Frida - Lakers Foil 4 couleurs, sérigraphie artisanale en édition limitée sur papier d'art holographique, par Brian Ewing, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée 2021 des Lakers (15 exemplaires signés et numérotés)

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Femme qui pleure, œuvre d'art, pochoir à la peinture en aérosol HPM, sérigraphie sur papier d'art Fabriano, peinture réalisée par un artiste de la culture pop urbaine, ©. Édition limitée signée et numérotée de 25 exemplaires (2019). Œuvre d'art sérigraphiée au pochoir, format 19,75 x 27,5 pouces, représentant Wonder Woman en gros plan sur son visage en pleurs. Dans le vaste univers du street art et de la pop culture, une œuvre en particulier, « Crying Woman », créée par le célèbre artiste de rue Copyright, marque les esprits. Réalisée en 2019, cette œuvre exploite la puissance des techniques de pochoir à la bombe aérosol combinées à la sérigraphie, toutes deux appliquées sur la riche texture du papier Fabriano Fine Art. Ses dimensions, 50 x 70 cm, servent de support à un portrait poignant de Wonder Woman, en gros plan intime, capturant un moment d'émotion brute où les larmes coulent librement sur son visage. Ce qui rend cette œuvre encore plus exclusive, c'est son édition limitée. Seuls 25 exemplaires ont été produits, faisant de chacun une pièce précieuse. Chaque exemplaire porte la signature de Copyright, authentifiant son authenticité et affirmant sa place dans l'histoire de la pop culture. Le choix de représenter Wonder Woman, emblème de force, de résilience et d'émancipation, dans un état de vulnérabilité est à la fois saisissant et paradoxal. Elle souligne la nature complexe de l'humanité, où même les plus puissants ne sont pas insensibles aux émotions et aux moments de fragilité. Le choix du médium par Copyright est également révélateur. La peinture aérosol au pochoir, intrinsèquement liée au graffiti, confère une certaine crudité, une authenticité brute qui fait écho aux émotions exprimées. La sérigraphie, quant à elle, introduit une touche de finesse, contrastant et complétant à la fois le travail au pochoir. Le papier Fabriano, avec son riche héritage et sa texture délicate, offre un support qui confère à l'œuvre un charme intemporel. À travers « Crying Woman », Copyright offre non seulement un régal visuel, mais initie également un dialogue sur la vulnérabilité, la force et l'interaction entre les émotions et les médiums contrastés dans l'univers de l'art urbain.

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Achetez TITLE Tiré à la main en édition limitée 4 couleurs sur MEDIUM Modern Street Graffiti Pop Artist. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Édition limitée Automne, sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier beaux-arts par Cristiano Suarez, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « The Fall » de Cristiano Suarez, un hommage à Spider-Man et Batman des films, séries, jeux et bandes dessinées DC et Marvel. Sérigraphie : 45,7 cm x 61 cm. Ville : Maceió, Brésil.

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Andy Warhol X Jean Michel Basquiat #3 100% 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Œuvre d'art Jouet Figurine de Collection. 2022 Medicom Toy : Deux artistes réunis sur une seule Bearbrick ! Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat signent leur troisième collaboration avec Bearbrick et Medicom Toy. Ce troisième opus de la collection Bearbricks Andy Warhol x Jean-Michel Basquiat est une véritable œuvre d'art ! La technologie de transfert à l'eau garantit un placement unique des motifs. Les Bearbricks, disponibles en tailles 100 % et 400 %, mesurent respectivement 7 cm et 28 cm de hauteur.

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Warhol 02 Rouge Violet Peinture à l'huile originale de Peter Keil Œuvre unique sur panneau de Masonite par l'Homme Sauvage de Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 2002. Œuvre originale de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Peter Keil utilise une peinture épaisse, ce qui peut expliquer la présence de quelques écailles, compte tenu de l'âge et de la nature de son travail. Représentation d'un ami d'Andy Warhol, dans les tons violets, rouges et blancs. Expressionnisme intense dans Warhol 02 Rouge Violet de Peter Keil « Warhol 02 Rouge et Violet, Huile sur toile originale » de Peter Keil, alias « L'Homme Sauvage de Berlin », est une exploration captivante de la forme et de la couleur à travers le prisme du néo-expressionnisme. Cette œuvre unique, réalisée sur un panneau de Masonite, incarne l'énergie vibrante de l'artiste, figure emblématique de l'art contemporain, reconnu pour son audace chromatique et la profondeur de ses représentations de visages. Signée et estampillée de l'année par Keil, cette pièce de 2002 est un carré d'émotion de 61 x 61 cm, où l'application épaisse de la peinture forme le portrait d'Andy Warhol, révélant l'influence majeure du pop art sur son travail. La méthode artistique de Keil se caractérise par une technique d'impasto audacieuse, où la peinture est appliquée en couches épaisses, conférant à l'œuvre une texture tridimensionnelle à la fois visuelle et tactile. Cette technique entraîne un léger écaillage au fil du temps, considéré comme une caractéristique inhérente à l'œuvre de Keil, renforçant son authenticité et sa valeur historique. Le tableau « Warhol 02 Rouge Violet » témoigne de ce style, avec ses rouges vibrants et ses violets profonds qui fusionnent pour former le visage iconique de Warhol, sur un fond blanc immaculé. La contribution de Peter Keil à l'art contemporain La contribution de Peter Keil au street art et au graffiti est considérable, car il transpose l'essence brute et indomptée de l'art urbain dans les galeries. Son œuvre rejette le raffinement et la retenue conventionnels souvent associés aux beaux-arts, embrassant au contraire une spontanéité débridée plus courante dans les rues et les ruelles où le graffiti prospère. « Warhol 02 Red Purple » illustre parfaitement cette philosophie : le sujet du tableau – un pionnier du pop art – y est représenté dans le style débridé de Keil, créant ainsi un pont entre les deux univers artistiques. Chaque toile de Keil est un récit original, une histoire racontée par le langage visuel des couleurs et des formes. Les collectionneurs et les amateurs de son travail sont attirés par l'émotion intense et le style unique de ses peintures. Dans le cas de « Warhol 02 Red Purple », l'attrait est renforcé par le sujet – le légendaire Andy Warhol – qui place l'œuvre au carrefour de l'héritage du pop art et de l'innovation artistique contemporaine. Posséder une œuvre de Peter Keil, c'est bien plus qu'acquérir une œuvre d'art ; C'est une immersion dans l'histoire vivante et vibrante de la peinture elle-même. La peinture écaillée, les coups de pinceau audacieux et les contrastes saisissants créent une expérience aussi évocatrice et complexe que l'artiste lui-même. « Warhol 02 Rouge Violet » est un symbole vibrant de la vision artistique durable de Keil et de son impact sur le monde de l'art. « Warhol 02 Rouge Violet, peinture à l'huile originale » de Peter Keil est un régal pour les yeux et une pièce essentielle de l'histoire de l'art contemporain. Cette œuvre encapsule l'essence du street art et du graffiti à travers le regard d'un maître dont l'approche non conventionnelle de l'art a captivé la communauté artistique internationale. La peinture de Keil célèbre la liberté d'expression et le pouvoir de l'art à transmettre des émotions et des pensées humaines profondes.

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Sérigraphie en édition limitée Bloom 4 couleurs tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure par Ernesto Yerena Montejano (Hecho Con Ganas), célèbre artiste d'art pop mexicain-américain. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format : 18x24. « Bloom », une création d'Ernesto Yerena Montejano, est une sérigraphie artisanale en quatre couleurs d'une rare beauté, qui exhale la vivacité et l'audace caractéristiques de l'art pop mexicain-américain. Sortie en 2019, cette œuvre fait partie d'une collection en édition limitée à seulement 200 exemplaires signés et numérotés, ce qui renforce son exclusivité et son attrait auprès des collectionneurs d'art. Mesurant 45,7 x 61 cm, chaque estampe est réalisée sur papier d'art de haute qualité, témoignant du souci du détail de Yerena et de son attachement aux traditions ancestrales de la gravure. Sous le nom de son atelier Hecho Con Ganas, Yerena présente une composition symétrique qui évoque les motifs traditionnels de l'art populaire, en les imprégnant d'une esthétique moderne à la fois saisissante et familière. Le dessin complexe de « Bloom » illustre la splendeur du monde naturel, tout en étant stylisé pour faire écho à l'esprit urbain et contemporain du street art. Les superpositions de couleurs et de motifs s'harmonisent pour captiver le regard, créant une danse rythmique qui invite à une réflexion sur l'interconnexion entre culture, identité et nature. La convergence des techniques du street art et de l'imagerie pop art dans « Bloom » souligne la capacité de Yerena à naviguer entre les mondes, fusionnant l'activisme citoyen et l'art contemporain. Son œuvre ne se contente pas d'orner les murs des galeries ; elle résonne aussi avec l'énergie vibrante des rues, où l'art public rayonne comme un phare pour la communauté et l'expression individuelle. Chaque pièce de cette série en édition limitée offre une expérience visuelle immersive, invitant le spectateur à un dialogue sur l'interaction entre innovation artistique et patrimoine culturel. Avec « Bloom », Yerena Montejano célèbre l'épanouissement de la diversité artistique, chaque estampe de la série contribuant au récit de l'art mexicano-américain dans le contexte plus large des mouvements pop art et street art.

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Six Swans, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Figurine de collection en vinyle 24 carats Nerm Nermal, édition limitée, œuvre d'art anatomique créée par l'artiste de graffiti de rue Rip N Dip. Figurine en vinyle Lord Nermal en or 24 carats de 14 pouces, édition limitée à 500 exemplaires, objet d'art disséqué.

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Achetez SKATEBOARD Édition limitée Archival Print sur planche à roulettes en bois par Street Artwork Graffiti Artist. 2023 Édition limitée signée et numérotée de XXX Skateboard Artwork Taille XXXX Skateboard Art Deck INFO

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Sérigraphie artisanale en édition limitée 2 couleurs HR Giger sur papier beaux-arts par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 30 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Gâteau en voyage, œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signé au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 11,5 x 8,25. Inspiré de l'art du sable de Sunae.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Signes des crimes - Impression encadrée Seafoam Art, impression d'archives à séchage UV sur panneau d'aluminium HD verni, œuvre d'art de l'artiste de culture pop urbaine Ron English - POPaganda. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020). Œuvre de 61 x 61 cm encadrée et prête à accrocher. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Défi Pop Street Artwork Tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signé au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 8,25 x 11,75. Inspiré de l'art du sable de Sunae.

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Sérigraphie Headspin par Rosy One, 3 couleurs, tirée à la main sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Œuvre d'art de 39,4 x 27,6 cm. Sérigraphie. Sérigraphie Rosy One Headspin, édition limitée, style pop urbain L'estampe sérigraphique « Headspin » de 2022, signée par l'artiste de graffiti suisse Rosy One, est une œuvre rare, audacieuse et vibrante qui célèbre le mouvement, le rythme et l'art urbain pop et graffiti, incarné par un personnage fort. Tirée à la main selon un procédé de sérigraphie trois couleurs sur papier d'art, cette édition limitée à seulement 35 exemplaires signés et numérotés mesure 100 x 70 cm. La composition captive immédiatement le regard avec son personnage stylisé effectuant une rotation sur la tête – un clin d'œil évident au rôle fondateur du breakdance dans la culture hip-hop et graffiti. Par des traits de pinceau dynamiques, des éléments graphiques et une anatomie abstraite, Rosy One capture non seulement le mouvement de la danse, mais aussi l'énergie et l'attitude propres à l'expression urbaine. L'identité de Rosy One dans l'esthétique du graffiti et de la pop urbaine Rosy One, artiste basée à Lausanne, en Suisse, est profondément ancrée dans la culture hip-hop depuis le début des années 1990 et est internationalement reconnue pour son style unique, fusionnant graffiti, imagerie de bande dessinée et iconographie subculturelle. Elle est l'une des rares graffeuses de renom à réussir le passage de l'art mural brut aux éditions de collection, conservant son esthétique caractéristique sur les deux supports. Connue pour son style caricatural, ses palettes saturées et son regard à la fois humoristique et critique, son œuvre reflète souvent le dynamisme de la culture urbaine. « Headspin » s'inscrit dans cette continuité visuelle, transformant une action associée au b-boying en un jeu de mots visuel imprégné de graffiti, à la fois objet d'art et emblème culturel. Symbolisme visuel et théorie des couleurs dans Headspin par Rosy One Réalisée dans des tons vibrants de bleu, de jaune et de noir, l'œuvre exploite l'impact visuel de la théorie des couleurs à fort contraste. Les mains surdimensionnées du personnage, sa coiffe stylisée et son corps incliné créent une rotation littérale autour du centre de la composition. Des accents graphiques tels que des étoiles, des spirales concentriques et des expressions faciales exagérées poussent le langage visuel vers la caricature, tandis que les racines graffiti de l'artiste restent visibles dans les contours épais et les formes inspirées des bulles. La simplicité délibérée de la palette de couleurs renforce la clarté et le mouvement, donnant l'impression que le personnage est à la fois en mouvement et figé dans le temps. Cette approche fait écho à la nature éphémère du graffiti et à l'essence performative de la culture urbaine. Le tourbillon comme artefact moderne du street art pop et du graffiti À la fois sérigraphie et œuvre graphique narrative, Headspin s'impose comme un témoignage contemporain de l'histoire de la rue. Elle rend hommage à l'âge d'or du hip-hop, lorsque breakdancers et graffeurs partageaient le même espace culturel, contribuant chacun au rythme visuel et physique de la rue. La transposition de cette synergie par Rosy One en une forme d'art à part entière préserve et ravive l'esprit de rébellion, d'athlétisme et d'absurdité comique qui caractérise le meilleur de la culture graffiti. Cette édition limitée est non seulement une pièce de collection, mais aussi un manifeste visuel pour celles et ceux qui perçoivent le graffiti non seulement comme un mouvement artistique, mais comme une culture vivante et en perpétuel mouvement.

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Mad Happy Monk Grin - Figurine de collection en vinyle noir fluorescent, édition limitée orange, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Figurine Mad Happy Monk de 2019, édition limitée signée, neuve dans sa boîte. Couleur orange fluo, 20 cm de haut. Signée à la main par Ron.

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Sérigraphie « Be Cool » de Choice Royce, tirée à la main sur papier d'art Cougar, édition limitée. Édition limitée signée de 35 exemplaires, 2013. Œuvre d'art de 17,5 x 23,5 cm. Sérigraphie. Sérigraphie Be Cool par Choice Royce « Be Cool » est une sérigraphie audacieuse et ludique de Choice Royce, une œuvre qui capture l'énergie expressive et dynamique du street art et du graffiti. Créée en 2013, cette sérigraphie artisanale sur papier Cougar Fine Art mesure 44,5 x 59,7 cm et a été produite en édition limitée et signée à 35 exemplaires. L'œuvre met en scène deux personnages caricaturaux et exagérés, engagés dans un échange intense, dont les émotions sont vivement traduites par des traits expressifs et des contrastes de couleurs saisissants. Cette estampe incarne le langage visuel brut et authentique du street art contemporain, puisant son inspiration dans la culture graffiti, le pop art et la bande dessinée underground. Personnages expressifs et influence du street art L'œuvre « Be Cool » de Choice Royce présente une composition d'une simplicité saisissante et d'une grande puissance. Deux figures arrondies et amorphes occupent le premier plan, se détachant sur un fond bleu dégradé. Le personnage de gauche, en jaune, semble légèrement contrarié : sourcils levés, dents serrées et front plissé formant les lettres « R U ». Le personnage vert de droite, en revanche, est beaucoup plus expressif ; sa bouche grande ouverte et ses expressions exagérées trahissent une explosion d'agressivité ou de frustration. La juxtaposition de ces deux personnalités crée un dialogue visuel captivant, plongeant le spectateur au cœur de la tension de la scène. Ce type d'œuvre, centrée sur les personnages, est caractéristique du street art et du graffiti, où expressions exagérées et designs simples mais audacieux transmettent l'émotion avec immédiateté. L'utilisation de contours noirs épais, de couleurs unies et d'un ombrage minimal confère à l'œuvre une énergie brute, presque dessinée à la main, rappelant les fresques et les stickers que l'on trouve dans les environnements urbains. L'influence de la culture urbaine, de l'esthétique DIY et des bandes dessinées underground est évidente dans la simplicité du design, qui mise sur un minimum de détails pour un impact maximal. Couleur, forme et langage du pop art urbain La palette de couleurs de « Be Cool » est à la fois saisissante et délibérée, utilisant des teintes primaires qui créent un contraste marqué et une clarté visuelle remarquable. Les personnages, d'un jaune et d'un vert éclatants, se détachent nettement sur le fond bleu dégradé, un choix de couleurs qui renforce le sentiment de confrontation et l'énergie qui se dégagent de la scène. Les formes douces et arrondies des personnages adoucissent l'intensité de leurs expressions, conférant à l'œuvre une esthétique ludique, presque caricaturale, en accord avec les thèmes d'humour et d'exagération souvent présents dans le pop art urbain et le graffiti. Cet usage de couleurs vives et contrastées est une caractéristique du pop art urbain, où la simplicité des formes est souvent contrebalancée par un impact visuel saisissant. L'absence de détails complexes oblige le spectateur à se concentrer sur la charge émotionnelle des personnages, faisant de l'œuvre une étude efficace de la communication visuelle. L'œuvre tire sa force de sa capacité à susciter des émotions humaines grâce à un style minimaliste mais expressif, une technique fréquemment employée par les artistes de rue qui utilisent l'espace public comme toile. La pertinence narrative et culturelle de Be Cool Au fond, « Be Cool » est une réflexion sur l'interaction humaine, la communication et les dynamiques relationnelles, faites de tensions et d'attirances. Les expressions et le langage corporel des personnages suggèrent un moment de tension, peut-être un désaccord ou une explosion émotionnelle, reflétant les conflits et les échanges quotidiens qui caractérisent la vie moderne. Le contexte ambigu permet au spectateur d'interpréter la scène à la lumière de son expérience personnelle, ce qui en fait une œuvre d'art accessible et captivante. La capacité de Choice Royce à distiller l'émotion dans une composition aussi minimaliste témoigne du pouvoir du street art et du graffiti comme moyen de narration. En réduisant l'image à ses éléments essentiels, l'artiste crée une scène universellement compréhensible qui transcende les barrières culturelles et linguistiques. Cette approche directe et sans fioritures de l'art s'accorde avec l'énergie brute du graffiti et de l'expression urbaine, faisant de « Be Cool » un exemple parfait de la façon dont le street art peut capturer les émotions humaines avec humour et une profonde résonance. Cette sérigraphie en édition limitée met en lumière le style unique de l'artiste et témoigne de l'impact durable d'un art urbain expressif et centré sur les personnages. « Be Cool » est une œuvre vibrante, ludique et stimulante qui capture l'essence de la culture visuelle urbaine contemporaine, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art urbain et de graffiti.

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Achetez Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie bleue 4 couleurs tirée à la main en édition limitée sur papier crème Speckle Tone par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 18 x 24 pouces Edition de 350 13 juin 2019 "L'affiche "Endless Power Petrol Palace" est à la fois une célébration et une critique de la propagande graphique séduisante utilisée pour l'industrie pétrolière. J'ai conçu cette impression pour qu'elle ressemble à une publicité vintage célébrant l'abondance de l'Amérique et l'avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit limité, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui contrôlent le pétrole est pratiquement illimité." -Shepard Fairey

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Sérigraphie Euphoria Black Error de Buff Monster, une œuvre d'art en édition limitée peinte à la main sur papier d'art. 2021 Estampillée « Erreur » - Sérigraphie unique de 45,7 x 61 cm représentant une glace Melty Misfit en train de fondre. L'artiste a considéré cette œuvre comme une erreur d'impression due à des variations de couleur du fond. Non signée. Une exploration ludique d'images à la fois douces et subversives L'estampe sérigraphique « Euphoria Black Error » de Buff Monster capture l'enthousiasme de l'artiste pour les couleurs vives, les créatures aux allures de dessins animés et les formes fondantes qui sont devenues sa signature. Cette édition peinte à la main, réalisée sur papier d'art en 2021, se distingue du tirage original par un changement de couleur de fond survenu lors de l'impression. Buff Monster a considéré cela comme une erreur et l'a estampillée en conséquence, laissant l'œuvre non signée mais très prisée des amateurs de Street Pop Art et de graffiti. Le joyeux chaos des formes de glaces fondantes évoque une fantaisie légère, tandis que la palette de couleurs – avec ses coulures noires et ses tourbillons vibrants – amplifie l'énergie urbaine. Les admirateurs du travail de Buff Monster remarquent souvent comment cette ambiance joyeuse dissimule des thèmes plus profonds comme la transformation, les plaisirs éphémères et la fluidité de la culture pop moderne. Reconnu depuis longtemps pour sa fusion de motifs insouciants et enfantins avec une sensibilité urbaine affirmée, Buff Monster a développé un style qui se prête parfaitement à la sérigraphie. Dans cette œuvre, des créatures difformes et fondantes occupent le devant de la scène, insufflant à la composition un mouvement fluide, les formes se fondant les unes dans les autres. Les superpositions noires créent des contrastes saisissants avec les tourbillons de tons pastel, rose vif et citronnés. Chaque visage cyclopéen exprime une personnalité caricaturale, étrangement attachante malgré les coulures. Sur un fond qui n'était pas prévu pour la version finale, ces figures espiègles deviennent encore plus fascinantes, suggérant le caractère imprévisible de la création artistique. Inspirations pour le street art, le pop art et le graffiti L'estampe sérigraphique Euphoria Black Error s'inspire largement des traditions issues de l'art urbain. Le choix de Buff Monster, fait de superpositions de textures, de contours marqués et d'éléments ludiques et irrévérencieux, l'inscrit dans le dialogue permanent entre le street art, le pop art et le graffiti. Si l'image conserve la netteté d'une sérigraphie, elle fait clairement référence à l'énergie spontanée des fresques murales, où les couleurs vives et les coulures de bombes aérosol explorent des territoires plus bruts. Les formes de glaces fondantes suggèrent une fusion entre l'innocence et la subversion, reflétant la manière dont le street art mêle souvent icônes pop et sous-entendus rebelles. Les spectateurs reconnaîtront peut-être des clins d'œil humoristiques à des logos de marques ou à des emballages de bonbons de leur enfance, revisités et déformés d'une façon propre à l'univers imaginaire de Buff Monster. Une variante rare prisée des collectionneurs Le changement de couleur de fond distingue cette pièce de l'édition prévue, en faisant un objet de collection unique. Les amateurs d'art qui suivent Buff Monster apprécient le caractère imprévisible du procédé de sérigraphie, reconnaissant que de petites erreurs peuvent révéler des trésors inattendus. Ce sentiment de rareté séduit les collectionneurs en quête d'une œuvre plus personnelle qu'une pièce courante. Le tampon d'erreur ajoute une touche de mystère, confirmant son statut de déviation involontaire. Malgré l'absence de signature, la palette de couleurs distinctive et les personnages captivants témoignent de la patte indéniable de l'artiste. Ces variations de teinte font ressortir des contours inédits et modifient l'atmosphère, rappelant aux spectateurs que même de faibles variations d'impression peuvent transformer radicalement l'énergie d'une composition. Poursuivre l'héritage d'une esthétique urbaine dynamique Cette œuvre confirme le statut de Buff Monster comme créateur à la fois ludique et talentueux, toujours prêt à célébrer des visuels insolites et des détournements humoristiques de motifs familiers. Le tourbillon de glace et les créatures à l'œil unique invitent le public à s'abandonner à la fantaisie et à la malice, tout en abordant des thèmes plus larges comme la société de consommation et les plaisirs éphémères. Un sentiment de positivité sous-jacent se dégage souvent des pigments vifs et des personnages dynamiques, ajoutant une touche de fantaisie à cet art d'inspiration urbaine. La synergie entre les couleurs pop, l'esthétique née de l'imperfection et les formes comiques souligne l'esprit du Street Pop Art et du Graffiti : un mouvement fondé sur l'expérimentation, la superposition de messages et la célébration des résultats inattendus. L'estampe sérigraphique Euphoria Black Error illustre comment un léger défaut d'impression peut se transformer en une œuvre extraordinaire, portant la signature indémodable de Buff Monster : un optimisme sucré et un design accrocheur.

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Sérigraphie Big Slick Aloha par OG Slick x The Beautiful Losers , tirée à la main sur un cercle de 30 pouces, papier d'art à bords frangés à la main, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 99 exemplaires (2024). Œuvre d'art circulaire de 30 pouces de diamètre, sérigraphie représentant des mains souriantes tenant une bombe de peinture pulvérisant une fleur hawaïenne. Big Slick Aloha : Une célébration vibrante du pop art de rue hawaïen Big Slick Aloha, œuvre d'OG Slick en collaboration avec The Beautiful Losers, est un exemple saisissant de street art pop et de graffiti qui capture l'essence de la culture hawaïenne imprégnée d'art urbain. Cette sérigraphie artisanale de 2024 est réalisée sur un disque de 76 cm de diamètre en papier beaux-arts à bords frangés, offrant une expérience tactile et visuelle unique. Limitée à 99 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre combine le motif emblématique du Smiley Face d'OG Slick avec une touche hawaïenne à la fois ludique et significative : des mains tenant une bombe de peinture créent une fleur d'hibiscus éclatante et un arc-en-ciel. OG Slick et le contexte culturel de Big Slick Aloha OG Slick, artiste originaire d'Hawaï, est reconnu pour son art de fusionner la culture graffiti avec le riche patrimoine des îles. Big Slick Aloha illustre parfaitement sa capacité à allier symboles traditionnels hawaïens et techniques contemporaines du street art. L'hibiscus, élément central de l'œuvre, symbolise la beauté et l'identité hawaïennes, tandis que l'arc-en-ciel évoque la splendeur naturelle des îles. L'utilisation par Slick de son emblématique motif du Smiley Face insuffle un sentiment universel de joie et d'unité, reliant la culture locale aux traditions artistiques urbaines du monde entier. Fruit d'une collaboration avec The Beautiful Losers, collectif connu pour ses récits inspirés du street art, cette œuvre témoigne de l'influence durable de la culture hawaïenne sur l'art contemporain. Éléments visuels et symbolisme dans Big Slick Aloha La composition de Big Slick Aloha est à la fois audacieuse et accueillante, avec un fond jaune éclatant qui rayonne d'énergie et de positivité. Le smiley central, orné de mains expressives tenant une bombe de peinture, capture l'esprit ludique et rebelle du graffiti. La bombe libère une délicate fleur d'hibiscus rouge, symbolisant la fierté hawaïenne et la beauté de la nature, tandis qu'un arc-en-ciel traverse l'œuvre, représentant l'espoir et le lien social. Les nuages ​​environnants ajoutent profondeur et mouvement, créant un mélange harmonieux d'images naturelles et urbaines. La forme circulaire souligne l'unité et l'inclusion, rendant l'œuvre universellement attrayante tout en restant fidèle à ses racines hawaïennes. Savoir-faire et attrait de l'édition limitée Big Slick Aloha est une œuvre magistrale de sérigraphie, témoignant du savoir-faire et du souci du détail d'OG Slick. La technique artisanale garantit la vivacité et la précision de chaque couche, tandis que les bords frangés à la main du papier beaux-arts ajoutent une dimension tactile unique. Tirée à seulement 99 exemplaires, chacun signé et numéroté, cette œuvre est très recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Big Slick Aloha célèbre la culture hawaïenne et rappelle le pouvoir universel de l'art d'apporter de la joie, de refléter l'identité et d'inspirer la créativité.

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Never Cry SuperJanky, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue TADO. « Never Cry », c'est une figurine de 20 cm qui incarne la rébellion des motards. Ses accessoires incluent une batte fracassante, un casque imposant, un poing américain et un masque en forme d'éclair. Découvrez des couleurs vives et une veste dorée scintillante en vinyle souple au look résolument rebelle !

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Vote Keep Hope & Freedom Alive Sérigraphie en noir et or de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 80 exemplaires par Cleon Peterson Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie politique démocrate représentant une femme à cheval tenant un drapeau américain. Votez pour que l'espoir et la liberté perdurent - Sérigraphie noire et or L'estampe sérigraphique « Votez pour que l'espoir et la liberté perdurent » (Black & Gold) de Cleon Peterson est un exemple saisissant de street art pop et de graffiti, fusionnant activisme politique et esthétique percutante. Créée en 2024, cette œuvre est une édition limitée à seulement 80 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. L'estampe mesure 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) et est imprimée sur un papier d'art Coventry Rag de 290 g/m² aux bords frangés à la main, témoignant d'un savoir-faire exceptionnel. Le contraste entre le noir et l'or sublime son design audacieux, conférant élégance et force au puissant message d'espoir et de liberté véhiculé par l'œuvre. Le style emblématique de Cleon Peterson Cleon Peterson, né en 1973 aux États-Unis, est un artiste reconnu pour son langage visuel percutant et incisif. Son art explore les thèmes du conflit, de la résistance et du pouvoir social, souvent représentés par des compositions audacieuses et une palette restreinte. L'estampe « Vote Keep Hope & Freedom Alive Black & Gold » met en scène une femme à cheval brandissant le drapeau américain, symbole de résilience et de détermination. L'or, présent dans la composition, représente le triomphe et la gloire, tandis que le noir offre un contraste saisissant et ancré dans la réalité. Cette composition dynamique illustre la capacité de Peterson à fusionner commentaire politique et imagerie d'une grande force esthétique. Le rôle du pop art urbain et du graffiti dans l'activisme politique Le street art et le graffiti ont toujours été des vecteurs d'expression politique, ce qui leur confère une grande pertinence dans le paysage culturel et social actuel. Cette estampe capture l'esprit de l'engagement démocratique, invitant chacun à réfléchir à son rôle de citoyen actif dans la construction de l'avenir. La femme à cheval, symbole récurrent de pouvoir et de leadership, est représentée avec des lignes épurées et des détails minimalistes, mettant ainsi l'accent sur le symbolisme de l'action et du mouvement. Les touches dorées apportent une note festive, renforçant l'idée que voter est à la fois un privilège et un devoir. Savoir-faire et éditions limitées Le papier d'art Coventry Rag 290 g/m², à la finition frangée à la main, confère à l'estampe une qualité tangible, soulignant son statut d'objet de collection. Limitée à seulement 80 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre dégage une impression d'exclusivité tout en amplifiant son message politique. En fusionnant l'esthétique des beaux-arts avec l'accessibilité des influences de la culture urbaine et pop, Peterson crée un pont entre les univers artistiques. Son utilisation de la sérigraphie rappelle les traditions du Pop Art tout en embrassant l'énergie brute et urbaine associée au graffiti et au street art, assurant ainsi à cette œuvre une résonance auprès du public contemporain. Cette édition limitée se veut à la fois une déclaration visuelle et un appel à l'action, incarnant l'espoir et la liberté à travers le prisme de l'art moderne.

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Papier buvard Buffalo Head, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par John Van Hamersveld, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Blackjack HPM, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur toile encadrée, par l'artiste Steve Kaufman SAK, œuvre d'art pop contemporaine. 2000 Signé et numéroté au dos HPM Rehaussé à la main Édition limitée à 25 exemplaires Dimensions de l'œuvre 16x16

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Ils disent que le rap a changé Dr. Dre Snoop Dogg AP Sérigraphie par Mark Drew Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop, de rue et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2019 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre 17,01 x 10,98 Commentaire de Mark Drew sur l'évolution du hip-hop L'œuvre de Mark Drew, « They Say Raps Changed Dr Dre Snoop Dogg », est une sérigraphie d'artiste qui témoigne de l'évolution du paysage hip-hop à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Tirée à la main sur papier d'art, cette sérigraphie est une pièce majeure du travail de Drew, illustrant son exploration constante du dialogue entre musique et arts visuels. Mesurant 43,2 x 27,9 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée. Elle est signée par Drew et porte le cachet AP, attestant de son statut d'épreuve d'artiste et de son exclusivité au sein de la série. La phrase « They say rap's changed » fait directement référence à l'évolution de la culture et de la musique hip-hop, un thème récurrent dans l'œuvre de Drew. Utilisant la sérigraphie, une technique riche d'histoire dans le pop art et le street art, Drew crée un lien visuel entre la perception actuelle du hip-hop et ses origines. Cette œuvre fait office de rappel nostalgique et d'invitation à réfléchir à la façon dont le genre a évolué et s'est transformé au fil des ans. Interaction entre la musique et les arts visuels dans l'œuvre de Drew L'interaction entre musique et arts visuels a toujours été au cœur du travail de Mark Drew. Ses sérigraphies, souvent inspirées de paroles de morceaux hip-hop emblématiques, transcendent la simple représentation ; elles interrogent la portée culturelle des mots et des images qui les accompagnent. Dans « They Say Raps Changed », l'utilisation de personnages de bandes dessinées vintage, associée à cette phrase percutante, souligne le contraste entre passé et présent, l'évolution d'une forme d'art et la nature universelle du changement. Le choix de Drew d'utiliser une épreuve d'artiste pour cette estampe met en lumière le caractère expérimental et novateur de son art. Les épreuves d'artiste sont souvent le document final sur lequel l'artiste peaufine les détails de l'estampe ; elles confèrent une immédiateté et une authenticité très prisées dans le street art et le graffiti. Cette œuvre en particulier, avec ses lignes nettes et ses couleurs vives, témoigne du talent de Drew en tant que graveur et de sa compréhension du pouvoir du street art à communiquer des messages complexes de manière accessible. La sérigraphie « They Say Raps Changed » est une œuvre culturelle qui capture l'esprit d'un moment particulier de l'histoire du hip-hop, tout en alimentant les débats contemporains sur le genre. Mark Drew continue ainsi de contribuer au discours sur le street art, le pop art et la convergence entre culture visuelle et musique. Ses estampes, d'une grande force esthétique, offrent un regard historique, établissant des ponts entre différentes époques et genres et invitant le spectateur à explorer les liens profonds qui les unissent.

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Impression d'art en édition limitée, pigments d'archives, sur papier feuille d'or, intitulée « Tristesse/Amour », par un artiste pop (œuvre d'art moderne protégée par le droit d'auteur). Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Dimensions de l'œuvre : 11,69 x 16,54 pouces. « Dans Feeling Sad/Love, Copyright invite le spectateur à réfléchir à ce que devrait être l’amour et à notre perception du chagrin d’amour comme quelque chose de beau. » – Enter Gallery

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Baseball Jerks - Rod Beck, édition limitée, impression giclée sur papier d'art de qualité supérieure par Oliver Barrett, artiste d'art urbain dystopique et pop. Impression giclée 8″ x 8″, édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée 2014. Mettant en scène des joueurs de baseball célèbres de la MLB dans un style macabre.

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Mecha Stealth Dunny Édition Limitée Dunny Kidrobot Figurine de Collection en Vinyle Œuvre d'Art par le graffeur de rue Frank Kozik. Le tout nouveau Mecha Stealth Dunny de Kidrobot est la dernière version colorée de la célèbre série Mecha Dunny de Frank Kozik. Ce Mecha Dunny est une interprétation sculptée de la forme classique du Dunny. Mesurant 20 cm, le Mecha Stealth Dunny est prêt au combat !

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Impression giclée Kaboom par Scott Listfield, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier d'art lisse en coton 290 g/m², style graffiti pop street artiste. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format de l'œuvre : 16 x 24 pouces. Impression giclée Kaboom de Scott Listfield – Une réflexion postmoderne sur le street art, le pop art et le graffiti L'estampe giclée Kaboom (2023) de Scott Listfield est une œuvre saisissante et envoûtante qui fusionne esthétique de science-fiction, désolation urbaine et critique sociale. Tirée à 50 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 40,6 x 61 cm est réalisée sur un papier beaux-arts lisse 290 g/m² en chiffons de coton. La qualité du papier sublime chaque texture et chaque nuance, révélant le jeu vibrant de la lumière et de l'ombre. Au centre de l'œuvre se trouve la figure emblématique de l'astronaute de Listfield, isolée et contemplative, le regard perdu dans l'immensité de la ville, tandis qu'un gigantesque champignon atomique domine l'horizon. L'explosion elle-même est stylisée par des lignes horizontales évoquant les écrans numériques et les interférences des signaux vidéo rétro, renforçant l'idée du désastre comme spectacle et consommation médiatique. Cette imagerie inscrit l'œuvre dans le courant émergent du Street Pop Art et du graffiti, où la peinture traditionnelle se heurte au futurisme dystopique et à l'angoisse de la culture de masse. Scott Listfield et le symbolisme de l'astronaute solitaire Scott Listfield, artiste contemporain américain né aux États-Unis, est surtout connu pour sa série d'astronautes, où un voyageur spatial solitaire devient un observateur récurrent dans des paysages saturés de symboles modernes, de ruines et d'interventions surréalistes. Dans Kaboom, cette figure est rendue par une lumière atmosphérique et des textures réfléchissantes, se faisant l'écho du spectateur : détachée, passive et contemplative face au cataclysme. La posture de l'astronaute suggère la résignation plutôt que l'action, un commentaire sur la paralysie que beaucoup ressentent face à une crise planétaire, un effondrement culturel ou la saturation numérique. L'astronaute de Listfield fonctionne non seulement comme un protagoniste, mais aussi comme un miroir, reflétant la déconnexion de l'existence moderne, cernée par un flot incessant de stimuli visuels et de menaces. Couleur, composition et matériau dans un paysage numérique apocalyptique L'estampe présente une palette à la fois inquiétante et saturée, dominée par des violets lumineux, des oranges flamboyants et les jaunes électriques de la ville. Ces teintes contribuent à la beauté surréaliste de cette scène de fin du monde. Les points RVB dans le coin supérieur gauche évoquent les marques de calibration numérique des premiers écrans de télévision, suggérant que le spectateur n'est pas témoin de la réalité, mais d'une version médiatisée. La précision de l'impression giclée sur papier chiffon de coton lisse préserve la qualité picturale de la peinture numérique, offrant une richesse et une profondeur rarement égalées en dehors des œuvres originales sur toile. Le format vertical et cinématographique rappelle les affiches de films de science-fiction classiques tout en s'inscrivant résolument dans l'esthétique du street art et du graffiti contemporains. Médias, spectacle et immobilité dans un monde chaotique Kaboom est bien plus qu'une explosion fictive : c'est un instantané culturel chargé de implications sur la violence, la technologie et le détachement. Le silence qui s'en dégage est ce qui le rend le plus assourdissant. Personne ne fuit, aucune alarme ne retentit, seul un astronaute veille tandis qu'une ville, inconsciente ou indifférente à la menace, vit sous la menace. Listfield utilise cette composition statique pour dénoncer la désensibilisation de la société face à la dévastation, la banalisation des explosions comme divertissement et le remplacement de l'action par l'observation. Dans la lignée du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre contribue à l'évolution du langage critique, enveloppé dans des images saisissantes, invitant le spectateur à réfléchir non seulement à ce qu'il voit, mais aussi à la manière dont il le voit. C'est une œuvre qui explore les conséquences, l'attente et l'aliénation, le tout rendu dans des tons trop vifs pour être ignorés.

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Le Joker Batman DC Comics Édition limitée Sérigraphie artisanale 7 couleurs sur papier beaux-arts par Mr. Brainwash, artiste de rue graffiti pop art moderne. 2019 Édition limitée signée et numérotée à 79 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 32 x 43 « Mr. Brainwash est heureux d'annoncer une nouvelle illustration pour sa série de couvertures de comics, mettant cette fois-ci en scène l'un des super-vilains les plus célèbres : le Joker. Une sérigraphie sept couleurs sur papier d'art d'archive déchiré à la main. Chaque exemplaire est signé et numéroté, avec une empreinte digitale au dos. L'édition standard est limitée à 79 exemplaires. » – Mr. Brainwash – Thierry Guetta (Team) Mr. Brainwash, pseudonyme de l'artiste de rue Thierry Guetta, continue d'influencer le mouvement du street art et du graffiti avec ses œuvres distinctives, mêlant références à la culture pop et esthétique urbaine incisive. Sa dernière incursion dans l'univers de la bande dessinée nous offre une sérigraphie en édition limitée mettant en scène le Joker, l'un des plus célèbres ennemis de Batman chez DC Comics. Cette pièce est une représentation saisissante du Joker, capturant l'énergie chaotique et l'esprit anarchique du personnage. Réalisée selon un procédé méticuleux de sérigraphie artisanale sept couleurs sur papier d'art, l'estampe illustre parfaitement le style signature de Mr. Brainwash, fusionnant street art et pop art. L'œuvre est une explosion de couleurs, avec des éclaboussures et des coulures suggérant une force brute et indomptée, à l'image du Joker lui-même. Cette approche évoque la spontanéité et la nature rebelle du graffiti, tandis que l'imagerie iconique de la bande dessinée l'ancre résolument dans les traditions du pop art. Chaque tirage de cette édition limitée, au format impressionnant de 81 x 109 cm, est non seulement signé et numéroté, mais porte également l'empreinte digitale unique de l'artiste au verso, gage d'authenticité et signature de Mr. Brainwash. Tirée à seulement 79 exemplaires, cette œuvre est une pièce de collection très prisée des amateurs de bandes dessinées et d'art urbain contemporain. Le choix du Joker résonne particulièrement dans la culture actuelle, symbolisant la dualité du chaos et de l'intellect. L'interprétation de Mr. Brainwash capte l'air du temps, présentant le Joker à la fois comme un personnage de bande dessinée et une icône des contradictions de la société contemporaine. Cette œuvre est une déclaration audacieuse dans le travail de Mr. Brainwash, poursuivant son exploration de la culture populaire et de ses icônes à travers l'art urbain et le pop art.

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Coffret de peluches Sesame Street Uniqlo - Objet d'art Kaws - Brian Donnelly - Édition limitée - Œuvre d'art pop de collection. Édition limitée 2018 d'une peluche rare et inconnue, représentant Cookie Monster, Bert, Ernie, Elmo et Bid Bird. Chaque peluche mesure environ 12 x 19,5 cm et est présentée dans une boîte Kaws Sesame Street. Jamais exposée, ouverte uniquement pour vérifier le contenu. Pop art, street art et graffiti : les artistes contemporains explorent souvent des médiums inédits, créant des dialogues qui trouvent un écho auprès du public urbain mondial. Brian Donnelly, plus connu sous le nom de KAWS, est l'un de ces maîtres en la matière. Sa démarche artistique unique n'a cessé de repousser les frontières conventionnelles de ces genres. Un exemple frappant de son génie créatif est le « Coffret de peluches Sesame Street Uniqlo », une édition limitée qui mêle nostalgie et modernité. Lancée en collaboration avec Uniqlo en 2018, cette collection a immédiatement rencontré un vif succès, non seulement pour son design impeccable, mais aussi pour l'audace de réinventer des jouets d'enfants en véritables œuvres d'art. Puisant son inspiration dans les personnages emblématiques de Sesame Street – Cookie Monster, Bert, Ernie, Elmo et Big Bird – KAWS y a insufflé sa touche personnelle, métamorphosant ces symboles de l'innocence enfantine en objets d'art porteurs de sens culturels plus larges. Chaque peluche, d'environ 30 x 50 cm, dégage un charme inimitable, nichée dans une boîte Sesame Street spécialement conçue et signée KAWS. Au-delà de son attrait évident pour les fans de Sesame Street, la collection KAWS témoigne de l'évolution du pop art. Elle illustre le goût de l'artiste pour la réinterprétation d'images populaires et le dépassement des médiums artistiques traditionnels. Ce subtil mélange de commercialisme et d'expression artistique, caractéristique de l'œuvre de KAWS, reflète le dynamisme de l'art contemporain. La décision de diffuser cette collection à l'échelle mondiale via les magasins Uniqlo et sa boutique en ligne souligne davantage l'esprit de démocratisation de l'art moderne, le rendant accessible et parlant à un large public. Alors que collectionneurs et amateurs s'efforcent d'acquérir ces peluches en édition limitée, il est clair que KAWS a une fois de plus réaffirmé la puissance du pop art, suscitant des échanges aussi attachants que profonds.

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Spaghetti Skateboard - Plateau blanc, impression d'art en édition limitée avec transfert de pigments d'archives sur plateau de bois en placage naturel, par des artistes de street art et de graffiti chez Supreme. Planche de skate Spaghetti 2021 - Blanche, 21,3 cm x 81,5 cm (8,375 po x 32,125 po). Modèle Supreme avec placage naturel et couche supérieure noire. Graphisme imprimé sur la face inférieure, logo World Famous et logo Box imprimés sur la face supérieure.

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Planche de skateboard exclusive Funko Shop Mona Lisa Grin, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche naturelle par l'artiste de graffiti Ron English - POPaganda. Édition limitée 2020 à 300 exemplaires

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ABC Camo Shark - Gold 1000% Bape BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection. Bearbrick Medicom Collectible 2022, taille 1000%, A Bathing Ape

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Sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts, signée War Child, par Hijack, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition signée de 2022, limitée à 75 exemplaires, estampe 16x16 représentant une manifestation contre la guerre en Ukraine. « Quand les adultes font la guerre, ce sont les enfants qui souffrent. » War Child par Hijack : Une œuvre puissante de street art pop et de graffiti L'estampe sérigraphique « War Child » de Hijack est une œuvre saisissante de street art pop et de graffiti, réalisée à la main selon une technique cinq couleurs pour créer une image forte et chargée d'émotion. Sortie en 2022, cette édition limitée et signée à 75 exemplaires capture l'impact dévastateur de la guerre à travers le prisme de l'innocence. Mesurant 40 x 40 cm, cette estampe d'art est une protestation directe contre la guerre en Ukraine, mettant en lumière les souffrances endurées par les enfants dans les zones de conflit. Symbolisme et message de War Child L'œuvre de Hijack est reconnue pour sa capacité à transmettre des messages sociaux et politiques forts, souvent à travers des pochoirs évoquant les débuts du graffiti. Dans « War Child », une fillette se tient devant un mur criblé de balles, dessinant un symbole de paix avec ce qui semble être les impacts de balles. Le choix d'un fond jaune vif contraste avec l'imagerie sombre, rendant la scène à la fois visuellement saisissante et émotionnellement puissante. L'enfant serre contre elle un ours en peluche, symbole universel de l'enfance, soulignant l'innocence et la vulnérabilité au milieu de la destruction. Cette estampe fait écho à une réalité fondamentale de la guerre : les plus jeunes et les plus innocents sont ceux qui souffrent le plus. L'image est un appel à la prise de conscience, incitant les spectateurs à réfléchir au coût humain des conflits armés. Elle témoigne de la résilience des enfants, montrant que même face à la violence, ils s'accrochent à des symboles d'espoir et de paix. L'influence du détournement d'avions dans le street art pop et le graffiti Hijack s'est imposé comme une figure incontournable du street art et du graffiti, grâce à une combinaison de pochoirs, de techniques mixtes et de sérigraphie traditionnelle. Ses œuvres, souvent influencées par le street art militant, le graffiti satirique et le commentaire social urbain, sont à la fois stimulantes et visuellement captivantes. War Child s'inscrit dans la lignée des artistes qui ont utilisé l'art public comme moyen de protestation, mettant en lumière des problématiques souvent ignorées ou sous-représentées dans le discours dominant. Le style visuel de Hijack rappelle le street art politique au pochoir, souvent associé aux mouvements de protestation et aux messages pacifistes. Sa capacité à traduire les conflits mondiaux en œuvres urbaines chargées d'émotion lui a valu d'être reconnu comme une voix contemporaine du street art militant. Le rôle de l'enfant de la guerre dans l'art de protestation moderne War Child s'inscrit dans la tradition plus large du street art et du graffiti qui conteste l'autorité, dénonce l'injustice et offre un commentaire sur les enjeux contemporains. La guerre en Ukraine a suscité une mobilisation mondiale des artistes, dont beaucoup ont utilisé leur notoriété pour s'élever contre la violence et les crises humanitaires. En créant des tirages en édition limitée comme War Child, Hijack s'assure que le message atteigne les collectionneurs, les activistes et les amateurs d'art qui partagent une passion pour l'art urbain engagé. Cette œuvre est bien plus qu'une simple estampe : c'est un manifeste, une protestation et un appel à l'action. À travers le langage visuel du street art et du graffiti, Hijack transforme les murs en porte-voix, amplifiant des voix qui, autrement, resteraient inaudibles. War Child témoigne du pouvoir de l'art à interpeller, provoquer et inspirer le changement, et constitue un ajout essentiel au récit évolutif de l'art comme outil d'activisme.

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Partiellement nuageux AP Pop Modern Movie Artwork Limited Edition Giclee Print on Fine Art Paper by Pixar Graffiti Modern Artist Raid71. Épreuve d'artiste AP 2022, tirage officiel Pixar « Partiellement nuageux », format 5x6, impression giclée courte, signée et numérotée à la main.

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Catch The Stars - Édition spéciale III, sérigraphie en édition limitée 13 couleurs avec revêtement UV et paillettes sélectives sur carton d'archivage Rising Museum double épaisseur, par Pez Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Sérigraphie 13 couleurs signée et numérotée, avec vernis UV et paillettes sélectives, sur papier d'archivage muséal double pli compatible AR. Dimensions : 38,1 x 54,9 cm. Sortie : 20 janvier 2022. Tirage : 50 exemplaires. Déballage de « Catch The Stars - Special Edition III » de Pez La sérigraphie « Catch The Stars - Special Edition III » de Pez est une représentation magistrale de l'incursion de cet artiste de rue dans l'univers complexe de la gravure, incarnant la fusion de la spontanéité du street art et de l'esthétique saisissante du pop art. Sortie le 20 janvier 2022, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté pour garantir son authenticité et sa valeur de collection. La sérigraphie en 13 couleurs se distingue par son vernis UV et ses paillettes sélectives, qui rehaussent la profondeur et le dynamisme de l'œuvre. Plus qu'un simple ensemble d'images colorées, cette œuvre est compatible avec la réalité augmentée (RA), offrant une expérience interactive qui fait le lien entre l'art traditionnel et la technologie numérique. La sérigraphie mesure 38 x 55 cm, une dimension qui permet aux graphismes éclatants et aux personnages exubérants de Pez de se détacher avec force du carton d'archivage double épaisseur Rising Museum sur lequel ils sont imprimés. Le style distinctif de Pez se manifeste dans la superposition complexe de couleurs et de détails, témoignant de sa maîtrise technique et de sa vision créative. L'application d'un vernis UV garantit la pérennité de l'éclat de l'œuvre. Parallèlement, l'ajout de paillettes apporte une dimension ludique et tactile qui invite le spectateur à contempler l'œuvre sous différents angles et perspectives. La vision artistique et l'innovation technique de Pez Dans « Catch The Stars - Special Edition III », la vision artistique de Pez prend vie à travers une explosion de couleurs et de formes. Reconnu pour ses graffitis et son art urbain pop, Pez intègre des éléments immédiatement reconnaissables dans le paysage artistique urbain : des lignes audacieuses, des textes stylisés et des motifs iconiques qui définissent son œuvre. L’utilisation de la réalité augmentée est particulièrement remarquable, positionnant la sérigraphie comme une œuvre novatrice à l’avant-garde de l’art contemporain, permettant aux spectateurs d’interagir avec elle au-delà des limites statiques du support imprimé. Le choix du carton d’archivage Rising Museum comme support pour cette sérigraphie témoigne de l’engagement de Pez envers la qualité et la pérennité. Ce matériau, plébiscité par les musées et les collectionneurs pour ses propriétés de conservation supérieures, garantit la préservation de l’œuvre au fil du temps. Le poids et la texture du carton offrent un support idéal aux couleurs vibrantes et aux applications de paillettes complexes de la sérigraphie, créant ainsi une œuvre aussi durable que visuellement saisissante. La résonance culturelle de la série de sérigraphies de Pez Avec sa troisième édition spéciale, la série « Catch The Stars » de Pez continue de captiver le public par son exploration à la fois ludique et sophistiquée des motifs de la culture pop et du street art. À l'instar des œuvres précédentes, cette sérigraphie célèbre la capacité du genre à transcender les frontières entre les racines subversives du street art et le domaine raffiné des beaux-arts. Le tirage limité de l'œuvre, associé au style unique de Pez, contribue à son attrait et à son statut d'œuvre majeure du mouvement street art pop. « Catch The Stars - Special Edition III » témoigne de l'évolution du parcours de l'artiste dans l'art moderne. Elle reflète une maîtrise des techniques d'impression tout en intégrant les nouvelles technologies pour enrichir l'expérience artistique. En tant qu'édition limitée, elle incarne l'esprit ludique du street art, l'expressivité audacieuse du pop art et le potentiel novateur de la réalité augmentée, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et une œuvre marquante dans le paysage artistique contemporain en constante évolution.

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« What Goes Up », peinture acrylique originale à la bombe aérosol de Meggs, œuvre unique sur toile avec cadre en bois de récupération sur mesure, par un artiste pop art de rue. Peinture originale sur toile, signée, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol en 2014, encadrée dans un cadre en bois de récupération fait main par l'artiste. Dimensions : 49 x 49 cm. Provenant de l'exposition Spoiled Rotten Show. Exploration de l'essence dynamique de « What Goes Up » de Meggs « What Goes Up » est une œuvre originale à l'acrylique et à la bombe aérosol du célèbre artiste de street art Meggs, qui capture le dynamisme et l'énergie de son travail. Créée en 2014, cette œuvre reflète le style caractéristique de Meggs, qui mêle harmonieusement la brutalité du street art à la vivacité du pop art. Cette pièce unique est une œuvre marquante et une toile narrative qui explore des thèmes récurrents dans l'œuvre de Meggs, tels que la lutte constante entre les forces opposées et la nature éphémère du succès et de l'échec. La peinture mesure 117 x 117 cm et est encadrée dans un cadre en bois de récupération, réalisé sur mesure par l'artiste. Le bois de récupération confère à l'œuvre une dimension éco-responsable, soulignant l'intérêt de Meggs pour le développement durable et le recyclage des matériaux. Ce choix d'encadrement accentue également l'aspect urbain et brut de la peinture, en écho à la tradition du street art qui consiste à utiliser des objets et des espaces trouvés. Techniques artistiques et impact visuel dans « Ce qui monte » Dans « What Goes Up », Meggs utilise la peinture acrylique et la bombe aérosol, démontrant ainsi sa maîtrise des techniques traditionnelles et non traditionnelles. L'acrylique confère profondeur et texture à l'œuvre, tandis que la bombe aérosol apporte une impression d'immédiateté et de spontanéité propre au graffiti. La toile est une véritable cacophonie de couleurs, jaillissant d'un point central et suggérant une explosion d'énergie et de créativité. Les couleurs ne sont pas simplement projetées au hasard sur la toile ; elles sont méticuleusement superposées pour créer un impact visuel à la fois chaotique et maîtrisé. L'œuvre met en scène un motif de crâne, élément récurrent dans l'art de Meggs, qui symbolise souvent la nature éphémère de l'existence humaine et la cyclicité de la vie. Cependant, dans « What Goes Up », le crâne est juxtaposé à des couleurs vibrantes et à des exclamations façon bande dessinée, ce qui pourrait être interprété comme une critique de la superficialité de la culture populaire et de la nature fugace de la gloire et du succès. Le crâne semble se désintégrer ou exploser en une multitude de couleurs et de formes, une puissante métaphore visuelle de la chute inévitable qui suit l'ascension vers le sommet. Commentaire culturel et essence du pop art urbain Le titre du tableau, « Ce qui monte », fait écho à l'adage « tout ce qui monte doit redescendre », suggérant un récit d'ascension et de descente. Meggs imprègne souvent ses œuvres de street art et de graffiti de réflexions philosophiques et d'observations critiques de la société. L'œuvre symbolise les cycles de la vie et peut être perçue comme le reflet de la nature éphémère du succès ou de l'orgueil qui précède souvent la chute. L'utilisation de texte dans la peinture, rendu dans un style bande dessinée, ajoute une dimension de communication avec le spectateur, l'invitant à sonder les significations plus profondes qui se cachent derrière cette façade éclatante. L'œuvre témoigne de la capacité de l'artiste à naviguer entre art classique et art urbain, la rendant accessible à un public diversifié. L'inclusivité de l'art urbain est manifeste dans le travail de Meggs, où l'espace public devient un lieu d'échange et l'art s'intègre au paysage urbain quotidien. « What Goes Up » n'est pas seulement un spectacle visuel, mais aussi une œuvre de commentaire culturel, incarnant l'esprit du street art et son rôle dans le discours contemporain. « What Goes Up » est un exemple éloquent de l'influence de Meggs sur le street art et de sa contribution au mouvement pop art. La peinture témoigne du dévouement de l'artiste à la technique, au concept et au commentaire. Par l'intégration de diverses techniques artistiques et l'utilisation stratégique de matériaux de récupération, Meggs a créé une œuvre à la fois visuellement époustouflante et conceptuellement puissante. L'importance de l'œuvre de Meggs réside dans sa capacité à toucher les spectateurs à de multiples niveaux. Cette œuvre peut être appréciée pour ses qualités esthétiques et sa capacité à susciter l'émotion et la réflexion. En tant qu'œuvre de street art et de graffiti, « What Goes Up » incarne l'esprit de ce genre, qui continue de repousser les limites de l'art et sa place dans la société. Elle demeure une pièce marquante dans l'œuvre de Meggs et dans le débat plus large sur l'art contemporain.

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Wine of Babylon 8 Édition Limitée Dunny Kidrobot Jouet d'Art en Vinyle de Collection Œuvre d'Art par le graffiti de rue Jean-Michel Basquiat x Ridrobot. Œuvre d'art en édition limitée 2018 Jean-Michel Basquiat (Après sa mort) Kidrobot est fier de poursuivre sa collaboration avec Basquiat avec ce Dunny 8 pouces Kidrobot x Jean-Michel Basquiat Masterpiece Wine of Babylon. Ce nouveau Dunny 8 pouces Basquiat Masterpiece met en valeur l'art de Basquiat, un artiste autodidacte qui a transcendé les conventions artistiques des galeries traditionnelles. Présenté avec boîte

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie Ink Head Slick Yellow par OG Slick, imprimée à la main en 14 couleurs sur papier d'art Stonehenge 298 g/m², édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 55 exemplaires (2022). Œuvre d'art de taille 24x24, sérigraphie représentant Mickey Mouse et Guan Yin faisant des signes de la main, le haut du corps et le visage noircis en noir. « Ink Head Slick Yellow » est une sérigraphie envoûtante réalisée par le célèbre graffeur OG Slick. Fusion harmonieuse de pop art, de street art et de graffiti, cette sérigraphie artisanale en 14 couleurs est imprimée avec une précision méticuleuse sur un papier Stonehenge Fine Art de 298 g/m², témoignant du souci du détail qui caractérise l'artiste. Tirée à seulement 55 exemplaires, chaque pièce est authentifiée par la signature d'OG Slick et porte un numéro d'édition unique, renforçant ainsi son exclusivité. Au cœur de l'œuvre se trouve une représentation provocatrice du célèbre personnage de Mickey Mouse, réinventé en Guan Yin, la déesse de la compassion. Cette représentation met en scène Guan Yin, symbole traditionnel de miséricorde et de compassion, effectuant des signes de la main, un geste fréquemment utilisé dans le street art. Le buste et le visage de Mickey Mouse, drapés de noir, contrastent fortement avec le fond vibrant et créent une atmosphère mystérieuse. Cette représentation singulière puise son inspiration dans les souvenirs d'enfance d'OG Slick à Chinatown. Là-bas, on croyait que les petites figurines placées aux caisses des magasins portaient chance au commerçant et à ceux qui offraient de l'argent. Cette tradition est habilement juxtaposée à une touche de modernité dans l'œuvre : Guan Yin y est représentée sous une pluie de cryptomonnaie, suggérant l'évolution des notions de valeur, de foi et d'ère numérique. Avec « Ink Head Slick Yellow », OG Slick démontre une fois de plus son talent unique pour fusionner symboles culturels, souvenirs d'enfance et influences urbaines, créant une œuvre qui résonne profondément avec les sensibilités traditionnelles et contemporaines.

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« Le vent du nord et le soleil », œuvre surréaliste, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. Impression originale

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Visible Labbit Plush Guts - Figurine de collection en vinyle, édition limitée néon, œuvre d'art de l'artiste de rue Frank Kozik. Pénétrez dans l'univers de Smorkin Labbit, créé par Frank Kozik, et découvrez la véritable nature des Labbits : une quantité impressionnante de peluche ! Voici le Labbit Visible, une peluche transparente aux entrailles et aux os apparents. Cette pièce de collection de 18 cm, en édition limitée, est le prochain objet de collection Labbit incontournable.

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« Meet Me On Cloud Nine », sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 15 couleurs sur papier Arches Velin Blanc 300 g/m² par Rhymezlikedimez - Robin Velghe, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Sérigraphie 15 couches, tirage à la main sur papier Arches Vélin Blanc 100 % coton 300 g/m². Ses dimensions uniques (99,7 cm de large sur 31 cm de haut) offrent un format horizontal idéal pour la narration. Cette estampe a été approuvée, signée et numérotée par l'artiste. Imprimée à la main à Anvers, Belgique. Année de sortie : 2022. « J’ai initialement créé ce visuel pour ma première exposition éphémère à Miami. Je voulais montrer à quoi ressemble généralement un de mes rêves. C’est un collage à la Dali, une compilation d’impressions rencontrées au fil de la journée. Dans mon monde onirique, le soleil ne cesse jamais de se coucher. » – Robin Velghe « Meet Me On Cloud Nine » est une sérigraphie de l'artiste talentueux Robin Velghe, alias Rhymezlikedimez. Illustrateur, animateur et graphiste belge, Robin Velghe se distingue par un mélange unique de couleurs vibrantes, de mouvements dynamiques et de détails minutieux. Ses illustrations mettent souvent en scène des personnages aux proportions exagérées et à l'allure fluide, conférant à son travail un attrait visuel singulier. Rhymezlikedimez a collaboré avec diverses marques, musiciens et événements, réalisant illustrations, animations et créations de produits dérivés. Parmi ses collaborations notables, on peut citer celles avec des artistes comme Anderson .Paak, BROCKHAMPTON et Aminé. Son travail lui a permis de se constituer une large communauté sur les réseaux sociaux, où il partage ses illustrations et ses projets d'animation. La sérigraphie « Meet Me On Cloud Nine » présente certaines des caractéristiques propres à son style, telles que des couleurs éclatantes, des éléments fantaisistes et des personnages attachants. Les sérigraphies sont créées à l'aide d'un procédé d'impression au pochoir, ce qui permet à l'artiste de produire des images audacieuses et éclatantes dotées d'une esthétique unique.

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Planche de skateboard Never Say Never, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art Denial. Édition limitée 2021 à 3 exemplaires Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 14 juillet 2021. Tirage : 35 exemplaires. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Steven Harrington Magic Hour 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection Art. Bearbrick 100 % et 400 % (2022) - Neuf en boîte

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