition légèrement unique. Cette intégrité et cette variation des matériaux sont la signature du travail de Violeta Hernández, témoignant de son attachement à l'art plutôt qu'à la production de masse. Bamba, un symbole emblématique du street art et du graffiti. Bamba est une contribution magistrale au Street Pop Art et au graffiti. Elle allie la précision visuelle du pop art à l'esprit rebelle de la créativité urbaine et à la profondeur narrative de l'art symbolique. La fusion de références mythologiques et de force féminine en fait un exemple remarquable de la culture visuelle contemporaine latino-américaine. Violeta Hernández met en scène une figure à la fois captivante et imposante, dans un style qui mêle esthétique pop moderne et énergie ancestrale. Tirée à seulement 35 exemplaires, chacun signé et réalisé avec le plus grand soin, Bamba est à la fois une pièce de collection rare et une vibrante affirmation d'identité culturelle et de pouvoir personnel. C'est une œuvre qui non seulement orne l'espace, mais qui le traverse, révélant les récits de force, d'histoire et d'innovation artistique inhérents à l'expression visuelle moderne.

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Alice Bag, sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey x Melanie Nissen, œuvre d'art de rue rare OBEY Pop. 2022. Signée par Shepard Fairey et Melanie Nissen, numérotée. 45,7 x 61 cm. Sérigraphie sur papier épais crème Speckletone. Édition numérotée de 550 exemplaires. J'étais ravie de rencontrer et de collaborer avec Melanie Nissen car, en tant que cofondatrice du magazine Slash, elle a photographié certaines des figures et des moments les plus importants des débuts de la scène punk de Los Angeles – une scène qui a profondément influencé mon parcours créatif. Son nouveau livre de photos punk de 1977 à 1980, Hard+Fast, est magnifiquement conçu et regorge d'images exceptionnelles. Après mûre réflexion, j'ai décidé de réaliser une illustration d'Alice Bag. J'ai découvert Alice Bag adolescente dans le documentaire de Penelope Spheeris, « The Decline of Western Civilization », mais le groupe The Bags n'a pas sorti beaucoup de disques, et leur musique était difficile à trouver. Cependant, en lisant des ouvrages sur la scène punk de Los Angeles comme « We Got The Neutron Bomb » et « Lexicon Devil », ainsi que le livre du magazine Slash, j'ai réalisé qu'Alice était une figure incontournable de cette scène, qu'elle a continué à créer une musique formidable et qu'elle défend avec conviction la cause latino-américaine et féministe. C'est aussi une personne très sympathique. Je suis ravi de célébrer Alice pour sa contribution à la culture, hier comme aujourd'hui. Si vous ne connaissez pas The Bags, je vous recommande de vous procurer « All Bagged Up… The Collected Works 1977-1980 ». – Shepard

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Œuvre d'art anatomique Meluxine, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12x12

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Sirena Tiburon, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Tatiana Suarez, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tatiana Suarez est une artiste installée à Miami, en Floride. Son style envoûtant est unique : son regard si particulier attire le regard du spectateur et le plonge dans un univers à la fois beau et surréaliste. Riche en symboles puisant dans ses origines brésiliennes et salvadoriennes, ses sujets semblent figés dans une immobilité sublime, comme sous l’eau. Leurs yeux de biche, d’apparence enfantine, dégagent pourtant une sensualité sous-jacente, ornés de plantes, d’insectes et d’autres éléments troublants. La beauté côtoie des créatures exotiques, voire inquiétantes, pour créer des récits enchanteurs.

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Achetez Into The Night MMXXI - Sérigraphie 2 couleurs tirée à la main en édition limitée or/noir sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés par Cleon Peterson Rare Street Art célèbre artiste pop. 32 x 32 pouces. Sérigraphie dorée et noire tirée à la main. imprimé sur du papier Coventry Rag 290 g/m² avec des bords frangés. Chaque tirage est signé et numéroté. Édition limitée de 125 La visualité du travail de Cleon Peterson est basée sur une variété d'influences, de la poterie grecque antique aux bandes dessinées, résultant en une monochromie et un fort symbolisme des couleurs. Plus en détail, les figures existent sur de multiples lignes droites, ce qui, par la suite, crée l'illusion que l'œuvre est divisée en niveaux. La perspective et l'impression de profondeur existent modérément dans l'art de Peterson et, tout comme dans les vases grecs, l'espace du fond est généralement laissé vide ou légèrement embelli.

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Dans la nature de la rêverie n° 2 PP HPM Tirage d'archives par Helice Wen Édition limitée Multiple peint à la main sur papier beaux-arts 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2020 Signée et marquée PP HPM Peinture acrylique Impression embellie à la main Édition limitée Œuvre d'art Taille 17x24 Pigment d'archivage Beaux-arts. Exploration de la fusion entre le street art, le pop art et le graffiti dans « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen Le monde de l'art a récemment été témoin d'un fascinant mélange de styles et de techniques, illustré par « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen. Cette œuvre est un exemple remarquable de la manière dont les artistes contemporains entremêlent des éléments de street art et de graffiti pour créer des œuvres innovantes et visuellement saisissantes. Sortie en 2020, cette édition limitée, une estampe d'art peinte à la main (HPM), révèle la vision unique de Wen, fusionnant les techniques traditionnelles des beaux-arts avec l'énergie brute et expressive du street art. Helice Wen, artiste reconnue pour son œuvre émouvante et évocatrice, apporte un regard neuf sur le pop art. Son œuvre « In The Nature of Daydreaming No 2 » se distingue notamment par l'utilisation de peinture acrylique sur papier beaux-arts 290 g/m², un choix qui souligne l'alliance de la durabilité et de la délicatesse qui caractérise son travail. L'œuvre, mesurant 43 x 61 cm, témoigne de sa maîtrise des proportions et du détail. L'importance de l'épreuve d'imprimerie (EI) dans l'art contemporain L'épreuve d'imprimeur (PP) de cette œuvre occupe une place particulière dans le monde de l'art. Traditionnellement, les épreuves d'imprimeur étaient considérées comme faisant partie intégrante du processus d'impression, réservées à l'usage de l'imprimeur et généralement non destinées à la vente. Cependant, dans l'art contemporain, ces épreuves ont acquis une valeur considérable en tant que pièces uniques, souvent plus recherchées que les éditions courantes en raison de leur rareté et de l'implication directe de l'artiste. La décision de Wen de signer et de marquer cette œuvre comme une PP HPM renforce encore son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs. L'embellissement manuel : un pont entre les beaux-arts et l'esthétique urbaine Le caractère artisanal de cette œuvre, rehaussé à la main, est un élément essentiel de son charme et de sa valeur. Ces embellissements consistent pour l'artiste à apporter une touche personnelle à chaque estampe, rendant chaque exemplaire de l'édition unique. Dans le travail de Wen, cette pratique brouille la frontière entre les estampes d'art traditionnelles et la spontanéité et l'individualité du street art. L'utilisation de la peinture acrylique pour les embellissements de « In The Nature of Daydreaming No 2 » confère non seulement texture et profondeur à l'œuvre, mais l'imprègne également de l'énergie brute caractéristique du graffiti. La qualité archivistique et son rôle dans la préservation de l'art moderne L'utilisation de pigments d'archivage dans les beaux-arts est un autre aspect qui distingue l'œuvre de Wen. Reconnus pour leur longévité, ces pigments garantissent que l'œuvre ne se décolore pas et ne se détériore pas avec le temps. Cette longévité est essentielle pour les collectionneurs et les amateurs d'art qui considèrent l'acquisition de telles pièces comme un investissement. Le papier beaux-arts de 290 g/m² utilisé pour cette estampe contribue également à sa durabilité, offrant un équilibre optimal entre grammage et texture. En résumé, « In The Nature of Daydreaming No 2 » d'Helice Wen est un exemple fascinant de la manière dont les artistes contemporains fusionnent les univers du street art, du graffiti et des beaux-arts. Par son choix de médium, ses embellissements à la main et son souci de la qualité d'archivage, Wen a créé une œuvre qui non seulement se démarque dans le paysage artistique moderne, mais qui remet également en question et repousse les limites des formes artistiques traditionnelles.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Estampe typographique en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, représentant une fille au lévrier, sur papier d'art de qualité supérieure, par Dan Christofferson - Beeteeth. Artiste de street art rare et célèbre du pop art.

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Marilyn Monroe 01 Édition limitée, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Sérigraphie noire « Police Shooting » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2015 Signée et numérotée Cleon Peterson Édition limitée à 150 exemplaires Œuvre d'art Format 14x18 Sérigraphie. Sérigraphie de Cleon Peterson (2015) « Police Shooting Black » – Une voix percutante dans l'art urbain pop et le graffiti. La sérigraphie en édition limitée de Cleon Peterson, intitulée « Police Shooting Black » (2015), est un exemple saisissant d'art urbain pop et graffiti engagé, sans concession. Imprimée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé, cette œuvre de 35,5 x 45,7 cm a été éditée à 150 exemplaires signés et numérotés. La silhouette noire et contrastée représente un policier sans visage frappant une personne sans défense au sol. Peterson utilise un style immédiatement reconnaissable : épuré, agressif et volontairement minimaliste pour se concentrer pleinement sur le récit du pouvoir, de la soumission et du conflit social. Plus qu'un commentaire, c'est une confrontation visuelle. Cleon Peterson : Un artiste américain dont la vision est ancrée dans la violence et les dynamiques de pouvoir Né en 1973 aux États-Unis, Cleon Peterson poursuit son œuvre en explorant en profondeur les thèmes du chaos, des abus institutionnels et des violences systémiques. Ancien artiste de rue ayant également travaillé dans l'illustration et la mode, Peterson centre souvent sa pratique sur la représentation de la lutte violente. Ses œuvres regorgent de figures archétypales qui réinterprètent les jeux de pouvoir brutaux de la société moderne. « Police Shooting Black » se distingue dans son œuvre, non seulement par son format d'art en édition limitée, mais aussi par sa représentation sans concession des violences policières à caractère raciste. L'image est d'une clarté saisissante. Les figures s'expriment avec une immédiateté percutante, transformant des incidents du monde réel en une allégorie saisissante. L'anonymat des oppresseurs comme des opprimés crée une universalité troublante, mettant en cause les systèmes plutôt que les individus. L'économie visuelle de la violence dans l'art urbain pop et le graffiti Cette estampe prolonge l'urgence brute du graffiti tout en tirant parti de la maîtrise formelle de la sérigraphie et de la présentation en galerie. Le street art, le pop art et le graffiti empruntent souvent leur langage visuel à la signalétique commerciale, à la propagande et à la rébellion, et l'œuvre de Peterson ne fait pas exception. Les figures sont iconographiques, chaque ligne est intentionnelle, chaque silhouette chargée de symbolisme. Peterson réduit l'image à son essence émotionnelle et psychologique, amplifiant le sentiment de déshumanisation et de brutalité systémique. L'utilisation du noir et blanc renforce la force émotionnelle sans pour autant distraire par la couleur. Chaque élément de la composition est provocateur et conçu pour susciter une réaction, un débat et un malaise. Papier chiffon de Coventry et technique de sérigraphie comme moyens de résistance L'utilisation du papier Coventry Rag 290 g/m², réputé pour sa qualité d'archivage et sa surface texturée, confère gravité et pérennité à ce qui pourrait autrement paraître une image de protestation éphémère. La sérigraphie, traditionnellement employée pour la production de masse, est ici élevée au rang de technique artistique à part entière, offrant précision et audace tout en évoquant ses origines underground et urbaines. Le choix du matériau et du médium par Peterson souligne la dualité du Street Pop Art et du graffiti : à la croisée des galeries et des murs politiques, entre objet de collection et contestation. Chaque tirage est frangé à la main, ce qui lui donne un aspect brut – au sens propre comme au figuré – témoignant de l'émotion brute et du message travaillé qui imprègnent l'œuvre. Souhaiteriez-vous des articles sur d'autres estampes ou projets de Peterson ?

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Tomadachi AP Artist Proof Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 290gsm Moab Entrada Paper by Artist Jolene Lai. Épreuve d'artiste (EA) 2018 Signée et marquée EA Édition limitée Tirage pigmentaire d'archives Format 16x20 L'intersection des récits urbains dans « Tomadachi » de Jolene Lai (épreuve d'artiste) L'épreuve d'artiste « Tomadachi » de Jolene Lai incarne la fusion du pop art urbain et du graffiti, plongeant le spectateur dans un récit révélateur de l'expérience urbaine. Cette édition limitée, imprimée sur papier Moab Entrada premium 290 g/m² avec des pigments d'archives, est une pièce de collection rare. Estampillée AP (Épreuve d'Artiste) et signée par Lai en 2018, cette édition se distingue des séries limitées classiques, traditionnellement réservées à l'usage personnel de l'artiste ou à une distribution privée auprès de collectionneurs et de galeries. « Tomadachi » offre une fenêtre sur les moments de solitude qui ponctuent l'effervescence de la vie citadine. L'œuvre, de format 40,6 x 50,8 cm, est à la fois intimiste et porteuse d'une vision d'ensemble du paysage urbain, incarnant l'essence même du pop art urbain et du graffiti à travers son récit visuel. La scène – représentant une silhouette solitaire assise à côté d'un ours en peluche géant à un arrêt de bus – saisit un moment poignant et surréaliste au cœur de la tranquillité nocturne de la ville. Ce mélange de l'intime et du public, de l'imaginaire et du réel, confère à l'œuvre de Lai une dimension particulière au sein du genre. Capturer le pouls de la rue sous forme d'œuvre d'art L'œuvre « Tomadachi » de Jolene Lai témoigne de sa capacité à s'approprier le langage visuel de la rue et à le transposer en art contemporain. Le choix du papier Moab Entrada pour cette estampe souligne la qualité d'archivage de l'œuvre. Il rehausse l'éclat de la palette de couleurs, qui évoque l'audace du graffiti et le charme du pop art. L'œuvre de Lai n'est pas une simple image statique, mais un récit dynamique qui invite à l'interprétation et à la réflexion personnelle, une caractéristique des œuvres de street art et de graffiti les plus marquantes. La mention « Épreuve d'artiste » pour cette estampe lui confère une exclusivité particulière ; il s'agit généralement d'un tirage en nombre limité précédant l'édition principale. Les collectionneurs et les amateurs d'art recherchent ces épreuves pour leur rareté et leur fidélité à la vision originale de l'artiste. Dans le contexte de « Tomadachi » de Lai, la série d'épreuves d'artiste devient un témoignage du processus créatif de l'artiste, offrant un aperçu de ses réflexions et de ses ajustements artistiques. L'héritage et l'influence du « Tomadachi » dans l'art contemporain L'héritage de « Tomadachi » dans le street art et le graffiti est incontestable, grâce à sa force narrative et à son impact visuel. En tant qu'épreuve d'artiste, elle occupe une place particulière dans le parcours de Jolene Lai, offrant une compréhension plus profonde de son cheminement artistique. Cette estampe fait le lien entre la scène underground et le mainstream, trouvant sa place aussi bien dans une ruelle de street art que dans une galerie d'art. « Tomadachi » de Jolene Lai est bien plus qu'une simple estampe : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit de la vie urbaine et les paysages émotionnels qui la définissent. Cette œuvre continue de susciter l'admiration et les discussions parmi les collectionneurs, les critiques et les amateurs de street art et de graffiti, confirmant ainsi la place de Lai comme une artiste contemporaine majeure, dotée d'un regard aiguisé sur les récits qui émergent du chaos bétonné de la vie citadine.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez Dream Catchers 17 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier satiné Somerset 410 g/m² par Eelus Rare Street Art célèbre artiste pop. 2022 27.55x27.55 Signé Edition Limitée

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Impression d'art en édition limitée, épreuve d'artiste, pigment d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste Amy Sol, œuvre d'art moderne. Épreuve d'artiste AP 2016, signée et marquée, édition limitée, format 18x24 La Coupe Mioras : un chef-d'œuvre de pop art urbain moderne par Amy Sol « Mioras Cup Artist Proof » est une œuvre d'art envoûtante créée par Amy Sol, artiste américaine reconnue pour son style doux et surréaliste, souvent imprégné de nature et de thèmes oniriques. Connue pour son esthétique contemporaine, l'œuvre de Sol trouve un écho auprès des amateurs de Street Pop Art et d'éléments de graffiti, notamment grâce à sa modernité et à son lien avec les thèmes de la nature et de l'humanité. L'estampe « Mioras Cup », réalisée en 2016 en tant qu'épreuve d'artiste, est une pièce majeure de son portfolio, une création en édition limitée qui allie valeur et mystère. Imprimée sur papier Moab Entrada 290 g/m², réputé pour sa haute qualité et ses propriétés d'archivage, cette estampe préserve l'éclat et la finesse des détails de l'œuvre originale. L'approche artistique unique d'Amy Sol L'approche artistique d'Amy Sol se distingue par son atmosphère onirique, privilégiant une palette de couleurs pastel douces et des formes organiques. Ses œuvres regorgent d'éléments inspirés par la nature, tels que des fleurs, des oiseaux et des feuilles, entrelacés de figures féminines qui expriment une profonde introspection et un lien intime avec l'environnement. « Mioras Cup » illustre parfaitement ce style : une figure féminine centrale est entourée d'une végétation luxuriante et éthérée, et des oiseaux semblent émerger naturellement de son environnement. Cette harmonie visuelle entre l'humain et la nature est un motif récurrent dans l'œuvre de Sol, conférant à ses créations une profondeur émotionnelle qui touche le spectateur. L'épreuve d'artiste de « Mioras Cup », au format 45,7 x 61 cm, est réalisée avec le plus grand soin afin de restituer chaque détail de la technique de Sol. Le papier Moab Entrada, un choix haut de gamme pour l'impression d'art, sublime les textures délicates et les couleurs subtiles, préservant ainsi la fidélité de l'œuvre originale et permettant aux collectionneurs de l'apprécier telle que l'artiste l'a conçue. Ce papier est privilégié pour sa qualité d'archivage, garantissant que les nuances subtiles et les détails complexes de l'œuvre d'art restent intacts au fil du temps. L'attrait moderne du pop art urbain dans l'œuvre de Sol Bien que l'œuvre d'Amy Sol ne relève pas du graffiti au sens traditionnel du terme, son approche des tirages en édition limitée s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art, qui vise à intégrer des pièces de collection de grande qualité au monde des beaux-arts. Dans le Street Pop Art et le graffiti, le lien entre l'artiste et son public est primordial, et les tirages limités sont souvent privilégiés pour préserver l'authenticité et l'exclusivité de l'œuvre. En créant la Coupe Mioras comme une épreuve d'artiste signée et marquée, Sol préserve ce sentiment de rareté, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. Cette démarche reflète l'influence du passage du street art de l'espace public à l'univers privé des collectionneurs, alliant accessibilité et exclusivité. Dans la Coupe Mioras, la combinaison de formes humaines et naturelles peut être perçue comme une réflexion moderne sur les thèmes de l'identité et de l'environnement. Sa capacité à communiquer ces thèmes à travers des visuels doux et surréalistes inscrit Sol dans un mouvement contemporain qui apprécie le savoir-faire des beaux-arts et l'accessibilité, inspirée par l'art urbain, du Street Pop Art. La Coupe Mioras d'Amy Sol continue de captiver les spectateurs et les collectionneurs, ce qui en fait une pièce précieuse de toute collection d'art moderne.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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La mer monte aussi - Le Prince Grenouille, édition limitée, sérigraphie couleur tirée à la main sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Série II 2014, édition limitée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 36 pouces. « La mer monte aussi - Incident 28 : Le prince grenouille commande son homoncule. » Cette affiche sérigraphiée à la main mesure 24 x 36 pouces.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie Save Your Cromie par Faile, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art en coton, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 2023 (20 exemplaires). Œuvre d'art de 27,56 x 39,37 pouces. Sérigraphie représentant une femme punk avec un couteau à cran d'arrêt. Dans le monde en constante évolution de l'art contemporain, « Save Your Cromie » témoigne avec éclat de la fusion entre pop art et street art. Cette sérigraphie de la talentueuse Faile émerge du contexte tumultueux de 2023 et capture l'esprit de l'époque grâce à son imagerie saisissante et rebelle. L'œuvre aborde avec force les normes sociales, la résistance et l'émancipation féminine, illustrées par la représentation iconique d'une punk brandissant un couteau à cran d'arrêt. Tirée à la main avec six couleurs distinctes sur un papier d'art en coton de haute qualité, cette pièce est d'une qualité indéniable. Chaque teinte contribue à raconter une histoire, fusionnant l'esthétique du pop art avec l'énergie brute du graffiti. Les motifs complexes qui ornent l'arrière-plan enrichissent l'image centrale, faisant de la composition non seulement un spectacle visuel, mais un véritable voyage narratif. Tirée en édition limitée à seulement 20 exemplaires, cette estampe est méticuleusement signée et numérotée par les artistes eux-mêmes. Mesurant 70 x 100 cm, elle offre un espace généreux permettant aux détails de s'exprimer pleinement, invitant le spectateur à s'y plonger avec délice, encore et encore. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art, « Save Your Cromie » est bien plus qu'une simple œuvre d'art. C'est un morceau d'histoire, le reflet des sentiments de la société et, surtout, une illustration de la façon dont le pop art et le street art, deux genres en apparence si différents, peuvent converger pour créer une œuvre véritablement fascinante. Avec cette pièce, Faile invite les spectateurs non seulement à regarder, mais aussi à ressentir, à réfléchir et à s'interroger, faisant d'elle une pièce incontournable pour toute collection.

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Super Predator, édition limitée, sérigraphie 8 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « On s'amuse avec des chars et des filles. Le texte en arrière-plan est le règlement du jeu Risk et les caractères dans l'ombre sont des lettres de Penthouse. » – Derek Hess

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Beautiful Dreamer 2, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2010. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Lithographie offset en édition limitée sur feuille de papier perforée, œuvre surréaliste intitulée « Elementary Reaction Blotter Art », par l'artiste Naoto Hattori. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Dimensions de l'œuvre : 8,3 x 10,8 pouces. Feuille buvard perforée

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Solitary Child 1 Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Hikari Shimoda, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format : 12x12 pouces. « Enfant solitaire » est une série d'œuvres centrée sur mon thème original de l'inévitabilité de l'Apocalypse. Dans cette série, je propose un nouveau sauveur pour l'humanité : une jeune fille aux pouvoirs magiques (Enfant solitaire n° 1) et un petit garçon héros (Enfant solitaire n° 3). Dans l'univers de mes peintures, l'humanité a péri, comme en témoigne le fond en collage où règne un chaos omniprésent. Dans ces images, mes sauveurs sont apparus devant une humanité agonisante. Après la mort de l'homme, le monde a trouvé un certain répit face au chaos qu'il a engendré. Pendant ce temps, l'humanité rêve égoïstement d'un bonheur nouveau dans l'au-delà. Dans la mythologie de mon œuvre, alors que l'humanité est anéantie, une seule figure subsiste : le Messie, représenté sous les traits d'un enfant. La jeune fille aux pouvoirs magiques fut la première à se retrouver seule après la destruction de l'humanité, confrontée au désespoir et aux dégâts qu'il a laissés derrière lui. Ses yeux brillent d'une lueur étincelante, mais son regard est vide. À l'inverse, les yeux de mon héros sont clos avec une infinie douceur. Pour lui, le monde est un chaos indescriptible, une épreuve accablante. Il ressent toute la joie, le désespoir, l'espoir, la tristesse, absolument tout… Dans un tel état, même le sauveur du monde doit fermer les yeux. – Hikari Shimoda Enfant solitaire 1, tirage pigmentaire d'archives par Hikari Shimoda « Solitary Child 1 » est une œuvre à la fois envoûtante et lumineuse de l'artiste japonaise Hikari Shimoda. Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² réalisé en 2016, ce tirage de 30,5 x 30,5 cm (12 x 12 pouces) fait partie d'une édition signée et numérotée de seulement 50 exemplaires. Il constitue un exemple remarquable d'art urbain, de pop art et de graffiti. Le langage visuel d'Hikari Shimoda est profondément influencé par l'anime, le manga et les traditions de la culture pop japonaise, mais elle transcende ces codes en y intégrant une réflexion complexe sur les tourments psychologiques, le désespoir existentiel et l'identité fragmentée d'une innocence post-apocalyptique. Un Messie enfantin dans un monde dystopique « Enfant solitaire 1 » met en scène un personnage central d'une intensité presque bouleversante : une jeune fille en costume de magical girl orné de cœurs et vêtue d'une tenue de marin. Ses cheveux roses et rouges, saturés d'énergie visuelle, sont constellés d'étoiles et de motifs cosmiques. La composition ronde suggère une fenêtre ouverte sur une autre dimension, un monde qui a déjà subi l'effondrement de l'humanité. Ses grands yeux brillants, rendus avec des effets chromatiques en 3D, fixent le vide, sans jugement ni tristesse. Ce vide est intentionnel, un fil conducteur dans l'œuvre de Shimoda, destiné à évoquer à la fois le détachement et une résilience forcée. En arrière-plan – un collage tourbillonnant de débris, de symboles et de fragments abstraits – transparaît le chaos d'une civilisation oubliée. Shimoda situe son personnage à la fois comme témoin et survivante. L'enfant ne pleure pas le monde, mais existe au-delà, comme son dernier vestige ou peut-être comme sa rédemptrice malgré elle. Ses yeux, scintillants de galaxies et d'étoiles, sont emplis d'émerveillement et de terreur. Sa silhouette menue contraste avec la densité des informations visuelles qui l'entourent, rappelant au spectateur qu'elle n'est plus une enfant au sens traditionnel du terme, mais un symbole d'espoir, de destruction, de mémoire et de transcendance. Le récit de l'apocalypse et le réalisme magique Cette estampe fait partie de la série Solitary Child de Shimoda, qui explore la chute inéluctable de l'humanité et l'émergence d'enfants symboliques comme figures messianiques. Son utilisation d'archétypes de magical girls et d'enfants héros mêle une esthétique kawaii contemporaine à des thèmes existentiels poignants. Il en résulte un paradoxe visuel : séduisant et innocent en apparence, il reflète pourtant profondément l'échec de la société, le vide affectif et la quête de sens après l'effondrement culturel. Solitary Child 1 est bien plus qu'une œuvre de pop art ; c'est une réflexion philosophique enveloppée de textures vibrantes et hallucinogènes. Une voix singulière dans le langage visuel apocalyptique pop L'œuvre « Solitary Child 1 » d'Hikari Shimoda se situe au carrefour de l'univers fantastique de l'anime, de l'esthétique pop et du réalisme émotionnel postmoderne. Imprimée avec une précision extraordinaire sur papier d'archivage, elle allie la délicatesse des textures au pinceau à la précision des couleurs numériques. Chaque exemplaire de cette édition est signé à la main et numéroté individuellement, ce qui lui assure une place de choix dans le panthéon restreint des œuvres de street art et de graffiti de collection. Alors que Shimoda acquiert une renommée internationale croissante, des œuvres comme « Solitary Child 1 » ouvrent les portes de son univers riche et foisonnant, où désolation apocalyptique et innocence magique s'entrechoquent pour interroger le sens de sauver un monde incapable de se sauver lui-même.

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L'œuvre d'art « Le Sacre du Printemps », une reproduction giclée en édition limitée sur papier d'art épais, par l'artiste de graffiti pop culture Gene Guynn.

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Sérigraphie Queen of Love Blue par Mr Brainwash - Thierry Guetta, imprimée à la main en 10 couleurs sur papier d'art frangé, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires (2024). Œuvre d'art de format 22x22, sérigraphie d'une carte Reine de Cœur avec l'inscription « Forever Yours » en bleu sur le devant. Une union saisissante de couleurs et de symboles « Queen of Love Blue Silkprint », une sérigraphie de Mr Brainwash (Thierry Guetta), est un exemple saisissant de street art et de graffiti mêlés à des références à la culture pop. Cet artiste français est reconnu pour sa réinterprétation ludique d'images iconiques. Cette édition limitée numérotée et signée, éditée en 2024, mesure 56 x 56 cm. Elle s'articule autour d'une reine de l'amour, apposée sur un fond brun façon carton, orné de ruban adhésif « fragile » et d'étiquettes d'expédition. Une phrase bleu vif, inscrite dans un style graffiti, souligne la fusion entre raffinement et style urbain irrévérencieux. Grâce à une technique de sérigraphie méticuleuse à dix couleurs, Guetta fait ressortir l'émerveillement, la spontanéité et la joie que ses fans apprécient dans son œuvre dynamique. Imprimée sur un papier d'art à grain fin, cette édition offre un toucher agréable et un caractère intemporel. Les bords légèrement irréguliers et les teintes éclatantes évoquent un savoir-faire artisanal. Le regard est immédiatement attiré par l'alignement précis de la reine, emblème classique de chance et de séduction. La phrase bleue flamboyante, peinte avec audace sur la figure, constitue une affirmation subversive qui remet en question la perception traditionnelle de l'iconographie royale. La manière caractéristique dont Guetta superpose iconographie et texte inspiré du street art crée un contraste saisissant entre raffinement et spontanéité. La présence ludique de la carte évoque à la fois le luxe et nous rappelle que l'iconographie populaire peut être réinventée par des interventions proches du graffiti. Impression en dix couleurs et influence urbaine Le procédé de sérigraphie utilise dix couches de couleur individuelles, appliquées à la main pour garantir précision et saturation éclatante. Chaque passage ajoute une nouvelle dimension, créant une composition aux multiples facettes qui résonne avec l'énergie des fresques de graffiti. Cette technique distingue l'œuvre des impressions produites en masse, soulignant l'attachement de Guetta à la qualité et à un style unique. Les contours nets de la reine et les motifs rythmiques des étiquettes d'expédition témoignent d'une forte influence de l'esthétique pop. Parallèlement, les traits bruts du lettrage, évoquant la pulvérisation, traduisent la spontanéité propre à la culture urbaine. Ce mélange de structure et d'audace est caractéristique du mouvement Street Pop Art & Graffiti Artwork, qui cherche à unir le langage visuel des espaces urbains à l'attrait vibrant des motifs populaires. Thèmes percutants et commentaires ludiques L'estampe sérigraphiée « Queen of Love Blue » révèle une richesse de significations. La reine, carte du roi, évoque les jeux de cartes classiques et suggère les notions de chance, de stratégie et de pouvoir. En la plaçant sur un fond imitant un conteneur maritime, Guetta inscrit le motif dans un contexte de transport et de fragilité. Le ruban adhésif « Fragile » et les symboles d'avertissement attirent l'attention sur les thèmes de la valeur et de la protection, invitant à réfléchir à la manière dont les objets précieux circulent dans les systèmes mondiaux. La présence du texte bleu vif invite à un dialogue sur les relations personnelles et les risques émotionnels, offrant un rappel réconfortant que l'affection et la loyauté peuvent transcender l'ordinaire. Ces multiples références encouragent les collectionneurs à interpréter l'estampe de manière immédiate et pertinente pour la société contemporaine. Potentiel de collection et attrait moderne Les amateurs d'art sont souvent attirés par les œuvres de Mr Brainwash pour leurs images reconnaissables entre mille, leurs palettes de couleurs éclatantes et leurs références pop exubérantes. Cette sérigraphie artisanale se distingue par son mélange de techniques d'impression raffinées et d'esthétique urbaine brute, créant une œuvre qui fusionne les contraires avec force. Chaque tirage reflète la singularité de l'artiste, assurant de légères variations qui confèrent du caractère à cette série de 50 exemplaires. Le format 22x22 offre une dimension imposante mais polyvalente, attirant le regard sans encombrer l'espace. En associant des symboles classiques d'amour et de pouvoir à des étiquettes d'expédition et à une touche graffiti, Guetta nous invite à redécouvrir les icônes familières sous un jour nouveau. S'inscrivant dans le dialogue entre Street Pop Art et Graffiti, la sérigraphie bleue « Queen of Love » capture un moment de l'art contemporain où références historiques et innovation urbaine se rencontrent dans une explosion de créativité.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Shadow Boxer sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par Sarah Joncas, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'avais une photo de moi prise il y a des années. J'avais perdu mon carnet de croquis ce jour-là et je n'avais rien pour peindre, alors j'ai commencé à me prendre pour modèle dans une sorte de séance photo kitsch, un peu film noir. J'ai toujours aimé cette photo et j'ai toujours voulu la peindre, mais ce n'est qu'avec cette exposition que j'ai trouvé l'endroit idéal pour l'exposer. Même si je ne suis pas du tout aussi dramatique, violente ou colérique que le tableau le laisse paraître (bien au contraire), c'était très amusant d'incarner ce personnage vengeur ! J'ai toujours dit que la peinture était ma façon discrète et timide de m'exprimer… J'aime peindre des récits et les transmettre de manière à toucher les émotions et à susciter la réflexion, un peu comme un film. » – Sarah Joncas

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Retour vers le futur - Glow Print Édition limitée Sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier Natural Cougar Cover 100lb par l'artiste Tim Doyle Art pop moderne. Édition limitée signée et numérotée de 150 exemplaires (2015) - Format de l'œuvre : 16 x 24 pouces Retour vers le futur, film, homme, femme, voiture, requin, poisson, tireur sauvage, voyage dans le temps, science-fiction

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre d'art Brick Woman, impression giclée en édition limitée sur papier épais, par l'artiste de graffiti pop culture Lady Pink. 2005, édition limitée à 25 exemplaires, tirages giclée sur papier épais. Signés et numérotés, format 45,7 x 43,2 cm (18 x 17 pouces).

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