La Blob Bat, une sculpture de batte de baseball en érable en édition limitée, œuvre d'art réalisée par Efdot, artiste de rue spécialisé dans le graffiti moderne. La batte Blob d'Efdot arbore son motif Blob emblématique, à la fois abstrait et figuratif, qui enveloppe le fût noir brillant de la batte en bois. Le logo Efdot et le monogramme Ef. sont apposés sur la surface, au-dessus du manche. La première batte Blob est apparue sur la carte Mike Trout de la collection Topps Project 2020 d'Efdot. Seulement 10 exemplaires de cette édition spéciale Blob Bats noire et or seront produits pour le jour d'ouverture de la saison MLB 2021. Caractéristiques : Longueur : 84 cm (33 pouces), fût large et manche de taille moyenne. Matériau : Érable D-318. En collaboration avec Dinger Bats. (Ballon de baseball non inclus). Expédié par Efdot Studio à Brooklyn, New York.

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Signes des crimes - Impression encadrée Sky Blue Art, impression d'archives à séchage UV sur panneau d'aluminium HD verni, œuvre d'art de l'artiste de culture pop urbaine Ron English - POPaganda. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020). Œuvre de 61 x 61 cm encadrée et prête à accrocher. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Sérigraphie Géante de Linda Le Kinff, édition limitée, œuvre d'art tirée à la main sur papier d'art vélin, artiste pop graffiti de rue moderne. Édition limitée signée et numérotée de 350 exemplaires, 2006. Œuvre d'art de 9 x 10,5 pouces représentant une chanteuse d'opéra classique blonde et une altiste lors d'une performance d'orchestre. La sérigraphie « Géant » de Linda Le Kinff : une merveille de l'art moderne « Géant », la sérigraphie vibrante de Linda Le Kinff, capture l'essence du graffiti urbain et du pop art. Cette édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, datant de 2006 et mesurant 23 x 27 cm, témoigne de la maîtrise de Le Kinff dans l'art de la sérigraphie et de son talent pour exprimer des émotions humaines complexes à travers des images audacieuses et colorées. Réalisée sur papier d'art vergé, « Géant » reflète l'attachement profond de l'artiste à l'esthétique de l'art moderne et sa volonté de créer des œuvres qui vibrent au rythme de la culture urbaine contemporaine. Transcender les frontières avec « Géant » L'œuvre « Géant » de Linda Le Kinff représente une fusion unique entre les techniques sérigraphiques traditionnelles et l'audace thématique propre au street art et au pop art. La composition dynamique de l'œuvre plonge le spectateur au cœur d'un moment d'intimité partagé entre des personnages, rendu avec une élégance et une fluidité qui contrastent avec le caractère souvent brut du street art. Le choix des couleurs et la précision de l'application de l'encre par Le Kinff témoignent de l'influence de la spontanéité du graffiti et de la fascination du pop art pour le spectacle du quotidien. L'impact de la vision artistique de Linda Le Kinff La sérigraphie « Géant » est une œuvre majeure dans le travail de Linda Le Kinff, illustrant parfaitement son approche novatrice d'un art moderne à la fois accessible et profondément émouvant. Son œuvre ne se contente pas d'être accrochée aux murs d'une galerie ; elle interagit avec l'espace et le spectateur, invitant à l'interprétation et à l'introspection. Le tirage limité de « Géant » souligne la valeur de chaque exemplaire, garantissant que chaque estampe est une œuvre d'art unique et non une simple reproduction. « Géant » célèbre le graffiti urbain et le pop art, témoignant de la capacité de l'artiste à fusionner l'art classique et les thèmes contemporains. Son œuvre inspire et captive le public, confirmant son statut de figure incontournable de l'art moderne.

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Peinture originale d'Homère, aquarelle à l'encre et au pastel sur papier aquarelle, par l'artiste Jon Burgerman, art pop moderne. Aquarelle originale signée de 2014, pièce unique, format 22,5 x 29,5 pouces. « Jon Burgerman crée des gribouillis néo-primitifs vibrants, mêlant formes et couleurs. Il a intégré ses personnages monstrueux dans des compositions où des formes caricaturales s'empilent les unes sur les autres, créant une masse d'énergie explosive. D'une productivité intense, il a propulsé l'obsession des personnages de la fin des années 90 vers une direction bien plus intéressante et percutante. Imaginez Walt Disney devant un monument inca sous l'influence de la mescaline. » – Francesca Gavin, rédactrice en chef de la section Arts visuels de Dazed & Confused et auteure de Street Renegades et 100 New Artists, publiés chez Laurence King.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Estampe d'art en édition limitée Smash Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Adam Caldwell, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 14 x 17 pouces. Smash • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Adam Caldwell • Édition limitée à 20 exemplaires

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Ne vous frottez pas au taureau - Texas Édition limitée Sérigraphie 5 couleurs incluant de l'or métallique sur papier crème naturel Cougar par Jon Smith Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2e édition. Agrémentée d'une couche métallique dorée ornée de détails centrés sur le Texas, cette estampe 18×24 est signée et numérotée par Jon, en édition limitée à 200 exemplaires.

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M&M's Dots Édition Limitée, Impression Sérigraphique HPM 5 Couleurs Rehaussée à la main sur Toile, Encadrée par Steve Kaufman, Artiste de Rue Graffiti, Art Pop Moderne. Encadrement sur mesure signé, 2008. « M&Ms » est une sérigraphie artisanale en édition limitée, technique mixte sur toile, réalisée par Steve Kaufman (1960-2010), protégé d'Andy Warhol. Cette œuvre est numérotée HC/50 et signée à la main au verso. Dimensions approximatives : 40,6 cm x 119,4 cm (image). Connu pour sa collaboration avec Andy Warhol, Steve Alan Kaufman (29 décembre 1960 - 12 février 2010) était un grand artiste pop américain, militant et humanitaire. Encouragé par sa mère, Kaufman expose pour la première fois à l'âge de 8 ans dans une synagogue du Bronx, où il a grandi. À seulement 14 ans, il obtient une bourse pour la Parsons School of Design et poursuit ses études à la School of Visual Arts (SVA) de Manhattan, où il rencontre des artistes contemporains tels que Keith Haring et Jean-Michel Basquiat.

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Cornetto Trilogy - Lithographie Hot Fuzz en édition limitée sur papier mat GF Smith Absolute Naturalis 250 g/m² par Patrick Connan, artiste de rue pop et graffiti urbain. Lithographie sur papier GF Smith Absolute Naturalis mat 250 g/m² avec encres d'archivage. Tirage limité à 20 exemplaires. Format A2 (420 mm x 594 mm / 16,5 x 23,4 pouces). Signée, numérotée et estampillée.

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Bartman x Simpsons 1000% BE@RBRICK Figurine d'art en vinyle édition limitée, objet de collection urbain

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Electric Eliminators - Come Out To Play, œuvre d'art imprimée en édition limitée Giclée sur papier d'art par Boneface, artiste de graffiti de la culture pop. Venez jouer ! - une série illustrée en hommage au film culte de 1979, Les Guerriers de la nuit !

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Achetez SCULPTURELIMITED Edition Limitée Pop Artwork Street Artist Fine Art. 2023 Sculpture signée Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Iron Maiden - Piece of Mind, édition limitée, sérigraphiée, illustration de planche de skateboard par les artistes de la culture pop urbaine ZERO x Iron Maiden.

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Poupée Chucky Supreme en édition limitée, jouet de collection en tissu, œuvre d'art créée par l'artiste de rue Supreme. La poupée Supreme Chucky, sans doute l'accessoire le plus effrayant jamais créé par la marque, est sortie le 17 décembre 2020, dans le cadre de la 17e semaine de la collection automne-hiver 2020. Cette poupée Supreme est le troisième jouet à câliner que la marque lance ces dernières années. Cette poupée Supreme Chucky est une reproduction ultra-réaliste du personnage original : elle parle et est même fournie avec un couteau en plastique. Avec sa salopette et son t-shirt griffés, votre poupée Supreme Chucky aura un look aussi stylé que le vôtre.

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Casque d'Or Golden Heart Original Metal Boîte aux lettres française Sculpture de boîte aux lettres par C215 - Œuvre de Christian Guémy, artiste de rue graffiti. Sculpture originale en métal, signée et réalisée à la main en 2014. Œuvre unique. Créée en 2014, « Casque d'Or » est une œuvre peinte à la bombe sur une boîte postale recyclée de 119,4 x 30,5 x 30,5 cm (47 x 12 x 12 pouces). La signature et le titre de l'artiste, « C215 / Casque d'Or », sont inscrits sur le dessus. Faisant partie d'une série rendant hommage au cinéma français, cette pièce célèbre le réalisateur Jacques Becker et présente un portrait saisissant de Simone Signoret, l'actrice principale de son film « Casque d'Or » (1952). Sculpture de boîte aux lettres Casque d'Or par C215 – Le cinéma français immortalisé dans le pop art et le graffiti Créée en 2014, Casque d'Or est une sculpture unique, peinte à la main, du célèbre artiste de rue français Christian Guémy, connu internationalement sous le nom de C215. Mesurant 119 x 30 x 30 cm, cette œuvre imposante est réalisée à partir d'une boîte aux lettres métallique française recyclée, transformée en un hommage monumental au cinéma français et au patrimoine urbain. La sculpture présente des portraits lumineux peints à la bombe, notamment une représentation d'une beauté saisissante de l'actrice Simone Signoret, vedette du chef-d'œuvre cinématographique de Jacques Becker, Casque d'Or (1952). Avec ses jaunes vifs et sa patine éclaboussée, la boîte aux lettres conserve sa vocation d'objet public utilitaire, tandis que C215 la réinterprète en un support d'hommage et de mémoire culturelle. L'œuvre est signée et porte l'inscription C215 / Casque d'Or sur le dessus, l'ancrant à la fois comme une expression personnelle et un artefact historique au sein de l'œuvre de l'artiste. C215 et la poétique urbaine de l'objet oublié Né en France, Christian Guémy s'est imposé comme une figure majeure du street art et du graffiti grâce à son utilisation de pochoirs superposés et à ses portraits d'une grande force émotionnelle. Reconnu pour sublimer les éléments urbains du quotidien – portes, boîtiers électriques, murs abandonnés – en espaces de connexion humaine, C215 aborde cette boîte aux lettres sculpturale avec la même ferveur. Ses pochoirs, découpés à la main, révèlent un savoir-faire méticuleux qui allie spontanéité urbaine et maîtrise technique. Dans « Casque d'Or », Guémy met en lumière Simone Signoret, non seulement comme légende du cinéma, mais aussi comme symbole de force et de complexité. Son trait capture son aura cinématographique, tandis que l'installation sur une boîte aux lettres publique évoque le croisement entre identité nationale, communication et nostalgie. C'est une audacieuse réappropriation de l'espace public comme lieu sacré de narration culturelle. La peinture en aérosol comme médium, la boîte aux lettres comme toile La peinture aérosol demeure le médium principal de Casque d'Or, enrichissant le vocabulaire du graffeur tout en l'orientant vers des dimensions sculpturales et archivistiques. Les teintes orange vif et jaune évoquent la couleur classique des boîtes aux lettres françaises, mais sont intensifiées par le style d'application de Guémy : superposées, texturées et patinées. La boîte aux lettres elle-même, avec ses fentes et son lettrage en relief, conserve sa géométrie utilitaire, ancrant l'imagerie fantastique dans l'infrastructure physique. Elle devient sculpture non par son retrait de la rue, mais par sa réinterprétation. Le piédestal la surélève davantage, suggérant une monumentalité sans la détacher de ses racines architecturales. S'inscrivant dans la grande tradition du Street Pop Art et du graffiti, cette transformation incarne le pouvoir du genre à réinterpréter le familier comme réceptacle d'un mythe personnel et collectif. Cinéma, identité et héritage de la culture française à travers l'art urbain Casque d'Or s'inscrit dans une série plus vaste de C215 célébrant les icônes du cinéma français, un projet ancré dans le respect de la culture et l'activisme créatif. En choisissant un symbole de communication publique – la boîte aux lettres – comme fondement de cette œuvre, Guémy souligne l'idée que l'art peut s'exprimer dans la rue avec autant de force que sur grand écran. Le portrait de Signoret porte en lui des strates d'histoire française, de féminité et d'influence médiatique, tandis que son format sculptural le rend à la fois portable et permanent. Cette fusion entre portrait artistique, tradition du graffiti et référence historique place l'œuvre au cœur du Street Pop Art et du graffiti contemporains. Elle n'est pas seulement un hommage à un film, mais aussi un rappel que la ville elle-même est une galerie, ses surfaces attendant de parler, de se souvenir et de se réinventer.

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Sérigraphie Space Monkey Vert Jaune AP par Dalek - James Marshall, épreuve d'artiste, sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts, édition limitée, œuvre d'art pop street et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2002 Signée et marquée AP Tirage limité Format de l'œuvre 18x24 « Space Monkey Green Yellow AP » de James Marshall : une fusion vibrante de street art et de pop art La sérigraphie « Space Monkey Green Yellow AP » de Dalek, alias James Marshall, est une expression vibrante du style distinctif de l'artiste, à la croisée du street art et d'une esthétique pop art ludique. Créée en 2002 comme épreuve d'artiste (AP), cette sérigraphie artisanale en édition limitée sur papier beaux-arts reflète la fusion des sensibilités de la culture urbaine et de l'audace du pop art. Signée et estampillée AP, cette œuvre fait partie d'une série exclusive très recherchée par les collectionneurs de street art, de pop art et de graffiti. Mesurant 45,7 x 61 cm, elle met en valeur le personnage iconique du « Space Monkey », tandis que les couleurs verte et jaune renforcent son impact visuel. Le « Space Monkey » est une figure récurrente dans l'œuvre de Dalek, souvent perçue comme un avatar de son exploration des émotions, de l'identité et de la condition humaine. Ce personnage, avec ses yeux démesurés et son allure de dessin animé, dégage une curiosité espiègle et un sentiment d'étrangeté, thèmes récurrents dans le street art et la culture pop. La sérigraphie ajoute une dimension supplémentaire à l'œuvre, chaque couche appliquée à la main contribuant à la profondeur et à la texture qui donnent vie à l'image. Exploration de la signification artistique de la sérigraphie Dalek Le travail de James Marshall sous le pseudonyme de Dalek a considérablement enrichi le dialogue artistique entre le street art et le pop art. Son estampe « Space Monkey Green Yellow AP » illustre parfaitement les éléments à la fois fantaisistes et provocateurs souvent présents dans son œuvre. Le personnage, flottant sur un fond épuré, est en pleine exploration ludique, un sentiment qui fait écho à la liberté et à la spontanéité du graffiti. Parallèlement, la pureté des lignes et l'audace des couleurs reflètent l'influence du pop art, créant ainsi un pont entre la contre-culture et la culture dominante. Le choix d'une épreuve d'artiste pour cette pièce souligne son caractère unique et la dimension personnelle du processus de sérigraphie. Traditionnellement, les épreuves d'artiste sont les premiers tirages réalisés, servant à évaluer la qualité de l'impression finale. En signant et en proposant un nombre limité de ces épreuves, Dalek offre aux collectionneurs un fragment du processus créatif, un aperçu de l'œuvre à ses débuts. Résonance culturelle de « Space Monkey Green Yellow AP » dans la communauté artistique L'impact culturel de « Space Monkey Green Yellow AP » de Dalek au sein de la communauté du street art et du graffiti est indéniable. Appartenant à la scène artistique du début des années 2000, cette estampe représente une période où le street art commençait à être largement reconnu et accepté dans le monde de l'art. Grâce à son attrait universel, l'œuvre de Dalek a joué un rôle dans cette transition, insufflant l'énergie et l'esprit du street art dans les galeries et les collections privées. Le tirage limité de cette sérigraphie lui confère un caractère exclusif, reflétant la nature souvent éphémère du street art. À l'instar des graffitis qui peuvent être recouverts ou s'estomper avec le temps, la disponibilité restreinte de « Space Monkey Green Yellow AP » capture l'urgence et la rareté du street art sous une forme que les collectionneurs peuvent préserver et apprécier au fil du temps. « Space Monkey Green Yellow AP » de James Marshall est une puissante illustration de la synergie entre le street art et le graffiti. En tant qu'épreuve d'artiste, elle occupe une place particulière dans l'œuvre de Dalek. Elle offre un aperçu du processus créatif de l'artiste et constitue un témoignage tangible du mouvement qui a placé l'esthétique urbaine au cœur de l'art contemporain. Cette estampe atteste de l'attrait intemporel des images inspirées de la rue et de leur capacité à interpeller, émerveiller et captiver un public aux goûts artistiques variés.

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Collage d'icônes en bas - Tirage sérigraphique 3 couleurs grand format en édition limitée, réalisé à la main sur papier crème moucheté avec bords frangés à la main par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 76,2 x 97,8 cm (30 x 38,5 pouces). Édition limitée à 70 exemplaires numérotés. 31 octobre 2016. Papier d'archivage 100 % coton, bords frangés. Cachet de la maison d'édition OBEY en bas à gauche. Signée par Shepard Fairey.

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Portrait souriant - Sculpture en bombe de peinture jaune en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Star Skull - Tirage giclée en édition limitée Kickstarter sur papier beaux-arts par Ron English - Artiste de rue de la contre-culture POPaganda. Édition limitée Kickstarter 2015, signée et numérotée, limitée à 50 exemplaires. Format de l'œuvre : 16x16 pouces. Ron English - L'impact artistique de POPaganda L'estampe giclée « Star Skull » de Ron English-POPaganda présente une fusion captivante entre art urbain et graffiti, emblématique de l'esprit contestataire qui caractérise l'artiste. Sortie en édition limitée via Kickstarter en 2015, cette œuvre illustre le style unique d'English, mélange d'art visuel conceptuel et de subversion, le tout sur papier d'art de haute qualité. Ron English-POPaganda est une figure prolifique et incontournable de l'art contemporain, principalement connu pour son rôle dans le mouvement subversif de l'art urbain. Ses œuvres intègrent souvent des références culturelles populaires et savantes, allant de la mythologie des super-héros aux symboles de l'histoire de l'art, recontextualisées dans un récit moderne. « Star Skull » d'English ne fait pas exception ; cette œuvre est une déclaration visuelle complexe qui explore en profondeur les thèmes de la mortalité et de l'omniprésence de la culture pop. Le crâne, symbole intemporel de l'histoire de l'art, est transformé par le regard d'English en un objet vibrant et irisé, dont la beauté envoûtante captive le spectateur. L'étoile qui orne le crâne contraste fortement avec la représentation naturaliste de la structure osseuse. Cette juxtaposition témoigne de la fascination de l'artiste pour l'iconographie américaine et le charme souvent superficiel de la célébrité et du matérialisme. Importance dans le Street Art et le Pop Art Cette estampe en édition limitée, au format 40 x 40 cm, revêt une importance particulière car elle était proposée en bonus exclusif sur Kickstarter, témoignant de l'évolution du financement et de la consommation de l'art. L'exclusivité de cette édition, limitée à seulement 50 exemplaires signés et numérotés, renforce sa valeur de collection et souligne le lien privilégié que Ron English-POPoganda tisse avec son public. « Star Skull » incarne l'essence même du street art pop par son accessibilité et l'esprit DIY de la culture graffiti. La technique d'impression giclée, reconnue pour sa capacité à reproduire fidèlement les couleurs et les détails des œuvres originales, est parfaitement adaptée à la palette vibrante et à la minutie d'English. Les collectionneurs apprécient la richesse esthétique et thématique de son art ainsi que la valeur d'une pièce en édition limitée, gage de sa rareté et de la touche personnelle de l'artiste. Le caractère de collection de « Star Skull » La présence de cette œuvre sur le marché de l'art, en exclusivité sur Kickstarter, souligne l'évolution du mécénat artistique, marquée par des relations plus directes entre artistes et public et l'émergence de plateformes alternatives de diffusion. Le choix de Ron English de diffuser « Star Skull » via Kickstarter témoigne de son adhésion aux méthodes contemporaines d'interaction avec le monde de l'art, démocratisant ainsi l'acquisition d'œuvres. Dans le contexte de l'art moderne, « Star Skull » atteste de la pertinence durable du pop art urbain et du graffiti. Elle allie l'immédiateté et la force de confrontation propres au street art à la profondeur conceptuelle et à la finition soignée de la gravure d'art. De ce fait, il s'agit d'une œuvre visuellement saisissante et d'un témoignage important de l'histoire de l'art contemporain, marquant la rencontre entre les formes d'art traditionnelles et l'esprit contestataire du street art. En résumé, l'édition limitée giclée « Star Skull » de Ron English-POPoganda, disponible sur Kickstarter, illustre parfaitement le dialogue puissant entre le pop art urbain et le graffiti, ainsi que l'engagement contre-culturel qui caractérise l'artiste. À travers cette œuvre, English continue de défier les spectateurs par son mélange de familier et d'extraordinaire, consolidant ainsi son rôle de figure centrale dans le récit de l'art contemporain.

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Mona Lisa Grin - Figurine de collection en vinyle doré en édition limitée, œuvre d'art réalisée par Ron English, graffeur de rue - POPaganda x Funko. Préparez-vous à sourire avec la nouvelle figurine vinyle Ron English - POPaganda Green Mona Lisa Grin, créée exclusivement pour la boutique Funko ! Mesurant 17,1 cm x 12,1 cm x 22,9 cm, cette figurine en édition limitée à 500 exemplaires apportera une touche vibrante et unique à toute collection de vinyles.

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Peinture à l'huile originale et unique sur toile représentant un billet d'un dollar à l'effigie de George Washington, par Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne. Œuvre originale signée, encadrée et tendue sur châssis, datant de 2002. Dimensions : 27 x 44 pouces.

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Papier buvard Surfing Eyeball, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Rick Griffin, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Les Sept Péchés Capitaux - Tirage Risograph en édition limitée 6 couleurs, réalisé à la main sur papier d'art par Buff Monster, artiste pop art célèbre et rare.

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Mick Jagger à New York, peinture à l'huile originale de Peter Keil, œuvre unique sur panneau en mousse encadrée par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1985 par Peter Keil. Œuvre originale de 28,5 x 37,5 cm. Toutes les œuvres de Peter Keil utilisent une peinture épaisse ; quelques écailles peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Représentation du visage de Mick Jagger des Rolling Stones fumant une cigarette. Le panneau de masonite est légèrement bombé vers l'intérieur à l'arrière du cadre et se décolle légèrement du mur. Capturer l'icône : l'interprétation de Mick Jagger par Peter Keil « Mick Jagger New York » de Peter Keil est une huile sur toile originale qui capture l'essence de l'une des figures les plus emblématiques du rock. Créée en 1985 et encadrée sur un panneau de mousse rigide, cette œuvre illustre le style vibrant et expressionniste de Keil. Signée et datée par l'artiste surnommé « L'Homme Sauvage de Berlin », elle mesure 72,4 x 95,2 cm, témoignant du goût de Keil pour une œuvre audacieuse. S'inscrivant dans la tradition du pop art, la représentation du chanteur des Rolling Stones par Keil est une fusion parfaite entre culture des célébrités et innovation artistique. L'utilisation d'une peinture épaisse et texturée est caractéristique de la technique de Keil, conférant profondeur et intensité à l'image de Mick Jagger, une cigarette élégamment suspendue à ses lèvres. La présence possible d'écailles de peinture ajoute une dimension d'authenticité et d'histoire à l'œuvre, évoquant le vieillissement naturel des matériaux de prédilection de Keil et la pérennité de ses créations. Bien plus qu'un simple portrait du célèbre musicien, cette peinture est une œuvre narrative qui transmet le charisme brut et l'héritage durable de Jagger. L'utilisation de la couleur et de la forme par Keil rompt avec le portrait conventionnel, offrant une fenêtre sur l'âme du sujet et capturant l'essence des personnalités publique et privée de Jagger. Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, la peinture de Keil se distingue par son appropriation des icônes de la culture populaire et sa capacité à les transposer dans un contexte artistique classique. L'œuvre s'inscrit dans l'esprit du street art, qui s'approprie souvent l'imagerie populaire pour exprimer des opinions sur la société, la célébrité et le passage du temps. La peinture de Keil le fait avec respect et créativité, faisant de « Mick Jagger New York » non seulement un portrait, mais un véritable témoignage de l'histoire culturelle. En somme, l'œuvre de Keil est un exemple de la fusion réussie entre la sensibilité du street art et la sophistication des beaux-arts. Son portrait de Mick Jagger est empreint d'une immédiateté et d'une intimité saisissantes, caractéristiques souvent présentes dans les œuvres d'art inspirées par le street art. À travers cette toile, Keil continue de repousser les limites de l'art contemporain, s'affirmant comme une figure incontournable de l'évolution du pop art et de son lien avec l'esthétique urbaine.

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Figurine de collection en vinyle « Basketball Grin » en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Ron English - POPaganda. TITRE : Basketball Grin ARTISTE : Ron English - POPaganda TAILLE : environ 18 cm de haut Basketball Grin est la toute nouvelle figurine de Ron English - POPaganda. Mesurant 18 cm, il joue pour l'équipe Popaganda. Il possède un corps orange et un uniforme noir.

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Guru del Toro - Maestro des Monstres, Sculpture de Jouet d'Art en Vinyle Édition Limitée, Œuvre d'Art de Collection par l'Artiste Pop Moderne Chogrin x Unruly Industries. Édition limitée 2019 à 400 exemplaires, format 10,5 x 7 pouces, neuve en boîte, estampillée/imprimée. Figurine neuve en boîte Guru del Toro Maestro of Monsters par Chogrin x Unruly Industries Laissez Guru del Toro vous guider dans les profondeurs les plus obscures de la fantasy ! Cette figurine de collection, créée par l'artiste Chogrin, rend hommage au Maître des Monstres, qui tient d'innombrables univers entre ses mains, ses griffes et ses tentacules. « Cette figurine est inspirée d'une illustration que j'ai créée en hommage à Guillermo del Toro et à sa filmographie. Guillermo a toujours été un protecteur des créatures incomprises et une source d'inspiration pour les artistes du monde entier. Je voulais créer une œuvre qui réunisse tout cela. Voici donc Guru del Toro, le Maître des Monstres ! » - Chogrin

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Halftone Jesus - Néon 5 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier beaux-arts par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare.

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Johnny Face - Shoo Fly, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne John Van Hamersveld. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Robot #4 Édition limitée 5 couleurs, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Zane Thomas, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Format : 8,5 x 11 pouces. La vision artistique derrière la sérigraphie Robot de Zane Thomas « Robot », une sérigraphie artisanale en cinq couleurs, réalisée en édition limitée par Zane Thomas, est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti. Créée en 2013 et éditée à 50 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre illustre la capacité de Thomas à fusionner des éléments graphiques structurés avec l'énergie brute de l'art urbain. Mesurant 21,6 x 27,9 cm, elle témoigne de sa précision dans la superposition des couleurs grâce à la sérigraphie, un procédé qui accentue la profondeur, la texture et l'éclat des couleurs. Le thème robotique évoque les notions contemporaines de technologie, d'automatisation et de relation évolutive entre l'humain et la machine, conférant à cette œuvre une force visuelle indéniable et une pertinence conceptuelle indéniable. Le rôle de la robotique dans le street art et le graffiti La représentation des robots dans le street art et le graffiti reflète souvent les débats culturels autour de l'innovation, de l'intelligence artificielle et de l'industrialisation. Dans le cas de « Robot » de Zane Thomas, la composition fait probablement référence à ces thèmes tout en intégrant des éléments graphiques audacieux qui la distinguent au sein du mouvement street art. L'esthétique mécanique, combinée à une utilisation dynamique de la couleur, inscrit l'œuvre dans un récit plus vaste explorant l'intersection entre technologie et créativité. Le trait, à la fois net et expressif, suggère un goût pour la précision et la spontanéité, un équilibre essentiel dans l'art urbain contemporain. La sérigraphie et son impact sur l'œuvre d'art La sérigraphie est une composante essentielle du processus artistique de Robot, permettant une application à la fois maîtrisée et expérimentale de la couleur et de la forme. La technique de superposition de cinq couleurs accentue le contraste et la profondeur, conférant à l'estampe une riche présence visuelle. Les sérigraphies réalisées à la main sont depuis longtemps associées au pop art urbain et au graffiti, en raison de leur capacité à produire de multiples variations distinctes d'une même image. Chaque estampe de cette édition présente de légères variations qui la rendent unique, renforçant l'idée que l'art urbain privilégie le savoir-faire et l'authenticité à la production de masse. La signification culturelle du robot par Zane Thomas L'œuvre « Robot » reflète les angoisses et la fascination contemporaines pour l'intelligence artificielle et la mécanisation. En intégrant des images robotiques à une technique artisanale comme la sérigraphie, Zane Thomas crée un pont entre progrès technologique et techniques artistiques traditionnelles. Ce contraste met en lumière le dialogue permanent entre processus numériques et analogiques dans l'art, à l'image des mutations sociétales plus larges. L'œuvre reste pertinente dans les débats sur le rôle de la technologie dans la vie quotidienne, tout en conservant l'attrait esthétique du pop art urbain et du graffiti. Tirée en édition limitée, elle revêt une valeur particulière pour les collectionneurs sensibles à la fusion de thèmes futuristes et de l'énergie brute des techniques d'impression artisanales.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Tirelire Smiley Grin en édition limitée, jouet de collection en vinyle, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Vinyle édition limitée signé 2010, 9,5 × 10 cm (3 7/10 × 3 9/10 po). Exposition solo de Ron English (POPoganda) en 2010 à la Status Factory NYC, « Made by Monsters ». Pochette ouverte, en parfait état.

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Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée « Notre Père » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Sket One, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'avais 7 ans à la sortie de Star Wars et je pense que pour ma génération, Star Wars est un véritable phénomène de société, profondément ancré en nous. J'ai commencé à concevoir cette pièce il y a plus de trois ans, mais il me fallait le temps et les moyens de la réaliser. C'est le début d'une série plus importante, qui m'éloignera de mes créations habituelles de figurines personnalisées pour me concentrer sur une démarche artistique plus exigeante. Le commandement « Tu n'adoreras point les fausses idoles » devait être le titre d'une exposition, et il le sera peut-être encore, mais j'aurai une exposition entière consacrée à Star Wars et cette pièce en fera partie. » - Sket One

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Covid No 19 - Rouge Édition Limitée Tirage Pigmentaire d'Archives sur Papier Beaux-Arts MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 19 exemplaires : Rouge Covid19 Chanel, désinfectant pour les mains inspiré du virus. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 cm x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Psychedelic Andre- '92 Obey Giant Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perforated Blotter Paper by Shepard Fairey X John Van Hamersveld pop culture LSD artwork. « J'ai créé cette image pour la première fois en 1967, puis l'affiche est sortie en 1968. Un jour, je me suis assis et j'ai commencé ce dessin, dans mon style habituel. J'étais directeur artistique chez Capitol Records et je ne dessinais plus beaucoup. C'était une toute nouvelle étape pour moi. Mais c'était l'occasion de tester mon dessin, de le transposer sur une affiche et de la faire publier. Le résultat a été excellent. Le concert a été un succès retentissant. Il y avait des publicités partout et le public adorait l'affiche. Elle est tout de suite entrée dans l'histoire, un peu comme l'affiche de The Endless Summer. » - John Van Hamersveld « Je suis devenu fan d'Hendrix après avoir quitté ma période punk rock orthodoxe. J'ai fini par être attiré par l'image de John car elle comportait un clin d'œil au psychédélisme, sans tomber dans l'excès de détails baroques, ce qui lui a permis de devenir iconique. Cette image d'Hendrix elle-même — ainsi que quelques autres influences, comme Barbara Kruger et le constructivisme russe — a eu une influence considérable sur ma façon de créer des œuvres capables de se démarquer dans le brouhaha de la rue tout en conservant un style reconnaissable. Lorsque je réalisais des variations d'André sur différents fonds, je m'intéressais beaucoup à l'art psychédélique, mais l'œuvre de John m'a vraiment inspiré à créer quelque chose qui s'écarte de la simple reproduction de l'image originale d'André. Ainsi, le Pinnacle Hendrix de John a en quelque sorte été la porte d'entrée vers l'évolution de tout mon projet André le Géant. Je ne saurais trop insister sur l'importance de cette image pour moi. » - Shepard Fairey

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Impression d'art sur papier buvard perforé « Nuages ​​pulvérisés » par El Pez, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2023. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey. Les impressions sur papier buvard constituent une forme d'art unique qui consiste à transférer de l'encre sur un papier buvard spécialement traité. Les impressions obtenues sont souvent abstraites et colorées, et peuvent être utilisées à des fins décoratives et artistiques variées. Pour créer une impression sur papier buvard, l'artiste prépare d'abord le papier en le traitant avec des produits chimiques qui augmentent son pouvoir absorbant et sa capacité à retenir l'encre ou le colorant. Ensuite, l'encre ou le colorant est appliqué sur le papier selon différentes techniques, telles que le coulage, le versement ou la pulvérisation. Le papier est laissé à sécher, puis l'impression obtenue est délicatement détachée du papier buvard. Des techniques d'impression d'archivage sont utilisées pour produire des reproductions de haute qualité de l'œuvre originale. Cela implique l'utilisation d'encres et de papiers de haute qualité, conçus pour durer longtemps sans se décolorer ni se détériorer. Les impressions d'archivage sont également résistantes à l'humidité et à la lumière du soleil, ce qui contribue à préserver l'œuvre pour les années à venir. Les impressions sur papier buvard peuvent être un excellent ajout à la décoration de toute maison ou bureau, et elles sont souvent utilisées comme une forme originale d'art mural. Elles sont également prisées des collectionneurs et des amateurs d'art, car chaque estampe est unique et ne peut jamais être reproduite à l'identique.

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Découvrez ici la peinture au pochoir et collage original de Pipsqueak ! Une œuvre unique sur toile tendue, réalisée par un artiste pop art de rue. Peinture originale signée, technique mixte (pochoir, collage et peinture aérosol), 2021. Dimensions : 17,5 x 17,5 cm. Check by Pipsqueak Was Here!!! – Pochoirs de défi et textures trouvées dans l'art pop urbain et le graffiti « Check » est une œuvre originale de 2021, technique mixte, réalisée par le duo d'artistes de rue néerlandais Pipsqueak Was Here!!!. Créée à l'aide de pochoirs, de peinture aérosol et de collages sur toile tendue, cette pièce de 44,5 x 44,5 cm, signée par les artistes, illustre de façon saisissante la superposition de récits urbains, ancrés dans une texture brute et des juxtapositions symboliques. Au centre, un portrait au pochoir, solennel et précis, représente une jeune fille au regard direct et presque provocateur. Autour d'elle, des fragments de publicités vintage, d'étiquettes d'avertissement de produits chimiques, d'imprimés déchirés et d'éléments abstraits peints sont collés. L'œuvre fusionne le langage de la prudence, de l'enfance et de la mémoire consumériste en un champ poétique urbain dense et cohérent, emblématique de la pratique de Pipsqueak Was Here!!! au sein du Street Pop Art et du Graffiti. Le portrait comme conscience et confrontation La jeune fille au centre de Check n'est pas passive. Son expression est grave, ancrée dans la réalité et d'une subtile provocation. Rendue par des pochoirs noirs et couleur chair d'une grande netteté, sa présence contraste avec le brouhaha chaotique de l'arrière-plan, offrant au spectateur un point d'ancrage émotionnel. Cette figure, comme beaucoup d'autres dans l'œuvre de l'artiste, revêt une importance symbolique : la jeunesse dans un monde déjà marqué par le danger et la contradiction. Derrière elle, l'image d'une publicité classique pour un taxi jaune et une étiquette d'avertissement « Marchandises dangereuses diverses » créent une ironie visuelle saisissante. Le collage environnant dépasse la simple esthétique ; il devient un commentaire. Dans le contexte plus large du Street Pop Art et du Graffiti, ce portrait se fait l'écho d'une voix qui remet en question les systèmes avec une détermination tranquille plutôt qu'avec des slogans criés. Construction de collages et composition d'objets trouvés Fidèle aux racines esthétiques du street art, Check intègre un langage visuel trouvé à travers ses collages superposés. On y observe une fusion de mémoire urbaine et de supports oubliés : typographies usées, titres de journaux délavés, symboles codés chimiquement et superposition de peintures à la bombe et de pochoirs. Ces textures imitent les murs des villes, où affiches et panneaux publicitaires sont constamment arrachés, recouverts de peinture ou tagués. Les artistes utilisent ces matériaux pour créer un champ narratif, un dialogue entre sécurité et danger, visibilité et effacement. Cette méthode de collage tactile renforce le lien entre la surface et le récit, garantissant que chaque élément de l’œuvre contribue non seulement à l’intérêt visuel, mais aussi à la résonance historique. Elle capture l’énergie de déclin et de renouveau, au cœur de l’esprit du street art et du graffiti. Pipsqueak était là !!! et la logique de la protestation visuelle Avec « Check, Pipsqueak Was Here!!! », Pipsqueak continue d'affiner son équilibre unique entre élégance visuelle et urgence urbaine. L'œuvre rayonne de sens par le contraste : l'innocence de l'enfance face à un monde saturé d'avertissements et de publicités. Le titre lui-même suggère la confrontation, la vérification, voire la perturbation. Chaque choix de composition témoigne de la puissance, de l'emplacement et de la perception. Cette peinture ne se limite pas à la forme ou à la beauté ; elle est un message inscrit dans l'image. Artistes de rue, pop art et graffiti, le duo reste attentif à la vulnérabilité environnementale, sociale et humaine, faisant de chaque œuvre une forme de protestation visuelle à travers le collage, la bombe de peinture et les symboles. « Check » nous rappelle avec force que l'art, dans l'espace public comme privé, a le pouvoir de révéler des vérités, de susciter l'empathie et de porter la résistance grâce à l'iconographie quotidienne de nos environnements partagés.

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Archives Art Train Original All City Style Subway Painting on Wall Sculpture Artwork by Graffiti Street Artist Artist Rek Santiago. Sculpture de train style urbain, réalisée au marqueur aérosol original en 2010. Œuvre unique. Dimensions : 20,25 x 5 x 1,75 pouces. Graffiti original peint à la main sur mur, style métro, pour quai de métro. Salissures et imperfections éparses, constantes avec l'âge, excellent état.

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Otto Dino, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de la culture pop moderne Max Elbo x GZ1. Édition limitée numérotée à la main (250 exemplaires) - Coffret 2022. Cette figurine en vinyle de 25 cm est le fruit d'une collaboration entre les artistes GZ1 et ELBO. Limitée à 250 exemplaires, « Otto Dino » est le troisième personnage issu de la collection collaborative GZ1 x ELBO. Chaque coffret est numéroté à la main par l'artiste. La fusion créative de Max Elbo et GZ1 dans la figurine Otto Dino en vinyle. « Otto Dino », une figurine en vinyle en édition limitée, est le fruit d'une collaboration unique entre l'artiste pop contemporain Max Elbo et GZ1. Cette œuvre d'art de 25 cm, lancée en 2022, incarne l'accessibilité du street art et le succès populaire du pop art dans le monde des objets de collection. Limitée à 250 exemplaires, « Otto Dino » est le troisième personnage phare de la collection collaborative GZ1 x ELBO. Chaque pièce est numérotée à la main par les artistes. Les couleurs vibrantes et le design fantaisiste de cette figurine soulignent l'esprit à la fois ludique et provocateur propre à de nombreux mouvements de street art et de pop art. « Otto Dino » fusionne l'énergie rebelle du graffiti avec l'esthétique soignée des figurines en vinyle, créant un personnage tridimensionnel qui se transforme en œuvre d'art interactive. Ces objets de collection sont devenus un médium à part entière, permettant aux artistes d'atteindre un public plus large, transcendant les espaces traditionnels des galeries et s'intégrant au tissu de la vie quotidienne. La vision artistique de Max Elbo dans l'univers des objets de collection La vision artistique de Max Elbo se transpose avec aisance des fresques monumentales à l'échelle intimiste d'« Otto Dino », témoignant de sa polyvalence et de son engagement à intégrer l'art dans l'espace personnel des collectionneurs. À l'instar de son art urbain, cette figurine en vinyle regorge de détails et de nuances qui invitent à l'observation attentive et reflètent le style iconique d'Elbo. En collaborant avec GZ1, Elbo explore un nouveau mode d'expression créative, en résonance avec la nature tactile et ludique du Street Pop Art et du graffiti. Chaque « Otto Dino » est une expression tangible de l'art d'Elbo, offrant à l'objet de collection le même niveau de savoir-faire et d'intégrité artistique que l'on attend de ses fresques. La numérotation manuelle de chaque boîte ajoute une touche personnelle, rappelant les signatures du street art, et renforce le statut d'œuvre d'art en édition limitée. Cette pratique valorise chaque pièce et crée un lien direct entre l'artiste et le collectionneur, un aspect précieux dans le monde des objets de collection d'art. La tendance croissante des Art Toys dans la culture pop urbaine L'émergence de jouets d'art comme « Otto Dino », devenu un phénomène majeur de la culture pop urbaine, témoigne de l'évolution des modes de consommation et d'appréciation de l'art. Ces objets de collection permettent aux artistes d'élargir leur audience et d'explorer de nouvelles voies artistiques, tout en interagissant avec une communauté de collectionneurs qui valorisent le lien entre art et jeu. Le caractère limité de ces jouets crée un sentiment d'urgence et d'exclusivité, qualités traditionnellement associées à l'acquisition d'œuvres d'art. Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, les jouets d'art symbolisent la démocratisation de l'accès à l'art. Des pièces comme « Otto Dino » offrent une expérience artistique plus personnelle et interactive, abolissant les frontières entre l'artiste et le public. Elles célèbrent la fusion du plaisir esthétique et de l'attrait pour la collection, incarnant l'essence même des mouvements du street art et du pop art qui ont toujours cherché à intégrer l'art au quotidien. Impact et héritage d'Otto Dino dans le domaine des objets de collection d'art moderne « Otto Dino » témoigne du potentiel des collaborations entre artistes tels que Max Elbo et GZ1 pour repousser les limites de l'art de collection. L'impact de telles œuvres est considérable, influençant non seulement le marché des art toys, mais aussi la perception du street art et du pop art. L'héritage d'« Otto Dino » se mesurera à sa valeur esthétique, à son potentiel de collection et à sa capacité à inspirer de futures collaborations et innovations au sein de la communauté du street art, du pop art et du graffiti. Le succès d'« Otto Dino » et sa contribution à la scène des objets de collection d'art moderne réaffirment l'importance de l'accessibilité et de l'interactivité dans l'art contemporain. Alors que les collectionneurs continuent de rechercher des pièces uniques et significatives, le rôle des art toys dans le paysage artistique ne fera que croître, avec des artistes comme Max Elbo et GZ1 à l'avant-garde de cette intersection dynamique entre art, collection et commentaire culturel. « Otto Dino » n'est pas qu'un simple objet de désir pour les collectionneurs ; C'est un élément de monnaie culturelle, un symbole de l'impact à la fois ludique et profond du street art et du pop art modernes.

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« Nous allons nous détruire mutuellement », édition limitée, sérigraphie 6 couleurs rehaussée à la main sur papier beaux-arts coton 350 g/m² par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. 2013 Édition limitée signée et numérotée à 50 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 22 x 30 cm. « Ma copine et moi avons récemment rompu après six ans de relation, et ça a été très difficile à vivre. C'est ma meilleure amie et elle me connaît probablement mieux que quiconque au monde. Elle a une intuition et une clairvoyance incroyables. On a longtemps essayé de sauver notre couple, mais ses pressentiments ont fini par se réaliser. C'est ce qui a inspiré cette œuvre. Cette estampe est une de mes créations hybrides, un mélange d'aérosol bicolore et de sérigraphie six couleurs. Je pense que c'est une œuvre vraiment amusante sur un sujet triste. » - Déni L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Remio Study- 04 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture en aérosol, acrylique sur papier beaux-arts, par le célèbre artiste de graffiti de rue Remio. Technique mixte sur papier beaux-arts. Format : 54 x 50 pouces. Sortie : 31 janvier 2020. Tirage : 1 exemplaire. Massif

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Flowering Dignity Colibri Édition limitée 5 couleurs Impression typographique manuelle sur papier d'art en coton par l'artiste pop urbain Ernesto Yerena Montejano (Hecho Con Ganas). Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format 24x18. Impression typographique 5 couleurs sur papier 100 % coton. Publiée et imprimée par Aardvark Letterpress à Los Angeles, Californie. Édition de 100 exemplaires signés et numérotés. Il s'agit d'une impression de très haute qualité réalisée avec des plaques métalliques individuelles pour chaque couleur. « Flowering Dignity Colibri » d'Ernesto Yerena Montejano est une estampe en édition limitée qui capture avec brio la grâce et la vitalité du monde naturel, imprégnée de l'énergie vibrante du pop art urbain. Publiée en 2022, cette estampe artisanale en cinq couleurs, imprimée en typographie sur papier coton fin, mesure 61 x 46 cm et constitue une pièce de collection remarquable, tirée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés. Sous le nom de Hecho Con Ganas, Yerena continue d'intégrer ses récits culturels et ses convictions politiques à son art, puisant dans ses racines mexicano-américaines pour explorer les identités collectives et personnelles. La qualité exceptionnelle de cette œuvre est immédiatement perceptible ; elle est obtenue grâce à l'utilisation de plaques de métal individuelles pour chaque couleur, un procédé traditionnel et méticuleux qui garantit la vivacité et la profondeur de l'impression. L'imprimerie Aardvark Letterpress, située à Los Angeles, en Californie, et réputée pour son travail exceptionnel en typographie, a réalisé cette œuvre, mettant son savoir-faire ancestral au service de la vision contemporaine de Yerena. L'utilisation de papier 100 % coton confère non seulement une texture luxueuse, mais témoigne également de l'engagement de l'artiste envers la qualité et le développement durable. Dans « Flowering Dignity Colibri », le jeu des couleurs et des formes est saisissant. Le motif central, un mandala floral, est flanqué de deux colibris, symbolisant l'agilité, la vitalité et la résilience. Ces éléments se détachent sur des formes et des motifs géométriques qui ajoutent du mouvement et de la profondeur à la composition. La chaleur des couleurs du motif floral contraste avec les tons froids du fond, créant un effet visuel percutant, caractéristique du style pop art. Cette œuvre se situe au carrefour du pop art, du street art et du graffiti, perpétuant l'esprit rebelle et l'esthétique audacieuse de ces mouvements. Elle se distingue néanmoins par son utilisation de la technique artisanale de l'impression typographique, démontrant ainsi comment les méthodes traditionnelles peuvent dialoguer avec les formes d'art contemporaines. L'œuvre « Flowering Dignity Colibri » de Yerena Montejano se dresse comme une pièce de résistance et célèbre le patrimoine culturel, invitant les spectateurs à trouver beauté et force dans ses strates complexes et le message qu'elle véhicule.

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Dollie XL Impression lenticulaire par Pose- Jordan Nickel Tirage à la main 3 phases holographiques comme du papier frangé Œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires (2021). Œuvre d'art de 22,5 x 36 pouces, impression lenticulaire à couleurs changeantes représentant une femme avec une coupe de cheveux en forme de ruche. Pose, alias Jordan Nickel, confirme sa place dans le monde de l'art contemporain avec son œuvre révolutionnaire intitulée « Dollie XL Lenticular ». Évoquant une douce nostalgie tout en repoussant les limites des techniques modernes, Pose démontre une maîtrise des traditions du pop art et du street art, incarnée dans cette œuvre transcendante. Mesurant 57 x 91 cm, « Dollie XL Lenticular » est une pièce d'exception en édition limitée à seulement 50 exemplaires, chacun signé par l'artiste, gage d'authenticité. Créée en 2021, la technique d'impression lenticulaire employée offre une expérience visuelle dynamique. Selon l'angle de vue, les couleurs optiques se modifient, créant un effet hypnotique, presque holographique. Au cœur de ce jeu de couleurs et de lumière se trouve la représentation saisissante d'une femme à la coiffure chignon volumineux, symbole iconique qui a traversé les époques et trouve un écho particulier auprès des amateurs de culture pop. L'une des caractéristiques marquantes de cette œuvre réside dans ses bords irréguliers, qui lui confèrent un aspect brut et tactile, renforçant ainsi son caractère unique. Chaque pièce est accompagnée d'un certificat d'authenticité, gage de sa qualité et de son authenticité, garantissant aux collectionneurs et aux amateurs d'art la valeur de leur acquisition. Dans « Dollie XL Lenticular », Pose fusionne avec brio des motifs historiques et des techniques artistiques novatrices, créant une œuvre qui rend hommage au pop art et au street art traditionnels tout en préfigurant l'avenir de ces genres. L'œuvre témoigne de la nature pérenne et évolutive de l'expression visuelle, toujours vivante et en perpétuelle transformation.

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Barre de force Ben Baller, édition limitée, en aluminium moulé sous pression, objet d'art de collection, œuvre de l'artiste et designer Ben Baller. Barre de fer dorée en aluminium moulé sous pression, édition limitée 2021. Pièce d'art. Dimensions : 35,6 x 3,8 x 0,5 cm. Barre de fer dorée de luxe par Ben Baller. Neuve en boîte. Fusion du pop art urbain et du graffiti dans Crowbar en édition limitée de Ben Baller Le street art, le pop art et le graffiti représentent des formes d'expression artistique vibrantes et souvent rebelles, omniprésentes dans les paysages urbains et recherchées par les collectionneurs contemporains. Ben Baller, artiste et designer de renom, s'est aventuré dans cet univers avec son pied-de-biche en aluminium moulé sous pression teinté or, en édition limitée. Cet objet allie harmonieusement fonctionnalité et attrait du luxe. Fabriqué avec précision, ce collector est bien plus qu'un simple outil : c'est une pièce maîtresse qui témoigne de la culture du luxe au sein du street art. Le pied-de-biche, mesurant 35,5 cm x 3,8 cm x 0,5 cm, illustre parfaitement la manière dont les objets du quotidien sont réinterprétés à travers le prisme artistique. La teinte dorée ajoute une touche de luxe et transforme le pied-de-biche en un objet d'art convoité, interrogeant la perception de la valeur et de l'utilité. Sorti en 2021, le pied-de-biche de Ben Baller est devenu un objet de convoitise pour les amateurs d'art et les collectionneurs de street art. Le choix du matériau – l'aluminium moulé sous pression – est significatif. Elle symbolise la robustesse et la durabilité industrielles tout en permettant un haut niveau de détail et une finition lisse qui met en valeur la teinte dorée. Symbolisme et esthétique dans la démarche artistique de Ben Baller La présentation du pied-de-biche, neuf dans sa boîte, évoque le lancement d'un produit, suscitant l'anticipation et la nouveauté souvent associées à la sortie d'éditions limitées de vêtements ou de baskets streetwear. Cependant, en présentant un outil traditionnellement lié au travail manuel et aux cambriolages, Baller subvertit les attentes et élève le pied-de-biche au rang d'œuvre d'art. Cette pièce de Ben Baller n'est pas qu'un simple objet isolé ; elle constitue un commentaire sur la rencontre entre culture urbaine et luxe. Elle aborde des thèmes récurrents dans le Street Pop Art et le graffiti, tels que le consumérisme, la richesse et la réappropriation d'objets du quotidien en objets de désir. En recouvrant un outil brut et robuste d'une luxueuse teinte dorée, Ben Baller invite à réfléchir aux contrastes entre culture populaire et culture savante, entre la rue et l'élite. Ce pied-de-biche, désormais inadapté à son usage initial, devient le symbole du pouvoir transformateur de l'art. Il explore comment le contexte et la présentation peuvent redéfinir la valeur et la signification intrinsèques d'un objet. Valeur de collection et impact culturel du pied-de-biche de Ben Baller Le caractère exclusif de cette œuvre, éditée en série limitée, renforce son attrait, comme c'est souvent le cas pour la rareté dans le monde de l'art. Les collectionneurs sont attirés par la beauté intrinsèque de la pièce et par la valeur culturelle qu'elle représente. Posséder un pied-de-biche de Ben Baller, c'est posséder un fragment de l'air du temps – un lien tangible avec le pouls du Street Pop Art contemporain. L'impact culturel de telles œuvres est considérable, dépassant souvent le cadre du monde de l'art pour imprégner la mode, la musique et les modes de vie. Le pied-de-biche de Ben Baller fait le lien entre ces univers, façonné par un artiste dont le nom est synonyme de frontières floues entre l'art et la vie. Dans le vaste récit du Street Pop Art, le pied-de-biche de Ben Baller est une contribution majeure. C'est une œuvre d'art qui capte l'attention, suscite la réflexion et incarne l'esprit d'un mouvement qui continue de remettre en question et de redéfinir notre compréhension de l'art et de sa place dans la société. Dans toute sa splendeur dorée, le pied-de-biche n'est pas seulement un objet, mais un artefact culturel, un fragment d'histoire et un clin d'œil au dialogue permanent entre la culture de rue et les salles sacrées des galeries d'art.

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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Estampe sérigraphique en demi-teintes Jésus - Blanc 5 couleurs, édition limitée, tirée à la main sur papier beaux-arts par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare.

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Achetez Alphabet découpé à la main - Sérigraphie bicolore bleue tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé et Numéroté Édition Limitée de 35 Oeuvres Taille 7.75x10

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Champ - Sculpture en bombe de peinture jaune en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare : bombe de peinture Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art sportive, objet de collection lié à la boxe.

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Conceal N Bury - Figurine de collection Fashion EDC SuperGuggi Janky SuperPlastic en vinyle édition limitée, œuvre d'art urbain, par l'artiste Guggimon. Édition limitée fabriquée en 2021. Hauteur : 20 cm. Avec son masque Guggi emblématique, sa hache et son sac rempli de lessive parfumée à la lavande, ce psychopathe de 20 cm est le complice idéal de tous les crimes de la mode.

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