cara y cabeza

Impresión de archivo Symbiosis de Beau Stanton. Edición limitada en papel de algodón de bellas artes. Artista callejero de graffiti pop. Obra de arte moderna. Impresión firmada y numerada de 2022. Edición limitada de 75. Tamaño de la obra: 18x24. Pigmento de archivo para bellas artes. La intersección de estilos en la impresión de archivo Symbiosis de Beau Stanton En el vibrante panorama del arte contemporáneo, "Simbiosis" de Beau Stanton emerge como un ejemplo impactante del arte pop urbano y el grafiti. Esta edición limitada, impresa en papel de algodón de alta calidad, es testimonio de la maestría de Stanton al fusionar el arte clásico con la sensibilidad moderna, todo ello encapsulado en una obra de 18x24 pulgadas. Esta pieza, creada en 2022, forma parte de una serie exclusiva de tan solo 75 ejemplares firmados y numerados, cada uno con la firma única del artista. "Simbiosis" de Stanton no es simplemente una obra de arte, sino una exploración visual de la armoniosa relación entre la iconografía histórica y la explosiva paleta de colores propia del arte pop y urbano. La obra está impregnada de una sensación de atemporalidad gracias al uso de pigmentos de archivo, lo que garantiza que la viveza de la impresión perdure como un tributo a la fusión de estilos artísticos. Creación de narrativas visuales en el arte pop callejero moderno Stanton ha sido reconocido por su habilidad para crear intrincadas narrativas visuales que comunican temas complejos a través de capas de imágenes. «Simbiosis» es una vívida ilustración de esta técnica narrativa. La obra muestra un rostro sereno y clásico que emerge de la exuberante flora y fauna que lo rodea, creando un diálogo entre el mundo natural y la historia humana. La yuxtaposición de un rostro de estilo clásico con elementos florales modernos y estilizados ilustra la relación simbiótica entre el pasado y el presente, un tema recurrente en la obra de Stanton. El papel de bellas artes sirve de lienzo para esta danza simbiótica, donde los contrastes texturales resaltan la profundidad de la narrativa visual de Stanton. La elección del medio es deliberada, tendiendo un puente entre el arte tradicional y los métodos contemporáneos. Es un guiño al respeto del artista por las técnicas clásicas, a la vez que abraza la naturaleza dinámica y accesible del arte urbano. El lugar de Beau Stanton en el arte contemporáneo La contribución de Beau Stanton al mundo del arte a través de obras como "Simbiosis" consolida su posición como un visionario moderno capaz de trascender los límites del arte pop urbano y el grafiti. Su obra no se limita a las calles que dan nombre al género, sino que se extiende a galerías y colecciones privadas, lo que indica un cambio en la percepción y valoración del arte urbano. La limitada disponibilidad de "Simbiosis" eleva aún más su estatus dentro de la comunidad artística. Coleccionistas y aficionados al arte moderno ansían la oportunidad de poseer una pieza de la visión de Stanton, que es tanto un tesoro coleccionable como una obra de crítica cultural. La escasez de la obra también refleja el floreciente mercado del arte urbano, donde la exclusividad y la originalidad son altamente valoradas. En el arte moderno, la impresión de archivo de "Simbiosis" destaca como símbolo de la naturaleza cambiante del arte pop urbano y el grafiti. La fluida fusión de expresiones artísticas históricas y contemporáneas que Beau Stanton plasma en esta obra gráfica desafía y expande los límites del arte urbano. Demuestra que esta forma de arte no es estática, sino que se redefine constantemente gracias a artistas como Stanton, quienes se atreven a imaginar y crear más allá de los esquemas convencionales.

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El juguete artístico Phase Train MTA Subway Train Car de Sket One es una escultura de metal coleccionable de edición limitada del artista pop callejero. 2023. Certificado de Autenticidad firmado. Edición limitada de 100 ejemplares. Tamaño de la obra: 7 x 1. Nueva en caja. Vagón de metro MTA The Beast Train de Cope2 - Juguete de arte pop callejero de grafiti de Fernando Carlo, Nueva York El vagón de metro Beast Train de la MTA, obra del legendario artista de graffiti Cope2, cuyo nombre real es Fernando Carlo Jr. (nacido en 1968 en la ciudad de Nueva York), es una pieza de colección única que rinde homenaje a décadas de arte pop urbano y cultura del graffiti. Esta escultura metálica de edición limitada se produjo en una tirada de tan solo 100 piezas y viene firmada con un certificado de autenticidad. Presentado en un vibrante empaque que refleja el característico estilo de letras burbuja de Cope2, este vagón en miniatura canaliza la energía y el impacto visual de la época dorada del graffiti en el metro de Nueva York. Con unas dimensiones aproximadas de 18 cm de largo por 2,5 cm de alto, la pieza es un tributo compacto pero contundente al legado del artista. Fernando Carlo Jr. Cope2 y el legado del grafiti en el metro de Nueva York Fernando Carlo Jr., conocido mundialmente como Cope2, comenzó su trayectoria en el grafiti en el sur del Bronx en 1978, dejando su huella en las paredes y vagones de tren de Nueva York. Su ascenso a la fama se produjo tras décadas de prolífica producción en el metro y estructuras urbanas de los cinco distritos. Cope2 desarrolló un lenguaje visual distintivo centrado en enérgicos throw-ups y letras burbuja que se han convertido en iconos de la escena del grafiti neoyorquino. Su estilo crudo y auténtico ha sido fundamental para definir la estética del grafiti moderno tanto en Estados Unidos como en el extranjero. Su obra transitó de las calles a las galerías, convirtiendo a Cope2 en uno de los pocos artistas que ha logrado transitar con éxito entre el mundo del arte underground y el mainstream sin renunciar a sus raíces callejeras. El arte pop callejero y el grafiti se fusionan con el diseño coleccionable. El Beast Train es más que un juguete; es un homenaje escultórico a la conexión fundamental del grafiti con los trenes de la MTA de Nueva York. Esta obra de arte urbano pop y grafiti celebra el lienzo original del movimiento: el acero rodante. Diseñado por Cope2 y distribuido por Hip Hop Toyz, el producto viene completamente pintado, con luces y sonido, capturando la esencia de una instalación artística móvil en vivo. Cada lado del tren en miniatura luce el vibrante estilo de Cope2, plasmado con auténtico detalle sobre una base metálica, evocando los mismos tonos y firmas que alguna vez recorrieron Nueva York en tiempo real. El vagón de metro Bestia: Donde el arte, la cultura y los objetos de colección se encuentran Este lanzamiento de 2023 marca un hito en la materialización de la historia del arte urbano a través del coleccionismo. El Beast Train se sitúa en la encrucijada de la historia urbana, el objeto artístico y la nostalgia. Refleja una dedicación a la preservación del legado del grafiti mediante nuevos formatos accesibles tanto para coleccionistas como para amantes del arte. Con su estatus de edición limitada certificada, esta pieza evoca la transformación del grafiti, desde un movimiento público de expresión anónima hasta un género respetado dentro del arte contemporáneo. Las décadas de compromiso de Cope2 con la cultura del grafiti siguen resonando en obras como esta, recordándonos que el tren no es solo un medio de transporte, sino una galería ambulante de rebeldía, energía e identidad.

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Downshift 14. Pintura acrílica original de Rich Pellegrino. Obra de arte única sobre panel de gesso del artista pop de arte callejero. Pintura acrílica original firmada en 2014, tamaño 4x4, de la película, cómic y serie de televisión Transformers: Downshift, robot, ciencia ficción. Reducción en el arte pop y el grafiti La representación de los personajes de Transformers en el arte pop y el grafiti siempre ha sido una fascinante exploración de la nostalgia, la tecnología y la creatividad. La pintura de Rich Pellegrino de 2014, Downshift, es un ejemplo impactante de cómo los íconos de la cultura pop pueden trascender su medio original y convertirse en sujetos de exploración artística. Ejecutada sobre un panel de gesso de 4x4, esta obra acrílica es a la vez un homenaje y una reinterpretación del querido universo de Transformers, mostrando a Downshift como algo más que una entidad robótica: un emblema visual dentro del arte pop urbano y el grafiti. El impacto cultural de los Transformers en el arte pop callejero Los Transformers han sido durante mucho tiempo un puente entre el entretenimiento y el arte, cautivando la imaginación desde su debut en la década de 1980. El arte urbano y el grafiti, con su énfasis en colores vibrantes, líneas audaces y comentarios culturales, ofrecen un medio ideal para reinterpretar estos íconos. En la pintura Downshift de Pellegrino, la combinación de tonos pastel suaves y detalles mecánicos precisos captura la esencia del personaje, integrándola en un contexto artístico contemporáneo. La obra conecta con los espectadores que se identifican con los Transformers tanto como fenómeno cultural como fuente de nostalgia personal. La aproximación de Rich Pellegrino al arte pop moderno La obra de Rich Pellegrino suele explorar la intersección entre las bellas artes y la cultura pop. Su uso de acrílico sobre un panel de gesso añade textura y profundidad, creando una cualidad táctil que eleva la obra más allá del mero fan art. En Downshift, el estilo característico de Pellegrino se evidencia en las pinceladas dinámicas y el uso deliberado del sombreado, que otorgan al personaje una presencia realista a la vez que mantienen la estética robótica icónica propia de Transformers. Este equilibrio entre realismo y abstracción es un sello distintivo del arte pop urbano de Pellegrino, que sumerge al espectador en la narrativa de la obra. Transformers como musa en el grafiti y el arte pop La franquicia de Transformers ha sido un tema recurrente en el arte urbano y las obras inspiradas en el grafiti debido a su complejidad visual y su importancia cultural. Personajes como Downshift, a menudo olvidados en las representaciones convencionales, cobran nueva vida en obras como las de Pellegrino. Estas piezas no solo celebran el legado de Transformers, sino que también invitan a los espectadores a ver a estos personajes desde una perspectiva novedosa, una que resalta su potencial artístico. Al integrar a Downshift en el lenguaje del grafiti y el arte urbano, Pellegrino tiende puentes generacionales, fusionando la nostalgia de los 80 con el espíritu vibrante y rebelde del arte moderno. Downshift, de Rich Pellegrino, se erige como una obra maestra independiente y, a la vez, como una valiosa contribución a la narrativa más amplia de la cultura pop en el arte. A través de esta obra, Downshift trasciende sus orígenes como personaje de dibujos animados, convirtiéndose en un símbolo de reinvención artística y diálogo cultural.

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Serigrafía multicolor de doble cara negra SP de 13 colores, edición limitada, impresa a mano sobre papel de bellas artes por Takashi Murakami TM/KK. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Prueba de artista del estado de SP 2020. Edición limitada, firmada y numerada de SP25. Tamaño de la obra: 23,3 x 19,68 pulgadas. Serigrafía de dos gemelos negros fusionándose en el centro. Flores multicolores con forma de arcoíris y rostros sonrientes sobre fondo blanco. Takashi Murakami, nombre sinónimo de la fusión entre el arte culto y la cultura pop, ha desafiado constantemente los límites del arte contemporáneo. Una de sus cautivadoras creaciones, "Multicolor Double Face Black SP", es testimonio de su maestría en el arte urbano, el arte pop y el grafiti. Esta serigrafía de edición limitada, impresa a mano en papel de bellas artes y con 13 colores, plasma la vitalidad y la complejidad que caracterizan a Murakami. Lanzada en 2020, destaca por su meticulosa atención al detalle y su interpretación vanguardista de los símbolos pop, convirtiéndola en una pieza muy codiciada entre los aficionados al arte. Con unas dimensiones de 23,3 x 19,68 cm, la obra presenta una escena visualmente impactante: dos figuras gemelas que se fusionan en el centro, rodeadas por un exuberante espectro de colores que crean un efecto arcoíris. La dualidad de las imágenes y el intrincado juego de colores y patrones ejemplifican el enigmático atractivo del arte de Murakami. La yuxtaposición de flores negras con rostros sonrientes sobre un fondo blanco impoluto realza el contraste, infundiendo vida y dinamismo a la obra. Esta encantadora creación pertenece a la categoría de Prueba de Artista, con una edición limitada de SP25 ejemplares, lo que la convierte en una pieza de colección muy valiosa. Cada lámina viene firmada y numerada, lo que acentúa aún más su autenticidad y exclusividad. En el ámbito del arte pop y el arte urbano, «Multicolor Double Face Black SP» de Murakami se erige como un referente de innovación artística. Es un reflejo de la capacidad del artista para fusionar el arte tradicional japonés con motivos urbanos contemporáneos, creando un diálogo visual que conecta con espectadores de todas las generaciones y culturas.

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Royyal Dog - Edición Limitada en Negro Mate - Obra de Arte en Aerosol - Colaboración del famoso fabricante de pintura para graffiti Montana MTN x Royyal Dog - Chris Chanyang Shim . Lata de pintura en aerosol y caja de madera, edición limitada de 500 unidades (2022). Tamaño de la obra: 3 x 8 pulgadas. Lata de 400 ml. Royal Dog Chris Chanyang Shim es un grafitero y muralista de Seúl, Corea. Es conocido por sus murales fotorrealistas de mujeres afroamericanas con hanbok, el traje tradicional coreano. Sus pinturas transmiten un mensaje de armonía global y han sido reconocidas por su multiculturalismo. Su obra se puede apreciar en todo el mundo. -Montana MTN

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Shuiro Emotions, serigrafía de edición limitada de 5 colores impresa a mano sobre papel Stonehenge blanco de 250 g/m² por Shishidomia, artista de arte callejero raro y famoso del arte pop. 2021. Estas serigrafías de alta calidad, impresas a mano en 5 colores sobre papel Stonehenge blanco de 250 g/m², presentan un diseño japonés con detalles translúcidos que realzan su color según la iluminación y el entorno. Especificaciones/Información adicional: Tamaño: 45,7 x 61 cm. Cada serigrafía está firmada y numerada a mano. Edición limitada de 20 unidades. Me apasiona la idea de la creación y la belleza de la imaginación pura. Veo mi obra como una ventana a un mundo paralelo, un mundo al que todos podemos pertenecer; un mundo donde la belleza del período Edo japonés se enfrenta al poder de los símbolos actuales de la cultura occidental y la modernidad. Como mujer mitad japonesa, criada en uno de los países más homogéneos del mundo (Japón), pasé gran parte de mi vida buscando un sentido de pertenencia. Esto me impulsó a crear mi propia realidad, una realidad de emociones Shuiro. -Shishidomia

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La primavera volverá - Impresión giclée de edición limitada XXL Pop Street Artwork en papel de bellas artes del artista moderno Alex Garant. 2021 Firmada 24x36 Edición Limitada de 50 Acabado Mate y Relieve

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Soundwave 14. Pintura acrílica original de Rich Pellegrino. Obra de arte única sobre panel de gesso del artista pop de arte callejero. Pintura acrílica original firmada de 2014, tamaño 4x4, de Soundwave, personaje de Transformers, película, cómic y serie de televisión, robot de ciencia ficción. Soundwave 14 de Rich Pellegrino: Una fusión de ciencia ficción y arte pop callejero Soundwave 14, una pintura acrílica original de Rich Pellegrino, representa una magistral fusión de cultura pop y arte urbano. Terminada en 2014, esta pieza única captura el icónico rostro de Soundwave, un personaje muy querido del universo Transformers. Con unas dimensiones de 10x10 cm sobre un panel de gesso, la obra es compacta pero impactante, demostrando la habilidad de Pellegrino para evocar la esencia de su tema en un espacio mínimo. Transformers y el atractivo de Soundwave Soundwave es uno de los personajes más reconocibles de la franquicia Transformers, presente en cómics, series de televisión animadas y películas taquilleras. Conocido por su estoicismo y el diseño único de su reproductor de casetes, Soundwave ocupa un lugar especial en la ciencia ficción y la cultura popular. La interpretación de Pellegrino enfatiza los rasgos angulares y mecánicos del personaje, plasmados con pinceladas audaces y dinámicas que resaltan su presencia como máquina y como persona. La paleta de colores, tenue pero vibrante, captura el equilibrio entre la naturaleza fría y robótica de Soundwave y su enigmático papel como una figura leal pero calculadora. El estilo artístico de Rich Pellegrino Rich Pellegrino es reconocido por sus vibrantes y expresivos retratos de personajes icónicos, fusionando la estética del arte pop urbano con técnicas contemporáneas de bellas artes. Su estilo se caracteriza por pinceladas audaces, texturas superpuestas y una aguda atención al detalle que da vida a sus personajes. En Soundwave 14, Pellegrino demuestra su habilidad para condensar la complejidad de un personaje en una sola imagen íntima, haciéndola accesible tanto a los fanáticos de Transformers como al arte moderno. El uso de acrílico sobre un panel de yeso crea una superficie texturizada que realza la cualidad mecánica del diseño de Soundwave. El tamaño compacto de la pintura invita al espectador a observarla de cerca, enfatizando sus intrincados detalles y su composición dinámica. Este enfoque refleja la esencia del arte pop urbano, que busca cautivar al público con imágenes impactantes e inmediatas, incorporando a la vez elementos de crítica cultural. Onda sonora en el arte pop callejero y el grafiti Como personaje arraigado en la ciencia ficción y la cultura pop, Soundwave se ha convertido en un motivo recurrente en el arte urbano y el grafiti. Su diseño geométrico y su fuerte identidad visual lo convierten en un tema natural para los artistas urbanos que exploran la tecnología, la individualidad y la nostalgia. La pintura de Pellegrino se inscribe en esta tradición, reimaginando a Soundwave a través del prisma del arte moderno y preservando su esencia icónica. Soundwave 14 rinde homenaje a Transformers y, a la vez, demuestra el poder del arte urbano para reinterpretar símbolos familiares. Al combinar su estilo artístico distintivo con el atractivo perdurable de un personaje entrañable, Pellegrino crea una obra que conecta tanto con los fans como con los amantes del arte, uniendo los mundos de la cultura pop y las bellas artes.

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Miniatura de archivo de Chief por Emek Golan. Edición limitada en papel de bellas artes de archivo, arte moderno de graffiti pop y de artistas callejeros. Impresión firmada y numerada de 2015. Edición limitada de 500 ejemplares. Tamaño de la obra: 8x10 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Profundidad cultural en la obra de Emek Golan Esta obra presenta un evocador retrato de un jefe, rico en detalles simbólicos y ejecutado con la precisión de línea que caracteriza el estilo de Golan. El tocado del jefe, adornado con intrincados patrones y circuitos electrónicos, reflexiona sobre la fusión de la tradición con la modernidad. Aborda temas como la identidad, el progreso y la pérdida de cultura ante el avance de la tecnología: una narrativa profundamente arraigada en la esencia del arte urbano. «Chief Mini Archival Print» de Emek Golan es una poderosa representación de la intersección entre el arte pop urbano, el grafiti y las bellas artes modernas. Esta pieza, lanzada en una edición limitada de 500 ejemplares, es una impresión firmada y numerada que muestra la visión única y la impecable técnica de Golan sobre papel de bellas artes de archivo. Técnica artística y calidad La elección de pigmentos de archivo por parte de Golan para la "Impresión de Archivo Miniatura del Jefe" refleja su compromiso con la calidad y la durabilidad, garantizando que la profundidad del color y el detalle perduren. El tamaño de 8x10 pulgadas de la impresión la hace accesible, permitiendo que un público amplio aprecie la complejidad de la obra en diversos contextos. Su carácter de edición limitada subraya su valor como pieza de colección, ya que cada ejemplar forma parte de una serie selecta supervisada personalmente por Golan. El lugar de Emek Golan en el arte contemporáneo La obra de Golan destaca en la escena del arte contemporáneo por tender un puente entre la fuerza expresiva y cruda del arte urbano y la estética refinada del grabado artístico. Su trabajo es muy apreciado por su atractivo visual y su capacidad para suscitar reflexión y debate, características propias del mejor arte pop urbano y del grafiti. La "Impresión de archivo Chief Mini" de Emek Golan es una muestra de la habilidad del artista para traducir temas culturales y tecnológicos complejos en una obra de arte visualmente impactante. Constituye una importante contribución al campo del arte moderno, al encapsular el espíritu del arte pop urbano y del grafiti en una forma a la vez accesible y profunda.

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Beethoven- Fidelio Edición Limitada Serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m² por John Van Hamersveld Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. Edición limitada de 2020, firmada y numerada (serie de 100). El trabajo de John trasciende el mundo del surf. Ha creado carteles para artistas como Jimi Hendrix, Cream y Jefferson Airplane, entre otros. También ha trabajado en el ámbito corporativo, diseñando el logotipo clásico, los edificios de franquicias y la señalización de la cadena de restaurantes Fatburger, presente en más de 200 países.

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Obra de arte Bird Oysho, impresión giclée de edición limitada en papel de 330 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Conrad Roset.

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Abe Sapien 14 Pintura acrílica original de Rich Pellegrino Obra de arte única sobre panel de gesso del artista pop de arte callejero. Pintura acrílica original firmada en 2014, tamaño 4x4, del superhéroe de cómic Abe Sapien de la película Hellboy, cómic y serie de ciencia ficción para televisión. Abe Sapien 14: Un tributo al aliado acuático de Hellboy por Rich Pellegrino La obra «Abe Sapien 14» de Rich Pellegrino se erige como un evocador homenaje al querido personaje anfibio del universo de Hellboy. Reconocido por su meticuloso detalle y sus representaciones cargadas de emoción, el trabajo de Pellegrino da vida a esta enigmática figura, combinando a la perfección elementos de la cultura del cómic con la sensibilidad del arte pop urbano. La pintura captura la esencia de Abe Sapien, un personaje célebre por su inteligencia, sensibilidad y presencia etérea. Técnica y medio artístico La pintura, terminada en 2014, mide 10x10 cm y está meticulosamente elaborada sobre un panel de gesso con pintura acrílica. Este formato compacto pero impactante subraya la maestría de Pellegrino para capturar emociones y texturas complejas en un espacio reducido. La vívida paleta de verdes y azules utilizada para representar los rasgos acuáticos de Abe contrasta marcadamente con el fondo rosa, creando una llamativa yuxtaposición que refleja la fusión de elementos naturales y fantásticos inherentes al personaje. Este contraste consolida aún más su lugar dentro del ámbito del arte pop urbano, donde predominan los colores vibrantes y las composiciones audaces. El arte pop se encuentra con la cultura del cómic Abe Sapien, presentado por primera vez en los cómics de Hellboy creados por Mike Mignola, representa una mezcla de misticismo y heroísmo que ha cautivado al público en diversos medios, como el cine y la televisión. La interpretación de Pellegrino canaliza este legado icónico, impregnándolo con su propia voz artística. Los rasgos exagerados y los marcados contrastes rinden homenaje a la naturaleza gráfica del cómic, mientras que las pinceladas pictóricas y los tonos vibrantes lo sitúan firmemente dentro del arte pop. Esta síntesis de estilos destaca la habilidad de Pellegrino para tender un puente entre la estética del arte urbano y el vasto mundo de la narrativa del cómic. La contribución de Rich Pellegrino al arte moderno Como figura prominente del arte pop y urbano contemporáneo, Pellegrino reinterpreta constantemente personajes icónicos a través de su perspectiva única. Su habilidad para destilar la esencia de figuras culturalmente significativas como Abe Sapien en una sola imagen ejemplifica el poder del arte visual para evocar nostalgia y, a la vez, expandir los límites creativos. La escala íntima de la obra invita al espectador a una interacción cercana, fomentando una conexión personal con el personaje y la obra misma. «Abe Sapien 14» es un testimonio del impacto perdurable del aliado acuático de Hellboy, plasmado con la sensibilidad y la audacia que caracterizan la obra de Rich Pellegrino. No solo celebra el legado del personaje, sino que también refleja el diálogo en constante evolución entre la cultura del cómic y los movimientos artísticos contemporáneos.

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Beethoven - Oda a la Alegría. Edición limitada. Serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m² por John Van Hamersveld, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. El trabajo de John va más allá de la industria del surf. Ha creado carteles para artistas como Jimi Hendrix, Cream y Jefferson Airplane, entre otros. También ha trabajado en el ámbito empresarial, diseñando el logotipo clásico, los edificios de franquicias y la señalización de la cadena de restaurantes Fatburger, presente en más de 200 países.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Frida La Muerte AP Artist Proof Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print on Fine Art Paper by Urban Graffiti Modern Artist Brian Viveros. Prueba de artista AP 2013 Firmada y marcada AP Edición limitada Obra de arte Giclée 16x20 Frida La Muerte Frida Muerte. Brian Viveros y el concepto de prueba de artista en el arte pop callejero En el arte pop urbano y el grafiti, el concepto de prueba de artista tiene gran relevancia, ya que se trata de una impresión distinta a la edición estándar y suele considerarse más valiosa debido a su rareza y a la participación directa del artista. La obra «Frida La Muerte AP Artist Proof» de Brian Viveros ejemplifica este concepto. Publicada en 2013, esta impresión giclée de edición limitada sobre papel de bellas artes es un testimonio del talento de Viveros y su influencia en el mundo del arte. "Frida La Muerte" de Viveros: una intersección cultural «Frida La Muerte» es un ejemplo impactante de cómo Viveros explora la iconografía cultural y la expresión artística personal. La obra rinde homenaje a la legendaria Frida Kahlo, célebre por sus autorretratos que a menudo incorporaban representaciones simbólicas de heridas físicas y psicológicas. La interpretación de Viveros es una visión moderna que fusiona la imagen icónica de Kahlo con elementos del Día de los Muertos, creando una cautivadora yuxtaposición de vida, muerte e identidad. La importancia de la impresión giclée en las reproducciones de arte moderno La impresión giclée, conocida por su alta fidelidad a la obra original, es un método preferido para las reproducciones en el mercado del arte, especialmente para ediciones limitadas. La prueba de artista "Frida La Muerte AP" se beneficia de esta tecnología, presentando la obra de Viveros con una claridad y precisión cromática casi idénticas a las del original. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas), la pieza tiene un tamaño ideal que permite apreciar los finos detalles y las cualidades texturales del estilo único de Viveros. El atractivo de las ediciones limitadas de la obra de Viveros El atractivo de las ediciones limitadas como "Frida La Muerte AP Artist Proof" reside en su exclusividad y conexión con la visión original del artista. Cada lámina está firmada y marcada como Prueba de Artista por Viveros, creando un vínculo íntimo entre el artista y el coleccionista. Esta práctica eleva la lámina más allá de una mera reproducción, transformándola en una obra de arte con su propia historia y valor de colección. El impacto de "Frida la Muerte" en el arte callejero pop y el grafiti La obra "Frida La Muerte AP Artist Proof" de Brian Viveros ocupa un lugar singular en el arte pop urbano y el grafiti. Refleja la creciente tendencia del arte urbano a incursionar en las galerías, desafiando las nociones tradicionales de las bellas artes. La audacia de las imágenes y la profundidad temática de la impresión encapsulan la influencia de Viveros en el género, demostrando su habilidad para integrar narrativas culturales en su arte. "Frida La Muerte AP Artist Proof" es una obra significativa en la trayectoria de Brian Viveros y dentro del contexto más amplio del arte pop urbano y el grafiti. Es un ejemplo paradigmático de cómo las ediciones limitadas pueden plasmar el espíritu de la obra original de un artista, ofreciendo tanto placer estético como una conexión tangible con el universo del creador. La interpretación que Viveros hace de Kahlo a través del prisma del arte urbano contemporáneo continúa cautivando tanto al público como a los coleccionistas, consolidando su lugar en la historia del arte moderno.

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Impresión en bloque de lámina de prueba de impresoras PP de jeroglíficos modernos de Mike Giant, edición limitada de 1 color sobre papel de bellas artes Classic Crest Eggshell Neenah. Prueba de imprenta PP 2019 Firmada y marcada Edición limitada PP Tamaño de la obra 18x24 Impresión en bloque de lámina de cobre. Prueba de impresión en cobre "Grito de jeroglíficos modernos" de Mike Giant La obra de Mike Giant, "Modern Hieroglyphics Graffiti Copper PP Printers Proof", es una reflexión sobre la cultura urbana a través de la impresión con lámina metálica. Esta prueba de imprenta, firmada y marcada en 2019, captura la esencia del arte pop callejero y el grafiti a una escala que resuena entre coleccionistas de arte y entusiastas del arte urbano. Esta pieza de edición limitada, de 45,7 x 61 cm, es una representación singular de la visión del artista, plasmada en una llamativa lámina de cobre sobre papel Classic Crest Eggshell Neenah Fine Art Paper Solar White. La composición es testimonio de la reconocida habilidad de Giant para sintetizar numerosos símbolos e iconos profundamente arraigados en la cultura callejera. La lámina de cobre utilizada en la impresión añade una lujosa cualidad metálica a la obra, resaltando cada elemento con un brillo que contrasta bellamente con el fondo azul profundo. El uso de un solo color enfatiza los intrincados detalles de la impresión, permitiendo que cada icono destaque a la vez que contribuye a una narrativa coherente. Celebrando la cultura callejera a través de la iconografía En "Jeroglíficos Modernos", Mike Giant crea un léxico visual que traduce el complejo lenguaje de la cultura urbana en una serie de símbolos universalmente reconocibles. La obra recuerda a los jeroglíficos antiguos en su intento de documentar y comunicar a través de imágenes; sin embargo, los iconos elegidos son marcadamente contemporáneos, reflejando la inmersión del artista en la iconografía del skateboarding, la cultura del tatuaje y el grafiti. La designación de "Prueba de Imprenta" indica que se trata de una impresión utilizada para verificar la calidad antes de la producción de la tirada completa. Es una pieza rara, a menudo muy apreciada por su fidelidad a la intención original del artista. La firma y el marcado a mano de Giant autentican la originalidad de la impresión y su participación directa en su creación, estableciendo un vínculo entre el artista y el coleccionista. La obra de Mike Giant se erige como una declaración audaz dentro del Street Pop Art, donde se preservan y celebran los elementos estéticos y temáticos del grafiti. Su uso de la impresión con bloques de aluminio introduce una técnica tradicional en una forma de arte moderna, uniendo prácticas artísticas del pasado y del presente. La obra «Modern Hieroglyphics Graffiti Copper PP Printers Proof» refleja la vibrante energía de las calles y ejemplifica el potencial del arte urbano para trascender sus orígenes y encontrar su lugar dentro del panorama más amplio del arte contemporáneo. Con esta pieza, Giant contribuye al diálogo actual sobre el lugar del grafiti y la cultura urbana en el mundo del arte, asegurando que estas voces no solo se escuchen, sino que también queden inmortalizadas visualmente.

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Vampire USA Company of Thieves. Pintura original en aerosol, acrílico y técnica mixta sobre panel de madera por Ben Frost, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2013. Obra original firmada, pintada con aerosol y acrílico, montada sobre bastidor de madera y lista para colgar. Medidas: 24 x 32 pulgadas. Vampiros en EE. UU. de Ben Frost: Una audaz intersección de cultura y crítica «Vampire USA» de Ben Frost, perteneciente a la serie «Company of Thieves», es un vívido ejemplo de la perfecta fusión del arte pop moderno con la estética urbana. La impactante composición en aerosol, acrílico y técnica mixta sobre panel de madera encarna el espíritu rebelde que impulsa gran parte del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos. Creada en 2013, esta obra original firmada mide 61 x 81 cm (24 x 32 pulgadas) y está lista para colgar, ofreciendo una cruda crítica a la cultura estadounidense a través de la estética del arte urbano. El artista australiano Ben Frost es conocido por su obra visualmente impactante, que a menudo reinterpreta la iconografía del consumismo y la cultura popular para crear narrativas nuevas y provocadoras. «Vampire USA» ejemplifica el enfoque de Frost, utilizando símbolos familiares y subvirtiéndolos para criticar la sociedad estadounidense. El motivo del vampiro superpuesto a las estrellas y las barras de la bandera estadounidense crea una yuxtaposición inmediata e inquietante. El vampiro, tradicionalmente símbolo de parasitismo y depredación, se convierte en una alegoría de los aspectos más oscuros del sueño americano, sugiriendo una nación que se nutre de otros o quizás incluso de sí misma. La intensidad de la obra se ve acentuada por la elección de medios y técnicas de Frost. La crudeza y la visceralidad de la pintura en aerosol, a menudo asociada con el grafiti underground, contrastan con la precisión del acrílico para crear una pieza anárquica y meticulosa. Esta dualidad refleja la compleja naturaleza de la cultura estadounidense, donde el orden y el caos suelen coexistir. Descifrando el simbolismo en "Vampire USA" En «Vampire USA», la bandera no es solo un telón de fondo, sino parte integral de la narrativa. Las estrellas y las franjas se convierten en la piel del vampiro, en la esencia misma de su ser, sugiriendo que la entidad y la nación son inseparables. El uso del rojo, el blanco y el azul —colores que evocan patriotismo— se transforma en un grito visual que desafía al espectador a reconsiderar su comprensión de la identidad y los valores nacionales. La elección de pintar sobre paneles de madera también contribuye al impacto de la obra. La textura orgánica de la madera ancla la pieza en una realidad táctil, en contraste con la naturaleza etérea y a menudo efímera del grafiti. Es una declaración de permanencia, una afirmación de que las preguntas y los problemas que plantea la pintura no se desvanecerán con la luz del amanecer. «Vampire USA» es una poderosa obra de arte pop urbano que encarna la capacidad del género para reflejar y criticar la sociedad. La obra de Ben Frost captura el espíritu de la cultura contemporánea, utilizando el lenguaje de la calle para abordar temas profundos como la identidad, el consumo y la psique estadounidense. Mientras la obra permanece suspendida, lista para ser exhibida, sirve como un audaz recordatorio del potencial del arte para confrontar, inquietar e inspirar el diálogo.

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Serigrafía "The Van Man" de Jeremy Fish. Impresión manual a 3 colores sobre papel de bellas artes color crema de 298 g/m². Obra de arte de edición limitada. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, 2017. Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. Serigrafía. Serigrafía "The Van Man" de Jeremy Fish: Una fusión de fantasía y artesanía «The Van Man» de Jeremy Fish es una serigrafía de edición limitada que personifica la fusión entre el arte pop urbano y la artesanía exquisita. Lanzada en 2017, esta impresión artesanal es un testimonio del lenguaje visual único de Fish, que combina elementos absurdos con un detalle meticuloso. La obra, limitada a cincuenta ejemplares, está firmada y numerada sobre papel de bellas artes color crema de 298 g/m², lo que refleja el compromiso del artista con la calidad y la exclusividad. Con un tamaño de 40,6 x 50,8 cm, «The Van Man» presenta un diseño intrincado característico de Fish, conocido por su estilo ilustrativo que a menudo incluye animales, figuras míticas y escenarios antropomórficos. La obra representa a una figura barbuda con una furgoneta a modo de sombrero y un gato fumando en pipa acurrucado en su barba, transmitiendo una narrativa surrealista y cautivadora a la vez. El uso de tres colores en la serigrafía resalta la habilidad de Fish para crear profundidad y textura, a la vez que rinde homenaje al estilo clásico del arte pop urbano. El carácter lúdico e imaginativo de «The Van Man» se alinea con la filosofía del arte urbano, que a menudo invita al espectador a mirar más allá de lo cotidiano. La obra de Fish invita a la interpretación y celebra el placer de narrar historias a través de medios visuales. Como gran parte del arte urbano y pop, esta pieza está impregnada de un sentido de accesibilidad y un rechazo a la exclusividad que suele caracterizar al mundo de las bellas artes. Resonancia cultural de "El repartidor de furgonetas" en el arte callejero "The Van Man" refleja el espíritu cultural de la época que suelen plasmar el arte pop urbano y el grafiti. La furgoneta, símbolo de viaje y libertad, fusionada con la figura humana, sugiere una narrativa de aventura y la importancia del viaje por encima del destino. La inclusión del gato añade un toque de compañerismo y fantasía, rasgos que resuenan con el tono afectuoso y a menudo humorístico del arte urbano. Al incorporar imágenes icónicas con un toque fantástico, Jeremy Fish crea un diálogo con el espectador propio del arte pop urbano. La lámina sirve como deleite visual y como medio para contar historias, un lienzo sobre el que los espectadores pueden proyectar sus propias experiencias e interpretaciones. En este sentido, "The Van Man" no es solo una imagen, sino un tema de conversación que refleja el poder del arte urbano para involucrar a las comunidades en la imaginación colectiva. La edición limitada de la lámina y su proceso de creación artesanal también reflejan la naturaleza efímera del grafiti y el arte urbano, donde cada pieza es única e irrepetible. Esta escasez e individualidad reflejan la naturaleza transitoria del arte callejero, que puede ser alterado o borrado en cualquier momento, haciendo que cada visionado sea potencialmente exclusivo. Contribuciones artísticas e impacto de Jeremy Fish Las contribuciones de Jeremy Fish al arte pop urbano y al grafiti son significativas por su fusión de técnicas artísticas refinadas con la estética callejera. Su obra "The Van Man" demuestra la habilidad del artista para desenvolverse en ambos mundos, creando piezas apreciadas por coleccionistas y admiradas por aficionados al arte urbano. El intrincado proceso de serigrafía manual que emplea Fish recuerda al meticuloso estarcido presente en algunas de las obras de arte urbano más prestigiosas, demostrando un profundo respeto por la técnica dentro de un género que valora la espontaneidad y la autenticidad. Además, la obra de Fish es una encarnación contemporánea de la tradición del arte pop, con su juego referencial y la integración de símbolos culturales. "The Van Man", con sus líneas audaces y su paleta de colores simplificada, evoca una sensación de nostalgia sin dejar de estar firmemente arraigada en el presente. Esta dualidad es un sello distintivo del gran arte pop, que a menudo recurre al pasado para comentar sobre el estado actual de la sociedad. «The Van Man», de Jeremy Fish, es una obra cautivadora que tiende un puente entre la naturaleza efímera del arte callejero y la perdurabilidad de las láminas artísticas. Con esta obra, Fish contribuye a la narrativa del arte pop callejero y el grafiti como un espacio para la narración visual innovadora, accesible y atractiva. Siendo una de las cincuenta láminas editadas, «The Van Man» es una obra de arte única y un comentario cultural que encarna el espíritu de aventura y compañerismo inherente a la experiencia humana.

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José Uribe/ Robot de Futurama - Gigantes. Collage único de técnica mixta, intervenido a mano, sobre tarjeta de béisbol vintage por Pat Riot. Tarjeta vintage Topps de la MLB, original estampada en técnica mixta con capas y arte pop al estilo de José Uribe/Robot de Futurama - Gigantes.

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JJ Hardy/Soldado de la Segunda Guerra Mundial - Orioles. Collage único de técnica mixta, intervenido a mano, sobre tarjeta de béisbol vintage por Pat Riot. Estampado original de 2014 con técnica mixta superpuesta sobre una auténtica tarjeta vintage de MLB Topps con arte pop al estilo de: JJ Hardy/Soldado de la Segunda Guerra Mundial - Orioles

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Toxoplasmosis 1 Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop Casey Weldon. Obra de arte moderna. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2017). Tamaño de la obra: 12 x 12 pulgadas.

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Batman 14 Pintura acrílica original de Rich Pellegrino. Obra de arte única sobre panel de gesso del artista pop de arte callejero. Pintura acrílica original firmada en 2014, tamaño 4x4, del superhéroe de DC Comics, Batman, de la película, cómic y serie de ciencia ficción de televisión. Batman 14 de Rich Pellegrino: Un ícono moderno del arte pop callejero Batman 14 de Rich Pellegrino es una extraordinaria pintura acrílica que plasma la esencia del legendario superhéroe de DC Comics. Esta obra única, creada en 2014, captura la intensa melancolía del Caballero Oscuro. Con unas dimensiones de 10x10 cm, la pintura emplea el estilo distintivo de Pellegrino, combinando pinceladas audaces y expresivas con una paleta de colores vibrantes para reimaginar a Batman como símbolo de la cultura pop moderna a través de la estética del arte urbano y el grafiti. El enfoque artístico de Rich Pellegrino Rich Pellegrino es conocido por su habilidad para equilibrar el realismo con la abstracción estilizada, un talento que se aprecia plenamente en Batman #14. Utilizando acrílicos sobre un panel de gesso, Pellegrino crea profundidad y textura en la obra, mezclando capas de tonos apagados y vibrantes para resaltar los rasgos icónicos de Batman. Los penetrantes ojos blancos y la fuerte mandíbula del personaje emergen como puntos focales, contrastando con el fondo rosa más suave que desafía la tradicional iconografía oscura que suele asociarse con el héroe. Esta yuxtaposición refleja la innovadora visión de Pellegrino sobre el arte pop, fusionando elementos del grafiti urbano con técnicas de bellas artes para presentar una perspectiva novedosa de una figura clásica. Batman como ícono de la cultura pop El atractivo imperecedero de Batman lo convierte en un tema poderoso para el arte pop urbano. Como símbolo de justicia, resiliencia y misterio, Batman conecta con el público de todas las generaciones. La interpretación de Pellegrino va más allá del mero fan art, adentrándose en el peso simbólico del personaje. La pintura encapsula la dualidad de Batman como salvador y símbolo del miedo, utilizando pinceladas expresivas para transmitir su lucha interna. Al situar al Caballero Oscuro en el contexto del arte moderno, Pellegrino tiende un puente entre el medio del cómic y el significado cultural más amplio del personaje. La influencia del arte callejero en Batman 14 El arte pop callejero a menudo se nutre de la reinterpretación de iconos conocidos, y Batman 14 de Pellegrino ejemplifica esta práctica. El uso de pinceladas audaces y gestuales, junto con una paleta de colores limitada pero impactante, vincula la pintura con los movimientos del grafiti y el arte callejero. La obra de Pellegrino difumina los límites entre el arte culto y la expresión urbana, haciendo que Batman sea accesible tanto para los aficionados al cómic como para los coleccionistas de arte. El tamaño compacto de la pintura enfatiza aún más su íntima conexión con el arte callejero, evocando las pequeñas pero impactantes firmas de grafiti que dejan una huella imborrable en los espacios públicos. Batman 14, de Rich Pellegrino, es un testimonio de la convergencia entre la mitología de los superhéroes y el arte contemporáneo. Al reimaginar a Batman desde la perspectiva del arte pop urbano, Pellegrino no solo celebra el legado del personaje, sino que también redefine su papel como ícono cultural y artístico. Esta pintura es una pieza imprescindible para los coleccionistas que aprecian la fusión de la nostalgia del cómic con la energía dinámica del arte moderno.

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Hola Lukey, impresiones de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Fine Art de 290 g/m² de Luke Chueh, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2020). Tamaño de la obra: 12x12 pulgadas. La obra de Chueh se ha expuesto en galerías de todo el mundo, y algunas de sus pinturas también han sido reinterpretadas en juguetes de vinilo.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Phillies Leaders/Space Virus Bucket Collage único, intervenido a mano, técnica mixta sobre tarjeta de béisbol vintage por Pat Riot. Estampado original de 2014 con técnica mixta superpuesta sobre una tarjeta vintage auténtica de MLB Topps con arte pop como: Phillies Leaders/Space Virus Bucket

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Impresión giclée de edición limitada "Los dioses más allá de la oscuridad" sobre papel de algodón aterciopelado, obra del artista callejero contracultural Skinner. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una manipulación calculada.

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Edición limitada de la obra "20 Sided Guy" impresa en papel de bellas artes por Mike Mitchell, artista callejero contracultural. Edición limitada de 125 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 8x10 pulgadas. Hombre con un dado de D&D de 20 caras como cabeza. Impresión giclée de Mike Mitchell. Hombre de 20 lados en el arte pop callejero y el grafiti «20 Sided Guy» de Mike Mitchell es una obra imaginativa y humorística que fusiona la cultura pop con el surrealismo. Lanzada en 2014 como una edición limitada, firmada y numerada, impresa en giclée, esta obra mide 20x25 cm y forma parte de una tirada de 125 piezas. Reconocido por su habilidad para combinar elementos de la cultura pop con temas conceptuales profundos, Mitchell da vida a un tema poco convencional pero cercano en esta obra. Al fusionar la figura humana con un elemento icónico de los juegos de mesa, crea una imagen que conecta con los aficionados tanto a los juegos de rol de fantasía como al arte pop urbano y al grafiti contemporáneos. El concepto detrás del tipo de 20 lados La obra presenta una figura sentada en un sencillo taburete, con la cabeza sustituida por un gran dado rojo de 20 caras. Esto conecta inmediatamente con los aficionados a los juegos de rol de mesa, en particular a Dungeons & Dragons, donde el dado de 20 caras juega un papel crucial en la determinación del destino y los resultados. La cabeza del dado está decorada con diversas expresiones, cada una mostrando un estado de ánimo diferente, desde la euforia hasta la tristeza, reforzando el tema de la imprevisibilidad. La decisión de Mitchell de reemplazar una cabeza humana con un dado sugiere la aleatoriedad de la existencia. Juega con la idea de que la identidad se deja al azar, donde cada decisión puede cambiar el rumbo de una persona, como lanzar un dado en un juego. La pieza reflexiona sobre la imprevisibilidad de la vida, invitando a los espectadores a considerar cuánto de su propio destino está dictado por el azar frente al control. Esta exploración de la aleatoriedad se alinea con el espíritu del arte pop urbano y el grafiti, que a menudo comentan sobre el caos, la incertidumbre y la experiencia humana en un mundo en constante cambio. El estilo característico de Mike Mitchell en el arte pop callejero La visión artística de Mitchell está profundamente arraigada en la cultura pop, a menudo tomando iconos conocidos y dándoles giros inesperados, introspectivos o humorísticos. Su serie "Just Like Us" humaniza personajes de ficción populares, haciéndolos más cercanos y cotidianos. Sin embargo, con "20 Sided Guy", se inclina hacia el surrealismo, otorgando al sujeto una presencia casi existencial. A diferencia del grafiti callejero tradicional, que suele basarse en imágenes llamativas y enérgicas, la obra de Mitchell es limpia, pulida y refinada digitalmente. Su uso de sombreados suaves y fondos delicados permite que el sujeto sea el protagonista, haciendo que su obra resulte a la vez lúdica y reflexiva. Este contraste entre la temática surrealista y la ejecución refinada distingue su obra en el panorama del arte pop callejero y el grafiti. Los matices emocionales de El hombre de 20 lados A pesar de su apariencia desenfadada, la obra de arte transmite una sutil melancolía. La postura de la figura, con las piernas cruzadas y las manos sobre el regazo, evoca una sensación de contemplación. El fondo neutro y la forma en que el dado reposa sobre el cuerpo sugieren aislamiento, reforzando el tema de la introspección y la incertidumbre. El personaje parece estar a la espera, como si meditara sobre su próximo destino. Esta mezcla de humor y reflexión existencial es lo que hace que la obra de Mitchell sea tan cautivadora. «El tipo de 20 lados» es más que un homenaje lúdico a los juegos de rol: es una reflexión sobre el destino, la toma de decisiones y la imprevisibilidad de la existencia. Los aficionados a la cultura de los videojuegos encuentran nostalgia en las imágenes, mientras que los coleccionistas de arte aprecian el significado profundo que encierra la obra. Por qué el Hombre de 20 Lados es una pieza excepcional «20 Sided Guy» sigue siendo una obra muy codiciada entre los coleccionistas de arte urbano pop y grafiti. Su capacidad para conectar tanto con los aficionados a la cultura pop como con los amantes del arte la convierte en una pieza memorable y única. La combinación de simbolismo de videojuegos, humor e introspección la convierte en una obra cautivadora que sigue resonando en quienes la contemplan. La habilidad de Mike Mitchell para fusionar referencias culturales con temas más profundos garantiza que esta pieza siga siendo una contribución perdurable al mundo del arte urbano pop contemporáneo.

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Here We Go Edición Limitada Serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Gats- Graffiti Against The System Artista callejero de graffiti Arte pop moderno.

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Chris Tillman/Frankenstein - Orioles. Collage único de técnica mixta, embellecido a mano, sobre tarjeta de béisbol vintage, por Pat Riot. Impresión original de técnica mixta estampada de 2014 sobre una tarjeta vintage auténtica de MLB Topps con arte pop, al estilo de Chris Tillman/Frankenstein - Orioles

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Circa 98 - Edición limitada azul de 2 colores, serigrafía impresa a mano sobre papel grueso de archivo libre de ácido por Mike Giant x Dave Kinsey, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2014 Firmado y numerado por Dave Kinsey x Mike Giant. Edición limitada de 100 ejemplares. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serigrafía.

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Papel secante facial LSD Edición Limitada Impresión de pigmento de archivo Arte en papel secante perforado por Denial arte de la cultura pop LSD. Edición limitada firmada de 50 ejemplares (2019). Tamaño de la obra: 7,5 x 7,5 pulgadas. DENIAL es una artista canadiense cuya obra critica el consumismo y la condición humana. Aunque reside en Windsor, Ontario, DENIAL pasa gran parte del año viajando y exponiendo por Canadá y Estados Unidos. Denial se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su relevancia y su interés por generar comentarios que invitan a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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Ratón gótico macabro. Escultura original en papel maché con pintura acrílica. Obra de arte del artista Low Brow Justin Aerni. Escultura original firmada de ratón en papel maché, cinta adhesiva y acrílico, 7x5, 2011

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Serigrafía Twenty One AP de SNO x Shepard Fairey - OBEY Prueba de artista Serigrafía impresa a mano en papel de bellas artes Edición limitada Obra de arte pop callejero. Prueba de artista AP 2017. Firmada y marcada AP. Edición limitada original. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Impresión serigráfica. «Diseñé originalmente este póster para la primera exposición de mi galería Subliminal Projects en el 95 y ahora lanzan una serigrafía de edición limitada, remezclada por mi agencia creativa Studio Number One» - Shepard Fairey La serigrafía "Twenty One AP" es una pieza cautivadora que encapsula una época significativa en el mundo del arte contemporáneo, magistralmente creada por la colaboración entre SNO y el icónico Shepard Fairey, más conocido como OBEY. Esta prueba de artista (AP), serigrafiada a mano sobre papel de bellas artes, es un testimonio del brillante arte urbano que evolucionó hasta convertirse en una forma de expresión reconocida y prestigiosa. Curiosamente, esta obra no solo encarna la destreza artística, sino que también rinde homenaje a la rica historia de sus orígenes. El propio Shepard Fairey explicó la creación de esta obra, revelando que su diseño original se concibió para la exposición inaugural de su galería, Subliminal Projects, en 1995. En 2017, el mismo diseño cobró nueva vida y se reinterpretó a través de una serigrafía de edición limitada. Esta visión innovadora fue posible gracias a la agencia creativa de Fairey, Studio Number One, que fusionó la estética original con influencias modernas. La obra impresa representa una fusión de lo antiguo y lo nuevo, al igual que los artistas a quienes representa. Coincidiendo con este lanzamiento, se inauguró "Veintiuno", una exposición colectiva que conmemora los 21 años de trayectoria de Subliminal Projects. Celebrada en junio de 2017, la exposición buscó recuperar la esencia de las primeras exposiciones de estilo "hazlo tú mismo" que sentaron las bases de la identidad de Subliminal. "Veintiuno", como su nombre indica, rindió homenaje a los artistas clave en la historia de la galería, celebrando a quienes han dado forma a su pasado y a quienes prometen un futuro dinámico. La obra impresa y la exposición, entrelazadas, ofrecen una visión del espíritu perdurable y la evolución del arte urbano a lo largo de las décadas.

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Impresiones de pigmentos de archivo de edición limitada de Truth Automaton en papel de bellas artes de 310 g/m² de Nathan Spoor, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Esta obra es un ejercicio lúdico en el que me dejé influenciar por las ideas, palabras e imágenes de algunos pensadores creativos bastante radicales. La mayoría de los personajes son manifestaciones de las reacciones de Ralph Steadman ante la extravagante personalidad Gonzo de Hunter S. Thompson y mis propias interpretaciones de cómo se reunirían en torno a un valor fundamental en la obra de Hunter: la eterna búsqueda de la verdad. Al crear esta pieza, me inspiraron los artículos dobles que escribí para Juxtapoz el año pasado: un reportaje de portada sobre Steadman y otro sobre Hunter. Investigué durante unos tres meses, leyendo todo lo que pude encontrar, viendo todas las imágenes, artículos, documentales y entrevistas disponibles. Coleccioné ediciones de los libros de ambos autores como parte de la investigación, buscando primeras ediciones o libros difíciles de encontrar de la obra de Steadman para poder tener en mis manos algo con esa energía original; puede sonar tonto, pero en cierto modo soy chapado a la antigua. Así que, mientras investigaba y leía, también se me ocurrían ideas y realicé una Un artículo de tamaño considerable sobre la locura colaborativa que compartieron Steadman y Hunter. - Nathan Spoor

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Impresiones de edición limitada Infinity Skull con pigmentos de archivo en papel de bellas artes blanco brillante de 310 g/m² del artista callejero de graffiti Sobekcis, arte pop moderno. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2015). Tamaño de la obra: 11,7 x 16,5 pulgadas. Ambas piezas se ajustan a la estética que hemos estado desarrollando durante el último año. Para ambas, optamos por trabajar parcialmente a mano y luego definir los elementos geométricos y los colores en el ordenador. Con la pieza «Cráneo Infinito», queríamos trabajar con una forma asimétrica, como ya habíamos hecho antes, y aunque no era la idea inicial, de alguna manera empezó a parecerse a una carta del tarot. Así que terminamos la obra en esa dirección. Para «Crystalpecker», la idea era usar el mismo contorno del pájaro, pero invertido, y también con diferentes combinaciones de colores para crear de nuevo ese tipo de simetría, como con el cráneo. Simplemente lo rompimos con el fondo para que no fuera perfectamente simétrico. - Sobekcis

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Obra de arte en espera, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Oneq.

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Impresión giclée de edición limitada de Immortan Joe en papel de bellas artes por Mike Mitchell, artista callejero contracultural. Impresión giclée de 2015, 30,5 x 40,6 cm (12 x 16 pulgadas). Numerada a mano. Impresión giclée de Immortan Joe por Mike Mitchell.

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Stuck 02 Obra de arte Giclée Edición Limitada Impresión Surrealista en Papel de Bellas Artes 100% Algodón del Artista de Graffiti de la Cultura Pop Naoto Hattori.

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Beautiful Dreamer 5 Edición Limitada Serigrafía de 2 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Aelhra, artista de graffiti callejero, arte pop moderno. 2012 Edición limitada firmada y numerada de 10 ejemplares. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas .

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DockLSD (No Hitter) Papel secante Edición Limitada Impresión de pigmento de archivo Arte en papel secante perforado de Pat Riot Arte pop de la cultura LSD. Creé el retrato de DockLSD en 2018. El original mide 48”x36” y está hecho con chicle masticado. Dock Ellis fue un jugador de la MLB que lanzó un juego sin hits ni carreras para los Piratas de Pittsburgh el 12 de junio de 1970 mientras estaba bajo los efectos del LSD.

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